【BON音樂】世界知名管弦樂團介紹 – 柏林愛樂（Berliner Philharmonic）
Berliner Philharmoniker 2025 in Taiwan
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柏林愛樂樂團（Berliner Philharmoniker，簡稱柏林愛樂，舊名Berliner Philharmonisches Orchester），德國管弦樂團，成立於1882年。普遍認為柏林愛樂是世界頂級的管弦樂團。
2025年 柏林愛樂訪台20週年
筆者介紹 柏林愛樂可說是世界最知名的交響樂團，因為他們不僅「高規格」，還能持續不斷「創造規格」。不但音樂家們已進入柏林愛樂為榮，指揮家們更以能指揮柏林愛樂為傲。想瞭解柏林愛樂，一定要認識他們的樂團生態和百年傳統～成立於1882年的柏林愛樂，其實距今也才138年歷史，但是樂團數不完的故事與「為數甚少的音樂總監」，反而構成他最特別的傳統與獨特的地位。在這本篇文章中，蹦藝術將介紹有關《柏林愛樂》的歷史，歷任音樂總監與精彩的演奏曲目，喜愛音樂的您絕對不容錯過～
2021年柏林愛樂再獲《留聲機》（Gramophone）雜誌票選全球十大管弦樂團之一，名次票選中（2021.08.04.更新）
全球公認最佳古典音樂交響樂團之一 ~ 柏林愛樂 1882 年由 50 位音樂家共同創立，柏林愛樂以如絲綢般精緻的音色與滴水不漏的樂團演奏著稱於世，與維也納愛樂並稱全球兩大樂團巨擘。
柏林愛樂團員所演奏的音樂，是指揮家口中「夢寐以求的奇蹟」，樂團獨特等級舉世無雙， 演奏能力、卓越的個人素質、高度團員默契等等，是一個讓指揮備感壓力的黃金樂團，當今世上 的指揮，若獲得與柏林愛樂合作的機會，都會認為是一份無上的榮耀。 1882 年由 50 位音樂家共同創立。這一百多年的歷史中，「柏林」能從其他歐洲知名樂團中 脫穎而出，列名「世界之冠」，歷任偉大指揮的帶領，是鑄造當今地位的最大原因。從畢羅、尼 基許、福特萬格勒到卡拉揚，這些偉大的指揮家，以他們的過人的藝術內涵，奠定了柏林愛樂的 傳奇聲譽。 早期兩大指揮為漢斯.馮.畢羅及亞瑟.尼基什，客座指揮有包括布拉姆斯、葛利格、馬勒 和理查.史特勞斯......等，這些大名鼎鼎的作曲家，於二十世紀則有福特萬格勒、傑利比達克、卡拉揚及阿巴多與樂團共創黃金年代。 尼基什特色是忠實原譜、動作精密嚴格，在任內擴寬了樂團的演出曲目，是奠定「柏林」達到世界一流地位的指揮。 而對柏林愛樂影響最深的指揮為福特萬格勒與卡拉楊；福特萬格勒的音樂詮釋超然直觀，卡拉揚的手法獨特完美，樂團如今的演奏風格就在兩人的雕琢下蔚然成型。 至這兩位指揮之後，柏林愛樂以如絲綢般精緻的音色與滴水不漏的演奏著稱於世，與維也納愛樂並稱全球兩大樂團巨頭。卡拉揚在柏林的晚期與團員產生摩擦，樂團的藝術水準逐漸產生負面效應。 1990 年起阿巴多正式擔任柏林愛樂第五任藝術總監，他精準洗鍊的特質以及熱情洋溢的義大利風格，迷人的音樂詮釋風格與長期於世界大樂團音樂經歷與指揮實力，無論音色的細膩度、細節之處理與技巧的洗鍊， 又再次帶領柏林登上音樂藝術的另一座峰頂。 讓他在接掌柏林之後，跳脫卡拉揚時代的德奧主軸，開拓更寬廣的演奏錄音曲目，並以特定主題如希臘悲劇、莎翁作品等作為演出中心，並將現代音樂納入樂團曲目，為柏林的音樂注入更強的活力，他的音樂詮釋與藝術成就開創新的「阿巴多的柏林之聲」。後因阿巴多罹患胃癌，並曾在舞台上暈眩昏倒過，暫停執掌柏林愛樂的指揮。 而自 2002 年起，賽門拉圖.繼任音樂總監持續帶領樂團邁向巔峰，並在全球各大職業樂團間持續維持翹楚地位。 現任音樂總監為基里爾·佩特連科（2019年8月19日起到任），同時兼任德國巴伐利亞國家歌劇院音樂總監。曾於2014年獲德國雜誌《歌劇世界》（Opernwelt）評選為「年度最佳指揮」。（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
柏林愛樂大事記
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索） 1882 年由 50 位音樂家共同創立。 1895年，尼基什擔任樂團的首席指揮。在他的手中，柏林愛樂成為世界頂級樂團，演出曲目大大拓寬。 1923年，尼基什逝世，樂團的首席指揮由36歲的福特萬格勒擔任。福特萬格勒帶領樂團做了不少巡迴演出，使得樂團的霸主地位進一步穩固。 1944年，在二戰的硝煙中柏林愛樂大廳被炮火摧毀，樂團在教堂的場合繼續演出。 1945年4月15日，柏林被攻陷前的最後一場音樂會。 1945年5月26日，指揮里奧·波查德就在廢墟中指揮樂隊舉行了戰爭結束後的首場音樂會。 1945年，羅馬尼亞指揮柴利畢達克成為樂團首席指揮。 1947年，福特萬格勒重返柏林愛樂。 1952年，福特萬格勒再次就任音樂總監。 1954年，福特萬格勒逝世。（據說臨終前時的福特萬格勒並不願意讓卡拉揚接任。） 1955年，卡拉揚成為柏林愛樂首席指揮。樂團人數達120人，成為一個可演奏所有規模作品的演出團體。 1956年，卡拉揚成為樂團終身首席指揮。這是音樂史上最成功的樂隊指揮組合。通過巡迴演出，音樂節演出和灌錄唱片，樂團的國際聲譽達到最高峰。兩者合作的34年間，錄製唱片無數。 1959年，在卡拉揚帶領下，樂團為德國唱片公司錄音（理查·史特勞斯的《英雄生涯》）。搭成了鐵三角關係。 1963年10月15日，柏林愛樂大廳重新開幕。同年，卡拉揚指揮樂團灌錄貝多芬交響曲全集。 1967年－1970年，樂團在卡拉揚的指揮下錄製華格納尼伯龍根的指環全劇。 80年代，卡拉揚和樂團矛盾爆發，兩者合作減少。 1989年，卡拉揚去世，由義大利指揮家阿巴多出任樂團首席指揮。 從2002年至今，經由樂團成員選舉，決定由英國指揮家賽門·拉圖爵士接掌樂團。拉圖爵士致力於發展年輕的樂手。在他的手下，柏林愛樂的平均年齡最小。他還嘗試在柏林愛樂和維也納愛樂管弦樂團（維也納愛樂）之間建立一種合作關係。為此他還舉行過一場特別的音樂會，音樂會上他指揮柏林愛樂和維也納愛樂合奏。 2005年11月，拉圖率領樂團訪問中國大陸及台灣。在北京、上海、台北和香港四地演出。 2011年11月，拉圖再次率領樂團亞巡。並在數位音樂廳對全世界訂戶同步播映，規模極其盛大。 2015年6月22日，基里爾·佩特連科經選舉獲得大多數團員投票支持，成為柏林愛樂樂團首席指揮與柏林愛樂基金會藝術總監，賽蒙·拉圖則於2018年8月卸任離開樂團，之後擔任倫敦交響樂團首席指揮，即將於2023年出任BRSO首席指揮。
音樂欣賞
尼基什指揮柏林愛樂演奏貝多芬第五號交響曲錄音：
福特萬格勒指揮柏林愛樂 一
爭議的二戰納粹年代
卡拉揚一手打造出的34年柏林愛樂黃金年代（1955-1989）
紀錄片欣賞
自由民主的年代 – 阿巴多帶來多元自由的音樂詮釋
阿巴多縱橫當世兩大樂團柏林愛樂、維也納愛樂，超人的音樂才華，使他成為二次大戰後最優秀的指揮大師之一。他於 1933 年 6 月 26 日生於米蘭，被譽為最能繼承指揮奇才托斯卡尼尼的義大利指揮家。
頭戴德奧樂壇皇冠，手持義大利歌劇權杖
38 歲的阿巴多與維也納愛樂訂立終身指揮合約，帶領樂團展開了一系列的世界性巡迴演出。維也納愛樂自 1933 年起不設音樂總監，樂團成員自主性非常強，在樂壇甚至有「一群國王」的謔稱， 抗衡指揮的花絮時有所聞，這次，阿巴多終身指揮的工作，幾乎是打破維也納愛樂不設音樂總監的神話，也是對阿巴多指揮藝術的加冕。
阿巴多對音樂的推廣與貢獻不勝枚舉，不斷獲得來自各國頒贈的榮耀:義大利政府頒發給他最高 國家獎章、維也納愛樂樂團贈予他尼柯萊金獎、國際馬勒協會授予他金獎、德意志聯邦勳章……。
許多人稱譽卡拉揚為樂壇指揮帝王。阿巴多，戴著德奧樂壇皇冠，持秉義大利歌劇權杖，百忙中 不忘提攜音樂後輩，不汲於名利，全心發揚藝術與音樂真諦，這位真正兼具藝術、人格、才能的 偉大指揮家，已在樂史上寫下另一頁輝煌燦爛。
締造柏林新傳奇-「阿巴多的柏林之聲」 柏林愛樂團員所演奏的音樂，是指揮家口中「夢寐以求的奇蹟」，樂團等級舉世無雙，樂團能力 更是讓指揮備感壓力。1989 年卡拉揚逝世後第 86 天，柏林愛樂橢圓形排練大廳裏，120 位團員舉 行一場歷史性的秘密票選，將 56 歲的阿巴多迎向帝王寶座，擔任這「帝國樂團」一百多年歷史中 的第 5 任首席指揮。 柏林愛樂歷史中，從畢羅、尼基許、福特萬格勒到卡拉揚，他們的大師聲望及過人的藝術能力， 奠定了柏林愛樂的傳奇聲譽，但是卡拉揚在柏林的晚期與團員產生摩擦，開始產生負面效應，阿 巴多如何帶領柏林，成了舉世關注的焦點。上任之後，他寬和、謙虛的修養以及人本的思考定位， 願意放下身段與團員溝通的態度，獲得大力支持。 阿巴多精準洗鍊的特質以及熱情洋溢的義大利風格，完整的音樂經歷與指揮實力，讓他在接掌柏林之後，跳脫卡拉揚時代的德奧主軸，開拓更寬的演奏錄音曲目，為柏林的音樂注入更強的活力。 無論音色的細膩度、細節之處理與技巧的洗鍊，帶領柏林愛樂登上音樂藝術的另一座峰頂，他的 音樂詮釋與藝術成就開創出「阿巴多的柏林之聲」。
大師伯恩斯坦說:「他的眼睛裡有音樂」 阿巴多是一個非常注重研究原譜精神的指揮家，他認為研究越清晰深入，就能更貼近作曲家的中心意圖。尊重音樂家，是阿巴多的另一個特質，他認為「理解他人並尊重個性」是與演奏家或聲樂家合作的重點，畢竟，每個人對於任何一部作品，都會有自己的見解，「理解、溝通」是指揮 應盡的責任。
曾經合作過的音樂家們說過「在阿巴多的指揮之下，總是能輕易達到超水準的演出，因為他的手和眼睛，清楚傳遞音樂的中心思想」。在告別柏林愛樂的幾場演出中，阿巴多以驚人的意志力支撐罹患癌症的病痛，用一生對音樂的熱烈情感，爆發最動人的表演紀錄，即使身軀孱弱，「阿巴多眼睛裡的音樂」仍然燦爛地散發光芒，如同他 16 歲之時，指揮大師伯恩斯坦在他身上所感受到的。
幾乎全團都是獨奏家 – 迷人的管弦色彩，正是柏林愛樂獨門絕活
柏林愛樂訪台20週年（2005-2025）
王者再臨！柏林愛樂管弦樂團 首席指揮佩特連科 首度領軍 一同見證榮耀🌟
▍全球第一✨柏林愛樂管弦樂團 𝐁𝐞𝐫𝐥𝐢𝐧𝐞𝐫 𝐏𝐡𝐢𝐥𝐡𝐚𝐫𝐦𝐨𝐧𝐢𝐤𝐞𝐫 & 𝐊𝐢𝐫𝐢𝐥𝐥 𝐏𝐞𝐭𝐫𝐞𝐧𝐤𝐨 首席指揮 佩特連科 首度領軍登台！ 11/11-13 臺北國家音樂廳 王者再臨！二十週年・六度登台✨ 2025年，我們與柏林愛樂的故事還在繼續，一同再次見證榮耀✨
網路串流時代來臨 –
精彩節目全年不斷 – 數位音樂廳全球欣賞無距離
熱情、活力奔放的撼動風格
新世代音樂總監 – 佩特連科
基里爾・佩特連科（Kirill Petrenko，1972 – ）生於俄羅斯奧姆斯克，父母皆為音樂教師。少年時期隨家人移居奧地利，進入維也納音樂與表演藝術大學主修指揮。1995年以《費加洛婚禮》登上指揮台，展現精確的戲劇感與敏銳的結構掌握。1999年至2002年間擔任梅克倫堡國家劇院音樂總監，隨後出任柏林喜歌劇院首席指揮，以莫札特、理查・史特勞斯與華格納作品嶄露頭角。
2007年起接掌慕尼黑國家歌劇院，透過《諸神的黃昏》、《莎樂美》與《沒有影子的女人》（Die Frau ohne Schatten）建立國際聲望。他的指揮音樂語言嚴謹而內斂，音響乾淨透明，節奏與和聲層次分明，被歐洲樂評譽為「思考的詩人」。極少公開發言的他，以排練的深度與對樂團聲響的絕對掌控，形成一種近乎靜默的權威。
2015年當選柏林愛樂第七任首席指揮，2020年正式接任。他延續德奧傳統的純粹精神，不追求表面華麗，而以清晰、凝聚的音響與深思的詮釋，重新定義當代樂團領袖的典範。
▍Concert Info
11/11 (二) 19:45 臺北國家音樂廳
🎫 mna.tw/OpeningBerlinerPhilharmoniker
楊納傑克：《蘭吉亞舞曲》
Leoš Janáček: Lachian Dances
楊納傑克（Leoš Janáček，1854–1928）創作的《蘭吉亞舞曲》（Lachian Dances，JW VI/17）完成於1889年，是他最早展現民族風格成熟樣貌的管弦樂作品之一。所謂「蘭吉亞」指捷克摩拉維亞地區東北角的民俗區域，楊納傑克自年輕時便致力蒐集該地民歌、舞曲與語調節奏，本作正是在這些田野素材基礎上加以藝術化的結晶。
全曲原為鋼琴四手聯彈，後改編為管弦樂組曲，共六首舞曲。音樂以簡潔的動機構築與強烈的節奏脈動見長，木管與弦樂的對話模仿傳統小提琴與手風琴合奏的音色層次。旋律時而帶有短句重複與語音式節奏，預示他後期歌劇的語言特質。雖以民族舞曲為題，但結構嚴謹、調性與和聲運用具高度創造力，展現楊納傑克獨特的音樂語法。
《蘭吉亞舞曲》不僅是摩拉維亞民間音樂的藝術化紀錄，更代表著他從德奧浪漫傳統走向個人語言的重要轉折。它的節奏生命力與地方語調，使楊納傑克在民族樂派作曲家中獨樹一格，也預示日後《小交響曲》與《狡猾的小狐狸》那種充滿土地氣息的音樂世界。
Leoš Janáček: Lachian Dances (w. Score)
1. Starodávný I（古老之舞 I）0:06 /
2. Požehnaný（祝福之舞） 6:24 /
3. Dymák （煙霧之舞／勇士之舞）8:49 /
4. Starodávný II（古老之舞 II）11:03 /
5. Čeladenský（切拉登之舞／切拉登地區舞曲）16:57 /
6. Pilky（鋸木之舞／鋸舞）18:58
巴爾托克：《奇異滿洲人》組曲，作品73
Béla Bartók: The Miraculous Mandarin, Suite, Sz 73
巴爾托克（Béla Bartók，1881–1945）於1918至1924年間創作的《奇異滿洲人》原為芭蕾音樂，作品73即為其組曲版。劇本由梅寇·孟尼（Menhért Lengyel）撰寫，以都市寓言的方式揭示慾望、暴力與救贖。故事描寫三名歹徒指使少女在窗邊誘騙過路男子行搶，最後遇上一位神祕的「滿洲人」。
即使被毆打、刺殺、絞死仍不死，直到獲得少女真愛後才得以安息。
《奇異滿洲人》是東歐作曲家中最具代表性的表現主義芭蕾之一，可與史特勞斯《莎樂美》、貝爾格《沃采克》相提並論。巴爾托克在此以極端的節奏與不協和音，描繪都市的暴力、性慾與疏離感。這種題材在1920年代的歐洲屬於前衛乃至挑釁，反映了一戰後社會的混亂與人性撕裂。
《奇異滿洲人》也可視為管弦樂節奏與配器的實驗之作：巴爾托克以原始能量般的節奏層疊、強烈重音、非對稱拍號，與史特拉汶斯基《春之祭》（1913）的原始主義相互輝映；他的管弦寫作充滿「打擊化」思維，讓樂團如同巨大的打擊樂器運作，這在20世紀管弦技法發展中具有里程碑意義。
音樂以強烈節奏與原始能量貫穿全曲，結合民俗旋律、無調性和聲與複節奏結構。管弦樂運用極端音域與不協和音堆疊，塑造出城市的混亂與慾望的張力。開場以漸起的「都市喧囂」動機描繪街景，隨後的舞曲段落則轉為野性與催眠並存的節奏律動。
1926年組曲首演後，因題材過於暴力與情色而引發爭議，一度被布達佩斯禁演。然而今日，《奇異滿洲人》被視為20世紀初表現主義與民族風格交錯的代表作，其張力與聲響實驗預示了戰間期現代主義的核心語言。組曲版本保留戲劇精華，展現巴爾托克對節奏、配器與人性黑暗面的深刻觀察。
B. Bartók: Suite from The Miraculous Mandarin (with score)
00:00 序曲─混亂的城市 Introduction – The Chaotic City
01:27 幕啟─少女與三名竊賊 Curtain – The Girl and the Three Tramps
03:13 第一次誘惑之舞 The First Seductive Dance
04:41 衣衫襤褸的老色鬼登場 The Shabby Old Rake （彼得洛希卡「摩爾人場景」）
06:56 第二次誘惑之舞 The Second Seductive Dance
08:20 羞怯的年輕男子 The Shy Young Man
10:13 第三次誘惑之舞 The Third Seductive Dance
11:47 滿洲人進入房間 The Mandarin enters the room
13:59 少女開始遲疑的舞蹈 The girl begins a hesitant dance
18:44 她在擁抱中顫慄，而他追逐她 She shudders at his embrace and he chases her
21:03 三名竊賊突然跳出，捉住滿洲人並將他與少女分開 The three tramps leap out, seize the Mandarin and tear him away from the girl
23:06 滿洲人的頭忽然從枕間探出，凝視少女，滿懷渴望 Suddenly the Mandarin’s head appears between the pillows and he looks longingly at the girl
25:58 驚恐的竊賊討論該如何除掉他 The terrified tramps discuss how they are to get rid of the Mandarin
27:30 滿洲人的身體開始閃爍出綠藍色的光 The body of the Mandarin begins to glow with a greenish blue light
29:10 少女不再抗拒─他們終於相擁 She resists no longer – they embrace
《奇異滿洲人》組曲對多數聽眾而言並不「悅耳」，但它在音樂史上的地位並不以「好聽」為評價基準，而在於它如何以20世紀全新音樂語言，突破過去數百年作曲家之慣用作曲方式。
史特拉汶斯基：《彼得洛希卡》（1947版本）
Igor Stravinsky: Petrushka (Version from 1947)
史特拉汶斯基（Igor Stravinsky，1882–1971）的《彼得洛希卡》（Petrushka）原作於1911年，為迪亞基列夫的「俄羅斯芭蕾團」所委託。1947年他重新修訂為現行通行版本，主要為解決版權問題並精簡配器，使聲響更為緊湊透明。
故事設定於19世紀聖彼得堡嘉年華，描寫三個木偶：彼得洛希卡、芭蕾女伶與摩爾人～他們被魔術師賦予生命後展開的悲劇。彼得洛希卡擁有人類情感，卻因愛上芭蕾女伶而遭摩爾人殺害；最後，他的靈魂仍在夜空中現身，讓人在戰慄中故事嘎然而止。
音樂結構呈四場景連續設計，以絢麗的節奏與配器見長。史特拉汶斯基運用雙調性（bitonality）與多層節奏，創造出炫目的嘉年華氛圍。鋼琴被視為彼得洛希卡的「聲音象徵」，以乾脆的節奏與金屬質感表現木偶的靈魂。
1947年版的修訂刪減了龐大的銅管與打擊編制，並細化動機銜接，使全曲更具室內感與現代線條。《彼得洛希卡》象徵史特拉汶斯基從俄羅斯民俗風格邁向新古典主義的轉折，是20世紀音樂語法革新的里程碑之一。
「彼得洛希卡和弦（Petrushka chord）」
得洛希卡和弦（Petrushka chord）是史特拉汶斯基在《彼得洛希卡》（Petrushka, 1911）中創造的一種雙調性（bitonality）設計，堪稱20世紀音樂中最具象徵性的和聲之一。
彼得洛希卡和弦由兩個大三和弦同時疊置而成：
-
C大調（C–E–G）
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F♯大調（F♯–A♯–C♯）
兩者重疊後形成一組六音集合（C–C♯–E–F♯–G–A♯），呈現強烈的不協和與閃爍色彩，這種跨半音重疊的構造打破傳統功能和聲的重心，形成既衝突又活躍的聲響。
「彼得洛希卡和弦」被視為20世紀和聲現代化的象徵起點，開啟從調性中心轉向「複調性」思維之道路。它對後來的德布西、巴爾托克與蕭士塔高維契等作曲家皆產生深遠影響。
此和弦最著名的出現位置，是在第二場景「彼得洛希卡之室」中，當木偶獲得生命並陷入情緒爆發時。史特拉汶斯基用這個和聲象徵「意識甦醒」與「靈魂在機械身體中的掙扎」。C大調與F♯大調的衝突，正如彼得洛希卡的人性與木偶性、理智與面對慾望時的掙扎。
Stravinsky – Petrushka Ballet FULL （10:14）
【短紀錄片】彼得洛希卡和弦
Behind the Music: Stravinsky’s “Petrushka”
11/12 (三) 19:45 臺北國家音樂廳
冠名贊助：台積電文教基金會
🎫 mna.tw/TSMCBerlinerPhilharmoniker
舒曼：《曼弗雷德》序曲，作品115
Robert Schumann: Manfred Overture, Op. 115
華格納：《齊格飛牧歌》，作品103
Richard Wagner: Siegfried Idyll
布拉姆斯：C小調第一號交響曲，作品68
Johannes Brahms: Symphony No. 1 in C minor, Op. 68
11/13 (四) 19:45 臺北國家音樂廳
冠名贊助：#玉山銀行
🎫 mna.tw/ESUNBerlinerPhilharmoniker
舒曼：《曼弗雷德》序曲，作品115
Robert Schumann: Manfred Overture, Op. 115
舒曼具備極為敏銳的文學思維。他先後在萊比錫與海德堡大學修習文學與哲學，早年也曾以作家為志，甚至嘗試撰寫小說，這些經歷皆磨練了他在文字與思想上的直覺。1848年有機會為拜倫的劇詩《曼弗雷德》譜寫舞台配樂時，舒曼全心投入，傾注極大的熱情。雖然最終僅有〈曼弗雷德序曲〉憑藉戲劇張力與音樂感染力進入曲目典藏（其餘十五段作品因篇幅龐大而少演），但這部作品實際上是完整的作品115號樂譜，包含管弦樂、合唱與多位獨唱者的配樂段落。〈序曲〉於1852年3月由舒曼親自指揮首演，同年六月李斯特又在威瑪呈現了全套《曼弗雷德》音樂。
曼弗雷德：三部戲劇詩配樂（作品115）
Robert Schumann: Musik zu Byron’s Manfred, Op.115
舒曼於 1848 年開始為拜倫（Lord Byron）1817 年的戲劇詩《曼弗雷德》譜寫配樂，完整作品由一首序曲及十五段配樂組成，包含情節劇、獨唱與合唱等多種形式。序曲於 1852 年 3 月 14 日在萊比錫布商大廈首次亮相，後來成為整套作品中最常演出的篇章，也最受音樂史家重視。
作曲家雨果・沃爾夫曾讚譽這首序曲「以最節制的筆觸，呈現戲劇的核心與精神」，突顯其在戲劇濃縮與音樂象徵上的高度成就。德裔美國精神科醫師與音樂史學者彼得・奧斯特瓦爾德（Peter Ostwald）則指出，舒曼在創作此曲時正面臨幻聽與精神痛苦，序曲因此帶有強烈的心理陰影與內在緊張，成為理解晚期舒曼創作狀態的重要作品。
文學背景
曼弗雷德（Manfred）是拜倫同名戲劇詩的核心人物。故事描寫他因與繼妹阿思塔特（Astarte）陷入禁忌感情、並導致其死亡而背負沉重罪惡感，最終選擇遠離人世、隱居於阿爾卑斯山之中。他沉迷於科學與哲學，以求逃避折磨，卻從知識中獲得的只有更深的焦慮。「知識令人憂傷」是詩中的關鍵句，呈現理性思考無法療癒其創傷。
曼弗雷德召喚七個精靈尋求遺忘，也拒絕宗教救贖與魔鬼交易，象徵他堅持以自身力量承受痛苦。最終，他向阿思塔特的亡靈請求寬恕，並獨自面對生命的終局。拜倫筆下的曼弗雷德兼具浪漫主義的孤獨、反抗與自我探問，是十九世紀文學中典型的「拜倫式英雄」形象。
〈曼弗雷德序曲〉被公認為舒曼最傑出的管弦創作之一，精準傳達拜倫筆下那種迫切而深沉的絕望。開頭三個強烈的和弦之後，雙簧管與第二小提琴奏出痛楚的半音旋律；整體的暗色調編織出此曲陰鬱質感（曼弗雷德主題）。舒曼常被批評為多餘的聲部重疊，在此卻顯得恰到好處。當激情無法再被抑制，音樂爆發為一場狂亂的奔馳。其間偶有以大調閃現的抒情片段，如同短暫的希望之光，在陰暗背景中格外動人。
當樂曲進入中段，能量稍歇，長笛與雙簧管帶出（阿絲塔特主題段落 , 4’55”）銅管出現如聖詠般的片語，木管的孤立和弦由低音弦給出簡潔的回應。痛苦的追尋再次展開時，不難看出舒曼的配器技法對柴可夫斯基產生的影響。作品的降E調性透過連串的降E小調和弦再次穩固，伴隨著不安的小提琴動機（其中帶有全曲貫穿的不和諧四度音程）最終力竭消散，回歸於最初雙簧管的悲吟主題。
《曼弗雷德序曲》可視為舒曼心靈世界之展現：它以戲劇化的交響思維表達出人類意志的極限，為浪漫主義後期內省式音樂奠定重要典範。
Robert Schumann: Manfred Overture, op. 115 (1849)
0:09 – 開始（序奏）
0:54 – 嘆息主題（接入下行半音主題）
02:35 – 快板 嘆息主題 1
3:15 – 下行半音主題
3:42 – 轉為大調
4:55 – 阿絲塔特主題主題
6:04 – 下行半音主題擴展之第一變奏
6:42 – 下行半音主題第二變奏
7:52 – 嘆息主題快板再現
11:40 – 嘆息主題結束全曲（首尾呼應）
華格納：《齊格飛牧歌》，作品103
Richard Wagner: Siegfried Idyll
琉森．還能怎麼玩？
Part.1 華格納博物館 – 與柯西瑪的避居之地
8月拍攝於琉森華格納博物館的照片
在華格納與柯西瑪曾經居住過的故居，看著一幅幅的照片與資料，還寫下了給華格納便利貼～
齊格飛牧歌
E大調小型管弦樂團交響詩，WWV 103（寫於 1870年）
Tribschen，華格納與柯希瑪的避世田園小屋
撞臉華格納．Kuso一下
與幾位團員，在自由行時造訪華格納博物館
華格納居住於此時之油畫（左為科西瑪，右為李斯特）
除了歌劇之外，華格納還創作了少量管弦作品。主要原因是他不願意創作不屬於戲劇神聖性、或者他不符合他思想根本的音樂（亦即符合他創作的純粹性）。
《齊格飛牧歌》首演的樓梯間
華格納的《齊格飛牧歌》（Siegfried Idyll）原稿的完整標題是：「特里布森田園詩，帶有 Fidi 鳥歌與橙色日出，由理查送給他的科西瑪的交響生日祝福， 1870年。」（直譯）（Tribschen-Idyll, with Fidi-Birdsong and Orange Sunrise, presented as a symphonic birthday greeting to his Cosima by her Richard, 1870.）
而標題中的「齊格飛（Siegfried ）」其實不是指環四部曲中的英雄人物：齊格飛。反而是指他與柯西馬所生的小兒子「齊格飛」，他的小名是「菲迪」（Fidi）。
「橘色日出」則是指科西瑪臥房壁紙的顏色，它總是明亮地反射著晨光。
儘管有時會欣賞到由完整編制的管弦樂團所演奏之版本，但華格納最初是寫給為 15 位演奏者的小合奏團編制。
溫馨的首演故事是這樣的：
1870 年聖誕節早晨，華格納在秘密準備和排練《齊格飛牧歌》後，在住家的樓梯間召集了他預先約好的15人小型管弦樂團，並用實際演奏，喚醒了正在睡覺的科西瑪（科西瑪的生日是 12 月24 日；華格納一家人總是一起慶祝這一天和聖誕節假期）。
科西瑪被如此美妙的音樂驚醒，又驚又喜；在這場迷你首演後，華格納向科西瑪與孩子們展示了樂譜。
《齊格飛牧歌》是一部非常具有親密感的作品，因為這一年華格納和科西瑪相戀多年，也誕下了三個小孩，他們終於等到 1866 年科西瑪離開她的第一任丈夫、指揮家漢斯·馮·畢洛，華格納也終於等到了前妻敏娜離世，兩人經歷了許多充滿壓力的歲月，這年～其實只是他們結婚的第一年。
科西瑪在生日當天收到這麼美的樂曲作為禮物，當天不斷地哼唱，開心地飄上了天
據說原本華格納不打算出版這部作品，但迫於財務問題，他後來於 1877 年授予出版商出版。
《齊格飛牧歌》完整版本
布拉姆斯：C小調第一號交響曲，作品68
Johannes Brahms: Symphony No. 1 in C minor, Op. 68
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