【節慶長笛樂團】長期招募 - 歡迎加入節慶長笛樂團 - 週週團練 持續招募團員中~

【節慶長笛樂團】長期招募 - 歡迎加入節慶長笛樂團 - 週週團練 持續招募團員中

 

【節慶長笛樂團 ⋅ 樂團介紹】

節慶長笛樂團 Taiwan Festival Flute Ensemble

團長/指揮:林仁斌 Jen-Pin LIN

音樂總監:周欣穎 Hsin-Ying CHOU

節慶長笛樂團由知名音樂家林仁斌擔任團長兼指揮,長笛演奏家周欣穎擔任音樂總監,匯聚臺灣長笛演奏人才,致力於推動長笛合奏藝術的多元發展與創新實踐。樂團以豐富的策展經驗與國際視野,積極拓展長笛音樂的表現形式與文化深度,成為國內極具代表性的長笛合奏團隊。

透過舉辦主題音樂會、跨界合作企劃、國際藝術交流與大師工作坊,節慶長笛樂團不僅展現了對專業技藝的追求,更積極培育年輕世代的音樂人才,深化長笛藝術與世界文化的連結。樂團演出風格兼具細膩詮釋與當代創意,作品涵蓋古典、現代與原創曲目,呈現多樣而層次豐富的音樂語言。

近年更積極投入中音長笛與低音長笛的聲響探索,發展出以渾厚深邃的音色為基礎,融合高音長笛與短笛明亮光澤的獨特音響美學,創造出層次豐富、和諧動人的音樂語言,為長笛合奏注入嶄新生命與藝術視野。

2025年起,更策展長笛重奏創作計畫《詩與樂的相遇》,以「一詩一樂」形式,每月取材節氣流轉、當月節慶與日常感動,將詩意化為旋律,期望透過這些作品,能為人們帶來心靈感動的藝術體驗。

檔案照片:2018年8月份《暑假瘋長笛~快速學習 Let’s play!!!》活動照片
檔案照片:2018年8月份《暑假瘋長笛~快速學習 Let’s play!!!》活動照片

 

歷年重要活動紀錄 Highlights

 • 2025|於國家演奏廳舉辦《笛影輕舞的湖光傳說》音樂會,改編柴可夫斯基經典芭蕾舞劇《天鵝湖》,以長笛合奏團形式重新詮釋經典旋律演繹

 • 2024|主辦《臺北長笛合奏音樂節》於南港生技園區,集結多個長笛合奏團隊,共創交流盛會

 • 2023|獲邀代表臺灣赴日本川崎,參與國際長笛年會音樂會演出

 • 2022|與蘭陽博物館合作舉辦《長笛合奏音樂節》,推動藝文結合與在地連結

 • 2021|策劃線上音樂會《瓶中信VS.劇中歌》,突破疫情限制,持續推廣音樂藝術

 • 2020|舉辦年度音樂會《用長笛追劇》,創新演出形式,結合影劇配樂與情境敘事

 • 2019|代表臺灣於日本福岡長笛年會演出,展現臺灣長笛藝術國際能見度

 • 2018|主辦墾丁國家公園華泰瑞苑音樂營,融合自然景致與深度音樂體驗

 • 2017|獲邀參與日本川崎長笛年會,深化臺日文化與音樂交流

 • 2016|於義大利歌詩達郵輪大劇院舉辦音樂會,開拓海上國際舞台

 • 2015|獲邀赴日本濱松參與國際長笛年會,擔任臺灣代表演出團隊

 • 2014|於東京新宿舉辦臺日交流音樂會,促進兩國音樂人創作對話

 

精緻.細膩.扎實的合奏技巧鍛鍊

【節慶長笛樂團 ⋅ 師資介紹】

音樂總監 周欣穎老師

周欣穎老師 簡歷
周欣穎老師 簡歷

 

 樂團團長 ⋅ 指揮 林仁斌老師

 

精彩演奏欣賞

2018' 第五屆長笛國際藝術節 國家音樂廳 實況
杜普勒:《弄臣》歌劇幻想曲_雙長笛與鋼琴
Franz Doppler: "Rigoletto - Fantasie”, Op. 38
長笛/ 林仁斌 &  周欣穎
鋼琴/ 陳育志

https://www.youtube.com/watch?v=rLtvqgrEJJA


【節慶長笛子團 ⋅ 成立宗旨】

節慶長笛子團,目前有三團,團練時間固定在週六與週日,依據時段不同而命名,在進行全團活動時,整合成為最大團體「節慶長笛樂團」。

樂團由知名長笛演奏家林仁斌與周欣穎老師兩位專業演奏家與師資聯合帶領,每週規劃固定長笛樂團團練課程。

節慶長笛子團除了團練課程,並安排規律的基礎與技術練習,讓團員們除了享受合奏樂趣外,也能循序漸進,在每週課程裡一步步地鍛鍊自己的基礎演奏方法與技術,追求進步築夢的快練。

而除了團練課程外,樂團亦結合國內跨領域優秀師資與音樂業界強棒群,固定於每季舉辦各種精彩音樂主題講座,讓所有愛好長笛的朋友們除了以更有效率與正確的方法練團演奏之外、更能認識喜愛音樂的同好,一起規劃國內外音樂會演出,讓自己的音樂人生更加豐富精彩。

 

【參與資格】 

樂器自備 ⋅ 一顆喜愛音樂的心

【各團 團練時間】

*週六上午:合奏先修班
週六 10:00-12:00(五月起每週團練進行) 

*週六下午:節慶週六合奏團
週六 16:00-18:00(每週團練進行中)

*週日下午:節慶週日合奏團
週日 16:00-18:00(每週團練進行中)

 

【團練內容】

長笛演奏方法詳釋
長笛演奏技巧說明
長笛合奏樂譜準備
長笛合奏樂曲訓練
主題音樂講座規劃
樂團成果音樂會籌辦
銜接節慶長笛樂團演出行程

 

【團練地點】

位於台北市市區,鄰近「雙連」捷運站。


優良、安全的團練環境與教學品質,是節慶長笛樂團最重視的,因此我們貼心準備了:

❤️專業用心的教學師資
❤️舒適通風的團練環境
❤️充足定期的酒精消毒
❤️Hepa等級空氣清淨機
❤️給團員的專屬改編樂曲

【團練費用分攤】

團員共同分攤場地使用清潔費與材料費等,詳情請來信或來訊,會再詳細說明。


【聯絡方式

1. 歡迎洽詢節慶長笛樂團音樂總監周欣穎老師,主動傳送訊息與我們互動聯絡,提出您的問題:

→點擊加入周欣穎老師LINE

亦可點擊圖片,跳轉連結至LINE,加入後聯繫我們

2. 節慶長笛樂團團長&樂團指揮 林仁斌老師

林仁斌老師信箱
jenpin888@gmail.com


團練實況錄影

符合您演奏程度的貼心編曲💕

快樂、正確地吹奏長笛~歡迎加入節慶長笛樂團:

快樂的節慶各子團 團練日常

 

團員們好聽又可愛的團練影片

https://youtu.be/nT_itsKAYmo

 

https://www.youtube.com/watch?v=nBAHDlWIMxQ

 

https://www.youtube.com/watch?v=grs1zgelyqI

 

日本動漫《鬼滅之刃》主題曲 ⟨紅蓮華⟩

https://youtu.be/gaKnCtUztGA

 

常見問題:

Q:節慶長笛樂團的每週團練時段是?

A:各團練習時段如下:
*週六團先修團:每週六 上午 10:00-12:00 
*週六團進階團:每週六 下午 16:00-18:00
*週日團進階團:每週日 下午 16:00-18:00

 

Q:節慶長笛樂團每週都固定團練嗎?

A:是的。 時段如上所示。

每週六(上、下午)、日(下午)皆有固定團練時間。且各團進度基本維持一致,所以也方便偶爾不同時段團員可以更換練團時段。

 

Q:我的演奏程度能夠跟上大家嗎?

A:上課內容第一小時為技巧課,以所有演奏技巧為主,結合呼吸方法與演奏方法,達到持續鍛鍊基本功的目標。 第二小時為合奏,不同的曲目皆有不同程度的難易編曲,因此可以程度分配聲部,不會產生無法演奏的情況。

 

Q:可以請假嗎?

A:可以,但建議以更換當週其他時段為優先。為維護最佳團練品質,如需請假,本團規定是十週內不超過一次(含),或至其他時段團練完成補課。


【節慶長笛樂團 ⋅ 精彩活動照片】

歡迎參加節慶長笛樂團開心的行列,與我們一同以音樂會友,豐富精彩人生❤️

2025年度音樂會

2025年度音樂會主題 —— 柴可夫斯基《天鵝湖》😘

演出時間:6月25日(三)晚間19:30

演出地點:國家演奏廳

 

今年節慶長笛樂團將於6月25日週三晚間於國家演奏廳舉辦年度音樂會,我們竭誠歡迎喜愛長笛的您,加入我們的演出陣容。

每星期固定練習,所有團員一起共學、共同成長的優質團練品質與環境,讓節慶長笛樂團快速成長為從短笛、長笛、中音長笛、低音長笛到倍低音長笛全方位長笛合奏團

注重和聲與音色品質,更讓節慶長笛樂團演出廣受各界好評

我們致力於推動更專業與精緻的長笛合奏樂團,歡迎想一起長期練團與演出音樂會的夥伴們加入我們😉

6/25 音樂會華麗新DM~當《天鵝湖》遇上長笛合奏團

《天鵝湖》是柴可夫斯基最經典芭蕾音樂,以優雅動人的旋律與豐富層次,交織出夢幻與戲劇張力兼具的氛圍

本次音樂會,我們改編了多首《天鵝湖》經典樂曲:

序曲自憂傷而震撼地展開,鋪陳出命運的悲劇色彩。

劇中經典樂章各具魅力——《天鵝之舞》流淌著純潔與哀愁,《四隻小天鵝舞曲》輕盈靈巧,充滿躍動感,而《黑天鵝雙人舞》則以強烈對比與華麗技巧,將戲劇張力推向高潮,為演奏者提供絢爛發揮的舞台。

相關細節請以Line詢問:

 

2024 台北長笛合奏樂節

詳細活動請點擊 →

 

2023《笛光戀影》音樂會海報

2023年11月26日,週日下午15:00-16:30,節慶長笛樂團於齊格飛藝術中心舉辦歲末年度音樂會~

以長笛音樂交流,共享音樂會的美好午後時光。

 

感謝所有團員與音樂會來賓,音樂會順利圓滿落幕~

全體大合照

 

 

全體團員大合照

 

 

彩排+演出照片集錦

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

20230819_節慶長笛樂團於日本川崎長笛年會 音樂會彩排照片

 

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=HabeAZCWKjs

 

https://youtu.be/riwOuhTL6MA?si=n0PfZLWiTePcz1GS

 

 

 

 

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=faX_3c2mkms

 

20190810_節慶長笛樂團大合奏 團體照

20190810_節慶長笛樂團大合奏 團體照

 

2019年8月17日 - 節慶長笛樂團前進日本福岡行前音樂會全團合照

 

2019年8月17日 - 節慶長笛樂團前進日本福岡行前音樂會全體合照

 

20190823-節慶長笛樂團於日本福岡長笛年會大合照

 

 

2022年節慶長笛樂團年度音樂會

聖誕瘋爵士(VS)爵士風聖誕

 

2022年7月22日 蘭陽長笛音樂節

第十一屆節慶長笛樂團年度活動

 

特別課程《跟著大師吹長笛》

 

 

2020年節慶長笛樂團 特別主題研習課程(二)

 

2020年節慶長笛樂團 特別主題研習課程(三)

 

2019年10月 短笛體驗專題課程Part.1 :

2019年11月 短笛體驗專題課程Part.2:

 

活動照片

 

2019年12月 最新錄音室體驗課程 - 邀請知名錄音師左興

⟪與錄音師對談 - 如何應用數位錄音精進自己的演奏⟫ 

 

20191221-⟪與錄音師對談 - 如何應用數位錄音精進自己的演奏⟫

 

2018年8月份《暑假瘋長笛~快速學習 Let’s play!!!》活動照片

檔案照片:2018年8月份《暑假瘋長笛~快速學習 Let’s play!!!》活動照片
檔案照片:2018年8月份《暑假瘋長笛~快速學習 Let’s play!!!》活動照片

 

檔案照片:2018年8月份《暑假瘋長笛~快速學習 Let’s play!!!》活動照片
檔案照片:2018年8月份《暑假瘋長笛~快速學習 Let’s play!!!》活動照片

 

檔案照片:2018年7月份《節慶樂團華泰瑞苑》音樂營活動照片
檔案照片:2018年7月份《節慶樂團華泰瑞苑》音樂營活動照片

 

檔案照片:2017年8月份《節慶長笛樂團JFA日本川崎國際長笛年會演出》音樂會紀念活動照片

 

檔案照片:2017年8月份《節慶長笛樂團JFA日本川崎國際長笛年會演出》音樂會紀念活動照片

 

檔案照片:2016年7月份《節慶長笛樂團義大利歌詩達游輪日韓旅行》音樂會紀念活動照片

 

檔案照片:2016年7月份《節慶長笛樂團義大利歌詩達游輪日韓旅行》音樂會紀念活動照片

 

檔案照片:2016年7月份《節慶長笛樂團義大利歌詩達游輪日韓旅行》音樂會紀念活動照片

 

檔案照片:2015年8月份《節慶長笛樂團日本濱松長笛年會旅行》全體搭乘大井川鐵道紀念活動照片

 

節慶樂團檔案照片:2015年至日本濱松參加長笛年會表演與Peter-Lukas Graf, Philippe Bernold與Gary Shocker等長笛家拍照留念

 

2019年 3月份特別課程~

2019年 3月份特別課程 - 長笛大師 亞諾敘.巴林特(János Bálint)特別課 活動海報

 

3月份節慶長笛樂團要與國際長笛名家 ~ 亞諾敘.巴林特 János Bálint 近身對談囉💖 與一般大師班不同的是,這場特別課程我們可以與巴林特大師近距離交流,透過他的解說,更加了解長笛領域的點點滴滴與重要的知識,真是太令人期待了🌹

本場特別課程,節慶長笛樂團特別邀請長笛名家石雅老師擔任課程翻譯,林仁斌老師擔任活動主持,周欣穎老師負責整合大家的提問,本活動也特別感謝日本 Pearl Flutes 台灣總代理豪聲樂器的贊助與支持。

活動日期:2019年3月30號(週六)
活動時間:Pm 18:30-20:30
活動地點:豪聲樂器 藝術空間
活動地址:新北市新店區北新路三段207號2F(近⟪大坪林⟫捷運站)

2019年 7月27-28,《點燃你的長笛魂🔥》兩日特別課程

 

精彩活動照片

 

 


 

 

 


2019年8月份 日本福岡長笛年會 

精彩照片

 

 

最新!節慶中低音長笛樂團

由純粹中音長笛與低音長笛所組成的合奏團,音色低沈優美,非常耐聽喔~

https://youtu.be/DQW9bYiIOZA

 

💖每星期固定精彩團練課程

詳情請按這裡→持續招募新團員


【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家(五)風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家(五)風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

Great Russian Violist: David Oistrakh

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


古典音樂是你的生活必需品?
希望有機會能拓展對古典樂的了解?
跟著林仁斌老師一起認識偉大的音樂藝術!

《大人社團》與蹦藝術攜手開設古典音樂鑑賞課程,林仁斌老師帶領學員欣賞每首的獨特之處,讓您徜徉在樂曲中,更貼近音樂家的心血結晶,聽出更多況味與樂趣!

《延伸閱讀》大人的音樂欣賞線上直播課程好嗎?學員真實回饋分享

《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋,看他們用音樂為生活注入繽紛

 

蹦藝術音樂美食藝文之旅 行程總覽~

https://bonart.com.tw/bonart-music-trip-2024-25/

 

【精彩課程ing】

2025年3月起

★課程分為三系列早鳥優惠 $3,200元(定價3,600元,開課前七天將恢復定價),三系列合購享優惠 $8,900元(定價10,800元)

 

→【合購優惠】古典樂欣賞線上直播課(3/20週四下午班,共15堂)


主講人:林仁斌老師

 

你對古典音樂深深著迷,期待聽懂更多內容嗎?

不只對作品感興趣,也想多了解音樂家的背景?

跟著林仁斌老師一起揭開這層有趣又精彩的音樂面紗~

透過課程你會對音樂領域有更深一層的認識,林仁斌老師將帶領同學們從生平故事,去探究創作背景與作品的演奏,以及樂譜到創作技法解析、樂曲欣賞版本比較,細細感受各種精彩的詮釋,聽出更多音樂的世界樂趣!

 

探索系列一|弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家

在本系列中,林仁斌老師將帶您聚焦在「音樂家的歷史」,以深度的眼光與精彩的影音,認識20世紀五大傳奇音樂家,從「神弓炫技:海飛茲」、「大提琴泰斗:卡薩爾斯」、「波蘭王者:魯賓斯坦」、「大提琴傳奇:羅斯托波維奇」到「俠之大者:歐伊史特拉夫」,各個都充滿故事性,音樂更是迷人,您絕不可錯過!

 

  • 課程內容

      • 第一堂|神弓炫技小提琴之神:海飛茲

      「出生於俄羅斯(立陶宛)、三歲學琴,7歲首次公開演出,17歲全美公開演出」這短短的幾句話,是海飛茲生前寫的墓誌銘。演奏技巧極其完美,音準完美無瑕,幾乎從不出現錯誤,更被一代指揮泰斗托斯卡尼尼讚譽為:「唯一能演奏得完美無缺的藝術家」。本堂課程以豐富的影音資料,帶您走入小提琴之神海飛茲完美~近乎苛求的音樂世界

    •  
      • 第二堂|古典樂的大提琴泰斗:卡薩爾斯
    • 本堂課程,林仁斌老師將帶您認識西班牙著名的大提琴家、作曲家、指揮家:卡薩爾斯(Pau Casals, 1876 - 1973)。他是20 世紀上半全世界最傑出的大提琴家。職業生涯從14歲展露頭角,1905 年與小提琴家隆提博與鋼琴家科爾托組成黃金三重奏,更是20世紀初最傳奇的室內樂組合。經歷1936年西班牙內戰、移居法國,終身維護民主與人權,舉辦卡薩爾斯音樂節,每一舉措,均是音樂家的標竿。
    •  
      • 第三堂|波蘭鋼琴之藝術王者:金鈕釦魯賓斯坦

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識一生享有盛名,被公認為史上蕭邦音樂的最佳詮釋者之美籍波蘭裔鋼琴家魯賓斯坦。他將蕭邦音樂中的浪漫主義情懷和波蘭民族精神完美結合,更為蕭邦音樂賦予高尚的情感,取代感傷耽溺並注入清新與活力之詮釋;一生中所獲頒榮譽無數,更以大量的唱片錄音為世人留下珍貴的音樂資產,為鋼琴演奏藝術最重要之傳承者。

       

      • 第四堂|大提琴之聲傳奇締造:羅斯托波維奇

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識20世紀俄羅斯最具代表性之大提琴家、指揮家:羅斯托波維奇。1956 年起任莫斯科音樂學院教授,1964年被蘇聯當局授予「人民藝術家」稱號。演奏技巧極為精湛,無論是高難度的指法、弓法,或是複雜的音樂段落,他都能輕鬆駕馭、游刃有餘,能透過細膩的弓法控制,營造出如詩如畫的音樂氛圍,在指揮上亦享有盛名。

      • 第五堂|風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識1908年出生於烏克蘭奧德薩猶太家庭,1937 年比利時布魯塞爾易沙意國際小提琴大賽首獎(伊莉莎白皇后國際音樂大賽(Queen Elisabeth Competition)是全球最具聲望且競爭激烈的古典音樂賽事之一,尤其以其小提琴比賽聞名。該賽創立於1937年,由比利時小提琴家尤金・易沙意(Eugène Ysaÿe)與伊莉莎白女王共同發起,旨在發掘並扶持年輕音樂家的國際職業生涯。最初名為「易沙意國際音樂大賽」,以紀念小提琴大師易沙意。1951年起更名為「伊莉莎白女王國際音樂大賽」,以表彰伊莉莎白女王對音樂的熱愛與支持 。),音色以温暖醇厚著稱之歐伊史特拉夫。除了教學與演奏的卓越成就,歐伊史特拉夫作為蘇聯音樂文化最具代表性的人物,在國際舞台上積極推廣蘇聯音樂和文化,無論是浪漫主義作品中的柔情蜜意,或是古典主義作品中的嚴謹莊重,都是一代俠之大者

      ※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

大衛・歐伊史特拉夫(David Oistrakh, 1908–1974)

 

歐伊史特拉夫結合了俄羅斯學派厚重風格與歐洲詩意表現的靈魂,更是20世紀最具代表性與傳奇色彩的小提琴演奏家之一;他不僅以傑出的演奏技巧與音樂詮釋聞名,是一位深受世人尊敬的音樂家。

 

生平介紹

大衛・歐伊史特拉夫出生於1908年9月30日,當時俄羅斯帝國的烏克蘭敖德薩之猶太裔家庭。他自幼展現音樂天賦,五歲起進入敖德薩音樂學校學習小提琴,師從著名教師彼得・斯托里阿爾斯基(Pyotr Stolyarsky)。

1926年歐伊史特拉夫自敖德薩音樂學院畢業,畢業音樂會演出曲目涵蓋巴赫、塔替尼、普羅高菲夫等作品,展現出他18歲的早熟與備跨時代風格之演奏掌握能力。1927年,他與作曲家葛拉祖諾夫合作演出小提琴協奏曲,從此打開在蘇聯國內之演奏之路。

1930年與鋼琴家塔瑪拉・羅塔列娃結婚,1931年誕下兒子伊果・歐伊史特拉夫,而其子伊果日後在父親教育薰陶之下,亦成為國際知名小提琴家。

 

生涯發展

1934年起,歐伊史特拉夫進入莫斯科音樂院擔任教授,開始展開教學生涯,培育出兒子伊果・歐伊史特拉夫、基頓・克雷曼、皮凱森等知名小提琴家,成為蘇聯小提琴學派的中流砥柱。

歐伊史特拉夫陸續代表蘇維埃政府於國際間參與音樂大賽,先後於1935年華沙的韋尼奧夫斯基國際小提琴比賽中獲得第二獎,1937年更在布魯塞爾伊麗莎白女王國際大賽中奪得首獎,從此更開啟他的國際聲望。

歐伊史特拉夫於1955年於紐約卡內基音樂廳的演出,更被譽為二戰後蘇聯文化開放象徵之一。

1960年代起,他積極涉足管弦樂團指揮,指揮兒子伊果演出貝多芬協奏曲錄音,亦與鋼琴家李希特合作多場室內樂與協奏作品。

1974年於荷蘭阿姆斯特丹巡演期間病逝,享年66歲。

 

得獎紀錄
  • 1943年:史達林獎(藝術類)
  • 1953年:蘇聯人民藝術家
  • 1960年:列寧獎
  • 列寧勳章(1946, 1966)與榮譽勳章(1937)
  • 1966年:芬蘭獅子勳章大十字
  • 1967年:比利時利奧波德二世勳章大官
  • 1971年 & 1975年:葛萊美獎最佳器樂獨奏
  • 2003年:葛萊美名人堂

 

唱片與首演記錄

歐伊史特拉夫留下大量珍貴錄音,珍貴的紀錄有:

  • 蕭士塔高維契:第一與第二號小提琴協奏曲首演者
  • 哈查都量:小提琴協奏曲題獻者首演者
  • 與李希特、羅斯托波維奇合作室內樂錄音(如柴可夫斯基三重奏)
  • 樂團合作錄音:包括小澤征爾、卡拉揚、奧曼第等

其音樂詮釋以溫暖、深沉而兼具技術與歌唱性著稱。他錄製了貝多芬、柴可夫斯基、布拉姆斯、孟德爾頌、哈查都量等小提琴經典協奏曲,被譽為20世紀最權威詮釋之一。

 

教學理念與遺產

歐伊史特拉夫身為莫斯科音樂院教師,堅持結合高超技術與音樂性。他重視學生個性發展,鼓勵創造與獨立詮釋。他對學生慈愛而嚴格,被譽為蘇聯時期音樂教育良知之一。

其影響延續至今:莫斯科音樂院設有以他命名的大廳,歐洲與俄羅斯舉辦以他命名的國際小提琴比賽。紀錄片《David Oistrakh: Artist of the People?》深入剖析他如何在極權政治壓力下維持藝術誠信,成為時代之聲。

 

【BON話題】大衛・歐伊史特拉夫(David Oistrakh)哈查都量(Aram Khachaturian)《小提琴協奏曲》

哈查都量《D小調小提琴協奏曲》作品簡介

Aram Khachaturian: Violin Concerto in D minor (1940)

Aram Khachaturian (left) and David Oistrakh (Right)

合作緣起

大衛・歐伊史特拉夫與哈查都量兩人的合作始於1930年代末,當時在蘇聯體制內推廣新音樂的時代背景下,歐伊史特拉夫被視為蘇聯音樂的重要推手,而哈查都量則是來自高加索地區的新星作曲家。

 

1940年,哈查都量應歐伊史特拉夫之邀創作了後是最知名的小提琴協奏曲,首演更是大獲成功,也開啟了這首小提琴協奏曲至今演出不斷的佳評。

後來,哈查都量也為歐伊史特拉夫改編了《舞曲組曲》等作品,證明兩人合作的深度與信任感。

靈感.源源不絕

哈查都量的《D小調小提琴協奏曲》完成於1940年,是其最具代表性的協奏作品之一,也被視為20世紀小提琴作品中的佼佼者。

這首協奏曲獻給歐伊史特拉夫創作,並由歐伊史特拉夫親自擔任首演,歐伊史特拉夫在哈查都量的創作過程中提供了建議,甚至用自己的華彩段取代了作曲家原本寫的部分。哈查都量曾表示,創作這部協奏曲時靈感源源不絕,主題多到難以整理XD。

整首作品充滿著高加索地區亞美尼亞民謠的特色,無論是節奏、旋律和色彩感,三個樂章皆呈現出具有民族風格又符合浪漫與現代主義融合的特徵,一聽難忘

而哈查都量的音樂語言因為富於節奏變化感與旋律性,加上技術難度高,尤其在快速樂段中的雙音、泛音與快速琶音設計,需要極為敏銳的技巧與音樂判斷,更讓這首小提琴協奏曲成為重要的代表作。

樂章結構與音樂特色

第一樂章:堅定的快板 Allegro con fermezza (0:00)

這是一個鮮明且富於律動感的奏鳴曲式樂章,開場便展現東方風味的主題與強烈節奏。主題多變,並帶有即興風格的自由變奏感。旋律結構具有「講故事」般的語氣,類似民間吟唱者的表現。此樂章尤其講究弓法、節奏彈性與情感層次的掌握。

第二樂章:持續的行板 Andante sostenuto (15:53)

樂章開端由木管引出深沈的旋律,隨後由小提琴帶入抒情主題,仿佛亞美尼亞夜曲,瀰漫著哀愁與懷舊的氣氛。歐伊史特拉夫詮釋此段時,展現了其極富歌唱性與內在情感的弓法,猶如低聲細語的獨白。

第三樂章:甚快的快板 Allegro vivace (29:40)

終樂章是一場充滿爆發力與舞蹈感的狂歡。受喬治亞與亞美尼亞舞曲啟發的節奏結構,融合了快速顫音、拋弓、弦間跳躍與復音技巧,成為技巧展示的高潮場。此樂章要求演奏者不僅要有技術火力,更需有節奏控制與戲劇張力。

總譜版本欣賞(1965年錄音)

第一樂章:堅定的快板 Allegro con fermezza (0:00)

第二樂章:持續的行板 Andante sostenuto (15:53)

第三樂章:甚快的快板 Allegro vivace (29:40)

https://www.youtube.com/watch?v=pJCqWSLKcGA

1965年錄音

https://www.youtube.com/watch?v=TeKZAbFj83I

 

1954年錄音

00:00第一樂章:堅定的快板 Allegro con fermezza

14:03第二樂章:持續的行板 Andante sostenuto

26:04 - 第三樂章:甚快的快板 Allegro vivace

https://www.youtube.com/watch?v=yx41N09y0XM


十分精彩

蹦藝術精選歐伊史特拉夫十段影片(順序非正式排名)

蹦藝術精選大衛·歐伊史特拉夫(David Oistrakh)十段最具代表性的演奏影片,涵蓋他在協奏曲、室內樂與獨奏等不同領域的傑出表現,展現其深厚的音樂造詣與藝術魅力:

1. 布拉姆斯:D大調小提琴協奏曲,作品77

影片連結YouTube

版本:David Oistrakh 與莫斯科愛樂管弦樂團,指揮 Kyrill Kondrashin(影片連結可搜尋)

影片長度:約41分鐘

樂曲簡介:

布拉姆斯的《D大調小提琴協奏曲》於1878年完成,獻給他的摯友、著名小提琴家約瑟夫・姚阿幸(Joseph Joachim),並於1879年首演。這部協奏曲是浪漫時期最具份量的作品之一,其結構近似交響曲,融合了高難度的技巧與豐富的音樂性。全曲共三樂章,第一樂章廣闊深沉,展現出布拉姆斯式的結構嚴謹與情感層次;第二樂章以雙簧管領奏開場,充滿宗教式的靜謐氛圍;第三樂章則以匈牙利風格舞曲節奏作結,技術與表現力兼具。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

歐伊史特拉夫在此曲的詮釋中,將布拉姆斯的深邃結構與浪漫激情完美結合。他的運弓寬廣、音色渾厚溫潤,尤其在第一樂章呈現出一種穩重而不失動感的詮釋方式,處理第二主題與動機發展時充滿詩意。他在第二樂章中展現了極為細膩的歌唱性音質,使旋律如人聲般充滿情感。第三樂章的快速段落中,他並未純追求炫技,而是透過節奏的彈性與風格轉換,將布拉姆斯的「內在舞性」完整詮釋出來。他特有的音準準確性與極強的弓法控制,讓此曲成為小提琴詮釋的黃金標竿之一。

入選理由:

這段錄音與影像代表了歐伊史特拉夫藝術高峰時期的詮釋風格。布拉姆斯協奏曲極具挑戰性,需演奏者展現技術、詩意與結構感,而歐伊史特拉夫恰巧具備這三者的完美結合。他的詮釋兼顧形式與內容,充分體現俄羅斯學派的技術與德奧厚重音色音樂傳統的精神性。此版本也被廣泛認為是20世紀最經典的布拉姆斯小提琴協奏曲錄音之一,更常被選為音樂院的教學範例。正因其藝術成就與歷史份量,此版本毫無疑問可列入歐伊史特拉夫十大代表演出。

https://www.youtube.com/watch?v=RFkSiNp4CRQ

 


2. 柴可夫斯基:D大調小提琴協奏曲,作品35

影片連結YouTube

版本:David Oistrakh 現場錄音,與俄羅斯國家交響樂團,指揮 Gennady Rozhdestvensky(錄音年代:約1960年代)

樂曲簡介:

柴可夫斯基的《D大調小提琴協奏曲》創作於1878年,是他於克服情感與心理危機後創作出的代表作之一。此曲原為與小提琴家尤西夫・克特爾合作而寫,最終由阿道夫・布羅茲基於1881年首演。協奏曲以濃烈情感、奔放旋律與高難度技巧聞名,三樂章中尤以第一樂章的長型發展部與裝飾奏段落而著稱。第二樂章「抒情小品」(Canzonetta)則曲如其名~是一段抒情又浪漫之器樂歌曲,而第三樂章則帶有濃厚俄羅斯傳統民謠與民間舞蹈氣息。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

歐伊史特拉夫演奏此曲的詮釋,被譽為完美融合「技巧」與「情感」的典範。他並不著重誇張炫技,而是在豐厚音色中流露出深層情感。他對第一樂章開頭旋律線的處理,特別柔和寬廣,呈現出非凡的內在張力與沉穩節奏掌控。裝飾奏段落(cadenza)中,他並不強調速度,而著重於語氣的刻劃與旋律動機的邏輯性,使整段充滿敘事性。第二樂章中,他的弱音處理細緻,音色如呢喃低語,展現其聲音層次的驚人控制。終樂章則兼具彈性節奏與舞蹈動感,保持樂曲自然律動,將作品的歡樂與生氣靈活地演奏出來。

入選理由:

本演出之所以入選,是因為它代表了歐伊史特拉夫與俄羅斯音樂之高度融合。柴可夫斯基的協奏曲需要來自俄羅斯的「母語式詮釋」,歐伊史特拉夫不僅身為俄羅斯學派的代表,更透過他對民族旋律語感的掌握,賦予這首作品極高的詮釋權威性。此版本不僅被錄製於多張唱片中,也是 YouTube 超高觀看數的歷史錄音,成為全球小提琴家學習的重要參考版本之一。無論是藝術價值還是文化象徵,此演出皆足堪列入代表名單。

https://www.youtube.com/watch?v=gJ6g7FKfqZI


3. 蕭士塔高維契:A小調第一號小提琴協奏曲,作品77

版本:David Oistrakh 首演版本錄音(1955年錄音,與列寧格勒愛樂,指揮 Yevgeny Mravinsky)

影片來源:YouTube搜尋“Oistrakh Shostakovich Violin Concerto No.1 Mravinsky”

樂曲簡介:
此曲由蕭士塔高維契於1947-1948年間創作,原始作品編號為op.77,但因史達林政權於當時展開對“形式主義”作曲家的政治整肅,他擔憂此作風格不符官方期待,故延遲至1955年待歐伊史特拉夫首演時才正式問世,改編版本為op.99。全曲共包括四個樂章,包含:夜曲(Nocturne)、詼諧曲(Scherzo)、帕薩卡利亞舞曲(Passacaglia)及終曲滑稽曲(Burlesque)。風格獨特,兼具黑暗深邃與神經質諷刺,帶有強烈的內在戲劇性與精神掙扎。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

歐伊史特拉夫與蕭士塔高維契為深交,他在首演此曲時曾給予作曲家大量建議,兩人共同修訂了弓法與指法細節。這使得歐伊史特拉夫不只是演奏者,更幾乎成為該作品的共同創造者。他在夜曲中的處理特別值得稱道:低聲部的厚實音色與流動的長句如同輕聲吟唱,展現出極度抑鬱又不失尊嚴的氛圍。第二樂章的反諷節奏與斷音技巧,則被他處理得猙獰卻仍音樂化。帕薩卡利亞華彩段落中的長篇獨奏堪稱技術高峰,歐伊史特拉夫將其處理得如歌如訴,而非單純炫技。最終樂章的急促與強烈節奏,也被他以內在張力取代表層喧囂,表現出蕭氏音樂內核的絕望與掙扎。

入選理由:

此版本的歷史價值無可取代。歐伊史特拉夫不僅為此作首演者,更參與創作細節制定,擁有最原始的詮釋權威。他的演奏使這首被視為20世紀小提琴文獻中最困難的作品之一,轉化為情感與技術的完美結合。而在政治背景下,這部作品與歐伊史特拉夫的演出,共同象徵蘇聯音樂家如何以藝術面對審查與沉默。因此,此段影片絕對是他音樂生命中的高峰,也代表了蕭斯塔科維奇與歐伊史特拉夫兩位大師交會的光芒閃耀一刻。

https://www.youtube.com/watch?v=yLY8o6LHHZc


4. 貝多芬:D大調小提琴協奏曲,作品61(1959年錄影)

演出版本:David Oistrakh(小提琴)與柏林國立歌劇院管弦樂團,指揮 Franz Konwitschny(1959年實況錄影)

樂曲簡介:

貝多芬於1806年為小提琴家 Franz Clement 所作的《D大調小提琴協奏曲》原先並未獲得廣泛讚譽,直到約瑟夫・姚阿幸於1844年復興演出,並在孟德爾頌指揮下首度建立經典地位。

作品包含三樂章:第一樂章長達20分鐘,結構宏大、深具交響性;第二樂章以抒情慢板描寫沈思情懷;第三樂章則是一首節奏鮮明的輪旋曲(Rondo)。該協奏曲被譽為「交響化小提琴協奏曲的原型」,結構與哲思兼具,是古典與浪漫交界的藝術巔峰。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

歐伊史特拉夫的詮釋此曲,以「莊嚴中帶抒情,理性中見詩意」著稱。他不刻意追求華麗的表現,而以深厚的弓法與圓潤音色建立出安靜而深遠的語境。第一樂章中,他不搶節奏,而給予主題充足呼吸之時間,尤其是在低音管與弦樂交會處,展現出驚人的協調感與節奏彈性。他的裝飾奏(由克萊斯勒改編版本)處理極具哲思,不追求炫技技巧,而是專注於聲音的結構與色彩堆疊。第二樂章以毫不矯飾的真誠打動人心,其慢板弓法展現出歌唱般的呼吸與光影般細緻的音色轉換。終樂章則在其典雅之中保有古典舞曲風格的躍動與神采,顯見他對風格與內在節奏感的精準掌握。

入選理由:

此演出版本是歐伊史特拉夫在國際舞台最具代表性的貝多芬詮釋之一,被無數後世樂評家與音樂學者讚譽為「黃金詮釋」。首先,展現出一種真正符合貝多芬精神的平衡:強而不硬、柔而不弱。歐伊史特拉夫將這首具有哲學底蘊的作品化為人性與音樂性的結晶。他那「非技巧主義」的詮釋使得聽者不再只被炫技吸引,而是進入一個純粹聆聽、深層感受音樂脈動的世界。這份1959年的錄影,也完整保存了他舞台姿態與細膩控制的珍貴影像紀錄,是他對音樂詮釋之古典精神最具體之展現,因此絕對值得列入十大代表演出之列。

https://www.youtube.com/watch?v=vPBJFxPp59Q


5. 巴赫:E大調第二號小提琴協奏曲,BWV 1042(1962年)

影片連結YouTub

演出版本:David Oistrakh 與莫斯科室內樂團合作,指揮 Rudolf Barshai(錄音年代約1962年)

樂曲簡介:

巴赫的《E大調第二號小提琴協奏曲》創作於1720年前後,是他在柯登宮廷樂長任內所寫的三首小提琴協奏曲之一。此曲在形式上承襲義大利協奏風格,並展現出巴赫對主題發展與結構對稱的精緻控制。全曲分為三樂章:第一樂章明亮歡快,具有迴旋曲與小步舞曲的風格;第二樂章以G小調緩板進行,呈現抒情內在情緒;第三樂章則回歸快板,以生動對話與節奏為主要特色。此作品不僅是巴洛克小提琴曲目的經典,也是一種演奏者風格與演奏深度的試金石。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

儘管歐伊史特拉夫來自浪漫派與現代曲目的強項領域,他對巴洛克音樂的詮釋依然展現高度敬意與音樂智慧。他以自己的方式讓音樂自然流動。第一樂章中,他以柔中帶剛的弓法,展現出巴赫的主題發展邏輯,並透過呼吸式句法使自然旋律流動。第二樂章的慢板,正是歐伊史特拉夫最動人的演奏:以近乎靜止的速度,演奏出如深夜祈禱般的感受,音色沉穩不浮誇,令人屏息。第三樂章則展現了他一貫的節奏駕馭能力,選擇略慢但舞蹈感更為強烈的速度,使得每個聲部得以清晰顯現,呈現出極高的對位清晰度。

入選理由:

這版本演出之所以意義非凡,在於它讓我們看見歐伊史特拉夫如何以他一貫厚實溫潤的聲音語言,進入巴赫世界,而不渲染風格。他的詮釋不僅對風格忠實,更是一種深刻與音樂對話的實踐。在古樂演奏尚未復興的年代,歐伊史特拉夫的演出已能在不犧牲音樂性與內在邏輯的前提下,展現巴赫音樂的形式之美與深度。正因如此,此演奏不僅展現他作為全面音樂家的修為,也讓後世重新思考古典詮釋與現代音樂語言如何共融,是不可或缺的代表作之一。

https://www.youtube.com/watch?v=okVW4KCJoRw


🎻 6. 西貝流士:D小調小提琴協奏曲,作品47

影片連結YouTub

演出版本:David Oistrakh 與蘇聯國立交響樂團,指揮 Gennady Rozhdestvensky(錄音年份約1965年)

樂曲簡介:

芬蘭作曲家西貝流士(Jean Sibelius)創作的《D小調小提琴協奏曲》於1904年完成,隔年經重大修訂後於1905年出版。這部作品既是他唯一的小提琴協奏曲,也是整個20世紀最重要的小提琴曲目之一。曲式三樂章,其間融合了冷冽北歐情感與浪漫主義色彩,並包含大量極具挑戰性的技巧段落。第一樂章氣氛深沉、色彩變化極大,猶如夜間冰湖映影;第二樂章則如極地暮色中詠歎的輓歌;第三樂章以詭譎舞蹈節奏聞名,融合原始律動與細膩結構,挑戰演奏者的技巧與音樂性極限。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

歐伊史特拉夫對此曲的詮釋,被公認為史上最具「北歐靈魂」的版本之一。他不是從炫技切入,而是從音色與結構出發,使整體演奏如同一幅北方音畫。第一樂章中,他的進入極為克制,開場獨奏聲音溫潤含蓄,隨著主題發展逐漸開展出廣闊空間感。他以極高的音準與弓法控制,在高把位細線條旋律中展現夢幻與冷靜兼容的張力。第二樂章的深情慢板被他演奏得如同宗教詠嘆,音色極具歌唱性而不柔弱。他透過層層呼吸與弓速控制,使旋律像極地晨曦般緩緩浮現。終樂章節奏銳利、主題反覆,歐伊史特拉夫在保持舞蹈感之餘,以些微拉長句法、重點落弓突顯戲劇張力,使樂曲更具生命力。

入選理由:

此版本不僅是歐伊史特拉夫在北歐曲目中的代表作,更是20世紀最經典的西貝流士詮釋之一。在當時許多演奏者選擇強調技巧或速度的處理下,歐伊史特拉夫卻選擇以詩意與哲思帶出作品的深度。他讓這首協奏曲不只是小提琴的炫技場,而是如北地史詩般的精神旅程。此錄音至今仍被無數唱片公司重發與收藏,在YouTube與古典唱片評鑑中皆名列前茅。正因其演奏內容與藝術理念兼具高度,此版本毫無疑問地應列入歐伊史特拉夫的十大精彩影片之一。

https://www.youtube.com/watch?v=X74jHkUZRFw


🎻 7. 米亞斯科夫斯基:D小調小提琴協奏曲

影片連結YouTube

演出版本:David Oistrakh 與蘇聯廣播交響樂團,指揮 Aleksandr Gauk(1946年世界首演錄音)

樂曲簡介:

這部協奏曲是由俄羅斯作曲家尼古拉・米亞斯科夫斯基(Nikolai Myaskovsky)於1938年為歐伊史特拉夫創作。作品充滿濃厚抒情性與懷舊氣息,被視為作曲家在旋律與結構間取得最佳平衡的代表作之一。全曲為傳統三樂章架構,第一樂章相當完整,旋律悠揚沉靜具深厚歌唱性;第二樂章以間奏曲風格表現輕巧而詩意的轉折;第三樂章則轉為俄羅斯風格的歡樂舞曲,散發自由的生命力與技巧奔放。該作品在當時的蘇聯藝術環境中,是少數不但受到官方認可又具藝術價值的協奏曲之一。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

歐伊史特拉夫是此作品的原創演奏者與推廣者,他的演奏為後世建立了詮釋的標準。他將第一樂章的主題處理得如長詠史詩一般,每一句弓法都自然如語言般具呼吸感。他不追求極致線條的鋒利感,而選擇溫潤深厚的音色,使主旋律在低音域中格外富有磁性。第二樂章中,他的節奏掌握極具彈性,讓小提琴如詩人般吟誦而閃耀的段落,音色清澈而透明。最令人驚艷的是第三樂章,他賦予俄羅斯民族音樂精神的再現,保留舞蹈律動,透過力度對比與節奏波動,使整體表現極具個人風格而不失結構性。

入選理由:

這段影片的入選意義,不僅在於歐伊史特拉夫技術上的完美詮釋,更在於他與作曲家之間深厚的音樂連結。他不只是首演者,更是推動這首協奏曲進入主流曲目的關鍵人物。時至今日,這首協奏曲依然未能如柴可夫斯基或蕭士塔高維契那樣廣為演奏,唯有透過歐伊史特拉夫的詮釋,人們才能真正理解俄羅斯旋律語韻與抒情性如何在20世紀被延續與昇華。這份錄音既是歷史文獻,也是音樂詮釋的典範,堪稱民族音樂詮釋與藝術演奏融合的最佳範例之一。

https://www.youtube.com/watch?v=nMwN4udiqFM


8. 莫札特:D大調第四號小提琴協奏曲,K.218

影片連結YouTube

演出版本:David Oistrakh 與莫斯科室內樂團,指揮 Igor Oistrakh(約1970年代錄音,父子共演版本)

樂曲簡介:

莫札特的《第四號小提琴協奏曲》創作於1775年,是他尚在薩爾茲堡任職時所寫的五首小提琴協奏曲之一,屬於古典時期協奏曲的經典。作品全曲共三樂章:第一樂章為奏鳴曲式,展現出活潑與優雅並存的對比主題;第二樂章以溫柔的慢板描寫柔美歌唱性旋律;第三樂章則是一首輪旋曲,加入鮮明的匈牙利風格舞曲色彩。該協奏曲節奏明快、結構對稱,並蘊含戲劇性與抒情性兼備的音樂語言,是莫札特最常被演奏的小提琴協奏曲之一。

歐伊史特拉夫的演奏特色:

在這段錄音中,歐伊史特拉夫保留了圓潤寬厚的音色,並內斂處理,展現出莫札特溫潤的古典風格。第一樂章中,他的開場演奏自然清新,未加過度情感誇飾,而是在音符間透出呼吸與清晰對位演奏。選擇平衡的速度,不急不徐,強調音樂流動感而非動態對比。第二樂章中,他的長句線條極為優雅,運弓細膩、換弓幾近無縫,營造出如歌的音色世界。第三樂章是此版本的特色:匈牙利風舞曲段落中,強調節奏變化製造張力,讓樂句舞動感十足。

入選理由:

歐伊史特拉夫雖並不以莫札特作為主要曲目演奏,但此版本因充分展現了他在風格轉換與細節的極致,演奏出莫札特古典時期風格。此外,此錄音與其子 Igor Oistrakh 指揮合作,更具有傳承意涵,讓此段錄音不僅是一套音樂作品錄音,更有音樂家家族的親密感。演出內容兼具精緻、詩意與音樂性,值得列入十大代表錄音中。

https://www.youtube.com/watch?v=l3tK0836A8c


9. 歐伊史特拉夫:最後一場音樂會(與保羅・巴杜拉-史柯達合作)

影片連結YouTube

演出版本歐伊史特拉夫(小提琴)與 保羅・巴杜拉-史柯達(鋼琴)現場演出,錄於1974年於維也納音樂協會大廳

樂曲簡介:

1974年5月29日,維也納音樂協會大廳(Musikverein)見證了小提琴大師大衛・歐伊史特拉夫(David Oistrakh)與鋼琴家保羅・巴杜拉-史柯達(Paul Badura-Skoda)攜手演出的最後一場音樂會。這場演出不僅是歐伊史特拉夫生前的最後一次公開演出,更成為古典音樂史上的重要時刻。

演出曲目

音樂會的曲目包括了莫札特、舒伯特和貝多芬等作曲家之作品,展現了兩位音樂家對古典音樂的深刻理解與詮釋。

莫札特:F大調小提琴奏鳴曲,K.377

  • 第一樂章:Molto Allegro

  • 第二樂章:Adagio

  • 第三樂章:Allegretto

舒伯特:A大調小提琴與鋼琴奏鳴曲,D.574

  • 第一樂章:Allegro moderato

  • 第二樂章:Scherzo. Presto – Trio

  • 第三樂章:Andantino

  • 第四樂章:Allegro vivace

貝多芬:C小調小提琴奏鳴曲,作品30之2

  • 第一樂章:Allegro con brio

  • 第二樂章:Adagio cantabile

  • 第三樂章:Scherzo: Allegro

  • 第四樂章:Finale: Allegro

此外,音樂會還包括莫札特的G小調主題與變奏曲,K.360,以及舒伯特的G小調小奏鳴曲,D.408等作品。

入選理由:

這場音樂會的現場錄音由GENUIN唱片公司於2006年發行,名為《The Last Recital》。錄音捕捉了兩位音樂家在舞台上的真實表現,成為珍貴的歷史記錄。該專輯獲得了法國《Diapason》雜誌的金音叉獎(Diapason d'Or),肯定了其藝術價值~這場珍貴的音樂會不僅是兩位音樂大師的合作巔峰,也是古典音樂史上的重要一刻。透過錄音的保存,後人得以感受他們的藝術魅力。

The last recital in Vienna of the magnanimous violinist David Oistrakh, accompanied by the famous Paul Badura-Skoda on piano. Live recording the 29th May of 1974, at the Großer Saal, Wiener Musikverein, Vienna, Austria. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Violin Sonata No. 25 in F major, K. 377 00:00 - I. Molto allegro 

06:07 - II. Adagio 

15:15 - III. Allegretto Franz 

Schubert (1797-1828) Violin Sonata in A major, Op. posth. 162, D. 574 

21:24 - I. Allegro moderato 

30:32 - II. Scherzo: Presto - Trio 

35:08 - III. Andantino 

39:08 - IV. Allegro vivace 

Ludwig van Beethoven (1770-1827) Violin Sonata No. 7 in C minor, Op. 30, No. 2 

45:12 - I. Allegro con brio 

53:07 - II. Adagio cantabile

 01:02:35 - III. Allegro 

01:05:53 - IV. Allegro 

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) 

01:11:33 - 6 Variations in G minor on "Helas, j'ai perdu mon amant", K. 360 

Franz Schubert (1797-1828) 

01:17:00 - Violin Sonata in G minor, Op. 137, No. 3, D. 408 - I. Allegro giusto Ludwig van Beethoven (1770-1827) 

01:20:54 - Violin Sonata No. 5 in F major, Op. 24 "Spring" - III. Scherzo: Allegro molto Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) 

01:22:38 - Violin Sonata No. 33, E-flat Major, K. 481 - II. Adagio 

This last piece is a fragmentary recording of a rehearsal in Vienna, Austria, 1972.

https://www.youtube.com/watch?v=qEh8BuTZJkw


10. 貝多芬:D大調小提琴協奏曲,作品61(1959年錄影)(現場影像版補述)

影片連結YouTube

演出版本:David Oistrakh(小提琴)與莫斯科國立愛樂,指揮 Kirill Kondrashin,1962年現場影像紀錄

樂曲簡介:

貝多芬的《D大調小提琴協奏曲》於此再次出現,主要是此曲份量十足,且歐伊史特拉夫有著不同版本,亦值得一提。

歐伊史特拉夫的演奏特色(從「影像角度」補充):

與前述錄音版本相較,本現場錄影更具演出觀賞性與肢體語言的體現:從影片中可見歐伊史特拉夫的演奏姿態極為穩定,雙臂動作優雅寬闊,幾乎無多餘動作,顯示其演奏內斂與技巧內化。弓法柔中帶剛,透過長弓讓旋律如人聲般歌唱,令人感受到他的音色即語言哲學。而此段影片更難能可貴之處在於,透過鏡頭清晰記錄,他對樂團的互動極為敏銳,與指揮 Kondrashin 之間的節奏呼吸幾乎同步,堪稱典範「室內樂式協奏曲」。他在裝飾奏中之從容的態度,節奏大開大闔、演奏音準穩定,節奏起伏和強弱變化,更展現出貝多芬作品純粹之美。

入選理由:

儘管此曲已列入本榜第四名,但本影片仍需獨立入選,是因為歐伊史特拉夫的演奏風格提供了無可取代之代表性。不僅是一段音樂上的詮釋,更是他如何「生活在音樂中」的最佳示範。他的演奏豪不誇飾,神情專注,極具說服力。此段影片更常被音樂院教師作為「演奏姿態與弓法教學」標準版本,並持續影響後世小提琴家「高貴卻不需炫耀」之音樂詮釋。

https://www.youtube.com/watch?v=vPBJFxPp59Q

 

從這十大影音,我們可欣賞到歐伊史特拉夫的完整技術與音樂性,也可觀察他對不同時期與不同風格作品之詮釋,堪稱20世紀小提琴演奏典範。


紀錄片:《David Oistrakh: Artist of the People?》

A portrait of violinist David Oïstrakh, from his birth in Odessa in 1908 until his in 1974, and his career under Stalin's left wing terrorist regime. Featuring interviews with his peers Menuhin, Rostropovich and Rojdesvensky, this biography asks the question: was Oïstrakh really 'an artist of the people' as the communists called him?

描繪小提琴家大衛・歐伊史特拉夫的紀錄片,自他1908年出生於奧德薩起,直至1974年逝世,聚焦其在史達林左翼極權統治下的音樂生涯。本片收錄了梅紐因、羅斯托波維奇與羅日傑斯特文斯基等同代音樂家的訪談,並提出核心問題:歐伊史特拉夫真如共產政權所稱,是「人民的藝術家」嗎?

https://www.youtube.com/watch?v=JLo6zKVg-qY

 

紀錄片導演資料

布魯諾・蒙桑容(Bruno Monsaingeon,1943年12月5日生於巴黎)

 

布魯諾・蒙桑容是一位法國小提琴家、作家與紀錄片導演,以其對20世紀古典音樂巨擘的深入紀錄與訪談聞名。他擅長以鏡頭捕捉音樂家的靈魂,並將音樂與影像融合,創造出具有深度與情感的作品。

蒙桑容原為職業小提琴家,後來將重心轉向音樂紀錄片的製作。他的音樂背景讓他所拍出的作品,不僅僅是音樂家的傳記,更對音樂本質深入探討,呈現出藝術家內心世界的深度。

代表作品

  • 《小提琴的藝術》(The Art of Violin)透過珍貴的歷史影像與訪談,描繪20世紀小提琴演奏的黃金時代。

  • 《李希特:謎》(Richter: The Enigma)深入探討俄羅斯鋼琴家斯維亞托斯拉夫・李希特的藝術與人生。

  • 《格倫・顧爾德:此後》(Glenn Gould: Hereafter)結合顧爾德的演奏、訪談與私人資料,呈現這位傳奇鋼琴家的多面向。medici.tv+2medici.tv+2medici.tv+2

  • 《大衛・歐伊史特拉夫:人民的藝術家?》(David Oistrakh: Artist of the People?)探討蘇聯小提琴家歐伊史特拉夫在政治與藝術之間的掙扎與成就。

 

布魯諾・蒙桑容以其獨特的視角與深厚的音樂素養,為古典音樂世界留下了珍貴的影像與文字記錄,多次獲得國際獎項的肯定,包括:

  • 2001年查爾斯・克羅學院(Charles Cros Academy)視聽大獎,表彰《小提琴的藝術》brunomonsaingeon.com+1維基百科+1

  • 1998年皇家愛樂協會(Royal Philharmonic Society)音樂獎,表彰《里赫特:謎》

  • 2018年IMZ-EBU終身成就獎(Lifetime Achievement Award)

 

https://www.youtube.com/watch?v=8ADaOEXOusI&list=RDEMBqRxBec_Yrttf1E2arQs8w&start_radio=1


紀錄片:《Genius of the Violin》

Documentary film directed by Nikita and Julia Tikhonov. Archival footage of Oistrakh playing in different periods of his life, his lessons with students at the Moscow Conservatory, fragments of foreign travel and performances of Oistrakh as conductor.

由尼基塔與尤莉婭・提霍諾夫(Nikita and Julia Tikhonov)執導的紀錄片。影片收錄了歐伊史特拉夫在不同人生階段演奏的珍貴影像資料、他在莫斯科音樂院授課的片段、以及出國巡演的點滴紀錄與他擔任指揮時的演出畫面。

https://www.youtube.com/watch?v=W9eRf9EAYg8

 


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實體與線上音樂講座訊息、各種音樂分享、優質音樂會折扣碼、精彩藝文旅遊行程...,好康優惠不漏接❤️加入方式:請先聯繫蹦藝術林仁斌老師本人,由林老師協助加入專屬課程群組。

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【BON旅行】2025年 蹦藝術X緣點旅行社 - 音樂旅遊行程全覽(2025年5月最新)

【BON旅行】2025年 蹦藝術X緣點旅行社 - 音樂旅遊行程全覽(2025年5月最新)
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規劃總籌:林仁斌老師

 

古典音樂 X 精彩繽紛美好人生

音樂的面向極其廣闊,蹦藝術除每週音樂講堂之外,2024年起更推出蹦藝術音樂之旅

蹦藝術音樂之旅,由台灣蹦藝術協會理事長、旅法知名音樂家林仁斌規劃並擔任規劃與總籌,結合專業貼心的「緣點旅行社」,共同規劃出一次又一次高品質且備受肯定之音樂旅行:

結合國內外深度音樂欣賞、頂級管弦樂團音樂會、國際主題音樂節、名家名曲演奏與各國知名音樂廳饗宴🎵

從米其林星級美食到各國在地美食、博物館到美術館深度旅,帶來每一趟舒適又貼心的旅遊行程規劃✈️🎆

 

【BON旅行】蹦藝術音樂之旅,您將體驗到:

❶ 古典音樂世界之實際體驗:從國內到國外
❷ 深入了解音樂史、專有名詞到作曲家故事
❸ 走入各國音樂廳與音樂節.欣賞名家名曲
❹ 蹦藝術精選從美食到住宿各項最優質安排
❺ 音樂會入場前,精心規劃之音樂導聆課程

 

眼光精準.步調悠閒.藝旅舒心.餐饌入心

如果您.喜愛旅遊~

「蹦藝術」X「緣點旅行社 」=「BON VOYAGE」❤️

我們將在每一趟旅程中,以最獨家而精緻的旅程規劃,帶給您從音樂到美食、放鬆而舒適地體驗藝文旅遊深度~

 

2024-25年 蹦藝術X緣點旅行社 重磅旅遊行程全覽:

*詳細各行程介紹,請繼續閱覽

5/07 - 5/20 歐洲.荷蘭.馬勒樂迷團❤️(滿團,可詢問候補)(25/02/04更新)

7/24 - 8/03 拜魯特 華格納《尼貝龍根指環》四部曲+《帕西法爾》超迷你VIP團(最後1個名額)(25/02/04更新)

10月 蹦藝術前往波蘭華沙,於華沙愛樂廳第一手現場採訪蕭邦鋼琴大賽(25/05/06)

11月 澳洲雪梨歌劇院+墨爾本,藝起來雙城音樂藝術美食之旅(25/05/06)

12月 法國巴黎聖誕+跨年,聖誕市集、音樂會、聖母院子夜彌撒、巴黎鐵塔跨年,美食饌+美酒樂,深度探索之旅(熱烈報名中🔥)(25/05/06)

251216 蹦藝術樂旅 - 🎄巴黎美好故事聖誕12日❤️

https://forms.gle/Riuu5iVzF1nogdQ98

 

旅遊合作:緣點旅行社

→蹦藝術音樂旅遊專區

*亦可點擊圖片進入《緣點旅行社》網站

 

報名或詢問行程

(一)旅行細節、費用諮詢等,請洽領隊蔡先生

行程諮詢與報名聯絡人:
→蔡先生 0961-211826 
Line ID: tsaiyaan 

 

(二)聯繫蹦藝術林仁斌老師本人,由林老師協助加入專屬課程群組:

https://line.me/ti/p/LB1ro0P0AU


行程詳細介紹

2025年5/07 - 5/20 歐洲.荷蘭.馬勒樂迷團❤️

十首交響曲.十場音樂會.一趟十全十美之旅❤️

荷蘭阿姆斯特丹 馬勒音樂節 Live'交響曲全欣賞 

團況:滿團🎊 可詢問候補(25/02/04更新)

https://www.youtube.com/watch?v=htbfMo6GTAY&t=35s


2025年 7/24 - 8/03 拜魯特 華格納《尼貝龍根指環》四部曲

親臨拜魯特.訪綠丘.賞樂劇❤️

夢幻頂級的音樂欣賞之旅:拜魯特 華格納《尼貝龍根指環》四部曲,加上樂劇《帕西法爾》讓您一次欣賞

名額僅五位,超迷你VVIP團🌟

團況:已滿團,期待出發。(25/05/06更新)

 


2025年 12.16. - 12.26.

法國巴黎聖誕+跨年,聖誕市集、巴黎歌劇院雙歌劇、聖母院子夜彌撒、巴黎鐵塔跨年,美食饌+美酒樂,深度探索之旅

251216 蹦藝術樂旅 - 🎄巴黎美好故事聖誕12日❤️

https://forms.gle/Riuu5iVzF1nogdQ98

今年12月聖誕節的巴黎精選行程,一場穿梭藝術、音樂與香檳氣泡中的巴黎詩旅:

漫步時尚巴黎:

走進LV基金會的建築殿堂;赴巴黎證交所,沉浸時尚與當代藝術的璀璨交會。

#當代藝術融合歷史與創新

#建築大師法蘭克蓋瑞設計 (LV藝術基金會)

#透過品牌了解時尚變遷

漫步文學巴黎:

追隨海明威與雨果的筆觸穿行舊街,於瑪黑尋覓設計靈魂的低語。

#文學氣息的巴黎

#書籍與靈感的殿堂

#創意與設計的交匯

深度音樂的巴黎:

聆在樂聲縈繞的舊時光中,與靈魂作曲家擦肩,拾起藏在巷弄與劇院裡的詩與樂章。

#沉浸在印象主義的精隨

#音樂巨匠的靈感源泉

#德布西與拉威爾雙博物館

#感受法式浪漫的靈魂

香檳區一日遊:

在香檳的光影中舉杯,穿行百年酒窖

#離開巴黎感受迷人的法式鄉村風情

#品飲飽含風土的香檳滋味

#邂逅香檳精彩無比的故事

精緻人文旅宿酒店 Drawing House

#6位藝術家打造專屬樓層與空間

#每一步都是沉浸式藝術

#最多故事的蒙帕納斯區

一如既往地精彩、豐盛,在花都巴黎我們將有每日驚喜不斷地故事安排,從音樂到人文,藝術到時尚,旅宿品質到便利性,全部兼顧💕

歡迎想參加的朋友們,直接填表或聯繫我們

https://forms.gle/Riuu5iVzF1nogdQ98

 

2026年.精彩待續😘


*詳細各團行程與細節,均歡迎直接LINE洽詢緣點旅行社領隊蔡先生↓

行程諮詢與報名聯絡人:
→蔡先生 0961-211826 
Line ID: tsaiyaan 
https://line.me/ti/p/XKR92GsdMa


【精彩BON旅行~回顧❤️】

2023年 12月

https://bonart.com.tw/bon-voyage-2023-pahud/

 

https://bonart.com.tw/miaobei-art-center-eemmanuel-pahud/

 

2023年 9月

https://bonart.com.tw/bon-voyage-der-freischutz-journey/

 

2023年 5月 萊比錫馬勒音樂節

https://bonart.com.tw/bonart-2023-mahler-festival-in-leipzig/

 

https://bonart.com.tw/all-about-2023-mahler-festival-in-leipzig/

 

https://bonart.com.tw/all-about-mahler-festival-1/

 

https://bonart.com.tw/all-about-mahler-festival-2/

 

https://bonart.com.tw/%e3%80%90bon-voyage%e3%80%912021-march-photos/

 

https://bonart.com.tw/bonart-2019-music-journey-of-chopin-music/

 

已完成之精彩行程🌟

2024年8月【獨家】普契尼逝世百年探索之旅+四大歌劇一次完整欣賞:

《托斯卡》《波西米亞人》《蝴蝶夫人》《杜蘭朵公主》+ 義大利迷人藝文旅遊❤️

林仁斌老師親自錄製.行程特色解說🌟

https://youtu.be/PmJwlf--jfI?si=xR9zXw0TG4Lki-E_


行程DM(詳細行程與價格請至「緣點旅行社」官網)

普契尼四大歌劇一次完整打包欣賞❤️

《托斯卡》+《波西米亞人》+《蝴蝶夫人》+《杜蘭朵公主》,一次旅行,全部完成✅

 

 


2024年8/12 - 8/22,布列根茲湖上歌劇音樂節+瑞士琉森音樂節❤️

雙音樂節.美食滿滿.特色建築.豪華璀璨之旅❤️

https://www.youtube.com/watch?v=-wsc0fcGjgc&t=6s

 

2024年9月06-08

普契尼逝世百年系列.衛武營旗艦年度歌劇《瑪儂雷斯考》之旅

 

2024年12月底 12/29-2024/01/02

超驚喜跨年之旅行程.接受報名中❤️

日本.東京.貝多芬九大交響曲全集跨年音樂會完整欣賞

 

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各類合作提案,聯繫方式:

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【BON音樂】蹦藝術每週音樂講堂(實體+線上)課程表《您的古典音樂最佳選擇🎵》(2025年5月最新)

【BON音樂】蹦藝術每週音樂講堂(實體+線上)課程表《您的古典音樂最佳選擇🎵》(2025年5月最新)
BONART - Weekly music lectures on Monday

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課程主講人:林仁斌老師

 

實體+線上.雙效合一

蹦藝術每週一之音樂講堂由旅法知名音樂家林仁斌,也是台灣蹦藝術協會理事長規劃並擔任主講。

結合蹦藝術網站豐富多元的系統化資料,林仁斌老師輕鬆幽默的上課內容與清晰俐落的口條,多年來深獲各界肯定,並與國家兩廳院、衛武營國家文化藝術中心、苗北藝文中心、NSO國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團、高雄市交響樂團、大人社團等各單位合作各式音樂講座,年演講場次超過200場,是台灣超人氣音樂欣賞名家。

 

古典音樂 X 精彩繽紛美好人生

音樂的面向極其廣闊,也間接影響我們腦部活動很大。經由專家研究,當欣賞美妙音樂而感動時,大腦的「獎賞中樞」會產生反應,分泌出「多巴胺」,給予我們愉快的感受。

在蹦藝術音樂講堂充滿特色與循序漸進的主題規劃之下,您將發現欣賞古典音樂、理解各種作品類型,都將為您的生活中帶來更豐富愉快的感受;您所需要做的,就是悄悄地埋下這快樂的種子,坐進講堂,好好欣賞每一場知識與含金量滿滿的專屬演講。

 

在蹦藝術每週音樂講堂,您將體驗到:

❶ 全面認識古典音樂世界.從基礎到全進階
❷ 深入了解音樂史、專有名詞到作曲家故事
❸ 沈浸式課堂解說.艱澀知識一次融會貫通
❹ 老師與粉絲互動Q&A,從傳道授業到解惑

 

講座時間

每週一下午14:00-16:00,於鳴石音樂空間舉行(13:30開始入場,全自由席)

講座為實體課程,亦開放Zoom同步線上參與,課後可享回看影片

 

鳴石音樂空間

地址:100台北市中正區仁愛路二段34號5F(近「東門」捷運站 2號出口)

 

講座費用與收費

單堂報名收費,每堂費用700元整。

亦可選擇買十堂送一堂,無使用期限,更優惠。

現場入場時直接繳費給主辦單位。

*部分邀約音樂家至現場場次,將另外公告當次收費

 

講座報名方式

請先聯繫蹦藝術林仁斌老師本人,由林老師協助加入專屬課程群組。

https://line.me/ti/p/LB1ro0P0AU

 

實體+線上音樂講座

即日起全面實體+線上,每週音樂主題一覽,歡迎您的參與,講座將會越來越精彩喔~

2025年上半年最新講題

第一季全課程一覽表

 

 

 

4/28

2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:克里夫蘭交響樂團

 

5/05

2025年馬勒音樂節專題:談21世紀馬勒狂熱現象

 

5/07 - 5/20 林老師帶團參加荷蘭馬勒音樂節,期間停課

 

5/26

超級管弦樂團巡禮-歐洲篇:班貝格交響樂團(6/04國家音樂廳)

 

6/02

超級管弦樂團巡禮-歐洲篇:巴黎管弦樂團介紹(6/24、6/25國家音樂廳)

 

6/09

巴黎管弦樂團訪台專題:訪台獨奏家專題(任奫燦+洛薩科維契)

 

6/16

無可擺脫的悲劇詛咒~談威爾第《弄臣》

 

6/23

蕭邦鋼琴大賽系列專題:談2005年大滿貫得主-布雷查茲

 

6/30

歐洲超級管弦樂團巡禮:漢堡愛樂國家管弦樂團+長野健(7/15 國家音樂廳)

 

7/07

天鵝騎士永恆傳說:談華格納《羅恩格林》

 

7/14

聖杯騎士精神永存:談華格納《帕西法爾》

 

7/21

綠丘聖地親臨巡禮~談拜魯特音樂節的前世今生

 

7/24 - 8/03 林老師帶團參加荷蘭馬勒音樂節,期間停課

 

8/04

親臨綠丘.拜魯特節慶劇場欣賞《指環》四聯劇

~2025' 蹦藝術精彩深度觀察報告

 

精彩講座.持續規劃中❤️

 


德布西:長笛、豎琴與中提琴奏鳴曲

 

 

德布西:G 小調小提琴奏鳴曲

 

(講題陸續更新中)


音樂講座場地

鳴石音樂空間

 

地址:100台北市中正區仁愛路二段34號5F(近「東門」捷運站)

鳴石音樂空間是位於台北市區的一個充滿復古氣息的小型表演場地。展演空間可以容納50人,備有Kawai平台琴、投影等影音設備,適合舉辦沙龍音樂會、音樂欣賞、錄影及講座等各種藝文活動。

 

精緻.溫暖.樂迷專屬的藝文空間

 

明亮.舒適的觀眾席(全自由席)


歷史講題

2022年11月講題

  • 11/14《交響人生談協奏》I. 莫札特:C大調第21號鋼琴協奏曲 K.467 賞析

 

  • 11/21《交響人生談協奏》II. 莫札特:d小調第20號鋼琴協奏曲 K.466 賞析

 

  • 11/28《交響人生談協奏》III. 莫札特:A大調第23號鋼琴協奏曲 K.488 賞析

 

2022年12月

  • 12/05《華麗艾菲爾~璀璨華麗慶法國》I. 2020最新法國國慶音樂會賞析

 

  • 12/12《華麗艾菲爾~璀璨華麗慶法國》II. 2021最新法國國慶音樂會賞析

 

  • 12/19《華麗艾菲爾~璀璨華麗慶法國》III. 2022最新法國國慶音樂會賞析

 

  • 12/26《從維也納藍色多瑙河到蕭邦華爾滋》圓舞曲風格全解析

 

2023年1月起 過往講題回顧

2023年1月

  • 2023年1月9日《維也納音新年音樂會的歷史》古典音樂精彩陪您來跨年

 

  • 1月30日 2023年訪台音樂家系列:鋼琴家 - 卡蒂雅.布尼亞季什維莉(Khatia Buniatishvili)介紹

 

  • 2月6日 2023年訪台音樂家系列:雙簧管 - 馮思瓦.勒樂(François Leleux)介紹

 

  • 2月13日雋永悲劇之愛~談法文音樂劇《羅密歐與茱麗葉》(上)

 

  • 2月20日 雋永悲劇之愛~談法文音樂劇《羅密歐與茱麗葉》(下)

 

  • 3月6日 白遼士230週年誕辰系列 - 幻想交響曲故事與賞析(上)

 

  • 3月13日 白遼士230週年誕辰系列 - 幻想交響曲故事與賞析(下)

 

3月20日 2023年訪台音樂家系列:小提琴 - 貝芭‧絲凱德(Baiba Skride)

 

3月27日 2023年訪台音樂家系列:小提琴 - 康珠美(Clara-Jumi Kang)

 

4月10日 白遼士230週年誕辰系列 - 《哈洛爾德在義大利》故事與賞析

 

4/17(一)、4/18(二): 宇宙萬物之聲 - 談馬勒的人生故事

 

4/24(一)、4/25(二): 人聲在馬勒交響曲中的獨特美學

 

5/01(一)、5/02(二):馬勒各交響曲之最美片段賞析(上)

 

5/08(一)、5/09(二):馬勒各交響曲之最美片段賞析(中)

 

5/15(一)、5/16(二):馬勒各交響曲之最美片段賞析(下)

 

*5/17-5/31 林老師帶團到德國萊比錫馬勒音樂節,停課兩週

https://bonart.com.tw/bonart-2023-mahler-festival-in-leipzig/

 

6/05、6/06:深入認識管弦樂團指揮(一)~從貝多芬《命運》交響曲談起

 

6/12、6/13:深入認識管弦樂團指揮(二)~「Know How V.S. Know Why」以2021年Ammodo指揮大師班為例

 

6/19、6/20:深入認識管弦樂團指揮(三)~「Know How V.S. Know Why」以2022年Ammodo指揮大師班為例

 

6/26、6/27:深入認識管弦樂團指揮(四)~卡拉揚為何總是閉著眼睛指揮?伯恩斯坦為何跳起來指揮?

 

7/03、7/04:電影配樂始祖作曲家華格納~從「主導動機」的運用談起

 

7/10、7/11:初探華格納指環四聯劇(一)序夜:《萊茵的黃金》

 

7/17、7/18:初探華格納指環四聯劇(二)第一夜《女武神》

 

7/24、7/25:初探華格納指環四聯劇(三)第二夜《齊格飛》

 

7/31、8/01:初探華格納指環四聯劇(四)第三夜《諸神的黃昏》

 

8/07、8/08:深度認識拜魯特音樂節:以布列茲之1980年製作為例

 

 

8/14、8/15:衛武營年度旗艦歌劇製作:德國首部浪漫歌劇~韋伯《魔彈射手》賞析

 

*8/16-8/24 林老師帶領節慶長笛樂團至日本長笛年會演出,停課一週

https://bonart.com.tw/festival-flute-2023-kawasaki/

 

8/28、8/29:2016年柏林愛樂森林音樂會《捷克之夜》精彩賞析

 

9月4號、5號
回歸經典:細細品讀韋瓦第《四季》之⟨春⟩

 

9月11號(一)13:50-15:50

特別節目:邀請鋼琴家謝維庭蒞臨❤️

本場為音樂家特別場次,單堂900元,現場付款(無法適用買十堂送一堂優惠,敬請見諒)

 

9月18號、19號
回歸經典:細細品讀韋瓦第《四季》之⟨夏⟩

 

9月25號、26號
回歸經典:細細品讀韋瓦第《四季》之⟨秋⟩

 

10月2號
回歸經典:細細品讀韋瓦第《四季》之⟨冬⟩

 

10月9號
國定連假,休息一週

 

10月16號

特別場次:邀請大提琴演奏家波特拉蒞臨現場

本場為音樂家特別場次,單堂1000元,現場付款(無法適用買十堂送一堂優惠,敬請見諒)

 

10月23號

林仁斌老師指揮蘭雅國中管弦樂團參加台北市學生音樂比賽,停課一週。

 

10月30號

喜迎維也納愛樂訪台:布拉姆斯第一號交響曲

 

 

11月06號

何謂動機作曲?從馬勒第五號交響曲第一樂章談起

 

11月13號

談日本知名音樂家坂本龍一:他的人生與音樂

 

11月20號

回歸經典:細細品讀《布蘭登堡協奏曲第三號》

 

11月27號

談長笛與豎琴的天籟美聲與和諧樂音

 

12月04號

回歸經典:細細品讀《布蘭登堡協奏曲第四號》

 

12月11號

回歸經典:細細品讀《布蘭登堡協奏曲第五號》

 

12月18號

特別場次:邀請鋼琴演奏家張凱閔蒞臨現場

本場為音樂家特別場次,單堂1000元,現場付款(無法適用買十堂送一堂優惠,敬請見諒)

 

1月08號

談日本當代指揮第一人:小澤征爾

 

1/15

聊小提琴女神:慕特與她的精彩音樂

 

1/29

普契尼逝世百週年系列專題(一)愛之詠嘆.談普契尼的歌劇人生

 

2/19

普契尼逝世百週年專題演講系列(二)談《杜蘭朵公主》之主導動機

 

2/26

普契尼逝世百週年系列專題(三)從歌劇《托斯卡》中的皎潔明月談起

 

 

3/04

莫札特:中期歌劇代表作三連發之二:《女人皆如此》(上)

 

 

3/11

莫札特:中期歌劇代表作三連發之二:《女人皆如此》(下)

 

 

3/18 老師帶團至日本京都參加小澤征爾音樂塾歌劇《女人皆如是》音樂之旅,停課一次。

【BON旅行】2024年3月 大人社團X蹦藝術 – 京都雅遊 | 探訪小澤征爾音樂塾專屬 魅麗音樂之旅

 

 

3/25

「致敬鍵盤之王」與鋼琴家胡瀞云的音樂對談

 

4/01

金氏世界紀錄鋼琴家 - 橫山幸雄蒞臨現場簽名見面會與演奏沙龍

出席同學可獲得主辦單位特別有提供,當天原價150元的音樂會節目喔~

 

4/08

2024' 管弦指揮之星大盤點(一)拉哈夫‧沙尼(Lahav Shani)

 

 

4/15

2024' 管弦指揮之星大盤點(二)塔莫‧佩爾托科斯基 (Tarmo Peltokoski)

 

 

4/22

2024' 管弦指揮之星大盤點(三)克勞斯.麥凱萊(Klaus Mäkelä)

 

4/29

【特別場次】《用手機.拍出您獨一無二的美》精彩攝影主題講座

- 邀請風景/人像/煙火攝影達人 - 王上豪蒞臨現場教學分享

特別場次:每人收費1000元

 

https://www.youtube.com/watch?v=7ORPQZ6fkAs

 

https://www.youtube.com/watch?v=DR3c5C6CWCA

 

5/06

短笛之神 Jean-Louis Beaumadier 蒞臨音樂講座現場

當代短笛之神.台北唯一現場音樂講座❤️

特別場次:費用1000元(入場收費)

尚-路易.玻瑪笛耶與蹦藝術音樂對談演奏講座🎵

主持/與談:林仁斌 |  翻譯/解說:李怡徹

『尚-路易.玻瑪笛耶是一位以愉悅心情演奏短笛曲目的專家…聽他演奏一首又一首生動、夢幻的音樂是令人愉悅的享受…他是短笛的帕格尼尼。』~尚-皮耶.朗帕爾

什麼是法國長笛學派?

如何用短笛輕鬆駕馭炫技名曲?

法國傳奇短笛大師尚-路易.玻瑪笛耶將與作曲暨鋼琴家維若妮卡.波茲(Véronique Poltz),現場精彩演奏,並邀請特別來賓長笛家周欣穎、李怡徹、陳怡蓁、林仁斌現場演出

由約瑟夫.朗帕爾啟蒙學習長笛,法國國立馬賽市立音樂院畢業後,進入法國國立巴黎高等音樂院,師從20世紀法國傳奇長笛大師尚-皮耶.朗帕爾,在日內瓦與巴黎的國際音樂大賽獲獎後,擔任法國國家交響樂團短笛獨奏、馬賽歌劇院長笛首席,以及母校法國國立馬賽音樂院長笛教授,傳承朗帕爾父子的演奏風格及教學系統。

 

5/13

2024' 管弦指揮之星大盤點(四)奧克薩娜.利尼夫

 

5/20

普契尼逝世百週年系列專題(四)「相濡以沫,不如相忘於江湖」~談歌劇《波希米亞人》中的悲劇精神

 

5/27

東方淒美傳說:《蝴蝶夫人》首演120週年特別場

 

6/03

普契尼逝世百週年系列專題(五) 男高音帕華洛帝精彩的一生

 

6/24

普契尼逝世百週年系列專題(七) 考夫曼與普契尼(Jonas Kaufmann)

 

6/17

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「夜之漆黑卻能閃耀星空」馬勒第七號交響曲(下)

 

8/07(三)14:00-16:00

【特別場次】邀請鋼琴家林佳鋐蒞臨現場

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【BON音樂】《王者之聲》~橫山幸雄 四大鋼琴協奏曲音樂會

【BON音樂】《王者之聲》~橫山幸雄 四大鋼琴協奏曲音樂會
Yukio Yokoyama 2025 Four Piano Concerto Concert 

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蹦藝術 | BONART


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橫山幸雄 小檔案
1990年第十二屆波蘭華沙蕭邦鋼琴大賽第三獎與蕭邦奏鳴曲詮釋獎得主。
金氏世界紀錄記載24小時以內,連續演出最多作品的藝術家保持者。
波蘭政府頒發授予「蕭邦護照」全球百位榮譽藝術家。
全盲天才鋼琴家 辻井伸行之授業恩師。

日本籍鋼琴家橫山幸雄(Yukio Yokoyama, b. 1971- )畢業於法國巴黎國立高等音樂學院(CNSMDP), 1990年取得鋼琴與室內樂最高演奏文憑;同年榮獲第十二屆華沙蕭邦鋼琴大賽(International Chopin Piano Competition)第三獎(當年首獎從缺)與「最佳蕭邦奏鳴曲詮釋獎得主」。他亦是蕭邦國際大賽中有史以來最年輕獲獎的日本鋼琴演奏家。

橫山幸雄曾獲日本文化部文化廳藝術獎文部大臣新人賞等多項國內榮耀,並曾獲波蘭政府所頒發之「蕭邦護照」榮譽。(此護照全球僅百位藝術家獲得,皆由波蘭政府認定於全球推廣蕭邦音樂最具代表性之藝術家)。

多年來 橫山幸雄始終保持熱力十足的演奏與衝勁,無論是現場音樂會或是唱片錄音,皆在日本受到高度好評:

2010年舉辦紀念蕭邦200周年誕辰音樂會,並於其中一場連續演出蕭邦 166首鋼琴獨奏作品,被金氏世界紀錄記載「單場音樂會 24小時以內,連續演出最多作品的藝術家保持者」。

2011年橫山幸雄又在同一天單場音樂會連續演奏蕭邦 212 首鋼琴作品,包含 46首蕭邦從未出版的作品,再破金氏世界紀錄~他表示希望大家能更了解與接近蕭邦的內心深處。

他出版過的 CD在 Affairs Arts Festival與 International Liszt Record Grand Prix都獲得聲望極高的獎項;他錄製出版過的 CD包含;蕭邦全套作品,兩首蕭邦鋼琴協奏曲,貝多芬全本鋼琴協奏曲,柴可夫斯基第一號與拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲音樂會錄音,2013年李斯特超技練習曲全本錄音,舒曼作品錄音,2015莫札特作品錄音,舒伯特全套即興曲,以及他個人25周年紀念 CD;2018年1月錄製,拉赫曼尼諾夫第二號與帕格尼尼主題狂想曲音樂會錄音,2018年德布西前奏曲全集等,目前能在 NAXOS JAPAN網站 ART INFINI聽到。

2025年 台灣協奏曲會簡介

橫山幸雄與長榮機響樂團協奏曲演奏照片 | 攝影. 林仁斌

 

以下文字取自橫山幸雄粉絲專頁

金氏世界紀錄締造者、日籍鋼琴家橫山幸雄(Yukio Yokoyama)1990年華沙蕭邦鋼琴大賽季軍得主;多次來台舉辦獨奏會大受樂迷好評;本次將帶來貝多芬告別奏鳴曲、蕭邦奏鳴曲、與拉威爾鋼琴作品加斯巴之夜。

鋼琴家橫山幸雄(Yukio Yokoyama )就讀於法國巴黎國立高等音樂學院(CNSMDP),1990年畢業於巴黎高等音樂學院,獲鋼琴和室內樂最高演奏文憑,同年獲波蘭華沙蕭邦國際鋼琴比賽第三名(冠軍從缺)和蕭邦奏鳴曲詮釋獎。

2010年,他在一場音樂會上連續演奏了166首蕭邦獨奏作品,包括所有已出版的作品和主要的遺作,大部分是書面的。金氏世界紀錄授予他「24 小時內獨奏藝術家演奏的最多音樂作品」類別的世界紀錄。為表彰這一成就,波蘭政府授予他「蕭邦護照」,在蕭邦誕辰 200 週年之際,向全球 100 位推廣與蕭邦作品相關的特別活動的藝術家頒發了證書。而在2011年,橫山在一場音樂會中再次背譜連續演奏了212首蕭邦獨奏作品,包括此前未發表的作品,從而打破了他自己的金氏世界紀錄。

2015年在巴黎慶祝拉威爾誕辰140週年之際,因演奏拉威爾鋼琴全集而獲得高度評價。 2017年與指揮家葛濟夫合作演奏蕭斯塔高維契鋼琴協奏曲。他在新西伯利亞與Andris Mustnen指揮的新西伯利亞交響樂團合作舒曼鋼琴協奏曲,並於2018年在萊比錫Gewandhaus Quartett的訂閱音樂會上亮相,並於2019年與Fabio Luisi指揮的丹麥國家交響樂團合作演出。

橫山幸雄的 CD 發行超過50張,獲得了著名的獎項,包括日本文化廳藝術節(唱片部門)的優秀獎和國際李斯特唱片大獎。他最近的一張 CD 是在 Sony Music Direct 上發行的 Prelude – Chopin Masterpieces 和 Schuman Fantasy,標誌著他首次亮相 25 週年。他不僅作為世界級的演奏家,而且作為音樂教育家,取得了多項令人矚目的成就。 2019年擔任第11屆帕德雷夫斯基國際鋼琴比賽評委。橫山是伊麗莎白音樂大學客座教授,名古屋藝術大學客座教授,日本帕德雷夫斯基協會會長。


從本次《王者之聲》之四大協奏曲音樂會,讓我們開始聊這次音樂內在所呈現的意義,並做出每一首的樂曲背景與介紹:

【 演出曲目 Programme 】  

1/
拉赫曼尼諾夫:C小調第二號鋼琴協奏曲,作品18
Rachmaninoff : Piano Concerto No. 2 in C Minor, Op. 18

2/
拉赫曼尼諾夫:D小調第三號鋼琴協奏曲,作品30
Rachmaninoff : Piano Concerto No. 3 in D Minor, Op. 30

// 中場休息 Intermission //

3/
拉赫曼尼諾夫:帕格尼尼主題狂想曲,作品43
Rachmaninoff : Rhapsody on a Theme of Paganini, Op.43

4/
柴可夫斯基:降B小調第一號鋼琴協奏曲,作品23
Tchaikovsky : Piano Concerto No. 1 in B-flat Minor, Op. 23

瘋狂!夠瘋狂!!!

在先前2024年10月11日的貼文裡,我提到敬請期待 橫山幸雄Yukio Yokoyama 老師之後的精彩企劃

2024年10月11日,筆者的Facebook貼文(與橫山老師拍攝於2024年衛武營獨奏會前)

現在來了:

王者之聲-橫山幸雄 四大鋼琴協奏曲音樂會」真的來了!

光是要練完這四首,就是一個大障礙

還有要機緣與樂團協奏,更加是另一大障礙

然後居然要在一場音樂會中,彈完四大鋼琴協奏曲🎹🎹🎹🎹

從拉二鋼、拉三鋼、帕格尼尼主題狂想曲再到柴可夫斯基第一號

這...除了體力超群之外,實在太狂、太狂惹😂😂

這套曲目,這個規劃,讓我懷抱著期待的心情,虔敬等待 6/14(六)的到來,也願讓更多愛樂朋友們知道這場不平凡且充滿挑戰的精彩音樂會🌟

 

王者之聲-橫山幸雄 四大鋼琴協奏曲音樂會

橫山老師精選俄羅斯浪漫鋼琴協奏曲的巔峰代表作:從拉赫曼尼諾夫的深沉與華麗,到柴可夫斯基的渾厚與戲劇性,可謂一場極具敘事張力與情感表現,再結合超技鋼琴炫技的絕無僅有協奏曲音樂會。

 

現在,讓我們跟著這場音樂會的腳步,開展一趟融合俄羅斯樂派與炫技鋼琴的協奏曲不思議音樂旅程吧❤️

 

鋼琴英雄旅程:從陰影到光芒的綻放

英雄旅程」的敘事結構,為本次四協奏曲音樂會核心:拉赫曼尼諾夫第二號協奏曲象徵內心掙扎的重生,第三號則展現作曲家對鋼琴演奏與情感的極限挑戰;下半場《帕格尼尼主題變奏曲》以惡魔般的主題轉化為天堂般的榮光,最終由柴可夫斯基第一號協奏曲以其史詩般的氣勢完成勝利凱旋。

 

拉赫曼尼諾夫:C小調第二號鋼琴協奏曲,作品18

作曲家 拉赫曼尼諾夫

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/all-about-sergei-rachmaninoff/

 

拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴協奏曲自1900創作至今,被譽為最美最困難的鋼琴協奏曲之一;其優美的旋律與和聲,高難度的鋼琴演奏技巧與承襲自俄羅斯前輩音樂家們的渾然天成浪漫感受,都是聽眾們熱愛的關鍵因素。除此之外,更是鋼琴家們的「票房常勝軍」,毫無疑問地,是屢屢能在音樂會中獲得觀眾們最為喜愛的超級名曲。

 

拉赫曼尼諾夫親自演奏第二號鋼琴協奏曲錄音:

1929歷史錄音,2020重新混音版本

Sergei Rachmaninoff, 鋼琴
Leopold Stokowski, 指揮
The Philadelphia Orchestra 費城管弦樂團

Sergei Rachmaninov Concerto No 2 in C minor, Op. 18 (1900-1901)

Dedication: Dr. Nikolai Dahl (1860-1939)

1. Moderato (0:00)

2. Adagio sostenuto (9:36)

3. Allegro scherzando (20:00)

Sergei Rachmaninoff, piano and the Philadelphia Orchestra

conducted by Leopold Stokowski April 10/13, 1929

https://www.youtube.com/watch?v=t0_GXGvPsfI

 

失敗中浴火重生🔥

創作背景

1899 年,拉赫曼尼諾夫受到英國指揮樂團的邀請到英國訪問、演奏。倫敦的皇家愛樂協會提出邀約,希望創作一首新的鋼琴協奏曲。

但拉赫曼尼諾夫持續處在創作低潮期,他一回到俄國,精神衰弱毛病再犯,任誰都激勵不了,後經朋友再三鼓吹,在眾人的鼓勵下,接受了達爾醫生(Nikolai Vladimirovich Dahl, 1860-1939)的催眠治療。

 

達爾醫生(Nikolai Vladimirovich Dahl, 1860-1939)

 

達爾醫生得知拉赫曼尼諾夫即將寫作一首鋼琴協奏曲後,便以催眠法不斷暗示他,將會順利完成這首樂曲,而且該曲的評價將會相當高。

經過治療,拉赫曼尼諾夫順利恢復自信,終於在隔年(1901年)跨出第一步,成功完成創作。

事後拉赫曼尼諾夫對於這段療程表示:雖然它聽起來也許不可思議,但這療程真的幫助了我,在夏天開始時,我再度開始創作。靈感大量湧出,新的音樂想法開始在我心中激盪~這對於我的全新協奏曲來說,已經足夠。

先完成的是《第二號鋼琴協奏曲》的第二與第三樂章,拉赫曼尼諾夫本人擔任鋼琴獨奏家,成功地1900年於12月2日於莫斯科公開上演,獲得了各界熱烈的歡迎;帶第一樂章完成之後,1901年拉赫曼尼諾夫再次擔任獨奏家於1901年10月27日演出全曲,全曲終於完成。

1901 年更在表哥席洛悌擔任鋼琴獨奏與尼基許(Arthur Nikisch)的指揮下,於聖彼得堡演出,再度獲得當地的歡迎與肯定,越來越成功;日後 1904 年時,《第二號鋼琴協奏曲》讓拉赫曼尼諾夫獲得了俄羅斯作曲屆大獎:葛令卡獎,獎金500盧布,這更是繼催眠療法成功後,作曲家走出憂鬱邁向成功的第二步。

 

1902年的拉赫曼尼諾夫照片

 

 

拉赫曼尼諾夫四首鋼琴協奏曲比較表

拉赫曼尼諾夫一生只創作鋼琴協奏曲,並沒有創作其他的器樂協奏曲:

引用自國立台灣師範大學碩士論文「拉赫瑪尼諾夫《第二號鋼琴協奏曲》指揮研究」(陳真言著)

 

第一樂章:

中板(Moderato)
0:00 - Moderato

https://www.youtube.com/watch?v=gRd0SGny3JY&t=32s

主奏鋼琴在開頭處八小節,由鋼琴獨奏者先彈出深沈而厚重、如鐘聲般深沉的的和弦。

 

待和弦漸分散,即正式進入呈示部的兩個主題:

濃濃憂鬱的C小調第一主題:

 

在法國號連續切分節奏過後,音樂漸慢之後,鋼琴領奏出第二主題:

拉赫曼尼諾夫在第一樂章中,設計了莊嚴的節奏和俄羅斯式憂鬱感傷旋律,並且每一段落裡安排不同層次的激情與火花,揮灑出如如火般的豪情與如水般的溫柔,非常非常優美。

 

橫山幸雄的拉二鋼演奏錄音:第一樂章

https://www.youtube.com/watch?v=QUg-mg5DaDY

 

第二樂章

持續的慢板(Adagio Sostenudo)
11:08 - Adagio sostenuto

第二樂章持續的慢板,為三段體。主題旋律在鋼琴穩定的三連音分解和弦伴奏之下,呈現出極長的線條與濃情蜜意:

https://youtu.be/gRd0SGny3JY?t=672

 

溫暖的旋律由長笛開頭,再由單簧管承接、最後接入鋼琴,為拉赫曼尼諾夫著名的抒情樂章。

 

 

 

橫山幸雄的拉二鋼演奏錄音:第二樂章

https://www.youtube.com/watch?v=bmfQjRRQ3pg

 

第三樂章

詼諧的快板(Allegro Scherzando)
23:03 - Allegro scherzando

https://youtu.be/kS8hk0kL2sE?t=1382

 

樂章一開始,簡單的節奏主題段落後,就進入鋼琴最為精彩的第一段裝飾奏:

 

 

鋼琴奏出第一主題,帶著濃濃節奏感與活躍的動力:

 

下一個段落,動機取自第一樂章的半音起伏,佐以鋼琴及華麗的快速分解和弦

 

中提琴奏起憂鬱的第二主題旋律,隨後有鋼琴跟隨再奏,是拉赫曼尼諾夫最著名的旋律之一:

 

優美精緻的過度樂段:

 

整個樂章如同是前兩個樂章所累積能量的全然釋放,淋漓盡致而且非常精彩:

 

 

最後的急板段落,鋼琴再次精彩狂飆:

 

 

主題旋律再次昇華,帶著拉赫曼尼諾夫憂鬱極致的獨特濃厚宇宙觀(已經不知道怎麼寫了XD)

 

隨後一路狂飆至樂曲結尾,以「拉赫曼尼諾夫式的結尾」雄壯有力地結束全曲~

 

橫山幸雄的拉二鋼演奏錄音:第三樂章

https://www.youtube.com/watch?v=x2VneZANtOM


拉赫曼尼諾夫:D小調第三號鋼琴協奏曲,作品30

拉赫曼尼諾夫d小調第三號鋼琴協奏曲,完成於1909年9月,首演於1909年11月28日,是作曲家為赴美演出而創作的大型協奏曲作品,以濃烈的情感表達和艱深的演奏技術而聞名於世。由於鋼琴家擔任吃重的獨奏角色以及超過三萬顆音符的炫技內容,這首鋼琴協奏曲在歷史文獻中更占有重要的地位,廣泛地被稱為「鋼琴協奏曲之王」

 

1910年拉赫曼尼諾夫正在謄寫第三號鋼琴協奏曲樂譜之記錄照片:

1910年拉赫曼尼諾夫正在謄寫第三號鋼琴協奏曲

 

樂曲簡說

這首曲子是拉赫曼尼諾夫在1909年於俄國的伊凡諾夫卡(Ivanovka)完成 的,寫上的日期是9月23日,這正好是他第一次應邀前往美國演出之前。抵達美國後,他親自首演此曲,並於1909年11月28日與紐約愛樂於紐約曼哈頓新劇院演出,指揮為華爾特.達姆羅施(Walter Damrosch)。

「拉三鋼」最重要的一次演出,是之後1910年1月16日的卡內基音樂廳的第二次演出:由紐約愛樂總監馬勒(Gustav Mahler)擔任指揮,演出非常成功,而馬勒的指揮才能和音樂風格也讓拉赫曼尼諾夫留下深刻的印象。

 

本作品是獻給在當時最偉大的波蘭籍鋼琴家約瑟夫.霍夫曼(Josef Hofmann, 1876-1957),但是他本人卻從未演奏過此曲。

波蘭籍鋼琴家約瑟夫.霍夫曼(Josef Hofmann, 1876-1957)

 

拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲是令所有鋼琴家望而生畏的名曲,因為此曲在體力和與技巧上的要求,對鋼琴家都是一大挑戰,甚至連拉赫曼尼諾夫自己都說:「我把它寫得像大象一般。」 

除了延續第二號鋼琴協奏曲一樣的浪漫旋律與樂曲中既抒情又熱烈的滿意熱情之外,作曲家在第二號鋼琴協奏曲大受歡迎之後,大幅度地擴大了樂曲的結構,並對鋼琴家的技巧也有著更高、更全面性的要求。連拉赫曼尼諾夫本人在首演之夜演出後,因為彈奏此曲太累而拒絕了聽眾的安可(當時的流行慣例是獨奏家一定會演奏安可曲,而且演出成功與否取決於觀眾掌聲長度與演奏安可曲目多寡)。晚年時,拉赫曼尼諾夫更索性拒絕公開演奏此曲目。

 

拉赫曼尼諾夫本人演奏版本(1939/40年)

Sergei Rachmaninov, pianist
Eugene Ormandy, conductor
The Philadelphia Orchestra

https://www.youtube.com/watch?v=EPM6bEBerRo&t=473s

 

比起第二號,樂團部分和鋼琴獨奏都顯得更加複雜、龐大,結果也更加迷人而炫目。

至今,每一位鋼琴家都將「拉三鋼」視為技術指標與生涯演奏成就標準,而樂曲本身也廣為全球樂迷所喜愛接受,是音樂會中招牌著名鋼琴協奏曲。

「拉三鋼」的最佳繼承者,一般認為就是同為俄國國籍,比拉赫曼尼諾夫小30歲,成為忘年之交的鋼琴家霍洛維茲 (Vladimir Horowitz, 1903-1989)。霍洛維茲傑出的技巧不但深獲拉赫曼尼諾夫肯定,曾親自為他彈奏第二鋼琴(管弦樂聲部)並給予樂曲與音樂指導,讓此曲成為霍洛維茲一輩子著名的「戰馬」,在拉赫曼尼諾夫本人之後,將此曲推至高峰,更受世人肯定。

 

霍洛維茲1978年與紐約愛樂現場演奏「拉三鋼」(1978年)

此演奏應為霍洛維茲最後一次公開演奏此曲,也是他的最後一次「拉三鋼」錄音

Avery Fisher Hall, New York, 1978
Conductor: Zubin Mehta

https://youtu.be/D5mxU_7BTRA

 

 

第一樂章 段落分析
呈示部 Exposition 0:01

前奏 Intro

第一主題(鋼琴)THEME 1 0:04  

第一主題(樂團)THEME 1 0:56 

過渡段落 Transition 1:42 

小裝飾奏 cadenza 2:54

過渡段落(樂團)2:29  

第二主題a THEME 2a 3:32

第二主題b THEME 2b  4:10 

過渡段落 4:42 

第二主題b再現,呈示部結尾。6:33

 

發展部 Development 7:12

速度轉快 "Piu vivo" 8:29

炫技段落 9:38 

裝飾奏1 CADENZA1 11:16 

第一主題(長笛)THEME played by flute 13:02 

裝飾奏2 CADENZA2 13:44 

銜接樂段導回再現部 14:51 

 

再現部 Recapitulation 15:42

前奏 Intro 15:42 

第一主題 THEME 1 15:47  

第二主題a THEME 2a 16:37

 

尾聲 Conclusion 17:04

 

橫山幸雄的拉三鋼演奏錄音:第一樂章

https://www.youtube.com/watch?v=5k5zmnafHhk

 

第二樂章 段落分析
(段落A) 17:27

第一主題 First theme 17:27  

鋼琴bD大調主題 (variation 1) 18:40

鋼琴f小調主題 (var 2) 19:43

 

(段落B) 20:44 

"Piu vivo" 20:44

小提琴奏出第一樂章第一主題 20:48

 

(段落A) 21:45

第一主題(var 3) 21:45 

第一主題(var 4)  22:30 

第一主題(var 5)  22:57

段落結尾 23:38

 

(段落C) 24:00

弦樂撥奏、第一樂章第一主題隱藏其中

 

(段落A) 25:25

第一主題 First theme 25:25 

準備過渡至第三樂章 25:50

 

橫山幸雄的拉三鋼演奏錄音:第二樂章

https://www.youtube.com/watch?v=9MX5OZPIKU8

 

第三樂章 段落分析
呈示部 Exposition 26:16 

第一主題a THEME 1a 26:16 

第一主題b THEME 1b  27:09 

第二主題2 THEME 2a 27:53 

第二主題b THEME 2b  28:35 

管弦樂過渡段落 29:16 

 

發展部 Development 29:46

詼諧曲風 29:46  

詼諧曲風變奏 30:45 

連接段落 31:43

詼諧曲風變奏 32:15

結束段 35:03

 

再現部 Recapitulation 35:21 

第一主題a THEME 1a 35:21 

第一主題b THEME 1b 36:24

第二主題a THEME 2a 36:58

第二主題b THEME 2b 37:37

 

Coda 38:20 

小裝飾奏 39:11

 

拉赫曼尼諾夫終止 41:01

 

橫山幸雄的拉三鋼演奏錄音:第三樂章

https://www.youtube.com/watch?v=LNP-EL0CfnU&list=PLarS3CmQuEHvU391iKdgvJPkhrdHyl9CI&index=7

 

被譽為「最艱難的鋼琴協奏曲」,拉赫曼尼諾夫《D小調第三號鋼琴協奏曲》,除了是晚期浪漫至當代的璀璨火花,更是現代鋼琴家的「終極試煉」,霍洛維茲(Vladimir Horowitz)敬畏地稱其為「鋼琴家的珠穆朗瑪峰」。

與第二號協奏曲的抒情性與旋律魅力相比,第三號的旋律線條並不以外在華麗為目的,而是緊扣語句的發展與呼吸,形成一種幾乎拉赫曼尼諾夫語言式的邏輯,奔放的演奏技巧

、多層次的主題發展與戲劇轉折,再到終曲中近乎交響性的大規模擴展,讓這首樂曲成為各國際大賽之代表名曲,從中更可見橫山老師本次音樂會將鋼琴協奏曲推向極致之強大決心。

 

拉赫曼尼諾夫:帕格尼尼主題狂想曲,作品43

關於作曲家的介紹

1933年坐於鋼琴旁的拉赫曼尼諾夫

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/all-about-sergei-rachmaninoff/

 

創作時期

拉赫曼尼諾夫於1934年7月3日-8月18日,在瑞士琉森湖邊Senar別墅度假時,創作了《帕格尼尼主題狂想曲》。

 

拉赫曼尼諾夫攝於瑞士琉森湖邊Senar別墅

 

1943年,Senar別墅的景緻,拉赫曼尼諾夫非常喜愛這邊,甚至認為這裡絕對是自己的終老之地

 

現代的Senar別墅空景

 

樂曲首演

完成此曲後,1934年11月7日,由拉赫曼尼諾夫親自擔任鋼琴獨奏者,波蘭/英國指揮家:利奧波德·史托考夫斯基(Leopold Stokowski, 1882-1977)、費城管弦樂團於在美國馬里蘭州巴爾的摩的抒情歌劇院(Lyric Opera House)首次演出。

 

拉赫曼尼諾夫與利奧波德·史托考夫斯基

 

首度錄音

首演後不久,拉赫曼尼諾夫之後旋於1934 年 12 月 24 日,再次與指揮家利奧波德·史托考夫斯基和費城管弦樂團合作,在新澤西州的 RCA Victor's Trinity Church Studio 錄製了本曲之第一張唱片。

 

利奧波德·史托考夫斯基一輩子也致力於推廣拉赫曼尼諾夫所創作的音樂

 

英國首演

拉赫曼尼諾夫於1935年3月7日,在英國曼徹斯特自由貿易大廳哈雷劇院擔任鋼琴獨奏者,由尼古拉.馬爾科(Nikolai Malko)指揮演出。

 

變奏發想

拉赫曼尼諾夫以帕格尼尼最知名的小提琴獨奏曲:隨想曲 op.1 第24首為主題,寫出各種驚人的變奏,並定名為《帕格尼尼主題狂想曲》(The Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43)

 

帕格尼尼:隨想曲 op.1 第24首主題

 

https://www.youtube.com/watch?v=UcL0IsklM3M

 

 

所有變奏一覽:

原始表格資料取自維基百科再增加資料而成,附上連結以供延伸閱覽:

段落 速度 調性 拍號
引子 0:00
活潑的快板
a小調
2/4拍
變奏一 0:08
同前速度
a小調
主題 0:27
速度同上
a小調
變奏二 0:46
速度同上
a小調
變奏三 1:04
速度同上
a小調
變奏四 1:29
更活潑些
a小調
變奏五 1:57
同前速度
a小調
變奏六 2:24 
速度同上
a小調
變奏七 3:17
不那麼有動感,中速
a小調
變奏八 4:30
起始速度
a小調
變奏九 5:02
速度同上
a小調
變奏十 5:31
速度同上
a小調
4/4 to 3/4
變奏十一 6:23
中速
a小調
3/4
變奏十二 7:56
小步舞曲速度
d小調
變奏十三 7:56
快板
d小調
變奏十四 9:58
速度同前
F大調
變奏十五 10:41
更活潑、諧謔些
F大調
3/4 to 2/4
變奏十六 11:47
小快板
降B大調
2/4
變奏十七 13:30
小快板
降B大調
4/4 to 2/4
變奏十八 15:27
如歌的行板
降D大調
3/4
變奏十九 18:33
速度較活潑
a小調
2/4, 4/4 to 3/4
變奏二十 19:05 
稍微更活潑些
a小調
4/4 to 2/4
變奏廿一 19:39
稍微更活潑些
a小調
變奏廿二 20:03
稍微更活潑些
a小調
4/4 to 3/4
變奏廿三 21:39
速度同上
a小調
2/4
變奏廿四 22:27
速度稍微不那麼有動感
a小調
4/4 to 2/4

 

樂譜版本欣賞

Introduction: Allegro vivace 0:00

Var. I (Precedente) 0:08

Tema: L'istesso tempo 0:27

Var. 2: L'istesso tempo 0:46

Var. 3: L'istesso tempo 1:04

Var. 4: Più vivo 1:29

Var. 5: Tempo precedente 1:57

Var. 6: L'istesso tempo 2:24

Var. 7: Meno mosso, a tempo moderato 3:17

Var. 8: Tempo I 4:30

Var. 9: L'istesso tempo 5:02

Var. 10: L'istesso tempo (Dies irae) 5:31

Var. 11: Moderato (with Cadenza) 6:23

Var. 12: Tempo di menuetto (D minor) 7:56

Var. 13: Allegro (D minor) 9:27

Var. 14: L'istesso tempo (F major) 9:58

Var. 15: Più vivo scherzando (Orchestra tacet) (F major) 10:41

Var. 16: Allegretto (B-flat minor) 11:47

Var. 17: [Allegretto] (B-flat minor) 13:30

Var. 18: Andante cantabile (Theme in inversion) (D-flat major) 15:27 Introduction and

Var. 19: A tempo vivace 18:33

Var. 20: Un poco più vivo 19:05

Var. 21: Un poco più vivo 19:39

Var. 22: Marziale. Un poco più vivo. Alla breve (with Cadenza) 20:03

Var. 23: L'istesso tempo (with Cadenza) 21:39

Var. 24: A tempo un poco meno mosso 22:27

https://www.youtube.com/watch?v=HvKTPDg0IW0&t=963s

 

https://www.youtube.com/watch?v=mZ94bwz2Ezc

 

柴可夫斯基:降B小調第一號鋼琴協奏曲,作品23

「俄國不順,美國走紅」是柴可夫斯基這首最偉大的鋼琴協奏曲的最佳寫照。鋼琴演奏必也非常出色的柴可夫斯基,在1874年創作出這首協奏曲,原本預計提獻給好友尼可萊‧魯賓斯坦,但卻遭到這位鋼琴家/作曲家無情的奚落,獲得「無法演奏」的評價。柴可夫斯基堅持其創作不應修改並將協奏曲改為提獻給德國指揮家漢斯•馮•畢羅。畢羅在隔年把這首協奏曲帶到美國首演而大獲成功,終於讓尼可萊•魯賓斯坦理解其藝術價值,後來亦公開演奏。

 

降B小調第一號鋼琴協奏曲

創作年份:1874年

創作背景:1874年,柴可夫斯基與弟弟莫德斯特(Modest Tchaikovsky)通信的信件中,首度提到這首鋼琴協奏曲創作。大約在同年年底(12月),完成這首第一號鋼琴協奏曲。

完成後,柴可夫斯基原定由好友尼可萊·魯賓斯坦(Nicolai Rubinstein)擔任此曲的修訂與首演者,但沒想到尼可萊·魯賓斯坦認為此曲過度艱難,無法演出,並做出了無情的批評。之後柴可夫斯基深信這首鋼琴協奏曲「不需更改」,因而將這部作品題獻給了德國指揮家漢斯·馮·畢羅(Hans von Bülow)。

畢羅收到這首協奏曲之後,很喜歡這首作品,給出評價為:「如此原創和高貴」(So original and noble),且剛好畢羅即將有美國演出巡演,便順勢將協奏曲帶到了美國,安排於1875年10月25日於波士頓音樂廳進行首演,並親自擔任鋼琴獨奏家。

在美國的演出非常成功,當天畢羅還重新彈奏第三樂章以回應熱情的現場聽眾。

這麼盛大的成功更讓柴可夫斯基驚喜訝異不已。

隔一個月之後,指揮家達姆羅許(Leopold Damrosch)再次於紐約指揮此曲,讓樂曲在美國評價更高。

而俄羅斯首演則舉行於隔年1875年11月13日,地點在聖彼得堡,由俄羅斯鋼琴家古斯塔夫·克羅斯(Gustav Kross)和捷克指揮家愛德華·納普拉夫尼克(Eduard Nápravník)合作。但柴可夫斯基本人卻非常不喜歡,認為當天的獨奏家彈奏出「一種殘酷的雜音」(an atrocious cacophony)...

接下來終於回到莫斯科的首演~

1875年12月3日,由當年僅18歲的年輕鋼琴家謝爾蓋·塔涅耶夫(Sergei Taneyev)擔任獨奏者,而指揮就是當年批評這首協奏曲的尼可萊.魯賓斯坦。

現在,尼可萊.魯賓斯坦開始看到這首協奏曲的優點,之後並在歐洲多次演奏此曲,成為此曲的忠實擁護者。

尼可萊.魯賓斯坦甚至堅持柴可夫斯基之後如果寫作第二鋼琴協奏曲,也務必將首演委託給他(真棒的轉變~)

可惜後來魯賓斯坦過世,無緣演出柴可夫斯基之後完成的第二號鋼琴協奏曲。

柴可夫斯基原本也考慮將第一號鋼琴協奏曲獻給塔涅耶夫,因為塔涅耶夫演奏此曲得非常出色;但最終,柴可夫斯基將此曲獻給了最初功勞居功厥偉的畢羅。

 

關於修改版本

柴可夫斯基一共對第一號鋼琴協奏曲進行了三次修改,除了1875的初版,1879的二版之外,最後一次修改是在 1888 年,也就現行最常演奏版本。

原始版本和最終版本之間最顯著的區別之一是:在開頭部分,管弦樂團主題的鋼琴演奏的和弦,最初以琶音寫作。

1874年12月,柴可夫斯基也曾為此曲編寫雙鋼琴版本,後也於1888年再次修訂雙鋼琴版。

 

柴一鋼:1875年版本

https://www.youtube.com/watch?v=8pqvCIFJS2E

 

柴一鋼:1888年版本(現行版本)

00:00 I. Allegro non troppo e molto maestoso
04:36 Allegro con spirito

21:42 II. Andantino semplice
25:34 Prestissimo
27:38 Tempo I
.
29:31 III. Allegro con fuoco
35:17 Molto meno mosso
35:53 Allegro vivo

https://www.youtube.com/watch?v=AE3f-EUjNcw

 

三樂章簡介

第一樂章:不甚快的快板(Allegro non troppo)

降B小調,奏鳴曲式。

協奏曲開始的壯闊與旋律即令人印象深刻。在4把法國號奏出四個下行主題並反覆三次後,弦樂在獨奏鋼琴強而有力和絃伴奏下,奏出了世人最熟悉的莊嚴隆重第一主題。

而第二主題以降A大調出現於單簧管,鋼琴並加以反覆。

發展部出現,第一主題並加入全新音型,與鋼琴形成變化;全曲段落分明,旋律十分具有歌唱性,並帶著甜美無比之感。

 

橫山幸雄精彩的柴一鋼錄音:第一樂章

https://www.youtube.com/watch?v=112n2Zq52uI

 

 

第二樂章:純樸的行板(Andante semplice)

A-B-A 三段體

第二樂章的行板主題由長笛以bD大調獨奏奏出,帶著濃濃的牧歌風格,一聽難忘。接下來旋律由鋼琴接替並傳遞給大提琴與雙簧管。整個第一段落充滿歌唱風格。中庸的速度和單純的風格。第二段落突然氣氛一轉,速度轉為最急板,並帶著隨想曲般風格,令人印象深刻。第三段落在此鋼琴奏出行板主題,並加上顫音與裝飾性之變奏,非常具有特色

 

橫山幸雄精彩的柴一鋼錄音:第二樂章

https://www.youtube.com/watch?v=S6c3QumPX7Q&list=PLarS3CmQuEHvU391iKdgvJPkhrdHyl9CI&index=5

 

第三樂章:熱烈的快板 (Allegro con fuoco)

bB小調,迴旋曲式。

在4小節前奏之,鋼琴以bB小調奏出第一次迴旋主題,接著小提琴回到降D大調,奏出具有對比性的抒情主題,前後兩個主題之對比,形成了精彩的對話。

B主題柴可夫斯基採用了烏克蘭歌舞曲《Podoydi, podoydy vo Tsar-Goro》,聽起來非常具有歌謠感,也與活潑節奏化的第一主題具有明顯對比。

進入C主題,則有個多精彩技法展現:包含了附點節奏與鋼琴華麗獨奏。

尾聲段落,逐漸音樂累積更熱烈的情緒,柴可夫斯基也再次採用了烏克蘭歌舞曲《Podoydi, podoydy vo Tsar-Goro》,音樂逐漸發展為火熱的節奏與旋律,結束在極度的狂熱之中。

 

橫山幸雄精彩的柴一鋼錄音:第三樂章

https://www.youtube.com/watch?v=S6c3QumPX7Q&list=PLarS3CmQuEHvU391iKdgvJPkhrdHyl9CI&index=5

 

注意到了嗎?本次的四協奏曲,橫山老師每一首都有錄音,而且是很早就完成;在他多年的不斷磨練之下,這四首協奏曲如同「戰馬」,不斷地馳騁沙場(音樂會),越戰越勇,也越磨越亮

欣賞藝術家,是一件賞心悅目的事情

因為我們不但享受當下的心靈交會,更可以在漫長的時間中,與藝術家一同成長:而橫山老師,就是這樣一位,能帶領著你我慢慢成長的藝術家...

 

 

 

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您也可以接續閱讀這三篇文章,更進一步了解這位「金氏世界紀錄鋼琴演奏家」精彩的音樂與藝術人生喔~

 

延伸閱讀

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探索系列一|弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家

在本系列中,林仁斌老師將帶您聚焦在「音樂家的歷史」,以深度的眼光與精彩的影音,認識20世紀五大傳奇音樂家,從「神弓炫技:海飛茲」、「大提琴泰斗:卡薩爾斯」、「波蘭王者:魯賓斯坦」、「大提琴傳奇:羅斯托波維奇」到「俠之大者:歐伊史特拉夫」,各個都充滿故事性,音樂更是迷人,您絕不可錯過!

 

  • 課程內容

      • 第一堂|神弓炫技小提琴之神:海飛茲

      「出生於俄羅斯(立陶宛)、三歲學琴,7歲首次公開演出,17歲全美公開演出」這短短的幾句話,是海飛茲生前寫的墓誌銘。演奏技巧極其完美,音準完美無瑕,幾乎從不出現錯誤,更被一代指揮泰斗托斯卡尼尼讚譽為:「唯一能演奏得完美無缺的藝術家」。本堂課程以豐富的影音資料,帶您走入小提琴之神海飛茲完美~近乎苛求的音樂世界

      • 第二堂|古典樂的大提琴泰斗:卡薩爾斯
    • 本堂課程,林仁斌老師將帶您認識西班牙著名的大提琴家、作曲家、指揮家:卡薩爾斯(Pau Casals, 1876 - 1973)。他是20 世紀上半全世界最傑出的大提琴家。職業生涯從14歲展露頭角,1905 年與小提琴家隆提博與鋼琴家科爾托組成黃金三重奏,更是20世紀初最傳奇的室內樂組合。經歷1936年西班牙內戰、移居法國,終身維護民主與人權,舉辦卡薩爾斯音樂節,每一舉措,均是音樂家的標竿。
      • 第三堂|波蘭鋼琴之藝術王者:金鈕釦魯賓斯坦

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識一生享有盛名,被公認為史上蕭邦音樂的最佳詮釋者之美籍波蘭裔鋼琴家魯賓斯坦。他將蕭邦音樂中的浪漫主義情懷和波蘭民族精神完美結合,更為蕭邦音樂賦予高尚的情感,取代感傷耽溺並注入清新與活力之詮釋;一生中所獲頒榮譽無數,更以大量的唱片錄音為世人留下珍貴的音樂資產,為鋼琴演奏藝術最重要之傳承者。

      • 第四堂|大提琴之聲傳奇締造:羅斯托波維奇

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識20世紀俄羅斯最具代表性之大提琴家、指揮家:羅斯托波維奇。1956 年起任莫斯科音樂學院教授,1964年被蘇聯當局授予「人民藝術家」稱號。演奏技巧極為精湛,無論是高難度的指法、弓法,或是複雜的音樂段落,他都能輕鬆駕馭、游刃有餘,能透過細膩的弓法控制,營造出如詩如畫的音樂氛圍,在指揮上亦享有盛名。

      • 第五堂|風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識1908年出生於烏克蘭奧德薩猶太家庭,1937 年比利時布魯塞爾易沙意國際小提琴大賽首獎,音色以温暖醇厚著稱之歐伊史特拉夫。除了教學與演奏的卓越成就,歐伊史特拉夫作為蘇聯音樂文化最具代表性的人物,在國際舞台上積極推廣蘇聯音樂和文化,無論是浪漫主義作品中的柔情蜜意,或是古典主義作品中的嚴謹莊重,都是一代俠之大者

      ※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


大提琴之聲傳奇締造:羅斯托波維奇

羅斯托波維奇(Mstislav Rostropovich, 1927–2007)是一位結合音樂與人道精神的傳奇人物,也是一代最具代表性的大提琴演奏家與樂團指揮。

 

平背景與音樂歷程

羅斯托波維奇於1927年出生於蘇聯巴庫(今亞塞拜然),來自一個音樂世家。父親是大提琴家,母親是鋼琴家,從小便接受正統音樂訓練。他自幼學習鋼琴與大提琴,後進入莫斯科音樂院師事列昂尼德·科岡與謝爾蓋·費多托夫,並深受作曲家蕭士塔科維契與普羅高菲夫的啟發與扶持。

羅斯托波維奇於1940年代初嶄露頭角,因技藝超凡與音樂性豐沛而被譽為天才,1950年代起他開始活躍於國際舞台,並成為蘇聯藝術文化代表人物之一。

羅斯托波維奇的大提琴聲音具有極強的表現力,更極具歌唱性,從極柔到極強,音色多變、線條清晰、情感濃烈。他對J.S.巴赫《六首大提琴無伴奏組曲》的詮釋影響深遠,尤其是後期版本,被譽為21世紀最具人文精神的演繹之一。

巴哈無伴奏全集錄影 DVD

https://www.youtube.com/watch?v=83wY_IegKqU&list=PLAA22CF57546D4B18

從他的全套巴哈,我們可以觀察出他擅長使用弓法與揉弦營造戲劇張力,而他的左手技巧敏銳,除了優異的音準之外,更具有歌唱性與敘事性。

重要曲目與世界首演

另一個傑出的貢獻,就是羅斯托波維奇精湛的演奏,吸引更多當代作曲家為其譜曲,他也委託許多作曲家作曲,並大量首演許多20世紀現代作品,對於20世紀的大提琴當代曲目開拓、創新與貢獻,甚為卓著,更是當代作曲家與演奏家的典範級大師人物。

蕭斯塔科維契:大提琴協奏曲第1號、第2號

普羅高菲夫:大提琴協奏曲、《交響協奏曲》

布里頓:大提琴交響曲、組曲

盧托斯拉夫斯基(Lutosławski)、潘德列茨基(Krzysztof Eugeniusz Penderecki)、卡巴列夫斯基(Dmitri Borisovich Kabalevsky)皆曾為其作曲

羅斯托波維奇與蕭斯塔科維契關係情同父子,不但演出其多首大提琴協奏曲,更被譽為是其音樂的代言人。他與英國作曲家布里頓(Benjamin Britten)私交甚篤,傑出的演奏也成為布里頓創作生涯的靈感泉源,兩人始終合作密切並共同錄製多部作品。而羅斯托波維奇與卡拉揚、伯恩斯坦等名指揮合作,更是屢有頂級佳作問世,其錄音作品廣泛,合作對象橫跨歐洲與美洲,堪稱20世紀最受歡迎的大提琴家。

羅斯托波維奇演奏理查史特勞斯《Don Quixote》

https://www.youtube.com/watch?v=J9e_t5winag

 

指揮與教育事業

指揮生涯:
羅斯托波維奇於1970年代起開始轉向指揮,曾任美國國家交響樂團(NSO)音樂總監,亦客席世界各地名團。

教育影響:
在莫斯科音樂院任教多年,門下弟子包括娜塔莉·古特曼(Natalia Gutman, b.1942)、麥斯基(Mischa Maisky)伊薩利斯(Steven Isserlis)等,培育了無數大提琴新星。

 

娜塔莉亞・古特曼:站在巨人肩膀上的俄羅斯大提琴家

童年與音樂啟蒙:誕生於音樂世家

娜塔莉亞・古特曼於1942年出生在蘇聯的喀山,自幼隨家人遷至莫斯科。她的家庭是名副其實的音樂世家:母親是鋼琴家,外祖父是奧爾門下的小提琴家,外祖母更是奧爾與約阿希姆的雙料門生。

古特曼五歲時由繼父、著名大提琴教師羅曼・沙波日尼科夫啟蒙。她回憶說:「我最初的老師就是沙波日尼科夫,他讓我從小就接觸了豐富的大提琴文獻,這對我影響深遠。」

名門之路:從格涅辛音樂學校到羅斯特羅波維奇門下

十五歲時,古特曼考入著名的格涅辛音樂學校,師從加琳娜・柯楚盧波娃。柯楚盧波娃是大提琴宗師達維多夫的學脈傳人,也是俄羅斯大提琴學派的代表人物之一。

之後,她升入列寧格勒音樂學院,更幸運地成為傳奇大提琴家羅斯特羅波維奇的學生。儘管羅氏時常因國際巡演缺課,但其課堂總能激發古特曼的情感與個性發展,對她的藝術養成起了關鍵作用。

登上國際舞台:比賽成就與早期室內樂

1962年,她在柴科夫斯基國際音樂大賽中獲得第三名,初露頭角。1967年,她於慕尼黑國際音樂比賽奪得金牌,並與鋼琴家納塞特金一同摘下二重奏金獎,確立了她對室內樂的熱情與堅持。

政治阻礙與情感收穫:與卡岡的相遇

自1969年起,由於政治因素與其猶太姓氏,古特曼遭蘇聯政府限制出境,直到1980年代初才獲解禁。正是在這段壓抑的時期,她遇見並嫁給了小提琴家奧列格・卡岡(Oleg Kagan),開啟了兩人共同的音樂旅程。

室內樂的傳奇組合:三重奏與現代音樂推廣

卡岡師承奧伊斯特拉赫,曾贏得西貝柳斯與巴赫國際比賽的冠軍。他與鋼琴家里赫特合作多年,在與古特曼結為夫妻後,組成了極具聲望的鋼琴三重奏,活躍於蘇聯與歐洲樂壇。

兩人也是當代作曲家如肖斯塔科維奇與施尼特凱的重要詮釋者與推廣者。施尼特凱更將其《第三小提琴協奏曲》與《第一大提琴協奏曲》分別題獻給卡岡與古特曼,後者創作於他死裡逃生後,充滿宗教感懷與生命頌歌,被古特曼視為神聖的使命演出。

音樂風格與藝術理念

古特曼的演奏承襲俄派風格,音色飽滿、技巧精湛。儘管她敬重恩師羅斯特羅波維奇,她卻更願意親自研讀總譜、尋求屬於自己的詮釋方式。

她在1985年與阿巴多及倫敦交響樂團合作演奏普羅科菲耶夫《大提琴交響協奏曲》,贏得《每日電訊報》的高度評價:「甚至羅氏本人也未曾如此出色地詮釋這首作品。」

永恆的懷念:卡岡的辭世與藝術節的延續

1989年,卡岡因癌症病逝,年僅44歲。他最後一次公開演出是在由夫妻倆共同創辦的特格爾思湖音樂節上。自此之後,古特曼每年七月皆邀音樂家好友共聚湖畔,以音樂紀念摯愛。

唱片紀錄與晚年風采

古特曼與卡岡的演出多由德國Live Classics公司錄製,曲目涵蓋海頓、舒曼、德沃夏克協奏曲、貝多芬、拉赫瑪尼諾夫奏鳴曲,以及梅湘《時間終結四重奏》等名作,極具藝術價值。

至今,年逾八十的她依舊活躍於國際舞台。她曾動情表示:「當我演奏時,彷彿能聽到祖父、繼父、卡岡、里赫特與羅斯特羅波維奇在與我對話。」正因如此,《波士頓環球報》稱她為——「站在巨人肩膀上的俄羅斯大提琴家。」


羅斯托波維奇:來自史蒂芬・伊瑟利斯的致敬

Rostropovich: a tribute by Steven Isserlis

「能夠擁有與偉大作曲家相同不朽地位的演奏家,屈指可數。而其中之一,便是俄國大提琴巨擘姆斯提斯拉夫・羅斯托波維奇。他憑藉驚人的演奏技巧與無法抗拒的說服力,讓無數重要作曲家為他創作大提琴鉅作──從普羅高菲夫、蕭士塔高維契、布瑞頓,到迪蒂約、盧托斯瓦夫斯基、鮑里斯・柴可夫斯基、施尼特克、謝德林……不勝枚舉。

『斯拉瓦』是一位獨一無二、無法取代的人物;他彷彿就是「魅力」一詞的化身。我還記得第一次在現場聽他演出時的情景(我當時大約11歲),是盧托斯瓦夫斯基大提琴協奏曲的首演。斯拉瓦走上舞台時,彷彿從未聽過掌聲似的,一遍又一遍地鞠躬,臉上洋溢著純粹的喜悅——全場觀眾立刻被他迷住。接著他坐下來,下巴銳利地挺出,開始演奏那首協奏曲——當然是全背譜——以一種絕對的信念與力量投入其中,演出結束時,在場的每一位都知道:這首作品,從此正式成為大提琴經典曲目之一。那真是一位魔法師!」

 

優秀門生.遍佈全球

 

米沙・麥斯基:用生命演奏的詩人

獨樹一格的舞台風格

米沙・麥斯基是當代極具個人風格的大提琴家。他演出時總以開領襯衫、飄逸身影現身舞台,拉奏時揮汗如雨。他曾笑言:「更換襯衫不是為了美感,是因為我流了很多汗。」誠懇的回答,也流露出音樂家背後無人知曉的辛酸與付出。

大師傳承與坎坷歷程

他是歷史上唯一同時師承羅斯特羅波維奇與皮亞提戈斯基的音樂家。出生於拉脫維亞猶太家庭,自幼習琴,曾在柴科夫斯基大賽獲獎後,進入莫斯科音樂院深造。但蘇聯時代,他因家人移民以色列遭政治打壓,被囚禁、勞改與送往精神病院,歷時近兩年。

儘管經歷艱難,他淡然說:「我因此成為更好的人與音樂家。」出獄後,他重新握起琴弓,繼續追逐音樂夢想。

音樂是心與心的連結

麥斯基認為音樂不只是技巧,更是情感的傳遞。「好的技巧能讓旋律傳達到耳邊,但偉大的音樂必須直抵心靈。」每場演出,他全情投入,不演奏不喜歡的作品,堅守「從心出發」的信念。

用音樂穿越邊界

麥斯基相信音樂超越語言、國界與宗教,「它是人與人之間共通的語言」。他曾與女兒莉莉同台於香港演出,感動地說:「只要有人愛古典音樂,那裡就是我的家。」

詩意與激情的演奏

他的大提琴音色深情、內斂又自由奔放,如詩如畫。四十年來,他帶著琴走遍世界,訴說音樂與生命交織的故事,讓聽者感動、微笑、甚至落淚。

https://www.youtube.com/watch?v=PatRfED-6kI

 

詮釋哲學:他主張演奏必須蘊含「人性的光輝」,反對單純為炫技而炫技,認為每首作品都應是音樂家內心情感與思想的呈現。

 

政治與人道精神

  • 人權倡議者:
    因公開支持異議作家索忍尼辛,1970年代與蘇聯政府關係惡化,最終流亡海外,1980年代被褫奪國籍。

  • 德意志統一象徵:
    1989年柏林圍牆倒下時,羅斯托波維奇帶著大提琴現場演奏巴赫,被視為音樂與自由的象徵性畫面。

  • 晚年回歸與榮耀:
    蘇聯解體後受俄國政府正式道歉並恢復國籍,繼續致力於音樂教育與文化外交,2007年逝世。

 

羅斯托波維奇生平年表

1927年 出生於巴庫(蘇聯亞塞拜然)
1943年 進入莫斯科音樂院學習
1945年 贏得全蘇聯大提琴比賽
1955年 活躍於國際舞台,與蕭斯塔科維契、普羅高菲夫等人密切合作
1965年 推動20世紀現代音樂創作,首演多首新作
1974年 因支持索忍尼辛,被迫離開蘇聯
1977年 成為美國國家交響樂團音樂總監
1989年 在柏林圍牆倒塌現場演奏巴赫,成為歷史象徵
1990年 獲俄羅斯恢復國籍
2007年 於莫斯科逝世,享年80歲

 

 

代表性錄音整理

作曲家 錄音作品 特色說明 YouTube 連結
巴赫 無伴奏大提琴組曲全套(EMI 1995) 晚年錄音,深沉內斂、極具哲理性 觀看影片
蕭斯塔科維契 大提琴協奏曲第1號,穆拉汶斯基指揮 戲劇性張力強,代表性錄音之一 觀看影片
普羅高菲夫 交響協奏曲(大提琴協奏曲改編版) 技巧性與抒情性兼備,與作曲家本人關係密切 觀看影片
布里頓 大提琴交響曲(與布里頓本人合作) 英國現代音樂代表作之一,合作默契深厚 觀看影片
德弗札克 大提琴協奏曲(卡拉揚/柏林愛樂) 溫暖厚實的音色與磅礴的管弦聲部完美融合 觀看影片
舒曼 大提琴協奏曲(伯恩斯坦指揮) 詩意與激情交織,經典詮釋 觀看影片
柴可夫斯基 洛可可變奏曲 展現羅斯托波維奇的華麗裝飾與技術光輝 觀看影片
聖桑 大提琴協奏曲第1號 法國浪漫主義的優雅與深情被完美詮釋 觀看影片
德弗札克 《寧靜的森林》、《吉普賽之歌》 短小作品中展現絕佳的音樂語感與情感深度 觀看影片

 

https://www.youtube.com/watch?v=hnXItBOgZ6s

 

羅斯托波維奇合作作曲家與首演作品對照表(含 YouTube 連結)

作曲家 首演作品 合作與貢獻說明 YouTube 連結
蕭斯塔科維契 大提琴協奏曲第1號(1959) 為羅斯托波維奇量身打造的代表作,展現蘇聯音樂戲劇性與張力 觀看影片
蕭斯塔科維契 大提琴協奏曲第2號(1966) 晚期作品,內省且具實驗性,由羅斯托波維奇首演 觀看影片
普羅高菲夫 交響協奏曲 Op.125(1952) 由原協奏曲改編而成,為羅斯托波維奇首演並奠定其地位 觀看影片
布里頓 大提琴交響曲(1964) 與布里頓的深厚友情成果,極具英國現代風格 觀看影片
盧托斯拉夫斯基 大提琴協奏曲(1970) 冷戰時期波蘭現代主義的代表作,為羅斯托波維奇首演 觀看影片
卡巴列夫斯基 大提琴協奏曲第1號(1949) 在蘇聯時期即為其創作的技巧性作品 觀看影片
潘德列茲基 大提琴協奏曲第2號(1982) 晚期作品,融合前衛與表現主義,由羅斯托波維奇首演 觀看影片
梅湘 《時間的終結四重奏》

(改編版本)

與梅湘合作演出此曲之全新改編,雖非首演,但影響深遠 觀看影片

 

BBC紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=yUdMzwqn1SQ

 

晚期紀錄片:音樂之善

https://www.youtube.com/watch?v=Ict-wF-nDqs

 


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:蕭邦《第一號鋼琴協奏曲》

【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:蕭邦《第一號鋼琴協奏曲》
Bonart Public welfare lecture - Chopin: Piano Concerto No.1

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


「豐富人生 X 音樂天地」公益講座

🎊喜愛音樂、歌劇、音樂劇、交響樂的樂迷們有福了!慶祝上海商業儲蓄銀行總行新大樓落成,文教基金會順勢推出全新的系列講座-「豐富人生X音樂天地」,將由知名長笛演奏、指揮、撰文與音樂攝影,全方位超人氣音樂欣賞名家,也是 #台灣蹦藝術協會 (蹦藝術 | BONART)理事長-林仁斌先生,精心策畫賞析西洋音樂名家、歌劇人物的主題,以美好音樂陪您經營豐富人生~

 

🎻【豐富人生 X 音樂天地—林仁斌/蕭邦《第一號鋼琴協奏曲》】

鋼琴詩人 #蕭邦 一生中共創作兩首鋼琴協奏曲,但兩首作品完成時間正好與編號相反,原因是出版時間之緣故。《#第一號鋼琴協奏曲》是他離開華沙的告別演奏會而作,全曲充滿華麗的技巧,和聲色彩的巧妙變化,充盈著詩意與情感。超人氣音樂導聆 蹦藝術 | BONART #林仁斌 老師將引領大家,一同來欣賞這首具有敏銳的名家風範之作!

󠀠

🎧「豐富人生 X 音樂天地」第264場
🤵🏻 主講|林仁斌 (旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長)
🎫 講題|林仁斌—蕭邦《第一號鋼琴協奏曲》
📆 活動時間|2025年4月30日(三)晚上19:00-21:00
🏢 活動地點|上海銀行大樓2樓多功能廳(臺北市中山區民權東路一段2號)
󠀠
📲 預約報名:https://www.facebook.com/share/p/1FBy48REM9/


蕭邦.永遠的鋼琴詩人

「鋼琴詩人」蕭邦Frédéric François Chopin, 1810年3月1日-1849年10月17日)畢生的創作以鋼琴曲為主。

雖然他不少作品技巧艱深,但是蕭邦的音樂從不以炫技為最終目的,樂曲中特有的詩意和細膩的情感,為他博得「鋼琴詩人」雅稱,也是最為後世喜愛的作曲家之一。

照片為1849年,蕭邦於人世間最後一張照片:

「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)
「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)

 

2025年最熱話題:第19屆波蘭蕭邦鋼琴大賽

什麼是蕭邦鋼琴大賽?

歷史與定位

鋼琴界的最頂級賽事:華沙國際蕭邦鋼琴大賽

浪漫代名詞.鋼琴詩人蕭邦:藝術生命歷程與精彩樂音

「鋼琴詩人」蕭邦畢生創作幾乎以鋼琴曲為主,雖然他不少作品技巧艱深,但音樂卻從不以炫技為最終目的,樂曲中特有的詩意和細膩的情感、浪漫的和弦與精緻的音符,為他博得「鋼琴詩人」的雅稱,也是最為後世喜愛的作曲家之一。每隔五年於蕭邦故鄉舉辦之波蘭國際蕭邦鋼琴大賽,更是純粹以蕭邦音樂由初賽演奏至最後一輪的國際大賽。

五年一次的蕭邦鋼琴大賽,以往一定要親臨波蘭才能參與,而現今疫情改變了賽事規則,這次轉以線上直播的形式公開轉播賽程,讓更多喜愛音樂的人有機會同步參與這場國際盛事。喜愛古典樂的大人們一定要把握這個千載難逢的機會,跟著專業導聆一起共享經典,了解更多樂曲內涵。

 

蕭邦國際鋼琴大賽Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Fryderyka Chopina)是五年一度的國際鋼琴比賽,1927年由波蘭鋼琴家茹拉夫萊夫創辦,於音樂家蕭邦的故鄉——波蘭首都華沙國家愛樂廳舉行,波蘭政府為每屆大賽提供五百萬茲羅提(約100萬美元)的資助。(基本資料整理自網路與維基百科,並附超連結方便檢索)

 

蕭邦鋼琴大賽起源

→波蘭建國與歷史

波蘭是位於東歐平原西斯拉夫人國家,根據考古發掘資料,波蘭最晚在舊石器時代中期已經有人類捿息。公元前700年新石器時代晚期,斯拉夫人在波蘭定居。10世紀,波蘭人開始建立國家。其後的11~15世紀,波蘭國勢都非常的強盛,波蘭-立陶宛聯合王國成為抵禦金帳汗國入侵的歐洲之盾、並且成為歐洲面積最大的國家。16世紀是波蘭的黃金時代,波蘭身兼歐洲大國和世界貿易大國的雙重身份、文化也得到長足的發展。但從17世紀中期開始,因為俄羅斯和普魯士的崛起使波蘭走向衰弱、大國地位明顯被削去。

18世紀時,古老的貴族民主制面對新興的專制君主制已經無以為繼,至19世紀期間,波蘭最終被鄰國蠶食和瓜分,在歐洲地圖上消失123年。(被蠶食與瓜分的悲慘19世紀~這就是蕭邦的年代)

第一次世界大戰結束後、波蘭才得以復國,第二次世界大戰中,在蘇聯和納粹德國兩個強大鄰國夾縫中生存的波蘭很快就再次亡國。戰後,波蘭的共產黨建立人民共和國、開始共產主義建設。1989年,波蘭的團結工會獲得政權,結束共產黨統治後開始民主化,轉向西方的資本主義制度,劇烈的轉型帶來陣痛和經濟衰退,加劇城鄉差距。1999年和2004年,波蘭分別加入北約和歐盟。

 

波蘭歷史.蕭邦的命運

1810年,就在「音樂神童」莫札特過世的19年之後,蕭邦出生於波蘭

蕭邦出生的年代,波蘭已被俄羅斯帝國普魯士哈布斯堡帝國瓜分,不復為統一主權國家(可參見維基百科:瓜分波蘭)。

 

下圖:三國瓜分波蘭示意圖:

綠色 為奧地利得到的領土
青色 為普魯士得到的領土
紅色 為俄國得到的領土;

由深到淺,依序為第一、二、三次瓜分。

 

一次世界大戰結束後,波蘭重新建國。

當時社會風氣普遍較為重視物質生活,而非藝術、音樂等品味生活的元素。波蘭人雖有自己的國家,但有一批藝術家卻認為波蘭該復興自己的音樂藝術文化,這位最值得年輕人一聽的波蘭作曲家,就是蕭邦。

當時許多波蘭年青人不知道蕭邦是誰?也有波蘭人甚至說,聽了蕭邦的音樂,覺得是糜靡之音。

波蘭鋼琴家與華沙音樂院教授如拉夫列夫(Jerzy Żurawlew, 1886-1980),師承著名的蕭邦詮釋專家:亞歷山大·米查沃夫斯基 (Alexander Michałowski) ,而亞歷山大·米查沃夫斯基師承蕭邦教導過最傑出的學生之一:卡爾·米庫利 (Carl Mikuli),一脈相傳的道地蕭邦原汁原味波蘭風格。

如拉夫列夫畢生投注極大的熱情於教學與蕭邦音樂的傳承,並一生以此為致力目標。 除了培養出好幾位鋼琴家外,他積極參與社區和文化藝術活動。有鑒於越來越多年輕人不知蕭邦是誰?他歷經不懈努力與奔走,終於在1927年,成功於波蘭華沙創辦以蕭邦為名的國際鋼琴大賽。

時至今日,這項以單一作曲家與作曲家人生所有作品為比賽內容的國際音樂大賽,不但成為比賽最大特色,更成為所有國際音樂賽事中歷史最悠久的大賽之一,也讓今日的波蘭人對於擁有蕭邦,深深引以為傲。

五年一度的蕭邦鋼琴大賽,重要性更被譽為為「音樂界的奧運」。

 

波蘭鋼琴家與華沙音樂院教授如拉夫列夫(Jerzy Żurawlew, 1886-1980)

Jerzy Żurawlew (1886-1980), initiator and many-times member of the Competition jury (c. 1927)

 

為何五年舉辦一次?

蕭邦鋼琴大賽從1927年開始,設定每五年舉辦一次(中間1942-1949年間因華沙在二戰中被摧毀而中斷),可說是波蘭藝文界殿堂級的最重要事件,每次舉辦皆獲得全球矚目。相較多數國際音樂大賽多為 3-4 年就舉辦一屆,蕭邦鋼琴大賽設定 5 年才一屆,比 4 年一屆的奧運還久。

據說主辦單位也曾想要縮短年限,但後來認為藝術與傑出演奏者培養,需仰賴的時間沉澱與長期準備:每 5 年如果能有一位頂尖鋼琴家的誕生,已實屬不易,因此作罷。

要準備蕭邦鋼琴大賽並不容易,需要精通的曲種與曲目非常多;雖然是單一作曲家之作品,但每種樂曲曲式均要掌握演奏風格與技巧,更是難上加難;加上比賽評審均為國際一流蕭邦專精演奏家與教授,要通過這些專家們的一致認可,才有機會脫穎而出。

 

蕭邦大賽歷史 紀錄片

https://youtu.be/OGZx3YYeSMs


蕭邦簡介(整理自網路與維基百科)

1810年蕭邦出生於距離波蘭首都 華沙(Warszawa)大約 57公里之近郊小鎮 薩拉佐瓦沃拉 (Zelazowa Wala),現在有 Google Map真是方便,點按下方圖片更可直接進入地圖喔↓~

 

出生於波蘭,活躍於法國的蕭邦,毫無疑問是歷史上最具影響力和最受歡迎的鋼琴家與作曲家,也是歐洲19世紀浪漫主義音樂的代表人物之一,更是波蘭音樂史上最重要的音樂家,在筆者的心中,更是唯一~沒有之一。

 

關於出生日期

蕭邦父親 尼古拉.蕭邦(Nicolas Chopin)是法國人,母親是波蘭人。他的真實出生日期目前仍有爭議,其拉丁文出生文獻(出生證明和教堂受洗紀錄)上記載為 1810年 2月 22日,但其父母與家人均以3月1日作為蕭邦生日。目前音樂史學界的考證,傾向3月1日為其正確出生日期,而2月22日為當的父親在報戶口時,誤算了出生週數所致(比實際出生日期提早整整一星期)。(此資料引用於維基百科「蕭邦」)

 

19歲的蕭邦畫像(Ambroży Mieroszewski 1829年繪製),也是他大約創作第一號鋼琴協奏曲之年紀(1830年,20歲)。

1829年的蕭邦(Painting of Chopin by Ambroży Mieroszewski in 1829)

第一號鋼琴協奏曲

 

背景

「音樂神童」莫札特死後之第19年,蕭邦出生於波蘭

蕭邦出生的年代,波蘭已被俄羅斯帝國普魯士哈布斯堡帝國瓜分,不復為統一主權國家(參見瓜分波蘭)。

蕭邦的母親是波蘭人,父親尼古拉·蕭邦(1771年—1844年)是波蘭籍法國人,原本居住在洛林的一座從父輩繼承下來的葡萄園,1787年移居波蘭並加入波蘭籍,參加過 1792年的俄波戰爭和 1794年的科希丘什科起義。蕭邦的父親也得到了在中學教授法語的工作。一家人於 1810年搬到華沙。

蕭邦在波蘭被視為神童,1816年 6歲的時候開始學習鋼琴,相繼由他的姐姐和母親教授鋼琴演奏技巧。蕭邦 7歲便能作曲,與莫札特相同,從小就展現出驚人的音樂天賦:他的第一首作品 B大調和 g小調波蘭舞曲創作於 1817年(7歲),在華沙他被獲譽為「莫札特的繼承人」、「莫札特第二」。

1818年,8歲的蕭邦在一次慈善音樂會上演奏了阿達爾伯特·吉羅維茨的作品,這是蕭邦的第一次登台演奏,從此躋身波蘭貴族的沙龍

 

四個創作階段
一般常依蕭邦的生命歷程,將他的創作分為四個時期:
第一時期:少年時期至離開波蘭(1810-1830)
第二時期:維也納時期(1830-1831)
第三時期:巴黎生活時期(1831-1839)
第四時期:人生後期(1839-1849)

 

年輕鋼琴演奏家.誕生

1829 年夏天,蕭邦自華沙音樂學院畢業,便以鋼琴家身份首度於維也納風光登臺舉辦了二場鋼琴音樂會,獲得如潮的佳評。

結束演出後,9月份回到華沙後,由於當時鋼琴演奏家普遍於音樂會上彈奏自己創作的協奏曲,於是蕭邦決定立即著手創作鋼琴協奏曲。

1829年年底,蕭邦在寫給友人的信中曾提到:「非常可悲的,我似乎發現了我的理想對象。這半年來我雖然幾乎每晚都夢見她,卻從未曾和她說過一句話。我就是在想念她的這段期間,寫下了此闋協奏曲的慢板樂章(甚緩板Larghetto)。」由此可見這個樂章充滿著蕭邦對初戀情人的思慕,這位夢中情人就是就讀華沙音樂院聲樂科的學生 康絲丹采‧葛拉德可夫絲卡(Konstancja Gladkowska, 1810-1889)

蕭邦:第一號鋼琴協奏曲

獻給初戀情人的鋼琴協奏曲

蕭邦與暗戀對象 康絲丹采

 

e小調第一號鋼琴協奏曲(Piano Concerto No.1, in E minor, Op.11)則於之後的 1830年 10月11日在華沙市政廳首演,同場音樂也邀請到他所愛慕的 康絲丹采‧葛拉德可夫絲卡擔任其他節目的演唱。而蕭邦自始自終,都無法說出他對康絲丹采的愛慕,直至他後來離開波蘭為止。在此時期蕭邦也開始譜寫他的第一套鋼琴練習曲 op.10(Etudes op.10, 1829 – 32)。

 

蕭邦共創作了兩首鋼琴協奏曲,第一號 e小調與第二號 f小調。

有趣的是,這兩首作品之完成時間正好與編號相反,原因其實是出版時間之緣故:

曲名 寫作完成年份 出版年份
第一號鋼琴協奏曲 1830 1833
第二號鋼琴協奏曲 1829 1836

由上表可見:第一號完成時間為 1830年,出版年份為 1833年,第二號完成時間為 1829年,出版年份為 1836年。雖然第二號之創作時間較第一號早,但因出版年份關係而有了新順序。多年來學界雖已考據清楚,但尊重此一既定結果,不要重新更改順序。(音樂史上亦有許多作曲家有創作與出版年份之順序之問題,例如:貝多芬、孟德爾頌等等)


作品與創作動機整理

《第一號鋼琴協奏曲》E小調,作品11

  • 創作時間與首演:​1830年創作,於同年10月11日在華沙市政廳首演,由蕭邦本人擔任鋼琴獨奏,艾爾斯納(Józef Elsner)指揮。

  • 創作動機:​蕭邦在離開波蘭前夕創作此曲,作為告別演出的一部分,表達對祖國的深情與惜別之情。

《第二號鋼琴協奏曲》F小調,作品21

  • 創作時間與首演:​1829年創作,於同年12月在華沙鉅商俱樂部首演,蕭邦擔任鋼琴獨奏。

  • 創作動機:​此曲的第二樂章「Larghetto」被認為是蕭邦對聲樂學生康絲坦雅·葛拉苛夫絲卡(Konstancja Gładkowska)的愛慕之情的音樂表達。

 

筆者將蕭邦所有與管弦樂團協奏作品,依作品編號列出:

蕭邦:莫札特歌劇《唐‧喬望尼》「讓我們手牽著手」主題變奏 op.2
蕭邦:e小調第一號鋼琴協奏曲 op.11
蕭邦:波蘭民謠大幻想曲 op.13
蕭邦:克拉科維亞克舞曲 op.14
蕭邦:f小調第二號鋼琴協奏曲 op.21 
蕭邦:流暢的行板與華麗大波蘭舞曲 op.22

而今天介紹的 e小調第一號鋼琴協奏曲雖名為「第一號」,但實際上是蕭邦寫過的鋼琴與管弦樂團作品中最晚創作的一首。

此曲題獻給當時他所崇拜的當代法國鋼琴家卡克布蘭納(Frèdèric Kalkbrenner, 1785- 1849),首演由蕭邦之老師 - 華沙音樂學院院長 艾爾斯納指揮,蕭邦自己擔任鋼琴主奏部份。

寫作第一號鋼琴協奏曲時蕭邦才 19-20歲,剛從華沙音樂院畢業,因此這首協奏曲在各方面,都有著古典時期協奏曲的傳統特色有許多相似之處。 由於此曲的技巧艱困而華麗,多年來始終被譽為蕭邦最為光輝燦爛的大型音樂創作之一。

 

【BON話題】歷屆蕭邦鋼琴大賽:決賽選定鋼琴協奏曲

歷屆首獎得主與演奏協奏曲

屆次 年份 首獎得主 國籍 演奏協奏曲
I 1927 Lev Oborin 蘇聯 第1號,E小調,Op.11
II 1932 Alexander Uninsky 法國 第1號,E小調,Op.11
III 1937 Yakov Zak 蘇聯 第1號,E小調,Op.11
IV 1949 Halina Czerny-Stefańska / Bella Davidovich(並列) 波蘭 / 蘇聯 第1號,E小調,Op.11
V 1955 Adam Harasiewicz 波蘭 第1號,E小調,Op.11
VI 1960 Maurizio Pollini 義大利 第1號,E小調,Op.11
VII 1965 Martha Argerich 阿根廷 第1號,E小調,Op.11
VIII 1970 Garrick Ohlsson 美國 第1號,E小調,Op.11
IX 1975 Krystian Zimerman 波蘭 第1號,E小調,Op.11
X 1980 Đặng Thái Sơn 越南 第2號,f小調,Op.21
XI 1985 Stanislav Bunin 蘇聯 第1號,E小調,Op.11
XII 1990 Kevin Kenner(並列未頒首獎) 美國 第1號,E小調,Op.11
XIII 1995 未頒首獎
XIV 2000 李雲迪 中國 第1號,E小調,Op.11
XV 2005 Rafał Blechacz 波蘭 第1號,E小調,Op.11
XVI 2010 Yulianna Avdeeva 俄羅斯 第1號,E小調,Op.11
XVII 2015 趙成珍(Seong-Jin Cho) 南韓 第1號,E小調,Op.11
XVIII 2021 劉曉禹(Bruce Liu) 加拿大 第1號,E小調,Op.11

蕭邦國際鋼琴大賽歷史上唯一一位在決賽中演奏《第二號鋼琴協奏曲》f小調,作品21,並獲得首獎的得主是越南鋼琴家鄧泰山(Đặng Thái Sơn):他於1980年贏得第10屆比賽的首獎。這一選擇在當時相當罕見,因為自大賽舉辦以來,大多數參賽者與每一屆首獎得主,均傾向於選擇更為炫技且受歡迎的《第一號鋼琴協奏曲》。

鄧泰山的演奏以其詩意的詮釋和深厚的音樂性贏得了評審的高度讚賞,這也使他成為首位獲得該比賽首獎的亞洲鋼琴家,也為亞洲鋼琴家在國際舞台上贏得了更大的認可。

我請AI針對這個現象,做出一份報告,完全未更改一字的初版文字,請蹦友們閱讀:

🎼 節目冊導讀(約 500 字)

歷屆蕭邦鋼琴大賽首獎協奏曲分析

自 1927 年首屆比賽以來,蕭邦國際鋼琴大賽一直是全球最具影響力的鋼琴比賽之一。該比賽旨在發掘和培養新一代的鋼琴家,並推廣蕭邦的音樂作品。歷屆比賽中,決賽選手需演奏蕭邦的鋼琴協奏曲,這對於選手的技術與音樂詮釋能力都是極大的考驗。

值得注意的是,大多數首獎得主選擇演奏《第一號鋼琴協奏曲》(E 小調,作品 11),而只有少數選擇了《第二號鋼琴協奏曲》(F 小調,作品 21)。這一選擇的趨勢引發了對兩部作品在比賽中受歡迎程度的探討。

本節目冊將深入分析歷屆首獎得主的協奏曲選擇,並探討其背後的原因,為觀眾提供更深入的理解和欣賞角度。


🎹 曲目亮點分析:為何多數選手選擇第一號而非第二號協奏曲?(約 1000 字)

蕭邦的兩部鋼琴協奏曲,雖然創作時間相近,風格也有相似之處,但在蕭邦國際鋼琴大賽的歷史中,選擇演奏《第一號鋼琴協奏曲》的選手明顯多於選擇《第二號》的選手。這一現象引發了音樂學者和演奏家的廣泛關注。

一、技術與音樂表現的平衡

《第一號鋼琴協奏曲》以其華麗的技巧和深情的旋律著稱,特別是在第一樂章中,鋼琴部分展示了豐富的裝飾音和快速的音階,為選手提供了展示技術的舞台。同時,第二樂章的抒情旋律也考驗著演奏者的音樂表現力。這種技術與音樂表現的平衡,使得《第一號》成為比賽中理想的選擇。

相比之下,《第二號鋼琴協奏曲》雖然在音樂性上同樣出色,但其技巧性略遜一籌,特別是在第一樂章中,鋼琴部分的炫技性不如《第一號》。因此,選手可能認為《第二號》在比賽中難以充分展示自己的技術實力。

二、與樂團的協作關係

在《第一號鋼琴協奏曲》中,鋼琴與樂團的互動較為緊密,特別是在第一樂章中,鋼琴與樂團之間的對話頻繁,增加了演奏的戲劇性和張力。這種互動性使得整體演出更具吸引力。

而《第二號鋼琴協奏曲》則更多地強調鋼琴的獨奏部分,樂團的角色相對較為陪襯。這可能導致整體演出在視覺和聽覺上略顯單調,對於比賽中的觀眾和評委而言,可能不如《第一號》那樣引人入勝。

三、歷史與傳統的影響

自比賽創辦以來,多數首獎得主選擇演奏《第一號鋼琴協奏曲》,這一傳統可能對後來的選手產生了潛移默化的影響。選手可能認為,選擇《第一號》更符合比賽的傳統和評委的期望,從而增加獲勝的機會。

此外,許多著名鋼琴家的錄音和演出也以《第一號》為主,這些經典詮釋成為後來選手學習和模仿的對象,進一步鞏固了《第一號》在比賽中的主導地位。

四、例外情況的探討

儘管《第一號》在比賽中佔據主導地位,但也有例外。1980 年,第十屆比賽的首獎得主鄧泰山(Đặng Thái Sơn)選擇了演奏《第二號鋼琴協奏曲》。他的演出以細膩的音樂表現和深刻的情感詮釋打動了評委,最終獲得首獎。這一例子證明,選擇《第二號》同樣有可能在比賽中脫穎而出,關鍵在於演奏者對作品的深入理解和出色的詮釋能力。

結語

總的來說,選擇《第一號鋼琴協奏曲》在蕭邦國際鋼琴大賽中更為普遍,這與作品本身的技術性、音樂表現力、與樂團的互動性以及歷史傳統等多方面因素有關。然而,選擇《第二號》並非不可行,關鍵在於演奏者能否深入理解作品,並以出色的詮釋打動評委和觀眾。希望未來的比賽中,能看到更多選手勇於挑戰《第二號》,為觀眾帶來不同的音樂體驗。

 

第一號鋼琴協奏曲 特色解說

全曲三樂章曲式分別為:

I. 奏鳴曲快板曲式(Concerto - Sonata form)

II. 二段體型式(Binary form)

III. 輪旋曲式(Rondo), 依循古典時期相同之 快-慢-快 三樂章架構

三樂章 拍號為 3/4、4/4、2/4,為傳統節奏設定型態,未多做出更多變化。
協奏曲之管弦樂團編制採古典時期常用之兩管編制:除獨奏鋼琴外,長笛、雙簧管、單簧管,低音管等木管樂器各兩部。四部法國號、兩部小號、一部低音號、定音鼓、弦樂五部。
三樂章調性為 e小調、E大調、E大調。 樂章之間採取「平行大小調」設定,屬於傳統用法。

 

當年蕭邦於波蘭華沙市政廳首演此曲時(1830 年 10 月 11 日),也是他告別祖國的最後演出~離開波蘭之後,蕭邦就不曾再寫作大型與管弦樂團之協奏作品,因此第一號鋼琴協奏曲是蕭邦離開波蘭前的最後大型作品。

結束第一號鋼琴協奏曲首演音樂會後,蕭邦便整理行囊,離開故鄉波蘭,出發前往維也納。

蕭邦於 1830年底離開波蘭,在抵達巴黎之前,於維也納住了幾個月(1830年11月~1831年9月)。但當時社會背景波蘭正面臨與俄羅斯戰爭之緊張態勢,而奧地利政治採親俄立場而敵視波蘭與波蘭人,故蕭邦在短期居住之後,決定前往巴黎發展。

另,蕭邦著名的《流暢的行板與華麗大波蘭舞曲》op.22,則創作於維也納,時間約為 1831年 7月間完成,也是他人生中最後一首為鋼琴與管弦樂團創作之大型音樂作品。

 

在 1831年 9月,蕭邦終於來到了巴黎。

19世紀的巴黎,在法國大革命後的開明思潮影響下,吸引許多的文學家、畫家及音樂家都在此聚集,藝術領域一片欣欣向榮,人文薈萃。蕭邦也於巴黎認識許多音樂家與文學家、藝術家等等:例如白遼士(Hector Berlioz, 1803-1869)、 李斯特(Franz Liszt, 1811-1886)、孟德爾頌(Felix Mendelssohn Bartholdy, 1809-1847)、 塔爾貝格(Sigismond Thalberg, 1812-1871)、費迪南•希勒(Ferdinand Hiller, 1811-1885), 文學家繆塞(Alfred de Musset, 1810-1857)、巴爾扎克(Honoré de Balzac, 1799-1850)、 海涅(Christian Johann Heinrich Heine, 1797-1856)、喬治•桑(George Sand, 1804-1876) 和畫家德拉克洛瓦(Eugène Delacroix, 1798-1863)等等,豐富了他的人生與音樂生命。

父親也同為法國人的蕭邦,很快就適應巴黎的生活。 他曾於友人的信件中說到:「巴黎是世界上最美麗的城市,這裡讓我覺得心曠神怡,這裡有全世界最好的音樂家和一流的歌劇院。

 

延伸閱讀

鋼琴詩人蕭邦 - 生平詳細介紹

https://bonart.com.tw/all-master-class-about-frederic-chopin-1/

 


第一樂章

蕭邦展現對古典形式的掌握,融合浪漫主義的情感表達。

簡說

本協奏曲第一樂章為「奏鳴曲快板曲式」(Sonata form)設定,也就是具備「呈示部」、「發展部」與「再現部」。

其中「呈示部」於前奏部分,蕭邦沿用了古典時期常使用的「雙重的呈示部」(Double exposition)。

所謂「雙重呈示部」,即管弦樂團完整演奏「第一主題」與「第二主題」。將兩段主題完整演奏後,鋼琴獨奏者進來再將兩個主題完整演奏後,才完成整個呈示部。

「第一主題」譜例:

e小調,果決而精神抖擻地第一主題設定,雄偉地開啟協奏曲

 

 

「第二主題」譜例:

轉為E大調,如歌似的,也更增添旋律與歌唱性。

 

樂曲架構

段落 主題區與過門 調性 小節數
呈示部 主題 1-1+1-2 E 1-60
主題 2 E 61-138
主題 1-1+1-2 E 139-178
過門 1 E 179-221
主題 2 E 222-282
過門 2 E 283-332
 

發展部

主題 1-1 片段 e-C 333-384
主題 1-2 C-a(V)-e 385-485
再現部 主題 1-1 E 486-509
主題 1-2 E 510-533
過門 3
(相當於過門 1)
e-G 534-572
主題 2 G-e 573-620
尾奏 前半 E 621-670
後半 E 671-689

 

第一樂章 完整音樂欣賞:

https://www.youtube.com/watch?v=QTKNrWxkUSE

https://www.youtube.com/watch?v=JJJInfdeKgg


第二樂章

被形容為「月光下的夢幻」,展現蕭邦細膩的抒情風格。

簡說

第二樂章標題為「浪漫曲」(Romance),形式為「二段體型式」(Binary form),也是 19世紀浪漫主義音樂時期 (Romanticism period) 鋼琴獨奏曲大多採用或作為擴充之曲式。

在蕭邦於 1830年 6月所寫的信件中,曾提到他對第二樂章之感受:「...這首 E大調的慢板樂章具有浪漫、寧靜、有點憂鬱的情緒在其中,好像正在凝視著某一處般,咀嚼許多幸福的回憶;有點像在春天的夜色中,沐浴在月光下的冥想與沉思......這正是弦樂加上弱音器的最好時機。

而樂團前奏結束後,獨奏鋼琴之寫作方式,蕭邦就以類似「夜曲」的主旋律+分解和弦,創作出他心中「在春天的夜色中,沐浴在月光下的冥想與沉思」的鮮明感受。

 

第二樂章 鋼琴第一樂句譜例:

 

樂曲架構

主題/段落 調性/和聲 小節數
第 一 段 落

A

管弦樂導奏 E 1- 12
樂句 a I 13- 22
樂句 b1 V 23- 30
樂句 b2 V 31- 45
小尾奏 ----- 46- 53
第 二 段 落

B

樂句 a’ E( I ) 54- 63
樂句 c c#( i ) 64- 71
樂句 b1’ c#( v ) 72- 79
樂句 b2’ C#( V ) 80- 94
小尾奏 ---- 95- 100
第 三 段 落

A'

裝飾奏 ---- 101- 104
樂句 a’’ E( I ) 105- 113
尾奏 I 114- 126

 

第二樂章 譜例音樂欣賞:

https://www.youtube.com/watch?v=FIackkOX2BU


第三樂章

融合波蘭舞曲克拉科維亞克(Krakowiak)的節奏,充滿民族色彩。

簡說

第三樂章的標題為「輪旋曲」(Rondo)。我們由下方架構表最左段落分析中可以見到,蕭邦的安排是「A- B- A’- B’- 尾奏」,並非傳統「輪旋曲」之「A- B- A- C- A- 尾奏 」寫作方式。

 

尋找蕭邦波蘭節奏:

https://www.youtube.com/watch?v=BXYKkb-SynM

 

https://www.youtube.com/watch?v=lbYDtk0S5y4

 

https://www.youtube.com/watch?v=YB23sr8v83U

 

*波蘭民間舞蹈:克拉科維亞克(Krakowiak)
在Carassauga 2015文化節上的演出,展現了克拉科維亞克在多元文化背景下的魅力。

https://www.youtube.com/watch?v=hDYxmsVh9CM

 

第三樂章 樂團序奏與鋼琴主題 A 譜例:

 

 

第三樂章 鋼琴主題 B 譜例:

 

 

第三樂章 尾奏譜例:

 

樂曲架構

段落 主題區 調性與和聲 小節數
管弦樂團序奏 V/ vi--- V--- I 1- 17
段落 A 主題 1
(樂句 a- a- b - a’- 插句- a’’)
E major(I) 17- 100
管弦樂團間奏 100- 120
過門 1 vi---V/IV 121- 168
段落 B 主題 2 A major ( IV ) 169- 212
過門 2 IV---V---b I 212- 280
段落 A’ 主題 1
(樂句 a’- 插句- a’’)
E major ( I ) 280- 328
管弦樂團間奏 329- 340
過門 3 vi---V/V 340- 412
段落 B’ 主題 2 V 412- 455
尾奏 I 456- 520

 

第三樂章 譜例音樂欣賞:

https://youtu.be/Eb2Fc3mCgd0


版本欣賞

蕭邦第一號是每一位鋼琴家幾乎必彈的曲目,因此版本實在太多,僅於此文最後挑選一些筆者喜愛之版本與大家一同分享

 

全曲樂譜版本欣賞

Piano: 齊瑪曼 Krystian Zimerman

Orchestra: Polish Festival Orchestra

00:00 1. Allegro maestoso (E minor)
23:31 2. Romanze: Larghetto (E major)
36:04 3. Rondo: Vivace (E major)

https://youtu.be/R3azyotbXgg

 

阿格麗希 2010年 Live' 現場版
Jacek Kaspszyk, conductor 
Martha Argerich, piano 
Sinfonia Varsovia Orchestra 
Chopin - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11

00:43 - Allegro Maestoso 
21:08 - Romanze 
30:57 Rondo 
40:46 Chopin: Mazurka in C major, Op. 24 No. 2 
43:40 - Schumann: Traumes Wirren, Op. 12

https://www.youtube.com/watch?v=gV_x_QY1P5c


齊瑪曼獨奏/指揮 DG版

Piano&Conductor: Krystian Zimerman
Orchestra:Polish Festival Orchestra

https://www.youtube.com/watch?v=S1Iv2JJc-Qc


2015年 蕭邦鋼琴大賽首獎 趙成珍 大賽現場 Live'

17TH INTERNATIONAL FRYDERYK CHOPIN PIANO COMPETITION
18 October 2015,
Warsaw Philharmonic Concert Hall Final Stage
Seong-Jin Cho – piano
Jacek Kaspszyk – conductor Warsaw Philharmonic Orchestra

https://www.youtube.com/watch?v=614oSsDS734


Olga Scheps 歐爾佳.席普斯 2014年 Live' 
live at Tonhalle Dusseldorf with the Chamber Orchestra of Polish Radio,
conductor Agnieszka Duczmal.
Jan. 22, 2014
00:00 1. Maestoso
22:02 2. Romance
33:38 3. Rondo

https://www.youtube.com/watch?v=2bFo65szAP0&t=1862s


紀新 2011 與以色列愛樂 Live' 版
Israel Philharmonic Orchestra 75th Anniversary
Evgeny Kissin - piano
Israel Philharmonic Orchestra Zubin Mehta - conductor
Frédéric Chopin - Piano Concerto No. 1, Op 11
0:07 I. Allegro maestoso
20:52 II. Romance – Larghetto
30:36 III. Rondo – Vivace

https://www.youtube.com/watch?v=ZR9HayZcZ2o


2005年蕭邦國際鋼琴大賽首獎 - 拉法爾·布雷哈馳(Rafal Blechacz, b.1985 ),波蘭籍古典鋼琴家。

拉法爾·布雷哈馳是歷屆唯一同時囊括所有特別獎獎項全壘打最佳演奏獎的鋼琴家(包括「波蘭舞曲」、「協奏曲」、「馬祖卡舞曲」以及「奏鳴曲」),是繼 1975年齊瑪曼榮獲首獎 30年之後,再次獲得此大賽首獎之波蘭鋼琴家。

第一樂章:

https://www.youtube.com/watch?v=7cHarrxMXiw

 

第二樂章:

https://www.youtube.com/watch?v=qAz7rMIOfyI

 

第三樂章:

https://www.youtube.com/watch?v=opoVkvHyA7o

 


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【BON音樂】《告別》~談2025年金氏紀錄鋼琴家:橫山幸雄選曲之音樂理念

【BON音樂】《告別》~談2025年金氏紀錄鋼琴家:橫山幸雄選曲之音樂理念
Yukio Yokoyama 2025 Taiwan Piano Recital 

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橫山幸雄 小檔案
1990年第十二屆波蘭華沙蕭邦鋼琴大賽第三獎與蕭邦奏鳴曲詮釋獎得主。
金氏世界紀錄記載24小時以內,連續演出最多作品的藝術家保持者。
波蘭政府頒發授予「蕭邦護照」全球百位榮譽藝術家。
全盲天才鋼琴家 辻井伸行之授業恩師。

日本籍鋼琴家橫山幸雄(Yukio Yokoyama, b. 1971- )畢業於法國巴黎國立高等音樂學院(CNSMDP), 1990年取得鋼琴與室內樂最高演奏文憑;同年榮獲第十二屆華沙蕭邦鋼琴大賽(International Chopin Piano Competition)第三獎(當年首獎從缺)與「最佳蕭邦奏鳴曲詮釋獎得主」。他亦是蕭邦國際大賽中有史以來最年輕獲獎的日本鋼琴演奏家。

橫山幸雄曾獲日本文化部文化廳藝術獎文部大臣新人賞等多項國內榮耀,並曾獲波蘭政府所頒發之「蕭邦護照」榮譽。(此護照全球僅百位藝術家獲得,皆由波蘭政府認定於全球推廣蕭邦音樂最具代表性之藝術家)。

多年來 橫山幸雄始終保持熱力十足的演奏與衝勁,無論是現場音樂會或是唱片錄音,皆在日本受到高度好評:

2010年舉辦紀念蕭邦200周年誕辰音樂會,並於其中一場連續演出蕭邦 166首鋼琴獨奏作品,被金氏世界紀錄記載「單場音樂會 24小時以內,連續演出最多作品的藝術家保持者」。

2011年橫山幸雄又在同一天單場音樂會連續演奏蕭邦 212 首鋼琴作品,包含 46首蕭邦從未出版的作品,再破金氏世界紀錄~他表示希望大家能更了解與接近蕭邦的內心深處。

他出版過的 CD在 Affairs Arts Festival與 International Liszt Record Grand Prix都獲得聲望極高的獎項;他錄製出版過的 CD包含;蕭邦全套作品,兩首蕭邦鋼琴協奏曲,貝多芬全本鋼琴協奏曲,柴可夫斯基第一號與拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲音樂會錄音,2013年李斯特超技練習曲全本錄音,舒曼作品錄音,2015莫札特作品錄音,舒伯特全套即興曲,以及他個人25周年紀念 CD;2018年1月錄製,拉赫曼尼諾夫第二號與帕格尼尼主題狂想曲音樂會錄音,2018年德布西前奏曲全集等,目前能在 NAXOS JAPAN網站 ART INFINI聽到。

2025年 台灣獨奏會簡介

橫山幸雄演奏照片 | 攝影. 林仁斌

 

以下文字取自橫山幸雄粉絲專頁

金氏世界紀錄締造者、日籍鋼琴家橫山幸雄(Yukio Yokoyama)1990年華沙蕭邦鋼琴大賽季軍得主;多次來台舉辦獨奏會大受樂迷好評;本次將帶來貝多芬告別奏鳴曲、蕭邦奏鳴曲、與拉威爾鋼琴作品加斯巴之夜。

鋼琴家橫山幸雄(Yukio Yokoyama )就讀於法國巴黎國立高等音樂學院(CNSMDP),1990年畢業於巴黎高等音樂學院,獲鋼琴和室內樂最高演奏文憑,同年獲波蘭華沙蕭邦國際鋼琴比賽第三名(冠軍從缺)和蕭邦奏鳴曲詮釋獎。

2010年,他在一場音樂會上連續演奏了166首蕭邦獨奏作品,包括所有已出版的作品和主要的遺作,大部分是書面的。金氏世界紀錄授予他「24 小時內獨奏藝術家演奏的最多音樂作品」類別的世界紀錄。為表彰這一成就,波蘭政府授予他「蕭邦護照」,在蕭邦誕辰 200 週年之際,向全球 100 位推廣與蕭邦作品相關的特別活動的藝術家頒發了證書。而在2011年,橫山在一場音樂會中再次背譜連續演奏了212首蕭邦獨奏作品,包括此前未發表的作品,從而打破了他自己的金氏世界紀錄。

2015年在巴黎慶祝拉威爾誕辰140週年之際,因演奏拉威爾鋼琴全集而獲得高度評價。 2017年與指揮家葛濟夫合作演奏蕭斯塔高維契鋼琴協奏曲。他在新西伯利亞與Andris Mustnen指揮的新西伯利亞交響樂團合作舒曼鋼琴協奏曲,並於2018年在萊比錫Gewandhaus Quartett的訂閱音樂會上亮相,並於2019年與Fabio Luisi指揮的丹麥國家交響樂團合作演出。

橫山幸雄的 CD 發行超過50張,獲得了著名的獎項,包括日本文化廳藝術節(唱片部門)的優秀獎和國際李斯特唱片大獎。他最近的一張 CD 是在 Sony Music Direct 上發行的 Prelude – Chopin Masterpieces 和 Schuman Fantasy,標誌著他首次亮相 25 週年。他不僅作為世界級的演奏家,而且作為音樂教育家,取得了多項令人矚目的成就。 2019年擔任第11屆帕德雷夫斯基國際鋼琴比賽評委。橫山是伊麗莎白音樂大學客座教授,名古屋藝術大學客座教授,日本帕德雷夫斯基協會會長。


從本次《告別》之音樂會選曲,讓我們開始聊這次音樂內在所呈現的意義:

【 演出曲目 Programme 】  

1/
貝多芬:鋼琴奏鳴曲作品81a 告別Beethoven: Piano Sonata No.26, Op.81a

2/
蕭邦:第二號鋼琴奏鳴曲作品35 《送葬》
Chopin: Piano Sonata No.2, Op.35

// 中場休息 Intermission //

3/
拉威爾:為已逝公主的孔雀舞曲
Maurice Ravel: Pavane pour une infante défunte

4/
拉威爾: 水之嬉戲
Maurice Ravel:Jeux d'eau

5/
拉威爾:小丑的晨歌
Maurice Ravel: Alborada Del Gracioso

6/
拉威爾:夜之加斯巴
Maurice Ravel : Gaspard De La Nuit – 
I. Ondine II. Le Gibet III. Scarbo

橫山幸雄於衛武營彩排|攝影. 林仁斌

 

本次選曲三大作曲家:

貝多芬、蕭邦與拉威爾

音樂會曲目三大核心理念

這套曲目,從表面上是從德奧經典(貝多芬)跨越至鋼琴詩人蕭邦,再串聯至跨越到法國印象派(拉威爾),呈現出三大作曲家的不同風格;但當我們打開樂曲內容,更加深層探索內在主題時,能夠發現這套選曲,緊扣住三個核心概念:

  • 「告別與死亡」(Farewell and Death)

  • 「追憶與幻境」(Remembrance and Fantasy)

  • 「水與夢境」(Water and Dreamscape)

 

貝多芬的《告別》鋼琴奏鳴曲,創於1809年至1810年之間,當時奧地利正值拿破崙軍隊入侵維也納。

貝多芬學生、摯友、也是他的主要贊助人之一:魯道夫大公(Archduke Rudolph)不得不避離戰火;臨別時,貝多芬惆悵而不捨,以三個樂章緊扣的《告別》,為這場歷史與私交的離別,寫下了不朽的紀念。

而《告別》奏鳴曲,除了是貝多芬唯一明確標示主題的奏鳴曲;其三個樂章分別被命名為:「告別」、「缺席」和「回歸」。

第一樂章以一個令人心痛的主題為核心;第二樂章充滿了痛苦的懸念和減七和弦,而最後一樂章則是喜悅的爆發,更是讓聽者感受到從離別、期盼到喜悅的過程,非常具有浪漫音樂的描述性與故事性。

樂譜版本欣賞

MVT I, Das Lebewohl (The Farewell), Adagio; Allegro

00:00 – INTRODUCTION [Note transformation of Lebewohl motif at 00:31, with a sudden key change]

EXPOSITION

01:28 – Theme 1 [Inversion of Lebewohl motif in bass at 1:33]

01:40 – Transition [Note Lebewohl motif in LH and RH (inverted) at 1:45]

02:03 – Theme 2 [Note Lebewohl motif in upper voice]

DEVELOPMENT

03:25 – Theme 1, in C min, interspersed with augmented Lebewohl motif/rhythm (3:29 and similar: two solitary notes followed by a long chord). The LH soon begins a modulatory sequence based on the head of theme 1 (3:31 and similar)

03:54 – Start of transition to recapitulation. The recapitulation is snuck back via a deconstruction of Theme 1 into its smallest elements: 4:04

RECAPITULATION – 04:11 

CODA (Note its length and the amount of thematic development it contains)

05:04 – Lebewohl motif, leading to restatement of Theme 1 in F min

05:30 – Overlapping statements of the Lebewohl motif in RH and LH. This leads to some daring dissonances between topic and dominant harmony (see e.g., 6:25)

06:43 – A pedal Eb introduces a touching closing passage

MVT II, Abwesenheit (The Absence), Andante espressivo: In gehender Bewegung, doch mit viel Ausdruck (“In walking motion, but with much expression”)

07:08 – Theme, Cycle 1 [Note the prominent diminished 7th which opens the theme, the recollection of the 1st movement’s Theme 1 at 7:17, and the repeated usage of the opening appoggiatura throughout the movement to generate a sense of irresolution]

08:53 – Theme, Cycle 2

10:15 – Theme, Cycle 3, incomplete / Coda MVT III, Das Wiedersehen (The Return), Vivacissimamente: Im lebhaftesten Zeitmaße (“The liveliest time measurements”)

10:45 – INTRODUCTION EXPOSITION

10:54 – Theme 1

11:24 – Transition (This bell-like passage is a little mysterious; the pedal is instructed to be kept on, but each note is indicated staccato, and separated from the next by a rest. There is also the matter of the uneasy harmony: the use of the first inversion gives both chords a minor patina, and the fact that each chord is separated from the other by a semitone makes this passage unusually dramatic)

11:44 – Theme 2 DEVELOPMENT

13:42 – Descending arpeggio, recalling Theme 1

13:45 – Modulating passages, recalling Theme 2

14:00 – Theme 2, with the original RH and LH accompaniments switched (they are returned to their original positions after just 2 seconds)

14:07 – Theme 2’s LH voice now becomes the main melody: and again the state of affairs is remedied after 2 seconds

14:12 – Theme 1 is used contrapuntally in a passage containing numerous stretti

14:18 – A false entry of theme 1 in the subdominant

RECAPITULATION – 14:21

CODA (Again, a surprisingly long and developmental affair)

15:39 – Theme 1, modified

15:58 – Repetition of Theme 1, with decoration

16:08 – Second repetition, simplified

https://www.youtube.com/watch?v=nAapbue97JE

 

Beethoven : Piano Sonata No.26 in E flat major, op.81a "Das Lebewohl"

1.「告別」Das Lebewohl (Les Adieux): Adagio - Allegro 6:57 (00:03)

2.「不在」Die Abwesenheit (L'Absence): Andante espressivo 3:42 (07:00)

3.「再会」Das Wiedersehen (Le Retour): Vivacissimamente 6:14 (10:43)

https://www.youtube.com/watch?v=yF7eYvh7jhE

 

而貝多芬《告別》之創作背景,雖然是貝多芬為朋友離去而寫,充滿真摯的離情,音樂裡的告別雖然不是死亡,但卻蘊含了「失去」的情感,暗示一種生命中不可避免的離散。

 

蕭邦:第二號鋼琴奏鳴曲作品35 《送葬》 - 來自死亡的凝視

如果說貝多芬的《告別》還存有再次見面的希望餘暉,那麼蕭邦在第二號鋼琴奏鳴曲《送葬》中,則如同直接面對死亡本身,且毫不迴避。

這首奏鳴曲誕生於1837年至1839年間,正值蕭邦人生中的動盪時期:他的身體日漸孱弱,愛情與祖國同樣命運未卜,在這樣的背景下,死亡不再是一個抽象的哲學問題,而是完全無法迴避的現實感受...

音樂會從進入第二首曲目開始,除了蕭邦旋律的優美旋律之外,我們可以感受到沈重的情緒,甚至直接進入死亡的儀式~特別是第三樂章(送葬進行曲),更將直接表現出「死亡」的樣貌~但也保留了蕭邦式的憂傷與優雅:在此,音樂不僅僅是哀悼,而更表達一種「靈魂的輓歌」

 

https://www.youtube.com/watch?v=y0mAbw-niI8

 

橫山幸雄演奏版:音樂欣賞

第一樂章:Grave - Doppio movimento

樂曲開場便是沉重的主題,仿佛黑暗的門緩緩開啟:雙重速度的進行曲,像是生命在急促跳動的最後幾個音符,同時展現一種宿命感在音樂中蔓延的焦慮

https://www.youtube.com/watch?v=rNQ9ctcBPtE

 

第二樂章:Scherzo

如夢似幻,速度迅疾飛快:仿佛是靈魂在肉體崩解時的狂亂舞蹈,帶有一絲病態的幽默感,甚至是即將跨越死亡邊緣的虛無笑聲...

https://www.youtube.com/watch?v=2UDIaXsbPMA

 

第三樂章:Marche funèbre(送葬進行曲)

也是本首奏鳴曲中最為人熟知的一段:緩慢、莊嚴,宛如一支無聲的送葬隊伍緩步行進。

中段的抒情主題,如同在墓地花叢間隱隱閃現的一抹溫柔:是對生命最後一絲溫暖的懷抱,也是對逝去者最深的祝福與情感昇華。

https://www.youtube.com/watch?v=RB0aUhQNPfg

 

第四樂章:Finale - Presto

整個樂章非常匆促、片段而無定向:像是死亡後世界的風,沒有旋律,只有冷冽的氣息掠過耳畔。

蕭邦在本樂章,以一種極端簡潔的手法,描繪了死亡帶來的虛無感,似乎說著「世界不再屬於我們,而我們也不再屬於世界。」

https://www.youtube.com/watch?v=7FrfQ9yFMQo

 

下半場,當音樂再度響起,場景已然轉變。

 

拉威爾:《為已逝公主的孔雀舞曲》

Maurice Ravel: Pavane pour une infante défunte

第一顆音符響起:音樂不再是黑色的哀悼隊伍,而是遠方宮廷中緩緩展開的孔雀羽扇,我們見到一位早逝的公主,安然坐在時光的深處,帶著微笑,靜靜注視著。

 

遙遠年代的溫柔凝視

拉威爾於1899年寫下這首鋼琴小品,當時年僅24歲,仍是巴黎音樂院的學生。儘管曲名直譯為《為已逝公主的孔雀舞曲》,拉威爾曾幽默地提醒聽眾:「這不是為真正逝去的公主所作。」而是他懷想那一個充滿西班牙風情、舊日宮廷緩慢儀態的幻想致敬之作。

音樂本身緩緩展開,如同水面輕蕩的微波,旋律線條細膩,節奏彷彿被時間拉長,每一個和弦的變換,都像是拂過古老宮殿石牆上的光影。

《為已逝公主的孔雀舞曲》帶來的死亡,不是苦澀的終結,而是一種美麗的緬懷

在這裡,逝去成為了永恆,哀悼轉化為藝術化的追憶...

或者歷史中的這位公主已然遠去,但在音符之中,她依舊翩然起舞。

這首曲子,悄悄地替整場音樂旅程打開了「回憶之門」。

橫山幸雄於衛武營彩排|攝影. 林仁斌

 

拉威爾的鋼琴演奏(紙捲鋼琴現代錄音)

https://www.youtube.com/watch?v=eGybwV3U9W8

 

拉威爾《水之嬉戲》

Maurice Ravel: Jeux d'eau

閃耀著光輝燦爛生命

橫山老師的絕妙設計在於,拉威爾的回憶之作並不讓我們久留於回憶的柔軟,而直接進入跳躍、透明、飛翔的《水之嬉戲》樂音。

《水之嬉戲》不再沉重,此時只有歡騰的水珠,在陽光下四處飛濺著;生命,不再是以死亡為終點的旅程,而是成為了一場無盡的流動與嬉戲。

與李斯特、德布西遙遙相望的《水之嬉戲》,讓聽眾仿佛置身於泉水之畔,感受每一滴水珠在手心綻放,每一道光影在眼中折射出無限色彩。

在這首作品中,拉威爾以絕妙的和聲與節奏技藝,捕捉到了「生之嬉戲」的本質:脆弱而絢麗,短暫而無價。

水,不只是物質,而已成意象:象徵著變化、流動、更新;更象徵著即使在死亡的陰影下,生命也總能找到一條閃閃發光的出口。

橫山幸雄於衛武營彩排|攝影. 林仁斌

 

《水之嬉戲》樂譜版本欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=jnKFIp7CahY

 

拉威爾:《小丑的晨歌》

Maurice Ravel: Alborada del gracioso

然而,就在我們以為可以安然嬉戲於水光之中時,拉威爾又開啟了另一重面紗:在滑稽與歡笑的面具之後,藏著的是更深層的孤寂與傷感。

拉威爾在1905年,以傑出的手法,創作出包含五首樂曲的《鏡》(Mirrors)組曲,每一首標題如下:

  1. 夜蛾(Noctuelles):獻給詩人雷恩-保羅·法格(Léon-Paul Fargue)。
  2. 悲鳥(Oiseaux tristes)獻給初演者的里卡多·韋恩斯(Ricardo Viñes)。
  3. 海上孤舟(Une barque sur l'ocean)獻給畫家保羅·蘇德(Paul sordes)。
  4. 小丑的晨歌(Alborada del gracioso)獻給評論家卡弗葛萊西(Michel Dimitri Calvocoressi),此曲被公認為拉威爾最難的鋼琴曲之一。
  5. 鐘谷(La vallée des cloches)獻給作曲家莫里斯·德拉志(Maurice Delage)。

《小丑的晨歌》最初是為鋼琴四手聯彈的《鏡》組曲中的一部分,後來更經常被以鋼琴獨奏樂曲於音樂會中演奏。

「Gracioso」在西班牙語中意指「詼諧者、小丑」,「Alborada」則是「晨歌」,一種黎明時分演奏的音樂。

對西班牙音樂涉獵甚深的拉威爾,似乎描寫著一位小丑,在黎明時孤單地撥弄吉他、滑稽地舞動,他的節奏急促,彈跳感極強,但旋律線條中滲著一絲憂傷。但在明亮外表的掩飾之下,卻蘊藏著對於孤獨、人性的脆弱、以及無奈命運的隱微感知。

除了絕美的節奏與旋律,拉威爾更在這首作品中加入了令人驚嘆的鋼琴技巧:快速的各式琶音與音階、音群、充滿變化而不連貫的節奏,鋼琴家需對音色變化具備極致的控制能力與想像,展現出彷彿音符本身似乎也在掙扎著、滑稽著、嘲弄著的效果。

拉威爾:《小丑的晨歌》  樂譜版本欣賞

Maurice Ravel: Alborada Del Gracioso

https://www.youtube.com/watch?v=SCKDG7w2S9c

 

《小丑的晨歌》管弦樂版本欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=k-mMs9NELMw

 

《小丑的晨歌》蕭邦鋼琴大賽首獎得主劉曉禹之現場演奏

https://www.youtube.com/watch?v=89h0QXJ0d-k

 

而這首曲子,則為接下來《夜之加斯巴》的深夜幻境鋪陳了心理背景。

 

最終高潮:拉威爾《夜之加斯巴》

如果說前面的作品仍然懷抱著現實的溫度,那麼《夜之加斯巴》,則徹底放下了理性,將我們進入本次音樂會最華麗、危險而如夢似幻的夜之探險。

這部鋼琴組曲完成於1908年,靈感取自詩人阿洛伊斯·貝爾特朗(Aloysius Bertrand)所著的同名詩集。拉威爾自述,他希望這首作品成為「史上最難彈的鋼琴曲之一」,但這首曲子困難的絕非只是指技,更是心理、情感、想像力的極限挑戰。

來張音樂會中,以慢速快門拍攝的橫山老師

橫山幸雄於衛武營音樂會攝影照片|攝影. 林仁斌

 

樂曲介紹

I. 《水妖》(Ondine)

水妖美人魚在水流湍急處低聲細語地唱著,引誘聽者投入水中~水波般飄蕩著醉人的聲音,更閃爍著微光。

然而,這些美麗的水面之下,暗藏著吞噬靈魂的危險:音樂仿佛漂浮在現實與幻想之間,時而誘惑,時而幽暗。

https://www.youtube.com/watch?v=T_-1qMPDf-A

II. 《絞刑台》(Le Gibet)

夜色更深,月光下的絞刑場靜默無聲,遠處鐘聲隱隱回響,彷彿是靈魂最後的叩問。

全曲幾乎只圍繞一個單音的鐘聲脈動,營造出令人窒息的氛圍:死亡。

死亡的聲音,似乎不再是劇烈的崩潰,而是無聲的漫延。

https://www.youtube.com/watch?v=mhpX-CyTvfw

III. 《斯卡波》(Scarbo)

最後,是一場瘋狂的小惡魔之舞。

斯卡波如幽靈般忽現忽隱,快速閃現又驟然消失,節奏錯綜複雜,音型詭譎扭曲,這是一場狂亂的夢魘,一場意識深處最原始恐懼的狂歡。

整首《夜之加斯巴》,彷彿將整晚的旅程推向了情感與感知的極限之最:死亡、誘惑、恐懼、幻影

https://www.youtube.com/watch?v=b7oJqi52d2I

 

這一切在夜色中交織、碰撞,直到最後一個音符熄滅,聽眾們或許此時才驚覺:原來自己已經走過了一場不可思議的心靈之夜...

橫山幸雄於衛武營彩排|攝影. 林仁斌

從貝多芬的告別,到蕭邦的送葬,轉為拉威爾的宮廷追憶、水之嬉戲、晨之小丑與夜之惡夢,這場音樂會,帶我們穿越浪漫時期,一起神遊了一趟心靈深處之漫遊。

在這段航程中,我們見證了離別,凝視了死亡,擁抱了生命,迷失於記憶,最後墜入了夢境。

而當最後一聲音符消逝,留在空氣中的,不是絕望,而是對生命無盡的敬畏與溫柔。

Farewell, Memory... and Dreams

音樂,不只述說離別,更在告別之後,帶領我們勇敢地繼續追夢

再次讚嘆橫山老師無比精湛的曲目安排❤️

每次聽他整場音樂會都有一種特別的魔力:從開場的第一首樂曲開始,逐漸增溫;隨著每一曲樂曲的結束,你會感受到聽眾的掌聲,一首比一首熱烈,直到音樂會最後一曲時刻,觀眾的情緒會達到沸騰,甚至歡呼

這都是因為每一首曲子都帶給觀眾們不同層次的感動,而且是逐步遞增的...

我最佩服的,是他這麼多年始終勤練鋼琴,腦海裡的演奏曲目與資料庫,是如此的寬廣而驚人

 

介紹到這邊,相信您對於橫山幸雄這場2025'台灣鋼琴會(衛武營)的曲目規劃與音樂已經熟捻無比,接下來除了趕緊購票準時入場欣賞音樂會之外,也可以接續閱讀這三篇文章,更進一步了解這位「金氏世界紀錄鋼琴演奏家」精彩的音樂與藝術人生喔~

 

延伸閱讀

【BON音樂】金氏世界紀錄鋼琴演奏家 橫山幸雄 介紹(上)其人其事

https://bonart.com.tw/the-guinness-world-records-pianist-yukio-yokoyama-1-of-2/

 

【BON音樂】音樂美酒與蕭邦 – 金氏世界紀錄鋼琴演奏家 橫山幸雄 介紹(下)

https://bonart.com.tw/the-guinness-world-records-pianist-yukio-yokoyama-2-of-2/

 

【BON旅行】蹦藝術2019年東京音樂專屬旅行 – 華沙愛樂+布雷查茲、橫山幸雄音樂餐酒會

https://bonart.com.tw/bonart-2019-music-journey-of-chopin-music/


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【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:克里夫蘭管弦樂團(The Cleveland Orchestra)

【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 -克里夫蘭管弦樂團(The Cleveland Orchestra)
Top Orchestras in U.S - The Cleveland Orchestra

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


本系列「2025年世界管弦樂團巡禮」- 北美篇,將以美國為主要區域,詳細介紹各大管弦樂團之歷史沿革與特色,並深入欣賞精湛之演奏。

 

美國五大交響樂團

 

讓我們先從歷史談起,當我們聊到美國樂團十,總喜愛先聊「五大」,這五大交響樂團在過去的歷史定位也非常清楚,分別是:

紐約愛樂 New York Philharmonic

波士頓交響樂團 Boston Symphony Orchestra

芝加哥交響樂團 Chicago Symphony Orchestra

費城交響樂團 Philadelphia Orchestra

克里夫蘭交響樂團 Cleveland Orchestra

美國五大樂團」一詞,誕生於早期黑膠唱片錄音時期,當時管弦樂尚在以廣播方式放送音樂,聽眾們在家中,以收音機方式收聽各樂團之音樂節目之時期。

各樂團在20世紀也如「兄弟登山,各自努力」般,不斷擴大樂團編組,提升演奏能力。

時至20世紀中葉,東岸商業環境繁盛,於是錄音和廣播節目漸漸由東海岸樂團主導,當時最著名的樂團被稱為「三巨頭」:紐約樂團、波士頓樂團和費城樂團。

逐漸地,當時隨著偉大指揮家們的崛起,樂團能見度與唱片銷量也逐漸提升,因此,由喬治·塞爾領軍的克利夫蘭管弦樂團和弗里茨·萊納指揮的芝加哥交響樂團,聲望日益提高,人們漸漸將管弦樂「三巨頭」擴張為「五巨頭」,也就是我們常說的「美國五大樂團」。


【你關心的BON話題 - 樂團薪資篇】

1 San Francisco Symphony

基本薪資 $166,400

The San Francisco Symphony Orchestra remunerate their musicians a large chunk from ticket sales, donations, and other sources of income. It has maintained its spot on the base pay rankings over the years. SFO Symphony was founded in 1911. It’s based in San Francisco, California.

Since 1980, the orchestra has been performing at the Louise M. Davies Symphony Hall in the City’s Hayes Valley neighborhood. They are the resident orchestra of the LMD Symphony Hall. Despite the short history of performances, the orchestra has been awarded an Emmy Award and 15 Grammy Awards. It was also the first to feature symphonic radio broadcasts in 1926, and in 2003.

Visit https://www.sfsymphony.org/ to learn more about their upcoming performances.

舊金山交響樂團從門票銷售、慈善捐款、企業贊助、政府補助以及其他多種收入來源中,拿出很大一部分來酬勞樂團成員。多年來,其基本薪酬排名一直保持穩定。舊金山交響樂團成立於 1911 年,總部位於加利福尼亞州舊金山。

自 1980 年起,該樂團一直在舊金山海斯谷社區的路易斯・M・戴維斯交響樂廳演出。他們是路易絲・M・戴維斯交響樂廳的駐場樂團。儘管演出歷史不算悠久,但該樂團已榮獲一座艾美獎和 15 座格萊美獎。1926 年及 2003 年,它也是率先進行交響樂廣播的樂團。

 

2 Los Angeles Philharmonic

基本薪資 $164,476

The Los Angeles Philharmonic, also known as LA Phil, was founded in 1919 by William Andrews Clark, Jr., a copper baron, arts enthusiast, and part-time violinist. It is the major orchestra based in the city of Los Angeles.

Each year, more than 250 concerts are either performed or presented at the Los Angeles Philharmonic’s two iconic venues: the Walt Disney Concert Hall and the Hollywood Bowl.

It is known its ability to remold and remodel its performances at the whim of the conductor offering it a unique advantage. The group resides in the abstract Walt Disney Concert Hall, where it has been led by conductor Gustavo Dudamel since 2005.

The LA Phil’s involvement with the city of Los Angeles expands beyond the walls of its concert halls, with performances in local schools, churches, and neighborhoods. In fact, one of their education initiatives, Youth Orchestra LA (YOLA), has provided free instruments and music training to over 700 local students.

Visit https://www.laphil.com/ to learn more about their upcoming performances.

洛杉磯愛樂管弦樂團,又稱 LA Phil,於 1919 年由小威廉・安德魯斯・克拉克創立。克拉克是一位銅業大亨、藝術愛好者,也是一名業餘小提琴手。它是洛杉磯市的主要管弦樂團。

每年,洛杉磯愛樂管弦樂團在其兩個標誌性場館 —— 華特・迪士尼音樂廳和好萊塢露天劇場,舉辦或呈獻超過 250 場音樂會。

該樂團以能隨指揮的意願重塑和改編演出而聞名,這賦予了它獨特的優勢。樂團駐紮在具有抽象風格的華特・迪士尼音樂廳,自 2005 年起由指揮古斯塔沃・杜達梅爾領導。

洛杉磯愛樂管弦樂團與洛杉磯市的互動,不止限於音樂廳內,還在當地學校、教堂及社區舉行演出。事實上,他們的一項教育倡議 “洛杉磯青年管弦樂團(YOLA)”,已為 700 多名當地學生提供了免費樂器和音樂培訓。

 

3 Chicago Symphony Orchestra

基本薪資 $159,016

The Chicago Symphony Orchestra is one of the top-ranking American orchestras and a part of the “Big 5” orchestras in the US. Chicago Symphony Orchestra is a highly regarded brass section. At the time of this ranking, the group was led by Daniel Barenboim. It is now under the baton of renowned conductor Riccardo Muti.

It was established in 1891 by Theodore Thomas. The ensemble gathers at Orchestra Hall in Chicago and plays a summer season at the Ravinia Festival. Originally named “Chicago Orchestra,” it was later changed to Chicago Symphony Orchestra in 1913. It has seen numerous music directors including Desire Defauw, Artur Rodzinski, Rafael Kubelik, Fritz Reiner, Jean Martinon, Georg silti, and Daniel Barenboim.

The Chicago Symphony first broadcast on the radio in 1925. Till now, it has performed well over one hundred concerts each year at its downtown home, Symphony Center, and the Ravinia Festival on Chicago’s North Shore.

Riccardo Muti, the current music director of CSO, has earned sixty-two Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences.

Visit https://cso.org/home/ to learn more about their upcoming performances.

芝加哥交響樂團是美國頂尖交響樂團之一,也是美國「五大」交響樂團的成員。芝加哥交響樂團的銅管樂部門備受推崇。在本次排名之時,該樂團由丹尼爾・巴倫波因領導。如今則由著名指揮里卡多・慕提執棒。

它於 1891 年由西奧多・托馬斯創立。樂團成員在芝加哥的管弦樂廳聚首,並在拉維尼亞音樂節期間進行夏季演出。它最初名為「芝加哥管弦樂團」,1913 年更名為芝加哥交響樂團。歷任音樂總監包括德西雷・德富、阿圖爾・羅津斯基、拉斐爾・庫貝利克、弗里茨・萊納、讓・馬蒂農、格奧爾格・西爾蒂以及丹尼爾・巴倫博伊姆。

芝加哥交響樂團於 1925 年首次在電臺進行廣播。直至今日,它每年在其位於市區的駐地 —— 交響樂中心,以及芝加哥北岸的拉維尼亞音樂節,演出超過一百場音樂會。

芝加哥交響樂團現任音樂總監里卡多・慕提,已從美國國家錄音藝術科學學院獲得六十二座葛萊美獎。

 

4 Boston Symphony

基礎薪資 $153,400

Boston Symphony Orchestra is one of the Big-Five orchestras in the U.S, also the second oldest among the Big-Five. It was founded by Henry Lee Higginson in 1881.

It primarily performs in the Symphony Hall Tanglewood in Boston. Since its establishment, it has had 17 different music directors including George Henschel, Serge Koussevitzky, Henri Rabaud, Erich Leinsdorf, and William Steinberg. The current music director is Andris Nelsons.

It was also the first orchestras to perform live on the radio (NBC, 1926), along with presenting more than 250 concerts annually. Its live performances have reached masses through the internet, radio, television, and educational programs.

As claimed by BSO, its official website is one of the most-visited orchestral websites in the world, with 7 million visitors annually.

Visit https://www.bso.org/ to learn more about their upcoming performances.

波士頓交響樂團是美國五大交響樂團之一,也是五大樂團中歷史第二悠久的樂團。它由亨利·李·希金森 (Henry Lee Higginson) 於 1881 年創立。

樂團主要在波士頓的坦格伍德交響樂廳演出。自成立以來,樂團曾有 17 位音樂總監,包括喬治·亨舍爾、謝爾蓋·庫塞維茨基、亨利·拉博德、埃里希·萊因斯多夫、威廉·斯坦伯格等。現任音樂總監為安德里斯·尼爾森斯 (Andris Nelsons)。

它也是第一個在電台進行現場表演的管弦樂團(NBC,1926 年),每年舉辦 250 多場音樂會。它的現場表演透過網路、廣播、電視和教育節目傳播給大眾。

BSO稱,其官方網站是全球訪問量最大的管弦樂網站之一,每年有700萬人次造訪。

 

5 New York Philharmonic

基礎薪資 $147,550

New York Philharmonic, officially called Philharmonic-Symphony Society of New York, Inc. is the oldest orchestra in the U.S. Established in 1842 by the American conductor Ureli Corelli Hill, with the aid of the Irish composer William Vincent Wallace.

Each season, the New York Philharmonic connects with over 50 million music lovers around the world through worldwide tours, residencies, digital recordings, and live broadcasts. It is also the first American orchestra to perform in North Korea. New York Philharmonic performed in Pyongyang on February 26, 2008, upon an invitation from the North Korean Government.

Some of the renowned music directors who have worked with New York Phil include Ureli Corelli, Theodore Eisfeld, Carl Bergmann, Leopold Damrosch, Theodore Thomas, Adolf Neuendoriff, Emil Paur, Wassily Safonoff, Gustav Mahler, Leopold Stokowski, and Zubin Mehta. The current music director of New York Phil is Jaap Van Zweden active since 2018.

Visit https://nyphil.org/ to learn more about their upcoming performances.

紐約愛樂樂團,正式名稱為紐約愛樂交響樂團,是美國最古老的管弦樂團,由美國指揮家烏雷利·科雷利·希爾在愛爾蘭作曲家威廉·文森特·華萊士的幫助下於 1842 年創立。

每個演出季,紐約愛樂樂團透過全球巡迴演出、駐場演出、數位錄音和現場直播與全球超過 5,000 萬音樂愛好者建立聯繫。這也是第一個在北韓演出的美國管弦樂團。應北韓政府的邀請,紐約愛樂樂團於2008年2月26日在平壤演出。

曾與紐約愛樂樂團合作過的著名音樂總監包括烏雷利·科雷利、西奧多·艾斯菲爾德、卡爾·伯格曼、利奧波德·達姆羅施、西奧多·托馬斯、阿道夫·諾伊恩多里夫、埃米爾·保爾、瓦西里·薩豐諾夫、古斯塔夫·馬勒、利奧波德·梅達·祖塔和祖倫科。紐約愛樂樂團現任音樂總監是范志登 (Jaap Van Zweden),自 2018 年起。下任總監為杜達美。

 

6 National Symphony Orchestra

基本薪資 $143,208

The National Symphony Orchestra (NSO) is an American symphony orchestra based in Washington, D.C. It was founded in 1930 and has been performing at the John F. Kennedy Center for the Performing Arts.

NSO is home to over 100 musicians. They perform a 52-week season of approximately 175 concerts each year. They regularly participate in events of national and global importance including ceremonial state affairs, presidential inaugurations, and holiday celebrations. The annual National Memorial Day Concert in May and A Capitol Fourth concerts on 4 July are two of the highlights of NSO.

Visit https://www.kennedy-center.org/nso/home/ to learn more about their upcoming performances.

國家交響樂團(NSO)是一家總部位於華盛頓特區的美國交響樂團,成立於1930年,一直在約翰甘迺迪表演藝術中心演出。

NSO 擁有 100 多位音樂家。他們每年演出季持續 52 週,共舉辦約 175 場音樂會。他們定期參與國家和全球重要活動,包括國事禮儀、總統就職典禮和節慶慶祝活動。每年 5 月舉行的國家陣亡將士紀念日音樂會和 7 月 4 日舉行的國會第四場音樂會是 NSO 的兩大亮點。

 

7 MET Orchestra

基礎薪資$135,328.36

You must have heard about MET Gala, we hope you are familiar with MET Orchestra as well.

MET Orchestra is one of the world’s great performing ensembles who have performed more than 200 concerts each season. They are known for their performance both on stage and in the opera pit.

It was founded in 1883. Since then, MET Orchestra’s performances have performed entire opera repertoire, symphonic and chamber programs at Carnegie Hall, international tours, and countless musician activities outside of MET Opera House.

Visit https://www.metorchestramusicians.org/ to learn more about their upcoming performances. 

大都會歌劇院管弦樂團是世界上最偉大的表演單位之一,每季演出超過 200 場音樂會。他們因在舞台上和歌劇場中的出色表演而聞名。

它成立於1883年,成立至今,大都會歌劇院管弦樂團的演出包括在卡耐基音樂廳演奏整個歌劇曲目、交響樂和室內樂節目、進行國際巡演以及大都會歌劇院外無數的音樂家活動。

 

8 Cleveland Orchestra

基礎薪資 $135,096

The Cleveland Orchestra is one of the “Big 5” orchestras in the US. It was founded in 1918 by the pianist and impresario Adella Prentiss Hughes. It has remained the primary venue to witness one of the best classical and contemporary compositions in the U.S. The orchestra plays most of its concerts at Severance Hall.

Franz Welser-Möst has led the Cleveland Orchestra since 2002. They often make extensive tours across the U.S. and abroad. Known for their artistic excellence, concert programming, and community engagement, they have a proud history of giving back to the community. They share the joy of music throughout Northeast Ohio via education and community programs that date back to its founding in 1918.

In 2012 Gramophone Magazine ranked the Cleveland Orchestra 7th on its list of the world’s greatest orchestras, and The New York Times referred to the orchestra in 2018 as “America’s most understatedly amazing orchestra.

It has seen the tenure of some of the greatest Music directors including Nikoloi Sokoloff, Artue Rodzinski, Erich Leinsdorf, George Szell, Pierre Boulez, Lorin Maazel, Christoph von Dohnanyi, and Franz Welser-Most.

Visit https://www.clevelandorchestra.com/ to learn more about their upcoming performances.

克里夫蘭管弦樂團是美國「五大」管弦樂團之一。該樂團由鋼琴家兼經理人阿德拉·普倫蒂斯·休斯 (Adella Prentiss Hughes) 於 1918 年創立。它一直是見證美國最佳古典和當代作品的主要場所。

弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特自 2002 年起擔任克利夫蘭管弦樂團指揮。他們以其藝術卓越性、音樂會節目安排和社區參與而聞名,擁有回饋社區的光榮歷史。他們透過自 1918 年成立以來的教育和社區項目,在俄亥俄州東北部分享音樂的快樂。

2012 年《留聲機》雜誌將克利夫蘭管弦樂團評選為世界最偉大管弦樂團第七位,2018 年《紐約時報》將該樂團稱為「美國最低調的令人驚嘆的管弦樂團」。

它見證了許多最偉大的音樂總監的任期,包括尼科洛夫、阿圖埃·羅津斯基、埃里希·萊因斯多夫、喬治·塞爾、皮埃爾·布列茲、洛林·馬澤爾、克里斯托夫·馮·多納尼和弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特。

9 Philadelphia Orchestra

基礎薪資 $137,800

Philly Orchestra is the youngest among the Big-5 Orchestra in the US. It was founded in 2001. They solely based in Philadelphia, Pennsylvania. They perform at the Kimmel Center for the Performing Arts. They perform subscription concerns at Verizon Hall amounting to over 130 concerts annually.

YANNICK NÉZET-SÉGUIN is the current music director with STÉPHANE DENÈVE as principal guest conductor, and GABRIELA LENA FRANK as composer-in-residence.

They filed for bankruptcy in 2011 which dramatically cut the musicians’ pay. Prior to the bankruptcy, the orchestra was one of the highest-paid in the country. In recent years, the orchestra and the musicians negotiated and settled for a raise of 2%.

Visit http://www.philorch.org/ to learn more about their upcoming performances.

Get in touch with Rick Perdian to learn more about the essentials of orchestras management.

 

費城交響樂團是美國五大交響樂團中最年輕的樂團。該公司成立於 2001 年,總部位於賓夕法尼亞州費城。他們在金梅爾表演藝術中心演出。他們每年在 Verizon Hall 舉辦超過 130 場音樂會。

現任音樂總監為雅尼克‧涅澤特-塞金 (YANNICK NÉZET-SÉGUIN),首席客座指揮為史蒂芬‧德內夫 (STÉPHANE DENÈVE),駐團作曲家為加布里埃拉‧萊娜‧弗蘭克 (GABRIELA LENA FRANK)。

他們在 2011 年申請破產,導致音樂家的收入大幅削減。在破產之前,該樂團是全國薪水最高的樂團之一。近年來,樂團與演奏員們經過協商,達成加薪2%的協議。


美國克里夫蘭管弦樂團(The Cleveland Orchestra)

https://www.youtube.com/watch?v=Z4Ap7-6SLZ8

 

https://www.youtube.com/watch?v=ou8HUqpIG8M

 

https://www.youtube.com/watch?v=m0iceTvF0xA


美國克里夫蘭管弦樂團(The Cleveland Orchestra)歷史與沿革

創立背景(1918年)

  • 成立時間: 1918年

  • 創辦人: 阿道夫·路易斯(Adella Prentiss Hughes)

  • 地點: 俄亥俄州克里夫蘭市

  • 初衷: 克里夫蘭當時是一座迅速成長的工業城市,文化界急需一個能與東岸大都市媲美的專業交響樂團。Hughes 是當時著名的文化推手,推動成立了這支樂團,並邀請匈牙利裔指揮家 尼科拉·塞吉(Nikolai Sokoloff) 擔任首任音樂總監。

樂團創團座右銘:帶給克里夫蘭一個這個城市應得的交響樂團」。

晉級百年老店.邁向下一個世紀

https://www.youtube.com/watch?v=dt-L4952fuA

早期成長(1918–1946)

  • 尼科拉·塞吉時期(1918–1933)
    塞吉重視基礎建設,他努力提高樂手的專業素養,並將克里夫蘭樂團從一個地區性樂團,培養成美國主要交響樂團之一。

    • 1921年,樂團開始了全國巡迴。

    • 1931年,樂團搬進全新的主場——傳奇性的賽佛朗斯音樂廳(Severance Hall)

    • 期間也開始灌錄唱片與進行廣播演出,奠定了全國知名度。

  • 亞特·羅定斯基(Artur Rodziński,1933–1943)

    • 波蘭裔指揮家,帶來更具戲劇性的演奏風格,並加強了管弦樂與歌劇的合作。

    • 他的任內,樂團的音色更為飽滿且更具爆發力。

    • 也首度引進了更多現代作品,如史特拉汶斯基與布列頓的音樂。

  • 埃里克·萊因斯多夫(Erich Leinsdorf,1943–1946)

    • 因二戰時期的變局,任期短暫,但協助樂團進行現代曲目的推廣。

1941年樂團與拉赫曼尼諾夫的合作海報

黃金時期的到來(1946–1970)

喬治·塞爾(George Szell)時期

這個時期被公認是克里夫蘭樂團的**「黃金時代」**。

  • 塞爾是匈牙利裔的嚴格魔鬼教練型指揮家,要求近乎苛刻的完美精度與室內樂般的合奏細膩度。

  • 他徹底重建了樂團的人事與音樂標準,使克里夫蘭管弦樂團聲名鵲起,並正式晉升為世界五大管弦樂團之一(與柏林愛樂、維也納愛樂、倫敦交響樂團、紐約愛樂並列)。

  • 在塞爾任內,樂團的特點是:

    • 緊密乾淨的合奏

    • 透明的音響

    • 精確無比的節奏與細節控制

  • 這段期間錄製了大量經典唱片,如貝多芬、布拉姆斯、德弗札克交響曲全集等,至今仍被視為範本。

 

https://www.youtube.com/watch?v=0vttDCXmfIE

 

優雅與轉型(1970–1982)

洛林·馬澤爾(Lorin Maazel)時期

  • 馬澤爾是個技術超群、充滿個性的指揮家,他延續了塞爾時代的高標準,但也帶來更多戲劇性與色彩感。

  • 1970年代,樂團開始更積極進行國際巡演,包括歐洲、亞洲。

  • 音樂風格變得稍微更華麗、稍微少了些許塞爾時期的冷冽緊縮感。

 

現代化與多元(1984–2002)

克里斯多福·冯·多納伊(Christoph von Dohnányi)時期

  • 冯·多納伊推動了更多20世紀現代音樂的演出,並強化了音樂廳的音響改造。

  • 音樂風格更為溫暖流暢,特別擅長理性而不失情感的詮釋。

  • 他進一步強化了樂團在歐洲的名聲,並帶領樂團重返薩爾茨堡音樂節等重大國際舞台。

 

21世紀的新篇章(2002年至今)

弗朗茲·威爾瑟-莫斯特(Franz Welser-Möst)時期

  • 這位來自奧地利的指揮家自2002年起掌舵,至今超過20年。

  • 他的特色是:

    • 音色上更加強調流動感與透明感

    • 曲目選擇多元,從巴洛克到當代新作

    • 尤其擅長布魯克納、馬勒與理查·史特勞斯等後浪漫派作品。

  • 克里夫蘭樂團也積極探索數位時代的策略:

    • 推出線上串流演出(Adella App)

    • 國際巡演(尤其是維也納、東京、上海)

    • 社區 outreach 計畫深化,開拓新世代聽眾

 

克里夫蘭樂團的獨特精神

  • 細膩精緻: 室內樂般的合奏品質。

  • 透明乾淨: 即使在音量極大的段落,聲部依然分明。

  • 高度紀律: 世界聞名的合奏準確度。

  • 音樂性與技術兼備: 不是只追求音準,而是整體音樂語言的深刻表達。

  • 前瞻性: 不斷擁抱新曲目、新科技、新觀眾。

 

克里夫蘭管弦樂團 官網

2025-26 樂季節目公告🎉

*樂季票PDF

 

 

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=36EG4STI1PI

 

史密斯大廳

https://www.youtube.com/watch?v=nLS5jBu3lwo

 

https://www.youtube.com/watch?v=meAs2Z0noCs

 

https://www.youtube.com/watch?v=3X5za3xpm-8

 

檔案室

https://www.youtube.com/watch?v=42DfHcEi6qU

 

官網:檔案資料

 

圖書室與音樂練琴室

https://www.youtube.com/watch?v=RuqGszsgZII

 

 

 

歷任音樂總監與特色整理

 

任期 音樂總監 主要貢獻
1918–1933 尼科拉·塞吉(Nikolai Sokoloff) 奠定基礎,建構專業團隊;促成賽佛朗斯音樂廳落成(1931)
1933–1943 亞特·羅定斯基(Artur Rodziński) 注入戲劇性演繹,推廣現代作品(如史特拉汶斯基、布列頓)
1943–1946 埃里克·萊因斯多夫(Erich Leinsdorf) 短暫任期,持續推動現代音樂;因二戰影響而中斷
1946–1970 喬治·塞爾(George Szell) 鍛鍊成全球頂尖樂團;確立「室內樂般精緻透明」音響風格;錄製大量經典專輯
1972–1982 洛林·馬澤爾(Lorin Maazel) 保持高標準;演奏風格更華麗靈動;拓展國際巡演
1984–2002 克里斯多福·冯·多納伊(Christoph von Dohnányi) 推動現代曲目,音樂詮釋更溫暖流暢,深化歐洲聲望
2002–現任 弗朗茲·威爾瑟-莫斯特(Franz Welser-Möst) 融合傳統與現代;推廣數位演出、拓展國際巡演;擅長後浪漫派巨作

 

代表錄音推薦+聆聽指南

 

時期 錄音推薦 聆聽重點
塞吉時期 (1918–1933) 🎧 貝多芬 第五交響曲(早期錄音版) 音色略為粗糙,但可以聽見樂團早期努力塑形的精神。歷史迷必聽。
羅定斯基時期(1933–1943) 🎧 華格納 歌劇選曲(歌劇錄音集) 激昂、戲劇性強,尤其是《崔斯坦與伊索德》選段,能感受到早期華麗風格。
塞爾黃金時期(1946–1970) 🎧 貝多芬 交響曲全集(Columbia)
🎧 布拉姆斯 交響曲全集
世界級標準。透明、乾淨到幾乎「外科手術級」的精密感。
特別推薦聽貝多芬第七交響曲,節奏緊繃又充滿爆發力。
馬澤爾時期 (1972–1982) 🎧 馬勒 交響曲全集(Decca) 比塞爾多了色彩與流動感,尤其馬澤爾的《大地之歌》,柔中帶剛,非常迷人。
冯·多納伊時期(1984–2002) 🎧 布魯克納 第八交響曲(Decca)
🎧 20世紀現代作品集(Shostakovich, Carter, Adams)
音色變得更柔和,細節極其精緻,尤其布魯克納的聲響層次美到會讓人發呆。
現代作品演繹清晰理性,現代樂迷必聽。
威爾瑟-莫斯特時期 (2002–至今) 🎧 理查·史特勞斯 交響詩集(DG)
🎧 布魯克納 第九交響曲(最新現場錄音)
透明流動感更強,尤其理查·史特勞斯的《英雄生涯》,每個細節都像用水晶雕成,極其純淨細膩。

 

克里夫蘭管弦樂團 經典現場演出推薦

 

年份 地點 指揮家 樂曲 特點
1965 薩爾茨堡音樂節(奧地利) 喬治·塞爾(George Szell) 布拉姆斯第1交響曲、貝多芬第3交響曲《英雄》

連結: George Szell and the Cleveland Orchestra

克里夫蘭首次在歐洲正式震撼亮相。
完美展現「室內樂般」的乾淨音色,被歐洲評論界譽為「來自美國的奇蹟」。
1967 卡內基音樂廳(紐約) 喬治·塞爾 布魯克納第8交響曲

連結: Bruckner "Symphony No 8" George Szell

融合紀律與靈魂的神作,至今仍是布魯克納愛好者心中永恆標竿。
1974 東京(NHK音樂廳) 洛林·馬澤爾(Lorin Maazel) 馬勒第5交響曲

連結: Mahler: Symphony No. 5 - I. Trauermarsch, Conductor: Lorin Maazel

馬澤爾時期東亞首演,震撼日本聽眾,展現華麗爆發力與靈動細節。
1989 柏林愛樂廳(德國) 克里斯多福·冯·多納伊 舒曼第2交響曲、舒伯特《未完成交響曲》

連結: Schumann Symphony no. 2 op. 61 in C major (Christoph von Dohnányi)

冯·多納伊精緻又理性的詮釋,標誌樂團在冷戰後時代於歐洲站穩一席之地。
1990 克里夫蘭 Severance Hall 馮·杜南伊 現代音樂節系列(卡特、亞當斯、李給悌)

連結:Christoph von Dohnanyi remembers Cleveland Orchestra Musicians

克里夫蘭首度大規模推動現代派,讓樂團音色展現驚人延展性。
2005 琉森音樂節(瑞士) 威爾瑟-莫斯特(Franz Welser-Möst) 理查·史特勞斯《英雄生涯》

連結: Franz Welser-Möst on Strauss' Ein Heldenleben

確立21世紀克里夫蘭樂團以透明、流動著稱的新美學。
2008 歐洲巡演(維也納、巴黎、布拉格) 威爾瑟-莫斯特 馬勒第7交響曲

連結: Mahler: Symphony No.7 - Cleveland Orchestra, Franz Welser-Möst

美到幾乎像絲綢般的音色,巴黎場次被形容為「寧靜的宇宙」。
2015 上海音樂廳(中國) 威爾瑟-莫斯特 貝多芬第3交響曲《英雄》、史特勞斯《唐璜》

連結: Beethoven Symphony No. 3 Op. 55 Eroica (excerpt)

克里夫蘭首次大規模進軍亞洲市場,完美展現當代詮釋新高度。
2020 Adella 數位串流(線上演出) 威爾瑟-莫斯特 約翰·亞當斯《Shaker Loops》、舒伯特第5交響曲

連結: Music in Depth | Adams's Shaker Loops

疫情時代推出的超高質感線上音樂會,開啟新世代演出模式。
2023 克里夫蘭交響樂團百年慶典 威爾瑟-莫斯特 貝多芬第9交響曲《歡樂頌》

連結:The Cleveland Orchestra Centennial Celebration (Mozart, Strauss, Ravel) | Full Concert

回顧百年歷史的象徵性演出,傳承精神與新生力量並存。

 

Chapters

00:00:00 Intro

00:01:20 Wolfgang Amadeus Mozart - Piano Concerto No. 24 in C minor, K. 491 (Lang Lang, Cleveland Orchestra, Franz Welser-Möst)

00:34:50 Richard Strauss - Symphony Fantasy from Die Frau ohne Schatten, Op. 65A (Cleveland Orchestra, Franz Welser-Möst)

00:58:12 Johann Strauss II - "Wiener Blut", Op. 35A (Cleveland Orchestra, Franz Welser-Möst)

01:07:15 Maurice Ravel - "La Valse" (Cleveland Orchestra, Franz Welser-Möst)

https://www.youtube.com/watch?v=e6unxMN96Is&list=PLWvhKE5HbZ386SvmYdYnd6AqL2OvUSRsA

 

00:00 Intro

00:31 I. Maestoso

22:46 II. Adagio

35:21 III. Rondo: Allegro non troppo

Yefim Bronfman - piano

The Cleveland Orchestra

Franz Welser-Möst - conductor

https://www.youtube.com/watch?v=Uu0Vf5UaM2U

 

主場館:克里夫蘭 Severance Hall

特色 說明
🎻 精緻音響 透明自然、細節極致、適合室內樂般精緻合奏
🏛 華麗裝飾 典雅的Art Deco與新古典融合,超適合拍照(如果你去朝聖)
🛠 經歷改建 兩次重大整修,從聲學失誤到世界頂尖音響
📖 人文故事 John Severance為愛而建,化悲傷為永恆文化

 

https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=62r6Phzadik&utm_source=chatgpt.com

 

Severance Hall 賽佛朗斯音樂廳介紹

誕生背景|「給音樂一個永遠的家」

 

  • 開幕時間: 1931年2月5日

  • 地點: 美國俄亥俄州 克里夫蘭市

  • 命名由來: 以樂團的大力贊助人——富商 John Long Severance 之名命名。

    • 背景故事: John Severance 原本打算與妻子 Elizabeth 共同捐資興建音樂廳,作為對音樂的愛與城市文化的貢獻。不幸的是,Elizabeth 在音樂聽建築進行過程期間過世。悲痛之餘,Severance 決心獨自捐出龐大資金(超過一百萬美元,當時是天文數字!),將這座音樂殿堂完成,並以夫妻倆的名字作為永恆紀念。

🔔 小彩蛋:Severance Hall 是美國第一座「專為交響樂團量身設計」的音樂廳之一,打破了樂團「借用劇院」或「租借音樂場館」的時代。

建築風格|Art Deco 的華麗與永恆

  • 主要設計師: Walker & Weeks 建築事務所

  • 風格特色:

    • 外觀: 新古典主義(Neoclassical)風格,莊重典雅,帶有希臘羅馬式柱列。

    • 內部: 以華麗的 Art Deco 裝飾為主,融合埃及、亞洲與現代主義元素,形成獨特而優雅的氛圍。

      • 金色的牆飾

      • 流線型雕刻

      • 鏡面反射的天花板與幾何花紋

走進 Severance Hall,就像穿越到一個黃金時代的音樂夢境,既典雅又充滿細膩的藝術感。

https://www.youtube.com/watch?v=EV73GP97v4s


音響設計|初期的小缺陷與後來的蛻變

  • 初建時問題:

    • 雖然 Severance Hall 外觀華麗、內部裝飾絢爛,但早期音響效果並不理想。

    • 原因之一是舞台上方設計了可伸縮的天篷,結果吸收了太多聲音,使得演奏音響變得暗沉、模糊。

  • 解決方式:

    • 喬治·塞爾(George Szell)改革(1958–1960):
      他認為必須改善音響,於是推動了大型整修:

      • 移除原有的伸縮天篷

      • 加裝可反射音響的新舞台罩

      • 重新設計管風琴

    • 此次整修,徹底提升了Severance Hall 的音響,讓它從「視覺勝過聲音」的音樂廳,蛻變為「音響美學」的新標竿。

https://www.youtube.com/watch?v=nW_3zuMZ2N8


現代翻新與新時代|既尊重傳統,又擁抱未來

  • 1998–2000年:大規模整修

    • 原音響再度優化,使聲音更加自然、透明。

    • 恢復了原有Art Deco的華麗裝飾(1950年代曾被過度現代化遮蔽)。

    • 全新裝設的Norton Memorial Organ(一座壯觀的大型管風琴)成為鎮館之寶。

  • 今日特色:

    • 世界知名的室內音響效果(尤其適合細緻、精緻的音樂詮釋)

    • 高科技舞台設施

    • 維持「人與音樂最接近的美感體驗」

 

https://www.youtube.com/watch?v=SjCcEKsLG-A

 

 

樂團財務狀況

克里夫蘭管弦樂團(The Cleveland Orchestra)在 2023–24 財政年度(2023 年 7 月 1 日至 2024 年 6 月 30 日)持續展現財務穩健,連續第六年達成收支平衡,並實現小幅盈餘 6,000 美元。


📊 2023–24 年度財務概覽

  • 總收入與總支出:​均為 6,600 萬美元,較前一年度的 6,130 萬美元成長 7.7%。

  • 營運收入(票房、演出費、場地租賃):​2,360 萬美元,占總收入的 36%。

  • 年度募款(年度基金、計畫性募款、機構支持):​1,750 萬美元,占 27%。

  • 其他募款與政府支持:​1,230 萬美元,占 18%。

  • 基金撥款:​1,240 萬美元,占 19%。

  • 固定支出(音樂家與員工薪資、福利):​4,260 萬美元,占總支出的 64%。

  • 營運與募款支出:​1,910 萬美元,占 29%;募款支出為 430 萬美元,占 7%。


💰 基金與資產狀況

  • 基金總額:​截至 2024 年 6 月 30 日,基金總額達 2.96 億美元,較前一年度增加 2,900 萬美元(成長 10.8%),主要來自投資收益與新捐贈。

  • 資產總額:​3.91 億美元。

  • 淨資產:​3.24 億美元,其中包含無限制用途資產 3,150 萬美元,以及有捐贈限制資產 2.93 億美元。clevelandorchestra.com


🎵 2023–24 演出與活動亮點

  • 觀眾人數:​共吸引 254,000 名觀眾參與在 Severance Music Center 與 Blossom Music Center 的 106 場演出,其中 24% 為售罄場次。

  • 節目創新:​推出第二屆 Jack, Joseph and Morton Mandel 歌劇與人文節,主打莫札特的《魔笛》,四場演出全數售罄。

  • 錄音與數位拓展:​發行四張新錄音,並與 Apple Music Classical 及 Deutsche Grammophon’s Stage+ 建立數位合作關係。

  • 教育與社區參與:​舉辦四場免費室內樂音樂會,與當地社區藝術夥伴合作,並推出首場感官友善音樂會,為自閉症光譜人士創造更包容的環境。

 

資料引用:

樂團財務報表與年度回顧官方文件:

 

 

【BON話題】2022年留聲機雜誌「全球最佳管弦樂團投票」(網頁+推薦錄音)

你心中的No.1是哪一團呢?趕緊去投票吧❤️

2022全球最佳管弦樂團投票」又開始囉~(點按照片進入網頁最下方,開始投票)

 

入圍2022年全球十大管弦樂團的有:

巴伐利亞國立管弦樂團  Bayerisches Staatsorchester (Germany)

布達佩斯節慶管弦樂團 Budapest Festival Orchestra (Hungary)

捷克愛樂 Czech Philharmonic (Czech Republic)

哈雷管絃樂團 The Hallé (UK)

世紀交響樂團 Les Siècles (France)

馬勒室內交響樂團 Mahler Chamber Orchestra (Europe)

奧斯陸愛樂 Oslo Philharmonic (Norway)

匹茲堡交響樂團 Pittsburgh Symphony Orchestra (USA)

倫敦小交響樂團 Sinfonia of London (UK)

維也納愛樂 Vienna Philharmonic (Austria)


2023年留聲機雜誌主辦的「十大交響樂團」🎉

Vote for Gramophone's Orchestra of the Year 2023

本次入圍的「十大交響樂團」,你最喜歡的是哪一團呢?😉

  • BBC愛樂 | BBC Philharmonic (UK)

  • 柏林愛樂 | Berliner Philharmoniker (Germany)

  • 芝加哥交響樂團 | Chicago Symphony Orchestra (USA)

  • 國家古樂合奏團 | Le Concert des Nations (Spain)

  • 丹麥國家交響樂團 | Danish National Symphony Orchestra (Denmark)

  • 布萊梅德意志室內愛樂樂團 | Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Germany)

  • 芬蘭廣播交響樂團 | Finnish Radio Symphony Orchestra (Finland)

  • 倫敦愛樂交響樂團 | London Philharmonic Orchestra (UK)

  • 法國巴黎管弦樂團 | Orchestre de Paris (France)

  • 美國國家交響樂團 | National Symphony Orchestra (USA)

 

2024年留聲機雜誌再次舉辦最佳管弦樂團投票

共有六個樂團入圍獲得提名:

Bavarian Radio Symphony Orchestra

Czech Philharmonic

Les Talens Lyriques

Orchestre Philharmonique de Radio France

Pittsburgh Symphony Orchestra

Sinfonia of London

 

經過重重考驗,最終投票結果揭曉:

獲獎的樂團是...

捷克愛樂!

 

這支扎根深厚歷史,放眼全現代的樂團,由拜區可夫(Semyon Bychkov)領軍,先前我於萊比錫馬勒音樂節現場欣賞過,真的非常具有感染力~是名符其實的超級樂團❤️


【BON精彩 - 樂評眼中的全球最棒樂團】

在專業樂評人眼中,全球最傑出的管弦樂團到底排名如何?(2023年)

以下是前十大最傑出的專業排名,讓我們來一探究竟:

第一名與第二名,跟筆者心中排名一模一樣,毫無懸念:柏林愛樂與維也納愛樂。

老實說,從第三名開始,才是各樂團真正的戰場XD

第三名由巴伐利亞廣播交響樂團獲得,相當不容易!

而第四名也不意外,皇家大會堂管弦樂團~

第五名是今天的主題樂團:芝加哥交響樂團,也是北美第一!

第六名起,依序為:

克里夫蘭交響樂團

倫敦交響樂團

布達佩斯節慶管弦樂團

萊比錫布商大廈管弦樂團

洛杉磯愛樂

 

如何?專業樂評人眼中的2023年全球十大管弦樂團,符合您的期待


【BON話題 - 以收入論管弦樂團之經營】

Top 20 orchestras in the U.S. by revenue

在美國,大多數管弦樂團都是作為非營利組織運營,因此要了解樂團真實營運狀況,只能透過國稅局的 IRS990 表格資料事後分析。下方照片為 2017/2018 年度,美國職業管弦樂團收入由高而低排序,以及分布全國區域與城市圖示:

 

具體樂團收入總額與排序,如下表

  1. Los Angeles Philharmonic: $187M 一億8千7百萬!
  2. Philadelphia Orchestra: $99M 9千9百萬
  3. Boston Symphony Orchestra: $96M 9千6百萬
  4. San Francisco Symphony Orchestra: $94M 9千4百萬
  5. New York Philharmonic: $86M
  6. Chicago Symphony Orchestra: $82M
  7. Cleveland Orchestra: $62M
  8. Cincinnati Symphony Orchestra: $43M
  9. Detroit Symphony Orchestra: $41M
  10. Minnesota Orchestra: $37M
  11. Pittsburgh Symphony Orchestra: $37M
  12. Dallas Symphony Orchestra: $35M
  13. Seattle Symphony Orchestra: $33M
  14. Saint Louis Symphony Orchestra: $32M
  15. Houston Symphony Orchestra: $30M
  16. San Diego Symphony Orchestra: $26M
  17. Baltimore Symphony Orchestra: $23M
  18. Milwaukee Symphony Orchestra: $19M
  19. Buffalo Philharmonic Orchestra: $15M
  20. New Jersey Symphony Orchestra: $13M

 

由數據可以進一步了解

東海岸(6)與中西部(7)、(8)、(9),筆者簡稱「外雙C」,是在高收入團排序之後,明顯反映出管弦樂團平均高收入的位置區域。

 

資料中明顯遺漏的優秀樂團包括:

大都會歌劇院—因為他們並不專注於管弦樂項目,以歌劇為主

亞特蘭大交響樂團——他們隸屬於伍德拉夫藝術中心(Woodruff Arts Center)的一部分,該中心也不專注於管弦樂項目。

華盛頓特區國家交響樂團— 因為隸屬於甘迺迪藝術中心的一部分,而甘迺迪藝術中心也不專注於管弦樂項目。

 

就這些管弦樂團所在的大都會地區而言,它們代表了 55% 的人口和 64% 的 GDP。

在 GPD 排名的前 20 個大都會區中,只有 5 個沒有進入前 20 名的管弦樂團:華盛頓特區。 (有國家交響樂團)、亞特蘭大(有亞特蘭大交響樂團)、邁阿密、聖荷西、鳳凰城、丹佛和聖貝納迪諾(San Bernardino)。

 

美國前20名管弦樂團的平均收入、支出和淨收入:

 

收入💵

平均收入為 5,400 萬美元,最高為洛杉磯,收入為 1.87 億美元。

收入最低的是水牛城愛樂樂團與新澤西交響樂團收入最低,為 1,500萬 - 1,300 萬美元。

 

費用💸

平均每個管弦樂團花費 4,900 萬美元。

洛杉磯愛樂樂團總花費為 1.59 億美元,水牛城愛樂樂團花費 1,300 萬美元。

 

淨收入💰

平均而言,管弦樂團的收入為 500 萬美元,收入/支出比率為 9%。

費城交響樂團的淨收入最高,為 4700 萬美元(得益於慷慨的捐贈),而波士頓交響樂團的業績最差,為 -1400 萬美元。

 

門票收入🎫

這些管弦樂團平均從門票中賺取 1,800 萬美元,佔其總收入的 34%。

洛杉磯愛樂樂團的比例最高,其50%的收入都來自門票。

值得一提的是西雅圖交響樂團(48%)、波士頓交響樂團(42%)和芝加哥交響樂團(38%)。

 

薪資💵

該組的平均樂團薪資支出為 2,600 萬美元,佔總支出的 53%。薪資佔門票收入的140%。

 

結論:經營管弦樂團,需要捐款XD。

 


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【節慶長笛樂團】節慶長笛・2025' 音樂創作計畫《詩與樂的相遇》樂譜發表🎵

【節慶長笛樂團】節慶長笛・2025' 音樂創作計畫《詩與樂的相遇》樂譜發表🎵
New creation of Flute Ensemble Music

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節慶長笛全新長笛重奏樂譜《詩與樂的相遇》發表計劃來了:

2025年起,節慶長笛樂團在音樂總監周欣穎的企劃設計下,啟動音樂創作計畫《詩與樂的相遇》。

本系列的作品將以一年的12個月份為發想,每個月均以「詩與樂的相遇」為主題,由特約作曲家李鎮豪從當月的季節氣候、節慶氛圍與流轉的日常中汲取靈感,化為音符與詩意的結合寫成一首新作品。

每月以「一詩一樂」的形式,取材於節氣流轉、節慶氣息與日常感動,將詩意化為旋律,期盼透過這樣的全新創作,帶來全新的音樂氣息並打動人心。

策展人的話

節慶長笛樂團.音樂總監:周欣穎

從2025年農曆年後二月開始,節慶長笛樂團啟動了為期一年的全新長笛重奏樂譜《詩與樂的相遇》企劃。

這個系列將邀請樂團特約作曲 - 新銳作曲家李鎮豪作曲,並由我為每首作品配上一首短詩,延伸音樂意境,引領聽者進入無邊的想像空間,感受文字與旋律交織的美好。

這個系列可能讓您想起了柴可夫斯基的《四季》(The Seasons),沒錯!

當代的新創,就是未來的古典

除了鼓勵每一位喜愛長笛的朋友們投入新作品的演奏,更希望您也寫作一首新詩,描繪出演奏當下的感受,將旋律化為筆觸,為2025年的每一個月份,都留下最真摯的心靈紀錄❤️

期待鎮豪每月推出優美動人新曲,用音樂陪伴我們走過每個月的生活旅程✈️🧳

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《詩與樂的相遇》

詩與音樂演奏欣賞

二月.⟨冬日的最後一封信⟩

可否借我一點春光 

二月的枯枝沒有回答 

如果 

這封情書能夠抵達 

請收下這溫柔的祝福 

以及 

那未曾被回暖的告白

https://www.youtube.com/watch?v=5PoV9M2NdDk


三月.《風吻青苔》

三月的風掀起了回憶 

如墨綠色苔蘚輕染過石壁 

風過 

帶走了昨夜的雨跡 

只留下微濕的土地 

與那 

永不枯萎的秘密

https://www.youtube.com/watch?v=qC_PLbcYkcY


四月.《雨過青蘿》

一隻蜻蜓終於停了下來 

裝成某種剛甦醒的安靜 

四月裡乾淨的綠 

在雨停的風裡 

慢慢地 

呼吸

https://www.youtube.com/watch?v=NI0x8uEQqSE


五月.馨華朵朵

給最親愛的媽咪❤️

六月.

 


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節慶長笛樂團音樂總監 周欣穎老師 Line條碼

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精彩活動回顧

2022年暑期《蘭陽長笛音樂節》第十一屆節慶長笛樂團年度活動🎉

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【節慶長笛樂團】2025年《笛影輕舞的湖光傳說》導聆音樂會 - 節慶長笛樂團年度音樂會🎵

【節慶長笛樂團】2025年《笛影輕舞的湖光傳說》導聆音樂會 - 節慶長笛樂團年度音樂會🎵
2025 Taipei Flute Ensemble Music concert

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2025年節慶長笛樂團年度重磅音樂會~《笛影輕舞的湖光傳說》🎵

 

活動宗旨

長笛樂團的交響願景・精緻音樂的極致追求

長笛合奏團是近數十年來國際舞台上備受矚目的音樂表演形式,節慶長笛樂團多次受邀參加日本長笛年會與國內外演奏,展現卓越的演奏實力與獨特的音樂風格。

近年來,樂團更致力於中音長笛與低音長笛的發展,將其渾厚而深邃的音色作為聲響基石,輔以高音長笛與短笛增添明亮色彩,交織出豐富而和諧的音樂效果。

團長林仁斌老師對於長笛合奏之鑽研訓練經驗超過30年,除帶團訓練與指揮演出經驗紮實豐富;對於長笛音色、音準與各種變化可能性均有深入研究,亦曾改編多首管弦樂曲與協奏曲給予長笛家族樂團演出,不斷開發長笛演奏全新可能;其於2018年所創立之「蹦藝術」藝文網站,撰寫古典音樂專文數量豐碩,年點閱率更超過600萬,為公認重要之華文古典音樂熱門資料網站。

2025年《笛影輕舞的湖光傳說》- 節慶長笛樂團年度音樂會為導聆式音樂會,團長暨樂團指揮林仁斌老師將以細膩生動的講解,帶領觀眾深刻領略音樂會三大亮點:

*藝術歌曲與歌劇經典的創新改編

*台灣作曲家傾注心血的原創佳作

*音樂總監周欣穎全新改編之經典芭蕾舞音樂《天鵝湖》的長笛合奏新詮釋

每一部分都將帶來讓您耳目一新的音樂饗宴。

 

Opentix 售票資訊

 

節慶長笛樂團為台灣最具特色、固定每週團練人數最多之長笛合奏團;具備完整編制之短笛、長笛、中音長笛與低音長笛,每年均規劃國內外音樂展演、講習會與音樂會演出等活動,並歡迎愛好長笛的朋友們加入,以長笛會友,增添藝術人生新樂趣!

 

延伸閱讀

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音樂會曲目

音樂導聆:林仁斌 
Concert Lecturer: Jen-Pin LIN 

音樂會曲目:

韓德爾:〈讓我哭泣吧〉~選自歌劇《雷納多》
G. F. Handel: "Lascia ch' io pianga" ~ from Opera《Rinaldo》

舒伯特:小夜曲
F. Schubert: Serenade

蕭士塔高維契:第二號華爾滋
D. Shostakovich: Waltz No.2

【台灣作曲家委託創作】
李鎮豪:《光.湧.舞》節慶長笛樂團世界首演
Chen-Hao, LEE: "Illumination, Hymn, Dance"

葛路克:⟨憤怒女神之舞⟩~選自歌劇《奧菲歐與尤麗狄茜》
C. W. R. von Gluck: "Dance of the furies"~ from Opera《Orphée et Euridice》

--- 中場休息 ---
Intermission

柴可夫斯基:芭蕾舞劇《天鵝湖》組曲(周欣穎編曲)
P. I. Tchaikovsky: "Swan Lake" Suite(Arr. by Juliette Chou Chou)

〈序曲〉
Introduction: Moderato assai

〈情景 I〉
Scène: Allegro giusto

〈四小天鵝之舞〉
Four Little Swan

〈情景 II〉
Scène: Moderato

〈雙人舞〉選粹:華爾滋-快板-華爾滋 
Tempo di valse ma non troppo vivo, quasi moderato 
Allegro 
Tempo di valse

〈黑天鵝之32鞭轉〉
Coda: Allegro molto vivace

〈酒杯之舞〉
Goblet Dance

- 晚安  - 
Good Night

 

 

特別感謝:

豪聲樂器木業股份有限公司

就是愛樂藝術

台灣蹦藝術協會


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【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(五):談拉威爾的室內樂作品

【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(五):談拉威爾的室內樂作品
Miaobei Art Center X BONART 2025-1-5

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課程主軸:

「法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題」系列課程✨

1875年法國誕生了劃時代的巨匠~拉威爾。

拉威爾的音樂生涯起步於對鋼琴的喜愛,自幼苦學,帶著滿腔熱忱踏入巴黎音樂學院,一心鑽研作曲技法,即便屢次與羅馬大獎擦肩而過,也未曾消磨他的才華與鬥志;反而,挫折成了助力~催生出更具深度的音樂感悟。

時光荏苒,拉威爾的音樂串起過去與今朝,是聆聽的盛宴;

在2025年全球紀念緬懷這位偉大作曲家 150 週年誕辰之際,拉威爾的經典旋律依舊在歲月中熠熠生輝,感動人心。

 

苗北藝術學苑 - 課程詳細資訊

114-1苗北講堂

相關附件 - 114-1苗北講堂DM.pdf

時間 _ 2025-03-02~2025-04-27
地點 _ 視聽中心
限額 _ 12/100
指導單位 _ 苗栗縣政府
主辦單位 _ 苗栗縣苗北藝文中心
協辦單位 _ 苗栗縣政府文化觀光局
※單堂報名:$ 150
※套票5堂:$ 525※請優先使用官網線上報名系統(信用卡、匯款、臨櫃現金繳費)。
※紙本報名請下載印出報名表,並繳交至苗北藝文中心1樓服務台(匯款、臨櫃現金繳費)。

授課教師 _ 林仁斌(超人氣古典音樂欣賞名家、蹦藝術執行長)

一、因應現行防疫規範,學員上課均需全程配戴口罩;並遵守本中心防疫措施相關規定,違反規定將無法入場上課。

二、課程相關事宜洽詢:活動企劃部曾小姐037-612669轉511/cctseng@miaobeiac.org

主講人|林仁斌

蹦藝術 | BONART 執行長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

竭誠歡迎您的參與~一起享受音樂與藝術之美💕


課程5: 談拉威爾的室內樂作品

時間 _ 2025-04-27 ( 日 ) 10:00
地點 _ B1 視聽室

本場演講,林仁斌老師將為您介紹拉威爾的精彩室內樂作品:拉威爾的室內樂如印象派畫家捕捉光影一樣,以用音樂捕捉音樂萬千各種瞬間精彩的樣貌,不但有音色和和聲的細膩變化,且在樂章的佈局、主題的呈示和發展等方面,都有著古典主義的嚴謹性。從弦樂奏鳴曲到鋼琴三重奏、弦樂四重奏與大編制室內樂,均值得您細細品味。

欣賞曲目:
小提琴奏鳴曲
鋼琴三重奏
弦樂四重奏
前奏與快板(為豎琴、長笛、單簧管與弦樂四重奏而作)


法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937

法國作曲家:拉威爾(Maurice Ravel, 1875–1937)

 

拉威爾(Maurice Ravel,1875—1937)是近代與德布西並列的偉大作曲家,他的音樂風格精緻動人,充滿特色,猶如一幅融合古典與現代、傳統與創新的絢麗畫卷;其作品在和聲、節奏、配器以及樂曲結構與創新,均有獨特創見,更對 20 世紀音樂發展影響深遠。

 

拉威爾 包含弦樂之室內樂作品整理

作品名稱 樂章數 編制 創作年份
小提琴奏鳴曲
Sonate pour piano et violon
 1 小提琴、鋼琴 1897 年
弦樂四重奏曲
Quatuor
4 小提琴2、中提琴、大提琴 1902-1903 年
序奏與快板
Introduction et Allegro
1 豎琴、長笛、豎笛、 小提琴2、中提琴、大提琴 1905 年
鋼琴三重奏曲
Trio
4 小提琴、大提琴、鋼琴 1914 年
小提琴與大提琴之奏鳴曲
Sonate pour violon et violoncelle
4 小提琴、大提琴 1920-1922 年
依佛瑞之名的搖籃曲
Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré
1 小提琴、鋼琴 1922 年
吉普賽人
Tzigane
1 小提琴、鋼琴 1924 年
小提琴奏鳴曲
Sonate pour violon et piano
 3 小提琴、鋼琴 1923-1927 年

*從上方表格,同時能看出第二號《小提琴奏鳴曲》(1923-1927 年),亦是拉威爾所有含弦樂之器樂室內樂作品中,寫作時間花費最長之一首。

 

Ravel - Sonata for Violin and Cello, M. 73

 


拉威爾:a小調鋼琴三重奏

1914年至1918年第一次世界大戰爆發,拉威爾萌生想為國效勞之想法,因此報名參軍。

1915年他被錄用為救護車駕駛員,正式成為法國軍人。雖然只是駕駛貨車,他卻要在前綫冒着德國隆隆的炮火,運送軍備。

第一次世界大戰前,拉威爾貫注全副心力用5天完成了這首鋼琴三重奏。由於他當時不知道自己是否能夠生還,或許他原本可能以為這是他告別樂壇的音樂創作。

入伍後投入戰綫,拉威爾見證生離死別,創作也近乎完全停頓。

1917年因患痢疾,拉威爾只好退伍。退伍之後,他相信譜寫音樂就是他能為法國提供最好的貢獻,因而開始專心從事作曲。也在1917年他完成了鋼琴曲《庫普蘭之墓》(Le tombeau de Couperin, 1914-17),獻給為國捐軀的同袍,後來拉威爾也將此曲改編為管弦版本。

 

音樂欣賞:鋼琴曲《庫普蘭之墓》(Le tombeau de Couperin, 1914-17)

 

從軍期間拍攝下記錄照片的拉威爾:

拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。
拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。

 

拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。
拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。

 

拉威爾:《a小調鋼琴三重奏》(Trio pour piano, violon et violoncelle en la mineur),完成於1914年,是他少數的重要室內樂作品之一,也被廣泛認為是20世紀鋼琴三重奏文獻中的經典。此曲完成於第一次世界大戰爆發前夕,不僅凝聚了拉威爾對結構與音響的高度掌握,也在某種程度上透露出戰前不安與精神上的焦灼。

創作背景

這首三重奏創作於拉威爾位於法國西南部的家鄉巴斯克地區(Saint-Jean-de-Luz)。當時,他正準備加入法軍,參與第一次世界大戰。戰事將起的陰影與內心動盪,使得這首原本規劃已久的作品在短短幾週內火速完成。拉威爾曾自述:「我拼命地寫,像是在逃避一場即將爆發的風暴。」

在這首三重奏中,我們可以感受到他融合了法國印象主義的音色魔法與德奧古典形式的嚴謹架構,也處處展現出他對非西歐文化(特別是巴斯克、亞美尼亞、東方)的興趣。

樂章與音樂特色

作品共分為四個樂章,展現出精緻工藝與強烈個性之結合:

1. Modéré

第一樂章融合抒情與韻律,主題中帶有巴斯克舞蹈節奏感,小提琴與大提琴以細膩的聲線交織,鋼琴以透明和聲包覆其間。主題具有細膩裝飾與不對稱節奏,是一種對傳統奏鳴曲式的自由處理。

2. Pantoum: Assez vif

此樂章以馬來詩歌形式“Pantoum”命名——一種重覆與交錯的詩句結構。拉威爾將此結構轉化為音樂對話的手法,主題反覆交錯、節奏活潑。音樂跳躍如舞,熱情中不乏冷峻的機智,顯示出他對複雜對位與節奏的掌控能力。

3. Passacaille: Très large

第三樂章以「帕薩卡利亞」(一種反覆低音主題的變奏曲式)為形式,展現拉威爾對巴赫式結構的致敬。主題由大提琴低聲吟唱而出,逐步堆疊出極具重量感與情感深度的音響層次,是全曲最嚴肅與冥想性的篇章。

4. Final: Animé

終樂章展現出爆發的能量與節奏推進感,運用大量複節奏與不對稱拍子,技術挑戰極高。這是一場精緻而緊湊的音樂狂歡,也暗示著一種對命運的對抗與超越。

風格與影響

拉威爾在此曲中展現他對聲響色彩、結構設計與民族素材融合的極致手藝。儘管這首作品有著印象派的光影特質,但其邏輯與結構嚴密,更接近古典主義與現代主義交會的巔峰。評論界常將其與福瑞的鋼琴三重奏、舒曼與勃拉姆斯的經典作品並列,稱其為20世紀室內樂中的「極致之作」。

拉威爾的《a小調鋼琴三重奏》不僅是音樂技術的華美展現,更是一部深刻映照歷史與個人情感的作品。它見證了拉威爾如何以冷靜理性包裹內心激情,以及他由印象派詩人轉變為結構大師的關鍵時刻。

 

https://www.youtube.com/watch?v=3QzLA5se4co

 

第一樂章

中板(Moderato),8/8拍,自由的奏鳴曲式,西班牙巴斯克舞曲(Basque)風格。每小節的8拍使用巴斯克舞曲的韻律(3+2+3)。

 

第二樂章(9:52

詼諧曲(Scherzo),很生動的(Assez vif),三段體A-B-A’。

 

第三樂章(14:23

帕薩卡里亞(Passacaglia),3/4拍

 

第四樂章(21:30

終曲,精神抖擻地(Anime),自由的迴旋曲。

 

音樂會版本欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=CKAwByyYoCw


拉威爾的小提琴奏鳴曲(資料整理於網路與維基百科)

法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937)共創作有二首《小提琴奏鳴曲》,第一號與第二號兩曲創作間隔長達30年。

 

第一號《小提琴奏鳴曲》(1897)

拉威爾的第一號《小提琴奏鳴曲》(Sonate pour violon et piano, 1897)是一部風格尚未成熟、但極具研究價值的早期作品。這首奏鳴曲完成於拉威爾尚在巴黎音樂院學習期間,並未由作曲家本人正式出版,也直到20世紀後半才由音樂學者整理出版,編為「作品遺作」(Œuvre de jeunesse)。

第一號是拉威爾死後才出版的單樂章小提琴奏鳴曲,也被稱為《遺作小提琴奏鳴曲》( Sonate Posthume pour Violon et Piano)。是他創作於約 1897年,仍在巴黎音樂院就讀之學生時期作品。此曲在拉威爾生前並未出版,是由美國音樂學者阿爾比‧奧瑞斯坦(Arbie Orenstein)於 1975年時重新發掘,其後由法國出版社Salabert出版,世人方知此曲。也是拉威爾創作作品中,最早以小提琴為主創作之器樂奏鳴曲。

【作品背景】

拉威爾在1895至1897年間仍處於探索個人語言的階段,這首奏鳴曲是他早期嘗試嚴肅室內樂創作的例證。彼時的他深受法國浪漫樂派(如法朗克、佛瑞)影響,同時對德國古典形式也保有尊重與學習的態度。本曲首演於私密的沙龍音樂會上,並未受到廣泛關注,直到1970年代才由法國小提琴家 Jean-Jacques Kantorow 率先錄製,使之重新被世人認識。

音樂風格與特色

與他後期風格的冷靜節制、色彩斑斕截然不同,這首奏鳴曲顯得較為溫潤抒情、和聲語言也更接近晚期浪漫派。樂曲分為三個樂段:

  1. Allegro moderato – 首樂章以抒情的旋律展開,小提琴線條飄逸而柔和,鋼琴則以寬廣和聲伴隨,呈現出近似佛瑞與聖桑式的優雅氣質。

  2. Intermezzo: Très lent – 第二樂章展現出某種內省的靜謐感,簡約卻深刻,顯示出拉威爾對色彩與音響空間的敏感,也隱約預示他未來對音色處理的獨到直覺。

  3. Finale: Animé – 終樂章活潑明快,富有舞曲節奏感與法式優雅,結構相對簡潔,卻不乏創意,是拉威爾年輕時對活力與形式掌握的試驗。

歷史與學術意義

儘管這部作品尚未展現出拉威爾標誌性的印象派語言或實驗精神,但卻是一扇窺見他創作蛻變初期的窗。音樂學界普遍認為,這首奏鳴曲顯示他在學術訓練與個人風格間的過渡與掙扎,也為日後的《Tzigane》與1927年正式發表的《第二號小提琴奏鳴曲》奠定技術與形式基礎。

對於研究拉威爾風格演進者而言,這是一部不可忽視的作品——它見證了一位大師,在成為「拉威爾」之前,曾經歷的年輕而富含詩意的嘗試。

 

單樂章 曲式簡表
↓點按下方藍色字體段落,直接聽音樂

結構 段落 小節
呈 示 部 第一樂念 1-33
過門 34-39
第二樂念 40-63
結束樂段 64-73
第一主題再現 74-80
發 展 部 動機發展 I 81-120
動機發展 II 121-169
動機發展 III 170-200
再 現 部 第一樂念 201-215
第二樂念 216-233
結束樂段 234-243
尾奏 244-251

 

第一號《小提琴奏鳴曲》(1897)
精彩演奏版本
Kavakos Leonidas & Yuja Wang
Live' at Carnegie Hall(2014) 

https://www.youtube.com/watch?v=SVv0DfeBpTE

 

第二號《小提琴奏鳴曲》創作背景

第二號《小提琴奏鳴曲》則是創作於 1923- 1927年期間,因為帶有印象全音階 德布西的音樂色彩、爵士樂藍調音階素材以及法國前輩作曲家法朗克等抒情語法,也同時是拉威爾最後一首包含弦樂之器樂室內樂作品,音樂與創作技法成熟,因此非常值得一聽。

由於第一號遺作是後來才被發掘出版,故創作時期之背景已不可考,故後續創作背景均以第二號奏鳴曲為主。

從本曲創作年份(1923-1927)來看,拉威爾於創作第二號奏鳴時期,於 1922年 至1928年間,經常出國於世界各地旅行及巡迴演出,因此他的音樂創作中增加不少了異國素材(例如爵士音樂的影響最為明顯)。同時期與《小提琴奏鳴曲》(Sonate poue Violon et Piano)接近之重要的作品另有:《小提琴與大提琴奏鳴曲》(Sonate pour Violon et Violoncelle)、 《吉普賽人》(Tzigane)、《兒童與魔咒》(L’Enfat et les sortleges)、《依佛瑞之名的搖籃曲》(Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré)、管弦樂曲《波麗露》(Boléro)等等。

而拉威爾本身擅長之樂器是鋼琴,但是由於他不斷積極研究例如:帕格尼尼(Niccolo Paganini, 1782~1840)之無伴奏小提琴神作《24首隨想曲》op.1(24 Caprices),加上周遭幾位好友都是演奏名家,所以拉威爾越來越能準確地捕捉弦樂演奏者精彩而準確的語法來進行創作。

在欣賞第二號前,可以再提到另外一首《吉普賽人》(Tzigane):

拉威爾於 1922年倫敦音樂會上遇見了匈牙利女小提琴家 葉莉‧達拉妮Jelly d’Arányi, 1893 -1966)。

葉莉‧達拉妮是匈牙利的小提琴大師 姚阿幸(Joseph Joachim, 1831~1907)之孫外甥女,傳承了 姚阿幸一派之高超演奏技巧,據說什麼曲目都難不倒她。所以 拉威爾為她創作了著名炫技樂曲《吉普賽人》(Tzigane),於 1922年開始創作, 1924年 4月 23日完稿。

匈牙利女小提琴家 葉莉‧達拉妮(Jelly d’Arányi, 1893 -1966)

這段精彩的創作故事與樂曲介紹,蹦藝術亦有專文整理喔~請見下方延伸閱讀文章↓。

延伸閱讀:


第二號奏鳴曲 首演花絮

拉威爾第二號《小提琴奏鳴曲》題獻給法國小提琴家好友 艾蓮娜.約丹-莫杭居 (Hélène Jourdan-Morhange, 1888-1961),但因為艾蓮娜因得風濕病最終無法擔任演出,後來由羅馬尼亞小提琴家 安奈斯可(George Enescu, 1881-1955)擔任首演小提琴演奏者,鋼琴是作曲家 拉威爾本人。首演於 1927年 5月 30日,法國巴黎艾拉爾音樂廳(Salle Érard)舉行。本曲首演獲得盛大之成功。

拉威爾第二號《小提琴奏鳴曲》題獻給法國小提琴家好友 艾蓮娜.約丹-莫杭居 (Hélène Jourdan-Morhange, 1888-1961),照片中間女性。

 

艾蓮娜於拉威爾過世之後,回憶奏鳴曲之創作過程:「他(拉威爾)對於所有能使用之演奏技巧皆充滿興趣,並且極力想知道小提琴之能力範圍可表現的最高境界。」(Everthing to do with technique interested him and he wanted to know the violin’s most extreme capabilities.

⋯我記得當時他正在寫作他的《小提琴奏鳴曲》,而我時常習慣前往幫助他抄寫聲部,並提供弓法與指法。」(...I remember the time when he was writing his Sonata for violin and piano and I often used to go and help him copy out parts and put in the bowings and fingerings.)

 

下方照片為拉威爾與朋友們的聚會,照片最左方女士為 艾蓮娜.約丹-莫杭居 (Hélène Jourdan-Morhange, 1888-1961):

From left to right: Hélène Jourdan-Morhange (1888-1961), Madeleine Grey (1896-1979), Germaine Malançon and Maurice Ravel (1875-1937).

 

曼紐因對首演前的回憶

關於首演前之花絮,小提琴演奏家 曼紐因(Yehudi Menuhin, 1916~1999)也曾提供了一段非常有趣之回憶,那時他正在巴黎與 安奈斯可學琴,當時碰到的一段插曲:

「莫里斯‧拉威爾突然地闖進我們之間(曼紐因與老師 安奈斯可),他一併帶來之鋼琴與小提琴奏鳴曲樂譜,上面墨水仍未乾。看似是他的出版商-杜蘭,希望能馬上聽到此樂曲⋯。於是, 伴隨著 拉威爾本人之鋼琴伴奏,安奈斯可隨即視奏了此複雜作品,他們有時因需講解說明而暫停演奏。後來 拉威爾表示練習告一段落,但 安奈斯可建議他們再從頭至尾演奏一次,此次演奏時,安奈斯可將手抄譜放置一旁並且憑記憶拉奏全部樂曲。」

Yehudi Menuhin:「Maurice Ravel suddenly burst into our midst, the ink still drying on a piano-and-violin sonata which he had brought along. It seemed his publisher, Durand, wished to hear it immediately. . . . Then, with Ravel at the piano, sight-read the complex work, pausing now and again for elucidation. Ravel would have let matters rest there, but Enesco suggested they have one more run-through, whereupon he laid the manuscript to one side and played the entire work from memory.」

1927年開始,曼紐因赴巴黎追隨 安奈斯可學習。

1927年夏天開始,曼紐因開始追隨羅馬尼亞小提琴家/作曲家 安奈斯可學習,這是當年兩人難得的珍貴合照。In the summer of 1927, Menuhin began to study with the famed Romanian composer and violinist Georges Enesco.

 

爵士音樂之影響

由於造訪美國旅行演奏,拉威爾有機會與各界音樂人式碰面,包含了當時想拜師的 喬治.蓋希文。當時已經是著名爵士音樂作曲家的蓋西文,曾想向拉威爾拜師,但被拒絕了。拉威爾的理由是不想讓蓋西文失去原本的創作力, 但兩人成為好友。據說當蓋希文提出要學習作曲時,拉威爾問了蓋西文作曲的收入,還開玩笑地回覆「你賺的錢遠遠多多於我,應該是我向你學習才對…」

爵士音樂對拉威爾非常有吸引力,後來他所創作的「左手鋼琴協奏曲」以及「G大調鋼琴協奏曲」,均明顯反映出到爵士音階與樂風的影響。

照片:拉威爾與蓋希文

1928.03.07. 拉威爾與蓋希文終於見面 Maurice Ravel (at the piano below, with Gershwin himself at right)

 

照片:拉威爾 與 爵士樂團指揮 保羅·懷特曼合照。 (保羅·懷特曼(Paul Whiteman, 1890-1967)就是 蓋希文著名《藍色狂想曲》(Rhapsody in Blue)的首演指揮家。)

拉威爾 與 保羅.懷特曼 合照 | Maurice Ravel & Paul Whiteman

拉威爾 包含弦樂之室內樂作品整理

作品名稱 樂章數 編制 創作年份
小提琴奏鳴曲
Sonate pour piano et violon
 1 小提琴、鋼琴 1897 年
弦樂四重奏曲
Quatuor
4 小提琴2、中提琴、大提琴 1902-1903 年
序奏與快板
Introduction et Allegro
1 豎琴、長笛、豎笛、 小提琴2、中提琴、大提琴 1905 年
鋼琴三重奏曲
Trio
4 小提琴、大提琴、鋼琴 1914 年
小提琴與大提琴之奏鳴曲
Sonate pour violon et violoncelle
4 小提琴、大提琴 1920-1922 年
依佛瑞之名的搖籃曲
Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré
1 小提琴、鋼琴 1922 年
吉普賽人
Tzigane
1 小提琴、鋼琴 1924 年
小提琴奏鳴曲
Sonate pour violon et piano
 3 小提琴、鋼琴 1923-1927 年

*從上方表格,同時能看出第二號《小提琴奏鳴曲》(1923-1927 年),亦是拉威爾所有含弦樂之器樂室內樂作品中,寫作時間花費最長之一首。

 

第二號《小提琴奏鳴曲》(1927)

拉威爾(Maurice Ravel)第二號《小提琴奏鳴曲》(Sonate pour violon et piano No. 2 in G major),完成於1927年,是他晚期創作中的一部重要室內樂作品,亦是其唯一在生前正式出版的小提琴奏鳴曲。這首奏鳴曲不僅展示了拉威爾精煉後的創作語言,也體現了他對20世紀初法國音樂風格與美國爵士影響的深刻融合。

創作背景

1920年代的拉威爾,正處於其音樂風格最成熟與自由的階段。在一戰結束後的法國,他受到美國文化輸入的啟發,特別對爵士樂與藍調(blues)產生濃厚興趣。他常出入巴黎的爵士酒館,也在1928年訪美巡演,對黑人音樂與藍調的節奏語言有極大好感。

這首奏鳴曲的靈感即源於他與小提琴家Hélène Jourdan-Morhange的長年合作與友誼,並於1927年完成、1928年首演。儘管他早在1922年便構思此曲,但歷經五年才完成,足見他對於這部作品的構思之細膩與慎重。

音樂特色與樂章結構

此曲共三樂章,長度約為17分鐘,風格清晰簡潔,對位嚴密,音響通透,被譽為「拉威爾對聲響極簡主義的極致追求」。

1. Allegretto

第一樂章以剔透、幾近乾燥的聲響鋪陳,主題線條簡潔,小提琴與鋼琴保持強烈的獨立性。兩件樂器幾乎像是在平行世界運行,展現出拉威爾「雙重主體」的對話式語言。他曾直言:「這首奏鳴曲就是為了凸顯鋼琴與小提琴的『不協調本質』。」

2. Blues: Moderato

本曲最為人稱道的樂章,深受美國藍調與爵士影響。拉威爾巧妙融合搖擺節奏、滑音(glissando)、藍調音階,並保留法式精緻與結構嚴謹。這是古典語彙與流行語法的完美對話,展現了作曲家對異文化的開放心態。

3. Perpetuum mobile: Allegro

終樂章如其名,是一場不間斷的快速機械運動,小提琴與鋼琴輪番推進,彈跳的節奏與持續運行的動能構成結尾的狂歡。技術要求高,亦展現拉威爾對速度與精確度的極致控制。

歷史地位

拉威爾第二號《小提琴奏鳴曲》不僅是其晚期風格的代表,更是法國音樂中對爵士語言最具創意的吸納範例之一。它的結構簡潔但極富表情張力,既不是純粹的印象派,也不同於浪漫主義奏鳴曲的深沉,而是自成一格的現代主義語彙。

對許多現代作曲家與小提琴家而言,這首作品不只是挑戰技巧的試金石,更是一部充滿個性與文化交錯的經典。其冷靜、節制又富創造力的聲響,讓它在小提琴與鋼琴的室內樂曲目中,長年屹立不搖。

 

第一樂章 曲式簡表
↓點按下方藍色字體段落,直接聽音樂

結構 段落 小節
呈 示 部 第一主題 1-33
過門 34-47(第三拍止)
第二主題 47(第四拍起)- 86
結束樂段 86(第四拍起)- 96
發 展 部 動機發展 I 97-107
動機發展 II 108-132
動機發展 III 133-172
再 現 部 第一主題 173-208
結束樂段 209-224
尾奏 225-232

 


第二樂章 曲式簡表
↓點按下方藍色字體段落,直接聽音樂

段落 樂段 小節
導奏 1-10
I A 11-36
B 37-53
A’ 54-63
II C 64-77
D 78-94
III E 95-109
E’ 110-120
IV D’ 121-129
D’’ 130-137(第一拍止)
尾奏(A’) 137(第二拍起)-145

 


第三樂章 曲式簡表
↓點按下方藍色字體段落,直接聽音樂

結構 段落 小節
呈 示 部 導奏 1-14
第一主題 15-45
過門 46-51
第二主題 52-84
結束句 85-88
發 展 部 動機發展 I 89-114
動機發展 II 115-138
再 現 部 第一主題 139-154
高潮樂段 155-176
尾奏 177-194

 

第二號《小提琴奏鳴曲》(1927)
精彩演奏版本

Bomsori Kim & ChangYoung Shin
Ravel's Violin Sonata No. 2 on the composer's 143rd birthday.

金春曦(Bomsori Kim),1989年生於韓國大邱,是當代極具國際聲望的小提琴家。五歲學琴後展現卓越音樂天賦,於首爾國立大學完成學士學位,後赴美進入茱莉亞音樂學院,師從Sylvia Rosenberg與Ronald Copes,取得碩士及藝術家文憑。

她在多項國際大賽中屢獲殊榮,包括柴可夫斯基、伊莉莎白女王、ARD、西貝流士等比賽,並於2016年在第15屆維尼亞夫斯基大賽中獲得第二名與多項特別獎,確立其世界級演奏家的地位。金春曦與多個頂尖樂團合作,包括紐約愛樂、丹麥國家交響樂團與蒙特婁交響樂團,並曾登上卡內基音樂廳、柏林愛樂廳與維也納金色大廳等世界舞台。

Bomsori Kim 的錄音作品亦備受讚譽,包括與華沙愛樂合作的《Wieniawski/Shostakovich》、與鋼琴家布萊哈奇(Rafał Blechacz)合作的《Fauré, Debussy, Szymanowski, Chopin》,以及2021年發行的德意志留聲機專輯《Violin on Stage》。她使用的是1725年製瓜奈里·德爾·傑蘇「ex-Moller」名琴,由三星文化基金會與芝加哥斯特拉迪瓦里協會長期出借。

Bomsori Kim 的演奏風格結合東方的敏感與歐洲的厚重,技藝精湛、情感真摯,為新世代小提琴家中的佼佼者,亦是韓國音樂界的國際代表。

演奏細膩精湛,近年之錄音也獲得國際間一片好評。

https://www.youtube.com/watch?v=2v2mZ8PGqbU

 

奧古斯丁・哈德里希(Augustin Hadelich),當代備受矚目的小提琴家,以深邃情感與精湛技巧聞名於世。他1984年出生於義大利托斯卡尼,成長於德國移民家庭,自幼在葡萄園田野間與音樂為伴。五歲開始學琴,展現出非凡天賦,然而十五歲時遭遇嚴重火災,導致全身大面積燒傷,差點永遠無法再演奏。經歷漫長的復健後,他奇蹟般重拾琴弓,也賦予他的音樂更深層的情感深度。

哈德里希後來赴美進入茱莉亞音樂學院深造,師從Joel Smirnoff。他的音樂風格融合了德奧傳統的理性與義大利風光的詩意,無論詮釋巴赫、貝多芬,還是現代作品,都展現出細膩、誠實且富有說服力的演奏語彙。2006年,他贏得印第安納波里斯國際小提琴大賽金獎,自此展開國際音樂會生涯。2016年,他以錄製達洛索拉里(Henri Dutilleux)作品榮獲格萊美「最佳器樂獨奏獎」,肯定他在當代音樂詮釋上的傑出表現。

他目前演奏的是1723年製「Ex-Kiesewetter」史特拉迪瓦里名琴,與柏林愛樂、波士頓交響、紐約愛樂等頂尖樂團合作頻繁。評論家讚譽他演奏「兼具理性與詩意」、「每個音符都像在訴說故事」。哈德里希以生命經歷灌注音樂,將創傷轉化為動人的聲音,成為當代最能觸動人心的音樂詮釋者名家。

https://www.youtube.com/watch?v=FkIxuxqBBJE

 

延伸欣賞

電影《今生情未了》

威尼斯影展銀獅獎等四項大獎、法國凱薩獎最佳導演、男配角,歐洲電影獎最佳男主角。由丹尼爾奧圖、艾曼紐琵雅、安狄度索里亞三位出色演員擔任演出。

 

一對志趣相投的好友合作開設小提琴工作室,少話沈穩的琴師史戴芬(丹尼爾奧圖)負責樂器修復,善於社交的瑪西姆(安狄度索里亞)則忙於銷售業務,兩人在樂音繚繞的美妙工作中合作無間,直到遇見閃耀動人的美女小提琴演奏家:卡蜜(艾曼紐琵雅),這段歡快的友誼奏鳴曲開始變調...

 

因女友卡蜜演奏專輯錄製在即,瑪西姆將調音、修整小提琴的重責大任交給摯友史戴芬負責,沒想到在工作過程中,才氣逼人甚至帶點傲氣的卡蜜竟默默地被沈默木訥、埋首工作的史戴芬吸引。她好奇這個可以摸透琴身琴弦的認真男人,是否也能看透自己內心的弦外之音。但無論卡蜜如何明示暗示,史戴芬的心彷彿被寒冰凍住,總是點到為止、不為情動搖,反而是瑪西姆漸漸察覺到女友的反常,三人的關係彷彿樂曲糾纏的音符,越演越烈卻也越來越難解……

*電影劇情文字簡介取自官方網站


而《今生情未了》除了刻劃三人關係的微妙與掙扎,電影中所用的音樂,全部取自拉威爾的室內樂作品,包括了:a小調鋼琴三重奏、為小提琴與大提琴的奏鳴曲、小提琴與鋼琴奏鳴曲等。

 

這裡還特別拍到樂譜上的作曲家名字(其實還為了畫面美觀,沒把樂譜打開來...XD)

 

雖然卡蜜勇敢的向史蒂芬示愛;但心中擔憂自己橫刀奪愛的史蒂芬面臨友情與愛情的抉擇卻臨陣退縮,封閉了自我,冰冷如冬的心始終無法融化...

麥沁為了幫卡蜜療傷,遂安排她巡迴演出,在離開前夕,卡蜜和史帝芬在咖啡店裡告別,卡蜜心裡想著,只要史帝芬一句話她就留下,但史帝芬史始終沉默龜毛,卡蜜傷心搭上麥沁的車離去,當車子緩緩移動時,卡蜜卻回眸凝望著咖啡店裡的史帝芬,眼神恍若無言的控訴...也讓電影最後結束在無盡的傷感之中...


Youtube找到的完整版電影分享❤️(英文字幕)

https://youtu.be/M3kpFQEhsPU

 

 


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家 Great Polish pianist: Arthur Rubinstein

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 -弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家(三)波蘭鋼琴之藝術王者:金鈕釦魯賓斯坦

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  • 課程內容

      • 第一堂|神弓炫技小提琴之神:海飛茲

      「出生於俄羅斯(立陶宛)、三歲學琴,7歲首次公開演出,17歲全美公開演出」這短短的幾句話,是海飛茲生前寫的墓誌銘。演奏技巧極其完美,音準完美無瑕,幾乎從不出現錯誤,更被一代指揮泰斗托斯卡尼尼讚譽為:「唯一能演奏得完美無缺的藝術家」。本堂課程以豐富的影音資料,帶您走入小提琴之神海飛茲完美~近乎苛求的音樂世界

      • 第二堂|古典樂的大提琴泰斗:卡薩爾斯

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識西班牙著名的大提琴家、作曲家、指揮家:卡薩爾斯(Pau Casals, 1876 - 1973)。他是20 世紀上半全世界最傑出的大提琴家。職業生涯從14歲展露頭角,1905 年與小提琴家隆提博與鋼琴家科爾托組成黃金三重奏,更是20世紀初最傳奇的室內樂組合。經歷1936年西班牙內戰、移居法國,終身維護民主與人權,舉辦卡薩爾斯音樂節,每一舉措,均是音樂家的標竿。

      • 第三堂|波蘭鋼琴之藝術王者:金鈕釦魯賓斯坦

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識一生享有盛名,被公認為史上蕭邦音樂的最佳詮釋者之美籍波蘭裔鋼琴家魯賓斯坦。他將蕭邦音樂中的浪漫主義情懷和波蘭民族精神完美結合,更為蕭邦音樂賦予高尚的情感,取代感傷耽溺並注入清新與活力之詮釋;一生中所獲頒榮譽無數,更以大量的唱片錄音為世人留下珍貴的音樂資產,為鋼琴演奏藝術最重要之傳承者。

      • 第四堂|大提琴之聲傳奇締造:羅斯托波維奇

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識20世紀俄羅斯最具代表性之大提琴家、指揮家:羅斯托波維奇。1956 年起任莫斯科音樂學院教授,1964年被蘇聯當局授予「人民藝術家」稱號。演奏技巧極為精湛,無論是高難度的指法、弓法,或是複雜的音樂段落,他都能輕鬆駕馭、游刃有餘,能透過細膩的弓法控制,營造出如詩如畫的音樂氛圍,在指揮上亦享有盛名。

      • 第五堂|風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識1908年出生於烏克蘭奧德薩猶太家庭,1937 年比利時布魯塞爾易沙意國際小提琴大賽首獎,音色以温暖醇厚著稱之歐伊史特拉夫。除了教學與演奏的卓越成就,歐伊史特拉夫作為蘇聯音樂文化最具代表性的人物,在國際舞台上積極推廣蘇聯音樂和文化,無論是浪漫主義作品中的柔情蜜意,或是古典主義作品中的嚴謹莊重,都是一代俠之大者

      ※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


波蘭鋼琴之藝術王者:金鈕釦魯賓斯坦

Arthur Rubenstein, pianist shows off calluses on his fingers 1966. (Photo by Ben Martin/Getty Images)

 

當談到20世紀最偉大的鋼琴家之一,Artur Rubinstein(阿圖爾・魯賓斯坦)之名幾乎無人不曉。他不僅是蕭邦作品最著名的詮釋者之一,更是一位將鋼琴音樂藝術帶入全新高度的音樂家。

 

兩分鐘看完魯賓斯坦的一生:

阿圖爾・魯賓斯坦(Artur Rubinstein)於1887年1月28日誕生於波蘭羅茲(當時屬於俄羅斯帝國轄下的波蘭會議王國),出身於一個猶太家庭。

年僅兩歲的他便展現出絕對音感與對鋼琴的濃厚興趣,經常專注地觀察姊姊上鋼琴課。到了四歲,他已被視為音樂神童。1894年12月14日,年僅七歲的魯賓斯坦首度登台演出,演奏莫札特、舒伯特與孟德爾頌的作品,驚豔四座。

十歲時,他前往柏林繼續深造,並於十三歲時首次與柏林愛樂合作演出。當時由著名小提琴家約瑟夫・約阿希姆推薦他師從卡爾・海因里希・巴特(Karl Heinrich Barth)。藉由這樣的師承,他成為貝多芬—車爾尼—李斯特—巴特的嫡傳系譜中的一員。

1904年,他移居巴黎,正式展開職業演奏家的生涯。

1906年,魯賓斯坦於紐約卡內基音樂廳舉行首次美國演出,隨後展開遍及美國、奧地利、義大利與俄羅斯的巡演。1912年,他於倫敦首次登台,並迅速在當地建立起穩固的音樂根基。

第一次世界大戰期間,他留居倫敦,經常舉行獨奏會並擔任小提琴家尤金・伊薩伊(Eugène Ysaÿe)的鋼琴伴奏。1916至1917年間,他首次前往西班牙與南美洲巡演,受到熱烈歡迎。正是在此期間,他對葛拉那多斯、阿爾班尼士、法雅與維拉-羅伯士等西班牙與南美作曲家產生終生的熱愛與支持。

由於對德國在戰爭中的行徑深感厭惡,魯賓斯坦自1914年後便決定再也不在德國演出。

1919年秋,他與女高音艾瑪・卡爾維(Emma Calvé)及男高音弗拉基米爾・羅辛(Vladimir Rosing)一同在英國巡演。

1921年,他展開兩次美國巡演,與作曲家西曼諾夫斯基(Karol Szymanowski)及好友保羅・科杭斯基(Paul Kochanski)同行。

1934年,魯賓斯坦坦承早期過於仰賴天賦而忽視技術鍛鍊,於是短暫退出演出圈,進行數月的密集練習與重整。

1937年他再度展開美國巡演。第二次世界大戰期間,他定居於加州洛杉磯的布倫特伍德,並於1946年歸化為美國公民。

雖以獨奏與協奏曲演出最為人知,魯賓斯坦同時也是一位出色的室內樂演奏家。

他錄製了大量鋼琴核心曲目,特別是浪漫派作曲家的作品。《紐約時報》在他辭世時形容:「蕭邦是他的專長……他被認為是蕭邦詮釋無人能及的大師。」除了練習曲之外,他幾乎錄製了蕭邦的全部作品。他亦是最早支持西班牙、南美與20世紀初法國作曲家(如德布西、拉威爾)作品的鋼琴家之一。此外,他積極推廣同胞西曼諾夫斯基的音樂。據傳,當魯賓斯坦向史克里亞賓表示布拉姆斯是他最鍾愛的作曲家時,後者大為惱怒。

進入1970年代中期後,魯賓斯坦的視力逐漸衰退。他於1976年5月,在倫敦的威格摩爾音樂廳舉行最後一場公開音樂會,當時他已高齡89歲。這個音樂廳正是他70年前初次登台之地。

魯賓斯坦精通八種語言,並擁有驚人的音樂記憶力——不僅鋼琴曲目,其他樂器與合唱作品他也能熟記於心。他自稱擁有「視覺式記憶」,回憶樂譜時甚至能想起紙上的咖啡漬。他同時具備極為敏銳的聽覺能力,能在腦中完整「聆聽」一首交響曲。他的友人們經常從歌劇或交響曲中隨機抽取樂段,請他憑記憶彈奏,他總能從容應對。

1932年,45歲的魯賓斯坦與年僅24歲的波蘭芭蕾舞者內拉・姆伊納斯卡(Nela Młynarska)結婚,育有五名子女(其中一名夭折)。無論婚前或婚後,他皆有多段情史。雖然從未與內拉離婚,但1977年,90歲的魯賓斯坦選擇離開妻子,與當時33歲的安娜貝爾・惠特斯通(Annabelle Whitestone)共度餘生。

1982年12月20日,魯賓斯坦在瑞士日內瓦的寓所安詳辭世,享年95歲,遺體火化。

https://www.youtube.com/watch?v=Q-XP_AIYPuc

 

生平

出生與家庭背景

阿圖爾·魯賓斯坦於1887年1月28日出生於波蘭羅茲(當時屬於俄羅斯帝國),是家中七個孩子中最小的一位,父母為猶太人。他的父親伊扎克(Izaac)是一位手工藝者,母親費莉西亞(Felicja)對音樂有濃厚興趣,儘管家中並無專業音樂背景。據報導,父親曾希望他學習小提琴,認為鋼琴不夠「陽剛」,但年幼的魯賓斯坦堅持選擇鋼琴,甚至在一次嘗試拉小提琴後將其摔碎,表明對鋼琴的熱愛。

音樂啟蒙與教育

魯賓斯坦三歲開始學習鋼琴,七歲時在羅茲舉行了首次公開演出,演奏莫札特、舒伯特和孟德爾頌的作品。八歲時,他進入華沙音樂學院學習,九歲時前往柏林,師從著名鋼琴教育家海因里希·巴特(Heinrich Barth)。

在柏林期間,他接受了嚴格的音樂訓練,並在十三歲時於柏林愛樂廳(Beethoven-Saal)舉行了歐洲首演,演奏莫札特的A大調鋼琴協奏曲和聖桑的G小調鋼琴協奏曲,獲得極大成功。 

職業生涯初期

1906年,魯賓斯坦在紐約卡內基音樂廳與費城管弦樂團合作,進行了美國首演,演奏聖桑的G小調鋼琴協奏曲。然而,由於年輕和風格不被當地觀眾理解,反應冷淡。

19歲 首次至美國卡內基音樂廳巡迴演出的魯賓斯坦

 

一天不練琴.自己知道

一星期不練琴.鄰居知道

一個月不練琴.全世界都知道

魯賓斯坦在經歷嚴苛樂評洗禮,痛定思痛之後,潛心閉關重新針對自己的演奏技巧鍛鍊,他曾公開承認早年的他「運用大量踏辦」,製造宏偉的演奏效果,「大家都很喜歡」

https://www.youtube.com/watch?v=fPrXRzw0KU4

https://www.youtube.com/watch?v=KGzejolSbAU

 

音樂詮釋.從內心出發

認識 Artur Rubinstein 的音樂美學(musical aesthetics),就像走進一位真正懂得「讓鋼琴說話」的大師的心靈。Rubinstein 的演奏風格不僅反映了浪漫派的精神,更深深扎根於人性、語言與生活。

https://www.youtube.com/watch?v=FxscSd-8GTM

下定決心以演奏為職業之後,他的標準比誰都高,也註定他將成為一代鋼琴演奏大師。

此後,他在歐洲各地巡演,包括奧地利、義大利和俄羅斯,逐漸建立起聲譽。1904年,他移居巴黎,結識了作曲家拉威爾、杜卡斯和聖桑,並在聖桑面前演奏其作品,獲得讚賞。

第一次世界大戰期間,魯賓斯坦主要居住在倫敦,與小提琴家尤金·伊薩伊(Eugène Ysaÿe)合作演出。1916年至1917年,他在西班牙和南美洲巡演,一年間演出超過百場,造成狂熱,而他也產生對西班牙和拉丁美洲音樂產生濃厚興趣,並成為這些音樂的傑出詮釋者。

 

「自然」為美:音樂應如呼吸

Rubinstein 曾說:「音樂應該像語言一樣自然,像我們說話一樣流暢。」

這代表他反對機械化的演奏,認為節奏不該僵硬,而應帶有語言的韻律與重音。他不喜歡刻意誇飾或過度計算的詮釋,而是追求自然流動、節奏靈活、情感內斂的演奏。

 

當我演奏音樂時,如同身處天堂(與做愛的感受是一樣的)

運用手指、踏辦,我透過內心歌唱;至於到底我如何做到,這一切無法言喻,無法外傳

每個人都有最適的曲目(如果音樂無法對你訴說,你就不應該演奏)

https://www.youtube.com/watch?v=3H7nzTLVksU

 

魯賓斯坦 1920年於巴黎的影片

https://www.youtube.com/watch?v=93RbZG6cp_I

 

魯賓斯坦音樂播放清單(157首音樂片段)

https://www.youtube.com/watch?v=Ed2ZtwCDvvw&list=PL050B847FDA1CA642

 

音色即情感,觸鍵即性格

Rubinstein 認為音色是鋼琴演奏中最關鍵的語彙。他從不追求單一的炫技或激烈情緒,而是在色彩與聲音的變化中呈現深刻的人性。他擅長使用「中音區」來構築音樂的核心,使旋律既穩定又具說服力。

他的觸鍵可分為三種典型狀態:

歌唱性(cantabile):長線條、深情而不做作

對比性:清晰分層,讓和聲與聲部各自獨立又彼此呼應

詩意與光影:如蕭邦的夜曲,猶如筆觸柔和的水彩畫

 

魯賓斯坦論力度、琴弦震動與如何投射出內心的想法

我明明彈奏的是 Forte,但卻聽起來像 Piano,為何呢?...

https://www.youtube.com/watch?v=jgj2odxN3Us

 

音樂風格與詮釋特色

魯賓斯坦以「浪漫而不矯情」、「自由卻不失結構」的詮釋風格聞名。他的演奏自然流暢,音色豐富、觸鍵溫潤,極少有過度炫技的表現。他從不刻意誇張音樂的情感,而是用一種深沉的內在熱情,將音樂的靈魂娓娓道來。

蕭邦詮釋權威:他被譽為20世紀最偉大的蕭邦詮釋者之一。其演奏展現出蕭邦音樂的詩意、優雅與靈魂深度,特別是夜曲、圓舞曲與前奏曲系列,是後世鋼琴家學習的典範。

音樂的自然流動性:Rubinstein極重視音樂的「線條」,他強調旋律的連貫性與自然發展,從不將音樂切割為技巧片段。

人道主義精神:在第二次世界大戰後,他拒絕再於納粹德國或其盟國演出,並積極聲援以色列。這種人文立場也深深影響了他音樂的情感深度。

 

黃金三重奏

The Trio: Arthur Rubinstein, Jascha Heifetz, and Gregor Piatigorsky (Meet the Masters, 1952)

https://www.youtube.com/watch?v=fp6WJ3snBJU

 

晚年生活與演出

魯賓斯坦於1976年5月在倫敦的威格摩爾音樂廳(Wigmore Hall)舉行了最後一場公開演出,當時他已89歲。儘管視力逐漸衰退,他仍持續演奏,直到1976年正式退休。他於1982年12月20日在瑞士日內瓦辭世,享年95歲。

他拒絕在納粹德國演出,生涯中多次用音樂聲援人權與文化自由。他不僅是鋼琴家,更是「以音樂呼吸與思考的人」。

🏅 主要榮譽與獎項

在他卓越的音樂生涯中,魯賓斯坦獲得了多項國際榮譽與獎項,以下列舉部分重要的殊榮:

  • 美國總統自由勳章(Presidential Medal of Freedom,1976年):​由美國總統傑拉爾德·福特頒發,表彰他對音樂藝術的傑出貢獻。

  • 法國榮譽軍團勳章(Légion d'honneur):​被授予大軍官級(Grand Officier),肯定他在音樂領域的卓越成就。Wikipédia, l'encyclopédie libre

  • 英國榮譽爵士勳章(Honorary Knight Commander of the Order of the British Empire,1977年):​英國政府授予的榮譽爵士稱號,以表彰他對音樂的貢獻。

  • 義大利共和國功勳勳章(Ordine al Merito della Repubblica Italiana):​被授予大軍官級(Grande Ufficiale),表彰他在音樂藝術方面的成就。

  • 西班牙阿方索十世賢王勳章(Orden de Alfonso X el Sabio,1963年):​獲得大十字勳章(Gran Cruz),以表彰他對文化的貢獻。

  • 葡萄牙聖雅各勳章(Ordem Militar de Sant'Iago da Espada):​於1958年被授予官員級(Oficial),1972年升為大官級(Grande-Oficial),以表彰他在藝術領域的卓越表現。Wikipedia, l'enciclopedia libera+2Wikipédia, a enciclopédia livre+2Wikipédia, l'encyclopédie libre+2

  • 丹麥萊奧尼·索寧音樂獎(Léonie Sonning Music Prize,1971年):​丹麥最負盛名的音樂獎項之一,表彰他對音樂的傑出貢獻。

  • 甘迺迪中心榮譽獎(Kennedy Center Honors,1978年):​美國政府頒發的文化榮譽,表彰他對表演藝術的終身貢獻。

  • 葛萊美獎(Grammy Awards):​多次獲得,包括最佳室內樂演奏、最佳古典獨奏等獎項。

  • 葛萊美終身成就獎(Grammy Lifetime Achievement Award,1994年):​表彰他對音樂的終身貢獻。

🏛️ 紀念與傳奇

魯賓斯坦的音樂遺產在全球廣為流傳,以下是一些紀念他的方式:

  • 阿圖爾·魯賓斯坦國際鋼琴大賽(Arthur Rubinstein International Piano Master Competition):​自1974年起在以色列特拉維夫舉辦,旨在發掘和培養年輕鋼琴人才。

  • 波蘭羅茲的魯賓斯坦紀念館:​位於他出生的城市,館內展示了他的生平、獎項、樂器等珍貴文物。

  • 街道與公共場所命名:​在波蘭和以色列等地,有多條街道和公共場所以他的名字命名,以紀念他的貢獻。

 

節奏與自由:Rubato 的靈魂

Rubinstein 的 rubato(自由速度處理)是學者們爭相研究的經典。他從不「拉長一處、壓短一處」以追求視覺對稱,而是以極具語言感的方式呼吸樂句。

他的節奏感被認為是:

不受限於拍子線,但永不迷失於主題與結構

靈活中帶有不可見的脈動與張力

這也是「彈性速度 rubato」最成熟的體現。

 

魯賓斯坦90歲生日紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=VFEsLdERZwI

 

魯賓斯坦百年誕辰紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=r7rw62N5xY8

 

Music, my LOVE

 

重要錄音與貢獻

Rubinstein 是最早擁抱錄音技術的古典鋼琴家之一,留下了大量珍貴的錄音資料,橫跨SP、LP、立體聲與數位時代。他與RCA公司合作長達數十年,錄製了廣泛的曲目。

  • 蕭邦全集:他三次錄製蕭邦的主要作品全集,從1930年代開始,持續到1970年代。這些版本仍是今日鋼琴教學與研究的重要參考。

  • 與樂團協奏曲合作:包括與杜南伊(Pierre Monteux)、萊納(Fritz Reiner)、普列文(André Previn)等指揮合作錄製的貝多芬、拉赫瑪尼諾夫、格里格、聖桑等協奏曲,均為經典。

  • 室內樂貢獻:他曾與小提琴家海菲茲(Heifetz)和大提琴家費爾曼(Piatigorsky)組成三重奏,留下許多極高藝術價值的室內樂錄音。

 

魯賓斯坦的錄音歷程

錄音作品概覽

魯賓斯坦是少數橫跨聲音錄音從貝殼唱片(78轉)時代到立體聲與數位錄音時代的鋼琴家之一。他從1928年就開始與 RCA Victor 公司合作錄音,這段合作長達超過五十年。以下為他錄音生涯的幾個重要階段:

1. 貝殼唱片時期(1928-1940)

  • 代表作:蕭邦《夜曲》、拉威爾《夜之嘉年華》、法雅《西班牙之夜》。

  • 特色:演奏風格浪漫自由、音色較為明亮,有即興感,較多個人詮釋。

 

🖤 Artur Rubinstein — 貝殼唱片黃金時期推薦錄音(1928–1940)

🎹 1. Chopin: Ballade No. 1 in G minor, Op. 23

  • 錄音年份:1931

  • 標誌特色:速度變化自由、內在戲劇性強烈,結尾急轉直下的震撼力,讓這首經典充滿戲劇火光。

  • 推薦理由:為Rubinstein早期蕭邦詮釋的重要代表,有別於他晚年錄音的克制與詩意。

 

Liszt

0:00 : Liebestraum No. 3 in A flat major

Consolation No. 3

Hungarian Rhapsody No. 10

Brahms

Capriccio in B minor, Op. 76 No. 2

Rhapsody in G minor, Op. 79 No. 2

Wiegenlied, Op. 49 No. 4

https://www.youtube.com/watch?v=akvBP2o_uIw

 

2. 單聲道LP時期(1940s-1950s)

  • 代表作:蕭邦前奏曲全集、聖桑協奏曲、貝多芬奏鳴曲選集。

  • 室內樂精選:與小提琴家Heifetz、大提琴家Piatigorsky合作的三重奏錄音(例如柴可夫斯基與拉威爾)。

  • 特色:技術純熟,節奏掌控穩定,情感深沉,音樂結構清晰。

 

https://www.youtube.com/watch?v=DpEAlVsMs9I&list=PL1gAgJIplj-nEq-po45kWtVHqX8QJ078C&index=3

 

(1950)Chopin / Artur Rubinstein, 1950: Scherzo No. 4 in E, Op. 54 - RCA Victor LM-1132

https://www.youtube.com/watch?v=xx7RNzQslpE&list=PL1gAgJIplj-nEq-po45kWtVHqX8QJ078C&index=15

 

https://www.youtube.com/watch?v=jNgF8EcjXes

 

3. 立體聲黃金時代(1960s-1976)

  • 代表作

    • 蕭邦全集(夜曲、圓舞曲、馬祖卡、奏鳴曲等)。

    • 協奏曲系列:與Reiner指揮芝加哥交響合作的聖桑、拉赫瑪尼諾夫。

    • 晚期巴赫與布拉姆斯作品(更成熟、少炫技)。

  • 特色:音色更圓潤,速度控制更內斂,詮釋更追求詩意與智慧。

 

https://www.youtube.com/watch?v=So3Y6wJ3tLo&list=PL1gAgJIplj-nEq-po45kWtVHqX8QJ078C&index=14

 

https://www.youtube.com/watch?v=GaqKpMNrfsA&list=PL1gAgJIplj-nEq-po45kWtVHqX8QJ078C&index=12

 

https://www.youtube.com/watch?v=YnAOBt0BMDI&list=PL1gAgJIplj-nEq-po45kWtVHqX8QJ078C&index=9

 

https://www.youtube.com/watch?v=Pxoi7inZTyY&list=PL1gAgJIplj-nEq-po45kWtVHqX8QJ078C&index=1

 

4. 晚年錄音與重錄(1970s末)

  • 魯賓斯坦曾主動表示:「我不喜歡年輕時的錄音,太衝動了。現在我理解了『音樂的時間』。」因此重新錄製多套蕭邦作品,形成他第三版本的蕭邦全集。

 

魯賓斯坦眼中的偉大作曲家

魯賓斯坦對不同作曲家有獨到見解,也深刻影響他的詮釋方式:

 

作曲家 Rubinstein 的詮釋觀點
蕭邦 視為靈魂摯友,不將其神化也不過分柔弱,詮釋如詩如語言
布拉姆斯 他最敬愛的作曲家之一,認為其音樂如交響詩,理智與情感並存
德布西/拉威爾 不以印象派看待,而以「聲音雕塑」來演繹,具結構與細膩光影
貝多芬 尊重但少錄音,認為要經過一生才能真正理解其中的哲思與道德性
葛拉那多斯、阿爾班尼士等 將西班牙音樂當作生活的一部分,充滿色彩與節奏感,直擊心靈

 

從錄音中聆聽魯賓斯坦.音樂風格的演變歷程

青年時期:浪漫主義的火焰

  • 風格接近李斯特派後期,彈性強、表情誇張、自由奔放。

  • 熱愛炫技,但有時過於自信,演奏略顯草率。

  • 多演奏拉丁音樂與法國印象樂派,受到法雅與德布西影響深遠。

 

壯年時期:從技巧走向詩意

  • 技術大幅成熟,開始專注於音樂內涵與句法組織。

  • 強調「旋律線的歌唱性」與「和聲的透明度」。

  • 特別重視中音部的彈奏,讓音樂結構更立體。

  • 蕭邦詮釋日臻完美,受到廣泛推崇。

 

 晚年時期:從內斂到哲思

  • 詮釋更為緩慢、深思熟慮,注重音樂整體結構與精神性。

  • 自我風格鮮明,捨棄外在技巧炫耀,回歸音樂本質。

  • 特別著重“人文精神”在音樂中的轉化:例如貝多芬、布拉姆斯作品中的深層哲思。

 

推薦入門錄音(Rubinstein 入門寶典)

 

曲目 推薦版本(錄音年份) 備註
蕭邦《夜曲全集》 1965年(立體聲版) 最具代表性的錄音之一,詩意與技術並重
聖桑《第2號鋼琴協奏曲》 與Reiner / 芝加哥交響樂團(1958) 炫技與戲劇張力兼具
拉威爾《夜之嘉年華》 1930年代錄音 青年時期的代表作,節奏自由如水
蕭邦《英雄波蘭舞曲》、《幻想即興曲》 多版本可選,建議晚年錄音 音樂張力控制得當,深具情感分量
與海菲茲、費爾曼室內樂錄音 拉威爾 / 聖桑 / 舒伯特三重奏 室內樂領域的巔峰作品之一

 

音樂能言盡無法訴說之事

魯賓斯坦相信音樂不只是技巧的展演,更是「人格的投影」:「音樂是我的第二語言,它說出我不能用語言說出的事。」

 


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【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:波士頓交響樂團(Boston Symphony Orchestra)

【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 波士頓交響樂團(Boston Symphony Orchestra)
Top Orchestras in U.S - Boston Symphony Orchestra

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本系列「2025年世界管弦樂團巡禮」- 北美篇,將以美國為主要區域,詳細介紹各大管弦樂團之歷史沿革與特色,並深入欣賞精湛之演奏。

 

美國五大交響樂團

 

讓我們先從歷史談起,當我們聊到美國樂團十,總喜愛先聊「五大」,這五大交響樂團在過去的歷史定位也非常清楚,分別是:

紐約愛樂 New York Philharmonic

波士頓交響樂團 Boston Symphony Orchestra

芝加哥交響樂團 Chicago Symphony Orchestra

費城交響樂團 Philadelphia Orchestra

克里夫蘭交響樂團 Cleveland Orchestra

美國五大樂團」一詞,誕生於早期黑膠唱片錄音時期,當時管弦樂尚在以廣播方式放送音樂,聽眾們在家中,以收音機方式收聽各樂團之音樂節目之時期。

各樂團在20世紀也如「兄弟登山,各自努力」般,不斷擴大樂團編組,提升演奏能力。

時至20世紀中葉,東岸商業環境繁盛,於是錄音和廣播節目漸漸由東海岸樂團主導,當時最著名的樂團被稱為「三巨頭」:紐約樂團、波士頓樂團和費城樂團。

逐漸地,當時隨著偉大指揮家們的崛起,樂團能見度與唱片銷量也逐漸提升,因此,由喬治·塞爾領軍的克利夫蘭管弦樂團和弗里茨·萊納指揮的芝加哥交響樂團,聲望日益提高,人們漸漸將管弦樂「三巨頭」擴張為「五巨頭」,也就是我們常說的「美國五大樂團」。


【你關心的BON話題 - 樂團薪資篇】

1 San Francisco Symphony

基本薪資 $166,400

The San Francisco Symphony Orchestra remunerate their musicians a large chunk from ticket sales, donations, and other sources of income. It has maintained its spot on the base pay rankings over the years. SFO Symphony was founded in 1911. It’s based in San Francisco, California.

Since 1980, the orchestra has been performing at the Louise M. Davies Symphony Hall in the City’s Hayes Valley neighborhood. They are the resident orchestra of the LMD Symphony Hall. Despite the short history of performances, the orchestra has been awarded an Emmy Award and 15 Grammy Awards. It was also the first to feature symphonic radio broadcasts in 1926, and in 2003.

Visit https://www.sfsymphony.org/ to learn more about their upcoming performances.

舊金山交響樂團從門票銷售、慈善捐款、企業贊助、政府補助以及其他多種收入來源中,拿出很大一部分來酬勞樂團成員。多年來,其基本薪酬排名一直保持穩定。舊金山交響樂團成立於 1911 年,總部位於加利福尼亞州舊金山。

自 1980 年起,該樂團一直在舊金山海斯谷社區的路易斯・M・戴維斯交響樂廳演出。他們是路易絲・M・戴維斯交響樂廳的駐場樂團。儘管演出歷史不算悠久,但該樂團已榮獲一座艾美獎和 15 座格萊美獎。1926 年及 2003 年,它也是率先進行交響樂廣播的樂團。

 

2 Los Angeles Philharmonic

基本薪資 $164,476

The Los Angeles Philharmonic, also known as LA Phil, was founded in 1919 by William Andrews Clark, Jr., a copper baron, arts enthusiast, and part-time violinist. It is the major orchestra based in the city of Los Angeles.

Each year, more than 250 concerts are either performed or presented at the Los Angeles Philharmonic’s two iconic venues: the Walt Disney Concert Hall and the Hollywood Bowl.

It is known its ability to remold and remodel its performances at the whim of the conductor offering it a unique advantage. The group resides in the abstract Walt Disney Concert Hall, where it has been led by conductor Gustavo Dudamel since 2005.

The LA Phil’s involvement with the city of Los Angeles expands beyond the walls of its concert halls, with performances in local schools, churches, and neighborhoods. In fact, one of their education initiatives, Youth Orchestra LA (YOLA), has provided free instruments and music training to over 700 local students.

Visit https://www.laphil.com/ to learn more about their upcoming performances.

洛杉磯愛樂管弦樂團,又稱 LA Phil,於 1919 年由小威廉・安德魯斯・克拉克創立。克拉克是一位銅業大亨、藝術愛好者,也是一名業餘小提琴手。它是洛杉磯市的主要管弦樂團。

每年,洛杉磯愛樂管弦樂團在其兩個標誌性場館 —— 華特・迪士尼音樂廳和好萊塢露天劇場,舉辦或呈獻超過 250 場音樂會。

該樂團以能隨指揮的意願重塑和改編演出而聞名,這賦予了它獨特的優勢。樂團駐紮在具有抽象風格的華特・迪士尼音樂廳,自 2005 年起由指揮古斯塔沃・杜達梅爾領導。

洛杉磯愛樂管弦樂團與洛杉磯市的互動,不止限於音樂廳內,還在當地學校、教堂及社區舉行演出。事實上,他們的一項教育倡議 “洛杉磯青年管弦樂團(YOLA)”,已為 700 多名當地學生提供了免費樂器和音樂培訓。

 

3 Chicago Symphony Orchestra

基本薪資 $159,016

The Chicago Symphony Orchestra is one of the top-ranking American orchestras and a part of the “Big 5” orchestras in the US. Chicago Symphony Orchestra is a highly regarded brass section. At the time of this ranking, the group was led by Daniel Barenboim. It is now under the baton of renowned conductor Riccardo Muti.

It was established in 1891 by Theodore Thomas. The ensemble gathers at Orchestra Hall in Chicago and plays a summer season at the Ravinia Festival. Originally named “Chicago Orchestra,” it was later changed to Chicago Symphony Orchestra in 1913. It has seen numerous music directors including Desire Defauw, Artur Rodzinski, Rafael Kubelik, Fritz Reiner, Jean Martinon, Georg silti, and Daniel Barenboim.

The Chicago Symphony first broadcast on the radio in 1925. Till now, it has performed well over one hundred concerts each year at its downtown home, Symphony Center, and the Ravinia Festival on Chicago’s North Shore.

Riccardo Muti, the current music director of CSO, has earned sixty-two Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences.

Visit https://cso.org/home/ to learn more about their upcoming performances.

芝加哥交響樂團是美國頂尖交響樂團之一,也是美國「五大」交響樂團的成員。芝加哥交響樂團的銅管樂部門備受推崇。在本次排名之時,該樂團由丹尼爾・巴倫波因領導。如今則由著名指揮里卡多・慕提執棒。

它於 1891 年由西奧多・托馬斯創立。樂團成員在芝加哥的管弦樂廳聚首,並在拉維尼亞音樂節期間進行夏季演出。它最初名為「芝加哥管弦樂團」,1913 年更名為芝加哥交響樂團。歷任音樂總監包括德西雷・德富、阿圖爾・羅津斯基、拉斐爾・庫貝利克、弗里茨・萊納、讓・馬蒂農、格奧爾格・西爾蒂以及丹尼爾・巴倫博伊姆。

芝加哥交響樂團於 1925 年首次在電臺進行廣播。直至今日,它每年在其位於市區的駐地 —— 交響樂中心,以及芝加哥北岸的拉維尼亞音樂節,演出超過一百場音樂會。

芝加哥交響樂團現任音樂總監里卡多・慕提,已從美國國家錄音藝術科學學院獲得六十二座葛萊美獎。

 

4 Boston Symphony

基礎薪資 $153,400

Boston Symphony Orchestra is one of the Big-Five orchestras in the U.S, also the second oldest among the Big-Five. It was founded by Henry Lee Higginson in 1881.

It primarily performs in the Symphony Hall Tanglewood in Boston. Since its establishment, it has had 17 different music directors including George Henschel, Serge Koussevitzky, Henri Rabaud, Erich Leinsdorf, and William Steinberg. The current music director is Andris Nelsons.

It was also the first orchestras to perform live on the radio (NBC, 1926), along with presenting more than 250 concerts annually. Its live performances have reached masses through the internet, radio, television, and educational programs.

As claimed by BSO, its official website is one of the most-visited orchestral websites in the world, with 7 million visitors annually.

Visit https://www.bso.org/ to learn more about their upcoming performances.

波士頓交響樂團是美國五大交響樂團之一,也是五大樂團中歷史第二悠久的樂團。它由亨利·李·希金森 (Henry Lee Higginson) 於 1881 年創立。

樂團主要在波士頓的坦格伍德交響樂廳演出。自成立以來,樂團曾有 17 位音樂總監,包括喬治·亨舍爾、謝爾蓋·庫塞維茨基、亨利·拉博德、埃里希·萊因斯多夫、威廉·斯坦伯格等。現任音樂總監為安德里斯·尼爾森斯 (Andris Nelsons)。

它也是第一個在電台進行現場表演的管弦樂團(NBC,1926 年),每年舉辦 250 多場音樂會。它的現場表演透過網路、廣播、電視和教育節目傳播給大眾。

BSO稱,其官方網站是全球訪問量最大的管弦樂網站之一,每年有700萬人次造訪。

 

5 New York Philharmonic

基礎薪資 $147,550

New York Philharmonic, officially called Philharmonic-Symphony Society of New York, Inc. is the oldest orchestra in the U.S. Established in 1842 by the American conductor Ureli Corelli Hill, with the aid of the Irish composer William Vincent Wallace.

Each season, the New York Philharmonic connects with over 50 million music lovers around the world through worldwide tours, residencies, digital recordings, and live broadcasts. It is also the first American orchestra to perform in North Korea. New York Philharmonic performed in Pyongyang on February 26, 2008, upon an invitation from the North Korean Government.

Some of the renowned music directors who have worked with New York Phil include Ureli Corelli, Theodore Eisfeld, Carl Bergmann, Leopold Damrosch, Theodore Thomas, Adolf Neuendoriff, Emil Paur, Wassily Safonoff, Gustav Mahler, Leopold Stokowski, and Zubin Mehta. The current music director of New York Phil is Jaap Van Zweden active since 2018.

Visit https://nyphil.org/ to learn more about their upcoming performances.

紐約愛樂樂團,正式名稱為紐約愛樂交響樂團,是美國最古老的管弦樂團,由美國指揮家烏雷利·科雷利·希爾在愛爾蘭作曲家威廉·文森特·華萊士的幫助下於 1842 年創立。

每個演出季,紐約愛樂樂團透過全球巡迴演出、駐場演出、數位錄音和現場直播與全球超過 5,000 萬音樂愛好者建立聯繫。這也是第一個在北韓演出的美國管弦樂團。應北韓政府的邀請,紐約愛樂樂團於2008年2月26日在平壤演出。

曾與紐約愛樂樂團合作過的著名音樂總監包括烏雷利·科雷利、西奧多·艾斯菲爾德、卡爾·伯格曼、利奧波德·達姆羅施、西奧多·托馬斯、阿道夫·諾伊恩多里夫、埃米爾·保爾、瓦西里·薩豐諾夫、古斯塔夫·馬勒、利奧波德·梅達·祖塔和祖倫科。紐約愛樂樂團現任音樂總監是范志登 (Jaap Van Zweden),自 2018 年起。下任總監為杜達美。

 

6 National Symphony Orchestra

基本薪資 $143,208

The National Symphony Orchestra (NSO) is an American symphony orchestra based in Washington, D.C. It was founded in 1930 and has been performing at the John F. Kennedy Center for the Performing Arts.

NSO is home to over 100 musicians. They perform a 52-week season of approximately 175 concerts each year. They regularly participate in events of national and global importance including ceremonial state affairs, presidential inaugurations, and holiday celebrations. The annual National Memorial Day Concert in May and A Capitol Fourth concerts on 4 July are two of the highlights of NSO.

Visit https://www.kennedy-center.org/nso/home/ to learn more about their upcoming performances.

國家交響樂團(NSO)是一家總部位於華盛頓特區的美國交響樂團,成立於1930年,一直在約翰甘迺迪表演藝術中心演出。

NSO 擁有 100 多位音樂家。他們每年演出季持續 52 週,共舉辦約 175 場音樂會。他們定期參與國家和全球重要活動,包括國事禮儀、總統就職典禮和節慶慶祝活動。每年 5 月舉行的國家陣亡將士紀念日音樂會和 7 月 4 日舉行的國會第四場音樂會是 NSO 的兩大亮點。

 

7 MET Orchestra

基礎薪資$135,328.36

You must have heard about MET Gala, we hope you are familiar with MET Orchestra as well.

MET Orchestra is one of the world’s great performing ensembles who have performed more than 200 concerts each season. They are known for their performance both on stage and in the opera pit.

It was founded in 1883. Since then, MET Orchestra’s performances have performed entire opera repertoire, symphonic and chamber programs at Carnegie Hall, international tours, and countless musician activities outside of MET Opera House.

Visit https://www.metorchestramusicians.org/ to learn more about their upcoming performances. 

大都會歌劇院管弦樂團是世界上最偉大的表演單位之一,每季演出超過 200 場音樂會。他們因在舞台上和歌劇場中的出色表演而聞名。

它成立於1883年,成立至今,大都會歌劇院管弦樂團的演出包括在卡耐基音樂廳演奏整個歌劇曲目、交響樂和室內樂節目、進行國際巡演以及大都會歌劇院外無數的音樂家活動。

 

8 Cleveland Orchestra

基礎薪資 $135,096

The Cleveland Orchestra is one of the “Big 5” orchestras in the US. It was founded in 1918 by the pianist and impresario Adella Prentiss Hughes. It has remained the primary venue to witness one of the best classical and contemporary compositions in the U.S. The orchestra plays most of its concerts at Severance Hall.

Franz Welser-Möst has led the Cleveland Orchestra since 2002. They often make extensive tours across the U.S. and abroad. Known for their artistic excellence, concert programming, and community engagement, they have a proud history of giving back to the community. They share the joy of music throughout Northeast Ohio via education and community programs that date back to its founding in 1918.

In 2012 Gramophone Magazine ranked the Cleveland Orchestra 7th on its list of the world’s greatest orchestras, and The New York Times referred to the orchestra in 2018 as “America’s most understatedly amazing orchestra.

It has seen the tenure of some of the greatest Music directors including Nikoloi Sokoloff, Artue Rodzinski, Erich Leinsdorf, George Szell, Pierre Boulez, Lorin Maazel, Christoph von Dohnanyi, and Franz Welser-Most.

Visit https://www.clevelandorchestra.com/ to learn more about their upcoming performances.

克里夫蘭管弦樂團是美國「五大」管弦樂團之一。該樂團由鋼琴家兼經理人阿德拉·普倫蒂斯·休斯 (Adella Prentiss Hughes) 於 1918 年創立。它一直是見證美國最佳古典和當代作品的主要場所。

弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特自 2002 年起擔任克利夫蘭管弦樂團指揮。他們以其藝術卓越性、音樂會節目安排和社區參與而聞名,擁有回饋社區的光榮歷史。他們透過自 1918 年成立以來的教育和社區項目,在俄亥俄州東北部分享音樂的快樂。

2012 年《留聲機》雜誌將克利夫蘭管弦樂團評選為世界最偉大管弦樂團第七位,2018 年《紐約時報》將該樂團稱為「美國最低調的令人驚嘆的管弦樂團」。

它見證了許多最偉大的音樂總監的任期,包括尼科洛夫、阿圖埃·羅津斯基、埃里希·萊因斯多夫、喬治·塞爾、皮埃爾·布列茲、洛林·馬澤爾、克里斯托夫·馮·多納尼和弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特。

9 Philadelphia Orchestra

基礎薪資 $137,800

Philly Orchestra is the youngest among the Big-5 Orchestra in the US. It was founded in 2001. They solely based in Philadelphia, Pennsylvania. They perform at the Kimmel Center for the Performing Arts. They perform subscription concerns at Verizon Hall amounting to over 130 concerts annually.

YANNICK NÉZET-SÉGUIN is the current music director with STÉPHANE DENÈVE as principal guest conductor, and GABRIELA LENA FRANK as composer-in-residence.

They filed for bankruptcy in 2011 which dramatically cut the musicians’ pay. Prior to the bankruptcy, the orchestra was one of the highest-paid in the country. In recent years, the orchestra and the musicians negotiated and settled for a raise of 2%.

Visit http://www.philorch.org/ to learn more about their upcoming performances.

Get in touch with Rick Perdian to learn more about the essentials of orchestras management.

 

費城交響樂團是美國五大交響樂團中最年輕的樂團。該公司成立於 2001 年,總部位於賓夕法尼亞州費城。他們在金梅爾表演藝術中心演出。他們每年在 Verizon Hall 舉辦超過 130 場音樂會。

現任音樂總監為雅尼克‧涅澤特-塞金 (YANNICK NÉZET-SÉGUIN),首席客座指揮為史蒂芬‧德內夫 (STÉPHANE DENÈVE),駐團作曲家為加布里埃拉‧萊娜‧弗蘭克 (GABRIELA LENA FRANK)。

他們在 2011 年申請破產,導致音樂家的收入大幅削減。在破產之前,該樂團是全國薪水最高的樂團之一。近年來,樂團與演奏員們經過協商,達成加薪2%的協議。


 

波士頓交響樂團(Boston Symphony Orchestra)

 

波士頓交響樂團(Boston Symphony Orchestra, BSO)是美國歷史最悠久、最具聲望的交響樂團之一,也是過去美國知名「老五大」管弦樂團之一。

🏅 榮譽與聲望

  • BSO是“美國五大樂團(Big Five)”之一。

  • 在古典音樂界享有極高聲望,特別以德奧曲目、法國印象派、20世紀作品見長。

  • 錄音、教育與演出影響遍及全球。

 

官方網站

 

樂團檔案室 - 照片區

 

樂團引以爲傲的樂譜資料庫

 

2025-26樂季節目.活動陸續公告🌟

 

波士頓交響樂團:城市靈魂的代表樂章

波士頓交響樂團(Boston Symphony Orchestra, BSO)自1881年創立至今,已成為全球最具聲望的交響樂團之一,不僅是波士頓這座城市的文化象徵,更是美國古典音樂發展史中不可或缺的核心力量。它的足跡跨越三個世紀,在藝術風格、教育傳承與音樂創新之間持續演進,塑造出獨特且深厚的音樂風貌。

一段理想主義的啟程

🌟 創立與早期發展(1881–1900)

波士頓交響樂團成立於 1881年,由富有的音樂愛好者與贊助人亨利·李·希金森(Henry Lee Higginson) 所創辦。

 

樂團的創建緣起於十九世紀末期美國文化自覺的浪潮中。1881年秋,銀行家暨退伍軍人 亨利·李·希金森(Henry Lee Higginson) 出於對歐洲古典音樂的熱愛,立志在波士頓建立一支能與歐洲一流樂團比肩的音樂團體。雖非職業音樂家,希金森卻具備敏銳的藝術品味與非凡的行政遠見,成功邀請英國音樂家喬治·亨施爾(George Henschel)擔任首任音樂總監,自此揭開BSO的序幕。

初期的BSO受德奧音樂傳統深深影響。在隨後幾位總監——包括威廉·格瑞克、阿圖爾·尼基施與卡爾·穆克——的帶領下,樂團的演出風格朝向嚴謹、精緻、重視結構與表現張力的方向發展,為其奠定了深厚的專業基礎與藝術聲望。

這段時期確立了BSO精緻細膩的歐洲式音色和演奏風格。

  • 首演:1881年10月22日,在波士頓音樂廳(Boston Music Hall)舉行。

  • 首任指揮喬治·亨施爾(George Henschel),同時也是一位聲樂家和作曲家。

  • 在早期數十年,BSO由多位歐洲指揮家領導,如:

    • 威廉·格瑞克(Wilhelm Gericke)

    • 阿圖爾·尼基施(Arthur Nikisch)

    • 卡爾·穆克(Karl Muck)

 

堂奧之地:交響樂廳的聲音奇蹟

🎼 成熟期與音樂殿堂的建立(1900–1930)

1900年,波士頓交響樂團正式遷入由 McKim, Mead & White 事務所設計的交響樂廳(Boston Symphony Hall)。該建築由聲學專家華萊士·薩賓(Wallace Sabine)操刀音響設計,是美國第一座以科學聲學原理建造的音樂廳。至今,Symphony Hall仍被譽為全球音響表現最佳的音樂場館之一,為BSO提供了極為理想的演出與錄音條件。

  • 1900年代,樂團持續壯大,並於 1900年首次在卡內基音樂廳演出

  • 1900–1906年:卡爾·穆克任音樂總監,推崇瓦格納、布魯克納等德奧作品。

  • 1900年起建立了自己的管弦樂圖書館,保存了大量珍貴樂譜和首演資料。

跨世代的藝術轉捩點

🎵 卡塞爾與庫塞維茲基時期(1920–1950)

1924年起,指揮家庫塞維茲基(Serge Koussevitzky)擔任音樂總監,為BSO開啟了現代化的新時代。庫塞維茲基不僅積極引進歐洲現代音樂,更委託多位美國本土作曲家創作新作,提倡當代音樂發展。他的領導時期,不僅使BSO首次與柯普蘭、哈里斯、巴伯等美國作曲家建立密切關係,也為樂團樹立其作為「美國聲音實驗室」的重要角色。

1937年,他創立了「壇格塢音樂中心」(Tanglewood Music Center),作為BSO的夏季駐地與教育平台,致力於培養年輕音樂人才。該中心歷年來培育出包括倫納德·伯恩斯坦與約翰·威廉斯在內的眾多優秀指揮與作曲家,成為美國音樂教育的重要堡壘。

https://www.youtube.com/watch?v=QO9UhZ753JY

  • 1924年,俄裔指揮家 庫塞維茲基(Serge Koussevitzky) 接任音樂總監,領導樂團長達25年(至1949年)。

Conductor Serge Koussevitzky.

 

  • 他引進大量20世紀現代作品,包括:

    • 史特拉汶斯基、拉威爾、巴托克、普羅高菲夫等作曲家。

  • 他也是支持美國作曲家的重要人物,曾委託創作作品給:

    • 亞倫·柯普蘭(Aaron Copland)

    • 羅伊·哈里斯(Roy Harris)

    • 塞繆爾·巴伯(Samuel Barber)

 

📻 廣播與唱片

  • 1930年代起,BSO進行廣播轉播,並與 RCA、Decca 錄製唱片,逐漸拓展全球影響力。

國際化與多元風格的推進

🎶 現代轉型與世界地位(1950–至今)

🎼 查爾斯·孟許(Charles Munch, 1949–1962)

 

  • 以詮釋法國作品見長,帶來一種更輕盈明亮的風格。

  • 大力推廣白里奧與德布西、拉威爾等作曲家。

自1950年代以來,BSO持續拓展其曲目範疇與國際影響力。查爾斯·明希(Charles Munch)任內,樂團融入法國印象派作品,呈現出更為流動與細膩的聲音層次。其後的指揮家,包括埃里希·萊因斯多夫、威廉·斯坦伯格與安德烈·普雷文等人,皆為樂團注入新風格與現代曲目的探索。

🎼 小澤征爾(Seiji Ozawa, 1973–2002)

Seiji Ozawa conducts the Boston Symphony Orchestra, ca. 1983. Photo by Akira Kinoshita.

 

  • 任期長達近30年,是波士頓任期歷史最長的BSO音樂總監。

  • 強調國際交流與多元化曲目,也讓BSO進一步走向世界舞台。

  • 期間錄製大量唱片,包括與 DG、Philips、Sony 合作。

1973年起,來自日本的小澤征爾(Seiji Ozawa)接掌指揮棒,開啟長達29年的任期,為BSO歷史上任職最久的音樂總監。他大力推動亞洲與世界音樂的交流,並擴大樂團的現代曲目,包含馬勒、德布西、武滿徹等作曲家作品。他與BSO合作錄製的大量唱片至今仍為收藏家與評論界所推崇。

https://www.youtube.com/watch?v=1qYz1GJ8BgA

https://www.youtube.com/watch?v=UsndsTIwM_M

BSO - A Tribute to Seiji Ozawa

https://www.youtube.com/watch?v=XNEnHZoul6s

🎼 詹姆斯·李汶(James Levine, 2004–2011)

  • 深耕歌劇與20世紀音樂,並延續高品質演奏水準。

 

當代轉型與國際榮耀

🎼 安德里斯·尼爾森斯(Andris Nelsons, 2014–至今)

 

  • 來自拉脫維亞的指揮家,年輕有活力。

  • 持續推廣布魯克納與沙爾霍夫(Shostakovich)作品。

  • 帶領BSO贏得多個葛萊美獎,包括沙爾霍夫交響曲全集計畫。

 

2014年,拉脫維亞指揮家安德里斯·尼爾森斯(Andris Nelsons)接任音樂總監,以其熱情洋溢的演繹與對作品內涵的深刻理解,迅速贏得國際樂壇關注。他與BSO合作完成的德米特里·沙爾霍夫(Shostakovich)交響曲全集獲得多項葛萊美獎肯定,再度確立樂團於全球樂壇的指標性地位。

尼爾森斯強調音樂中的歷史記憶與當代連結,使BSO的聲音不僅兼具藝術價值,更展現文化與時代對話的力量。

波士頓交響樂團 Facebook 網頁

樂團的意義超越音符

波士頓交響樂團的地位,遠超過音樂層面。它代表波士頓這座城市對美學與文化的長期堅持,也體現了美國在藝術實踐上的成熟與自信。從樂季演出、教育推廣,到社區參與與國際巡演,BSO始終扮演著橋樑的角色,讓古典音樂走出殿堂,進入更廣大的公共領域。

在全球化與快速變遷的今日,BSO以穩健而深遠的聲音告訴世人:藝術並非過去的遺產,而是當下精神的火焰,是未來願景的映照。正如希金森當年所夢想的那般,音樂不只是技藝的展示,更是心靈的凝視與文明的雋永之聲。

Symphony Hall is the home of Boston Symphony Orchestra.

 

波士頓交響樂團 Youtube 頻道

 

🎻 相關組織與影響力

Tanglewood 音樂中心

  • BSO的夏季基地,位於麻薩諸塞州伯克郡(Berkshires)的 Tanglewood

  • 每年夏天舉辦音樂節與教育活動。

  • 培養出無數音樂人才,如倫納德·伯恩斯坦(Leonard Bernstein)等

 

https://www.youtube.com/watch?v=Vmfgsc14iSM

 

波士頓流行樂團(Boston Pops Orchestra)

  • 由BSO音樂家組成,專門演出輕音樂、電影配樂與美國歌曲。

  • 由亞瑟·費德勒(Arthur Fiedler)創立,深受大眾喜愛。


電影配樂傳奇人物:約翰威廉斯

與壇格塢音樂中心的深厚緣分

約翰·威廉斯(John Williams)在壇格塢音樂中心(Tanglewood Music Center)的歷史與地位堪稱舉足輕重,既是學子,也是傳承者,最終成為美國音樂文化的重要象徵之一。

以下是他的歷程與影響:

🎼 初識壇格塢:從學生到藝術夥伴

約翰·威廉斯於20世紀50年代曾在壇格塢音樂中心學習指揮,當時該中心由波士頓交響樂團(BSO)運營,是美國最重要的古典音樂夏季教育機構。威廉斯在此接受了嚴格的古典音樂訓練,這段時期對他後來的作曲技法與交響風格有深遠影響。

壇格塢音樂中心不僅塑造了他的音樂語彙,也讓他與BSO建立了長期而深厚的關係,為未來的合作鋪下道路。

👨‍🎤 與BSO的深度合作:一線電影作曲家與古典樂團的對話

作為《星際大戰》、《印第安納瓊斯》、《哈利波特》等無數經典電影原聲帶的作曲家,威廉斯的音樂橫跨流行與古典,深具敘事力與交響性。他與BSO及其附屬的波士頓流行樂團(Boston Pops)長期合作,自1980年起擔任後者的首席指揮,並於1993年卸任後成為榮譽指揮。

在壇格塢的音樂節上,威廉斯經常指揮自己作品的現場演出,如電影配樂音樂會、交響改編版等,吸引大量跨世代觀眾,也為壇格塢帶來更廣泛的文化觸角。

🏛️ 象徵意義:跨界音樂教育的橋梁

威廉斯在壇格塢的地位不僅是一位名人的偶爾現身,而是一位長期貢獻者與精神導師。他的存在讓壇格塢成為少數兼容電影音樂與純古典創作的場域,展現音樂教育不需侷限於傳統語彙。

此外,他經常鼓勵年輕作曲家擁抱多元音樂形式,成為壇格塢培養現代音樂人才不可或缺的一環。透過他,坦格塢不僅傳承古典傳統,也與當代大眾文化保持對話。

✨ 小結:一段相互成就的旅程

從年輕時的受訓學生,到全球最受尊敬的作曲家之一,約翰·威廉斯與壇格塢音樂中心之間的關係,是一段跨越70餘年的音樂對話。他不僅延續了壇格塢的精神,也讓這片麻州山谷的夏日夜晚,響起銀幕之外更深遠的人文樂章。

 

https://www.youtube.com/watch?v=E3n4vWjElHs

 

約翰·威廉斯生平與職業發展

早年與教育(1932–1956)

約翰·威廉斯出生於音樂世家,父親約翰·F·威廉斯(John F. Williams)是一名爵士鼓手,曾在雷蒙·斯科特(Raymond Scott)樂團中演奏。他在幼年時期便開始學習鋼琴、單簧管、長號與小號。

1948年,威廉斯一家搬至洛杉磯,他進入北好萊塢高中(North Hollywood High School),畢業後進入加州大學洛杉磯分校(UCLA)學習作曲,師從意大利作曲家馬里奧·卡斯特爾努奧沃-泰代斯科(Mario Castelnuovo-Tedesco)。

1952年,他加入美國空軍,在軍中負責指揮樂隊與編曲。退役後,他進入茱莉亞音樂學院(Juilliard School)深造,師從著名鋼琴家羅莎琳·圖雷克(Rosalyn Tureck)。在紐約期間,他曾在爵士樂隊擔任鋼琴手,這段經歷使他對作曲的配器與和聲有更深入的理解。

 

作曲家介紹

https://youtu.be/skh9N2UH1Fo

 

好萊塢早期生涯(1956–1974)

1956年,威廉斯返回洛杉磯,成為20世紀福斯影業(20th Century Fox)的管弦樂編曲師,參與影視劇配樂製作,並與著名作曲家阿爾弗雷德·紐曼(Alfred Newman)、伯納德·赫爾曼(Bernard Herrmann)及亨利·曼西尼(Henry Mancini)等人合作。

1960年代,他開始為影視作品創作完整配樂,早期作品包括:

   •   迷霧森林十八年(Valley of the Dolls, 1967)

   •   詹姆士·加納的偉大逃亡(The Reivers, 1969,獲奧斯卡提名)

1972年,他為海神號遇險記(The Poseidon Adventure)創作配樂,開始嶄露頭角。

https://www.youtube.com/watch?v=Ixg79BbWthk

 

與史蒂芬·史匹柏及喬治·盧卡斯的合作(1975–至今)

威廉斯在1974年與導演史蒂芬·史匹柏(Steven Spielberg)合作,先為《橫衝直撞大逃亡》(The Sugarland Express)配樂,兩人從此建立長期合作關係。1975年,他為《大白鯊》(Jaws)創作了震撼人心的雙音符主題(低音F-F#),該配樂獲得奧斯卡最佳原創音樂獎,確立其在電影音樂界的地位。

https://www.youtube.com/watch?v=BQKLJ2MuHvY

 

此後,他與史匹柏及盧卡斯合作了一系列經典電影:

   •   印第安納瓊斯系列(Indiana Jones, 1981–2023)

   •   E.T.外星人(1982)

   •   侏羅紀公園(1993)

   •   辛德勒的名單(1993)

 

史蒂芬史匹伯讚美約翰威廉斯(E.T 配樂創作珍貴紀錄)

https://youtu.be/tJY5l6I253c

 

https://www.youtube.com/watch?v=j7pCf38yLak

 

https://www.youtube.com/watch?v=a0zG8GR9gWk

 

https://www.youtube.com/watch?v=_wN72pvEqaw


【BON話題】2022年留聲機雜誌「全球最佳管弦樂團投票」(網頁+推薦錄音)

你心中的No.1是哪一團呢?趕緊去投票吧❤️

2022全球最佳管弦樂團投票」又開始囉~(點按照片進入網頁最下方,開始投票)

 

入圍2022年全球十大管弦樂團的有:

巴伐利亞國立管弦樂團  Bayerisches Staatsorchester (Germany)

布達佩斯節慶管弦樂團 Budapest Festival Orchestra (Hungary)

捷克愛樂 Czech Philharmonic (Czech Republic)

哈雷管絃樂團 The Hallé (UK)

世紀交響樂團 Les Siècles (France)

馬勒室內交響樂團 Mahler Chamber Orchestra (Europe)

奧斯陸愛樂 Oslo Philharmonic (Norway)

匹茲堡交響樂團 Pittsburgh Symphony Orchestra (USA)

倫敦小交響樂團 Sinfonia of London (UK)

維也納愛樂 Vienna Philharmonic (Austria)


2023年留聲機雜誌主辦的「十大交響樂團」🎉

Vote for Gramophone's Orchestra of the Year 2023

本次入圍的「十大交響樂團」,你最喜歡的是哪一團呢?😉

  • BBC愛樂 | BBC Philharmonic (UK)

  • 柏林愛樂 | Berliner Philharmoniker (Germany)

  • 芝加哥交響樂團 | Chicago Symphony Orchestra (USA)

  • 國家古樂合奏團 | Le Concert des Nations (Spain)

  • 丹麥國家交響樂團 | Danish National Symphony Orchestra (Denmark)

  • 布萊梅德意志室內愛樂樂團 | Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Germany)

  • 芬蘭廣播交響樂團 | Finnish Radio Symphony Orchestra (Finland)

  • 倫敦愛樂交響樂團 | London Philharmonic Orchestra (UK)

  • 法國巴黎管弦樂團 | Orchestre de Paris (France)

  • 美國國家交響樂團 | National Symphony Orchestra (USA)

 

2024年留聲機雜誌再次舉辦最佳管弦樂團投票

共有六個樂團入圍獲得提名:

Bavarian Radio Symphony Orchestra

Czech Philharmonic

Les Talens Lyriques

Orchestre Philharmonique de Radio France

Pittsburgh Symphony Orchestra

Sinfonia of London

 

經過重重考驗,最終投票結果揭曉:

獲獎的樂團是...

捷克愛樂!

 

這支扎根深厚歷史,放眼全現代的樂團,由拜區可夫(Semyon Bychkov)領軍,先前我於萊比錫馬勒音樂節現場欣賞過,真的非常具有感染力~是名符其實的超級樂團❤️


【BON精彩 - 樂評眼中的全球最棒樂團】

在專業樂評人眼中,全球最傑出的管弦樂團到底排名如何?(2023年)

以下是前十大最傑出的專業排名,讓我們來一探究竟:

第一名與第二名,跟筆者心中排名一模一樣,毫無懸念:柏林愛樂與維也納愛樂。

老實說,從第三名開始,才是各樂團真正的戰場XD

第三名由巴伐利亞廣播交響樂團獲得,相當不容易!

而第四名也不意外,皇家大會堂管弦樂團~

第五名是今天的主題樂團:芝加哥交響樂團,也是北美第一!

第六名起,依序為:

克里夫蘭交響樂團

倫敦交響樂團

布達佩斯節慶管弦樂團

萊比錫布商大廈管弦樂團

洛杉磯愛樂

 

如何?專業樂評人眼中的2023年全球十大管弦樂團,符合您的期待


【BON話題 - 以收入論管弦樂團之經營】

Top 20 orchestras in the U.S. by revenue

在美國,大多數管弦樂團都是作為非營利組織運營,因此要了解樂團真實營運狀況,只能透過國稅局的 IRS990 表格資料事後分析。下方照片為 2017/2018 年度,美國職業管弦樂團收入由高而低排序,以及分布全國區域與城市圖示:

 

具體樂團收入總額與排序,如下表

  1. Los Angeles Philharmonic: $187M 一億8千7百萬!
  2. Philadelphia Orchestra: $99M 9千9百萬
  3. Boston Symphony Orchestra: $96M 9千6百萬
  4. San Francisco Symphony Orchestra: $94M 9千4百萬
  5. New York Philharmonic: $86M
  6. Chicago Symphony Orchestra: $82M
  7. Cleveland Orchestra: $62M
  8. Cincinnati Symphony Orchestra: $43M
  9. Detroit Symphony Orchestra: $41M
  10. Minnesota Orchestra: $37M
  11. Pittsburgh Symphony Orchestra: $37M
  12. Dallas Symphony Orchestra: $35M
  13. Seattle Symphony Orchestra: $33M
  14. Saint Louis Symphony Orchestra: $32M
  15. Houston Symphony Orchestra: $30M
  16. San Diego Symphony Orchestra: $26M
  17. Baltimore Symphony Orchestra: $23M
  18. Milwaukee Symphony Orchestra: $19M
  19. Buffalo Philharmonic Orchestra: $15M
  20. New Jersey Symphony Orchestra: $13M

 

由數據可以進一步了解

東海岸(6)與中西部(7)、(8)、(9),筆者簡稱「外雙C」,是在高收入團排序之後,明顯反映出管弦樂團平均高收入的位置區域。

 

資料中明顯遺漏的優秀樂團包括:

大都會歌劇院—因為他們並不專注於管弦樂項目,以歌劇為主

亞特蘭大交響樂團——他們隸屬於伍德拉夫藝術中心(Woodruff Arts Center)的一部分,該中心也不專注於管弦樂項目。

華盛頓特區國家交響樂團— 因為隸屬於甘迺迪藝術中心的一部分,而甘迺迪藝術中心也不專注於管弦樂項目。

 

就這些管弦樂團所在的大都會地區而言,它們代表了 55% 的人口和 64% 的 GDP。

在 GPD 排名的前 20 個大都會區中,只有 5 個沒有進入前 20 名的管弦樂團:華盛頓特區。 (有國家交響樂團)、亞特蘭大(有亞特蘭大交響樂團)、邁阿密、聖荷西、鳳凰城、丹佛和聖貝納迪諾(San Bernardino)。

 

美國前20名管弦樂團的平均收入、支出和淨收入:

 

收入💵

平均收入為 5,400 萬美元,最高為洛杉磯,收入為 1.87 億美元。

收入最低的是水牛城愛樂樂團與新澤西交響樂團收入最低,為 1,500萬 - 1,300 萬美元。

 

費用💸

平均每個管弦樂團花費 4,900 萬美元。

洛杉磯愛樂樂團總花費為 1.59 億美元,水牛城愛樂樂團花費 1,300 萬美元。

 

淨收入💰

平均而言,管弦樂團的收入為 500 萬美元,收入/支出比率為 9%。

費城交響樂團的淨收入最高,為 4700 萬美元(得益於慷慨的捐贈),而波士頓交響樂團的業績最差,為 -1400 萬美元。

 

門票收入🎫

這些管弦樂團平均從門票中賺取 1,800 萬美元,佔其總收入的 34%。

洛杉磯愛樂樂團的比例最高,其50%的收入都來自門票。

值得一提的是西雅圖交響樂團(48%)、波士頓交響樂團(42%)和芝加哥交響樂團(38%)。

 

薪資💵

該組的平均樂團薪資支出為 2,600 萬美元,佔總支出的 53%。薪資佔門票收入的140%。

 

結論:經營管弦樂團,需要捐款XD。

 


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【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(四):「最美的日出」~談拉威爾之精彩芭蕾音樂

【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(四):「最美的日出」~談拉威爾之精彩芭蕾音樂
Miaobei Art Center X BONART 2025-1-4

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


課程主軸:

「法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題」系列課程✨

1875年法國誕生了劃時代的巨匠~拉威爾。

拉威爾的音樂生涯起步於對鋼琴的喜愛,自幼苦學,帶著滿腔熱忱踏入巴黎音樂學院,一心鑽研作曲技法,即便屢次與羅馬大獎擦肩而過,也未曾消磨他的才華與鬥志;反而,挫折成了助力~催生出更具深度的音樂感悟。

時光荏苒,拉威爾的音樂串起過去與今朝,是聆聽的盛宴;

在2025年全球紀念緬懷這位偉大作曲家 150 週年誕辰之際,拉威爾的經典旋律依舊在歲月中熠熠生輝,感動人心。

 

苗北藝術學苑 - 課程詳細資訊

114-1苗北講堂

相關附件 - 114-1苗北講堂DM.pdf

時間 _ 2025-03-02~2025-04-27
地點 _ 視聽中心
限額 _ 12/100
指導單位 _ 苗栗縣政府
主辦單位 _ 苗栗縣苗北藝文中心
協辦單位 _ 苗栗縣政府文化觀光局
※單堂報名:$ 150
※套票5堂:$ 525※請優先使用官網線上報名系統(信用卡、匯款、臨櫃現金繳費)。
※紙本報名請下載印出報名表,並繳交至苗北藝文中心1樓服務台(匯款、臨櫃現金繳費)。

授課教師 _ 林仁斌(超人氣古典音樂欣賞名家、蹦藝術執行長)

一、因應現行防疫規範,學員上課均需全程配戴口罩;並遵守本中心防疫措施相關規定,違反規定將無法入場上課。

二、課程相關事宜洽詢:活動企劃部曾小姐037-612669轉511/cctseng@miaobeiac.org

主講人|林仁斌

蹦藝術 | BONART 執行長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

竭誠歡迎您的參與~一起享受音樂與藝術之美💕


課程4: 「最美的日出」~談拉威爾之精彩芭蕾音樂

時間 _ 2025-04-20 ( 日 ) 10:00
地點 _ B1 視聽室

本場演講,林仁斌老師將為您介紹拉威爾人生中唯一為芭蕾舞劇創作的音樂,後來被改編為兩套管弦樂組曲~《達夫尼與克羅埃》。這部作品具有獨特的音樂風格與生動的音樂形象,並包含了強烈的情感表達與高超的演奏技巧。拉威爾在創作中運用了豐富的元素,音樂蘊含著豐富的情感,包括愛情、喜悅、悲傷等,炫技的演奏更成為全球管弦樂團的最愛。

欣賞曲目:
《達夫尼與克羅埃》音樂组曲
〈展覽會之畫〉拉威爾配器版


法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937

法國作曲家:拉威爾(Maurice Ravel, 1875–1937)

 

拉威爾(Maurice Ravel,1875—1937)是近代與德布西並列的偉大作曲家,他的音樂風格精緻動人,充滿特色,猶如一幅融合古典與現代、傳統與創新的絢麗畫卷;其作品在和聲、節奏、配器以及樂曲結構與創新,均有獨特創見,更對 20 世紀音樂發展影響深遠。

 

《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé)第2號管弦組曲 – 音樂史上最美的日出

法國畫家 Louis Hersent (1777-1860)所繪之"Daphnis et Chloé",布面油畫,收藏於 Musée du Louvre, Paris - Oil on canvas, 140 x 175 cm
法國畫家 Louis Hersent (1777-1860)所繪之”Daphnis et Chloé”,布面油畫,收藏於 Musée du Louvre, Paris – Oil on canvas, 140 x 175 cm

 

法國印象樂派在德布西與拉威爾兩大巨匠生花妙筆之下,儼然成為近代音樂史上最為璀璨並具有代表性的音樂風格,雖然他倆人皆不愛被稱為「印象」,但無可否認地,無論是德布西受詩人馬拉梅啟發而譜寫的牧神、或是拉威爾以希臘神話中的金童玉女達夫尼與克羅埃而寫作的芭蕾舞劇,都讓人聽來不僅心醉神馳,彷彿居在夢幻國度之中~

 

《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé)第2號管弦組曲 – 音樂史上最美的日出

 

莫里斯·拉威爾(Maurice Ravel, 1875-1937)—擁有瑞士和西班牙巴斯克(Basque)血統的法國作曲家,音樂史上公認的管弦樂配器大師、色彩大師。

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

延伸閱讀

【BON音樂】探索法國作曲家拉威爾的一生與蹦藝術介紹 | All about Maurice Ravel & BONART

 

法國作曲家:拉威爾(Maurice Ravel, 1875–1937)

 

拉威爾唯一的一部的芭蕾舞劇音樂《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé),應當時風靡歐洲的俄羅斯芭蕾舞團團長迪亞吉列夫之邀,費時3年完成於1912年。

當時由俄羅斯赴法國發展的史特拉汶斯基,已創作出「火鳥」與「彼得洛希卡」兩部現代芭蕾舞劇音樂,廣受好評而被視為20世紀明日之星;在如此具有高度期待之下,只可惜拉威爾《達夫尼與克羅伊》首演時其實並沒有獲得全面的好評,後來拉威爾堅信其音樂的美妙,便將全劇音樂改以兩套交響組曲的形式,果然歷史證明拉威爾傑出的管弦樂法與音樂構思,此兩套組曲從而聞名於世。

而《達夫尼與克羅伊》第1號與第2號管弦組曲,其中又以第2號最為知名。

第2號管弦組曲開章的〈日出〉(Lever du jour, 原芭蕾舞劇第三景),生動地描寫神話世界中雨滴露珠,鳥語花香的神妙世界:在拉威爾精妙絕倫的管弦樂法中,全體管弦樂樂器彷彿被施了魔法一般,木管、銅管與全體弦樂、鋼片琴與打擊組交織出的迷幻與絢麗色彩,如沒有親自聽過,絕對無法置信音樂能將人帶入時空變化的神話場景~令聽者目眩神迷!

此曲亦被公認為20世紀最重要的管弦樂作品之一。

拉威爾《達夫尼與克羅伊》第2組曲,全曲包含三段音樂:

1.「日出」(Lever du jour)
2.「無言劇」(Pantomime – Les amours de Pan et Syrinx)
3.「全體之舞」(Danse générale – Bacchanale)

 

I. 日出(Lever du jour)

樂譜版本欣賞

https://youtu.be/Jk0j3CqV5p0

 

巴黎交響樂團與帕沃.賈維

https://www.youtube.com/watch?v=ovfu-5RO278

 

鄭明勳與法國國家廣播交響樂團 - 附合唱版

https://youtu.be/2FXbZJndsCU

 

拉圖指揮柏林愛樂

https://youtu.be/14OM6Ysnk6M

 

超級比一比

葛利格:清晨

樂譜版本

https://www.youtube.com/watch?v=7aLF-1tJgJw

 

布隆許泰德指揮北德廣播交響樂團

https://www.youtube.com/watch?v=RBnTT6rkbK4

 

卑爾根愛樂交響樂團版本

https://www.youtube.com/watch?v=OzWpSLvKHv0&t=480s


II. 無言劇(Pantomime – Les amours de Pan et Syrinx)

柏林愛樂長笛首席帕胡德(Emmanuel Pahud)
柏林愛樂長笛首席帕胡德(Emmanuel Pahud)

柏林愛樂長笛首席帕胡德(Emmanuel Pahud)對於管弦樂獨奏詮釋的美感與說服力,相信筆者不用多作介紹了~今天要跟大家分享帕胡德對於第2號管弦組曲裡的「無言劇」(Pantomime - Les amours de Pan et Syrinx)詳細的詮釋介紹。

讓我們先來欣賞帕胡德與柏林愛樂的精彩 Live' 演奏影片:

https://www.youtube.com/watch?v=zJAATKkQUcw

 

這是長笛獨奏樂譜,大家可以對照帕胡德與柏林愛樂精彩的演奏:

Ravel – "Daphnis et Chloé" Suite No.2  Flute solo paragraph from "Pantomime"
Ravel – "Daphnis et Chloé" Suite No.2  Flute solo paragraph from "Pantomime"

接下來重頭戲上場~帕胡德的教學與示範影片:

https://www.youtube.com/watch?v=-6ephuNKIf0

影片中帕胡德先是親切地說明這段音樂的背景:

劇情中由於 Chloé 被海盜擄走,在潘神(Pan)的動員下成功將 Chloé 拯救回鄉。這段「無言劇」(Pantomime - Les amours de Pan et Syrinx)就是 Daphnis 跳舞想喚醒她,兩人並以這段「無言劇」舞蹈來向潘神與希林克斯的愛情傳說致敬。在這段「無言劇」舞蹈結束之後,全劇就會在眾人舞蹈狂歡的「全體之舞 - 飲醉之舞」(Danse générale - Bacchanale)中熱烈結束。

帕胡德先提出這首曲目是長笛管弦樂作品中最重要的獨奏之一,也是拉威爾的最後一首芭蕾作品,並認為這是拉威爾管弦作品中非常值得一吹的重要經典。

讓我們一點一點跟著帕神的說明看下去:

  • 弱起拍64分音符第一句上行旋律。
    Ravel – "Daphnis et Chloé" Suite No.2  Flute solo paragraph from "Pantomime"
    第一句弱起拍獨奏樂句 | Ravel – "Daphnis et Chloé" Suite No.2  Flute solo paragraph from "Pantomime"

    說明:由於之前和弦所呈示,我們可以知道高音E音應該升高沒問題。不過高音D有些指揮會要求「還原D」,有些則要求演奏「#D」。帕神認為:「你應該做好所有的準備!」(指揮怎麼要求就怎麼演奏~)

     

  • 帕神自己的演奏選擇是:「演奏譜上所寫的」→「還原D」。
  • 你知道嗎?  考柏林愛樂當天,連帕神都吹錯音了~他說這是他當天少數犯的錯誤之一...。然後他笑著說:「在這之後所有的演出與錄音,我再也沒有吹錯這個地方!」。所以重點是:「帶著說服力演奏這個地方,別擔心錯音!」「你也不可能因為還原E或#E而考不上樂團,重點是能夠帶著音樂表情地演奏。」「好的指揮能夠分辨你是"不小心吹錯" 還是 "不了解音樂"~」
  • 由於是芭蕾舞音樂,演奏者應該要盡量以芭蕾舞者的舞姿來想像~假裝自己就是芭蕾編舞者。演奏時即使只是長音,也要充滿音色地前進~音符前進的漸強漸弱,可以像是地球自轉時的明暗面一樣,充滿對比(吼~帕神你有點扯太遠喔~XD)
  • 尊重樂譜上面所設計的節奏。一起看一下這個長笛獨奏段落,樂團的基本節奏:
    樂團節奏 | Ravel – "Daphnis et Chloé" Suite No.2  Flute solo paragraph from "Pantomime" 
    樂團的基本節奏 | Ravel – "Daphnis et Chloé" Suite No.2  Flute solo paragraph from "Pantomime"

     

  • 在每個小節第二拍,是作曲家經常改變和聲之處,需要非常小心地演奏不同和聲的色彩明暗來演奏長音。
  • 注意和聲的變化,拉威爾經常在和聲變化時改變節奏。
  • 影片點按→( 4'19")起,帕胡德以演奏解釋編號178 之前 7小節的和聲變化(請點按前方影片時間軸
  • 影片點按→( 5'09")現在進行到編號178 前3小節,我們進入樂團最特別的和聲段落。

    5'19" 處,帕胡德鮮明的表情說明了這段音樂,演奏者需要以非常明確的音色,像雷射光一樣的變化來處理
    5'19" 處,帕胡德鮮明的表情說明了這段音樂,演奏者需要以非常明確的音色,像雷射光一樣的變化來處理

     

  • 帕胡德說:「仔細看清楚 Ravel的音樂術語 "retenu légèrement"」 (輕輕地漸慢下來),這段的用意就是因為「和聲」的變化所致。而「retenu」(漸漸地),更是代表演奏者應該有充分的時間與空間去營造音樂和弦的音色表情。

    retenu légèrement
    retenu légèrement

     

  •  即使是最輕的音樂表情,也要試著去填滿整個音樂廳!
  •  影片點按→( 5'59")編號178 前3小節,我們一路進行到,樂曲來到最美的和聲(力度ppp),請點時間軸聆聽帕胡德示範之音樂。
    帕胡德詮釋編號178 第1小節的神情
    帕胡德詮釋編號178 第1小節的神情

     

  • 178 第1小節的極弱三個ppp,要以超越你能想像之最遠的想像力來演奏。
  • 演奏此樂段是這麼的美好,也是長笛在管弦樂團獨奏裡最具挑戰性的段落~務必讓你的想像力在既有的節奏與和聲上,盡情地馳騁 。

    帕胡德:節奏是有限的,但想像力是無限的
    帕胡德:節奏是有限的,但想像力是無限的

     

  • 關於節奏:帕胡德說他反而希望指揮在這個段落裡「保持速度與節奏」,不要為了他而漸快外或漸慢。這樣他才能夠在穩定的節奏裡「衝浪」(Surf),因為有了基本的步調,他才能夠在這樣的步調裡找到「自由」。有時候他需要「合作 Work with」,有時則需要「對抗 Work against」(神奇吧~真的是超棒的觀念,果然是帕神啊!)
  • 如果樂團試著為長笛獨奏者「伴奏太多」,那麼許多音樂裡靈巧的感受,許多的 Arabesque音型反而會顯得太「數學化」「公式化」「邏輯化」,音樂就不對了~也許舞者反而會跳舞跳得太方方正正,很彆扭。
  • 這段音樂應該要非常「有彈性」(Flexible)、「有表情」( Expressive)、「靈活的」(souple,法文),也是拉威爾所使用的音樂術語。

( 8'00") 開始,帕胡德整段演奏了這段音樂,大家可以點選影片再次欣賞完整音樂:

https://youtu.be/-6ephuNKIf0?t=479

最後補充帕胡德說的幾件事情:

  • 他在影片中都偷吹第一部+第二部長笛,然後很自得其樂~
  • 他與許多指揮都合作過這段音樂,他說「基本上指揮們都很開放,皆讓長笛獨奏者自由決定速度。
  • 最危險之處是「越吹越慢」。尤其是切分音連接之後,最容易「越等越慢」。
  • 要精確地控制「旋律的彈性速度」。就像是舞者在空中的彈性速度(Air jumping)與動作暫停(Suspend)一樣。
  • 每個正拍要盡量「輕」,別添加太多重音。多一點漂浮感(Floating)
  • 要想像我們正在演奏舞蹈音樂,真的有舞者在跳舞。
  • 在既定的音樂速度步調(Pace)中,盡可能地自由演奏。
  • 節奏的絕對正確性與流暢度。(32分音符、64分音符、16分音符與三連音節奏)
  • 感受音樂的漂浮時,也需要對時間感展現絕對的控制性。
  • 獨奏中段時的大小調轉換時機,務必小心。
  • 高音「#D-#E」的顫音指法,帕胡德使用左手「3+4+5」指法。(請看下圖)
    高音「#D-#E」的顫音指法,帕胡德使用左手「3+4+5」指法。
    高音「#D-#E」的顫音指法,帕胡德使用左手「3+4+5」指法。

    他說這個指法,三個手指「同方向移動」,是最合乎邏輯的指法,也最簡單。

  • 為了讓高音「#D-#E」的顫音指法的音程更準確,他還會將右手中指故意往旁邊開一點點來微微打開左方 trill Key:「這樣音程會更準,不然高音有點低」。
    為了讓高音「#D-#E」的顫音指法的音程更準確,他還會將右手中指故意往旁邊開一點點,微微打開左方 trill Key「這樣音程會更準,不然高音有點低」。
    為了讓高音「#D-#E」的顫音指法的音程更準確,他還會將右手中指故意往旁邊開一點點,微微打開左方 trill Key「這樣音程會更準,不然高音有點低」。

     

  • 不過如果你的手很小,不一定要這樣嘗試。(反而容易造成手指漏氣)
  • 當你演奏顫音時,永遠要思考「顫音時演奏兩個音,而不是只有一個!」總是思考「樂譜上的另一個音」,才不會顧此失彼:音階準了,音樂也會更加華麗,更有生命力喔~
全部介紹完畢,帕胡德說,想要演奏一下嗎?
全曲解說介紹完畢。帕胡德說:現在您想要來演奏一下了嗎?

實在太精彩了!Bravo!!!

帕神我愛你~~~

 

 

III. 全體之舞(Danse générale – Bacchanale)

為了慶賀克羅伊平安歸來,在達夫尼與克羅伊兩人跳完向牧神致敬的啞劇之後,旋即迎來了最熱烈的《全體之舞》,音樂中近乎瘋狂的速度,五拍的節奏與中間的不段變化重音,還有最終段落的連續拍號變化,都讓這段結尾非常具有戲劇性,成為最狂放、強而野力的結尾。

 

樂譜版本

https://youtu.be/Jk0j3CqV5p0?t=712

 

鄭明勳與法國國家廣播交響樂團 - 附合唱版

https://youtu.be/2FXbZJndsCU?t=679

 

超級比一比

聖桑:《酒神之舞》

樂譜版本

https://www.youtube.com/watch?v=DfQbvhwrsvE

 

歌劇中的酒池肉林版本

https://www.youtube.com/watch?v=FdpmTuxzs3Q

 

2018年大都會歌劇院歌劇版本

https://www.youtube.com/watch?v=cLHsxNUeL6Y

 

芭蕾的舞台與音樂呈現

https://www.youtube.com/watch?v=TC-EgZqzdz4

 

異色舞台演出版本

https://www.youtube.com/watch?v=ljkTxSHYIV0

 

【附加主題】展覽會之畫

拉威爾創作《展覽會之畫》管弦樂版本的故事,得從其原始版本講起:

《展覽會之畫》原本是穆索爾斯基為悼念亡友哈特曼而作的鋼琴組曲。1873 年,哈特曼猝然辭世,穆索爾斯基悲痛不已。

隔年,為緬懷哈特曼,聖彼得堡舉辦了他的遺作展覽會。穆索斯基參觀展覽時,被哈特曼的畫作深深觸動,遂決定以音樂呈現這些畫作,從而創作出了鋼琴組曲《展覽會之畫》。

穆索斯基的這部鋼琴組曲藝術價值極高,然而在當時卻未獲得廣泛關注。

《展覽會之畫》由十首描寫繪畫之樂段以及五次〈漫步〉( Promenade ) 穿插其中組合而成,其中的「漫步」(Promenade)穿插於全曲,更加強了作品的整體性與身歷其境之感。

分別是:

〈漫步一〉- Promenade I
〈侏儒〉- Gnomus
〈漫步二〉- Promenade II
〈古堡〉- Il vecchio castello
〈漫步三〉- Promenade III
〈杜樂麗花園〉(孩子們玩耍後的爭吵) - Tulleries(Dispute d’ enfants après jeux)
〈牛車〉- Bydlo
〈漫步四〉- Promenade IV
〈雛雞之舞〉- Balet nevylupivshikhsya petentsov 37
〈窮富猶太人〉- Samuel Goldenberg and Schmuӱle
〈漫步五〉- Promenade V
〈里莫日市集〉(新奇玩意)- Limoges. Le marché.(La grande nouvelle) 
〈墓窟〉- Catacombae(Sepulcurm romanum) 
〈與死者以古老語言對話〉- Con mortuis in lingua mortu 
〈女巫的小屋〉- Izbushka na kur’ikh noshkakh(Baba-jaga) 
〈基輔城門〉- Bogatyrskie vorota(vo stol’nom gorode vo Kieve)
0:00 - 〈漫步一〉- Promenade I

1:16 - 〈侏儒〉- Gnomus

3:50 - 〈漫步二〉- Promenade II

4:40 - 〈古堡〉- Il vecchio castello

8:49 - 〈漫步三〉- Promenade III

9:12 - 〈杜樂麗花園〉(孩子們玩耍後的爭吵) - Tulleries(Dispute d’ enfants après jeux)

10:14 - 〈牛車〉- Bydlo

13:41 - 〈漫步四〉- Promenade IV

14:23 - 〈雛雞之舞〉- Balet nevylupivshikhsya petentsov 37

15:29 - 窮富猶太人〉- Samuel Goldenberg and Schmuӱle

17:49 - 〈漫步五〉- Promenade V

19:03 - 〈里莫日市集〉(新奇玩意)- Limoges. Le marché.(La grande nouvelle)

20:28 - 〈墓窟〉- Catacombae(Sepulcurm romanum)

22:23 - 〈與死者以古老語言對話〉- Con mortuis in lingua mortu

24:15 - 〈女巫的小屋〉- Izbushka na kur’ikh noshkakh(Baba-jaga)

 27:34 - 〈基輔城門〉- Bogatyrskie vorota(vo stol’nom gorode vo Kieve)

https://www.youtube.com/watch?v=r9JpKXBw5Z4

 

直至 20 世紀初,法國作曲家拉威爾偶然聽到這部作品,立刻被其獨特的音樂語言及豐富想象力所吸引,於是毅然決定將此作品改編為管弦樂版本,期望能使其得到更廣泛的傳播與演出。

 

對管弦樂聲響效果非常要求的拉威爾,對此曲之改編工作並非輕而易舉,他投入了大量時間與精力,對原作展開深入研究和剖析。在保留原作音樂主題及情感表達的前提下,運用自身獨特的配器手法和音樂處理技巧,對原作進行重新編排與重組。

 

譬如,在《侏儒》這一段中,拉威爾藉由木管樂器的高音區以及打擊樂器的節奏,刻畫出一個身形矮小、步履蹣跚的侏儒形象;而在《古堡》一段裡,他運用弦樂器的低沉音色和管樂器的和弦,營造出神秘、古舊的氛圍。

 

拉威爾的心血沒有白費,他的管弦樂版本《展覽會之畫》在 1922 年首演便引發轟動。這部作品憑藉豐富絢爛的音樂畫面、鮮明生動的音樂表現以及精湛的管弦樂配器技巧,深受廣大聽眾和音樂家的高度讚譽。從此,《展覽會之畫》成為拉威爾的代表作之一,也躋身世界音樂史上的經典名作之列。

 

【總譜】拉威爾管弦樂版本

00:04 - 〈漫步一〉- Promenade I

01:52 - 〈侏儒〉- Gnomus

04:14 - 〈漫步二〉- Promenade II

05:18 - 〈古堡〉- Il vecchio castello

10:00 - 〈漫步三〉- Promenade III

10:28 - 〈杜樂麗花園〉(孩子們玩耍後的爭吵) - Tulleries(Dispute d’ enfants après jeux)

11:30 - 〈牛車〉- Bydlo

14:45 - 〈漫步四〉- Promenade IV

15:24 - 〈雛雞之舞〉- Balet nevylupivshikhsya petentsov 37

16:42 - 窮富猶太人〉- Samuel Goldenberg and Schmuӱle

19:16 - 〈漫步五〉- Promenade V

19:03 - 〈里莫日市集〉(新奇玩意)- Limoges. Le marché.(La grande nouvelle)

22:48 - 〈墓窟〉- Catacombae(Sepulcurm romanum)

22:23 - 〈與死者以古老語言對話〉- Con mortuis in lingua mortu

25:01 - 〈女巫的小屋〉- Izbushka na kur’ikh noshkakh(Baba-jaga)

28:24 - 〈基輔城門〉- Bogatyrskie vorota(vo stol’nom gorode vo Kieve)

https://www.youtube.com/watch?v=O31KPk5xnBg

 

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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家(二)古典樂的大提琴泰斗:卡薩爾斯

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Great Spanish Cellist:  Pablo Casals

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探索系列一|弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家

在本系列中,林仁斌老師將帶您聚焦在「音樂家的歷史」,以深度的眼光與精彩的影音,認識20世紀五大傳奇音樂家,從「神弓炫技:海飛茲」、「大提琴泰斗:卡薩爾斯」、「波蘭王者:魯賓斯坦」、「大提琴傳奇:羅斯托波維奇」到「俠之大者:歐伊史特拉夫」,各個都充滿故事性,音樂更是迷人,您絕不可錯過!

 

  • 課程內容

      • 第一堂|神弓炫技小提琴之神:海飛茲

      「出生於俄羅斯(立陶宛)、三歲學琴,7歲首次公開演出,17歲全美公開演出」這短短的幾句話,是海飛茲生前寫的墓誌銘。演奏技巧極其完美,音準完美無瑕,幾乎從不出現錯誤,更被一代指揮泰斗托斯卡尼尼讚譽為:「唯一能演奏得完美無缺的藝術家」。本堂課程以豐富的影音資料,帶您走入小提琴之神海飛茲完美~近乎苛求的音樂世界

      • 第二堂|古典樂的大提琴泰斗:卡薩爾斯

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識西班牙著名的大提琴家、作曲家、指揮家:卡薩爾斯(Pau Casals, 1876 - 1973)。他是20 世紀上半全世界最傑出的大提琴家。職業生涯從14歲展露頭角,1905 年與小提琴家隆提博與鋼琴家科爾托組成黃金三重奏,更是20世紀初最傳奇的室內樂組合。經歷1936年西班牙內戰、移居法國,終身維護民主與人權,舉辦卡薩爾斯音樂節,每一舉措,均是音樂家的標竿。

      • 第三堂|波蘭鋼琴之藝術王者:金鈕釦魯賓斯坦

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識一生享有盛名,被公認為史上蕭邦音樂的最佳詮釋者之美籍波蘭裔鋼琴家魯賓斯坦。他將蕭邦音樂中的浪漫主義情懷和波蘭民族精神完美結合,更為蕭邦音樂賦予高尚的情感,取代感傷耽溺並注入清新與活力之詮釋;一生中所獲頒榮譽無數,更以大量的唱片錄音為世人留下珍貴的音樂資產,為鋼琴演奏藝術最重要之傳承者。

      • 第四堂|大提琴之聲傳奇締造:羅斯托波維奇

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識20世紀俄羅斯最具代表性之大提琴家、指揮家:羅斯托波維奇。1956 年起任莫斯科音樂學院教授,1964年被蘇聯當局授予「人民藝術家」稱號。演奏技巧極為精湛,無論是高難度的指法、弓法,或是複雜的音樂段落,他都能輕鬆駕馭、游刃有餘,能透過細膩的弓法控制,營造出如詩如畫的音樂氛圍,在指揮上亦享有盛名。

      • 第五堂|風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識1908年出生於烏克蘭奧德薩猶太家庭,1937 年比利時布魯塞爾易沙意國際小提琴大賽首獎,音色以温暖醇厚著稱之歐伊史特拉夫。除了教學與演奏的卓越成就,歐伊史特拉夫作為蘇聯音樂文化最具代表性的人物,在國際舞台上積極推廣蘇聯音樂和文化,無論是浪漫主義作品中的柔情蜜意,或是古典主義作品中的嚴謹莊重,都是一代俠之大者

      ※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


古典樂的大提琴泰斗:卡薩爾斯

帕布羅・卡薩爾斯(Pau Casals i Defilló,1876 年 12 月 29 日 - 1973 年 10 月 22 日),西班牙大提琴家、作曲家、指揮家,被普遍認為是 20 世紀上半葉最傑出的大提琴家,也是有史以來最偉大的大提琴家之一

 

先為人,其次是音樂家,第三才是大提琴家。

馬友友談七歲時的回憶:從七歲首演到認識卡薩爾斯

「先為人,其次是音樂家,第三才是大提琴家。」-這是20世紀最偉大的大提琴家卡薩爾斯的名言,也是馬友友不變的信念。

回憶當時高齡80多歲的卡薩爾斯,聽完7歲的馬友友演出,卻叮嚀他「很棒,但也不要忘了去打棒球。」讓馬友友大受震撼,也成為了多年來不變的信念。

https://www.facebook.com/watch/?v=658135958236402

 

https://www.youtube.com/watch?v=VhcjeZ3o5us

 

https://www.youtube.com/watch?v=xBp_R_RcbEw

 

自由.人權.音樂之聲

https://www.youtube.com/watch?v=x0glboueqHU

 

一生為和平與音樂、人權而奮鬥

https://www.youtube.com/watch?v=ktelUSrHOkw

 

生平與經歷

 

卡薩爾斯(Pablo Casals, 1876-1973)出生於西班牙加泰隆尼亞區的埃爾文德雷利。他的父親 Carles Casals i Ribes 是教區的管風琴師和唱詩班指揮,向他教授了鋼琴、歌曲寫作、小提琴以及管風琴等知識。

卡薩爾斯四歲時就能演奏小提琴、鋼琴和長笛,六歲時就具備了在公開場合演出獨奏小提琴的技藝。

他第一次接觸到大提琴是目睹一位加泰羅尼亞音樂家在裝了大提琴弦的掃帚柄上演奏,後來父親為他製作了一把用葫蘆作音箱的簡陋大提琴。11 歲時,他聽到真正的大提琴演出,完全愛上,決定投身於這項樂器。

1888 年,他被母親帶到巴塞隆納,進入埃斯科拉市立音樂學院學習大提琴、音樂理論和鋼琴。

 

最知名的傳說:發現巴赫無伴奏大提琴組曲

據說 1890 年,13歲的卡薩爾斯在巴塞隆納的一家二手樂譜店裡,發現了一本破爛的巴赫《六部大提琴組曲》樂譜。接下來,卡薩爾斯用了十三年的時間每天研練這些樂曲,然後才第一次公開演出。(資料出處

 

獲得青睞

1891 年 2 月 23 日,14 歲的卡薩爾斯在巴塞隆納舉辦了獨奏音樂會,獲得成功。1893 年,西班牙作曲家伊薩克・阿爾班尼士聽到他在三重奏中的演奏,大受感動,便他寫了一封介紹信給西班牙攝政王瑪麗亞・克里斯蒂娜的私人秘書吉列爾莫・莫菲伯爵,年紀輕輕的卡薩爾斯因此獲得皇家津貼前往馬德里皇家音樂學院跟隨維克多・米雷茨基學習作曲,並在新成立的四重奏團體中演奏。

 

邁向國際

1895 年,卡薩爾斯來到巴黎,在馬利尼歌劇院管弦樂團裡擔任第二大提琴手謀生。1896 年回到西班牙,在巴塞隆納市立音樂學院擔任教師,並被任命為巴塞隆納利塞烏大劇院管弦樂團的首席大提琴手。1897 年,他作為獨奏家與馬德里交響樂團合作演出,並被女王授予卡洛斯三世勳章。

1899 年,他在倫敦水晶宮演出,並在維多利亞女王的奧斯本莊園為她演出。

1900 至 1901 年間,他與鋼琴家哈羅德・鮑爾一起在西班牙和荷蘭巡迴演出;1901/02 年,他第一次訪問美國;1903 年在南美巡迴演出。1904 年 1 月 15 日,卡薩爾斯應邀在美國白宮為羅斯福總統演奏,同年 3 月 9 日,他首次登上紐約卡內基音樂廳的舞台,演奏理查・史特勞斯的《唐吉訶德》,由作曲家本人親自擔任指揮。

 

卡薩爾斯改編蕭邦夜曲

https://www.youtube.com/watch?v=zS5dD743vTc

 

https://www.youtube.com/watch?v=8xpHI4TW14s

 

黃金三重奏:精彩室內樂

1905 年,卡薩爾斯與小提琴家蒂博、鋼琴家科爾托組成鋼琴三重奏,這組合成為 20 世紀初最卓越的室內樂團之一,被稱為「黃金三重奏」。

1919 年,他以自己的積蓄在巴塞隆納成立了帕布羅・卡薩爾斯管弦樂團,並於 1920 年 10 月 13 日舉辦了第一場音樂會。因1936 年西班牙內戰爆發,樂團停止活動。

 

流亡與卡薩爾斯音樂節之誕生

卡薩爾斯是西班牙共和黨政府的忠實支持者,終身支持民主價值。

在西班牙內戰失敗後,他發誓在民主恢復之前不返回西班牙。

1936 年的最後幾周,他在靠近西班牙邊境的法國小村莊普拉德(在歷史上屬於加泰羅尼亞地區的東比利牛斯省)安頓下來,1939 年起於此定居。

1939 年至 1942 年間,他在法國南部未被佔領的地區和瑞士以大提琴家的身份偶有露面。1950 年,他以指揮家和大提琴家身份,在康弗倫特的普拉德音樂節上重新以職業音樂家身份演奏,條件是所有收入都要捐給佩皮尼昂附近的一家難民醫院。

1955 年,卡薩爾斯在波多黎各進行了廣泛的旅行,並在第二年創辦了年度的卡薩爾斯音樂節。1956 年 4 月,卡薩爾斯音樂節移師聖璜市。

1958 年,他被提名諾貝爾和平獎。1963 年,他被肯尼迪總統授予總統自由勳章。

 

卡薩爾斯充滿音樂性的大師班

巴哈無伴奏

https://www.youtube.com/watch?v=xunkYN0bwaU

 

卡薩爾斯充滿音樂性的大師班

海頓大提琴協奏曲

https://www.youtube.com/watch?v=sWuo1mweGkg

 

卡薩爾斯充滿音樂性的大師班

德弗札克大提琴協奏曲

https://www.youtube.com/watch?v=a0GSNQSdO9Q&t=1s

 

卡薩爾斯充滿音樂性的大師班

鮑凱利尼大提琴協奏曲

https://www.youtube.com/watch?v=TooUgQ4vIVs

 

以音樂為始.以音樂為終

1973 年應小提琴家好友艾薩克・史坦之邀,卡薩爾斯來到耶路撒冷指揮青年管弦樂團和耶路撒冷交響樂團,他與青年管弦樂團在耶路撒冷可汗劇院舉辦的音樂會,則是他人生中最後一場音樂會。

 

BBC 紀錄片:

https://www.youtube.com/watch?v=Z20GwENK1-w

 

EURO ART 紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=P6UWTECl-sU&t=507s

 

卡薩爾斯的指揮紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=InE8GZiIex0

 

1955年紀錄片:

https://www.youtube.com/watch?v=zyk5A38XuPg

 

近40年未公開演出的卡薩爾斯,顫弱地告訴現場觀眾,說出自己想要演出《白鳥之歌》的理由:「自由於天地的白鳥,歌唱著『自由、自由、自由』」

這代表著自己的故鄉卡拉隆尼亞,追求民主與自由的精神,聞之令人動容

https://www.youtube.com/watch?v=_T8DjwLt_c4

 

馬友友與阿姆斯特丹皇家大會堂大提琴群之精彩合奏

https://www.youtube.com/watch?v=4oQk6AkU7Fg

 

卡薩爾斯對馬友友一輩子產生了深遠的影響

https://www.youtube.com/watch?v=8JdNSl2nG6U

 

卡薩爾斯之家導覽

https://www.youtube.com/watch?v=EmYfbK4bz4g

 

Spotify 音樂家播放清單

巴哈無伴奏組曲全集

https://open.spotify.com/album/6EJC6Iax9HPoBx6ezN8pUM?si=vLBpr0WmQQSM62lXwz9jtw

 

珍貴錄音選粹

https://open.spotify.com/album/459BPBOH5PCuNc8orYh5aS?si=cVoAdkAFSRuDqA-M6SUM3w

 

年輕音樂家 Sheku Kanneh-Mason 受卡薩爾斯之啟發而灌錄之專輯

https://open.spotify.com/album/5n2aAsMFp4NhWn64pCGCtK?si=xSPEimmRT9KQkIDeR6wJHw

 


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【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:大都會歌劇院(Metropolitan Opera)

【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 大都會歌劇院(Metropolitan Opera)
Top Orchestras in U.S - Metropolitan Opera

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本系列「2025年世界管弦樂團巡禮」- 北美篇,將以美國為主要區域,詳細介紹各大管弦樂團之歷史沿革與特色,並深入欣賞精湛之演奏。

 

美國五大交響樂團

 

讓我們先從歷史談起,當我們聊到美國樂團十,總喜愛先聊「五大」,這五大交響樂團在過去的歷史定位也非常清楚,分別是:

紐約愛樂 New York Philharmonic

波士頓交響樂團 Boston Symphony Orchestra

芝加哥交響樂團 Chicago Symphony Orchestra

費城交響樂團 Philadelphia Orchestra

克里夫蘭交響樂團 Cleveland Orchestra

美國五大樂團」一詞,誕生於早期黑膠唱片錄音時期,當時管弦樂尚在以廣播方式放送音樂,聽眾們在家中,以收音機方式收聽各樂團之音樂節目之時期。

各樂團在20世紀也如「兄弟登山,各自努力」般,不斷擴大樂團編組,提升演奏能力。

時至20世紀中葉,東岸商業環境繁盛,於是錄音和廣播節目漸漸由東海岸樂團主導,當時最著名的樂團被稱為「三巨頭」:紐約樂團、波士頓樂團和費城樂團。

逐漸地,當時隨著偉大指揮家們的崛起,樂團能見度與唱片銷量也逐漸提升,因此,由喬治·塞爾領軍的克利夫蘭管弦樂團和弗里茨·萊納指揮的芝加哥交響樂團,聲望日益提高,人們漸漸將管弦樂「三巨頭」擴張為「五巨頭」,也就是我們常說的「美國五大樂團」。


【你關心的BON話題 - 樂團薪資篇】

1 San Francisco Symphony

基本薪資 $166,400

The San Francisco Symphony Orchestra remunerate their musicians a large chunk from ticket sales, donations, and other sources of income. It has maintained its spot on the base pay rankings over the years. SFO Symphony was founded in 1911. It’s based in San Francisco, California.

Since 1980, the orchestra has been performing at the Louise M. Davies Symphony Hall in the City’s Hayes Valley neighborhood. They are the resident orchestra of the LMD Symphony Hall. Despite the short history of performances, the orchestra has been awarded an Emmy Award and 15 Grammy Awards. It was also the first to feature symphonic radio broadcasts in 1926, and in 2003.

Visit https://www.sfsymphony.org/ to learn more about their upcoming performances.

舊金山交響樂團從門票銷售、慈善捐款、企業贊助、政府補助以及其他多種收入來源中,拿出很大一部分來酬勞樂團成員。多年來,其基本薪酬排名一直保持穩定。舊金山交響樂團成立於 1911 年,總部位於加利福尼亞州舊金山。

自 1980 年起,該樂團一直在舊金山海斯谷社區的路易斯・M・戴維斯交響樂廳演出。他們是路易絲・M・戴維斯交響樂廳的駐場樂團。儘管演出歷史不算悠久,但該樂團已榮獲一座艾美獎和 15 座格萊美獎。1926 年及 2003 年,它也是率先進行交響樂廣播的樂團。

 

2 Los Angeles Philharmonic

基本薪資 $164,476

The Los Angeles Philharmonic, also known as LA Phil, was founded in 1919 by William Andrews Clark, Jr., a copper baron, arts enthusiast, and part-time violinist. It is the major orchestra based in the city of Los Angeles.

Each year, more than 250 concerts are either performed or presented at the Los Angeles Philharmonic’s two iconic venues: the Walt Disney Concert Hall and the Hollywood Bowl.

It is known its ability to remold and remodel its performances at the whim of the conductor offering it a unique advantage. The group resides in the abstract Walt Disney Concert Hall, where it has been led by conductor Gustavo Dudamel since 2005.

The LA Phil’s involvement with the city of Los Angeles expands beyond the walls of its concert halls, with performances in local schools, churches, and neighborhoods. In fact, one of their education initiatives, Youth Orchestra LA (YOLA), has provided free instruments and music training to over 700 local students.

Visit https://www.laphil.com/ to learn more about their upcoming performances.

洛杉磯愛樂管弦樂團,又稱 LA Phil,於 1919 年由小威廉・安德魯斯・克拉克創立。克拉克是一位銅業大亨、藝術愛好者,也是一名業餘小提琴手。它是洛杉磯市的主要管弦樂團。

每年,洛杉磯愛樂管弦樂團在其兩個標誌性場館 —— 華特・迪士尼音樂廳和好萊塢露天劇場,舉辦或呈獻超過 250 場音樂會。

該樂團以能隨指揮的意願重塑和改編演出而聞名,這賦予了它獨特的優勢。樂團駐紮在具有抽象風格的華特・迪士尼音樂廳,自 2005 年起由指揮古斯塔沃・杜達梅爾領導。

洛杉磯愛樂管弦樂團與洛杉磯市的互動,不止限於音樂廳內,還在當地學校、教堂及社區舉行演出。事實上,他們的一項教育倡議 “洛杉磯青年管弦樂團(YOLA)”,已為 700 多名當地學生提供了免費樂器和音樂培訓。

 

3 Chicago Symphony Orchestra

基本薪資 $159,016

The Chicago Symphony Orchestra is one of the top-ranking American orchestras and a part of the “Big 5” orchestras in the US. Chicago Symphony Orchestra is a highly regarded brass section. At the time of this ranking, the group was led by Daniel Barenboim. It is now under the baton of renowned conductor Riccardo Muti.

It was established in 1891 by Theodore Thomas. The ensemble gathers at Orchestra Hall in Chicago and plays a summer season at the Ravinia Festival. Originally named “Chicago Orchestra,” it was later changed to Chicago Symphony Orchestra in 1913. It has seen numerous music directors including Desire Defauw, Artur Rodzinski, Rafael Kubelik, Fritz Reiner, Jean Martinon, Georg silti, and Daniel Barenboim.

The Chicago Symphony first broadcast on the radio in 1925. Till now, it has performed well over one hundred concerts each year at its downtown home, Symphony Center, and the Ravinia Festival on Chicago’s North Shore.

Riccardo Muti, the current music director of CSO, has earned sixty-two Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences.

Visit https://cso.org/home/ to learn more about their upcoming performances.

芝加哥交響樂團是美國頂尖交響樂團之一,也是美國「五大」交響樂團的成員。芝加哥交響樂團的銅管樂部門備受推崇。在本次排名之時,該樂團由丹尼爾・巴倫波因領導。如今則由著名指揮里卡多・慕提執棒。

它於 1891 年由西奧多・托馬斯創立。樂團成員在芝加哥的管弦樂廳聚首,並在拉維尼亞音樂節期間進行夏季演出。它最初名為「芝加哥管弦樂團」,1913 年更名為芝加哥交響樂團。歷任音樂總監包括德西雷・德富、阿圖爾・羅津斯基、拉斐爾・庫貝利克、弗里茨・萊納、讓・馬蒂農、格奧爾格・西爾蒂以及丹尼爾・巴倫博伊姆。

芝加哥交響樂團於 1925 年首次在電臺進行廣播。直至今日,它每年在其位於市區的駐地 —— 交響樂中心,以及芝加哥北岸的拉維尼亞音樂節,演出超過一百場音樂會。

芝加哥交響樂團現任音樂總監里卡多・慕提,已從美國國家錄音藝術科學學院獲得六十二座葛萊美獎。

 

4 Boston Symphony

基礎薪資 $153,400

Boston Symphony Orchestra is one of the Big-Five orchestras in the U.S, also the second oldest among the Big-Five. It was founded by Henry Lee Higginson in 1881.

It primarily performs in the Symphony Hall Tanglewood in Boston. Since its establishment, it has had 17 different music directors including George Henschel, Serge Koussevitzky, Henri Rabaud, Erich Leinsdorf, and William Steinberg. The current music director is Andris Nelsons.

It was also the first orchestras to perform live on the radio (NBC, 1926), along with presenting more than 250 concerts annually. Its live performances have reached masses through the internet, radio, television, and educational programs.

As claimed by BSO, its official website is one of the most-visited orchestral websites in the world, with 7 million visitors annually.

Visit https://www.bso.org/ to learn more about their upcoming performances.

波士頓交響樂團是美國五大交響樂團之一,也是五大樂團中歷史第二悠久的樂團。它由亨利·李·希金森 (Henry Lee Higginson) 於 1881 年創立。

樂團主要在波士頓的坦格伍德交響樂廳演出。自成立以來,樂團曾有 17 位音樂總監,包括喬治·亨舍爾、謝爾蓋·庫塞維茨基、亨利·拉博德、埃里希·萊因斯多夫、威廉·斯坦伯格等。現任音樂總監為安德里斯·尼爾森斯 (Andris Nelsons)。

它也是第一個在電台進行現場表演的管弦樂團(NBC,1926 年),每年舉辦 250 多場音樂會。它的現場表演透過網路、廣播、電視和教育節目傳播給大眾。

BSO稱,其官方網站是全球訪問量最大的管弦樂網站之一,每年有700萬人次造訪。

 

5 New York Philharmonic

基礎薪資 $147,550

New York Philharmonic, officially called Philharmonic-Symphony Society of New York, Inc. is the oldest orchestra in the U.S. Established in 1842 by the American conductor Ureli Corelli Hill, with the aid of the Irish composer William Vincent Wallace.

Each season, the New York Philharmonic connects with over 50 million music lovers around the world through worldwide tours, residencies, digital recordings, and live broadcasts. It is also the first American orchestra to perform in North Korea. New York Philharmonic performed in Pyongyang on February 26, 2008, upon an invitation from the North Korean Government.

Some of the renowned music directors who have worked with New York Phil include Ureli Corelli, Theodore Eisfeld, Carl Bergmann, Leopold Damrosch, Theodore Thomas, Adolf Neuendoriff, Emil Paur, Wassily Safonoff, Gustav Mahler, Leopold Stokowski, and Zubin Mehta. The current music director of New York Phil is Jaap Van Zweden active since 2018.

Visit https://nyphil.org/ to learn more about their upcoming performances.

紐約愛樂樂團,正式名稱為紐約愛樂交響樂團,是美國最古老的管弦樂團,由美國指揮家烏雷利·科雷利·希爾在愛爾蘭作曲家威廉·文森特·華萊士的幫助下於 1842 年創立。

每個演出季,紐約愛樂樂團透過全球巡迴演出、駐場演出、數位錄音和現場直播與全球超過 5,000 萬音樂愛好者建立聯繫。這也是第一個在北韓演出的美國管弦樂團。應北韓政府的邀請,紐約愛樂樂團於2008年2月26日在平壤演出。

曾與紐約愛樂樂團合作過的著名音樂總監包括烏雷利·科雷利、西奧多·艾斯菲爾德、卡爾·伯格曼、利奧波德·達姆羅施、西奧多·托馬斯、阿道夫·諾伊恩多里夫、埃米爾·保爾、瓦西里·薩豐諾夫、古斯塔夫·馬勒、利奧波德·梅達·祖塔和祖倫科。紐約愛樂樂團現任音樂總監是范志登 (Jaap Van Zweden),自 2018 年起。下任總監為杜達美。

 

6 National Symphony Orchestra

基本薪資 $143,208

The National Symphony Orchestra (NSO) is an American symphony orchestra based in Washington, D.C. It was founded in 1930 and has been performing at the John F. Kennedy Center for the Performing Arts.

NSO is home to over 100 musicians. They perform a 52-week season of approximately 175 concerts each year. They regularly participate in events of national and global importance including ceremonial state affairs, presidential inaugurations, and holiday celebrations. The annual National Memorial Day Concert in May and A Capitol Fourth concerts on 4 July are two of the highlights of NSO.

Visit https://www.kennedy-center.org/nso/home/ to learn more about their upcoming performances.

國家交響樂團(NSO)是一家總部位於華盛頓特區的美國交響樂團,成立於1930年,一直在約翰甘迺迪表演藝術中心演出。

NSO 擁有 100 多位音樂家。他們每年演出季持續 52 週,共舉辦約 175 場音樂會。他們定期參與國家和全球重要活動,包括國事禮儀、總統就職典禮和節慶慶祝活動。每年 5 月舉行的國家陣亡將士紀念日音樂會和 7 月 4 日舉行的國會第四場音樂會是 NSO 的兩大亮點。

 

7 MET Orchestra

基礎薪資$135,328.36

You must have heard about MET Gala, we hope you are familiar with MET Orchestra as well.

MET Orchestra is one of the world’s great performing ensembles who have performed more than 200 concerts each season. They are known for their performance both on stage and in the opera pit.

It was founded in 1883. Since then, MET Orchestra’s performances have performed entire opera repertoire, symphonic and chamber programs at Carnegie Hall, international tours, and countless musician activities outside of MET Opera House.

Visit https://www.metorchestramusicians.org/ to learn more about their upcoming performances. 

大都會歌劇院管弦樂團是世界上最偉大的表演單位之一,每季演出超過 200 場音樂會。他們因在舞台上和歌劇場中的出色表演而聞名。

它成立於1883年,成立至今,大都會歌劇院管弦樂團的演出包括在卡耐基音樂廳演奏整個歌劇曲目、交響樂和室內樂節目、進行國際巡演以及大都會歌劇院外無數的音樂家活動。

 

8 Cleveland Orchestra

基礎薪資 $135,096

The Cleveland Orchestra is one of the “Big 5” orchestras in the US. It was founded in 1918 by the pianist and impresario Adella Prentiss Hughes. It has remained the primary venue to witness one of the best classical and contemporary compositions in the U.S. The orchestra plays most of its concerts at Severance Hall.

Franz Welser-Möst has led the Cleveland Orchestra since 2002. They often make extensive tours across the U.S. and abroad. Known for their artistic excellence, concert programming, and community engagement, they have a proud history of giving back to the community. They share the joy of music throughout Northeast Ohio via education and community programs that date back to its founding in 1918.

In 2012 Gramophone Magazine ranked the Cleveland Orchestra 7th on its list of the world’s greatest orchestras, and The New York Times referred to the orchestra in 2018 as “America’s most understatedly amazing orchestra.

It has seen the tenure of some of the greatest Music directors including Nikoloi Sokoloff, Artue Rodzinski, Erich Leinsdorf, George Szell, Pierre Boulez, Lorin Maazel, Christoph von Dohnanyi, and Franz Welser-Most.

Visit https://www.clevelandorchestra.com/ to learn more about their upcoming performances.

克里夫蘭管弦樂團是美國「五大」管弦樂團之一。該樂團由鋼琴家兼經理人阿德拉·普倫蒂斯·休斯 (Adella Prentiss Hughes) 於 1918 年創立。它一直是見證美國最佳古典和當代作品的主要場所。

弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特自 2002 年起擔任克利夫蘭管弦樂團指揮。他們以其藝術卓越性、音樂會節目安排和社區參與而聞名,擁有回饋社區的光榮歷史。他們透過自 1918 年成立以來的教育和社區項目,在俄亥俄州東北部分享音樂的快樂。

2012 年《留聲機》雜誌將克利夫蘭管弦樂團評選為世界最偉大管弦樂團第七位,2018 年《紐約時報》將該樂團稱為「美國最低調的令人驚嘆的管弦樂團」。

它見證了許多最偉大的音樂總監的任期,包括尼科洛夫、阿圖埃·羅津斯基、埃里希·萊因斯多夫、喬治·塞爾、皮埃爾·布列茲、洛林·馬澤爾、克里斯托夫·馮·多納尼和弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特。

9 Philadelphia Orchestra

基礎薪資 $137,800

Philly Orchestra is the youngest among the Big-5 Orchestra in the US. It was founded in 2001. They solely based in Philadelphia, Pennsylvania. They perform at the Kimmel Center for the Performing Arts. They perform subscription concerns at Verizon Hall amounting to over 130 concerts annually.

YANNICK NÉZET-SÉGUIN is the current music director with STÉPHANE DENÈVE as principal guest conductor, and GABRIELA LENA FRANK as composer-in-residence.

They filed for bankruptcy in 2011 which dramatically cut the musicians’ pay. Prior to the bankruptcy, the orchestra was one of the highest-paid in the country. In recent years, the orchestra and the musicians negotiated and settled for a raise of 2%.

Visit http://www.philorch.org/ to learn more about their upcoming performances.

Get in touch with Rick Perdian to learn more about the essentials of orchestras management.

 

費城交響樂團是美國五大交響樂團中最年輕的樂團。該公司成立於 2001 年,總部位於賓夕法尼亞州費城。他們在金梅爾表演藝術中心演出。他們每年在 Verizon Hall 舉辦超過 130 場音樂會。

現任音樂總監為雅尼克‧涅澤特-塞金 (YANNICK NÉZET-SÉGUIN),首席客座指揮為史蒂芬‧德內夫 (STÉPHANE DENÈVE),駐團作曲家為加布里埃拉‧萊娜‧弗蘭克 (GABRIELA LENA FRANK)。

他們在 2011 年申請破產,導致音樂家的收入大幅削減。在破產之前,該樂團是全國薪水最高的樂團之一。近年來,樂團與演奏員們經過協商,達成加薪2%的協議。


紐約愛樂財務概覽

紐約愛樂樂團 2022-2023 樂季的財務資訊和樂團細節,大致如下:

門票收入:2022-2023年賽季門票收入達2,976萬美元,較上一財政年度的1,118萬美元大幅成長。

捐款:該樂團在 2022-2023 年收到的捐款為 4530 萬美元,低於 2021-2022 年的 6880 萬美元。

建設資金:大衛·格芬音樂廳的建設資金獲得了5,370萬美元的捐款支持。

員工薪酬

音樂總監:Jaap van Zweden 2022-2023 賽季倒數第二季的薪水為 1,525,711 美元,比前一年的 1,128,266 美元略為增加。

執行長:前執行長黛博拉·博達的薪酬為1,317,344美元,再加上40萬美元的獎金,她的總收入超過了音樂總監

樂團演奏家:樂團首席兼小提琴手黃欣的基本工資為 361,713 美元,加上獎金 548,139 美元,總收入約 90萬美元,是樂團收入最高的演奏家;首席簧管演奏家安東尼·麥吉爾的薪水為 394,715 美元。

此外,2024年9月的消息顯示,紐約愛樂樂團約100名音樂家將在未來三年獲得30%的加薪,基本工資將達到20.5萬美元。


大都會歌劇院(The Metropolitan Opera House)

 

大都會歌劇院(Metropolitan Opera House)位於紐約,是具有全球領導地位的世界級歌劇院,其前身是 19 世紀後半葉位於百老匯第 39 號大街與第 40 號大街之間的一座劇院改建而成。主要營運單位大都會歌劇院協會於1880年4月成立,除了是紐約主要的歌劇公司,也是美國最大的古典音樂組織,每年上演約240場各類與歌劇相關演出與製作。

 

大都會歌劇院是林肯表演藝術中心的十二個常駐組織之一。

David H. Koch Theater on the left, Metropolitan Opera House in front, and David Geffen Hall on the right

 

歷史

早期歷史

1883 年 10 月 22 日,大都會歌劇院正式落成開幕,當時耗資 173,200 美元。首演劇目是法國作曲家古諾的《浮士德》。雖然「浮士德」是根據德國詩作而以法文寫成,但是在表演時卻是以大都會歌劇院早期管理人員偏好的義大利文來演唱。

1892 年,由於劇院不慎失火,因此這年秋、冬二季停止演出。重建工程於 1893 年完成,同年 11 月 27 日再度開幕時,復演《浮士德》以示慶祝。

 

1905年的大都會歌劇院

1905年的大都會歌劇院,座落於紐約百老匯39街上

 

大都會歌劇院的歷史照片

https://www.youtube.com/watch?v=SRdkmX2OSro

 

20 世紀初至中期

1903 年起,著名歌唱家卡羅素、弗雷姆斯塔德、夏里亞賓等歌劇明星紛紛登上大都會獻藝。

1908 年,馬勒在大都會指揮了華格納樂劇《崔斯坦與伊索德》,同年,托斯卡尼尼首次在大都會指揮了《阿依達》,兩人瑜亮相爭之勢亦為時代傳奇。

1929 年爆發的經濟大蕭條,使大都會歌劇院歷年累積的上百萬盈餘,全部迅速耗盡。1932 年,股份制的公司解散,取而代之是以「會員制」的大都會歌劇協會。

1935 年,貝爾蒙特夫人組織了 “大都會歌劇院協會”。協會業務包括了出版音樂周刊,發行唱片,資助演出,並組織劇院為學校和教育機構演出。

 

1937年11月28日,舊大都會歌劇從舞台後方往觀眾席拍照之珍貴照片

1937年11月28日,舊大都會歌劇從舞台後方往觀眾席拍照之珍貴照片,當時為鋼琴家約瑟夫·霍夫曼的音樂會,

 

歷史上的巨星們

https://www.youtube.com/watch?v=f6IoPY30nCc

 

普契尼在大都會歌劇院

https://www.youtube.com/watch?v=1AK_joeR1Lo

 

遷址與現代發展

1966 年春天,大都會歌劇院遷入了位處紐約林肯中心附近的新址,觀眾席有 3788 個座位,建築師是興建聯合國大廈的華勒斯・哈里森(Harrison, Wallace K)。

UNITED STATES - CIRCA 1940: Usa, New York. American Architect Wallace K. Harrison, 1940'S (Photo by Keystone-France/Gamma-Keystone via Getty Images)

 

華勒斯・哈里森 重要建築作品

洛克斐勒中心建築群Rockefeller Center(紐約, 1931-1940)

紐約聯合國總部United Nations Headquarters(紐約, 1947)

阿爾科阿大樓Alcoa Building,Pittsburg(賓州,匹茲堡, 1953)

第一長老教堂 First presbyterian church(康乃狄克州,史丹福)

林肯中心,大都會歌劇院Metropolitan Opera House, Lincoln Center(New York City, 1962)

 

1975 年起,由詹姆斯.勒汶(James Levine)任音樂總監:(1976年-2016年)音樂總監;(2016年-2017年)榮譽音樂總監),奠定了近代立基的重要基礎。

20 世紀 90 年代以後,歌劇院的演出活動更具國際化規格,真正成為具有國際代表性的歌劇院。

2020 年 3 月 16 日開始,大都會歌劇院因疫情影響,在每晚 7 點半開始,於網路平台播放每日歌劇精選的高清影片,嘉惠全球觀眾。播放後,開放免費觀賞 20 小時。

 

近年的大都會發展概況

大都會歌劇院的新季節計劃:2010 - 2011 演出季,大都會歌劇院有諸多新動作。年度推出 18 部新歌劇作品,其中包括 4 部世界首演歌劇。

領導層的理念:大都會歌劇院的總經理彼得.蓋爾伯(Peter Gelb)希望讓歌劇更貼近大眾。他通過歌劇影片的高清直播歌劇演出到全球影院,讓更多人能欣賞到歌劇,還嘗試用現代化方式呈現經典歌劇。

彼得.蓋爾伯(Peter Gelb)at the 68th Annual Peabody Awards

 

新演出作品的特色:像《沉默的女人》(The Silent Woman),其舞台設計充滿奇幻色彩,融合了巴洛克風格和現代元素。而世界首演的《瞞天過海》(The Enchanted Island),是一部融合了普契尼、威爾第等多位大師音樂的巴洛克風格作品,並加入了一些新創作的音樂,同時其舞台效果和燈光設計也非常出色 。

歌劇院面臨的挑戰:在經濟不景氣的大環境下,大都會歌劇院在票房和捐款方面都受到了一定影響。但蓋爾伯希望通過新的演出計劃和推廣方式,吸引更多觀眾,扭轉票房劣勢。

歌劇院的未來展望:蓋爾伯期望大都會歌劇院不僅是一個演出場所,更能成為一個文化中心。他計劃進一步拓展歌劇院的影響力,比如舉辦更多跨領域的藝術活動等。

 

紐約愛樂團址

林肯中心的大衛·格芬廳亦為紐約愛樂的團址。

大衛·格芬廳(英語:David Geffen Hall)位於美國紐約市,世界百大廳院之一,是林肯表演藝術中心的一部分。它是紐約愛樂的主場地,有2,738個觀眾席。(取自維基百科)

 

歷任首席指揮(資料取自維基百科

 

特色

建築特色

外觀:新大都會歌劇院的外表以樸實的黃磚砌成,外觀看起來雖平凡單調乏味,但內裝其實極其華麗。

觀眾廳:觀眾廳是傳統的馬蹄形,有座席 3788 個,如若加上站席,和特別照顧殘疾、病人的輪椅,總共能容下 4077 人。觀眾廳體積很大,平均有 24 米高,周圍共五層樓,分三面環繞,其中兩側的是淺樓座,二層是包廂。樓下正廳後面的大休息室,有兩層樓高,它的後半部是弧形的,上有樓廊,裝飾著古希臘式的圓柱,牆上掛滿了名歌唱家的畫像,氣氛相當典雅。

 

 

舞台:舞台不但面積大,而且滿布著各種精巧複雜的機械裝置。主台上裝著 7 塊升降台,有了這些升降台,上可搭出山陵台殿,下可表現湖海江河,舞台設計更加靈活方便。兩邊側台上的車台,都可以分成小塊單獨運動,凡 9 米以下的布景,全能靠它迅速更換。後舞台上則有一個直徑 18 米的轉台,能開到主表演區上旋轉。樂隊所在的樂池,也分做前後兩塊,可以上下升降。

 

設備:大都會歌劇院的設備先進,還表現在它率先使用了一套機械化驅動機構,叫做 “無平衡重式電動吊桿”。25 米深的舞台上,密布著 109 道布景吊桿,外加 8 道燈光吊桿,只需一個工作人員操作,另一位工作人員插接轉換就能控制,人力非常精簡。

 

演劇演出的幕後花絮

https://www.youtube.com/watch?v=z9XtPe2pBgQ

 

【導覽篇】可愛的 Sarah Willis 主持《大都會歌劇院的一日》節目

https://www.youtube.com/watch?v=iYwZaurJGxk

 

【實力篇 1】歌劇歌手們必須具備的要件

https://www.youtube.com/watch?v=PKengo7y28U

 

【實力篇 2】一部歌劇如何從無到有?

https://www.youtube.com/watch?v=6fbBjRnZ0j0

 

https://www.youtube.com/watch?v=JG33g_ELdeM

 

【服裝篇】大都會歌劇院的服裝製作

https://www.youtube.com/watch?v=-gKL60SPWf4

 

【資料篇】大都會歌劇院的豐富館藏介紹

超過140年,國家級歷史實力的資料庫

https://www.youtube.com/watch?v=OcVukSvq_GY

 

大都會歌劇院 2024-25 樂季 Highlighs

https://www.youtube.com/watch?v=BdGf-2X7hFE

 

 

現任音樂總監

資歷傲人的中生代指揮家 - 亞尼克.聶澤-賽金

2000年獲聘蒙特婁大都會管弦樂團(Orchestre Métropolitain)首席指揮(2000年至今)

2008年獲聘為鹿特丹愛樂交響樂團(Rotterdam Philharmonic Orchestra)(2008年–2018年)

2012年起獲聘為費城管弦樂團(Philadelphia Orchestra)首席指揮(2012年至今)

2018年起獲聘為紐約大都會歌劇院(Metropolitan Opera)首席指揮(2018年至今)

2019年,蒙特婁大都會管弦樂團正式宣佈與亞尼克簽下「終生音樂總監合約」。

 

【專訪】Yannick Nézet-Séguin on exposing classical music to a younger generation

訪問者趣問:觀看你的彩排,一直都比欣賞正式音樂會還要更加有趣

亞尼克妙答:因為彩排就像是「在廚房做菜」,演出則像是「在飯廳用餐」...XD

https://youtu.be/VW0-XNh01uw

 

初戀.永遠最美

1975年3月6日出生加拿大蒙特利爾的亞尼克‧聶澤-賽金(Yannick Nezet-Seguin, b.1975),於2000年被任命成為蒙特利爾大都會管弦樂團的音樂總監,也在2003 年成為維多利亞交響樂團(加拿大不列顛哥倫比亞省)的首席客座指揮。

由於與蒙特利爾大都會管弦樂團的合作非常愉快,樂團不斷與他提前續約,先延長到2010年,再延長至2015年。2015 年 9 月,樂團再宣布將他的合約延長至2020-21樂季,之後就是2019年9月,樂團再次宣布與亞尼克簽訂終身音樂總監合約。

面對故鄉樂團這麼積極的實質肯定,對於亞尼克來說一定是非常溫暖的,因此我們在影片中看到的所有互動,其實就來自許多真實的情感激盪而出的美妙音樂。

亞尼克與蒙特利爾大都會管弦樂團簽訂終身音樂總監合約(照片:Diapason)

 

最有趣的一個數據統計是,正式成立於1981年的蒙特利爾大都會管弦樂團,至今(2022年)才剛滿41年;而亞尼克(2000年起)至2022年為止已經指揮這個樂團超過21年,也就是已超過樂團團齡的一半以上~因此年紀輕輕的他,早已經是樂團最資深的音樂總監XD

 

與費城...很來電

「當我們合體,就是非常來電」- 費城管弦音樂總監亞尼克.聶澤-賽金

https://youtu.be/CD3s9yfViVw

 

費城交響樂團 Youtube 頻道

 

探索樂團本質.忠於自己

亞尼克說:「從與費城管弦樂團合作的第一天開始,我就愛上了他們了。即使我從小就夢想與他們合作,但我當時沒有想過會這麼年輕就職掌這個曾經有這麼多優秀指揮的樂團。但是我覺得,當我們之間的化學反應對了,當我感受到我想與費城管弦樂團一起傳達一些理念,為費城這個城市做一些事,那我就沒有理由擔心被比較,這反而是一個榮譽和喜悅,讓我接下這個樂團的歷史,創造屬於我的一刻,並有機會去創造下一個世代。」

 

從「漸強」(Crescendo)走入「最強」(Fortissimo)

對於樂團的發展,亞尼克有著極為清晰的思維,他說:「我前幾個樂季的主要目標,是要延續我擔任準音樂總監以來的工作,就像音樂上的『漸強』,通向強而有力的切入點(笑)。在這些樂團的拿手曲目中,探索樂團的歷史:包括德國的浪漫音樂,以及非常多的俄國音樂...。但我同時也是一個不拘一格的音樂家,我喜歡探索很多現代音樂,而且我來自合唱的背景...我喜歡巴洛克音樂,所以我想要樂團可以在所有的樂曲中,去呈現它的多樣性。而且我相信在一開始的幾季,我們會擴大樂團及觀眾的視野。」

 

嶄新領域.大都會歌劇院

大都會歌劇院自2009 年開始與亞尼克合作,當時雙方合作的第一個劇目是《卡門》。這個製作卡司陣容堅強,由Elina Garanca飾演女主角卡門,Roberto Alanga飾演男主角唐賀賽。音樂活靈活現,非常動聽,至今都是Youtube上非常收歡迎的近年示範及參考版本:

 

Carmen: "Près des remparts de Séville" (Elina Garanca)

https://youtu.be/sHjnVz7Ayyw

 

Carmen: "L'amour est un oiseau rebelle" (Elina Garanca)

https://youtu.be/K2snTkaD64U

 

亞尼克與大都會歌劇院接下來的合作是威爾第歌劇《唐卡羅》(於2010年與2015年兩度製作)、2011 年的古諾:《浮士德》、 2013 年的威爾第《茶花女》與2014 年的德弗札克《露莎卡/水仙女》(Rusalka)。多年下來大都會歌劇院越來越倚重亞尼克許多新的音樂觀點與音樂詮釋。

2015年9月,由亞尼克再次負責開季重要歌劇製作:威爾第《奧泰羅》,同樣叫好叫座。

2016年6月2日,大都會歌劇院看來已經無法離開亞尼克的魅力~正式宣布任命亞尼克為下一任音樂總監,合約自2020-2021樂季起生效,首次合約時間為期四年,目前(2025年4月)合約仍進行之中。

 

紀錄片《Yannick: An Artist's Journey》精彩部分內容:

https://youtu.be/efaXgn3ZLmo

 

因此從2017-18樂季起,亞尼克正式以「準音樂總監」繼續與大都會歌劇院合作,接下來他的重要製作是華格納《漂泊的荷蘭人》(Der fliegende Holländer)。

而令人意外的變化總是不在眾人預料之中,畢竟,意外就是意外嘛~2017年前大都會桂冠音樂總監詹姆斯·萊汶(James Levine)在爆發多起性騷擾醜聞後,被劇院解聘;因此亞尼克任期原定2020年開始的音樂總監任期,也因此提前兩年上任,他在2018-2019樂季起正式上場救援,也一路丟出好成績至今,帶領樂團成就與指揮功力實在非凡。

Credit : Rose Callahan

 

音樂新聞來源:

Yannick Nézet-Séguin to Become New York Met Music Director Two Seasons Earlier Than Originally Planned

 

2021-22年樂季,亞尼克在大都會歌劇院的最新製作《托斯卡》選粹:

Sondra Radvanovsky Sings "Vissi d'Arte"

Production: David McVicar. Conductor: Yannick Nézet-Séguin

https://youtu.be/CAU6MvkMQ5U

 

於紐約大都會歌劇院逐步攀向指揮生涯高峰的亞尼克,展現出招牌燦爛笑容:

於大都會歌劇院再次攀向指揮生涯高峰的亞尼克,展現出燦爛笑容

 

揭秘大都會歌劇院.財務與營運

根據美國大都會歌劇院協會(Metropolitan Opera Association, Inc.)2023 年 7 月 31 日和 2022 年 7 月 31 日的綜合財務報表及附註包含眾多重要信息,整理出具體重點如下:

審計意見:畢馬威會計師事務所(KPMG LLP)審計後認為,財務報表在所有重大方面公允地反映了歌劇院協會的財務狀況、淨資產變化和現金流量,符合美國公認會計原則。

 

財務狀況摘要

資產:2023 年 7 月 31 日總資產為 552,398,000 美元,2022 年為 583,319,000 美元,主要包括現金、應收賬款、預付製作和轉播成本、投資等。其中投資資產 2023 年為 317,557,000 美元,2022 年為 350,758,000 美元 ,呈下降趨勢。

 

負債:2023 年總負債 287,553,000 美元,2022 年為 304,030,000 美元,包含應付賬款、信用貸款借款、遞延收入、長期債務等。長期債務在 2023 年為 100,844,000 美元,2022 年為 108,869,000 美元。

 

淨資產:2023 年總淨資產 264,845,000 美元,2022 年為 279,289,000 美元。無捐贈者限制的淨資產 2023 年為 -140,307,000 美元(累計虧損),2022 年為 -157,954,000 美元;有捐贈者限制的淨資產 2023 年為 405,152,000 美元,2022 年為 437,243,000 美元。

 

收入和支出

收入:2023 年總收入 332,810,000 美元,2022 年為 314,684,000 美元。主要收入來源有捐款和遺贈、票房和巡演、媒體收入等。其中,2023 年捐款和遺贈收入為 138,329,000 美元,2022 年為 134,446,000 美元;2023 年票房和巡演收入 71,395,000 美元,2022 年為 60,361,000 美元。

 

支出:2023 年總支出為 334,368,000 美元,2022 年為 314,684,000 美元。主要費用包括歌劇演出、媒體、新製作、總部管理、籌資等方面的支出。如 2023 年歌劇演出總支出為 206,804,000 美元,2022 年為 202,208,000 美元;2023 年籌資費用 14,953,000 美元,2022 年為 12,475,000 美元。

 

營運盈虧:2023 年營運收入虧損 1,558,000 美元,2022 年營運收支平衡。

 

現金流量

營運活動:2023 年營運活動現金流量凈流出 46,196,000 美元,2022 年為 35,037,000 美元。主要受淨資產變化、折舊攤銷、投資損益、營運資產和負債變化等因素影響。

 

投資活動:2023 年投資活動現金流量凈流入 40,611,000 美元,2022 年為 2,324,000 美元。涉及購置和出售財產設備、投資購買和出售等活動。

 

籌資活動:2023 年籌資活動現金流量凈流入 9,647,000 美元,2022 年為 19,619,000 美元。包括信用貸款借款、償還借款、長期債務借款等事項。

 

財務報表附註重要事項

組織和業務:大都會歌劇院是位於紐約的非營利會員制公司,旗下有全資盈利子公司 Impresario, LLC,並包含大都會歌劇院捐贈信託(the Trust)。受新冠疫情和經濟不穩定影響,票房和媒體收入低於疫情前水平,2023 財年有輕微虧損,歌劇院采取了削減費用和額外提取捐贈基金等措施。

 

收入和費用分類:詳細解釋了各項收入和費用的分類依據,如歌劇活動收入、芭蕾舞和其他演出收入、總部管理費用、籌資費用等。

 

投資:介紹了投資資產的構成、投資回報、估值方法以及在公允價值層次中的分類。投資包括現金等價物、固定收益、股票等,2023 年投資回報為 12,069,000 美元,2022 年為 -23,007,000 美元。

 

債務:2023 年和 2022 年的債務包括信用貸款借款和長期債務,2023 年信用貸款借款 63,000,000 美元,長期債務 100,844,000 美元;2022 年分別為 49,500,000 美元和 108,869,000 美元。歌劇院以藝術品、部分捐贈基金和應收賬款作為抵押。

 

退休計劃:歌劇院有固定收益養老金計劃,涵蓋眾多員工。2023 年養老金計劃資金狀況為虧空 40,833,000 美元,2022 年為虧空 65,161,000 美元。此外,部分員工參與多雇主養老金計劃。

 

承諾和或有事項:歌劇院租賃林肯中心的歌劇院場地,需支付維護和運營費用以及林肯中心公共設施的部分費用。

 

關聯方交易:大都會歌劇院協會(the Guild)向歌劇院捐款,歌劇院為其維護會員記錄,雙方存在收入和應收賬款往來。歌劇院董事會成員也向歌劇院捐款。

 

期後事項:2024 財年歌劇院董事會批准增加捐贈基金提取金額以提供現金資源;2023 年 10 月 1 日起,the Guild 成為歌劇院的支持組織,其 2024 財年起的運營將反映在歌劇院的合併財務報表中。

 

 

 


【BON話題】2022年留聲機雜誌「全球最佳管弦樂團投票」(網頁+推薦錄音)

你心中的No.1是哪一團呢?趕緊去投票吧❤️

2022全球最佳管弦樂團投票」又開始囉~(點按照片進入網頁最下方,開始投票)

 

入圍2022年全球十大管弦樂團的有:

巴伐利亞國立管弦樂團  Bayerisches Staatsorchester (Germany)

布達佩斯節慶管弦樂團 Budapest Festival Orchestra (Hungary)

捷克愛樂 Czech Philharmonic (Czech Republic)

哈雷管絃樂團 The Hallé (UK)

世紀交響樂團 Les Siècles (France)

馬勒室內交響樂團 Mahler Chamber Orchestra (Europe)

奧斯陸愛樂 Oslo Philharmonic (Norway)

匹茲堡交響樂團 Pittsburgh Symphony Orchestra (USA)

倫敦小交響樂團 Sinfonia of London (UK)

維也納愛樂 Vienna Philharmonic (Austria)


2023年留聲機雜誌主辦的「十大交響樂團」🎉

Vote for Gramophone's Orchestra of the Year 2023

本次入圍的「十大交響樂團」,你最喜歡的是哪一團呢?😉

  • BBC愛樂 | BBC Philharmonic (UK)

  • 柏林愛樂 | Berliner Philharmoniker (Germany)

  • 芝加哥交響樂團 | Chicago Symphony Orchestra (USA)

  • 國家古樂合奏團 | Le Concert des Nations (Spain)

  • 丹麥國家交響樂團 | Danish National Symphony Orchestra (Denmark)

  • 布萊梅德意志室內愛樂樂團 | Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Germany)

  • 芬蘭廣播交響樂團 | Finnish Radio Symphony Orchestra (Finland)

  • 倫敦愛樂交響樂團 | London Philharmonic Orchestra (UK)

  • 法國巴黎管弦樂團 | Orchestre de Paris (France)

  • 美國國家交響樂團 | National Symphony Orchestra (USA)

 

2024年留聲機雜誌再次舉辦最佳管弦樂團投票

共有六個樂團入圍獲得提名:

Bavarian Radio Symphony Orchestra

Czech Philharmonic

Les Talens Lyriques

Orchestre Philharmonique de Radio France

Pittsburgh Symphony Orchestra

Sinfonia of London

 

經過重重考驗,最終投票結果揭曉:

獲獎的樂團是...

捷克愛樂!

 

這支扎根深厚歷史,放眼全現代的樂團,由拜區可夫(Semyon Bychkov)領軍,先前我於萊比錫馬勒音樂節現場欣賞過,真的非常具有感染力~是名符其實的超級樂團❤️


【BON精彩 - 樂評眼中的全球最棒樂團】

在專業樂評人眼中,全球最傑出的管弦樂團到底排名如何?(2023年)

以下是前十大最傑出的專業排名,讓我們來一探究竟:

第一名與第二名,跟筆者心中排名一模一樣,毫無懸念:柏林愛樂與維也納愛樂。

老實說,從第三名開始,才是各樂團真正的戰場XD

第三名由巴伐利亞廣播交響樂團獲得,相當不容易!

而第四名也不意外,皇家大會堂管弦樂團~

第五名是今天的主題樂團:芝加哥交響樂團,也是北美第一!

第六名起,依序為:

克里夫蘭交響樂團

倫敦交響樂團

布達佩斯節慶管弦樂團

萊比錫布商大廈管弦樂團

洛杉磯愛樂

 

如何?專業樂評人眼中的2023年全球十大管弦樂團,符合您的期待


【BON話題 - 以收入論管弦樂團之經營】

Top 20 orchestras in the U.S. by revenue

在美國,大多數管弦樂團都是作為非營利組織運營,因此要了解樂團真實營運狀況,只能透過國稅局的 IRS990 表格資料事後分析。下方照片為 2017/2018 年度,美國職業管弦樂團收入由高而低排序,以及分布全國區域與城市圖示:

 

具體樂團收入總額與排序,如下表

  1. Los Angeles Philharmonic: $187M 一億8千7百萬!
  2. Philadelphia Orchestra: $99M 9千9百萬
  3. Boston Symphony Orchestra: $96M 9千6百萬
  4. San Francisco Symphony Orchestra: $94M 9千4百萬
  5. New York Philharmonic: $86M
  6. Chicago Symphony Orchestra: $82M
  7. Cleveland Orchestra: $62M
  8. Cincinnati Symphony Orchestra: $43M
  9. Detroit Symphony Orchestra: $41M
  10. Minnesota Orchestra: $37M
  11. Pittsburgh Symphony Orchestra: $37M
  12. Dallas Symphony Orchestra: $35M
  13. Seattle Symphony Orchestra: $33M
  14. Saint Louis Symphony Orchestra: $32M
  15. Houston Symphony Orchestra: $30M
  16. San Diego Symphony Orchestra: $26M
  17. Baltimore Symphony Orchestra: $23M
  18. Milwaukee Symphony Orchestra: $19M
  19. Buffalo Philharmonic Orchestra: $15M
  20. New Jersey Symphony Orchestra: $13M

 

由數據可以進一步了解

東海岸(6)與中西部(7)、(8)、(9),筆者簡稱「外雙C」,是在高收入團排序之後,明顯反映出管弦樂團平均高收入的位置區域。

 

資料中明顯遺漏的優秀樂團包括:

大都會歌劇院—因為他們並不專注於管弦樂項目,以歌劇為主

亞特蘭大交響樂團——他們隸屬於伍德拉夫藝術中心(Woodruff Arts Center)的一部分,該中心也不專注於管弦樂項目。

華盛頓特區國家交響樂團— 因為隸屬於甘迺迪藝術中心的一部分,而甘迺迪藝術中心也不專注於管弦樂項目。

 

就這些管弦樂團所在的大都會地區而言,它們代表了 55% 的人口和 64% 的 GDP。

在 GPD 排名的前 20 個大都會區中,只有 5 個沒有進入前 20 名的管弦樂團:華盛頓特區。 (有國家交響樂團)、亞特蘭大(有亞特蘭大交響樂團)、邁阿密、聖荷西、鳳凰城、丹佛和聖貝納迪諾(San Bernardino)。

 

美國前20名管弦樂團的平均收入、支出和淨收入:

 

收入💵

平均收入為 5,400 萬美元,最高為洛杉磯,收入為 1.87 億美元。

收入最低的是水牛城愛樂樂團與新澤西交響樂團收入最低,為 1,500萬 - 1,300 萬美元。

 

費用💸

平均每個管弦樂團花費 4,900 萬美元。

洛杉磯愛樂樂團總花費為 1.59 億美元,水牛城愛樂樂團花費 1,300 萬美元。

 

淨收入💰

平均而言,管弦樂團的收入為 500 萬美元,收入/支出比率為 9%。

費城交響樂團的淨收入最高,為 4700 萬美元(得益於慷慨的捐贈),而波士頓交響樂團的業績最差,為 -1400 萬美元。

 

門票收入🎫

這些管弦樂團平均從門票中賺取 1,800 萬美元,佔其總收入的 34%。

洛杉磯愛樂樂團的比例最高,其50%的收入都來自門票。

值得一提的是西雅圖交響樂團(48%)、波士頓交響樂團(42%)和芝加哥交響樂團(38%)。

 

薪資💵

該組的平均樂團薪資支出為 2,600 萬美元,佔總支出的 53%。薪資佔門票收入的140%。

 

結論:經營管弦樂團,需要捐款XD。

 


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【BON音樂】蹦藝術專題演講: 《三段巴哈無伴奏音樂與音樂之路~林仁斌談馬友友》

【BON音樂】蹦藝術專題演講: 《三段巴哈無伴奏音樂與音樂之路~林仁斌談馬友友》
Yo-Yo MA Music lecture

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


 

主講人:林仁斌

 

華人音樂之光:馬友友

《三段巴哈無伴奏音樂與音樂之路~林仁斌談馬友友》

馬友友(Yo-Yo Ma, b.1955)被《時代》雜誌評為2020年全球百大最具影響力人物

這位全球最出色、最有親和力的美籍華裔大提琴演奏家,自幼起便與大提琴結下不解之緣,欣賞他的音樂仿佛像輕啟一扇奇幻音樂天地之門,滿是令人心馳神往的奇妙景象。

本場講座,林仁斌老師將以馬友友一生灌錄三次完整巴哈無伴奏奏鳴曲為經,精彩演奏為緯,帶您領略馬友友音樂人生由古典通往跨界,再走向與文化交融的偉大之路

 

馬友友:縱橫音樂、人文、知識、理性與感性的偉大音樂家

世界百大影響力人物.百張音樂專輯,18 座格萊美獎得主。

 

生平與背景

馬友友(Yo-Yo Ma)是當代最具影響力的大提琴家之一,他的音樂生涯橫跨古典與跨界領域,無論在獨奏、合奏還是文化推廣上,都有深度的影響。

 

他於1955年10月7日出生於巴黎,父母皆為華人,父親馬友德是小提琴家兼音樂教授,母親李美華則是一位歌唱家。在這樣的家庭環境中,馬友友自幼便接觸音樂,四歲開始學習大提琴,七歲便能熟練演奏巴赫的作品。

 

1962年,他隨家人移居美國紐約,不久後便在白宮為甘迺迪總統演出,在伯恩斯坦的介紹下正式登場,展現驚人的音樂天賦。

https://www.youtube.com/watch?v=wiwkBFR6rW0

 

馬友友談七歲時的回憶:從七歲首演到認識卡薩爾斯

「我首先是一個人,第二是音樂家,第三才是大提琴家。」-這是20世紀最偉大的大提琴家卡薩爾斯的名言,也是馬友友不變的信念。

回憶當時高齡80多歲的卡薩爾斯,聽完7歲的馬友友演出,卻叮嚀他「很棒,但也不要忘了去打棒球。」讓馬友友大受震撼,也成為了多年來不變的信念。

https://www.facebook.com/watch/?v=658135958236402

 

他師從大提琴家萊昂納德·羅斯(Leonard Rose),並進入茱莉亞音樂學院學習。不同於一般職業音樂家的學術路徑,他選擇進入哈佛大學,1976年獲得學士學位,這段經歷使他的視野不僅侷限於音樂,也對文化、哲學與社會問題有更深層的理解。

Leonard Rose (left) with his students Matt Haimovitz (middle) and Yo-Yo Ma (right) at Rose‘s 65th birthday celebrations at 92nd Street Y, New York in 1983

 

深刻而多元的學習與人文情懷,造就馬友友不平凡的感性思維

 

音樂生涯與成就

古典音樂的深耕

馬友友以詮釋古典音樂聞名,無論是巴赫、貝多芬、布拉姆斯,還是德弗札克、柴可夫斯基的作品,他的演奏都以細膩的音樂性和溫暖的音色著稱。他最具代表性的錄音之一是 《巴赫無伴奏大提琴組曲》,這套作品被視為大提琴文獻中的巔峰之作,他不僅錄製過多次,每個版本也都展現了不同時期的藝術觀點。

 

聽聽馬友友怎麼說巴赫無伴奏與他的人生之路的緣份~

https://www.youtube.com/watch?v=8JdNSl2nG6U

 

BON話題:馬友友三次完整《巴赫無伴奏大提琴組曲》介紹

馬友友(Yo-Yo Ma)至今總共錄製了三次完整的《巴赫無伴奏大提琴組曲》(Bach: The Cello Suites),每次錄音都反映了他不同時期的藝術觀點與人生經驗,展現他對這套經典作品的持續探索與理解:

 

1. 1983年版:《Bach: The Unaccompanied Cello Suites》

發行年份: 1983年

唱片公司: CBS Masterworks(現屬 Sony Classical)

錄音年齡: 27-28歲

https://open.spotify.com/album/2OpnKgmVYPEN2GldgBponI?si=YyrFDw51Qqun9ZVvEgGiRg

特色與詮釋

這是馬友友首次錄製《巴赫無伴奏大提琴組曲》,當時他已經是一位技術成熟的大提琴家,這個版本展現了年輕時的活力與精確性。整體詮釋較為直接,著重在音樂結構的清晰度與流暢的旋律線條,節奏穩定且富有彈性。

他的演奏強調 樂句的完整性與對比,每首樂曲都有鮮明的個性,例如:

   •   第一號 G大調組曲(BWV 1007) 充滿年輕氣息,音色明亮。

https://open.spotify.com/track/61dYvvfIRtIDFuqZypPAta?si=07dde2d8a81847ef

 

   •   第二號 D小調組曲(BWV 1008) 低沉而有張力,展現出對低音弦的掌控力。

https://open.spotify.com/track/5BSTDnS8drJLOwpL4Co4K2?si=c91b259bb3f44868

 

   •   第六號 D大調組曲(BWV 1012) 由於原本為六弦大提琴所作,在四弦大提琴上的演奏技巧極具挑戰性,但馬友友處理得相當順暢。

https://open.spotify.com/track/7j8Zvc4SWkmjohXxuraria?si=fc232b61a0c44920

此版本錄製於錄音室,音質乾淨,較為接近標準的巴洛克風格,但仍帶著年輕馬友友個人詮釋之自由。


2. 1998年版:《Inspired by Bach》

發行年份: 1998年

唱片公司: Sony Classical

錄音年齡: 42-43歲

https://open.spotify.com/album/7rbxlvUlXfx23tyfsM2ccS?si=7HFCQ5z-Q8SnowSw1Kk1vQ

 

特色與詮釋

這是馬友友第二次錄製這套作品,與1983年版相比,這次的詮釋更為自由、感性,音色更加溫暖且具有歌唱性。他將這次錄音視為一種「探索巴赫音樂對藝術與生活的影響」,因此這個版本不只是單純的音樂演奏,而是結合了不同的藝術形式,形成一個跨界計畫——《Inspired by Bach》

這個計畫包含六部紀錄片,每一部都與不同的藝術領域合作,讓巴赫的音樂與舞蹈、戲劇、視覺藝術、建築等產生對話。例如:

   •   第一號組曲(G大調,BWV 1007):與加拿大編舞家 Jean-Pierre Perreault 合作,以現代舞詮釋音樂。

https://open.spotify.com/track/1WbfAfJrkvIPOBDi9h7Yo7?si=f7bacff314374014

 

https://www.youtube.com/watch?v=CUkLdATMx58

 

   •   第二號組曲(D小調,BWV 1008):與劇作家 Julie Moir Messervy 合作,以園林設計表現音樂的結構。

https://open.spotify.com/track/2xnQDGIJpsW02NSyFUJNEE?si=2ab1947d2f4d43ef

 

   •   第五號組曲(C小調,BWV 1011):與冰上舞者 Torvill & Dean 合作,將音樂轉化為冰上芭蕾的動作。

https://open.spotify.com/track/0mDpLdogtJ9GFdrtuaxUcT?si=b35b5f0c4f7a4be3

 

這個版本的錄音更具戲劇性,音樂語言更加豐富,節奏與語法也較有彈性。相較於1983年的版本,這次的演奏明顯帶有更深的情感層次與內省意味。


3. 2018年版:《Six Evolutions – Bach: Cello Suites》

發行年份: 2018年

唱片公司: Sony Classical

錄音年齡: 62-63歲

https://open.spotify.com/album/6XaCGjrIRFiS5D5IVg66vb?si=fKyeNfsnT5evsa9uWM2_Ug

 

特色與詮釋

這是馬友友第三次錄製《巴赫無伴奏大提琴組曲》,也被他視為「一生對巴赫音樂理解的總結」。他在錄音前後展開了一系列全球巡演,將這套作品帶到世界各地,希望透過音樂傳遞人文關懷與文化對話。

與前兩個版本相比,這次的演奏更加內斂、深思熟慮,每個音符都帶有歷經歲月洗禮的智慧。節奏不再追求華麗或技巧性的表現,而是更具自然的流動感,彷彿在敘述一個故事。

特別是:

 •   第一號組曲(G大調,BWV 1007):從心與欲而不逾矩

https://open.spotify.com/track/5mRrklQD0rvuN6sV10HfPn?si=a3371eab3d184e96

 

   •   第三號 C大調組曲(BWV 1009) 展現出更溫暖、富有哲思的音樂性。

https://open.spotify.com/track/4HBGaiBz5jIN3qwf6xACmH?si=5baa5f728ee64815

 

   •   第五號 C小調組曲(BWV 1011) 中的「薩拉邦德(Sarabande)」極為靜謐,音符間的停頓更具重量,彷彿是一種冥想。

https://open.spotify.com/track/2DnGwcsJH97gPrrgHEFzhn?si=ae564ba3460147e0

 

   •   第六號 D大調組曲(BWV 1012) 更強調音色的變化,將音樂帶往更自由的境界。

https://open.spotify.com/track/0DojqslGcLrFfcRMd1VfC5?si=4cf11b62d9c442b3

 

這個版本的錄音音質極為細緻,能夠清楚呈現馬友友對音色的精緻控制。

整體充滿智慧與情感深度的詮釋,不再只是技巧上的展現,而是一種人生歷練的力度凝聚與呈現。

 

比較與總結

版本

發行年份

年齡

特色

詮釋風格

1983年版

1983

27-28歲

年輕氣息、結構清晰、技巧精湛

直接、精確、節奏穩定

1998年版

1998

42-43歲

跨界藝術計畫,音色更溫暖

感性、自由、富有歌唱性

2018年版

2018

62-63歲

一生總結,更具深度與哲理

內斂、成熟、流暢

這三次錄音分別代表了馬友友音樂旅程中的不同階段:從年輕時的純粹技術展現,到中年的藝術探索,再到晚年的沉澱與內省。

他曾表示,巴赫的音樂蘊含著「人性」與「宇宙觀」,每次演奏都會因人生經驗而有新的理解,這或許正是他不斷回到這部作品的原因。

隨著時間的推移,馬友友的詮釋從技巧與結構的掌握,轉向更個人、更深刻的情感表達。這三個版本不僅是對巴赫的致敬,也是一位音樂家對生命的不同階段的回應。


 

經典呈現與探索

馬友友與世界各大樂團和指揮家合作,如柏林愛樂、紐約愛樂,以及伯恩斯坦(Leonard Bernstein)、巴倫波因(Daniel Barenboim)等,錄製了多部大提琴協奏曲,其中札克的《大提琴協奏曲》 和艾爾加的《大提琴協奏曲》 均被認為是經典版本。

 

馬友友的德弗札克

https://www.youtube.com/watch?v=190faUQ7xJg

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/miaobei-art-center-x-bonart-2024-5/

 

馬友友的艾爾加

https://www.youtube.com/watch?v=7rVW4Z70TfE

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/all-about-elgars-cello-concerto/

 

跨界與世界音樂的探索

馬友友的音樂視野不僅侷限於西方古典,他對不同文化的音樂有極大的興趣。1998年,他成立 「絲綢之路計畫」(Silk Road Project),邀請來自亞洲、中東、歐洲等地的音樂家合作,將各地傳統音樂與現代音樂融合。他與蒙古喉音歌手、日本尺八演奏家、伊朗琵琶演奏家等合作,試圖讓音樂成為跨文化交流的橋樑。

https://www.youtube.com/watch?v=i3Z6LHtxN3U

 

除了絲綢之路計畫,他也曾錄製 《Soul of the Tango》,向阿根廷探戈大師皮亞佐拉(Astor Piazzolla)致敬;

https://open.spotify.com/album/3PMS3gfZ6N4Rd6PtP7nco6?si=unfvLX1MQ1aKvFIfSUxehQ

 

天使的 Milonga 

https://www.youtube.com/watch?v=_iUDxx9AtYY

 

參與藍草音樂專輯 《The Goat Rodeo Sessions》,與曼陀林演奏家克里斯·泰利(Chris Thile)等合作,展現音樂的可能性。

https://open.spotify.com/album/3P7xbl4YB4T73vWRHgcHMa?si=edz8AbeUQYCSysZhOphYdg

 

精彩演奏MV

https://www.youtube.com/watch?v=d-31e8Nlujw

 

電影配樂與對大眾文化之影響

馬友友的音樂不僅存在於音樂廳,也活躍於電影領域。他曾為李安的 《臥虎藏龍》 演奏配樂,這首由譚盾創作的主題曲為電影增添東方韻味,並獲得奧斯卡最佳原創音樂獎。

https://www.youtube.com/watch?v=JRxd7gPLV5s

 

他還參與了約翰·威廉斯(John Williams)為 《藝伎回憶錄》 創作的配樂,附上兩人珍貴的合奏畫面

https://www.youtube.com/watch?v=sY5nw37xYIw

 

https://www.youtube.com/watch?v=5LFHKSB0n20

 

《藝伎回憶錄》的柔美與動感

https://youtu.be/FoYFEO2ZU6k

 

 

以及與流行音樂家如保羅·西蒙(Paul Simon)共同獲獎 Polar Music Prize ,不斷創下人生里程碑將大提琴帶入更廣泛的音樂領域。27:30 起)

https://youtu.be/zzmr8cKzuaA?t=1651

 

或者,來段他與知名鄉村歌手詹姆斯·泰勒(James Taylor)的合作~

https://www.youtube.com/watch?v=qgO7BqAeeYk

 

演奏風格與藝術特質

音色與詮釋

馬友友的音色溫暖而深邃,擁有高度的可塑性,能夠適應從巴洛克到當代音樂的各種風格。他的弓法運用細膩,運弓輕重之間帶有極高的控制力,使旋律流暢且富有層次感。

情感與表達

他在演奏時重視音樂的情感表達,而不只是技術上的精確。他的詮釋既有理性的架構,也帶有個人的藝術觸感,使他的演奏能夠觸動聽者的內心。

跨文化影響

馬友友的音樂不斷打破傳統界線,他的跨界合作並非單純的風格混搭,而是基於對不同音樂文化的深入理解。他認為音樂是全球共通的語言,因此他的音樂不僅限於演奏,而是一種探索與對話。

 

影響與文化貢獻

音樂教育與文化推廣

馬友友不僅是演奏家,也是積極的音樂教育推動者。他曾多次參與音樂教育計畫,鼓勵年輕音樂家探索不同音樂文化。他認為,學習音樂不僅是技術上的訓練,更是一種思考世界的方式。

公共影響力

他曾獲頒 美國總統自由勳章(2009年)甘迺迪中心榮譽獎(2011年),也曾擔任聯合國和平大使。他的「絲綢之路計畫」不僅促進了音樂文化交流,也成為許多新一代音樂家的靈感來源。

 

人生淬煉.馬友友的大師班 系列課程

全球知名的大提琴家馬友友,六十多年來一直通過音樂將人們聯繫在一起。如今,這位獲得格萊美獎的藝術家正與您分享他的經歷。無論您是表演者、音樂愛好者,抑或只是一位充滿好奇心的人,都能從中了解音樂如何成為一種建立聯繫、想象新可能以及創建強大社群的途徑。

馬友友 MasterClass 課程,https://mstr.cl/3naALvn 。

https://www.youtube.com/watch?v=dbjgHkj-syM

 

人生.70才開始

出生於1955年的馬友友,今年正式邁入70大壽,馬友友的音樂生涯不僅僅是一個大提琴家的故事,更是一個不斷探索、打破界限的過程。他的演奏橫跨古典、爵士、探戈、世界音樂,展現了音樂如何超越語言與文化,成為人與人之間的橋樑。他的影響力不僅來自技術的精湛,更來自他對音樂的開放態度與無窮的好奇心。即便已經成為大提琴界的傳奇,他仍不斷嘗試新的音樂語言,拓展音樂無盡邊界,並讓我們感受到音樂之美,是當代偉大絕頂人物。

 


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【BON音樂】蹦藝術專題演講: 《一路邁向樂壇之巔的神奇指揮家~林仁斌談杜達美》

【BON音樂】蹦藝術專題演講: 《一路邁向樂壇之巔的神奇指揮家~林仁斌談杜達美》
Gustavo Dudamel Music lecture

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


 

主講人:林仁斌

 

洛杉磯愛樂音樂/藝術總監:杜達美

來自南美洲委內瑞拉的特殊教育制度(El Sistema)的指揮家度打沒,2004年贏得國際馬勒指揮大賽首獎,是21世紀指揮界傳奇人物之一:1999年起擔任委內瑞拉西蒙.玻利瓦交響樂團音樂總監、2009年獲聘為洛杉磯愛樂音樂總監至今,2017年更成為歷史上維也納新年音樂會最年輕指揮家,2021年底接任巴黎國家歌劇院音樂總監的杜達美,創下的榮譽不計其數,而今進軍法國巴黎更可說攀登人生全新高峰。

古斯塔沃·杜達美(Gustavo Dudamel, b.1981)與指揮家馬勒同名(Gustav Mahler),這位來自委內瑞拉的神奇指揮,絕對想不到自己即將在百餘年之後,即將接棒執掌馬勒曾經指揮過的紐約愛樂!

出生於委內瑞拉的巴基西梅托,在獨特的教育系統(El Sistema)中脫穎而出,贏得馬勒指揮大賽首獎時,卻沒有人聽過他?!

本場講座林仁斌老師將帶您深入認識杜達美的成長歷程,獨特的音樂經歷,以及精彩的音樂~

 

2025-26 洛杉磯愛樂最後樂季

https://www.youtube.com/watch?v=8NL4jNyg4wI

 

一切.從21年前開始講起

古斯塔沃.杜達美(Gustavo Dudamel,b.1981),這個近年來在全球古典樂壇發光發熱的名字,崛起於2004年德國首屆馬勒指揮大賽,一個連當時評審委員們都在問他到底來自何處何方神聖的小伙子;一個從沒在著名音樂院就讀過的學生,更沒有國際指揮大師加持的南美年輕人,究竟為何能夠屢獲全球聽眾的心?!

 

搞笑版

https://www.youtube.com/watch?v=dVcGAQylBow

 

正式版

兩分鐘初步認識杜達美

https://youtu.be/jhHe2L8ddMc

 

輕鬆活潑,但卻深入的音樂詮釋風格

https://www.youtube.com/watch?v=8fszuGQMArk

 

2021年5月,杜達美接受訪問,暢談接任巴黎歌劇院音樂總監的責任與展望

杜達美一路以卓越的音樂詮釋能力、場場完售的超級明星魅力征服全球聽眾,如今更成為350年歷史的法國巴黎歌劇院音樂總監。

https://youtu.be/QAut6hAHc4w

 

超級比一比.前後任法國巴黎國家歌劇院音樂總監

杜達美前任音樂總監 - 菲利普.約丹

https://youtu.be/Mznkad1uvP8

 

文/MUZIK

擁有超過350年歷史的巴黎歌劇院,即將迎來新的音樂總監,當紅的指揮明星杜達美(Gustavo Dudamel)將於2021年8月起正式上任。

這項任命於上週正式公告,劇院總監 Alexander Neef 表示,杜達美一直就是他們在尋找這個職位時的唯一人選,而這個任命的任期將長達六年。杜達美也隨後發表聲明,表示自己將會致力於延續巴黎歌劇院悠久的名聲與傳統,同時也放眼未來,尋求更多與當代藝術創作者們合作的契機。而他也立刻公布了上任後的第一個委託創作,將和英國作曲家Thomas Adès合作一齣全新的芭蕾舞劇。

除了這個即將上任的職位外,這位被時代雜誌評選為最能影響世界的一百位人物的指揮家,還同時身兼瑞典哥德堡交響樂團的名譽指揮、故鄉委內瑞拉西蒙·玻利瓦交響樂團音樂總監,以及才剛續約至2025-2026年樂季的洛杉磯交響樂團音樂總監

杜達美在巴黎歌劇院的前任者為瑞典指揮家Philippe Jordan

 

年紀輕輕的杜達美,已步上世界樂壇頂峰

 

巴黎歌劇院就職音樂會

杜達美瑜在巴黎精緻的加尼葉廳(Palais Garnier)指揮他擔任巴黎歌劇院音樂總監的就職音樂會,開啟為期六年的任期。

https://www.youtube.com/watch?v=ddYhQoFxs4Y

 

Medici上的完整音樂會

 

22/23 樂季結束後,或許因為歐洲/美國往返奔波,抑或因為歌劇院的音樂生態緣故,杜達美選擇辭去巴黎歌劇院音樂總監一職,專心於美國羅山幾深耕

 

接下來讓我們以更多數據與資料來深入這個話題:

 

美國五大交響樂團

 

讓我們先從歷史談起,當我們聊到美國樂團十,總喜愛先聊「五大」,這五大交響樂團在過去的歷史定位也非常清楚,分別是:

紐約愛樂 New York Philharmonic

波士頓交響樂團 Boston Symphony Orchestra

芝加哥交響樂團 Chicago Symphony Orchestra

費城交響樂團 Philadelphia Orchestra

克里夫蘭交響樂團 Cleveland Orchestra

美國五大樂團」一詞,誕生於早期黑膠唱片錄音時期,當時管弦樂尚在以廣播方式放送音樂,聽眾們在家中,以收音機方式收聽各樂團之音樂節目之時期。

各樂團在20世紀也如「兄弟登山,各自努力」般,不斷擴大樂團編組,提升演奏能力。

時至20世紀中葉,東岸商業環境繁盛,於是錄音和廣播節目漸漸由東海岸樂團主導,當時最著名的樂團被稱為「三巨頭」:紐約樂團、波士頓樂團和費城樂團。

逐漸地,當時隨著偉大指揮家們的崛起,樂團能見度與唱片銷量也逐漸提升,因此,由喬治·塞爾領軍的克利夫蘭管弦樂團和弗里茨·萊納指揮的芝加哥交響樂團,聲望日益提高,人們漸漸將管弦樂「三巨頭」擴張為「五巨頭」,也就是我們常說的「美國五大樂團」。


然後,讓我們接著進入全球管弦樂團排名這個話題:

【BON話題】2022年留聲機雜誌「全球最佳管弦樂團投票」(網頁+推薦錄音)

你心中的No.1是哪一團呢?

 

入圍2022年全球十大管弦樂團的有:

巴伐利亞國立管弦樂團  Bayerisches Staatsorchester (Germany)

布達佩斯節慶管弦樂團 Budapest Festival Orchestra (Hungary)

捷克愛樂 Czech Philharmonic (Czech Republic)

哈雷管絃樂團 The Hallé (UK)

世紀交響樂團 Les Siècles (France)

馬勒室內交響樂團 Mahler Chamber Orchestra (Europe)

奧斯陸愛樂 Oslo Philharmonic (Norway)

匹茲堡交響樂團 Pittsburgh Symphony Orchestra (USA)

倫敦小交響樂團 Sinfonia of London (UK)

維也納愛樂 Vienna Philharmonic (Austria)


2023年留聲機雜誌主辦的「十大交響樂團」🎉

Vote for Gramophone's Orchestra of the Year 2023

本次入圍的「十大交響樂團」,你最喜歡的是哪一團呢?😉

  • BBC愛樂 | BBC Philharmonic (UK)

  • 柏林愛樂 | Berliner Philharmoniker (Germany)

  • 芝加哥交響樂團 | Chicago Symphony Orchestra (USA)

  • 國家古樂合奏團 | Le Concert des Nations (Spain)

  • 丹麥國家交響樂團 | Danish National Symphony Orchestra (Denmark)

  • 布萊梅德意志室內愛樂樂團 | Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Germany)

  • 芬蘭廣播交響樂團 | Finnish Radio Symphony Orchestra (Finland)

  • 倫敦愛樂交響樂團 | London Philharmonic Orchestra (UK)

  • 法國巴黎管弦樂團 | Orchestre de Paris (France)

  • 美國國家交響樂團 | National Symphony Orchestra (USA)

 

2024年留聲機雜誌再次舉辦最佳管弦樂團投票

今年的方式有所不同,先由 Gramophone 挑出六個樂團入圍獲得提名,再由總票選結果,選出年度最佳管弦樂團~

入圍的六大有:

Bavarian Radio Symphony Orchestra

Czech Philharmonic

Les Talens Lyriques

Orchestre Philharmonique de Radio France

Pittsburgh Symphony Orchestra

Sinfonia of London

 

經過重重考驗,最終投票結果揭曉:

獲獎的樂團是...

捷克愛樂!

 

這支扎根深厚歷史,放眼全現代的樂團,由拜區可夫(Semyon Bychkov)領軍,先前我於萊比錫馬勒音樂節現場欣賞過,真的非常具有感染力~是名符其實的超級樂團❤️


下一段,才是真正的重點所在:

【BON精彩 - 樂評眼中的全球最棒樂團】

在專業樂評人眼中,全球最傑出的管弦樂團到底排名如何?(2023年)

以下是前十大最傑出的專業排名,讓我們來一探究竟:

第一名與第二名,跟筆者心中排名一模一樣,毫無懸念:柏林愛樂維也納愛樂

老實說,從第三名開始,才是各樂團真正的戰場XD

第三名由巴伐利亞廣播交響樂團獲得,相當不容易!

而第四名也不意外,皇家大會堂管弦樂團~

第五名是今天的主題樂團:芝加哥交響樂團,也是北美第一!

第六名起,依序為:

克里夫蘭交響樂團

倫敦交響樂團

布達佩斯節慶管弦樂團

萊比錫布商大廈管弦樂團

洛杉磯愛樂

 

如何?專業樂評人眼中的2023年全球十大管弦樂團,符合您的期待嗎?

 

在杜達美17年的耕耘之下,成立迄今106年的洛杉磯愛樂,不但已經超越「老五大」,更在全球專業樂評人眼中正式進入「全球十大」,如今北美三強傲視江湖:「芝加哥交響樂團」、「克里夫蘭交響樂團」與「洛杉磯愛樂」。

 

接下來,讓我們專換另一個角度,談談大家最關心的「錢錢~」

【BON話題 - 以收入論管弦樂團之經營】

Top 20 orchestras in the U.S. by revenue

在美國,大多數管弦樂團都是作為非營利組織運營,因此要了解樂團真實營運狀況,只能透過國稅局的 IRS990 表格資料事後分析。下方照片為 2017/2018 年度,美國職業管弦樂團收入由高而低排序,以及分布全國區域與城市圖示:

 

具體樂團收入總額與排序,如下表

  1. Los Angeles Philharmonic: $187M 一億8千7百萬!
  2. Philadelphia Orchestra: $99M 9千9百萬
  3. Boston Symphony Orchestra: $96M 9千6百萬
  4. San Francisco Symphony Orchestra: $94M 9千4百萬
  5. New York Philharmonic: $86M
  6. Chicago Symphony Orchestra: $82M
  7. Cleveland Orchestra: $62M
  8. Cincinnati Symphony Orchestra: $43M
  9. Detroit Symphony Orchestra: $41M
  10. Minnesota Orchestra: $37M
  11. Pittsburgh Symphony Orchestra: $37M
  12. Dallas Symphony Orchestra: $35M
  13. Seattle Symphony Orchestra: $33M
  14. Saint Louis Symphony Orchestra: $32M
  15. Houston Symphony Orchestra: $30M
  16. San Diego Symphony Orchestra: $26M
  17. Baltimore Symphony Orchestra: $23M
  18. Milwaukee Symphony Orchestra: $19M
  19. Buffalo Philharmonic Orchestra: $15M
  20. New Jersey Symphony Orchestra: $13M

 

由數據可以進一步了解

東海岸(6)與中西部(7)、(8)、(9),筆者簡稱「外雙C」,是在高收入團排序之後,明顯反映出管弦樂團平均高收入的位置區域。

 

資料中明顯遺漏的優秀樂團包括:

大都會歌劇院—因為他們並不專注於管弦樂項目,以歌劇為主

亞特蘭大交響樂團——他們隸屬於伍德拉夫藝術中心(Woodruff Arts Center)的一部分,該中心也不專注於管弦樂項目。

華盛頓特區國家交響樂團— 因為隸屬於甘迺迪藝術中心的一部分,而甘迺迪藝術中心也不專注於管弦樂項目。

 

就這些管弦樂團所在的大都會地區而言,它們代表了 55% 的人口和 64% 的 GDP。

在 GPD 排名的前 20 個大都會區中,只有 5 個沒有進入前 20 名的管弦樂團:華盛頓特區。 (有國家交響樂團)、亞特蘭大(有亞特蘭大交響樂團)、邁阿密、聖荷西、鳳凰城、丹佛和聖貝納迪諾(San Bernardino)。

 

美國前20名管弦樂團的平均收入、支出和淨收入:

 

收入💵

平均收入為 5,400 萬美元,最高為洛杉磯,收入為 1.87 億美元。

收入最低的是水牛城愛樂樂團與新澤西交響樂團收入最低,為 1,500萬 - 1,300 萬美元。

 

費用💸

平均每個管弦樂團花費 4,900 萬美元。

洛杉磯愛樂樂團總花費為 1.59 億美元,水牛城愛樂樂團花費 1,300 萬美元。

 

淨收入💰

平均而言,管弦樂團的收入為 500 萬美元,收入/支出比率為 9%。

費城交響樂團的淨收入最高,為 4700 萬美元(得益於慷慨的捐贈),而波士頓交響樂團的業績最差,為 -1400 萬美元。

 

門票收入🎫

這些管弦樂團平均從門票中賺取 1,800 萬美元,佔其總收入的 34%。

洛杉磯愛樂樂團的比例最高,其50%的收入都來自門票。

值得一提的是西雅圖交響樂團(48%)、波士頓交響樂團(42%)和芝加哥交響樂團(38%)。

 

薪資💵

該組的平均樂團薪資支出為 2,600 萬美元,佔總支出的 53%。薪資佔門票收入的140%。

 

結論:

1.  杜達美將洛杉磯愛樂帶到全美收入最高管弦樂團,成績卓越非凡,吸引力十足

2. 經營管弦樂團,需要捐款XD。


 

現在.從頭開始說起

 

認識委內瑞拉

 

 

 

 

 

 

 

貧窮問題

 

2021年新聞:

委內瑞拉惡性通膨太嚴重!超慘現況曝光:調漲工資近3倍,薪水仍不夠買一公斤肉

 

委內瑞拉通膨太嚴重!薪水調漲3倍竟只有台幣70元

調整後最低月薪為700萬玻利瓦(bolivares),相當於2.5美元(新台幣70元),在委內瑞拉購買一公斤肉品約要3.75美元。

一度為產油富國的委內瑞拉,目前處於惡性通膨的第4年,經濟衰退第8年。

 

2022年新聞:

委內瑞拉總統與議長地位危機!

 

國家貧窮指數.問題很大

以下數據與圖片,出處CSIS網站

圖 1:委內瑞拉石油價格,1999-2012
起初,一切都沒問題,因為石油價格穩步上漲——但這個國家幾十年來一直嚴重依賴石油資源。2011年更一度達到每桶 100 美元。

資料來源:Ministerio del Poder Popular de Petroleo
 

圖 2:1999-2012 年外債總額
利用非凡的石油收入提供的財政實力,政府從國際市場 大量借款。

資料來源:拉加經委會
 

圖 3:1999-2012 年委內瑞拉的進口
憑藉所有這些資源,該政權能夠極大地擴大公共支出,創造出越來越多地由進口滿足的巨大消費熱潮。國內生產嚴重衰弱並不斷受到威脅,可悲的是無法滿足任何部門的需求。

資料來源:委內瑞拉中央銀行
 

圖4:貧困線下的人口,1999-2012
在不同程度上,幾乎每個人都享受到了這種繁榮。由於石油收入和貸款的一部分被用於資助各種各樣的社會救助計劃,貧困得以減少。這些社會項目使該政權更受歡迎,並使其能夠在其民粹主義議程上取得進展。

資料來源:Encuesta Nacional Encovi
 

圖 5:2013-2018 年人均 GDP
好景不長。到 2012-2013 年,模式搖搖欲墜的跡像已經變得明顯。自那以後,一場長期的蕭條接踵而至,其規模可與1930年代美國的大蕭條和現代經濟史上最嚴重的經濟危機相媲美。

資料來源:國際貨幣基金組織和自己的估計(假設 2018 年 GDP 下降 15%)
 

圖 6:1999-2018 年石油產量和價格
正如歷史不斷出現的反覆現象:依靠單一商品的價格和借貸,永遠不可能實現持續的經濟增長。此外,委內瑞拉的體制變得極其腐敗和無能,進一步減少了本已下降的資源。委內瑞拉的主要收入來源變得越來越有限。

                                       資料來源:歐佩克Ministerio del Poder Popular de Petroleo
 

圖 7:1999-2017 年進口總額
隨著石油收入下降和國際儲備量的枯竭,政府採取了大規模削減進口的應對措施。但國家沒有足夠的美元來支付進口費用,任何可用的東西都被用來償還巨額外債,填補政府官員和合作者的支出。

資料來源:BCVECLAC都靈資本
 

 

圖 8:1999 年和 2017 年委內瑞拉的工業企業
這項表格數據意味著沒有足夠的外彙來進口食品、藥品或原材料來供應那些設法生存的公司。最終,外債支付也變得難以為繼,該國被宣布處於選擇性違約狀態。

隨著歲月的流逝,委內瑞拉變得更加依賴石油收入和國際金融市場的貸款。然而,這兩個資金來源已經枯竭。儘管如此,委內瑞拉還是無法生產無法進口的東西,因為基礎設施已被破壞,或者無法進口生產所需的原材料。結果,委內瑞拉在 1990 年代曾經生產其消費的 70% 並進口 30% 的糧食,現在只生產 30% 並進口 70%。

資料來源:ConindustriaReporte 1
 

圖 9:2012-2018 年通貨膨脹率
儘管查韋斯政權沒有足夠的外匯儲備來支付進口或償還外債,但這並沒有阻止該政權以越來越瘋狂的速度印製本國貨幣玻利瓦爾。這助長了巨大的通貨膨脹,這是當今世界上唯一持續的惡性通貨膨脹案例。

資料來源:國際貨幣基金組織委內瑞拉國民議會
 

圖 10:拉丁美洲的月最低工資
由於不受控制的通貨膨脹,工資直線下降。委內瑞拉的工資是整個南美最低的,也是目前世界上最低的—每月6美元。更令人震驚的是,這不僅是最低工資,還是該國的工資中位數。這意味著一半的勞動力每月收入不到 6 美元。

來源:  智利厄瓜多爾巴西阿根廷哥倫比亞墨西哥、  海地古巴委內瑞拉
 

圖 11:貧困線以下的人口
到2017年,貧困率飆升至創紀錄水平。由於只能獲得該年的數據,甚至到2018年,惡性通貨膨脹更加嚴重了。因此,可以肯定地假設這些統計數據到今天2022年都仍持續惡化之中...幾乎整個國家人民生活在貧困之中。

資料來源:Encuesta Condiciones de Vida,Encovi 20162018
 

圖 12:超越經濟數字
委內瑞拉人民面臨的多項可怕危機超越了經濟問題。

委內瑞拉的基礎設施長期以來一直是投資有限的疏忽的受害者,實際上已經崩潰。停電已經變得普遍,在每個地區發生的頻率和持續時間都在增加。獲得乾淨自來水的機會持續下降,並經常處在停水的危機與用水的限制。大約70%的公共交通完全停止服務:電信類,從基本的電話服務到互聯網使用,都經歷著不斷的失敗。

資料來源:Comité de Afectados Por Apagones
 

圖 13:1999 年至 2017 年的兇殺率
由於國家體制的徹底崩潰,委內瑞拉的犯罪猖獗。驚人的是,委內瑞拉也是世界上謀殺率最高的國家之一,因為司法系統和所有提供法律和秩序的政府部門都無法運作。

資料來源:維奧倫西亞天文台
 

圖 14:移民
內部不滿情緒在增加,但政權的鎮壓也在增加。該國大約有 235名政治犯,其中許多人受到酷刑或被關押在不人道的條件下。此外,最重要的反對黨已經被"解決"了。感到絕望和絕望的委內瑞拉人正在逃離本國正在醞釀的災難。根據聯合國的數據,截至2018年底,至少有 300 萬人(約佔全國人口的 10%)離開了委內瑞拉。

委內瑞拉現已成為一個失敗國家的案例,其影響不僅限於湧入該地區的難民潮。該國也已成為犯罪活動的國際中心。包括副總統塔雷克·艾薩米在內的至少12名政府高級官員被美國政府指列名為國際毒梟。
 
總體而言,在烏戈·拉斐爾·查維茲·弗里亞斯統治下的過去二十年中,委內瑞拉人民在社會生活的各個方面都遭受了殘酷的挫折。這應該對該地區那些走上社會主義和威權領導人的潛在道路的人發出可怕的警告。

 


 

1998-2009年間的數據展現

 

軍政國家的危機

 

委內瑞拉危機:七張圖告訴你危急程度

委內瑞拉換新貨幣盼解決通膨 100元新鈔等於當前一億

https://youtu.be/l1wxUy5S42Y


委內瑞拉國立青少年管弦樂團系統

El Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela

委內瑞拉國立青少年管弦樂團系統 (西班牙語:El Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela,通常當地人簡稱為「El Sistema」或「La Orquesta」)是一個在委內瑞拉全國推廣音樂教育的公營計畫,原名為「音樂社會運動」(Social Action for Music)。由同名的基金會(西班牙語:Fundación del Estado para el Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela,縮寫為「Fesnojiv」),整個系統下轄位於委內瑞拉全國各地的125個青少年樂團,和它們附屬的樂器培訓計畫。

整個系統同時管理著委國30個交響樂團,但整個計畫的最大成就便是令全國各地25萬學童接受音樂教育,而近九成來自地下階層家庭。

1975年,委內瑞拉經濟學家兼音樂家何塞·安東尼奧·艾伯魯(José Antonio Abreu)倡議並創辦了「音樂社會運動」,並擔任首任總監,並在此後35年繼續致力推動這個計畫。[2]1977年,在「音樂社會運動」樂團在蘇格蘭鴨巴甸的一場國際音樂大賽大放異彩過後,委內瑞拉政府便全力資助這個計畫,並交由社會福利部門負責,大大提高了計劃的存活機會。而此後委國十多屆不同政府,包括1980年代的保守派內閣和近年左翼烏戈·查維茲政權,都全力支持這個計畫,而查維斯政府更是批准了計畫的所有營運開支預算和投資計畫。2007年9月,查維斯總統更在電視上聯同艾伯魯博士宣布,將會進一步通過推動「音樂使命(Misión Música)」計畫 ,令更多的委國學童接受音樂教育和樂器訓練。

而整個系統其後由委國的家庭健康體育部管理,逐漸發展到擁有102隊青年樂團和55隊少年樂團的公營計畫,共計約10萬名學生在其中學習音樂。[5][6]以音樂教育防治罪行也是整個系統的一大目標。而計畫亦因為幫助了不少來自窮苦家庭的青年人,防止他們墮入濫用毒品和犯罪的深淵而聞名國際。 部分計畫的參與者更進一步得以在全球發展他們的音樂事業,如古斯塔夫·杜達美愛迪生·魯伊茲 (Edicson Ruiz)

 

 

2019年,艾柏魯博士於TED的演講,暢談他的「El Sistema」

José Antonio Abreu: The El Sistema music revolution | TED

https://youtu.be/Uintr2QX-TU

 

委內瑞拉的學子們,在「El Sistema」制度下安心學習,快樂玩音樂,受惠甚深

杜達美:
樂團的目標是要遠離個人主義,完成一些有意義的事。荷西・安東尼奧・艾伯魯是我見過最具抱負的人,而這個志向就是集體進步,教導青少年善用時間。他使青年與兒童有機會學習具價值和情感的東西,並引領他們追求美麗。藝術是我們教育中最重要的部分,它給予我們時空去創造美麗。時間是我們最大的資產,我們必須以此來調節先天的悟性,使自己不斷進步。

 

Q: 你可以與我們分享國立青少年管弦樂團的基本原則嗎?

杜達美:

最重要的是小組練習。個人練習也非常重要,但團隊精神才是關鍵所在。這樣的樂團經驗讓我們學會聆聽別人的意見,對我們來說是非常重要的。我們身處同一樂團,在豐富的音樂訓練支持下,共同練習令我們充滿志氣,奮力向成功進發。我在委內瑞拉巴基西梅托(Barquisimeto)的修業,為我奠定全面的基礎,例如和諧感、美學、歷史,還有共同表演的樂趣。正因如此,我很快便能與樂團產生連結。

 

El Sistema 紀錄片

https://youtu.be/VLBnIhwLzHM


國際指揮巨星誕生

 

 

 

 

 

 

 

杜達美與艾柏魯的TED連線演講

https://youtu.be/amSqQ5XNaGE

 

 

 

El Sistema 40週年 - 向艾柏魯致敬音樂會

https://youtu.be/qvijSk9-Nt4

 

2021年最新新聞

12000人合奏 委內瑞拉將刷新「世界最大管弦樂團」紀錄


杜達美指揮西蒙波利瓦管弦樂團

伯恩斯坦:曼波舞曲

https://youtu.be/NYvEvP2cmdk

 

杜達美逐年的帶領樂團內化、音樂內容不斷提升

 

史特拉汶斯基《春之祭》(音樂會演出)

https://www.youtube.com/watch?v=bcDCHnAd8N4

 

史特拉汶斯基《火鳥》彩排

https://www.youtube.com/watch?v=x_gi7MIQkqo&t=348s

 

應邀成為柏林愛樂與維也納愛樂最愛的巡迴指揮

台北國家音樂廳彩排

https://youtu.be/08JsLvS7q7A

 

與柏林愛樂 - 柏林氣息

https://youtu.be/peIEFBlJAy4

 

與維也納愛樂

https://youtu.be/arACxgu8sRo

 

與洛杉磯愛樂

馬勒:第五號交響曲中最動人的慢板 - 第四樂章

https://www.youtube.com/watch?v=U2_yqZ4_0Po

 

星條旗進行曲

https://youtu.be/bN17HdYTRUc

 

杜達美訪問(點入閱讀全文

古斯塔夫・杜達美:我不再是年輕的指揮家

 

你由前途無限的音樂天才,搖身一變成為成就非凡的指揮家。現在的你正在實現夢想,感覺如何?

我不再視自己為年輕的指揮家。年僅18歲的赫蘇斯・帕拉(Jesús Parra)剛於西蒙・拉圖(Simon Rattle)的指揮下首度在薩爾斯堡(Salzburg)亮相,還有與我來自同一計劃的迪亞高・馬瑟斯(Diego Matheuz)和基斯頓・巴斯克(Christian Vásquez),他們均非常年輕。新指揮家亦將會不斷湧現。古往今來,一眾偉人的音樂歷程都是從年輕開始,隨著時代的轉變,投身音樂的人越趨年輕,這大概是因為現今更易進入樂壇。我知道我還有很長的路要走,亦明白到自己非常幸運,能夠憑藉一己之長,繼續與合作的樂團一同發展。過往的經驗與工作歷程,讓我如今變得更成熟。而最有意思的是,這令我不斷提升對自己的期望。

 

 

我比從前更加好奇。

--- 古斯塔夫・杜達美

 

而今,2025-26 樂季將是杜達美語洛杉磯愛樂的最後一個樂季,特別呼籲在洛杉磯幸福的大家,千萬別錯過這個樂季中的精彩音樂會~

 

附錄:洛杉磯愛樂歷史與歷任音樂總監介紹

https://bonart.com.tw/all-about-los-angeles-philharmonic/

 


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【BON音樂】蹦藝術專題演講:《世界最偉大的電影音樂配樂大師~林仁斌談約翰.威廉斯》

【BON音樂】蹦藝術專題演講: 《世界最偉大的電影音樂配樂大師~林仁斌談約翰.威廉斯》
John Williams Music lecture

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蹦藝術 | BONART


 

主講人:林仁斌

 

「他,就是電影音樂!」

約翰.威廉斯毫無疑問地是全世界知名度最高的電影配樂作曲家,他的無數作品在影史上成為永恆的經典:

從被21世紀最火的配樂大師漢斯季默,視為偶像稱之為「二顆音符交響曲」的《大白鯊》,到感動無數世人的《辛德勒的名單》,更別說還有《星際大戰》、《超人》、《哈利波特》等..無數暢銷大片

本場講座林仁斌老師將以約翰.威廉斯的作曲技法,帶您深入認識音樂動機與電影配樂結合的無盡瓊妙之處~

HOLLYWOOD, CA - DECEMBER 08: Composer John Williams performs onstage during Ambassadors for Humanity Gala Benefiting USC Shoah Foundation at The Ray Dolby Ballroom at Hollywood & Highland Center on December 8, 2016 in Hollywood, California. (Photo by Michael Kovac/Getty Images)

 

約翰·威廉斯(John Williams)基本資料

   •   姓名:約翰·陶納·威廉斯(John Towner Williams)

   •   出生日期:1932年2月8日(今年93歲)

   •   出生地:美國紐約州紐約市

   •   國籍:美國

   •   職業:作曲家、指揮家、鋼琴家

   •   活躍時期:1952年至今

   •   音樂風格:浪漫主義交響樂、現代管弦樂、電影配樂

   •   代表作品

      •   星際大戰(Star Wars)系列

      •   印第安納瓊斯(Indiana Jones)系列

      •   侏羅紀公園(Jurassic Park)

      •   哈利波特(Harry Potter)系列(前3部)

      •   E.T.外星人(E.T. the Extra-Terrestrial)

      •   超人(Superman, 1978)

      •   辛德勒的名單(Schindler’s List)


開場前,先聽一段經典的超人主題

https://www.youtube.com/watch?v=78N2SP6JFaI

 

https://www.youtube.com/watch?v=utik6dYSf3Y&list=PLcSkPXginhQdIi7UXJiJNPTLIJ_ob5c91&index=4

 

沒有配樂,超人飛不起來!?

https://www.youtube.com/watch?v=D5YAPg1ppw0

 

致敬克里斯多夫里維的《超人》

https://www.youtube.com/watch?v=Caq8MjC1KUs

 

約翰·威廉斯生平與職業發展

早年與教育(1932–1956)

約翰·威廉斯出生於音樂世家,父親約翰·F·威廉斯(John F. Williams)是一名爵士鼓手,曾在雷蒙·斯科特(Raymond Scott)樂團中演奏。他在幼年時期便開始學習鋼琴、單簧管、長號與小號。

1948年,威廉斯一家搬至洛杉磯,他進入北好萊塢高中(North Hollywood High School),畢業後進入加州大學洛杉磯分校(UCLA)學習作曲,師從意大利作曲家馬里奧·卡斯特爾努奧沃-泰代斯科(Mario Castelnuovo-Tedesco)。

1952年,他加入美國空軍,在軍中負責指揮樂隊與編曲。退役後,他進入茱莉亞音樂學院(Juilliard School)深造,師從著名鋼琴家羅莎琳·圖雷克(Rosalyn Tureck)。在紐約期間,他曾在爵士樂隊擔任鋼琴手,這段經歷使他對作曲的配器與和聲有更深入的理解。

 

作曲家介紹

https://youtu.be/skh9N2UH1Fo

 

好萊塢早期生涯(1956–1974)

1956年,威廉斯返回洛杉磯,成為20世紀福斯影業(20th Century Fox)的管弦樂編曲師,參與影視劇配樂製作,並與著名作曲家阿爾弗雷德·紐曼(Alfred Newman)、伯納德·赫爾曼(Bernard Herrmann)及亨利·曼西尼(Henry Mancini)等人合作。

1960年代,他開始為影視作品創作完整配樂,早期作品包括:

   •   迷霧森林十八年(Valley of the Dolls, 1967)

   •   詹姆士·加納的偉大逃亡(The Reivers, 1969,獲奧斯卡提名)

1972年,他為海神號遇險記(The Poseidon Adventure)創作配樂,開始嶄露頭角。

https://www.youtube.com/watch?v=Ixg79BbWthk

 

與史蒂芬·史匹柏及喬治·盧卡斯的合作(1975–至今)

威廉斯在1974年與導演史蒂芬·史匹柏(Steven Spielberg)合作,先為《橫衝直撞大逃亡》(The Sugarland Express)配樂,兩人從此建立長期合作關係。1975年,他為《大白鯊》(Jaws)創作了震撼人心的雙音符主題(低音F-F#),該配樂獲得奧斯卡最佳原創音樂獎,確立其在電影音樂界的地位。

https://www.youtube.com/watch?v=BQKLJ2MuHvY

 

現在,讓我們來進一步認識約翰威廉斯驚人的作曲思維

https://www.youtube.com/watch?v=v5ysBKUC4-w

 

約翰威廉斯如何創作電影配樂之「動機」
How John Williams Composes His Motifs

https://youtu.be/mK5zThj7uFI

 

此後,他與史匹柏及盧卡斯合作了一系列經典電影:

   •   印第安納瓊斯系列(Indiana Jones, 1981–2023)

   •   E.T.外星人(1982)

   •   侏羅紀公園(1993)

   •   辛德勒的名單(1993)

 

史蒂芬史匹伯讚美約翰威廉斯(E.T 配樂創作珍貴紀錄)

https://youtu.be/tJY5l6I253c

 

https://www.youtube.com/watch?v=YTKs0JRVlrQ

 

冒險英雄.印第安納瓊斯

 

哈里遜福特致詞讚美約翰威廉斯

 

大導演史帝芬史匹伯(Steven Allan Spielberg, b. 1946)曾經說過:「音樂是電影的一半。」,這句話完全深深打動我。

 

電影《辛德勒的名單》最後片段

眾人為了感念辛德勒為拯救猶太人所做的一切,用僅存的資源(連假牙的黃金都挖出來了)打造了一枚戒指感謝他。而自知戰後可能背負戰亂罪行的辛德勒,不得不離開,與眾人依依不捨前地離別。臨行前,已經從事太多善舉的他,仍然想著自己做得不夠,讓許多人紅了眼眶…

 

各位想想,如果再回頭讓大家看沒有聲音的畫面,您會有多少感動呢?

電影畫面

救人一命.如救蒼生

電影最後段 猶太人在工廠前為辛德勒送行,感人的送別一幕

https://youtu.be/wrQKSEVIQs8

 

《辛德勒的名單》動人片段

帕爾曼+杜達美

https://youtu.be/cLgJQ8Zj3AA

 

深刻音樂背後的靈魂 帕爾曼

自從《辛德勒的名單》之後,全世界都只想聽我演奏這首曲子XD

https://youtu.be/BGIvOn2HQdI

 

《辛德勒的名單》電影劇情介紹

https://youtu.be/UbMQKSEJqw4

 

《辛德勒名單》拍攝幕後祕辛

1. 結尾辛德勒的墳墓鏡頭,是臨時加上去的

《辛》片結尾,受德國商人辛德勒(OskarSchindler)救助的猶太人及後代齊聚耶路撒冷,在辛德勒的墳墓上放置石頭,以示感念。這個片段感動不少觀眾,背後其實有段鮮為人知的故事。

史蒂芬史匹柏提到,「辛德勒的名單」之前,他未曾拍過這麼嚴肅的題材。《辛》片拍完3/4後,他擔心觀眾不相信這部電影改編自真人真事,才臨時決定加進上述片段。

2. 以色列演員崩潰

《辛》片劇情的沉重,就連當時的演員也入戲三分。史蒂芬史匹柏說,拍完集中營澡堂一齣戲後,有兩名以色列年輕演員情緒崩潰,接下來3天都無法拍戲。他並形容,拍攝那場戲是他導演生涯「最痛苦的一天」。

3. 電影拍攝沒有分鏡圖

飾演辛德勒的連恩尼遜表示,《辛》片沒有分鏡圖,史蒂芬史匹柏開拍時極為緊張,有如一名畫家,內心有亟欲述說的故事,但面對五彩繽紛的顏料,不知從何開始。一旦開始上色,史蒂芬史匹柏便完全投入、揮灑自如,令他難以忘懷。

 

飾演猶太人會計夥伴史丹的電影演員班金斯利,則引用文學評論家史丹納(George Steiner)曾說的話讚美史蒂芬史匹柏:「猶太人大屠殺無法用文字形容,透過大師之手,我們才能領略當時的情況。」

電影最後的致敬畫面

https://youtu.be/7z2Ignq93nE

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/all-about-schindlers-list/


延伸閱讀

《辛德勒的名單》劇情解讀

 

奧斯卡·辛德勒.其人其事

 

納粹軍官歌德的介紹與下場

 

 

影視配樂經典.星際大戰

1977年,威廉斯與導演喬治·盧卡斯(George Lucas)合作,為星際大戰(Star Wars)創作配樂,其恢弘壯麗的交響樂風格,重現了古典浪漫派與華格納式主題動機(Leitmotif)的技法。該作品獲得奧斯卡最佳原創音樂獎,成為影史最具標誌性的配樂之一。

https://www.youtube.com/watch?v=54hoKbTWon4

 

https://www.youtube.com/watch?v=rqErQ1sn74k

 

導演喬治魯卡斯:「約翰將我的電影『藝術化』!」

https://youtu.be/wMWzkYgfiUA

 

約翰威廉斯也為哈利波特系列前3部(2001–2004)創作配樂,其中的「嘿美主題」(Hedwig’s Theme)成為該系列的代表性旋律。

約翰威廉斯與慕特 Live'

https://www.youtube.com/watch?v=qsCZP3wdF4w

 

音樂風格與特色

1. 主題動機(Leitmotif)技法

威廉斯延續華格納(Richard Wagner)與柯尼高德(Erich Wolfgang Korngold)的配樂傳統,為角色、場景與概念創作獨特主題,例如:

   •   星際大戰的「帝國進行曲」(The Imperial March)

   •   印第安納瓊斯的「歷險主題」(Raiders March)

   •   哈利波特的「嘿美主題」

 

電影配樂的豐富功能

什麼是主導動機 (leitmotif)?經典電影總會有的經典配樂介紹

電影配樂中,有個專業術語叫做源自於德國作曲家華格納作曲重要手法之「主導動機」(leitmotif),在電影配樂中,更被延伸為重要的作曲方式,從特定人物(角色)、場景、情緒,甚至情感變化,皆能以純音樂做出連結感,讓觀眾一聽到音樂,就能立即被喚起特定感受。

 

大師.也有爭議之處

讓我們以幽默的方式認識約翰威廉斯

約翰.威廉斯「借來」的音樂動機XD~

https://www.youtube.com/watch?v=JtRU8cMp0Nk

 

聽一下,動機的設計是一件多麽奧妙的事情~

https://www.youtube.com/watch?v=qf-Ix20A0uE

 

德弗札克:第九號交響曲《新世界》第四樂章

https://www.youtube.com/watch?v=2piCORWRrX0

 

還有還有~

https://www.youtube.com/watch?v=tH_zgVSpvlE

 

 

交響樂配器神手

他擅長使用完整交響樂團,以管弦樂方式表現戲劇張力,經常運用銅管樂器(如法國號與小號)強調英雄氣概,並以弦樂與木管樂器營造柔美旋律。

https://www.youtube.com/watch?v=CyTJzKvB9sA

 

和聲與節奏

   •   採用19世紀浪漫派和聲語法(如華格納與柴可夫斯基)

   •   運用五聲音階與模式調性(如侏羅紀公園的主題)

   •   強烈的節奏動機(如大白鯊的雙音符動機)

 

生涯獎項與影響

獎項

   •   奧斯卡獎(Academy Awards):5座獎項,53次提名(影史第二)

   •   金球獎(Golden Globes):4座獎項

   •   葛萊美獎(Grammy Awards):25座獎項

   •   英國電影學院獎(BAFTA):7座獎項

   •   甘迺迪中心榮譽獎(Kennedy Center Honors, 2004)

   •   美國電影學院終身成就獎(AFI Lifetime Achievement Award, 2016)

 

BON解說

約翰·威廉斯以53次奧斯卡提名成為影史提名第二多的人,而影史提名最多的是:傳奇迪士尼動畫師兼製片人華特·迪士尼(Walt Disney),共獲得59次奧斯卡提名,其中贏得22座奧斯卡獎是史上獲得最多小金人的個人。

雖然威廉斯的提名數僅次於迪士尼,但他是影史獲得最多奧斯卡提名的在世個人,在電影配樂領域更是無可匹敵的紀錄保持者。

 

延伸閱讀

91歲配樂大師約翰威廉斯 放眼奧斯卡最高齡得獎紀錄[影]

"約翰威廉斯一生共獲53次奧斯卡提名,以仍在世的影人來說,獲提名次數已無人能出其右,僅次於已故的華特迪士尼(Walt Disney)的59次。

約翰威廉斯分別在1972年以「屋頂上的提琴手」(Fiddler on the Roof)、1976年「大白鯊」、1978年「星際大戰」、1983年「E.T.外星人」(E.T. the Extra-Terrestrial)、和1994年的「辛德勒的名單」5度贏得奧斯卡獎。"

中央通訊社照片:美國電影配樂大師約翰威廉斯(左)今年以電影「法貝爾曼」獲奧斯卡金像獎最佳原創配樂提名,創奧斯卡競爭性獎項最高齡入圍紀錄。右為「法貝爾曼」導演史蒂芬史匹柏。(美聯社)

 

豐功偉業

約翰威廉斯重塑了現代電影配樂風格,使交響樂成為好萊塢電影的標準;他以磅礡的交響樂風格和強烈的旋律語言,奠定了現代電影配樂的典範。

他擅長運用主導動機(Leitmotif),為角色、場景與情節設計獨特的音樂標誌,使旋律成為故事敘事的一部分。他的作品融合浪漫派交響樂的華麗音響、華格納式的主題發展與現代電影的戲劇張力,創造出極具感染力的音樂語彙。

他的配器手法豐富,擅長運用銅管樂器塑造英雄氣概,以弦樂與木管樂器營造柔和或神秘氛圍,並透過複雜的和聲與節奏變化增強情感張力。使得音樂不僅具有敘事功能,更能獨立於影像之外,成為經典旋律,在全球音樂界產生無比深遠之影響。

作為20世紀與21世紀最重要的電影作曲家之一,他的成就包括多座奧斯卡獎、葛萊美獎、金球獎等榮譽,並獲頒美國電影學院終身成就獎。他的風格影響了無數後輩作曲家,確立交響樂在電影配樂中的核心地位。他的作品橫跨數十年,影響深遠,為影史留下無數經典樂章。

筆者願稱呼他為「好萊塢電影音樂的靈魂」。

約翰威廉斯的音樂已超越電影本身,將成為全球文化記憶的一部分,持續啟發未來世代的創作者與觀眾。

 

【附錄】約翰威廉斯創作總整理

【BON話題】約翰威廉斯成功的十大秘訣

1. START SMALL 1. 從小事做起
2. WORK HARD 2. 努力工作
3. CHALLENGE YOURSELF 3. 挑戰自己
4. ALWAYS STRIVE FOR BETTER 4. 始終更努力好上加好
5. FIND THE JOY IN LIFE 5. 尋找生活中的樂趣
6. ENJOY EVERY TASK YOU DO 6. 享受每一項你正在執行的任務
7. INSPIRE OTHERS 7. 激勵他人
8. PRACTICE EVERYDAY 8. 每天練習
9. NURTURE GREAT FRIENDSHIPS 9. 培養深厚友誼
10. CREATE GREATNESS 10. 創造偉大

https://www.youtube.com/watch?v=o1QciU4Z-_k&list=PLUJWZ5hBj6j9Giti0fZaCs9iWvrCcaqcL

 


接下來,是電影配樂解說時間

 

電影音樂的三大類型:

原創音樂(Original Music)

非原創音樂(Non Original Music)

來源音樂(Source Music)

 

電影《電影配樂傳奇》(Score)海報

 

 

在我們的心中 一切都有配樂!

回想我們每日的生活點滴,快樂時你唱些什麼旋律?憂傷時你想奢什麼音樂?面對每一種情緒,幾乎我們心中都有著屬於自己的配樂,只是需要時間與自己相處,慢慢衝新發覺這些美好的內心聲音~

 

快樂泉源 來自腦部

音樂的面向極其廣闊,也間接影響我們腦部活動很大。(26'44")

不同的音樂刺激腦部不同的地方:例如旋律類型的音樂,或是節奏速度相關類型的音樂,又會由不同的中樞系統接收;我們的身體則會對這些音樂做出反應(例如雞皮疙瘩等等身體自然反應)。而最有趣的是我們腦袋中名為「腹側紋狀體」以及「伏隔核」的地方,以功能上來說是人體的「獎賞中樞」。平常我們做出讓身體愉悅的事情(例如吃巧克力,或是性方面的愉悅)時,大腦的「獎賞中樞」會產生反應,分泌出「多巴胺」,給予人們愉快的感受。而相同的大腦反應,也會在我們聽音樂時出現~奇妙吧!

 

不一定每個人欣賞電影的過程中,都會百分百留意每一段音樂的出現與配樂者的處理;但不約而同地,我們幾乎都會對電影中的震撼場景、最感人之處留下深刻印象,其實...這往往是音樂在我們大腦裡所埋下的種子。(27'55")

 

你的眼球動得快嗎?

我們看一部90分鐘的電影,(30'52"),眼睛大約會動兩萬一千次,或甚至更多。

儘管我們以為自己可以控制要看什麼地方,但根據許多眼睛研究專家的研究顯示,其實我們觀賞影片時,眼睛經常看著螢幕上相同固定的地方。眼睛則需要被引導,才會開始看向畫面不同的地方,而這些「正確的引導」,音樂更是與影像相互合作,發揮了極大的作用。

 

舉例:上升的畫面,搭配上行音階之音樂;下降的畫面,搭配下行音階音樂。

 

談電影音樂三大類型:

ㄧ、原創音樂(Original Music)

電影《天外奇蹟》(UP)

 

當聽覺藝術與視覺藝術完美結合時,就是電影那一刻永遠停留的心跳聲。(30'52")                 

https://youtu.be/KrtoqIpQXkY


二、非原創音樂(Non Original Music)

在電影《第六感生死戀》中,引用了「正義兄弟合唱團」(The Righteous Brothers)1965年全美排行第4名的抒情經典歌曲《奔放的旋律》(Unchained Melody),詮釋男女主角跨越人鬼的戀情,當時讓者首老歌重新造成轟動。

https://youtu.be/soP0r6N7_2g

 

《遠離非洲》

(電影解說整理自網路與維基百科,並附超連結方便檢索)

遠離非洲》(英語:Out of Africa)是1985年出品的美國電影,導演是薛尼·波勒,主演勞勃·瑞福梅莉·史翠普和Klaus Maria Brandauer。

該片先後獲得過28個電影獎,其中包括奧斯卡金像獎的七項獎。

《遠離非洲》電影根據丹麥女作家凱倫畢斯的小說改編,故事的時空背景是1920年代的東非,故事的重心在於她在非洲的愛情遭遇與生活。曾經於非洲居住短暫的歲月中,有兩個男人對她影響很大,一個是她丈夫波爾,一個是她的情人丹尼斯。

波爾給了她承諾卻根本不想遵守,她從丈夫身上獲得的只是一紙婚姻證書、男爵夫人的名號以及差點要她命的梅毒;丹尼斯從不給她任何承諾,但是卻給了真愛、自由以及如何以更寬廣的眼光來看這個世界。

 

遠離非洲-Out of Africa

內容描寫文字非常動人,取自張晚Youtube影片

丹麥優渥家庭出身的凱倫,
操煩即將晉升為大齡剩女,

決意完成一場財富與名銜的交易婚姻,
下嫁予同溫層友朋瑞典布列克森男爵。

兩人連袂遠赴非洲
開拓新事業與新生活。

不過,她顯然缺乏管理長才,

她的丈夫則更樂於追逐其他異性或是動物,

經營婚姻與經營咖啡園
都注定將付之一炬以失敗告終。

唯一留下記憶的只有那塊
廣袤、無垠的沉睡大陸

以及在土地上奔疾馳聘的一個身影。

他叫丹尼斯,熱愛打獵和莫札特,

他曾允諾:總有一天要帶她比翼飛行。

那個允諾,很快便實現⋯⋯

而關於這一段翱翔的往事,
將由我用贅筆再謄寫一遍。

雙翼飛機像隻炫耀的大黃蜂,
嗡嗡嘈嘈地降落。

彷彿孩子發現隱匿的禮物,
她忍不住興奮地打聽:
『你在哪買下了它?』
『蒙巴沙!』

他扶她登機,
她又質疑地轉身詢問:
『你幾時學會了飛行?』
『昨天!』
簡單的答案,
讓她來不及回神地吃驚。

唯在起飛的瞬間,
她因涉險而害怕的表情,

迅即為好奇的快樂取代。

大黃蜂鬧哄哄地冉冉上昇,

由單簧管鄭重而神秘的低音
為他們的巡禮揭開序曲。

溯流前往,兩岸蔥蘢羅列的
是向大自然致敬的植被隊伍。

塔納河猶如巨蠎蜿蜒,
緩緩蠕動的碧鱗在烈日下光燦閃耀。

他們穿越山顛,遙見瀑布水從天來。

那是太白『飛流直下三千尺,
疑是銀河落九天。』的寫照。

他們滑入荒野,俯瞰草原一望無際。

那是謫仙『山隨平野盡,
江入大荒流。』的境界。

他們不懂,只能在背景裡
用聖樂般的和弦讚美造物。

他們在東非大地塹的懸崖邊緣翻騰嬉戲,

在阿伯德爾草原上,
依循動物遷徙的路線,
他們與萬蹄撼動的羚羊長跑。

繞過背蔭的幽谷。

在納古魯湖心,
探訪水鳥生養的棲所,
他們與千羽幻化的火鶴共舞。

終於,早已蓄勢待發的眾聲齊鳴,
雍容、優雅的主旋律響徹晴空。

他們面迎驕陽,
他們直上凌霄。

在天地悠悠之間,
澎湃、洶湧的心情讓她泫然欲泣。

她把手揚起,託付給他,

她要他緊緊地握住,
在死生契闊之間。

穿透亂雲堆雪的層層迷障,

此際,樂曲停歇,大音希聲。
唯獨恍若天籟的風吹相送。

他們正無念無悔地飛向
自己的天堂。

在電影中,

他迷上她
天馬行空的奇幻故事,
也害怕講述故事的她之需索羈絆;

她戀上他,
豹隱淡泊的直覺本能,
也恐懼如許本能的他之自由來去。

結局是:答應替凱倫送行的丹尼斯
用飛機失事做了永別。

這樣地安排
其實蠻好!

酷嗜狩獵的他,
埋骨高坡,獅子一般俯視著他的莽莽草原;

愛說故事的她,
賦歸原鄉,青鳥似地詠嘆著她的文學篇章。

莫札特《豎笛協奏曲》

https://youtu.be/8muh5tvnCC0

 

隨著莫札特的音樂起飛.空瞰非洲之壯麗

片中最浪漫感人的一幕是丹尼斯駕著飛機載著凱倫在非洲大草原上翱翔,這場戲不僅是《遠離非洲》電影最浪漫之橋段,亦讓觀眾帶著浪漫愉悅的心情欣賞非洲草原遼闊的自然美景。

 

而約翰貝瑞的配樂裡,除了自己的創作之外,中協調地引用了莫札特的《單簧管協奏曲》的慢板部分,古今結合,深情悠遠,烘托出影片再現女主角陳年往事的懷舊氣氛。《遠離非洲》的配樂音樂2005年被列入《AFI百年百大電影配樂》,被譽為美國電影音樂作品的經典。

 

火紅韓劇《魷魚遊戲》配樂

起床音樂:海頓降E大調小號協奏曲第三樂章

https://youtu.be/aT_ZPsoSRXc

 

集合音樂:小約翰.史特勞斯:《藍色多瑙河》

https://youtu.be/3c27hYHxCaQ

 


三、來源音樂(Source Music)

「來源音樂」(Source Music)用在劇情中出現真正聲音來源,必須取信於觀眾時。因此主要為寫實,聲音均出自電影演員或現場。

電影《海上鋼琴師》(1900)中的錄音片段,既是「原創音樂」,也是「來源音樂」,因此份外動人:

https://youtu.be/MUIgReYNMac

 

電影《海上鋼琴師》(1900)經典的海上鬥琴片段:

https://www.youtube.com/watch?v=5USKFpk2E3Y&t=64s

 

電影《英倫情人》(The English Patient)

茱麗葉畢諾許發現了一架廢墟裡的斷腳鋼琴,但她開心地彈起巴赫《郭德堡變奏曲》中的音樂,讓我們對於電影中的實境有了鮮明的感受,更加融入劇中的人物情境與劇情:

https://youtu.be/JP2qaeja6bM

 

有關配樂創作過程.人人想法不同

Hans Zimmer 漢斯季默

Hns Zimmer說,他永遠學不會拒絕有興趣的配樂邀約。總是一開頭就跟導演說沒問題,隨即想到毫無想法,過了幾周甚至想請導演不妨去找配樂大師 John Williams...XD。

不過這麼多年來他體認到這些都是必經的過程,就算自己作曲經驗豐富,每次仍然如臨大敵。

Howard Shore 霍華.蕭

Howard Shore 談到幫《魔戒三部曲》配樂,過程需要好幾年,所以每天訂出工作進度很重要,才能循序漸進完成系列電影的配樂。

他會先閱讀小說和研究作者,了解帶給後世的影響,然後把所有資料放在一旁,散個步,打個盹,思考帶給自己的意義,再針對最有印象的畫面作曲。

Rachel Portman 瑞秋.波特曼

Rachel Portman 很留意作曲時不聽其他任何的音樂。因為她怕自己跟海綿一樣照單全收,受到不必要的影響。另外,她也經常會把作好的曲子放在一旁,隔天起床看是不是還覺得不錯,如果不行就從頭再來。


Steve Jablonsky 史蒂夫.賈布隆斯基

「隔日測試法」也是 Steve Jablonsky 很常採用的手法。

Steve Jablonsky 每天都作曲到晚上11到12點,長時間投入那麼多時間之後,難免失去客觀的創造力,在主觀的情感上自我感覺良好。因此他會刻意等到隔天或幾天之後,假如對旋律的感覺沒變,才拿去給導演試聽,不然就繼續修改、直接放棄或暫時保留,也許能用在其他地方。

 

漢斯季默的蝙蝠俠配樂(4:36 起)

https://youtu.be/EaycnGC811w?t=277

 

【神力女超人】2017年 HD中文電影預告

https://www.youtube.com/watch?v=JESwXEv9XaI

 

神力女超人 主題動機

https://www.youtube.com/watch?v=F9VfmuDnOXU

 

主題樂譜分享

蹦藝術林仁斌製譜

隨著電影工業進入21世紀,電腦特效越來越強和,觀眾也期待越來越精彩好看的電影,甚至是出類拔萃的聲光體驗效果,我們一起看看現代的電影配樂,到底如何進化?

神鬼奇航 - 電影精彩片段

https://www.youtube.com/watch?v=U6sxWegTa9Y

 

現代多層次配樂之最佳示範

https://www.youtube.com/watch?v=wTxntXjM4oE

 

改編為管弦樂團版本 配樂欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=jtGUQFky0KI

 

《沙丘》❤️❤️❤️

也許在未來,我們不會有正規節拍

也許我們人類會終於有所進化

讓我們不需要迪斯可節奏就可以自得其樂

可能會是某種各先進的東西...

-  漢斯季默

 

《沙丘》獨特的聲音來源

自製鼓聲、壓縮人聲、異國風格、合成樂器

「我的挑戰是,不要當個成年人!」

https://www.youtube.com/watch?v=cZIQWts438o

 

漢斯季默 - 《沙丘》配樂現場Live'

https://www.youtube.com/watch?v=_j5GgGdSwjE

 

丹尼爾克雷格 - 最後的007

在漢斯季默筆下,龐德成為了孤單而高貴的情報員

https://www.youtube.com/watch?v=r8KXfWmeYCU


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【BON音樂】蹦藝術專題演講:《20世紀電影配樂王者:約翰.威廉斯~從配樂到動機的全面解密》

【BON音樂】蹦藝術專題演講:《20世紀電影配樂王者:約翰.威廉斯~從配樂到動機的全面解密》
John Williams Music lecture Part.2

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蹦藝術 | BONART


 

主講人:林仁斌

 

約翰.威廉斯的電影音樂創作,不但承先啟後,更能感動人心;他毫無疑問地是全世界知名度最高的電影配樂作曲家,他的無數作品在影史上成為永恆的經典:

本場專題演講,林仁斌將以電影配樂創作大師約翰威廉斯為主題,為您精心分析他音樂創作中的十大特色,並結合電影音樂片段,解密約翰.威廉斯的配樂作曲手法,讓所有來賓徜徉於電影配樂的繽紛世界裡。

您絕對不容錯過~

HOLLYWOOD, CA - DECEMBER 08: Composer John Williams performs onstage during Ambassadors for Humanity Gala Benefiting USC Shoah Foundation at The Ray Dolby Ballroom at Hollywood & Highland Center on December 8, 2016 in Hollywood, California. (Photo by Michael Kovac/Getty Images)

 

約翰·威廉斯(John Williams)基本資料

   •   姓名:約翰·陶納·威廉斯(John Towner Williams)

   •   出生日期:1932年2月8日(今年93歲)

   •   出生地:美國紐約州紐約市

   •   國籍:美國

   •   職業:作曲家、指揮家、鋼琴家

   •   活躍時期:1952年至今

   •   音樂風格:浪漫主義交響樂、現代管弦樂、電影配樂

   •   代表作品

      •   星際大戰(Star Wars)系列

      •   印第安納瓊斯(Indiana Jones)系列

      •   侏羅紀公園(Jurassic Park)

      •   哈利波特(Harry Potter)系列(前3部)

      •   E.T.外星人(E.T. the Extra-Terrestrial)

      •   超人(Superman, 1978)

      •   辛德勒的名單(Schindler’s List)


開場前,先聽一段經典的超人主題

https://www.youtube.com/watch?v=78N2SP6JFaI

 

https://www.youtube.com/watch?v=utik6dYSf3Y&list=PLcSkPXginhQdIi7UXJiJNPTLIJ_ob5c91&index=4

 

沒有配樂,超人飛不起來!?

https://www.youtube.com/watch?v=D5YAPg1ppw0

 

致敬克里斯多夫里維的《超人》

https://www.youtube.com/watch?v=Caq8MjC1KUs

 

約翰·威廉斯生平與職業發展

早年與教育(1932–1956)

約翰·威廉斯出生於音樂世家,父親約翰·F·威廉斯(John F. Williams)是一名爵士鼓手,曾在雷蒙·斯科特(Raymond Scott)樂團中演奏。他在幼年時期便開始學習鋼琴、單簧管、長號與小號。

1948年,威廉斯一家搬至洛杉磯,他進入北好萊塢高中(North Hollywood High School),畢業後進入加州大學洛杉磯分校(UCLA)學習作曲,師從意大利作曲家馬里奧·卡斯特爾努奧沃-泰代斯科(Mario Castelnuovo-Tedesco)。

1952年,他加入美國空軍,在軍中負責指揮樂隊與編曲。退役後,他進入茱莉亞音樂學院(Juilliard School)深造,師從著名鋼琴家羅莎琳·圖雷克(Rosalyn Tureck)。在紐約期間,他曾在爵士樂隊擔任鋼琴手,這段經歷使他對作曲的配器與和聲有更深入的理解。

 

作曲家介紹

https://youtu.be/skh9N2UH1Fo

 

好萊塢早期生涯(1956–1974)

1956年,威廉斯返回洛杉磯,成為20世紀福斯影業(20th Century Fox)的管弦樂編曲師,參與影視劇配樂製作,並與著名作曲家阿爾弗雷德·紐曼(Alfred Newman)、伯納德·赫爾曼(Bernard Herrmann)及亨利·曼西尼(Henry Mancini)等人合作。

1960年代,他開始為影視作品創作完整配樂,早期作品包括:

   •   迷霧森林十八年(Valley of the Dolls, 1967)

   •   詹姆士·加納的偉大逃亡(The Reivers, 1969,獲奧斯卡提名)

1972年,他為海神號遇險記(The Poseidon Adventure)創作配樂,開始嶄露頭角。

https://www.youtube.com/watch?v=Ixg79BbWthk

 

與史蒂芬·史匹柏及喬治·盧卡斯的合作(1975–至今)

威廉斯在1974年與導演史蒂芬·史匹柏(Steven Spielberg)合作,先為《橫衝直撞大逃亡》(The Sugarland Express)配樂,兩人從此建立長期合作關係。1975年,他為《大白鯊》(Jaws)創作了震撼人心的雙音符主題(低音F-F#),該配樂獲得奧斯卡最佳原創音樂獎,確立其在電影音樂界的地位。

https://www.youtube.com/watch?v=BQKLJ2MuHvY

 

現在,讓我們來進一步認識約翰威廉斯驚人的作曲思維

https://www.youtube.com/watch?v=v5ysBKUC4-w

 

約翰威廉斯如何創作電影配樂之「動機」
How John Williams Composes His Motifs

https://youtu.be/mK5zThj7uFI

 

此後,他與史匹柏及盧卡斯合作了一系列經典電影:

   •   印第安納瓊斯系列(Indiana Jones, 1981–2023)

   •   E.T.外星人(1982)

   •   侏羅紀公園(1993)

   •   辛德勒的名單(1993)

 

史蒂芬史匹伯讚美約翰威廉斯(E.T 配樂創作珍貴紀錄)

https://youtu.be/tJY5l6I253c

 

https://www.youtube.com/watch?v=YTKs0JRVlrQ

 

冒險英雄.印第安納瓊斯

 

哈里遜福特致詞讚美約翰威廉斯

 

大導演史帝芬史匹伯(Steven Allan Spielberg, b. 1946)曾經說過:「音樂是電影的一半。」,這句話完全深深打動我。

 

電影《辛德勒的名單》最後片段

眾人為了感念辛德勒為拯救猶太人所做的一切,用僅存的資源(連假牙的黃金都挖出來了)打造了一枚戒指感謝他。而自知戰後可能背負戰亂罪行的辛德勒,不得不離開,與眾人依依不捨前地離別。臨行前,已經從事太多善舉的他,仍然想著自己做得不夠,讓許多人紅了眼眶…

 

各位想想,如果再回頭讓大家看沒有聲音的畫面,您會有多少感動呢?

電影畫面

救人一命.如救蒼生

電影最後段 猶太人在工廠前為辛德勒送行,感人的送別一幕

https://youtu.be/wrQKSEVIQs8

 

《辛德勒的名單》動人片段

帕爾曼+杜達美

https://youtu.be/cLgJQ8Zj3AA

 

深刻音樂背後的靈魂 帕爾曼

自從《辛德勒的名單》之後,全世界都只想聽我演奏這首曲子XD

https://youtu.be/BGIvOn2HQdI

 

《辛德勒的名單》電影劇情介紹

https://youtu.be/UbMQKSEJqw4

 

《辛德勒名單》拍攝幕後祕辛

1. 結尾辛德勒的墳墓鏡頭,是臨時加上去的

《辛》片結尾,受德國商人辛德勒(OskarSchindler)救助的猶太人及後代齊聚耶路撒冷,在辛德勒的墳墓上放置石頭,以示感念。這個片段感動不少觀眾,背後其實有段鮮為人知的故事。

史蒂芬史匹柏提到,「辛德勒的名單」之前,他未曾拍過這麼嚴肅的題材。《辛》片拍完3/4後,他擔心觀眾不相信這部電影改編自真人真事,才臨時決定加進上述片段。

2. 以色列演員崩潰

《辛》片劇情的沉重,就連當時的演員也入戲三分。史蒂芬史匹柏說,拍完集中營澡堂一齣戲後,有兩名以色列年輕演員情緒崩潰,接下來3天都無法拍戲。他並形容,拍攝那場戲是他導演生涯「最痛苦的一天」。

3. 電影拍攝沒有分鏡圖

飾演辛德勒的連恩尼遜表示,《辛》片沒有分鏡圖,史蒂芬史匹柏開拍時極為緊張,有如一名畫家,內心有亟欲述說的故事,但面對五彩繽紛的顏料,不知從何開始。一旦開始上色,史蒂芬史匹柏便完全投入、揮灑自如,令他難以忘懷。

 

飾演猶太人會計夥伴史丹的電影演員班金斯利,則引用文學評論家史丹納(George Steiner)曾說的話讚美史蒂芬史匹柏:「猶太人大屠殺無法用文字形容,透過大師之手,我們才能領略當時的情況。」

電影最後的致敬畫面

https://youtu.be/7z2Ignq93nE

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/all-about-schindlers-list/


延伸閱讀

《辛德勒的名單》劇情解讀

 

奧斯卡·辛德勒.其人其事

 

納粹軍官歌德的介紹與下場

 

 

影視配樂經典.星際大戰

1977年,威廉斯與導演喬治·盧卡斯(George Lucas)合作,為星際大戰(Star Wars)創作配樂,其恢弘壯麗的交響樂風格,重現了古典浪漫派與華格納式主題動機(Leitmotif)的技法。該作品獲得奧斯卡最佳原創音樂獎,成為影史最具標誌性的配樂之一。

https://www.youtube.com/watch?v=54hoKbTWon4

 

https://www.youtube.com/watch?v=rqErQ1sn74k

 

導演喬治魯卡斯:「約翰將我的電影『藝術化』!」

https://youtu.be/wMWzkYgfiUA

 

約翰威廉斯也為哈利波特系列前3部(2001–2004)創作配樂,其中的「嘿美主題」(Hedwig’s Theme)成為該系列的代表性旋律。

約翰威廉斯與慕特 Live'

https://www.youtube.com/watch?v=qsCZP3wdF4w

 

音樂風格與特色

1. 主題動機(Leitmotif)技法

威廉斯延續華格納(Richard Wagner)與柯尼高德(Erich Wolfgang Korngold)的配樂傳統,為角色、場景與概念創作獨特主題,例如:

   •   星際大戰的「帝國進行曲」(The Imperial March)

   •   印第安納瓊斯的「歷險主題」(Raiders March)

   •   哈利波特的「嘿美主題」

 

電影配樂的豐富功能

什麼是主導動機 (leitmotif)?經典電影總會有的經典配樂介紹

電影配樂中,有個專業術語叫做源自於德國作曲家華格納作曲重要手法之「主導動機」(leitmotif),在電影配樂中,更被延伸為重要的作曲方式,從特定人物(角色)、場景、情緒,甚至情感變化,皆能以純音樂做出連結感,讓觀眾一聽到音樂,就能立即被喚起特定感受。

 

大師.也有爭議之處

讓我們以幽默的方式認識約翰威廉斯

約翰.威廉斯「借來」的音樂動機XD~

https://www.youtube.com/watch?v=JtRU8cMp0Nk

 

聽一下,動機的設計是一件多麽奧妙的事情~

https://www.youtube.com/watch?v=qf-Ix20A0uE

 

德弗札克:第九號交響曲《新世界》第四樂章

https://www.youtube.com/watch?v=2piCORWRrX0

 

還有還有~

https://www.youtube.com/watch?v=tH_zgVSpvlE

 

 

交響樂配器神手

他擅長使用完整交響樂團,以管弦樂方式表現戲劇張力,經常運用銅管樂器(如法國號與小號)強調英雄氣概,並以弦樂與木管樂器營造柔美旋律。

https://www.youtube.com/watch?v=CyTJzKvB9sA

 

和聲與節奏

   •   採用19世紀浪漫派和聲語法(如華格納與柴可夫斯基)

   •   運用五聲音階與模式調性(如侏羅紀公園的主題)

   •   強烈的節奏動機(如大白鯊的雙音符動機)

 

生涯獎項與影響

獎項

   •   奧斯卡獎(Academy Awards):5座獎項,53次提名(影史第二)

   •   金球獎(Golden Globes):4座獎項

   •   葛萊美獎(Grammy Awards):25座獎項

   •   英國電影學院獎(BAFTA):7座獎項

   •   甘迺迪中心榮譽獎(Kennedy Center Honors, 2004)

   •   美國電影學院終身成就獎(AFI Lifetime Achievement Award, 2016)

 

BON解說

約翰·威廉斯以53次奧斯卡提名成為影史提名第二多的人,而影史提名最多的是:傳奇迪士尼動畫師兼製片人華特·迪士尼(Walt Disney),共獲得59次奧斯卡提名,其中贏得22座奧斯卡獎是史上獲得最多小金人的個人。

雖然威廉斯的提名數僅次於迪士尼,但他是影史獲得最多奧斯卡提名的在世個人,在電影配樂領域更是無可匹敵的紀錄保持者。

 

延伸閱讀

91歲配樂大師約翰威廉斯 放眼奧斯卡最高齡得獎紀錄[影]

"約翰威廉斯一生共獲53次奧斯卡提名,以仍在世的影人來說,獲提名次數已無人能出其右,僅次於已故的華特迪士尼(Walt Disney)的59次。

約翰威廉斯分別在1972年以「屋頂上的提琴手」(Fiddler on the Roof)、1976年「大白鯊」、1978年「星際大戰」、1983年「E.T.外星人」(E.T. the Extra-Terrestrial)、和1994年的「辛德勒的名單」5度贏得奧斯卡獎。"

中央通訊社照片:美國電影配樂大師約翰威廉斯(左)今年以電影「法貝爾曼」獲奧斯卡金像獎最佳原創配樂提名,創奧斯卡競爭性獎項最高齡入圍紀錄。右為「法貝爾曼」導演史蒂芬史匹柏。(美聯社)

 

豐功偉業

約翰威廉斯重塑了現代電影配樂風格,使交響樂成為好萊塢電影的標準;他以磅礡的交響樂風格和強烈的旋律語言,奠定了現代電影配樂的典範。

他擅長運用主導動機(Leitmotif),為角色、場景與情節設計獨特的音樂標誌,使旋律成為故事敘事的一部分。他的作品融合浪漫派交響樂的華麗音響、華格納式的主題發展與現代電影的戲劇張力,創造出極具感染力的音樂語彙。

他的配器手法豐富,擅長運用銅管樂器塑造英雄氣概,以弦樂與木管樂器營造柔和或神秘氛圍,並透過複雜的和聲與節奏變化增強情感張力。使得音樂不僅具有敘事功能,更能獨立於影像之外,成為經典旋律,在全球音樂界產生無比深遠之影響。

作為20世紀與21世紀最重要的電影作曲家之一,他的成就包括多座奧斯卡獎、葛萊美獎、金球獎等榮譽,並獲頒美國電影學院終身成就獎。他的風格影響了無數後輩作曲家,確立交響樂在電影配樂中的核心地位。他的作品橫跨數十年,影響深遠,為影史留下無數經典樂章。

筆者願稱呼他為「好萊塢電影音樂的靈魂」。

約翰威廉斯的音樂已超越電影本身,將成為全球文化記憶的一部分,持續啟發未來世代的創作者與觀眾。

 

【附錄】約翰威廉斯創作總整理

 

【BON話題】約翰威廉斯成功的十大秘訣

1. START SMALL 1. 從小事做起
2. WORK HARD 2. 努力工作
3. CHALLENGE YOURSELF 3. 挑戰自己
4. ALWAYS STRIVE FOR BETTER 4. 始終更努力好上加好
5. FIND THE JOY IN LIFE 5. 尋找生活中的樂趣
6. ENJOY EVERY TASK YOU DO 6. 享受每一項你正在執行的任務
7. INSPIRE OTHERS 7. 激勵他人
8. PRACTICE EVERYDAY 8. 每天練習
9. NURTURE GREAT FRIENDSHIPS 9. 培養深厚友誼
10. CREATE GREATNESS 10. 創造偉大

https://www.youtube.com/watch?v=o1QciU4Z-_k&list=PLUJWZ5hBj6j9Giti0fZaCs9iWvrCcaqcL

 


接下來,是電影配樂解說時間

 

電影音樂的三大類型:

原創音樂(Original Music)

非原創音樂(Non Original Music)

來源音樂(Source Music)

 

電影《電影配樂傳奇》(Score)海報

 

 

在我們的心中 一切都有配樂!

回想我們每日的生活點滴,快樂時你唱些什麼旋律?憂傷時你想奢什麼音樂?面對每一種情緒,幾乎我們心中都有著屬於自己的配樂,只是需要時間與自己相處,慢慢衝新發覺這些美好的內心聲音~

 

快樂泉源 來自腦部

音樂的面向極其廣闊,也間接影響我們腦部活動很大。(26'44")

不同的音樂刺激腦部不同的地方:例如旋律類型的音樂,或是節奏速度相關類型的音樂,又會由不同的中樞系統接收;我們的身體則會對這些音樂做出反應(例如雞皮疙瘩等等身體自然反應)。而最有趣的是我們腦袋中名為「腹側紋狀體」以及「伏隔核」的地方,以功能上來說是人體的「獎賞中樞」。平常我們做出讓身體愉悅的事情(例如吃巧克力,或是性方面的愉悅)時,大腦的「獎賞中樞」會產生反應,分泌出「多巴胺」,給予人們愉快的感受。而相同的大腦反應,也會在我們聽音樂時出現~奇妙吧!

 

不一定每個人欣賞電影的過程中,都會百分百留意每一段音樂的出現與配樂者的處理;但不約而同地,我們幾乎都會對電影中的震撼場景、最感人之處留下深刻印象,其實...這往往是音樂在我們大腦裡所埋下的種子。(27'55")

 

你的眼球動得快嗎?

我們看一部90分鐘的電影,(30'52"),眼睛大約會動兩萬一千次,或甚至更多。

儘管我們以為自己可以控制要看什麼地方,但根據許多眼睛研究專家的研究顯示,其實我們觀賞影片時,眼睛經常看著螢幕上相同固定的地方。眼睛則需要被引導,才會開始看向畫面不同的地方,而這些「正確的引導」,音樂更是與影像相互合作,發揮了極大的作用。

 

舉例:上升的畫面,搭配上行音階之音樂;下降的畫面,搭配下行音階音樂。

 

談電影音樂三大類型:

ㄧ、原創音樂(Original Music)

電影《天外奇蹟》(UP)

 

當聽覺藝術與視覺藝術完美結合時,就是電影那一刻永遠停留的心跳聲。(30'52")                 

https://youtu.be/KrtoqIpQXkY


二、非原創音樂(Non Original Music)

在電影《第六感生死戀》中,引用了「正義兄弟合唱團」(The Righteous Brothers)1965年全美排行第4名的抒情經典歌曲《奔放的旋律》(Unchained Melody),詮釋男女主角跨越人鬼的戀情,當時讓者首老歌重新造成轟動。

https://youtu.be/soP0r6N7_2g

 

《遠離非洲》

(電影解說整理自網路與維基百科,並附超連結方便檢索)

遠離非洲》(英語:Out of Africa)是1985年出品的美國電影,導演是薛尼·波勒,主演勞勃·瑞福梅莉·史翠普和Klaus Maria Brandauer。

該片先後獲得過28個電影獎,其中包括奧斯卡金像獎的七項獎。

《遠離非洲》電影根據丹麥女作家凱倫畢斯的小說改編,故事的時空背景是1920年代的東非,故事的重心在於她在非洲的愛情遭遇與生活。曾經於非洲居住短暫的歲月中,有兩個男人對她影響很大,一個是她丈夫波爾,一個是她的情人丹尼斯。

波爾給了她承諾卻根本不想遵守,她從丈夫身上獲得的只是一紙婚姻證書、男爵夫人的名號以及差點要她命的梅毒;丹尼斯從不給她任何承諾,但是卻給了真愛、自由以及如何以更寬廣的眼光來看這個世界。

 

遠離非洲-Out of Africa

內容描寫文字非常動人,取自張晚Youtube影片

丹麥優渥家庭出身的凱倫,
操煩即將晉升為大齡剩女,

決意完成一場財富與名銜的交易婚姻,
下嫁予同溫層友朋瑞典布列克森男爵。

兩人連袂遠赴非洲
開拓新事業與新生活。

不過,她顯然缺乏管理長才,

她的丈夫則更樂於追逐其他異性或是動物,

經營婚姻與經營咖啡園
都注定將付之一炬以失敗告終。

唯一留下記憶的只有那塊
廣袤、無垠的沉睡大陸

以及在土地上奔疾馳聘的一個身影。

他叫丹尼斯,熱愛打獵和莫札特,

他曾允諾:總有一天要帶她比翼飛行。

那個允諾,很快便實現⋯⋯

而關於這一段翱翔的往事,
將由我用贅筆再謄寫一遍。

雙翼飛機像隻炫耀的大黃蜂,
嗡嗡嘈嘈地降落。

彷彿孩子發現隱匿的禮物,
她忍不住興奮地打聽:
『你在哪買下了它?』
『蒙巴沙!』

他扶她登機,
她又質疑地轉身詢問:
『你幾時學會了飛行?』
『昨天!』
簡單的答案,
讓她來不及回神地吃驚。

唯在起飛的瞬間,
她因涉險而害怕的表情,

迅即為好奇的快樂取代。

大黃蜂鬧哄哄地冉冉上昇,

由單簧管鄭重而神秘的低音
為他們的巡禮揭開序曲。

溯流前往,兩岸蔥蘢羅列的
是向大自然致敬的植被隊伍。

塔納河猶如巨蠎蜿蜒,
緩緩蠕動的碧鱗在烈日下光燦閃耀。

他們穿越山顛,遙見瀑布水從天來。

那是太白『飛流直下三千尺,
疑是銀河落九天。』的寫照。

他們滑入荒野,俯瞰草原一望無際。

那是謫仙『山隨平野盡,
江入大荒流。』的境界。

他們不懂,只能在背景裡
用聖樂般的和弦讚美造物。

他們在東非大地塹的懸崖邊緣翻騰嬉戲,

在阿伯德爾草原上,
依循動物遷徙的路線,
他們與萬蹄撼動的羚羊長跑。

繞過背蔭的幽谷。

在納古魯湖心,
探訪水鳥生養的棲所,
他們與千羽幻化的火鶴共舞。

終於,早已蓄勢待發的眾聲齊鳴,
雍容、優雅的主旋律響徹晴空。

他們面迎驕陽,
他們直上凌霄。

在天地悠悠之間,
澎湃、洶湧的心情讓她泫然欲泣。

她把手揚起,託付給他,

她要他緊緊地握住,
在死生契闊之間。

穿透亂雲堆雪的層層迷障,

此際,樂曲停歇,大音希聲。
唯獨恍若天籟的風吹相送。

他們正無念無悔地飛向
自己的天堂。

在電影中,

他迷上她
天馬行空的奇幻故事,
也害怕講述故事的她之需索羈絆;

她戀上他,
豹隱淡泊的直覺本能,
也恐懼如許本能的他之自由來去。

結局是:答應替凱倫送行的丹尼斯
用飛機失事做了永別。

這樣地安排
其實蠻好!

酷嗜狩獵的他,
埋骨高坡,獅子一般俯視著他的莽莽草原;

愛說故事的她,
賦歸原鄉,青鳥似地詠嘆著她的文學篇章。

莫札特《豎笛協奏曲》

https://youtu.be/8muh5tvnCC0

 

隨著莫札特的音樂起飛.空瞰非洲之壯麗

片中最浪漫感人的一幕是丹尼斯駕著飛機載著凱倫在非洲大草原上翱翔,這場戲不僅是《遠離非洲》電影最浪漫之橋段,亦讓觀眾帶著浪漫愉悅的心情欣賞非洲草原遼闊的自然美景。

 

而約翰貝瑞的配樂裡,除了自己的創作之外,中協調地引用了莫札特的《單簧管協奏曲》的慢板部分,古今結合,深情悠遠,烘托出影片再現女主角陳年往事的懷舊氣氛。《遠離非洲》的配樂音樂2005年被列入《AFI百年百大電影配樂》,被譽為美國電影音樂作品的經典。

 

火紅韓劇《魷魚遊戲》配樂

起床音樂:海頓降E大調小號協奏曲第三樂章

https://youtu.be/aT_ZPsoSRXc

 

集合音樂:小約翰.史特勞斯:《藍色多瑙河》

https://youtu.be/3c27hYHxCaQ

 


三、來源音樂(Source Music)

「來源音樂」(Source Music)用在劇情中出現真正聲音來源,必須取信於觀眾時。因此主要為寫實,聲音均出自電影演員或現場。

電影《海上鋼琴師》(1900)中的錄音片段,既是「原創音樂」,也是「來源音樂」,因此份外動人:

https://youtu.be/MUIgReYNMac

 

電影《海上鋼琴師》(1900)經典的海上鬥琴片段:

https://www.youtube.com/watch?v=5USKFpk2E3Y&t=64s

 

電影《英倫情人》(The English Patient)

茱麗葉畢諾許發現了一架廢墟裡的斷腳鋼琴,但她開心地彈起巴赫《郭德堡變奏曲》中的音樂,讓我們對於電影中的實境有了鮮明的感受,更加融入劇中的人物情境與劇情:

https://youtu.be/JP2qaeja6bM

 

有關配樂創作過程.人人想法不同

Hans Zimmer 漢斯季默

Hns Zimmer說,他永遠學不會拒絕有興趣的配樂邀約。總是一開頭就跟導演說沒問題,隨即想到毫無想法,過了幾周甚至想請導演不妨去找配樂大師 John Williams...XD。

不過這麼多年來他體認到這些都是必經的過程,就算自己作曲經驗豐富,每次仍然如臨大敵。

Howard Shore 霍華.蕭

Howard Shore 談到幫《魔戒三部曲》配樂,過程需要好幾年,所以每天訂出工作進度很重要,才能循序漸進完成系列電影的配樂。

他會先閱讀小說和研究作者,了解帶給後世的影響,然後把所有資料放在一旁,散個步,打個盹,思考帶給自己的意義,再針對最有印象的畫面作曲。

Rachel Portman 瑞秋.波特曼

Rachel Portman 很留意作曲時不聽其他任何的音樂。因為她怕自己跟海綿一樣照單全收,受到不必要的影響。另外,她也經常會把作好的曲子放在一旁,隔天起床看是不是還覺得不錯,如果不行就從頭再來。


Steve Jablonsky 史蒂夫.賈布隆斯基

「隔日測試法」也是 Steve Jablonsky 很常採用的手法。

Steve Jablonsky 每天都作曲到晚上11到12點,長時間投入那麼多時間之後,難免失去客觀的創造力,在主觀的情感上自我感覺良好。因此他會刻意等到隔天或幾天之後,假如對旋律的感覺沒變,才拿去給導演試聽,不然就繼續修改、直接放棄或暫時保留,也許能用在其他地方。

 

漢斯季默的蝙蝠俠配樂(4:36 起)

https://youtu.be/EaycnGC811w?t=277

 

【神力女超人】2017年 HD中文電影預告

https://www.youtube.com/watch?v=JESwXEv9XaI

 

神力女超人 主題動機

https://www.youtube.com/watch?v=F9VfmuDnOXU

 

主題樂譜分享

蹦藝術林仁斌製譜

隨著電影工業進入21世紀,電腦特效越來越強和,觀眾也期待越來越精彩好看的電影,甚至是出類拔萃的聲光體驗效果,我們一起看看現代的電影配樂,到底如何進化?

神鬼奇航 - 電影精彩片段

https://www.youtube.com/watch?v=U6sxWegTa9Y

 

現代多層次配樂之最佳示範

https://www.youtube.com/watch?v=wTxntXjM4oE

 

改編為管弦樂團版本 配樂欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=jtGUQFky0KI

 

《沙丘》❤️❤️❤️

也許在未來,我們不會有正規節拍

也許我們人類會終於有所進化

讓我們不需要迪斯可節奏就可以自得其樂

可能會是某種各先進的東西...

-  漢斯季默

 

《沙丘》獨特的聲音來源

自製鼓聲、壓縮人聲、異國風格、合成樂器

「我的挑戰是,不要當個成年人!」

https://www.youtube.com/watch?v=cZIQWts438o

 

漢斯季默 - 《沙丘》配樂現場Live'

https://www.youtube.com/watch?v=_j5GgGdSwjE

 

丹尼爾克雷格 - 最後的007

在漢斯季默筆下,龐德成為了孤單而高貴的情報員

https://www.youtube.com/watch?v=r8KXfWmeYCU


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【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(三): 「道地西班牙」~談兩首拉威爾管弦精彩作品集

【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(三): 「道地西班牙」~談兩首拉威爾管弦精彩作品集
Miaobei Art Center X BONART 2025-1-3

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


課程主軸:

「法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題」系列課程✨

1875年法國誕生了劃時代的巨匠~拉威爾。

拉威爾的音樂生涯起步於對鋼琴的喜愛,自幼苦學,帶著滿腔熱忱踏入巴黎音樂學院,一心鑽研作曲技法,即便屢次與羅馬大獎擦肩而過,也未曾消磨他的才華與鬥志;反而,挫折成了助力~催生出更具深度的音樂感悟。

時光荏苒,拉威爾的音樂串起過去與今朝,是聆聽的盛宴;

在2025年全球紀念緬懷這位偉大作曲家 150 週年誕辰之際,拉威爾的經典旋律依舊在歲月中熠熠生輝,感動人心。

 

苗北藝術學苑 - 課程詳細資訊

114-1苗北講堂

相關附件 - 114-1苗北講堂DM.pdf

時間 _ 2025-03-02~2025-04-27

地點 _ 視聽中心

限額 _ 12/100

指導單位 _ 苗栗縣政府

主辦單位 _ 苗栗縣苗北藝文中心

協辦單位 _ 苗栗縣政府文化觀光局

※單堂報名:$ 150
※套票5堂:$ 525※請優先使用官網線上報名系統(信用卡、匯款、臨櫃現金繳費)。
※紙本報名請下載印出報名表,並繳交至苗北藝文中心1樓服務台(匯款、臨櫃現金繳費)。

授課教師 _ 林仁斌(超人氣古典音樂欣賞名家、蹦藝術執行長)

一、因應現行防疫規範,學員上課均需全程配戴口罩;並遵守本中心防疫措施相關規定,違反規定將無法入場上課。

二、課程相關事宜洽詢:活動企劃部曾小姐037-612669轉511/cctseng@miaobeiac.org

主講人|林仁斌

蹦藝術 | BONART 執行長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

竭誠歡迎您的參與~一起享受音樂與藝術之美💕


課程2: 「古典與創新」~談拉威爾鋼琴協奏作品集

時間 _ 2025-03-23 ( 日 ) 10:00
地點 _ B1 視聽室

本場演講,林仁斌老師將為您介紹拉威爾充滿鮮明的異國情調國特色的管弦樂精彩作品。擁有母系西班牙血統的拉威爾,在成熟期創作中將西班牙風格與古典主義的結構和技巧相融合,並以充滿特色之樂節奏與特色打擊樂器,帶領聽眾帶入一種狂熱的氛圍並展現出西班牙音樂中熱情與慵懶交織的獨特風情。

欣賞曲目:
〈波麗路舞曲〉
〈西班牙狂想曲〉


法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937

法國作曲家:拉威爾(Maurice Ravel, 1875–1937)

 

拉威爾(Maurice Ravel,1875—1937)是近代與德布西並列的偉大作曲家,他的音樂風格精緻動人,充滿特色,猶如一幅融合古典與現代、傳統與創新的絢麗畫卷;其作品在和聲、節奏、配器以及樂曲結構與創新,均有獨特創見,更對 20 世紀音樂發展影響深遠。

 

來自西班牙

因爲母親和好友維涅斯的緣故,拉威爾一直對西班牙音樂情有獨鍾。

寫作與首演於於1928年的《波麗露》是拉威爾一生裡最為受歡迎的作品,除了是最後一首管弦樂舞曲作品,更是二十世紀法國交響音樂傑作。

 

創作背景故事

https://www.youtube.com/watch?v=yKo879kUvPA

 

波麗露 (Boléro) 原為一種緩慢的三拍西班牙舞蹈,而拉威爾的《波麗露》是受舞蹈家伊達·魯賓斯坦委託而作。

 

波麗露》通常以3/4拍、稍快的速度、以響板擊打節奏來配合,拉威爾雖採用《波麗露》曲名,維持西班牙民間舞蹈風格與三拍節奏為基礎,但是改由小鼓在整首樂曲中,自始至終反覆地敲着同一反覆節奏:

《波麗露》(Boléro)之小鼓節奏譜例

 

3/4拍、稍快的速度、以響板擊打出《波麗露》節奏

https://youtu.be/FvU4hE5gmnU?t=123

 

作為管弦樂聲響效果實驗之作,拉威爾更安排不同的獨奏樂器,輪流地重複奏着兩段旋律:

主題A

 

主題B


音樂在同一組節奏裡重複,隨著一段一段不同樂器登場獨奏,音樂之織體逾來逾厚,音量漸漸變大:把單純看似僅只單調的重複,發展為凝聚整個交響樂團音樂張力表現之爆棚管弦名作。

樂譜裡可見拉威爾編寫管弦樂作品的心思:如何選配旋律出場的樂器,他也採用了當時民間越來越流行的薩克斯風家族樂器作為管弦樂團配器之一:

 

 

 

伴奏樂器如何加強頑固節奏,如何逐漸增加低音與音響效果,每一段重複都經過仔細調配。(總譜最後兩頁)

 

樂團編制

《波麗路》樂團編制

 

拉威爾以簡單的結構和旋律,發展為龐大而精采的作品,在此曲中完全展現其管弦樂法之精鍊。(雖然作曲家史特拉汶斯基評拉威爾是「精巧的瑞士鐘錶匠」)

《波麗露》的樂曲特色:

  • 主題及答句同樣地反覆九次,共18次,既不展開也不變奏。(AA-BB-AA-BB-AA-BB-AA-BB-AB)
  • 管弦樂法與配器法為教科書等級創作
  • 全曲始終在C大調上,只是最後的兩小節才轉調。
  • 舞曲前半部分配有和聲,除了獨奏就只有齊奏,可視為極長的漸強樂句,後半部分附有少量的和絃;
  • 舞曲自始至終只有漸強的單向變化。
  • 加入複調聲部
  • 使用最精簡元素產生最大變化

 

《波麗露》樂曲結構表

波麗露樂曲結構表
樂段 排練編號 跟隨小鼓節奏的樂器 演奏旋律的樂器 節奏伴奏
前奏 第1小節 中提琴及大提琴
第一主題(1) 第5小節 第1長笛 中提琴及大提琴
第一主題(2) 1 第2長笛 第1單簧管 中提琴及大提琴
第二主題(1) 2 第1長笛 第1低音管 中提琴、大提琴、豎琴
第二主題(2) 3 第2長笛 高音單簧管 中提琴、大提琴、豎琴
第一主題(3) 4 2支低音管 柔音雙簧管 第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(4) 5 第1法國號 第1長笛及弱奏第1小號 第一小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第二主題(3) 6 弱奏第2小號 次中音薩克管 2支長笛、第1單簧管、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第二主題(4) 7 弱奏第1小號 倍高音薩克管、高音薩克管 2支雙簧管、英國管、第一小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(5) 8 第1長笛、第2法國號 2支短笛、第1法國號、鋼片琴 低音單簧管、2支低音管、豎琴、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(6) 9 第4法國號、第3小號、第二小提琴、中提琴 雙簧管、柔音雙簧管、英國管、2支單簧管 低音單簧管、2支低音管、第1,2小號、豎琴、其他絃樂器
第二主題(5) 10 第1長笛、第2法國號、中提琴 第1長號 2支單簧管、低音單簧管、倍低音管、豎琴、第二小提琴、大提琴、低音提琴
第二主題(6) 11 第4法國號、第1小號、第二小提琴 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、2支單簧管、次中音薩克管 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、其他絃樂
第一主題(7) 12 第1,2法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、2支單簧管、第一小提琴 2支低音管、倍巴松管、第3,4法國號、定音鼓、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(8) 13 第3,4法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、2支單簧管、次中音薩克管、第一、二小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、第1,2法國號、高音薩克管、定音鼓、其他絃樂
第二主題(7) 14 第1,2法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、第1小號(低音單簧管+第4法國號)、第一、二小提琴 2支單簧管、2支低音管、倍低音管、第3,4法國號、2支長號、大號、2支薩克管、定音鼓、其他絃樂
第二主題(8) 15 4支法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、2支單簧管、第1長號、高音薩克管(低音單簧管+次中音薩克管)、第一、二小提琴、中提琴、大提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、3支小號、第2,3長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
第一主題(9) 16 2支雙簧管、2支單簧管、4支法國號、第二小提琴、中提琴、大提琴 短笛、2支長笛、高音小號、3支小號、2支薩克管、第一小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、3支長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
第二主題(9) 17 2支雙簧管、2支單簧管、4支法國號、第二小提琴、中提琴、大提琴 短笛、2支長笛、高音小號、3支小號、第1長號、2支薩克管、第一小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、第2,3長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
過場 18前3小節第3拍 2支雙簧管、2支單簧管、4支法國號、第二小提琴、中提琴、大提琴 短笛、2支長笛、高音小號、3支小號、第1長號、2支薩克管、第一小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、第2,3長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
尾段 18後第9小節 短笛、2支長笛、4支法國號、高音小號、3支小號、第一、二小提琴、中提琴、大提琴 3支長號及2支薩克管作半音滑奏 2支雙簧管、英國管、2支單簧管、低音單簧管、2支低音管、倍低音管、大號、敲擊、豎琴、低音提琴
結尾 最後2小節 全體在相同節奏下結束

 

管弦樂+配器介紹版本(一)

https://www.youtube.com/watch?v=VlyRuGsuKlE

 

管弦樂+配器介紹版本(二)

https://www.youtube.com/watch?v=6r5dOEflBmM

 

簡易分析樂譜版本

https://youtu.be/kl_cHyB1qdM

 

芭蕾舞蹈版欣賞:知名芭蕾舞蹈家 Sylvie Guillem 於東京現場版(也是她最後一次於東京演出此舞目)

Sylvie Guillem

 

Sylvie Guillem - Bolero @TOKYU SILVESTER CONCERT 20151231

Sylvie Guillem's last stage in Tokyo.

https://youtu.be/SS_WJmLGFrA

 

音樂欣賞: 杜達美於2025年帶領西蒙波利瓦管弦樂團於巴黎愛樂廳演出 live'

https://www.youtube.com/watch?v=bZAAfJddqhU

 

樂譜版本欣賞

https://youtu.be/pNlXrdJFTAM


《波麗露》首演+牛津接受榮譽博士學位

 

在《波麗露》首演前,拉威爾前往牛津大學接受榮譽博士學位,事後並舉行一場全場拉威爾曲目的音樂會,觀眾反應熱烈。

 

事後對於這首作品的成功,拉威爾其實有點不以為意,他自己只認為這首樂曲是「管弦樂團的實驗之作」;更曾對作曲家奧乃格說:「我只創作了一首傑作:那就是《波麗露》。可惜裡面沒有音樂...

 

我認為,拉威爾錯了...

這首波麗露不但在日後被公認為20世紀法國最有代表性的管弦樂作品之一,管弦樂團的超受歡迎名曲、 Sylvie Guillem 的推動之下成為現代芭蕾代表作,後續的錄音錄影作品更是族繁不及備載,絕對是貨真價實的大師之作。

 

2018年11月11日 於法國凱旋門前的世界領袖高峰會

拉威爾《波麗露》成為代表法國精神的樂曲

https://youtu.be/1eF6b9v2ApE

 

 

學生樂團街頭快閃演出版本(西班牙)

https://youtu.be/IsF53JpBMlk

 

樂曲介紹紀錄片欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=uGYuL21zQic


〈西班牙狂想曲〉

創作背景

  • 拉威爾出生於法國南部靠近西班牙的地方,其母親是西班牙巴斯克族血統,他自幼受西班牙音樂的熏陶。1907 年,在他第四次羅馬大獎落選後的兩年,創作了這部作品,同年他還完成了西班牙風格的歌劇《西班牙時光》。
  • 創作歷程:《西班牙狂想曲》的創作靈感部分來自於拉威爾 1895 年創作的一首雙鋼琴作品《哈巴奈拉》。1907 年,他在此曲的基礎上,又創作了另外三首作品,並於同年 10 月再改寫為雙鋼琴版本,隨後在 1908 年 2 月完成了管弦樂版本的編曲。

 

  • 樂曲結構:全曲共分為四個樂章。

 

第一樂章 “夜的前奏曲”(Prélude à la nuit):開篇由小提琴和中提琴反覆奏出下降音形的序奏主題,營造出炎熱西班牙夜晚之安靜氣氛,此音形貫穿全曲。管弦樂逐漸增強音勢與色彩,相繼出現長笛和單簧管的裝飾段落、小提琴高音的獨奏、鋼片琴寂寞的音響以及低音管的裝飾奏,最終在神秘氣氛中消失。

 

第二樂章 “馬拉蓋納舞曲”(Malagueña):這是本曲中最短的樂章,基於西班牙南部的佛朗明哥舞蹈,但拉威爾的音樂僅取三拍節奏上與之相同,添加更多的卻是浪漫地喚起對特定西班牙地方與情緒的感受。樂章以弦樂低沉的撥奏和木管樂器低聲的音型開場,中間有嘹亮的小號像鬥牛士般伴著強烈節奏闖入,後又回到由英國管吹出的引起回憶的曲調,結尾安靜,重複第一樂章開頭的四音樂句。

 

第三樂章 “哈巴奈拉”(Habanera):具有典型的哈巴奈拉風格,這種起源於古巴的民間三拍子舞曲多帶有切分節奏。樂章標明 “相當緩慢且節奏慵懶”,在 F♯大調和小調之間切換,以其迷人而微妙的表達展現出濃厚的西班牙特色和精神。

 

第四樂章 “市集”(Feria):是全曲最長的樂章,標明 “相當活潑”,描繪了熱鬧的傳統西班牙市集景象。在 C 大調、6/8 拍的節奏下,喧鬧的狂歡氣氛中帶有一絲懷舊的底蘊,但最終熱情洋溢占了上風,作品在歡樂的管弦樂色彩爆發中結束。

 

關於管弦樂配器

  • 這首作品使用了龐大的管弦樂編制,包括 2 部短笛、2部長笛、2 部雙簧管、英國管、2 部高音單簧管、低音單簧管、3 部低音管、倍低音管、4 部法國號、3 部小號、3 部長號、低音號、定音鼓、大鼓、鐃鈸、響板、鈴鼓、鑼、小軍鼓、木琴、鋼片琴、2 架豎琴與弦樂器,豐富的樂器組合為音樂帶來了絢麗多彩的音色效果。

 

管弦樂版本欣賞

Maurice Ravel (1875 - 1937), Rapsodie espagnole (1907)

Performed by Boston Symphony Orchestra, Seiji Ozawa conductor

00:00 - No. 1 Prélude à la nuit. Très modéré

03:57 - No. 2 Malagueña. Assez vif

06:02 - No. 3 Habanera. Assez lent et d'un rythme las

08:35 - No. 4 Feria. Assez animé

https://www.youtube.com/watch?v=2rEc_vksrnc

 

Recorded in QPAC's Concert Hall on Saturday 16 November 2019 as part of our Season Closing Gala.

Under the baton of Alondra de la Parra in her last concert as Music Director.

I. Prélude à la nuit 0:18

II. Malagueña 4:20

III. Habanera 6:41

IV. Feria 9:12

https://www.youtube.com/watch?v=7azWxqtpIi4

 

給聲樂的哈巴奈拉舞曲

https://www.youtube.com/watch?v=32mfSda6hzA

 

管弦樂魔術師

拉威爾(Maurice Ravel)被稱為「管弦樂魔術師」,他在管弦樂配器展現出了卓越的才華和獨特的創造力,其作品以豐富多樣的音色組合、細膩的情感表達以及獨特的節奏運用,為聽眾帶來了如夢如幻的音樂體驗。


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家(一)神弓炫技小提琴之神:海飛茲

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 -弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家(一)神弓炫技小提琴之神:海飛茲

Russian-American violinist: Jascha Heifetz

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探索系列一|弦音傳奇:20世紀五大傳奇音樂家

在本系列中,林仁斌老師將帶您聚焦在「音樂家的歷史」,以深度的眼光與精彩的影音,認識20世紀五大傳奇音樂家,從「神弓炫技:海飛茲」、「大提琴泰斗:卡薩爾斯」、「波蘭王者:魯賓斯坦」、「大提琴傳奇:羅斯托波維奇」到「俠之大者:歐伊史特拉夫」,各個都充滿故事性,音樂更是迷人,您絕不可錯過!

 

  • 課程內容

      • 第一堂|神弓炫技小提琴之神:海飛茲

      「出生於俄羅斯(立陶宛)、三歲學琴,7歲首次公開演出,17歲全美公開演出」這短短的幾句話,是海飛茲生前寫的墓誌銘。演奏技巧極其完美,音準完美無瑕,幾乎從不出現錯誤,更被一代指揮泰斗托斯卡尼尼讚譽為:「唯一能演奏得完美無缺的藝術家」。本堂課程以豐富的影音資料,帶您走入小提琴之神海飛茲完美~近乎苛求的音樂世界

      • 第二堂|古典樂的大提琴泰斗:卡薩爾斯

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識西班牙著名的大提琴家、作曲家、指揮家:卡薩爾斯(Pau Casals, 1876 - 1973)。他是20 世紀上半全世界最傑出的大提琴家。職業生涯從14歲展露頭角,1905 年與小提琴家隆提博與鋼琴家科爾托組成黃金三重奏,更是20世紀初最傳奇的室內樂組合。經歷1936年西班牙內戰、移居法國,終身維護民主與人權,舉辦卡薩爾斯音樂節,每一舉措,均是音樂家的標竿。

      • 第三堂|波蘭鋼琴之藝術王者:金鈕釦魯賓斯坦

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識一生享有盛名,被公認為史上蕭邦音樂的最佳詮釋者之美籍波蘭裔鋼琴家魯賓斯坦。他將蕭邦音樂中的浪漫主義情懷和波蘭民族精神完美結合,更為蕭邦音樂賦予高尚的情感,取代感傷耽溺並注入清新與活力之詮釋;一生中所獲頒榮譽無數,更以大量的唱片錄音為世人留下珍貴的音樂資產,為鋼琴演奏藝術最重要之傳承者。

      • 第四堂|大提琴之聲傳奇締造:羅斯托波維奇

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識20世紀俄羅斯最具代表性之大提琴家、指揮家:羅斯托波維奇。1956 年起任莫斯科音樂學院教授,1964年被蘇聯當局授予「人民藝術家」稱號。演奏技巧極為精湛,無論是高難度的指法、弓法,或是複雜的音樂段落,他都能輕鬆駕馭、游刃有餘,能透過細膩的弓法控制,營造出如詩如畫的音樂氛圍,在指揮上亦享有盛名。

      • 第五堂|風格演繹的俠之大者:歐伊史特拉夫

      本堂課程,林仁斌老師將帶您認識1908年出生於烏克蘭奧德薩猶太家庭,1937 年比利時布魯塞爾易沙意國際小提琴大賽首獎,音色以温暖醇厚著稱之歐伊史特拉夫。除了教學與演奏的卓越成就,歐伊史特拉夫作為蘇聯音樂文化最具代表性的人物,在國際舞台上積極推廣蘇聯音樂和文化,無論是浪漫主義作品中的柔情蜜意,或是古典主義作品中的嚴謹莊重,都是一代俠之大者

      ※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


神弓炫技.海飛茲

亞莎・海飛茲(Jascha Heifetz,1901 - 1987)是二十世紀最傑出的美籍立陶宛小提琴家,猶太血統,亦被公認為是最偉大的小提琴演奏家之一

 

海飛茲.生活記錄短片

https://www.youtube.com/watch?v=DOGNwxSb6Zs

 

神童海飛茲

如果上帝真的存在,那海飛茲絕對是他最美妙的樂器

 

與一代名師奧爾

海飛茲5歲在維也納時期,追隨 William Morgan 學習小提琴

 

漸漸地, William Morgan 發現自己已經無法教海飛茲任何東西了...於是想安排自己的老師 - 俄羅斯最偉大的小提琴教育家奧爾(Leopold Auer, 1845-1930)見見海飛茲

 

在此約之前,奧爾不斷推卻,他告訴 William Morgan,「我已經見過太都神童了...」

William Morgan 則堅持,6歲的海飛茲是他多年教學以來,最傑出、不可思議的一位...

在實際聽過海飛茲的演奏後,奧爾開心地親吻了海飛茲與William Morgan,並直接開口問海飛茲:「你麼時候可以來聖彼得堡?」

之後海飛茲隨奧爾學習小提琴,在奧爾的指導下,海飛茲打下了紮實的技巧基礎,奠定一輩子精彩的演奏人生根基。

 

『上帝』的學生

很多年之後,奧爾接受訪問,被問到自己覺得最優秀的學生有哪些?

奧爾名聞遐邇,許多學生早已成為了一代演奏名家,他也列舉了許多年輕知名大師的名字,但他卻沒有提到海飛茲

訪問者問他,爲何沒有提到海飛茲的名字?

奧爾則回答說:「他不是我學生,他是『上帝』的學生!」

 

【海飛茲 - 龐賽:《小星星》】

JASCHA HEIFETZ - PONCE: "ESTRELLITA"

一代小提琴名家海飛茲(Jascha Heifetz, 1901-1987)出生於1901年的2月2日,今年2025年是他124歲誕辰🌹

這首由墨西哥作曲家龐賽於1912年所寫的《小星星》,海飛茲於1923年改編為小提琴演奏版而獲得無數音樂家喜愛演奏至今。

初聽《小星星》(Estrellita),就是海飛茲於1939年擔任音樂電影《青少年與音樂》(They Shall Have Music)演出中演奏了此版,劇情與音樂都非常溫暖動人。

自年輕時便聽過無數他的精彩演奏,特別喜愛他演奏小品的溫度~歌詞中藉由第一人稱對天上的星星許願,簡單的文字道出對於愛人的思念與愛情的嚮往,真摯的情感簡單而深刻

遠在天邊閃爍的小星星
你看著我的痛苦
你也知道我受苦心碎
請你告訴我,她是否有一點點愛我
因為沒有她的愛我無法活下去

遙遠的小星星
你看著我的痛苦
你也知道我受苦心碎
請你告訴我,她是否有一點點愛我
因為沒有她的愛我無法活下去

妳是小星星,我愛情的燈塔,
你知道我很快就會死去。
請你告訴我,她是否有一點點愛我
因為沒有她的愛我無法活下去

請你告訴我,她是否有一點點愛我
因為沒有她的愛我無法活下去

 

童年與學習

1901 年,海飛茲出生於當時屬於俄羅斯的立陶宛首都維爾紐斯。父親是維爾紐斯交響樂團的小提琴手,在他 3 歲時,父親便開始教他拉小提琴。由於他進步神速,父親很快就感到束手無策,於是將他送入維爾紐斯音樂學院師從馬爾金教授。4 歲時,海飛茲進入維也納音樂學校,5 歲即公開演奏。6 歲時,他成功演奏了孟德爾頌的協奏曲,展露出驚人的音樂才華。

8 歲時,海飛茲進入彼得堡音樂學院,師從著名的小提琴大師萊奧波德・奧爾,在那裡他接受了嚴格而系統的訓練,完美掌握了小提琴所應具備的一切技巧,邁向未來大師之路,指日可待

 

光彩奪目的首演

1911 年,10 歲的海飛茲在聖彼得堡舉行數場演奏會,以完美無瑕的技巧折服了觀眾。1912 年,11 歲的他在柏林登台演出,與尼基什指揮的柏林愛樂合作演奏孟德爾松的小提琴協奏曲,引起轟動,一舉成名,自此開始了輝煌的歐洲巡迴演出。

1917 年,身為猶太人的海飛茲與父親一同遷居美國。

同年 11 月 27 日,他在卡內基音樂廳舉行了美國首演,演奏了多首技巧艱深的樂曲,博得熱烈掌聲,宣告了 20 世紀小提琴新王者的誕生。此後,他開始在世界範圍內進行演出,足跡遍布歐洲、亞洲和美洲。1925 年,海飛茲加入美國國籍。

 

1917 年 10 月 27 日,16 歲的海飛茲在美國紐約的卡內基音樂廳舉行了他的美國首演。

當時,美國剛剛參加第一次世界大戰六個多月,而俄國國內政局動盪,沙皇已經退位,布爾什維克革命即將爆發。在這樣的歷史背景下,紐約的音樂界卻對這位來自俄國的年輕小提琴家充滿了期待。

海飛茲的美國首演吸引了幾乎全美國最有名的小提琴家以及眾多音樂愛好者前來觀賞。

當天的音樂會上,海飛茲連續演奏了一系列難度極高的曲目,包括韋塔利的《夏康舞曲》、維尼奧夫斯基的《第二小提琴協奏曲》、舒伯特的《聖母頌》、莫札特的《小步舞曲》、蕭邦的夜曲、貝多芬的《東方行進曲》、柴可夫斯基的《旋律》以及帕格尼尼的《第 24 號隨想曲》等。他以精湛絕倫的演奏技巧、純淨優美的音色、深刻的音樂理解和強烈的情感表達,完美地征服了在場的所有觀眾。

 

技術本位.帕格尼尼

https://www.youtube.com/watch?v=mgxE22GVb3U

 

據當時的記載,在演奏韋塔利的《夏康舞曲》時,甚至還未等樂曲結束,觀眾就已經意識到一位音樂新星誕生了。

音樂會結束後,現場掌聲雷動,“喝彩聲震動了音樂廳的牆壁”。

媒體對海飛茲的演出給予了高度評價,諸如 “終於有了完美的小提琴演奏”、“少年小提琴家大獲成功”、“天才降臨:亞莎・海飛茲” 等標題見諸報端。

 

今晚.好熱

海飛茲的師兄艾爾曼,聽完他精彩的演奏之後,對著說身旁鋼琴家說:「今晚好熱啊」

沒想到鋼琴家笑著回答說:「不會啊,對鋼琴家不會熱~」

這場首演不僅奠定了海飛茲在美國音樂界的地位,也宣告了 20 世紀小提琴新王者的誕生。

此後,他的音樂事業在美國蓬勃發展,海飛茲也逐步成為了世界公認的最偉大的小提琴家之一。

 

20 世紀 30 年代中期後,海飛茲的演奏水平登峰造極。他與世界知名指揮家、交響樂團合作錄製了大量音樂唱片,其演奏技巧準確而輝煌,音色純淨而優美、圓潤而飽滿,富有激情,具有動人心弦的特殊魅力。他的力度和色彩變化豐富,對樂曲的詮釋深刻而獨到,成為了公認的小提琴大師。

 

海飛茲的演奏技巧極為精湛,他的音準極為精確,音色純淨、優美且飽滿,揉弦技巧自然而富有變化,運弓也極其嫻熟,能夠在不同的樂曲中展現出多樣的音色和力度變化。例如在演奏高難度的帕格尼尼隨想曲時,他能輕鬆駕馭各種複雜的技巧,將作品中的華麗樂段演繹得淋漓盡致。

海飛茲也擅長於在演奏中融入深刻的情感,使每一首樂曲都具有強烈的藝術感染力。

在演奏如柴可夫斯基的《旋律》等作品時,他能透過極為細膩的演奏,手指揉弦與細膩的運弓,將作品中的情感層層傳遞給觀眾,讓人們沉浸於他的音樂情感世界中。

https://www.youtube.com/watch?v=22YUP0zQ3sA

 

 

二戰以後,海飛茲先後在洛杉磯大學和加利福尼亞大學講學。1969 年起正式擔任加利福尼亞大學小提琴教授。1972 年,他因右肩手術後右臂活動受限,舉辦告別音樂會,結束了演出生涯,此後專心從事小提琴教育事業,在加州大學洛杉磯分校、南加州大學等地開設大師課,80 年代則多在私人場合為學生授課。

 

錄音貢獻:海飛茲留下了大量經典的錄音作品。這些錄音不僅是音樂藝術的瑰寶,也是後世學習和研究的重要資料。他的錄音涵蓋了各種風格的曲目,從巴洛克時期的作品,到現代派的音樂,都有精彩的演繹。

他演奏的巴赫的小提琴奏鳴曲與組曲,以嚴謹的結構、深刻的情感和精湛的技巧,成為了公認的權威版本。

他的錄音在音響上也有極高的標準,為當時代與後世之唱片錄製樹立了至高標準。

 

Heifetz: Showpieces

Hungarian Dance No. 7 · Jascha Heifetz · Johannes Brahms · Alfred Wallenstein · Los Angeles Philharmonic Heifetz: Showpieces ℗ Originally Recorded 1953. All rights reserved by BMG Music

https://www.youtube.com/watch?v=3rrT7qmNVOU&list=PLg8EsA-33oqFNMhBVOfgHvTYEdLYQSrlw

 

https://www.youtube.com/watch?v=7z3KdNPUoDs

 

The Heifetz Collection - Vol. 1 (1917 - 1924); The Complete Acoustic Recordings(播放清單)

https://www.youtube.com/watch?v=X02-C99cIuw&list=PLkLtzysBVYVdEQx9qBs1SFOJN4l_31Lzm

 

The Heifetz Collection 2 (1925 - 1934) - The first Electrical Recordings ℗

Originally recorded prior to 1972. All rights reserved by BMG Music

https://www.youtube.com/watch?v=TEp2Bwg6rc0&list=PLBUm3y68NP2nG9acxU1XwLO7xgtX3CVsl

 

Jascha Heifetz Collection, Vol. 3 (Live)

https://www.youtube.com/watch?v=f2Do2_ozT3g&list=PL-oXUCkvlU_5142Jy2TLmYKWrF9ENgAJR

 

珍貴談話與演奏短紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=9KSJmd5mEJE

 


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲((五)第八號交響曲《千人》

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Mahler Symphony excerpts-No.8

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系列|迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲

馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本系列課程林仁斌老師將為您詳解第四號至第八號交響曲~從創作與樂曲解析,一起開啟馬勒之「天堂之門」。

  • 課程內容

    • 第一堂|馬勒第四號交響曲

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    • 第二堂|馬勒第五號交響曲

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第五號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首全世界樂迷最愛的馬勒代表作。

    • 第三堂|馬勒第六號交響曲《悲劇》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第六號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首「一錘定音」的特殊之作。

    • 第四堂|馬勒第七號交響曲《夜之歌》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第七號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首由黑夜邁向光明之鉅作。

    • 第五堂|馬勒第八號交響曲《千人》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第八號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首繼貝多芬之後,創下千人交響里程碑神作。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/the-story-of-gustave-mahler/

 

馬勒交響曲列表

馬勒共寫作十首交響曲,整理年份與調性如下:

序號
名稱
創作時間
風格特點
音樂內容
1
《第一交響曲 “巨人”》
1888 年
融合了宏大的交響性與民間音樂元素,音樂充滿活力,具有強烈的情感張力。
描繪了自然、生命的力量,展現了從黑暗到光明的精神旅程,也包含對人生的思考與感悟。
2
《第二交響曲 “復活”》
1888 - 1894 年
規模宏大,將交響曲與合唱相結合,音樂風格從悲壯、深沉逐漸轉向激昂、振奮。
探討了死亡與重生的主題,表達了對生命永恒的信念和對死後世界的憧憬。
3
《第三交響曲》
1893 - 1896 年
是馬勒交響曲中篇幅最長的一部,音樂風格極為豐富,涵蓋了從自然的描繪到哲學的沉思等多種元素。
歌頌了自然的偉大,探索了生命、愛情、死亡等深刻主題,展現出對宇宙萬物的敬畏和讚美。
4
《第四交響曲》
1899 - 1900 年
風格較為清新、純真,採用了小型編制,音樂色彩豐富,充滿了夢幻般的意境。
以孩童的視角描繪了天國的生活,表達了對天堂的嚮往和對童真的讚美,傳遞出一種寧靜、平和的情感。
5
《第五交響曲》
1901 - 1902 年
音樂風格從壓抑、痛苦逐漸轉向明朗、激昂,以獨特的葬禮進行曲開篇,之後音樂情感逐漸昇華。
展現了生命的掙扎與希望,表達了對愛情的渴望和對美好生活的嚮往,其中著名的 “小柔板” 表達了深沉的情感。
6
《第六交響曲》 “悲劇”
1903 - 1904 年
音樂風格沉重、悲壯,結構嚴謹,具有強烈的戲劇性衝突。
深刻地反映了人生的苦難與悲劇,展現了命運的無常和人類在困境中的掙扎,結尾充滿了絕望的氣息。
7
《第七交響曲》 “夜曲”
1904 - 1905 年
音樂風格較為獨特,融入了夜晚、夢境等元素,營造出神秘、夢幻的氛圍。
描繪了夜晚的寧靜與神秘,以及對生命的思考和對未來的期待,在夢幻中蘊含著對生活的熱愛。
8
《第八交響曲》 “千人”
1906 - 1907 年
規模極其宏大,需要龐大的合唱團和交響樂團,音樂氣勢磅礴,充滿了輝煌壯麗的色彩。
以歌頌人類的精神力量和對上帝的讚美為主題,表達了對人類團結和精神昇華的追求。
9
《第九交響曲》
1909 - 1910 年
音樂風格深沉、內斂,充滿了對人生的回顧與反思,具有濃厚的悲劇色彩。
表達了對生命即將終結的感慨,以及對人生的眷戀和對死亡的無奈,展現出一種深刻的生命哲學。
10
《第十交響曲》
1910 - 1911 年
(未完成)
雖未完成,但已展現出獨特的風格,音樂中既有馬勒以往作品的影子,又有新的探索和嘗試。
主題較為複雜,包含了對生命、愛情、死亡等的思考,以及對未來的迷茫和期待,未完成的狀態也給人留下了無盡的遐想空間。

 

 

 


當花草枯萎凋謝,大地只剩一片沙漠時,人們還是能透過我的交響曲知道大自然是什麼樣子。

~英國導演 Ken Russell 執導之1974年電影《馬勒傳》對白。

 

《千人》- 要現場才能體會震撼的交響曲

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

降E大調第八號交響曲》是由古斯塔夫·馬勒創作,於1906年訂定初稿,並於1907年完成的交響曲。此曲合唱部份貫穿整首交響曲,全首交響曲的演奏時間為80分鐘。由於演出人數眾多,除了7位獨唱家與超大編制的管弦樂團管風琴外,連同男聲、女聲、童聲合唱團,總人數超過一千人(1029人),規模空前達歷史之最。故本曲也有《「千人」交響曲》之別名。

1910年9月12-13日馬勒第八號《千人交響曲》德國慕尼黑新節日音樂廳(Neue Musik-Festhalle)舉辦首演之海報

 

歷史首演 - 慕尼黑轟動大成功

第八號交響曲《千人》是馬勒最偉大的鉅作,此曲於1910年9月12日由馬勒親自指揮於德國慕尼黑新節日音樂廳(Neue Musik-Festhalle)首演時,更是動用7位獨唱家、171人編制交響樂團、858成人與男童合唱團團員等共1029人上舞台演出;在經紀人 埃米爾·古特曼(Emil Gutmann)的強力運作之下,創造出這首馬勒人生最高峰經典之作,第八號交響曲不但有了《千人》封號,實際上台演出人數也真的破千,是百分之百、貨真價實的《千人交響曲》!

參與首演之各界名流眾多,冠蓋雲集人物中,有大作曲家 理查.史特勞斯Richard Strauss, 1864-1949),聖賞Camille Saint-Saëns)和安東.魏本Anton Webern);作家 托馬斯·曼Paul Thomas Mann, 1875-1955)和 亞瑟·史尼茲勒Arthur Schnitzler, 1862-1931);戲劇導演 馬克斯·萊因哈特(Max Reinhardt, 1873-1943)以及馬勒的心理醫生 西格蒙德·佛洛伊德Sigmund Freud, 1856-1939)等等。而此曲六年之後的美國首演者:當時28歲的英國指揮家 李奧波德·史托考夫斯基Leopold Anthony Stokowski, 1882 - 1977) 也在現場,無盡的感動讓他於費城成功指揮此偉大作品之美國首演。

馬勒的經紀人 埃米爾·古特曼非常精明,雖然知道馬勒擔心害怕這首曲目被操作成猶如馬戲團般的熱鬧秀,但他仍細心地選擇了可以容納3200人的慕尼黑新落成新節日音樂廳(Neue Musik-Festhalle),再成功安排所有演出人員湊至1029人,間接創造了這首第八號交響曲於音樂史上永遠的崇高歷史地位。當天的最後一個音符都沒還結束,全體觀眾已響起如雷般的掌聲長達20分鐘不停歇,馬勒所有的擔憂煙消雲散,也迎來了身為作曲家以來最成功的首演音樂會。(而馬勒本人並未主動對第八號加上《千人》之標題~這當然也是經紀人 埃米爾·古特曼的商業操作。)

而根據資料,1910年9月12日馬勒當天的指揮演出時間共為85分鐘。

 

參與首演之獨唱家名單與唱段:

Gertrude Forstel (1880-1950) (soprano): Una poenitentium.

Martha Winternitz-Dorda (1880-1958) (soprano): Magna Peccatrix.

Emma Bellwidt (1879-1937) (soprano): Mater Gloriosa (only on 12-09-1910).

Ottilie Metzger-Lattermann (1878-1943) (alto): Mulier Samaritana.

Anna Erler-Schnaudt (1878-1963) (alto): Maria Aegyptiaca.

Felix Senius (1868-1913) (tenor): Doctor Marianus.

Nicola Geisse-Winkel (1872-1932) (baritone): Pater Ecstaticus.

Richard Mayr (1877-1935) (bass): Pater Profundus.

珍貴歷史照片:馬勒於慕尼黑彩排千人交響曲(馬勒站於指揮台上)

 

 

珍貴歷史照片:馬勒於慕尼黑彩排千人交響曲

 

珍貴歷史照片:馬勒於慕尼黑演出千人交響曲之新節日音樂廳(Neue Musik-Festhalle)音樂廳
珍貴歷史照片:馬勒於慕尼黑演出千人交響曲之新節日音樂廳(Neue Musik-Festhalle)音樂廳

 

馬勒多樣化的指揮姿態,1901年被半諷刺地畫為漫畫,刊載於雜誌上 | Mahler's conducting style, 1901, caricatured in the humor magazine Fliegende Blätter
馬勒多樣化的指揮姿態,1901年被半諷刺地畫為漫畫,刊載於雜誌上 | Mahler's conducting style, 1901, caricatured in the humor magazine Fliegende Blätter

1916年 美國首演

第八號交響曲《千人》於美國之首演,是由年輕指揮家 李奧波德·史托考夫斯基Leopold Anthony Stokowski, 1882 - 1977)指揮費城管弦樂團,於馬勒慕尼黑首演6年之後於1916年 3月2日正式舉行。由於 李奧波德·史托考夫斯基 1910年時也在馬勒首演現場聆賞此曲,對於馬勒的詮釋心領神會,所以《千人》的美國首演也取得巨大成功,後來他指揮費城管弦樂團多次演奏此曲,並在樂團紐約巡演時於大都會歌劇院成功演出。

下方照片為1916年彩排實況:(拍照當時舞台尚未完全設置完畢):

Rehearsal for the actual performance of Mahler’s 8th, with the expanded stage not yet complete.
Credit: The Philadelphia Orchestra Association Archives.
American Premiere of Gustav Mahler's Symphony No. 8 ("Symphony of a Thousand")
2 March 1916, Leopold Stokowski conducting the Philadelphia Orchestra
Academy of Music, Philadelphia

關於千人 - 作曲家怎麼說?

馬勒在寫給好友:荷蘭指揮家 孟根堡(Willem Mengelberg,1871-1951)信中提到:「這是我作品中最龐大的一部,內容與形式都非常獨特,無法以語言來表示。你試著想像整個宇宙發出聲音並迴響。那不再是人類的聲音,而是行星與太陽運行的聲音。」("Try to imagine the whole universe beginning to ring and resound. There are no longer human voices, but planets and suns revolving" - Gustav Mahler

 

馬勒還提到:「過去我的交響曲只是這首交響曲的序曲,過去的作品都在表現主觀的悲劇性,這部作品卻是歌頌偉大的歡樂與光榮。

 

照片解說:

指揮家孟根堡與馬勒非常知交,在他任職荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團指揮期間,大力推廣馬勒音樂,更有「馬勒先鋒」(Mahler Pioneer)之稱。照片拍攝於荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂。馬勒與指揮家孟根堡相當要好,還稱呼荷蘭為他的「第二故鄉」。

照片拍攝於1909年,荷蘭阿姆斯特丹皇家大會堂(Gustav Mahler with Dutch colleagues: The Netherlands.)。馬勒與指揮家孟根堡相當要好,還稱呼荷蘭為他的「第二故鄉」| 照片自左起為: From left to right: Cornelis Dopper (1870-1939) (second conductor of the Royal Concertgebouw Orchestra (RCO)), Gustav Mahler (1860-1911), Hendrik Freijer (1876-1955) (administrator of the Royal Concertgebouw Orchestra (RCO)), Willem Mengelberg (1871-1951) (principal conductor of the Royal Concertgebouw Orchestra (RCO)) and Alphons Diepenbrock (1862-1921) (composer). Photographer: W.A. van Leer for "Weekblad voor muziek".

 

1906年馬勒拍攝於荷蘭皇家大會堂之照片

 

【威廉‧孟根堡 | Willem Mengelberg,1871-1951】小檔案:

荷蘭指揮家威廉‧孟根堡是早期重要的馬勒詮釋者,1920年他在阿姆斯特丹皇家大會堂管絃樂團就職25週年紀念時,規劃了「阿姆斯特丹馬勒音樂節」(Mahler Festival 1920 Amsterdam),在9場音樂會中演出了全本10首馬勒的交響曲,被譽為「馬勒先鋒」(Mahler Pioneer)。

孟根堡自幼學習音樂,據說十歲就指揮合唱團演出。後來在科隆(Cologne)音樂學院跟隨著 Franz Wüllner, Isidor SeissAdolf Jensen等教授學習。

1891年間,孟根堡以鋼琴家的身分舉辦第一次的公開演出,同時他也任瑞士盧塞恩市(Lucerne)的音樂總監。1895年後,孟根堡被提名擔任阿姆斯特丹音樂廳管弦樂團(Concertgebouw Orchestra Amsterdam)的常任指揮,而在長達五十年的任期內,使該樂團成為世界第一流的交響樂團。在他擔任大會堂的常任指揮期間與作曲家馬勒成為好友,也是因為如此,孟根堡常常大力推展馬勒的管絃樂曲。

在1907年到20年間,孟根堡同時成為多個樂團的指揮,而且也邀請許多指揮家到大會堂來客席指揮,包括華爾特(Bruno Walter)、孟都(Pierre Monteux)等。1921到1930年間經常赴美兼任紐約愛樂交響樂團首席指揮。

音樂靈感繆思 - 艾瑪

事實上,馬勒也將第八號交響曲,獻給妻子艾瑪。

奧地利音樂學者 Alfred Mathis-Rosenzweig(1897-1948)曾展示馬勒在1906年8月所留下的第八號交響曲最初草稿。記載了馬勒將妻子艾瑪視為靈感女神的文字:1906年8月 - 第八交響曲的最初靈感,獻給我的艾瑪 | 靈感的創造者

「1906年8月/第八交響曲的最初靈感,獻給我的艾瑪兒/靈感的創造者」- 馬勒
「1906年8月/第八交響曲的最初靈感,獻給我的艾瑪兒/靈感的創造者」- 馬勒

 

馬樂與妻子艾瑪
馬勒與妻子艾瑪

 

晚年的艾瑪與馬勒照片

 

正在閱讀馬勒樂譜的艾瑪
正在閱讀馬勒樂譜的艾瑪

參考版本:

杜達美 - 2012' 新版(洛杉磯愛樂+西蒙玻利瓦)

Gustav Mahler, Gustavo Dudamel ‎– Symphony No.8 "Symphony Of A Thousand"

來自委內瑞拉,現任洛杉磯愛樂音樂總監之指揮家 杜達美Gustavo Adolfo Dudamel Ramírez, b. 1981-),於2012年二月在委內瑞拉卡拉卡斯舉辦音樂會之熱烈實況。為達到「千人」盛況,杜達美將他所帶領的兩大樂團:美國洛杉磯愛樂+委內瑞拉西蒙玻利瓦管弦樂團組成聯合樂團,再加上委內瑞拉成人與兒童共同組成數百人之合唱團,演出規模讓龐大,是當年委內瑞拉的最大音樂盛事。

 

杜達美於2012年二月在委內瑞拉卡拉卡斯的音樂會實況。樂團為美國洛杉磯愛樂+委內瑞拉西蒙玻利瓦管弦樂團。合唱團由四百名委內瑞拉兒童組成。演出規模讓龐大,是當年的音樂盛事。
杜達美於2012年二月在委內瑞拉卡拉卡斯的音樂會實況。樂團為美國洛杉磯愛樂+委內瑞拉西蒙玻利瓦管弦樂團。合唱團由委內瑞拉成人與兒童共同組成。演出規模讓龐大,是當年委內瑞拉的最大音樂盛事。

 

音樂會演出實況影音:
Filmed in the Teatro Teresa Carreno, Sala Rios Reyna, in Caracas, Venezuela, 17-18 February 2012

第一部分:(→按這裡)
Part I is based on the (sacred) Latin text of a 9th-century Christian hymn for Pentecost, Veni creator spiritus ("Come, Creator Spirit")
第二部分:(→按這裡)
Part II is a setting of the words from the (secular) closing scene of Goethe's Faust. The depiction of an ideal of redemption through eternal womanhood (das Ewige-Weibliche)

↓整場音樂會欣賞:

https://www.youtube.com/watch?v=V-hBgoel3_A

音軌與曲目長度:


《千人》交響曲音樂會Live' 欣賞

2019年葛濟耶夫指揮慕尼黑愛樂(中文字幕)

https://www.bilibili.com/video/BV1Rp4y1h7YV/?spm_id_from=333.337.search-card.all.click&vd_source=807f10be2df7a3db19b0d08cf18bad03

 

1912年 馬勒第8號交響曲管弦樂譜封面:

1912年 馬勒第8號交響曲管弦樂譜封面| Introduction Symphony No. 8, score full orchestral version.

馬勒在馬勒第8號交響曲 «千人»的架構設計,棄用用傳統「樂章」作為分段,而沿用在第二與三交響曲中,以「部份」(Part)來區分樂曲內容的主題。

 

第8號交響曲 «千人» 共包含兩個部份:

第一部份 - 古讚歌「Veni, Creator Spiritus」(求造物主聖靈降臨)

珍貴手稿:第一部份 – 古讚歌「Veni, Creator Spiritus」(求造物主聖靈降臨)扉頁

 

珍貴手稿:第一部份 – 古讚歌「Veni, Creator Spiritus」(求造物主聖靈降臨)
珍貴手稿:第一部份 – 古讚歌「Veni, Creator Spiritus」(求造物主聖靈降臨)總譜第一頁

 

從總譜第一頁,我們可看見第一部分為4/4拍,歌詞是馬勒選自八至九世紀據信由 美因茲大主教(Archbishop of Mainz)Rabanus Maurus 所寫的拉丁文讚美詩《求造物主聖靈降臨》(“Veni Creator Spiritus”,拉丁語)。原詩共有七段詩節,每段詩節皆以四行詩文所構成,架構與格律相當工整對稱。詩歌演唱通常以無伴奏單音音樂之葛利果聖歌(Gregorian Chant)方式演唱。在羅馬天主教會的儀式中,作為聖靈的召喚,演唱於「五旬節」的禮儀慶典中。

 

古讚歌《求造物主聖靈降臨》(Veni Creator Spiritus)(拉丁文),歌詞如下:

(原文與中文翻譯 整理自《台灣聖經網》)完整版

Original Latin

VENI, Creator Spiritus,
mentes tuorum visita,
imple superna gratia
quae tu creasti pectora.

Qui diceris Paraclitus,
altissimi donum Dei,
fons vivus, ignis, caritas,
et spiritalis unctio.

Tu, septiformis munere,
digitus paternae dexterae,
Tu rite promissum Patris,
sermone ditans guttura.

Accende lumen sensibus:
infunde amorem cordibus:
infirma nostri corporis
virtute firmans perpeti.

Hostem repellas longius,
pacemque dones protinus:
ductore sic te praevio
vitemus omne noxium.

Per te sciamus da Patrem,
noscamus atque Filium;
Teque utriusque Spiritum
credamus omni tempore.

Deo Patri sit gloria,
et Filio, qui a mortuis
surrexit, ac Paraclito,
in saeculorum saecula.
Amen.

中文翻譯歌詞內容:

1.懇求造物聖神降臨。
眷顧爾信者之靈魂。
以爾天上聖寵神恩。
充滿爾所造者之心。

2. 爾是安慰吾人之神。
至高至上天主恩惠。
活泉神火愛人熱誠。
並為善靈甘飴神味。

3. 爾為七神恩之源泉。
又為全能聖父右臂。
爾堪稱聖父之所許。
賜爾信眾言詞富麗。

4. 求爾點光明於諸司。
傾賦愛情於我眾心。
望主天主以爾永力。
我身之弱藉以鞏固。

5. 驅逐仇敵使之遠遁。
平安之福速賜吾人。
凡害吾者悉皆避免。
賴爾率領得以前進。

6. 賜我眾因爾識聖父。
並其惟一所生聖子。
爾是父子共發之神。
我虔信爾於諸日時。

7. 願吾天主至聖聖父。
並其子由死復生者。
偕同安慰天主聖神。
獲得光榮及世之世。
 

 

馬勒版歌詞對照:

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

Part I - Hymnus: Veni, creator spiritus 第一部分 《求造物主聖靈降臨》英文翻譯 第一部分 《求造物主聖靈降臨》中文翻譯
第一段:
Veni, creator spiritus,
mentes tuorum visita;
imple superna gratia,
quae tu creasti pectora.

第一段:
Come, creator Spirit,
let your spirit enter us;
fill with grace from above
those whom you have created

第一段:
懇求造物聖神降臨。
眷顧爾信者之靈魂。
以爾天上聖寵神恩。
充滿爾所造者之心。
第二段:
Qui Paraclitus diceris,
donum Dei altissimi,
fons vivus, ignis, caritas,
et spiritalis unctio.

第二段:
You are known as the Comforter,
a gift from God on high,
living spring, fire, love,
and unction of the spirit.

第二段:
爾是安慰吾人之神。
至高至上天主恩惠。
活泉神火愛人熱誠。
並為善靈甘飴神味。
第三段:
Infirma nostri corporis
virtute firmans perpeti;
accende lumen sensibus,
infunde amorem cordibus.

第三段:
Endow our weak bodies,
with eternal strength;
inflame our senses with light,
pour love into our hearts.

第三段:
望主天主以爾永力。
我身之弱藉以鞏固。
求爾點光明於諸司。
傾賦愛情於我眾心。
第四段:
Hostem repellas longius,
pacemque dones protinus;
ductore sic te praevio
vitemus omne pessimum.

第四段:
Drive the enemy far away,
grant us lasting peace;
so that, under your guidance,
we might avoid all evil

第四段:
驅逐仇敵使之遠遁。
平安之福速賜吾人。
凡害吾者悉皆避免。
賴爾率領得以前進。
第五段:
Tu septiformis munere,
dexterae paternae digitus; 
[tu rite promissum Patris,
sermone ditans guttura.] 

第五段:
You, with sevenfold gifts,
the finger of God's right hand;
[you, true promise of the Father,
have endowed our tongues with speech]
第五段:
爾為七神恩之源泉。
又為全能聖父右臂。
爾堪稱聖父之所許。
賜爾信眾言詞富麗。
第六段:
Per te sciamus da Patrem,
noscamus [atque] Filium,
[te utriusque] spiritum
credamus omni tempore.

第六段:
through you may we know the Father
[and also] the Son,
[and you, emanating from both], O Spirit
let us believe forever.
第六段:
賜我眾因爾識聖父。
並其惟一所生聖子。
爾是父子共發之神。
我虔信爾於諸日時。
第七段:
Da gaudiorum praemia,
da gratiarum munera; 
dissolve litis vincula,
adstringe pacis foedera.
第七段:
Give us joy,
grant us your grace;
dissolve the chains that bind us
and join us in bonds of peace.

第七段:
賜爾世人無限歡樂。

授爾聖父無盡恩典。
溶解束縛爾等枷鎖。
永恆和平極樂世界。
第八段:
Gloria Patri Domino,
Deo sit gloria et Filio
natoque, qui a mortuis
surrexit, ac Paraclito
in saeculorum saecula

第八段:
Glory be to God the Father,
and glory also to his Son
begotten, and from the dead
arisen, and also our Comforter
forever and ever.

第八段:
願吾天主至聖聖父。
並其子由死復生者。
偕同安慰天主聖神。
獲得光榮及世之世。
 

備註:NOTE: The text presented above is the traditional text to Veni, creator spiritus.   Mahler did not use the bracketed text, and his setting frequently rearranges and repeats lines. The text has been presented in its original form here to preserve the original sense of the Latin hymn.

 

古讚歌《求造物主聖靈降臨》(Veni Creator Spiritus)紐姆記譜法記譜:

譜例:宗教讚歌《求造物主聖神降臨》譜例(Veni Creator Spiritus,拉丁語)

 

對照上方譜例,大家可以聽一聽這首讚美詩實際的歌唱錄音:

https://www.youtube.com/watch?v=R5xES3G7r6Y


第一部份 - 古讚歌「Veni, Creator Spiritus」(求造物主聖

配器與獨唱配置

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

木管樂器
短笛 (最少兩名)
4 長笛
4 雙簧管
英國管
高音單簧管(降E調, 最少兩名)
3 單簧管(降B調及A調)
低音單簧管(降B調)
4 巴松管
低音巴松管
銅管樂器
8 圓號
4 小號
4 長號
大號
4 小號(第1小號須最少2名樂手)
3 長號
打擊樂器
2 定音鼓
大鼓
3
三角鐵
2 (降A與A)
鐘琴
鍵盤樂器
風琴
鋼片琴
鋼琴
管風琴
弦樂器
2 豎琴(需要時倍增)
曼陀鈴
第一、第二小提琴
中提琴
大提琴
低音提琴(需要到低音C)
聲樂
2 混聲四部合唱團
童聲合唱團
8 獨唱家

第一女高音

重罪之女(即抹大拉的馬利亞)
第二女高音

懺悔之女(浮士德的愛人Gretchen)
第三女高音(只在第二部份出現)

榮光聖母(即聖母馬利亞)
第一女低音  
薩瑪利亞之女
第二女低音  埃及的馬利亞
男高音
讚頌馬利亞的學者(即浮士德)

男中音
心懷感激的神父
男低音
學識深奧的神父

 

交響曲樂曲開頭由管風琴奏出持久的 bE音及其大調和弦,合唱團隨即有力地唱出「Veni, creator spiritus」(求造物主聖神降臨)

在開頭強而有力的bE大調和弦之後,合唱團隨即有力地唱出「Veni, creator spiritus」(求造物主聖神降臨)

 

接著以兩大合唱團輪流唱出「Veni, creator spiritus」(求造物主聖神降臨)

接著以兩大合唱團輪流唱出「Veni, creator spiritus」(求造物主聖神降臨)

 

 

女高音1先開始獨唱,之後女高音2與女中音1,2亦於6小節之後開始歌唱出第一段第三行歌詞「以爾天上聖寵神恩,充滿爾所造者之心」(imple superna gratia quae tu creasti pectora.)


 

及後由各獨唱家唱出相同歌詞段落「以爾天上聖寵神恩,充滿爾所造者之心」(imple superna gratia quae tu creasti pectora.)。

 

 

從段落12開始,進入第二段歌詞:「爾是安慰吾人之神。至高至上天主恩惠。」(Qui diceris Paraclitus, altissimi donum Dei,)

 

段落15,再次唱出「Veni, creator spiritus」(求造物主聖神降臨)歌詞

 

經過段落17與18之間奏後,由19開始,進入第三段歌詞望主天主以爾永力。我身之弱藉以鞏固。」Infirma nostri corporis virtute firmans perpeti)

段落33,全體獨唱與合唱團及童聲唱同時唱出唱出「求爾點光明於諸司。傾賦愛情於我眾心。」accende lumen sensibus, infunde amorem cordibus.),及以童聲以「Amorem cordinus」(以你聖愛充我心靈)首次唱出以他們為主的旋律。

 

段落42,唱出「驅逐仇敵使之遠遁。平安之福速賜吾人。」Hostem repellas longius, pacemque dones protinus),在兩部女高音與女中音的領唱下,開始發展:

 

段落52,唱出「賜我眾因爾識聖父。並其惟一所生聖子。」(Per te sciamus da Patrem, noscamus [atque] Filium):

 

經過不斷的對位變化,樂團重新返會開頭部份。最後部份先由童聲帶入歌詞最後一段「Gloria Patri Domino」(光榮歸於天主聖父)後,樂曲氣氛慢慢推至高潮,最後在附加銅管軍樂團的加入中,獨唱及合唱團以連續的「Gloria Patri」結束。

 


第二部份 - 選自 歌德《浮士德》第二部 第五幕 最終昇天場景

 

馬勒在《千人》第二部選擇了歌德《浮士德》之最終場景,作為主軸,並以死亡、淨化、昇華為題材,以音樂與之結合,創造出「永恆宇宙」般的音樂與音響效果。在欣賞這部分音樂之前,讓我們一起以名家文筆,深入思考歌德《浮士德》背後所呈現的意義:

 

好文閱讀:
浮士德與魔鬼文.伍牧
歌德盡畢生之力所完成的偉大詩劇《浮士德》,不僅詮釋出善與惡的觀念,其中所提出的人生、政治、愛情等道理,才是真正值得我們深思的重點。

兩樣版本的浮士德
浮士德可以說是一位盡人皆知的角色,而一般人對他的所知,多半僅在於他將靈魂賣給魔鬼,而最後被打下地獄。浮士德原是十六、十七世紀流傳於德國的民間故事,形諸於文字的著作,有各種不同的版本,內容相差不多,但結局則有兩種極端。目前我們所熟知的,是歌德盡畢生之力所完成的偉大詩劇《浮士德》。 在音樂領域中,法國作曲家古諾也有一齣著名的歌劇《浮士德》。古諾的歌劇也是以歌德的原著為依據,但在改寫以後,原詩劇中的一些哲學觀念已被削弱。所以也常使我們只注意到戲劇的表面,而忽略了其中的真諦。尤其眾人多半只注意到他為了能恢復青春,以圖獲得美色,滿足欲求,而和魔鬼簽下賣身契,沒有注意到其它細節。對浮士德而言,這種評斷並不公平。

靈魂交換以體驗人生
為了使浮士德能得到比較公正的評價,我們有必要為他作一次平反。歌德劇中的主角浮士德,是一位年邁的學者,一生致力於研究學問,但最後卻對人生產生了疑問。一生辛苦,究竟所為何來? 既無功名利祿,也無榮華富貴,就連醇酒美人亦是緣慳一面。心情的矛盾,令他無所適從。這種心情對年青人而言,並不容易體會,只有到了暮年,才會猛然醒覺,人生的消失是如此之迅速,一生無所獲, 而際遇也未見公平。淡薄的心情難以再保持平靜,魔鬼正好乘虛而入,他遊說浮士德要爭脫束縛,自由體驗人生之為何物,且許諾給他人間一切的權貴,以及他一心嚮往的美女情愛。惟一的條件是要在完全滿足之後,將靈魂交給魔鬼處置。 浮士德抵擋不住魔鬼的誘惑,而同意簽下這樣一紙賣身契。

悲慘愛情
在魔鬼的施術之下,浮士德果然搖身一變成為翩翩美少年,並且讓他獲得少女瑪格麗(Gretchen)的愛情。為了和浮士德幽會,瑪格麗不小心,讓母親喝下過量的安眠藥而不幸喪生。而她的哥哥為了報仇,在和浮士德決鬥時,由於魔鬼的干擾,而喪生劍下。瑪格麗在生下浮士德和她的孩子後,因為精神失常,將孩于拋入河中溺斃, 被判處死刑。浮士德心有不忍,不顧魔鬼的阻擋,毅然進入監獄去救瑪格麗。但 她不為所動,而願為自己的罪行受罰。因為她相信只要委身於神的裁判,天使必會守護自己。這時天使出現,瑪格麗得到救贖成為聖女而昇天。

《浮士德》第二部是精神重點
歌德的《浮士德》第一部,到此結束。而我們所瞭解的浮士德,也多半到此為止。並且認為浮士德要為他的罪行,而被打入地獄,魔鬼獲得了勝利。實際上浮士德的下場並非如此,而且第一部只是歌德全劇的一部分,更重要的是第二部。因為在第一部中,浮士德只不過經歷到關係於自己的「小世界」而已。第二部才是全劇的精神重點,因為魔鬼讓浮士德涉入到更廣大的「大世界」。目的當然是希望 他犯下更大的罪惡,以便能取得他的靈魂。

善的《浮士德》
第二部主要敘述浮士德在魔鬼的協助之下的所作所為,不過他並沒有如魔鬼所期望的為非作歹,反而是作了不少有益的事。協助皇帝治理國家,改善人民生活,非但有了他所嚮往的權勢、榮華,也得到了世間第一美女海倫,並且和她生下一 個私生子。但是這一切並沒有讓他感到滿足,最後他終於了解,真正的滿足,實在是來自於服務人民,而不是這些表象的所得。於是他開始在皇帝賜給他的土地 上,為人民規畫一處理想的國土,他對於自己所建造的一切,終於感到完全滿足,而希望一切到此停留,當然也到了魔鬼取他靈魂的時候。然而綜觀他的所為,仍是善多於惡,亦終能得救而昇天。只有魔鬼被焚於火,徹底被毀滅。

浮士德為人生考驗代表
《浮士德》一劇的出發點,是上帝和魔鬼之間的一次打賭。魔鬼要將浮士德的靈魂誘入地獄,上帝則認為「人在努力時候,難免會犯錯」,而且「善人即使被黑 暗所驅使,也不會忘記正路」。有了這個基本的大原則之後,只要你的本性是善 良的,在人生的路途上偶有越軌,也並非就是罪大惡極。所以雖然浮士德受到魔 鬼的誘惑犯下不少錯,但是他也非常努力的做了更多有益的事。但是大多數人在 談到浮士德時,都只是以他將靈魂賣給魔鬼為重點,而忽略了其他的情節,只視他為一個邪惡的老人,一心希望恢復青春,享受榮華富貴美女愛情,認為他將靈 魂交給魔鬼以後,變回年青,開始享受他的人生。勾引少女瑪格麗,貪戀女色、 財富,多行不義,最後被魔鬼帶入地獄,永遠不得翻身。這樣的故事,也時常被 人用來作為說教之用。其實浮士德在他的一生中,除去研究學問之外,不曾涉獵 人間任何歡樂、享受。最後才懷疑到人生的價值與意義,而企圖探索他在生命中 所未曾經歷過的另類生活。他的本性並沒有惡意。也可說浮士德是代表了人類, 站立在人生的考驗之前的一次經歷,而上帝也給了他應有的回報。

邪難勝正
當我們對《浮士德》一劇有了較完整的認識以後,對浮士德的看法也必會有所改變。因為他並不是如一般人所認為的老不羞,在他遇到瑪格麗而產生愛意之後, 魔鬼曾將他帶到少女的房中,他受到房裡純淨的氣氛所感染,而深以自己本能的 慾望為恥,反而自內心產生出一種深切的情愛。由此可知,浮士德雖然希望能有美女為伴,但他內心渴望的是愛情的滋潤,而不是肉慾的滿足。在第二部中,浮士德又有了美女海倫為伴,雖然他企圖以追求美而把握生命的意義,但最終美仍 然未能解脫他。魔鬼原以為可以利用美女而掌握浮士德,卻未料浮士德的的心反而離他更遠,邪終是難以勝正。

享樂使人卑俗
而浮士德也說出了「享樂使人卑俗」的名言。同時也顯示出浮士德並不是一個利用魔鬼而追求享樂的人。因為魔鬼用來誘惑他,使他沉湎於歡樂的手段,反而使 他的心靈趨向於高貴。相當諷刺的是他曾經因為一生沉溺於工作,而最後懷疑生 活的意義,感到不能滿足。如今他獲得了權貴、美女之後,反而醒悟到,人生真正的意義,是為人民服務,建立起理想的國土,仍然是工作,而不是虛空的榮華、富貴。浮士德的真正人格,在此得到了確認。

以善為出發點
浮士德在劇中的許多功業,都是靠魔鬼之助,才得以完成,按說他也應當得救,然而只因他的出發點不正,是欲惡而善,最後的目的是取得浮士德的靈魂,所以 他沒有得救的條件。由此可見,無論為善為惡,最重要的是端看出發點為何。如果是假冒為善,則與魔鬼並無二致,地獄必是難逃。劇中還有一件非常有趣的事,在二百年前,人們已經有了人造人的觀念,浮士德的學生就在實驗室裡做出一個人造人,有思想而沒有實體,只能生存在玻璃瓶裡,最後仍是被毀。似乎也預言了,人是不可能用「人工」來製造的。

風流人物歌德
綜觀浮士德一劇闡示的,非僅是善與惡的觀念,其中所提出的人生大道理,才是真正值得我們深思的重點。年老的浮士德,對愛情依然嚮往,想來也是人之常情。 因為歌德在一生中曾談過八次戀愛,最後一次是在七十四歲時,向一位十七歲的少女求婚,當然是被拒,所以夠稱得上是一位風流人物。透過浮士德,他說:「人生一過三十就和死人無疑...誰也不願意聽到被別人稱為老人......我還未完全老朽,美人總是最為美好...死在少女懷裡的人,才是榮幸......」但是浮士德也並不只是這樣一個「老不羞」,對於人生也有他的看法。當然這些實際都是歌德的觀 點。他說:「金錢不能從屋裡的地下取出,但是智慧卻能把它從任何深處掘出... 你求成功,必須真正的追求纔是...能捉住機會的人,就是英豪...這個世界對於有 作為的人,並不是默然...。」

歌德的政治觀
歌德雖然在三十三歲就出任閣揆,但對政治似乎並無好感,所以在劇中我們看到的說法是:「對於那些所謂政黨,他都不能信仰,不論他們讚美或誹謗,不論愛 和憎,都是隨便虛偽亂講...尊貴的君王呀,你既然是萬能,難道不曾是同等的聖明...」。而最值得玩味的一句話是:「和小人物在一起,大人物也只能做小事。和 大人物在一起,小人物也變得能幹一番大事。」對台灣的所謂層峰、以及身邊人 物政客們,豈非是最佳寫照。

前世因,今世果
《浮士德》一劇,豈僅是浮面的愛慾善惡而已。而且全劇雖然是以基督教為背景,但卻包含了佛教的輪迴觀念在內。佛教講求三世,基督教追求永生,二者相較,似乎以佛教的觀點更具說服力。因為永生是只有一次的單行道,不會有第二次機會,過此也再無回頭的可能。而且天堂中永生,將是永久的生存下去,沒有止境,想來也是一件不可思議的事。而佛教注重輪迴之說、因果之報,人生在今世的一切際遇,都是緣自於前世所造成的因,而我們在今世的所作所為,也將是來世的果。如此輪迴不息,也使人生時時刻刻充滿警惕。以佛教的輪迴觀念來看,如果將老浮士德看作是前世,則他並沒有做出任何不當的事。年青的今生,能夠享受榮華富貴,自然是來自於前世的因。至於他的來世,究竟是得道昇天,還是打入十八層地獄,就要看他今生的所做所為了。

今生為來生留餘地
因此,我們今生的際遇,是榮華富貴、不必喜,是貧困失意、不必怨,因為這些都是緣自前世的因。重要的是劇中所說:「凡自強不息的人,我們終能將他拯救」。 所以,為來生多留些餘地,或許有可能像浮士德,享受一次人生權貴榮華。

浮士德是盞醒世明燈
曾有人因為閫令森嚴而苦不堪言,忍無可忍之下,誓言來生互換地位,讓悍妻也嚐嚐苦頭。其實這種想法是完全忽略了三生輪迴的真意,怎知你今生的地位不是前世的互換?今生的你正是前世的她,她是前世的你,如果不肯忍讓,一直如此輪迴下去,世世都為怨偶,將是永無止境。為人心胸不應如此狹窄,莫若學學蘇格拉底,反而自由自在。上上之策是今生債今生了,來世兩不相欠,豈不大好。 浮士德,不僅只是一部歌劇,一部偉大的詩劇。更是人生路途上的一盞醒世明燈。

樂曲簡介

樂曲以非常安靜的降e小調開始,由第一小提琴以顫音開始,木管樂隨後奏出代表一群修士的樂句,當男聲唱出深谷中的「修士合唱」,心懷感激的神父便唱出其歌詞「永恆歡喜之炎」。接著樂曲進入較緊張的氣氛,學識深奧的神父唱出「如同萬丈深淵在我的腳下」的一段。接著是不同類型的天使歌唱輪流的出現:「得救兒童的合唱」、「較年輕天使們的合唱」、「較年長的天使們」、「崇敬瑪莉亞的博士」(歡天喜地)。之後是「贖罪的女人們合唱」(光榮的聖母飄來)、「撒瑪莉亞的女人」(St. Joh. 約翰福音 IV)、「埃及的瑪莉亞」、「三人」、「贖罪女人中的一人」(懺悔之女葛麗卿,走近聖母),最終接到「光明的聖母」(MATER GLORIOSA),逐漸進入最終的「神秘合唱」(CHORUS MYSTICUS)。

最終歌詞以「永恆女性、引領我們高昇」(Das Ewig-Weibliche, Zieht uns hinan.),整首交響曲配器與音量不斷攀升,最終進入終止式,昇天場景。

歌德《浮士德》第二部 第五幕 最終昇天場景

(原文與中文翻譯 整理自《維基百科》

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

Original German

中文翻譯

BERGSCHLUCHTEN, WALD, FELS, INÖDE.

HEILIGE ANACHORETEN
Waldung, sie schwankt heran,
Felsen, sie lasten dran,
Wurzeln, sie klammern an,
Stamm dicht an Stamm hinan.
Woge nach Woge spritzt,
Höhle, die tiefste, schützt.
Löwen, sie schleichen stumm,
Freundlich um uns herum,
Ehren geweihten Ort,
Heiligen Liebeshort.

峽谷、森、岩、荒野

神聖隱士
這裡有搖動的樹林
有岩石重疊在林邊
有纏繞的樹根
並有叢生並列的樹幹
山谷中的溪流有波浪陸續湧起
極深的洞穴可以庇護人們
獅子溫和靜默地
在我們周圍來回守衛
把這片聖潔的土地
神聖愛情的隱藏之處膜拜敬仰

PATER ECSTATICUS
(auf- und abschwebend)

Ewiger Wonnebrand
Glühendes Liebeband,
Siedender Schmerz der Brust,
Schäumende Gotteslust!
Pfeile, durchdringet mich,
Lanzen, bezwinget mich,
Keulen, zerschmettert mich,
Blitze, durchwettert mich!
Daß ja das Nichtige
Alles verflüchtige,
Glänze der Dauerstern,
Ewiger Liebe Kern!

「威奮的教父」
(上下漂浮)

永恆歡喜之炎
灼熱之愛的因緣、
沸騰滾燙的胸中痛苦
泡沫飛濺搬的神之陶酔。
箭呀,你不妨把我射穿
槍呀、你不妨刺我、
棍棒、你不妨把我打碎、
雷電之火、你不妨把我燒成黑炭
但院一切無謂的東西
全部消散、
久遠讀的之愛精髄、即永恆之星
恆久地燦爛!

PATER PROFUNDUS
(tiefe Region)

Wie Felsenabgrund mir zu Füßen
Auf tiefem Abgrund lastend ruht,
Wie tausend Bäche strahlend fließen
Zum grausen Sturz des Schaums der Flut
Wie strack, mit eig'nem kräft'gen Triebe,
Der Stamm sich in die Lüfte trägt;
So ist es die allmächt'ge Liebe,
Die alies bildet, alles hegt.
Ist um mich her ein wildes Brausen,
Als wogte Wald und Felsengrund,
Und doch stürzt, liebevoll im Sausen,
Die Wasserfülle sich zum Schlund,
Berufen gleich das Tal zu wässern:
Der Blitz, der flammend niederschlug,
Die Atmosphäre zu verbessern,
Die Gift und Dunst im Busen trug,
Sind Liebesboten, sie verkünden,
Was ewig schaffend uns umwallt.
Mein Inn'res mög' es auch entzünden,
Wo sich der Geist, verworren, kalt,
Verquält in stumpfer Sinne Schranken,
Scharf angeschloss'nem Kettenschmerz.
O Gott! beschwichtige die Gedanken,
Erleuchte mein bedürftig Herz!

「沉思的教父」
(在低處) 如同萬丈深淵在我的腳下
沉重地俯臨深淵
如同千百條小河般地光輝閃亮、
如同瀑布、使泡沫飛濺。如同樹幹已自身的強烈生命力
向天空挺直延伸
能創造以及養育萬物
全知全能的愛也是這般。我周圍有激烈的水聲、
激烈到有如森林以及岩壑都一起波動
這種豐富水流雖發出強烈的聲響
但溫柔慈愛地流入深谷
因為要趕緊灌溉下游
閃電化成了烈火
以及含有毒霧的大氣
將淨化整個世界。這些都是愛的使者它們告知我們
有永恆在創造的力量
飄動在我們的周圍
但願這種力量也在我的心中點起火來-
我心中的精神紛亂寒冷
被煩惱的鏈條所緊繫
被拘禁在遲鈍的感覺圍欄內
噢,神呀,請使我的思想靜默
請照亮我貧乏的心懷!

CHOR DER ENGEL
(Schwebend in der höheren Atmosphäre, Faustens Unsterbliches tragend)

Gerettet ist das edle Glied
Der Geisterwelt vom Bösen:
Wer immer strebend sich bemüht,
Den können wir erlösen;
Und hat an ihm die Liebe gar
Von oben teilgenommen,
Begegnet ihm die sel'ge Schar
Mit herzlichem Willkommen.

「天使們的合唱」
(接著浮士德不死的靈魂在更高的空中漂浮)

靈魂尊貴的人得救了
已經脫離惡魔的手掌
凡自強不息的人
我們終能將他拯救
又有天上的愛情
將他庇祐
得救的人們
誠懇地將他歡迎伺候

CHOR SELIGER KNABEN
(um die höchsten Gipfel kreisend)

Hände verschlinget euch
Freudig zum Ringverein,
Regt euch und singe
Heil'ge Gefühle drein!
Göttlich belehret,
Dürft ihr vertrauen;
Den ihr verehret,
Werdet ihr schauen.

「得救兒童的合唱」
(飛繞過最高峰山巔)

請大家歡欣地
攜手作成環形。
一同跳舞
來歌詠神聖的感情!
你們蒙受了神的教訓、
要信賴神恩
你們將會看見
你們所敬拜的神

DIE JÜNGEREN ENGEL:

Jene Rosen, aus den Händen
Liebend-heiliger Büßerinnen,
Halten uns den Sieg gewinnen
Und das hohe Werk vollenden,
Diesen Seelenschatz erbeuten.
Böse wichen, als wir streuten,
Teutel flohen, als wir trafen.
Statt gewohnter Höllenstrafen
Fühlten Liebesqual die Geister,
Selbst der alte Satans-Meister
War von spitzer Pein durchdrungen.
Jauchzet auf! es ist gelungen.

「較年輕天使們的合唱」

那些來自聖潔的充滿愛情的
贖罪的女子們手裡的玫瑰
幫助我們把勝利取得。
幫助我們完成偉大的事情
獲得了這珍寶的靈魂
當我們灑花的時候,惡魔要避開
當我們頭重的時候,惡魔們奔逃
他們這次承受的
不是素來所受的地獄的刑罰
連那年老的魔王
也被那銳利的痛苦所煩擾
歡呼吧!事情已經成功了

DIE VOLLENDETEREN ENGEL:
(Chor mit Altsolo)

Uns bieibt ein Erdenrest
Zu tragen peinlich,
Und wär' er von Asbest
Er ist nicht reinlich.
Wenn starke Geisteskraft
Die Elemente
An sich herangerafft,
Kein Engel trennte
Geeinte Zwienatur
Der innigen beiden;
Die ewige Liebe nur
Vermag's zu scheiden.

「較年長的天使們」
(女中音與合唱團)

要運走地上的殘渣
對我們是件辛勞的工作
即使它是石綿做的
也不是乾淨的
若有強大的精神力
把諸元素匯集一身
那們靈肉兩者
密切合而為一的綜合物
天使也沒有
使它分離的本領
能使它分離的
只有永恆的愛情

DIE JÜNGEREN ENGEL:

Ich spur soeben,
Nebelnd um Felsenhöh',
Ein Geisterleben.
Regend sich in der Näh'.
(Die Wölkchen werden klar.)
Seliger Knaben,
Seh' ich bewegte Schar
Los von der Erde Druck,
Im Kreis gesellt,
Die sich erlaben
Am neuen Lenz und Schmuck
Der obern Welt.
Sei er zum Anbeginn,
Steigendem Vollgewinn
Diesen gesellt!

「較年輕的天使們」

我們感受到
瀰漫浮動的靈氣
像岩頂上的
煙霧般飄行
雲漸澄清
我看到得救的
活潑的少年們
脫離地上的壓迫
聚成環型
欣賞著天上的
新春美景
來調養精神
這個人也可以首先
和這些少年為伍
以後將會漸漸獲得美滿的收穫

DIE SELIGEN KNABEN:

Freudig empfangen wir
Diesen im Puppenstand;
Also erlangen wir
Englisches Unterpfand.
Löset die Flocken los,
Die ihn umgeben!
Schon ist er schön und groß
Von heiligem Leben.

「得救兒童的合唱」

我們很高興迎接
這個處在蛹狀中的男子
這樣我們就可以獲得
天使的氣質
請快除去
包裹它的那些棉屑!
它已經在過神聖的生活
成為強大和美麗。

DOCTOR MARIANUS 
(in der höchsten,reinlichsten Zelle)

Hier ist die Aussicht frei,
Der Geist erhoben.
Dort ziehen Frauen vorbei,
Schwebend nach oben.
Die Herrliche mitteninn
Im Sternenkranze
Die Himmelskönigin,
Ich seh's am Glanze.
(entzückt)
Höchste Herrscherin der Welt,
Lasse mich im blauen,
Ausgespannten Himmelszelt
Dein Geheimnis schauen!
Bill'ge, was des Mannes Brust
Ernst und zart beweget
Und mit heil'ger Liebeslust
Dir entgegen träget!
Unbezwinglich unser Mut,
Wenn du hehr gebietest;
Plötzlich mildert sich die Glut,
Wenn du uns befriedest.

崇敬瑪莉亞的博士
(歡天喜地)

支配世界的至高女王啊

請讓我在高張著的

碧藍的天幕中

探視您的祕密


請您接受

能嚴肅且溫柔地感動男人心胸的女人

帶著神聖愛情的喜悅

送到您這裡來的東西

您莊嚴地命令

我們就成為無比地剛強

您使我們滿足

熱烈的心就漸趨清涼

DOCTOR MARIANUS UND CHOR:

Mutter, Ehren würdig,
Jungfrau, rein im schönsten Sinn,
Uns erwählte Königin,
Göttern ebenbürtig.
(MATER GLORIOSA schwebt einher)

崇敬瑪莉亞的博士與合唱

您是值得崇拜的聖母
您是以最美的意味而言語的純潔處女
您是與神們同等的
為我們選定的女王

"Chor":

Dir, der Unberührbaren,
ist es nicht benommen,
Daß die leicht Verführbaren
Traulich zu dir kommen.
In die Schwachheit hingerafft,
Sind sie schwer zu retten;
Wer zerreißt aus eig'ner Kraft
Der Gelüste Ketten?
Wie entgleitet schnell der Fuß
Schiefem, glattem Boden!
(Wen betört nicht Blick und Gruß,
Schmerichenlhafter Odem?)
(Mater gloriosa schwebt einher)

「合唱」

你這位不可接觸的天神
想來不會拒絕
容易被誘惑的人們
親信地向您走進
人若被陷害在官能的弱點中
就難以救援

誰能以自己的力量
扭斷情慾的鎖鏈?

在斜滑的地面上
是多麼容易跌跤?

CHOR DER BÜSSERINNEN:
(und Una Poenitentium)

Du schwebst zu Höhen
Der ewigen Reiche,
Vernimmt das Flehen,
Du Gnadenreiche!
Du Ohnegleiche!

「贖罪的女人們合唱」
(光榮的聖母飄來)

您在永恆的國度的
高空中飛行
請垂聽我們的懇求
樂賜恩澤的女神
樂賜恩澤的女神

MAGNA PECCATRIX:
(St. Lucae Vll, 36)

Bei der Liebe, die den Füßen
Deines gottverklärten Sohnes
Tränen ließ zum Balsam fließen,
Trotz des Pharisäer-Hohnes:
Beim Gefäße, das so reichlich
Tropfte Wohlgeruch hernieder,
Bei den Locken, die so weichlich
Trockneten die heil'gen Glieder.

「罪孽深重的女人」
(St. Lucae 路加福音Vll, 36))

信徒們曾經不顧法利賽人的嘲笑
使眼淚留在您神話的兒子腳上
以代替香膏
我憑著那種愛向神祈禱
我憑著曾經滴下許多奇香的
那個瓶兒向神祈禱
我憑著柔軟拭乾神聖手足的
那種頭髮向神祈禱

MULIER SAMARITANA:
(St. Joh. IV)

Bei dem Bronn, zu dem schon weiland
Abram ließ die Herde führen:
Bei dem Eimer, der dem Heiland
Kühl die Lippe durft' berühren,
Bei der reinen, reichen Quelle,
Die nun dorther sich ergießet,
Überflüssig, ewig helle,
Rings, durch alle Welten fließet -

「撒瑪莉亞的女人」
(St. Joh. 約翰福音IV)

我憑著亞伯拉罕曾經帶了牲畜去的
那種泉水向神救世主祈禱
我憑著曾經清涼
接觸過救世主口唇的那個水桶向神祈禱
我憑著從那裡來
充沛地、永遠澄清地
流行於大千世界中的
那種豐富的清泉向神祈禱

MARIA AEGYPTIACA:
(Acta Sanctorum)

Bei dem hochgeweihten Orte,
Wo den Herrn man niederließ,
Bei dem Arm, der von der Pforte,
Warnend mich zurücke stieß,
Bei der vierzigjähr'gen Buße,
Der ich treu in Wüsten blieb,
Bei dem sel'gen Scheidegruße,
Den im Sand ich niederschrieb -

「埃及的瑪莉亞」

我憑著人們曾經將主放下的、
那片聖地向神祈禱
我憑著警告地把我從門口推出來的
那隻手臂向神祈禱
我憑著我忠誠地在沙漠中所做的
四十八年的懺悔向神祈禱
我憑著我在沙渚中所寫的
欣喜的離別之詞向神祈禱

Zu Drei:

Die du großen Sünderinnen
Deine Nähe nicht verweigerst,
Und ein büßendes Gewinnen
In die Ewigkeiten steigerst,
Gönn' auch dieser guten Seele,
Die sich einmal nur vergessen,
Die nicht ahnte, daß sie fehle
Dein Verzeihen angemessen!

「三人」

你不拒絕罪孽深重的女人們
走進你的身邊
而將贖罪的利益
提高以至於永遠
對於這個只忘了自己一次
而不自覺
犯罪的好人
也請予以適當的寬恕!

UNA POENITENTIUM:
(sich anschmiegend)
(Gretchen)

Neige, neige,
Du Ohnegleiche,
Du Strahlenreiche,
Dein Antlitz gnadig meinem Glück!
Der früh Geliebte,
Nicht mehr Getrübte,
Er kommt zurück.

「贖罪女人中的一人」
(以前叫葛麗卿,走近聖母)

無與倫比的女神
光輝燦爛的女神
請仁慈地轉過臉來
俯視我的幸福!
從前的情侶
現在已經變得純潔
已經回來了

SELIGE KNABEN:
(in Kreisbewegung sich nähernd)

Er überwächst uns schon
An mächt'gen Gliedern,
Wird treuer Pflege Lohn
Reichlich erwidern.
Wir wurden früh entfernt
Von Lebechören;
Doch dieser hat gelernt,
Er wird uns lehren.

「得救的兒童們」
(圍著圓圈挨近)

他現在手足都很強壯
他已經長得比我們更大了
他對於我們的忠誠看護
必定會予以豐富的酬報
我們很早就
和世人隔離了
這個人以很有修養
將會給我們教導

UNA POENITENTIUM:
(Gretchen)

Vom edlen Geisterchor umgeben,
Wird sich der Neue kaum gewahr,
Er ahnet kaum das frische Leben,
So gleicht er schon der heil'gen Schar
Sieh, wie er jedem Erdenbande
Der alten Hülle sich entrafft.
Und aus ätherischem Gewande
Hervortritt erste Jugendkraft!
Vergönne mir, ihn zu belehren,
Noch blendet ihn der neue Tag!

「贖罪女人中的一人」
(葛麗卿)

被尊貴的精靈之群圍繞身邊
這位新來者似乎還未能將自己分解
新鮮的生活,也似乎還未預感
但他已經類似神聖精靈的夥伴。
請看,他脫離舊軀殼 
以及塵俗的一切羈絆。
有新鮮而年輕的精力 
從大氣般的衣裳裡顯現.。
請讓我來教導他。
全新的一天,日光仍使他暈眩

(管弦樂間奏)

MATER GLORIOSA:
(und Chor)

Komm! Hebe dich zu höhern Sphären!
Wenn er dich ahnet, folgt er nach.

「光明的聖母」
(合唱)

來吧、來吧~你可向飛向升高至更高之處! 
他知道你在這裡,就會隨你而行

DOCTOR MARIANUS:
(auf dem Angesicht anbetend)
(und Chor)

Blicket auf zum Retterblick,
Alle reuig Zarten,
Euch zu sel'gem Glück
Dankend umzuarten!
Werde jeder bess're Sinn
Dir zum Dienst erbötig;
Jungfrau, Mutter, Königin,
Göttin, bleibe gnädig!

「崇敬瑪莉亞的博士」
(仰望吧! )
(合唱)

你們這些悔悟的溫良人們
請仰望拯救者的眼光,
感激地改造自己
以求能蒙受天賜的幸福! 
所有優良的人 
都將為你服務 
童女呀,聖母呀,天后呀,女神呀
請永遠慈愛地祐護我們! 

CHORUS MYSTICUS:

Alles Vergängliche
Ist nur ein Gleichnis;

Das Unzulängliche,
Hier wird's Ereignis;

Das Unbeschreibliche,
Hier ist's getan;

Das Ewig-Weibliche
Zieht uns hinan.

「神秘的合唱」

變化無常的一切
僅只是比喻而已。
不能達成的願望
在這裡已經實現
無以名狀的奇事

在這裡已經完成
永恆的女性

引領我們高昇。

(管弦樂盛大尾奏,走向終止式)


參考版本:

杜達美 - 2012' 新版(洛杉磯愛樂+西蒙玻利瓦)

Gustav Mahler, Gustavo Dudamel ‎– Symphony No.8 "Symphony Of A Thousand"

來自委內瑞拉,現任洛杉磯愛樂音樂總監之指揮家 杜達美Gustavo Adolfo Dudamel Ramírez, b. 1981-),於2012年二月在委內瑞拉卡拉卡斯舉辦音樂會之熱烈實況。為達到「千人」盛況,杜達美將他所帶領的兩大樂團:美國洛杉磯愛樂+委內瑞拉西蒙玻利瓦管弦樂團組成聯合樂團,再加上委內瑞拉成人與兒童共同組成數百人之合唱團,演出規模讓龐大,是當年委內瑞拉的最大音樂盛事。

杜達美於2012年二月在委內瑞拉卡拉卡斯的音樂會實況。樂團為美國洛杉磯愛樂+委內瑞拉西蒙玻利瓦管弦樂團。合唱團由四百名委內瑞拉兒童組成。演出規模讓龐大,是當年的音樂盛事。
杜達美於2012年二月在委內瑞拉卡拉卡斯的音樂會實況。樂團為美國洛杉磯愛樂+委內瑞拉西蒙玻利瓦管弦樂團。合唱團由委內瑞拉成人與兒童共同組成。演出規模讓龐大,是當年委內瑞拉的最大音樂盛事。

 

音樂會演出實況影音:
Filmed in the Teatro Teresa Carreno, Sala Rios Reyna, in Caracas, Venezuela, 17-18 February 2012

第一部分:(→按這裡)
Part I is based on the (sacred) Latin text of a 9th-century Christian hymn for Pentecost, Veni creator spiritus ("Come, Creator Spirit")
第二部分:(→按這裡)

Dudamel Simon Bolivar Symphony Orchestra Salzburg Festival 2013

Part II is a setting of the words from the (secular) closing scene of Goethe's Faust. The depiction of an ideal of redemption through eternal womanhood (das Ewige-Weibliche)

 

↓整場音樂會欣賞:

2019年葛濟耶夫與慕尼黑愛樂版本(香港電台 中文字幕)

 


拉圖 指揮 ⟪千人⟫ 最終場景「神秘合唱」:
Rattle & National Youth Orchestra of Great Britain

「神秘的合唱」
變化無常的一切
僅只是比喻而已。
不能達成的願望
在這裡已經實現
無以名狀的奇事
在這裡已經完成
永恆的女性
引領我們高昇。

筆者認為是如奇蹟般之現場版本

https://www.youtube.com/watch?v=uYM54vhLYTU

 

https://www.youtube.com/watch?v=YXC9zckqQJ4

 

打擊組大爆發

https://www.youtube.com/watch?v=wA1qn2Nnsvs

 

音軌與曲目長度:

 

 

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-1-titan-2/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-2-resurrection/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-3/

 


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【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(二): 「古典與創新」~談拉威爾鋼琴協奏作品集

【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(二): 「古典與創新」~談拉威爾鋼琴協奏作品集
Miaobei Art Center X BONART 2025-1-2

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


課程主軸:

「法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題」系列課程✨

1875年法國誕生了劃時代的巨匠~拉威爾。

拉威爾的音樂生涯起步於對鋼琴的喜愛,自幼苦學,帶著滿腔熱忱踏入巴黎音樂學院,一心鑽研作曲技法,即便屢次與羅馬大獎擦肩而過,也未曾消磨他的才華與鬥志;反而,挫折成了助力~催生出更具深度的音樂感悟。

時光荏苒,拉威爾的音樂串起過去與今朝,是聆聽的盛宴;

在2025年全球紀念緬懷這位偉大作曲家 150 週年誕辰之際,拉威爾的經典旋律依舊在歲月中熠熠生輝,感動人心。

 

苗北藝術學苑 - 課程詳細資訊

114-1苗北講堂

相關附件 - 114-1苗北講堂DM.pdf

時間 _ 2025-03-02~2025-04-27
地點 _ 視聽中心
限額 _ 12/100
指導單位 _ 苗栗縣政府
主辦單位 _ 苗栗縣苗北藝文中心
協辦單位 _ 苗栗縣政府文化觀光局
※單堂報名:$ 150
※套票5堂:$ 525※請優先使用官網線上報名系統(信用卡、匯款、臨櫃現金繳費)。
※紙本報名請下載印出報名表,並繳交至苗北藝文中心1樓服務台(匯款、臨櫃現金繳費)。

授課教師 _ 林仁斌(超人氣古典音樂欣賞名家、蹦藝術執行長)

一、因應現行防疫規範,學員上課均需全程配戴口罩;並遵守本中心防疫措施相關規定,違反規定將無法入場上課。

二、課程相關事宜洽詢:活動企劃部曾小姐037-612669轉511/cctseng@miaobeiac.org

主講人|林仁斌

蹦藝術 | BONART 執行長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

竭誠歡迎您的參與~一起享受音樂與藝術之美💕


課程2: 「古典與創新」~談拉威爾鋼琴協奏作品集

時間 _ 2025-03-09 ( 日 ) 10:00

地點 _ B1 視聽室

本場演講,林仁斌老師將為您介紹拉威爾完成於 1931 年,完美地融合古典協奏曲形式與爵士與當代音樂元素之〈G 大調鋼琴協奏曲〉以及為一戰中失去右臂的鋼琴家的請求所寫的特殊〈左手鋼琴協奏曲,這兩首協奏曲突破了傳統協奏曲的音樂、演奏技巧等常規,更展現了拉威爾的創意無限與對於鋼琴演奏技巧的探索。

欣賞曲目:
G大調鋼琴協奏曲
左手鋼琴協奏曲


法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937

法國作曲家:拉威爾(Maurice Ravel, 1875–1937)

 

拉威爾(Maurice Ravel,1875—1937)是近代與德布西並列的偉大作曲家,他的音樂風格精緻動人,充滿特色,猶如一幅融合古典與現代、傳統與創新的絢麗畫卷;其作品在和聲、節奏、配器以及樂曲結構與創新,均有獨特創見,更對 20 世紀音樂發展影響深遠。


G大調鋼琴協奏曲

拉威爾 G大調鋼琴協奏曲是他的晚期作品,創作於 1929-1931年間 。雖然是具有古典曲式的三樂章標準協奏曲形式,但音樂內容卻明顯地受到爵士音樂風格的影響。

對於寫作時間長達兩年的這首《G大調鋼琴協奏曲》,拉威爾曾表示,「這首協奏曲開頭主題的靈感,是我從牛津搭火車到倫敦的路上想到的,產生最初的樂念之後並未對樂曲有極大影響,但它啟動了此曲的創作動能,我熱烈地把想法記在草稿上。」(The G-major Concerto took two years of work, you know. The opening theme came to me on a train between Oxford and London. But the initial idea is nothing. The work of chiseling then began.)

拉威爾 1932年拍攝於倫敦之照片

拉威爾 1932年拍攝於倫敦之照片

 

樂曲介紹與首演

拉威爾曾表示過對《G大調鋼琴協奏曲》的看法:「我以演奏者的身分出現,是最道地的協奏曲,按照莫札特和聖桑的精神去寫。我認為協奏曲的音樂應該是明快輝煌的,不必硬求深刻感情,不必追求戲劇效果⋯⋯起先我還想把這部作品叫作『嬉遊曲』,後來一想沒有必要,『協奏曲』一詞已足以解釋音樂的性質。從某種觀點來說,我的協奏曲同小提琴奏鳴曲有某些相似之處。它包含一些從爵士音樂藉來的因素,不過是少量的。」(沈旋,《拉威爾:傑出的管弦樂色彩大師》,台北:世界文物出版社,2001,初版)

《G大調鋼琴協奏曲》完成於 1931年,並於 1932年 1月 14日於巴黎普雷耶爾音樂廳(Salle Pleyel)首演。拉威爾因為當時健康狀況不佳,無法擔任鋼琴協奏曲之獨奏,因此他邀請鋼琴家瑪格莉特‧隆(Marguerite Long, 1874-1966)擔任音樂會協奏曲首演鋼琴獨奏,自己擔任樂團指揮。

 

樂曲結構

從上面的背景介紹,我們可以看出拉威爾《G大調鋼琴協奏曲》美國爵士樂和聲與即興演奏技巧,拉威爾在美國巡迴演出時,實際接觸了爵士音樂之後,可以非常明顯於第一樂章與第三樂章中,聽見爵士音樂之元素。拉威爾曾說:「爵士樂中最顯著的特徵是它豐富而多樣的節奏。」

 

第一樂章,明朗快樂的(Allegramente),G大調,2/2拍。

第一樂章從「響板」(樂鞭)「Frusta / Clapper」非常特別的音色開始,短笛接續吹出主旋律,鋼琴則以規律的三連音伴奏。

看一下這特別的樂器與特別的音色設定:

https://www.youtube.com/watch?v=DsYWTdcK2l0

 

而就在鋼琴以規律的三連音演奏,主旋律將轉由小號演奏前,鋼琴改為大音程滑音,從16度到32度上下滑行,呈現出從未聽過的效果。(0:20)

https://youtu.be/DsYWTdcK2l0?t=21

 

 

 

 

一般來說,第一樂章的獨奏者裝飾奏(Cadenza),都安排在樂曲最後的段落,讓獨奏者充分表現之後即精彩結束第一樂章。但拉威爾於本曲中安排裝飾奏於再現部第二主題區時出現,在進入裝飾奏前,木管群亦各自有精彩的藍調音階旋律:

 

 

第一樂章 鋼琴獨奏之裝飾奏 樂譜

 

樂曲中段後再轉回第一主題,鋼琴演奏技巧亦有相當精彩的呈現;結尾樂段時,作曲家再次使用了發展部的音型,但音域低了三個八度,且左手頑固低音的伴奏也更加增添趣味性,展現出爵士音樂中對於低音樂器的重視感。

https://www.youtube.com/watch?v=5b4-rXhKpMM&t=68s

 

 

第二樂章,相當慢地慢板(Adagio assai),E大調,3/4拍。

而此協奏曲之第二樂章,是一段美麗絕倫的故事:以鋼琴的的獨白開始,樂團各部木管的獨奏音色襯托鋼琴,又是一段段令人驚訝的絕美~拉威爾模仿莫札特式的平靜,也引用對聖賞以及蕭邦鋼琴協奏曲之美,讓他的這首協奏曲不但特別,而且雋永。

https://youtu.be/5b4-rXhKpMM?t=517

 

第三樂章,急板(Presto),G大調,2/4拍。

本樂章一開始由樂團齊奏之四個和弦斷奏動機開始,鋼琴接續以雙手連續交替的五度音程快速 16分音符節奏,精彩地演奏出兩聲部炫技音樂。

 

接續的高音豎笛與短笛獨奏,都帶來無比亢奮的情緒。(高音豎笛 譜例)

 

 

 

接續的高音豎笛與短笛獨奏,都帶來無比亢奮的情緒。(短笛譜例)

 

 

鋼琴在精彩的演奏過程,不時出現與樂團精彩的對話,與弦樂也以相似方式相互對應,而樂曲開始的四個和弦斷奏動機,隱伏在樂曲中,作為許多的驚喜,也喚醒聽眾對於此樂章深刻之印象,也成為樂曲結束前的最終 ff 力度齊奏節奏。第三樂章速度極快,雖然約僅不到四分鐘長度,但演奏起來暢快淋漓,讓人一聽難忘,留下深刻印象。

 

第三樂章

https://youtu.be/5b4-rXhKpMM?t=1083


珍貴必聽.拉威爾本人歷史錄音

1932年由鋼琴家瑪格莉特‧隆 擔任獨奏家,由拉威爾親自指揮之《G大調鋼琴協奏曲》珍貴錄音。
Joseph-Maurice Ravel (1875-1937) Piano Concerto in G major

(00:05) 1. Allegramente 明朗快樂的

(07:25) 2. Adagio assai 甚慢板

(15:57) 3. Presto 急板

Marguerite Long (1874-1966), Piano

Joseph-Maurice Ravel (1875-1937), Conductor

Orchestre Lamoureux (Concerts Lamoureux)

1932 年錄音

https://www.youtube.com/watch?v=rEbKJHOd8n0

 

鋼琴家瑪格莉特‧隆

 

生平經歷

  • 早年學習:瑪格莉特・隆於 1874 年 11 月 13 日出生在法國尼姆。最初由姐姐啟蒙學習音樂,1883 年進入尼姆音樂學院姐姐的鋼琴班學習,1886 年,11 歲的她在尼姆音樂學院獲得榮譽獎後,首次公開演出,與樂團合作演奏了莫扎特的 D 小調協奏曲。1889 年,她進入巴黎音樂院,師從亨利・菲索,1891 年獲得首獎。菲索去世後,她又接著追隨安托萬・弗朗索瓦・馬蒙泰爾(德布西的鋼琴老師)學習。 
  • 婚姻與戰爭影響:1906 年 2 月 26 日,瑪格莉特與約瑟夫・德・馬利亞韋在聖讓德洛拉蓋結婚。1914 年,第一次世界大戰爆發,她的丈夫於同年 8 月戰死沙場,這使她在隨後的三年裡逐漸淡出公眾演出。 
  • 後期生涯:1920 年,她創辦了以自己名字命名的音樂學校。1943 年,她再與小提琴家雅克・蒂博共同創立了 “瑪格麗特・隆 - 雅克・蒂博國際鋼琴、小提琴比賽”。1966 年 2 月 13 日,瑪格莉特・隆逝世於巴黎。

 

音樂成就

  • 作品詮釋:瑪格莉特・隆是德布西、拉威爾和佛瑞等法國作曲家鋼琴作品的權威詮釋者。拉威爾曾將《G 大調鋼琴協奏曲》題獻給她,並由她在 1932 年首演;她還首演了拉威爾的《庫普蘭之墓》中的炫技曲樂章。 
  • 音樂教育:1906 年至 1940 年,她在巴黎音樂學院任教,培養了眾多優秀的鋼琴家,如富蘭索瓦、雅克・弗夫里耶等。她所著的《克勞德・德布西的鋼琴音樂》《加布里耶・佛瑞的鋼琴音樂》及《莫里斯・拉威爾的鋼琴音樂》,對後世學習和研究這些作曲家的作品具有重要價值。 
  • 演奏風格:作為法國鋼琴學派的代表人物,瑪格莉特・隆的演奏風格具有典型的法國特色,追求音色的純淨、透明和細膩的色彩變化,注重作品的結構和形式,講究節奏的靈活性和韻律感,能夠精准地把握法國音樂中的古典與浪漫元素,將作品中的詩意和情感以優雅、含蓄的方式呈現給觀眾。

瑪格麗特・隆之丈夫:約瑟夫・德・馬利亞韋

約瑟夫・德・馬利亞韋(1873 年 11 月 16 日-1914 年 8 月 24 日)是一位法國音樂學家。他最為人所知的是他那本關於貝多芬弦樂四重奏的著作,在約瑟夫・克爾曼 1966 年出版《貝多芬四重奏》一書之前,他的這本書是該主題相關著作中閱讀量最大且被引用最多的。

 

除了有關貝多芬的研究成果之外,他還發表了眾多關於其他作曲家的文章。他關於貝多芬的著作,部分內容是對特奧多爾・黑爾姆 1885 年所著德語著作的翻譯和改寫。

馬利亞韋是佛瑞的摯友,佛瑞為馬利亞韋所著有關貝多芬四重奏一書的法語原版撰寫了前言。

 

甜蜜的愛情

鋼琴家瑪格莉特・隆與約瑟夫・馬利亞韋於 1902 年 8 月在卡斯泰爾諾達里首次相遇。在瑪格莉特演奏結束後,年輕的軍官約瑟夫請求這位鋼琴家演奏一首加佛瑞的作品,而當時佛瑞仍是一位鮮為人知的作曲家。儘管瑪格莉特不得不拒絕,但音樂會結束後她便開始學習佛瑞的作品。1906 年 2 月 26 日,這對戀人在約瑟夫的出生地聖讓德洛拉蓋成婚,馬蒙泰爾和佛瑞擔任他們的婚禮伴郎。

 

大時代的別離

馬利亞韋也是法國軍隊的一名上尉,他在 1914 年 8 月第一次世界大戰爆發後不久的戰鬥中犧牲。他的離世導致瑪格莉特・隆在接下來的三年裡逐漸淡出了公開演出。然而,她在這場悲劇中堅強地活了下來,她秉持著這樣的信念:“重要的不是毀掉你的生活,而是能夠對自己說:我已盡我所能。這是唯一能帶來一絲幸福的事情。

拉威爾在他的《庫普蘭之墓》中紀念了他,並將最後的《炫技曲》獻給了他。

 

鋼琴家瑪格莉特‧隆 錄製於 1952年之第二樂章

https://www.youtube.com/watch?v=fQOOLv5VfGs

 

必聽珍貴歷史版本:米開朗傑里

https://www.youtube.com/watch?v=9zIXSqyYyq0

 

趙成珍與柏林愛樂之版本

https://www.youtube.com/watch?v=sNgP6NMYTqU

 

2009年 阿格麗希於諾貝爾奬典禮音樂會現場實況

https://youtu.be/cJOW5mlhH_Y

 

Jean-Yves Thibaudet 與 Philippe Jordan 之現場版本

https://www.youtube.com/watch?v=gAtzmCGMNfI&feature=youtu.be

 

愛麗絲.莎良.奧特 日本現場版本

https://www.youtube.com/watch?v=WRN3BVgQ8Xg

 

2023年.充滿愛的第二樂章

https://www.youtube.com/watch?v=6kVGaMUH-HY


左手鋼琴協奏曲

拉威爾的美國巡演.心靈滿足豐盛之旅

對比起在自己故鄉法國的不順遂,拉威爾在國際上受到了相當熱烈的歡迎。

1922年 至1928年間,拉威爾開始在世界各地旅行及演出。

1928年,除了接受英國牛津大學頒授給他的榮譽博士學位之外,拉威爾應邀到國外訪問:1928 年赴美國與加拿大,以火車方式展開鋼琴演奏與指揮巡迴演奏,在造訪美國時接觸到爵士樂,後來的作品更深受爵士音樂影響。

 

1928年拉威爾於英國牛津大學接受榮譽博士學位之紀念照片

1928年拉威爾於英國牛津大學接受榮譽博士學位之紀念照片 | French composer Maurice Ravel (1875-1937) as Doctor Honoris Causa of the University of Oxford in 1928.
1928年拉威爾於英國牛津大學接受榮譽博士學位之紀念照片 | French composer Maurice Ravel (1875-1937) as Doctor Honoris Causa of the University of Oxford in 1928.

 

1927-1928 成功的美國巡演

根據舊金山管弦樂團資料敘述,1927年 12月 28日 拉威爾自法國搭船出發前往美國/加拿大,從紐約登陸。整體大約規劃了近半年的豐富行程,於 1928年 4月 21日出發回法國。

這中間的行程是:New York • Boston • Chicago • Detroit • Cleveland • San Francisco • Los Angeles • Seattle • Vancouver • Portland • Denver • Minneapolis • Kansas City • Omaha • Niagara Falls • Toronto • Milwaukee • Boston • New Orleans • Houston • Grand Canyon • Buffalo • Montreal

 

拉威爾與高女音 Nina Koshetz ,法國出發前合影留念。( 1927年 12月)

拉威爾與高女音 Nina Koshetz ,法國出發前合影留念。( 1927年 12月)Maurice Ravel and soprano Nina Koshetz on the deck of the SS France, bound for the United States in 1928.
拉威爾與高女音 Nina Koshetz ,法國出發前合影留念。( 1927年 12月)Maurice Ravel and soprano Nina Koshetz on the deck of the SS France, bound for the United States in 1928.

 

拉威爾在寫給小他 3歲的弟弟 Édouard Ravel 的信中提到,他受到瘋狂式的歡迎:「在碼頭來了無數的記者,好多的照相機、攝影機與畫家,爭相前來紀錄我的一切…」「在飯店時,我幾乎不停地收到花籃,以及最昂貴的水果…」

 

關於拉威爾於美國巡迴成功演出與指揮之音樂會樂評報導

關於拉威爾於美國巡迴成功演出與指揮之音樂會樂評報導
關於拉威爾於美國巡迴成功演出與指揮之音樂會樂評報導

 

拉威爾拍攝於美國巡迴期間之照片,除了許多現場音樂會之外,也應邀參加好萊塢美國藝術家工作室節目(United Artists studios in Hollywood)錄影之照片。

French composer Maurice Ravel, (1875-1937), and soprano Lisa Roma tour the United States. They gave concerts of Ravel's own compositions and were guests of John Barrymore at the United Artists studios in Hollywood. (Photo by © Hulton-Deutsch Collection/CORBIS/Corbis via Getty Images)

 

在美國發生的一切熱烈歡迎現象,讓拉威爾再寫道「這個美好世界對我的一切,在歐洲從來不曾發生過…」(無數的仰慕者簇擁、被熱情的款待、每天生活在自己的音樂與美好的爵士音樂廳),整體的旅遊演奏行程成功極了,讓拉威爾充分感受到身為成功音樂家的一切喜悅。

 

拉威爾指揮樂團專注之神情

拉威爾指揮樂團專注之神情 | Ravel in conducting orchestra
拉威爾指揮樂團專注之神情 | Ravel in conducting the orchestra

 

《左手鋼琴協奏曲》創作源起

 1928年結束英國與美國之旅後,拉威爾便開始構思鋼琴協奏曲,並計劃自己擔任獨奏者,於 1929 年開始執筆創作。此時奧地利鋼琴家 保羅·維根斯坦(Paul Wittgenstein, 1887 - 1961)向拉威爾提出創作邀約,巧合的是,他希望是一首鋼琴協奏曲;但於拉威爾原先想法截然不同的是,保羅·維根斯坦希望拉威爾創作一首只用左手演奏之鋼琴協奏曲。

原來提出創作邀約的鋼琴家 保羅·維根斯坦(Paul Wittgenstein, 1887 - 1961),這位因第一次世界大戰中失去右臂的維也納鋼琴家,當年在俄羅斯突襲波蘭戰事時受傷,為保命只能切除右臂。在多年療養之後,他憑著驚人毅力康復,並且只憑左手演奏,延續他的鋼琴演奏事業。


保羅·維根斯坦(Paul Wittgenstein, 1887 - 1961)以左手演奏鋼琴之神情:

保羅·維根斯坦(Paul Wittgenstein, 1887 - 1961)以左手演奏鋼琴之神情 | Paul Wittgenstein at the piano
保羅·維根斯坦(Paul Wittgenstein, 1887 - 1961)以左手演奏鋼琴之神情 | Paul Wittgenstein at the piano

 

保羅·維根斯坦多年來努力不懈地在音樂會中使用單手演奏,並持續邀請作曲家為他作新的作品。之名的許多作曲家:班傑明·布列頓保羅·亨德密特理查·施特勞斯等偉大作曲家們,都曾為他創作左手鋼琴演奏作品,當然還包括了本篇文章介紹的拉威爾之《左手鋼琴協奏曲》。

 

拉威爾(右)與保羅·維根斯坦(左,坐於鋼琴前)
拉威爾(右)與保羅·維根斯坦(左,坐於鋼琴前)

 

原先預計為自己創作鋼琴協奏曲的拉威爾,因為同為愛國人士,故非常感佩曾服役於一戰的保羅·維根斯坦,便答應為他創作專屬的《左手鋼琴協奏曲》。

 

第一次世界大戰,也稱為「歐戰」,詳請見→「第一次世界大戰」條目。

 

一戰入伍

戰事開打之後,愛國的拉威爾申請入伍服役,但因為他瘦弱不滿 50公斤的體格,未能符合法國軍人入伍的最低體重標準 50公斤,一直未能入伍服役。但拉威爾不甘心,便申請擔任飛行員,但又因為健康狀況不符合,也未能申請獲准。最終因為拉威爾能開車,終於 1914年 12月通過駕照考試之後,如願成功申請入伍,成為於戰爭前線與後方補勤之間運輸軍需裝備的卡車司機。

於是,1915年起(40歲)拉威爾入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任卡車駕駛運輸兵。

 

從軍期間拍攝下記錄照片的拉威爾:

拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。
拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。

 

拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。
拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。

 

根據網站資料,在英國廣播公司(BBC)推出的一戰紀念專輯中,有一期節目名為《一戰是否改變了拉威爾和他的作品》。

節目裡,主持人引述了拉威爾在一戰期間寫下的一篇日記。

日記記錄當時,他正在戰事最為殘酷的凡爾登公路上運輸武器裝備,開著一輛名為「阿德萊德」的卡車。拉威爾在日記中寫道,有整整一星期的時間,他不分晝夜地在沒有路燈的公路上行駛。有一次,「阿德萊德」故障,孤立無援的拉威爾就這樣身處荒林野地中,「就像魯賓遜那樣」,直到10天後才被人救出。(引自 ⟪因愛之名──關於拉威爾《寫給左手的鋼琴協奏曲》的一些想法⟫ 一文)

 

退伍

拉威爾親自投入戰綫,以自己的力量為戰爭攻陷一己之利,也曾見證生離死別,創作當然幾乎完全停頓。後來他因患痢疾,於1917年退伍。退伍之後,他轉為相信創作音樂就是他能為法國提供最好的貢獻,因而開始專心從事作曲。因此於 1917年完成了鋼琴曲《庫普蘭之墓》(Le tombeau de Couperin, 1914-17),獻給為國捐軀的同袍們,後來拉威爾也將此曲改編為管弦版本。

因爲有著同樣的服役經歷,拉威爾更能體會保羅·維根斯坦的痛與對音樂之熱愛,在答應為他創作《左手鋼琴協奏曲》後,便暫停原本鋼琴協奏曲創作,全力投向《左手鋼琴協奏曲》的譜寫。

 

「寫一首只給左手的協奏曲,是非常困難的。」
~ 接受委託創作之後,拉威爾曾如是向他的出版商說。

 

但隨著拉威爾的專心創作,《左手鋼琴協奏曲》(Piano Concerto for the Left Hand in D major, 1929-1930)於 1930 年緊鑼密鼓地進行著,並於 1931 年完成。

就在後來 1932年,拉威爾 G 大調鋼琴協奏曲也接近完成時,當時的作家兼音樂評論家 卡弗柯瑞西(Michel-Dimitri Calvocoressi, 1877-1944)曾訪問拉威爾,也留下這段訪談文字:

「能同時創作兩首鋼琴協奏曲,是個有趣的經驗。在此我想要提出「協奏曲」的真正意涵:即是與莫札特和聖桑有相同精神的作品。對我而言,協奏曲應該是輕盈和明亮的,而不是追求深厚或戲劇性的效果。一些經典的協奏曲皆是「為」(for)鋼琴而不是「對」(Against)鋼琴所寫的...

 

拉威爾再接著表述:

《左手鋼琴協奏曲》僅有一個樂章,相當不同於 G大調鋼琴協奏曲,它包含許多爵士樂的效果,曲風顯然不那麼「輕」,為了 讓這類作品的織體不比雙手彈奏的曲子來得薄弱,我便將它的風格寫得更為莊嚴、更接近傳統協奏曲...

感謝這些簡短但珍貴的敘述,讓我們能更加從文字裡,細細品味作曲家的創作理念。

 

創作於1929至1930年之《左手鋼琴協奏曲》,後來由委託者由保羅·維根斯坦 於 1933年 1月首演,由德國指揮 羅伯特·海格(Robert Heger)指揮維也納交響樂團於維也納演出。

保羅·維根斯坦(Paul Wittgenstein)彈奏左手鋼琴協奏曲之現場照片
保羅·維根斯坦(Paul Wittgenstein)1935年彈奏 Schmidt左手鋼琴協奏曲首演之現場照片(Wittgenstein premiering Schmidt’s Concerto for the left hand, Feb 1935)

 

據說拉威爾曾邀請托斯卡尼尼指揮該曲首演,卻被這位極具個性的意大利指揮家拒絕。隔年 1932年,拉威爾親自擔任指揮,於巴黎為保羅·維根斯坦指揮《左手鋼琴協奏曲》之法國首演,而據說當時保羅·維根斯坦以更大的自由演奏方式演奏此曲,令拉威爾不甚滿意此曲之演出。

也因為保羅·維根斯坦為此曲委託人,擁有六年的獨奏者獨家演奏權利,直至六年後 1937年,拉威爾與法國鋼琴家 Jacques Février 的合作此曲,終於對此曲感到滿意,今日這首協奏曲也成為獨一無二的經典曲目。

按照拉威爾所言,這首協奏曲只有一個樂章。而在法國音樂學者 Marie-Noëlle Masson 看來,這首一氣呵成的單樂章作品其實包含各自獨立卻在演奏中不間斷的三個部分:遵循「慢—快—慢」架構。這樣的設計,與傳統協奏曲的「快—慢—快」三樂章的相比,有很大的分別。

如果我們以上方拉威爾受訪文所提到:「《左手鋼琴協奏曲》具有傳統協奏曲的樣貌」,會發現,其實創作於之後的 G 大調鋼琴協奏曲才是真正使用「古典協奏曲」三樂章曲式之標準協奏曲。《左手鋼琴協奏曲》反而是具備「慢—快—慢」架構之單樂章創新協奏曲架構。

從《左手鋼琴協奏曲》樂曲中,我們馬上可以感受到「這是一首不平凡的樂曲」。無論從創作意義與作品本身恢宏氣勢,絢麗技巧到拉威爾不可思議的超凡單手演奏技巧創意,都讓此曲成為古典音樂史中無可被取代的傑出之作。

 

【經典版本欣賞】

讓我們先欣賞原汁原味的 保羅·維根斯坦 錄音版本 (上)

https://www.youtube.com/watch?v=qERkDYhLlMM

 

原汁原味的 保羅·維根斯坦 錄音版本 (下)

https://www.youtube.com/watch?v=PnC8DmBJJEw

 

法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937

 

珍貴記錄照片:

拉威爾於 1937年 12月 28日,於巴黎郊區 Montfort l’Amaury 自宅,與鋼琴家 Jacques Fevrier 討論演奏《左手鋼琴協奏曲》之畫面。

Ravel, Maurice ; compositeur français ; Ciboure 7.3.1875 - Paris 28.12.1937. - M. Ravel dans sa Villa "Le Belvedere" à Montfort l'Amaury avec le pianiste Jacques Fevrier. 
Ravel, Maurice ; compositeur français ; Ciboure 7.3.1875 - Paris 28.12.1937. - M. Ravel dans sa Villa "Le Belvedere" à Montfort l'Amaury avec le pianiste Jacques Fevrier.

 

下面這張是近代彩色化之後的照片

Ravel, Maurice ; compositeur français ; Ciboure 7.3.1875 - Paris 28.12.1937.
- M. Ravel dans sa Villa "Le Belvedere" à Montfort l'Amaury avec le pianiste Jacques Fevrier.

 

拉威爾生前的舊宅,現在被改為拉威爾博物館

https://www.youtube.com/watch?v=9zbkubvHW1g

 

此地圖為拉威爾自 1921年起居住,至他逝世為止之巴黎郊區 Montfort l’Amaury 宅邸 Le Belvédère 與巴黎市之交通距離。 (點按可進入介紹網頁

拉威爾自 1921年起居住,至他逝世為止之巴黎郊區 Montfort l’Amaury 宅邸 Le Belvédère與巴黎市之交通距離
拉威爾自 1921年起居住,至他逝世為止之巴黎郊區 Montfort l’Amaury 宅邸 Le Belvédère與巴黎市之交通距離

 

樂譜音樂欣賞:

Orchestra: Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire

Conductor: André Cluytens

Soloist: Samson François

Year of recording: 1959

Piano Concerto in D major (for the left hand), written in 1929-1931.

https://www.youtube.com/watch?v=gjiSSWubIuU


樂曲簡說

第一樂章開頭,由倍低音管演奏出低沈具有附點節奏之抒情主題,整體音響效果低沈,讓人充滿期待:

 

 

序奏過後,鋼琴以氣勢恢宏的和聲進入,絲毫不感覺只有左手。明顯可以感受到拉威爾創作時,考慮到僅以單手的表現力,但依舊能展現出戲劇化的效果

 

鋼琴序奏之後,樂團回應以極強 ff 力度,帶著附點節奏與表現力,展現出輝煌燦爛的效果:

 

鋼琴回應以柔和分解和弦所帶來之旋律,由弦樂加上弱音器伴奏非常美麗的一段音樂。我們從獨奏樂譜上個能感受到拉威爾仔細推敲設計過彈奏方式,非常適合以左手演奏低音後,又能帶出上方旋律,如果不是用視覺辨別演奏,可能許多人無法知曉這竟是由單手演奏辦到之效果。

 

鋼琴也安排相當有挑戰性之大跳、快速琶音音群與斷奏 Spaccato 彈奏技法:

 

 

 

在樂譜編號 25段落,出現非常有趣之五聲音階,讓音樂瞬間變得俏皮活潑:

 

樂譜編號 50段落,有著鋼琴非常精彩的裝飾奏獨白,更能見到拉威爾精心設計之左手演奏技巧:

 

 

在裝飾奏段落結束之後,樂團由低音至高音逐漸重新加入與鋼琴合奏,節奏變為 6/8拍,在俐落的節奏中,氣勢恢弘地結束全曲。


精彩版本欣賞

法國鋼琴家 尚-艾弗藍.巴佛傑 2010年 英國現場版

https://www.youtube.com/watch?v=Hu9KcFsB84I

 

齊瑪曼與布列茲的經典錄音版本:

https://www.youtube.com/watch?v=WAXzynUA1hs

 

貝瑞佐夫斯基 2015年於莫斯科現場 Live' 版

https://www.youtube.com/watch?v=GpM4aiRm7jY

 

王羽佳 2016年 Live' 現場版:

https://www.youtube.com/watch?time_continue=2&v=ZbEtk1kdYx4

 

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【BON音樂】法國作曲家 拉威爾 Maurice Ravel 生平簡介

【BON音樂】拉威爾 G大調鋼琴協奏曲 介紹與賞析

【BON音樂】法國作曲家 拉威爾 兩首小提琴奏鳴曲 介紹

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因愛之名──關於拉威爾《寫給左手的鋼琴協奏曲》的一些想法

 

我喜歡拉威爾的笑容

https://www.youtube.com/watch?v=j93Gi0CSjqw


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    • 第二堂|馬勒第五號交響曲

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    • 第三堂|馬勒第六號交響曲《悲劇》

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    • 第四堂|馬勒第七號交響曲《夜之歌》

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    • 第五堂|馬勒第八號交響曲《千人》

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延伸閱讀

https://bonart.com.tw/the-story-of-gustave-mahler/

 

馬勒交響曲列表

馬勒共寫作十首交響曲,整理年份與調性如下:

序號
名稱
創作時間
風格特點
音樂內容
1
《第一交響曲 “巨人”》
1888 年
融合了宏大的交響性與民間音樂元素,音樂充滿活力,具有強烈的情感張力。
描繪了自然、生命的力量,展現了從黑暗到光明的精神旅程,也包含對人生的思考與感悟。
2
《第二交響曲 “復活”》
1888 - 1894 年
規模宏大,將交響曲與合唱相結合,音樂風格從悲壯、深沉逐漸轉向激昂、振奮。
探討了死亡與重生的主題,表達了對生命永恒的信念和對死後世界的憧憬。
3
《第三交響曲》
1893 - 1896 年
是馬勒交響曲中篇幅最長的一部,音樂風格極為豐富,涵蓋了從自然的描繪到哲學的沉思等多種元素。
歌頌了自然的偉大,探索了生命、愛情、死亡等深刻主題,展現出對宇宙萬物的敬畏和讚美。
4
《第四交響曲》
1899 - 1900 年
風格較為清新、純真,採用了小型編制,音樂色彩豐富,充滿了夢幻般的意境。
以孩童的視角描繪了天國的生活,表達了對天堂的嚮往和對童真的讚美,傳遞出一種寧靜、平和的情感。
5
《第五交響曲》
1901 - 1902 年
音樂風格從壓抑、痛苦逐漸轉向明朗、激昂,以獨特的葬禮進行曲開篇,之後音樂情感逐漸昇華。
展現了生命的掙扎與希望,表達了對愛情的渴望和對美好生活的嚮往,其中著名的 “小柔板” 表達了深沉的情感。
6
《第六交響曲》 “悲劇”
1903 - 1904 年
音樂風格沉重、悲壯,結構嚴謹,具有強烈的戲劇性衝突。
深刻地反映了人生的苦難與悲劇,展現了命運的無常和人類在困境中的掙扎,結尾充滿了絕望的氣息。
7
《第七交響曲》 “夜曲”
1904 - 1905 年
音樂風格較為獨特,融入了夜晚、夢境等元素,營造出神秘、夢幻的氛圍。
描繪了夜晚的寧靜與神秘,以及對生命的思考和對未來的期待,在夢幻中蘊含著對生活的熱愛。
8
《第八交響曲》 “千人”
1906 - 1907 年
規模極其宏大,需要龐大的合唱團和交響樂團,音樂氣勢磅礴,充滿了輝煌壯麗的色彩。
以歌頌人類的精神力量和對上帝的讚美為主題,表達了對人類團結和精神昇華的追求。
9
《第九交響曲》
1909 - 1910 年
音樂風格深沉、內斂,充滿了對人生的回顧與反思,具有濃厚的悲劇色彩。
表達了對生命即將終結的感慨,以及對人生的眷戀和對死亡的無奈,展現出一種深刻的生命哲學。
10
《第十交響曲》
1910 - 1911 年
(未完成)
雖未完成,但已展現出獨特的風格,音樂中既有馬勒以往作品的影子,又有新的探索和嘗試。
主題較為複雜,包含了對生命、愛情、死亡等的思考,以及對未來的迷茫和期待,未完成的狀態也給人留下了無盡的遐想空間。

 

第七號交響曲

  • 創作時間:1904–1906 年
  • 首演時間:1908 年 9 月 19 日,由馬勒親自指揮布拉格國家歌劇院樂團演出。
  • 別稱:因第二、第四樂章標註「夜曲」(Nachtmusik),常被稱為《夜之歌》,惟馬勒本人並不完全認同此標題。
  • 樂章結構:全曲共五個樂章,包含兩段「夜曲」,為馬勒交響曲中唯一具此種特色之作品。

 

創作歷程

馬勒在完成陰鬱悲劇的《第六號交響曲》後,也陷入揣揣不安之情緒之中,需心理調適,於是 1904 年夏季,他先譜寫了第二、第四樂章的「夜曲」,作為對抗絕望的「解毒劑」。第七號之其餘樂章(第一、第三、第五)則於 1905 年夏季完成,第一樂章極有可能是本交響曲最後完成的樂章,在創作期間,馬勒經歷嚴重的作曲瓶頸,音樂學者普遍表示第一樂章主題是馬勒在湖邊划船時靈光乍現而得,也有說是於義大利多洛米蒂山旅行時獲得靈感。

 

首演與反響

本曲首演之前,馬勒缺乏自信心,多次修改配器,甚至懷疑其「非傳統風格」難以被大眾接受。

一直以來,馬勒作品評價呈現兩極化,一般聽眾則難以理解其作品之情緒跳躍與不和諧音,但現代主義作曲家(如荀白克)則讚賞其創新。直至 20 世紀後期,第七號交響曲才逐漸獲得重視,更成為現在「馬勒指揮大賽」之官方指定曲目(筆者補充:因為有夠難XD)。

 

1906年的馬勒照片

 

1906 年。 1906 年 5 月 27 日,古斯塔夫·馬勒 (1860-1911) 在埃森(Essen)指揮他的第六交響曲的世界首演。後來,他在奧地利度過夏天,僅用六週時間就創作出了第八交響曲。

「馬勒的音樂表現了當時的問題性和時代性。同時也展現了他個人的內在。在他的音樂裡反映了十九世紀末的頹廢風氣與當時世界的淒苦,也飄散著奧地利帝國夕陽的氣氛。他的音樂是他內在糾葛的表現,展現它與外在世界之爭鬥。」

- 殷巴爾(Elinhu Inbal, b. 1936)

 

馬勒交響曲的「三大創作階段」

根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,第五號亦開啟了馬勒第二創作時期,意味著從這首交響曲開始,馬勒的交響曲思維亦開啟了不同的內涵。

布魯諾.華爾特於1910年6月,首次與馬勒在信件中提到馬勒作品的前兩個創作時期:

「您的歌曲作品中,第一個階段包含《少年魔號》(Des Knaben Wdehom)詩集譜曲之作品,第二階段則包含為呂克特(Friedrich Rickert, 1788 - 1866)之詩詞譜曲創作。而您的交響曲正好依據與歌曲相同之階段創作:第一階段包含您的《第一號交響曲》到《第四號交響曲》;第二階段包含《第五號交響曲》到第八號響曲》。前面四首交響曲讚賞永恆的事物,一部分藉由文字表達,一部分將文字隱藏起來,轉為絕對音樂形式。之後的《第五交響曲》、《第六交響曲》與《第七號交響曲》,則完全未受何隱蔽文字之影響,而全然以音樂成形。《第八號交響曲》的所有一切都是新穎的,最後關於神秘教義之音樂,則由文字提供。」

 

1908年布魯諾.華爾特與馬勒,散佈於布拉格街頭

 

在此封布魯諾.華爾特與馬勒討論交響曲的信件,他倆都還不知道之後馬勒會繼續創作出《大地之歌》與第九號交響曲,以及最後未完成的第十號...

 

因此,根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,我們知曉馬勒認可了他交響曲的「三大創作階段」:

第一階段

自然時期:讚賞永恆的事物

第二階段

全然的音樂成形

第三階段

一切皆是新穎的、未知的

第一號

第二號

第三號

第四號

第五號

第六號

第七號

《大地之歌》

第八號《千人》

第九號

第十號
(僅完成第一樂章與五樂章架構)

 

【簡述馬勒】

馬勒,可能是擁有全世界最多「瘋狂樂迷」的古典作曲家❤️

 

當然,每一位作曲家都有他的音樂特色,但要像馬勒這樣,同時擁有最大聲的Fortissimo、最小聲的Pianissimo,最長的樂曲長度,最大型的管弦樂編制、最深層的生死議題探討、最特殊的多樣樂器使用,幾乎是音樂史上絕無僅有的...

在馬勒所生活的年代,他以「指揮才能」受到高度的肯定;在眾多史料與評論裡,馬勒的指揮能力傑出,能夠準確理解樂曲,即使因為大量排練總讓樂團團員抱怨,但他帶領樂團成員,總能演奏詮釋出讓觀眾讚賞無比的音樂會。

 

優異的指揮能力.當代之最

在眾多史料與評論裡,馬勒的指揮能力傑出,能夠準確理解樂曲,即使因為大量排練總讓樂團團員抱怨,但他帶領樂團成員,總能演奏詮釋出讓觀眾讚賞無比的音樂會。

 

當代的偉大指揮家漢斯.馮.畢羅(Hans von Bülow, 1830-1894)與作曲家布拉姆斯(Johannes Brahms, 1833-1897)都曾經表達過非常讚賞馬勒的指揮才能;尤其馬勒後來能夠順利接任維也納宮廷歌劇院總監職務,布拉姆斯的強有力的背書推薦,更是馬勒成為接任維也納宮廷歌劇院總監的關鍵因素。

 

馬勒擅長研究總譜,理解作曲家的想法。在馬勒活躍的年代,他指揮歌劇與管弦樂時活靈活現的神韻與豐富的肢體動作,更被許多畫家捕捉、躍然紙上。可惜的是,那是一個還沒有錄影影像紀錄的年代,我們無法從紀錄片裡真正看到馬勒最受當時人們喜愛指揮百態。

 

馬勒接任維也納宮廷歌劇院總監職務之後,晉身至歐洲音樂界最高地位,創造了維也納的「黃金十年」,帶領當時樂界一片頹廢而不知未來「世紀末的哀愁感」中,邁向新局。

世紀末維也納是指19世紀末期奧匈帝國首都維也納在文化上的繁榮景象。這一時期,猶太人在維也納的文化舞台上大放異彩。廣義的世紀末維也納則包括至1938年德奧合併為止,起源自維也納的對世界產生重大影響的政治、經濟和文化諸潮流。一般認為,世紀末維也納的出現是奧匈帝國在政治上地位相對減輕,使得人們的關心轉移到文化領域的結果。世紀末維也納的碩果包括了美術上的維也納分離派折衷主義建築弗洛伊德的精神分析學奧地利經濟學派等,橫跨多種多樣的領域。雖然世紀末維也納隨著奧匈帝國的解體和自由主義時代的終結而土崩瓦解,然而世紀末維也納在19至20世紀之交的人類文化史上擁有極為重要的地位。(本段文字取自維基百科
GIA3525703 Gustav Mahler conducting, from 'Jugend', 1910 (litho) by Schmidhammer, Arpad (1857-1921); © Giancarlo Costa.

 

但其作曲,則非其然...

「詭異、奇特、不可預料、不知所云」,是許多不認識馬勒音樂世界的人們,共同的心聲

這些過往出現在馬勒音樂裡的負面用詞,在現代人越來越懂得以他的人生歷程、作曲動機、總譜閱讀進行深度理解之後,漸漸變成了同理心與深深地感同身受

在馬勒的交響曲中,我們不但聽見世界萬物的聲音,更似乎也聽見他的兒時回憶:山區的牛鈴聲、軍隊鼓樂、號角聲,都來自其兒時成長的回憶:而成長過程,家庭的不和睦,甚至雙親的爭執與弟妹的早夭,也讓他的音樂有時充滿不安與快樂並存的矛盾感;往往在美妙的旋律出現後,突然被洶湧而至的巨大聲響打斷,彷彿人生處在極樂階段時,卻時時警惕著即將來到的不安,甚至預感著自己將遭逢不幸或磨難。
 
這些典型「猶太人苦惱」的特質,也有些人說可能是馬勒個人的神經質。雖看似難以理解,但隨著現在對於馬勒的研究越來越豐富,我們越來越能感同身受,因為這些音樂中呈現的時時苦惱而煩憂、喜樂卻害怕失去一切的不安全感,都與他的生活、生命歷程有著深深的關聯。

我的時代終將來臨!」,是馬勒的名言,出自1902年2月16日,寫給妻子阿爾瑪的信中。

馬勒寫道:「他(理查·史特勞斯)的時代結束後,我的時代才會來臨。我多麼希望能夠親眼見到這一刻,並且有妳在我身旁陪伴!」
 
馬勒是對的,只是他的時代,真的等了足足五十年之後,才真正降臨。
 
現代,馬勒的狂熱現象已成顯學,全球都是馬迷,也印證了馬勒曾說的「別人擁有當代,然而我卻掌握了未來!」

透過馬勒指揮大賽,您除了認識馬勒的音樂,更將透過網路直播,理解國際指揮大賽究竟在比什麼?樂團的每一個手勢背後代表的意義,在林仁斌老師的精闢解說之下,您更將了解專業指揮之間的彈指差異,將帶來何其重要的音樂變化~


馬勒:第七號交響曲

庫克:「馬勒交響曲中的仙杜瑞拉!」

 

第七號交響曲寫作於1904年,至1906年完成。

本首交響曲因其陰鬱之特色,加上使用曼陀鈴與吉他,呈現出小夜曲氛圍,因此亦有「夜之歌」(Nachtmusik)之稱。

共包含五個樂章:

  1. 慢速—果斷的快板、但不太快(Langsam - Allegro risoluto, ma non troppo)E小調
  2. 夜之樂:其一·中庸的快板(Nachtmusik I [Allegro Moderato])C小調。據說馬勒在1904年荷蘭之旅,因看過了畫家林布蘭(Rembrandt Harmeszoon van Rijn,1606–1669)知名的畫作《夜巡》,產生了啟發而作曲並命名本樂章。
  3. 諧謔曲·幽暗地(Scherzo [schattenhaft])D小調
  4. 夜之樂:其二·溫柔的行板(Nachtmusik II [Andante Amoroso])—以F大調為主
  5. 輪旋曲—終曲(Rondo-Finale)C大調

 

由上可見,整個交響曲呈現「快-慢-快-慢-快」,是有趣的「拱型架構」

而長度方面,也是有趣的「拱型架構」1-5樂章分別是:

  1. 最短
第一樂章約 25 分鐘
第二樂章約 16 分鐘
第三樂章約 11 分鐘
第四樂章約 14 分鐘
第五樂章約 19 分鐘

總長約 1 小時 25 分鐘

 

 

本照片拍攝於1904年,馬勒正途步返回維也納國立歌劇院的路上,也正是他開始創作第七號交響曲的時刻:

 

本交響曲使用特殊樂器 1:

第一樂章:上低音號

Tenor Horn:紐約愛樂

https://www.youtube.com/watch?v=McXn29jK7Ec

 

https://www.youtube.com/watch?v=jhOPsbTq5qE

 

什麼是上低音號?

https://www.youtube.com/watch?v=R9mYtwd5m-Y

 

讓上低音號一砲而紅的動漫~《吹響吧~上低音號》❤️

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=cS_GlFvgGYg

 

本交響曲使用特殊樂器 2

第四樂章 曼陀鈴的運用

https://www.youtube.com/watch?v=mzOiDfN4LLA

 

第一樂章選讀欣賞

 

 

馬勒第七號 總譜欣賞

  1. 00:00 慢速—果斷的快板、但不太快(Langsam - Allegro risoluto, ma non troppo)E小調
  2. 22:03 夜之樂:其一·中庸的快板(Nachtmusik I [Allegro Moderato])C小調。據說馬勒在1904年荷蘭之旅,因看過了畫家林布蘭(Rembrandt Harmeszoon van Rijn,1606–1669)知名的畫作《夜巡》,產生了啟發而作曲並命名本樂章。(ABABCACBA)
  3. 38:49  諧謔曲·幽暗地(Scherzo [schattenhaft])D小調。(ABABA)
  4. 48:36  夜之樂:其二·溫柔的行板(Nachtmusik II [Andante Amoroso])—以F大調為主(ABCBA
  5. 1:01:38 輪旋曲—終曲(Rondo-Finale)C大調。(Introduction - Rondo - Coda)

 

第一樂章段落

00:00 慢速—果斷的快板、但不太快(Langsam - Allegro risoluto, ma non troppo)E小調

 

  • 序奏:木管與弦樂的葬禮進行曲節奏中,上低音號奏出「大自然咆哮」的主題,象徵黑夜降臨,揭開本曲序幕。
  • 主部:奏鳴曲式,弦樂節奏上,銅管與大提琴呈現雄壯的第二主題。發展部宗教氛圍(英國管獨奏)與戲劇性高潮,再現部華麗而色彩豐富。

樂章簡說

第一樂章標題為 “Langsam (Adagio) – Allegro risoluto, ma non troppo”,即 “緩慢(柔板) - 堅決的快板,但不過分” 。樂章從 B 小調(引子部分)轉至 E 小調,採用奏鳴曲式,整體時長約 25 分鐘,在整首交響曲中起到重要的開場作用。

 

曲式結構與音樂主題簡說

  1. 前奏:以 B 小調的緩慢節奏中,前奏旋律開場,由中音號吹奏出深沉的旋律,奠定了黑夜裡莊重肅穆的基調。據說,其伴奏節奏是馬勒在邁爾尼希湖划船時,經歷一段創作瓶頸期後靈感突現而得。
  2. 呈示部:主題由法號齊奏呈現,在 E 小調上展開,伴奏節奏加快且音域升高,與引子形成鮮明對比,呈現出積極、向上的情緒。第二主題由小提琴演奏,大提琴以琶音伴奏,旋律中融入了半音進行,增加了音樂的色彩和情感張力。在這部分,小提琴甚至達到了鋼琴上最高的 F#7 音。呈示部最後,引子中的進行曲主題再次出現,隨後主題重複,完成呈示部的音樂內容。
  3. 發展部:呈示部結束後直接進入發展部,在持續一段時間後,突然被極弱的小號號角聲和基於前奏進行曲主題的緩慢聖詠打斷。這部分被一些人解讀為 “宗教幻覺”,也有人認為其中包含的純四度音程給荀白克留下了深刻印象。此後,豎琴的滑音將音樂引入下一個全新的部分,融合了第二主題和進行曲 / 聖詠主題。但在高潮即將到來之際,引子的音樂和中音號的詠嘆調再次插入,打斷了最終的終止式。
  4. 再現部:在正式再現之前,有一個極具難度的小號高音。據說在作品首演時,首席小號手曾向馬勒抱怨吹奏這個高音的難度,馬勒當時雖未作答,但後來向阿爾瑪表示這人不懂自己存在於世的痛苦(資料來源)。再現部與呈示部相似,但情緒更加激動。在第一主題部分有一個明顯的停頓,隨後進入宏大的高潮。第二主題則大幅縮短。引子中的進行曲主題直接引入史詩般的尾聲,尾聲中包含進行曲節奏和管弦樂團齊揚音樂中的多個高潮點,最終在 E 大調和弦上結束樂章。
1st Movement

Three contrasting theme complexes

Exposition

Slow Introduction

0:47 Arioso, accompanied by funeral-march rhythms [slow]

2:20 March theme [A little less slow, but always very measured]

2:41 Again arioso [Not dragging, later Tempo I]

3:41 Transition with formations of fourths

3:51 Main section in E minor (allegro con fuoco)

4:59 Transition

5:13 Secondary section in C major [With great sweep]

6:05 Final section (based on the march theme)

6:26 Main section (tempo I)

6:43 Transition

Development

6:54 First section: variation of the arioso from the slow introduction

7:30 Second section: based on the secondary theme in B minor/B major

7:54 Third section: (again tempo I): Based on exposition motifs

8:10 Fourth section

8:44 Fifth section: Based on exposition motifs; 247-251 fanfares and signals of the trumpets

9:04 Sixth section [More measured]: religious vision: the march theme changed to a solemn chorale; reminiscences of Urlicht; tonal center: E-flat major

9:51 Seventh section [fairly quiet]: Episode with solo violin in G major/G minor

10:32 Eighth section [somewhat more measured]: religious vision with trumpet fanfares, chorale lines, and reminiscences of Urlicht

11:40 Ninth section [very broad]: might be considered the center of the movement in B major

Recapitulation

13:04 Arioso (adagio), beginning with funeral march rhythms and trombone solos

15:16 Main section (maestoso)

17:07 Secondary section in G major

18:13 Closing section [Brisk]: 495-522 ~ 27-44

Coda

19:50 Tempo I (Allegro)

https://www.youtube.com/watch?v=PVf9glfokiY&t=7s

 

 

第二樂章總譜(22:03起

22:03 夜之樂:其一·中庸的快板(Nachtmusik I [Allegro Moderato])C小調。據說馬勒在1904年荷蘭之旅,因看過了畫家林布蘭(Rembrandt Harmeszoon van Rijn,1606–1669)知名的畫作《夜巡》,產生了啟發而作曲並命名本樂章。(ABABCACBA)

黑夜漫步

  • 結構:A-B-A-C-A,含兩個中段。
  • 序奏:兩把法國號對話,營造神秘氣息。
  • 主部:大提琴與法國號以模擬對位法奏進行曲主題,中段加入鈴聲與低音弦樂新旋律,尾聲歸於寧靜。
2nd Movement, Nachtmusik I. Allegro Moderato

mirror structure

20:36 Introduction, flowing into the major-minor seal; a “nocturnal bird concert”

21:52 Main section (three-part song form) in C major-minor

24:11 Trio I (divided into three sections) in A-flat major

25’08”  類似美女與野獸「be our guest」

25:50 ntermezzo (with cowbell and tam-tam)

26:49 Trio II beginning in F minor

28:27 Introduction, leading into the major-minor seal (divides movement in symmetric half)

28:51 Trio II (continuation) in C minor

29:52 ntermezzo

30:21 Main section

32:00 Trio I (cowbell in the orchestra @32:46)

33:20 Main section

34:24 Introduction with major-minor seal

https://www.youtube.com/watch?v=jui5-1vUEEk

 

第三樂章(樂譜版 38:49 起)

38:49  諧謔曲·幽暗地(Scherzo [schattenhaft])D小調。(ABABA)

  • 輪旋曲式(或三段體):第一段以冷寂感特殊節奏展現斷片式旋律,中段轉為明朗的 D 大調,隨後回歸本曲之怪異氣息,第三段狂歡舞蹈,象徵著暗黑死亡之舞

荒謬.暗黑.不思議的詼諧曲

3rd Movement, Schattenhaft (“Shadowlike”)

Main section

35:56 Introduction

36:12 First part

36:35 Second part [lamenting]

36:50 Third part [somewhat faster]: waltz in major-minor

37:08 Introduction (variant)

37:21 First part (variant)

37:42 Second part (variant, shortened)

37:50 Major-minor waltz (expanded)

38:33 Last part

Trio

38:51 First part

39:25 Second part: Development of the first motif from the first movement

40:01 Third part

Main section

40:17 First part (variant)

40:33 Second part, now in E-flat minor

40:49 Introduction

41:09 First part

41:40 Lamenting

41:56 Major-minor waltz (faster)

42:16 Synthesis of various elements

42:35 First part (variant)

Montage of Trio and Waltz

42:50 First part (wild)

43:21 Second part

43:40 Third part

44:00 Coda

https://www.youtube.com/watch?v=env7vJJcHiw

 

【延伸閱讀】

「卡夫卡式」到底是什麼意思?

 

 

影片

https://www.youtube.com/watch?v=wkPR4Rcf4ww&t=6s

 

第三樂章 樂團版(伯恩斯坦 39:14 起)

https://youtu.be/_v7BmR3pPAk?t=2355

 

 

第四樂章總譜(48:36起

48:36  夜之樂:其二·溫柔的行板(Nachtmusik II [Andante Amoroso])—以F大調為主(ABCBA)

  • 輪旋曲式(或三段體):加入吉他與曼陀鈴,營造溫馨的愛之小夜曲。
  • 主題:小提琴奏親切旋律,木管、豎琴襯托;中段大提琴獨奏優美動人,第三段自由再現第一段。

特色ㄧ、加入曼陀鈴與吉他

特色二、小號、長號、低音號與打擊均不演奏

特色三、管樂縮減編制(基本二管編制)

4th Movement, Nachtmusik II: Andante amoroso

Main section

44:39 Refrain

44:48 Accompanying figures

44:55 First part (A)

45:30 Second part (B)

45:49 Third part (A’)

46:22 Fourth part: graziosissimo (C)

46:55 Fifth part (A’’)

Development

47:35 First part (beginning with chromatic progressions)

48:19  Second part (beginning in A-flat major with a new theme and building up)

49:21 Third part (again a tempo) in G-flat major

Trio

49:56 First part in B-flat major

50:38  Second part

51:06 Third part in F major

Recapitulation

52:15 Refrain

52:25 First part

52:59 Second part

53:19 Third part

53:49 Fourth part (great climax)

54:14 Fifth part

Coda

54:57

https://www.youtube.com/watch?v=ePwYVoL7rTk

 

趣味比較:《美女與野獸》Be our gest

https://www.youtube.com/watch?v=0gzKRGcmnFs

 

第七號 第五樂章 完整演奏

1:01:38 輪旋曲—終曲(Rondo-Finale)C大調。(Introduction - Rondo - Coda)

  • 開場:定音鼓獨奏引出樂團之雄壯的迴旋主題,與第一樂章主題呼應。
  • 發展:多個副主題層出不窮,包含幽默的低音域節奏與打擊樂互動。尾聲高潮重現第一樂章主題,象徵「白晝回歸」。
Fifth movement: Rondo-Finale

56:16 First ritornello (sections 1@56:16, 2@56:27, 3@56:42, 4@56:58, 5@57:25, 6@57:37) in C major

57:55 First secondary theme in A-flat major [comfortable]

58:44 Second ritornello (sections 3 & 4) in C

59:22 Second secondary theme and variant of section 4 of the ritornello

59:49 Pesante

59:56 Third ritornello (sections 2, 4-6) in C

1:00:50 First secondary theme in A minor [somewhat restrained]

1:01:50 Pesante: suggestion of the unison theme

1:01:56 Fourth ritornello (sections 3 & 4)

1:02:35 First secondary theme [not rushed-quite deliberate]

1:02:50 Second secondary theme

1:03:52 Unison theme followed by [slightly faster], leading to a tritone

1:04:17 Development-like passage (motifs from the ritornello and the second secondary theme)

1:04:50 Fifth ritornello in A major (sections, 1, 2, 4 combined vertically)

1:05:25 First secondary theme in G-flat major

1:06:46 Sixth ritornello (section 2) in B-flat major

1:07:03 Unison theme, a slightly faster passage leading to a tritone

1:07:33 Second secondary theme

1:08:35 Unison theme in the strings

1:08:52 [restrained] molto pesante

1:08:58 Seventh ritornello (section 2) in D major; soft bell ringing

1:09:08The main theme from the first movement in D minor, C-sharp minor, and C minor

1:09:43 Unison theme in B major

1:09:52 Main theme from the first movement in B-flat minor

1:10:00 [Broader] [suddenly]

1:10:09 Main theme from the first movement in D-flat major, second secondary theme added as counterpoint

1:10:28 Second secondary section

1:11:09 Accelerando

1:11:11 Eighth ritornello (complete) in C major

https://www.youtube.com/watch?v=igOv8YRb6jY

 

《馬勒第七號交響曲》,如果沒有了這麼精彩的第五樂章,那麼第七號,或許將如他的名字「夜曲」一般,永遠屬於夜晚。但第五樂章的震撼、燦爛與輝煌,徹底點亮了這首交響曲,成為馬勒不朽的篇章之一!

 

第一主題段落,向華格納《紐倫堡的名歌手》致敬!

https://www.youtube.com/watch?v=jPI420hngqw

 

阿巴多完整版 樂章分段

00:46 I. Langsam (Adagio) - Allegro risoluto, ma non troppo

20:34 II. Nachtmusik I. 🌜 Allegro moderato

35:55 III. Scherzo. Schattenhaft. Fließend aber nicht zu schnell

44:38 IV. Nachtmusik II. 🌜🌛 Andante amoroso(曼陀鈴與吉他)

56:15 V. Rondo — Finale (Allegro ordinario)

1:13:00 Applause and Credits

https://www.youtube.com/watch?v=QdxvC7NNSLQ&t=3386s

 

第五樂章 小號獨奏段落

 

第七號的最後華麗小號(1:11:11 起)

https://youtu.be/QdxvC7NNSLQ?t=4270

 

第五樂章的終極奧義:由黑暗邁向光明!

馬勒第七號,也常被叫做「夜之歌」,因為五樂章裡,有兩樂章被馬勒命名為「夜之樂」(Nachtmusik)的音樂:

據說馬勒在1904年荷蘭之旅,因看過了畫家林布蘭(Rembrandt Harmeszoon van Rijn,1606–1669)知名的畫作《夜巡》,產生了啟發而作曲第二樂章並命名為「夜之樂」。

而第四樂章則加入了吉他與曼陀鈴,呈現出「小夜曲」濃厚氛圍,欣賞時常令人愛不釋手。(其實是耳,哈哈~)

最終樂章轉為C大調,如同黑夜迎向光明一般非常非常精彩~

馬七如果沒有了這麼精彩的第五樂章,那麼或許將如他的名字「夜曲」一般,永遠屬於夜晚~這第五樂章的震撼、燦爛與輝煌,徹底點亮了這首交響曲,更成為馬勒不朽的交響篇章!

 

拉圖指揮柏林愛樂

https://www.youtube.com/watch?v=_IkLUOsNHAA

 

【補充資料】什麼是Ritornello Form?

巴洛克時期興起的器樂作曲手法

廣泛地使用於第一與第三樂章

接下來,以代稱進一步說明段落分配:

韋瓦第:《春》協奏曲~選自《四季》

https://www.youtube.com/watch?v=kPaUtnJTMn8

 

 

【補充資料】馬勒的變格終止使用

 

【補充資料】馬勒交響曲中的號角運用

 

【附錄】2023年萊比錫音樂節 馬勒第七號欣賞實況報導

馬勒第七號:萊比錫音樂節現場

哈丁指揮BRSO,2023年馬勒音樂節現場Live'(15:23雙鈸/樂譜42之第3小節、24:55法國號)

上低音號

(原始影片已被上傳者刪除)

 

2023.05.22. 馬勒第七號交響曲 – Daniel Harding+巴伐利亞廣播交響樂團(Bavarian Radio Symphony Orchestra)

 

今晚帶著複雜的心情走出音樂廳,這實在不像我所認識的BRSO…

馬勒第七號,常被認為是一首奇怪的交響曲,在他所有的交響曲中,也的確不是最常被演出的作品,原因很簡單,就是「真的很奇怪」

許多情緒突然大變化的段落轉折、與眾不同的管絃配器法,各樂器間的獨奏連接等等…,都讓此曲屬於不容易奏好的交響曲;有時候,我更感覺這首樂曲,像是寫給交響樂團的協奏曲。

今年七月即將在班貝格登場的國際馬勒指揮大賽,從初賽到最後決賽,馬七都將是最重要的指定曲目,原因很簡單,因為「真的很難指揮」

馬七,完全考驗著指揮與樂團溝通的能力:對於樂曲的理解是一回事,但要讓團員正確「接住」,演奏得好,卻又是另一回事。

今天我的座位在二樓側邊,葡萄園左側,介於弦樂與木管之間,因此整首交響曲聽下來,每個細節都聽得清清楚楚…

樂團許多拍點的發音點不整齊,上低音號獨奏失誤、法國號的多次控音不穩放炮,連雙鈸都擊錯拍點,一路放炮與拍點不齊,簡直堪比煙火大會般燦爛🎆

尤其法國號獨奏第二次放炮時,我還看到單簧管演奏者直接低頭嘆氣…實在嚇到我了,這真的不是我所認識的BRSO啊⋯

是巡迴累了嗎?還是跟指揮溝通出了問題?總之今晚問題一籮筐

愛拍照的我,音樂會後仍然走走拍拍

見到指揮 Daniel Harding 再次走出舞台(請見照片最後一張),我開心極了,上前詢問他能否一起合照

「Of course, no problem!!!」,他一邊善意地回答我,卻一邊同時急促地翻閱著總譜

我站在舞台旁邊等待他

然後,他開始把今晚錄影直播組叫上舞台,翻閱著總譜,開始指示他要「再次演奏」哪些段落…

接下來,樂團團員們一一被叫回到舞台上

此時我理解了,針對剛剛音樂會裡的「煙火大會」,現在樂團要進行「補救錄影」

 

我還續續待在場邊,現在團員已陸續全部回到舞台上,臉部當然沒有任何喜悅的表情

導播開始翻閱總譜,錄影組準備就位

接下來,因為我不是團員,當然就被請出音樂廳了…

其實今晚樂曲結束時,現場觀眾依舊掌聲如雷,更有許多人起立鼓掌叫好

但「音樂好不好,自己內心知道」

樂團的補錄,就是求好求完美的證明。

希望這是一次偶發的煙火大會,並期待下一次聽到BRSO火力全開的超神演奏回歸,如同我數次聽過的楊頌斯帶領他們時,是那麼光彩奪目,是令人真心佩服的超級樂團…
.
樂曲簡介:

馬勒第七號,也常被叫做「夜之歌」,因為五樂章裡,有兩樂章被馬勒命名為「夜之樂」(Nachtmusik)的音樂:

據說馬勒在1904年荷蘭之旅,因看過了畫家林布蘭(Rembrandt Harmeszoon van Rijn,1606–1669)知名的畫作《夜巡》,產生了啟發而作曲第二樂章並命名為「夜之樂」。

而第四樂章則加入了吉他與曼陀鈴,呈現出「小夜曲」濃厚氛圍,欣賞時常令人愛不釋手。(其實是耳,哈哈~)

最終樂章轉為C大調,如同黑夜迎向光明一般非常非常精彩~

馬七如果沒有了這麼精彩的第五樂章,那麼或許將如他的名字「夜曲」一般,永遠屬於夜晚~這第五樂章的震撼、燦爛與輝煌,徹底點亮了這首交響曲,更成為馬勒不朽的交響篇章!

 

 

 

 

 

 

 


延伸閱讀

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-1-titan-2/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-2-resurrection/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-3/

 


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:孟德爾頌第三號交響曲《蘇格蘭》

【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:孟德爾頌第三號交響曲《蘇格蘭》
Bonart Public welfare lecture - Mendelssohn Symphony No.3 "Scottish"

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「豐富人生 X 音樂天地」公益講座

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🎻【豐富人生 X 音樂天地—林仁斌/孟德爾頌《蘇格蘭》交響曲】

19世紀德國浪漫主義音樂家及作曲家 #孟德爾頌(Felix Mendelssohn),從小就展現過人的音樂才華:4歲學鋼琴、9歲登台演出、10歲嘗試作曲。而熱愛旅行的他,在造訪蘇格蘭期間,遍覽當地景致之餘,受到當地民間人文風俗啟發,創作出既抽象又滿懷情感《#蘇格蘭》交響曲。超人氣音樂導聆 #林仁斌 老師將引領大家,一同來欣賞這首帶有濃厚的蘇格蘭民樂曲風之作!

󠀠

🎧「豐富人生 X 音樂天地」第259場
🤵🏻 主講|林仁斌 (旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長)
🎫 講題|孟德爾頌第三號交響曲《蘇格蘭》
📆 活動時間|2025年3月5日(三)晚上19:00-21:00
🏢 活動地點|上海銀行大樓2樓多功能廳(臺北市中山區民權東路一段2號)
󠀠
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蘇格蘭.孟德爾頌最後的交響曲

1829年,20歲的孟德爾頌首度旅遊至英國,當年7月他拜訪蘇格蘭北部的愛丁堡。那兒有北國夏天特有的自然美景及舊皇宮的遺跡,還有男士們穿著民俗服裝吹奏風笛的隊伍;這些都是催生這首交響曲的靈感來源。但是一離開英國後,孟德爾頌的作曲進度立刻變慢,他甚至接連重返英國多次。

孟德爾頌在1831年的一封書信中表達『不得已必須中斷蘇格蘭交響曲的寫作。為了完成此曲,我必須重返那濃霧籠罩的地方。』從這段話,可以想像孟德爾頌為了在古典的交響曲形式中,催生獨特的音畫手法,就像畫家一樣為了確認作品細部的表現,必須再重返現場觀察臨摹,煞費苦心。而孟德爾頌更是一路堅持「慢慢寫」,終於至11年後~1842年才完成本首交響曲。

 

1833年的孟德爾頌

Drawing of the composer by Eduard Bendemann, 1833

 

作曲家簡介

孟德爾頌一生交遊廣泛,作品豐富。

與大文豪歌德傑為忘年之交,並與當代眾多藝文音樂人士往來:舒曼夫婦、白遼士、凱魯畢尼、韋伯、麥亞白爾、羅西尼、蕭邦、李斯特、華格納、帕格尼尼等音樂家交往,互通藝術見解;這對他的創作生涯產生許多重要的影響。

作曲家 孟德爾頌(Jakob Ludwig Felix Bartholdy Mendelssohn, 1809-1847) 
作曲家 孟德爾頌(Jakob Ludwig Felix Bartholdy Mendelssohn, 1809-1847)

 

孟德爾頌1809年2月3日出生於德國漢堡的一個富裕而有文化的猶太富商家庭。祖父摩西(Moses Mendelssohn, 1729-1786) 是德國名哲學家兼文學家;父親是德國漢堡的銀行家;母親則是位受過高等教育並精通音樂的人。不論出生環境、家庭生活或是事業成就,孟德爾頌都是一帆風順。

孟德爾頌從小是鋼琴神童:9歲時便以鋼琴家身份於柏林登台公開演奏,10歲時就為《詩篇19》譜曲,12歲自己主辦報紙,同年與 72歲德國文豪歌德(Johann Wolfgang von Goethe, 1749-1832)結為忘年之交。

在歌德的影響下,寫出一首鋼琴四重奏(op.1),14歲籌組自己的私人樂團,15歲創作了第一交響曲,與歌德的友誼,加深了孟德爾頌對古典文學的感受:16歲時完成的弦樂八重奏(op.20)亦受到歌德《浮士德》啟發。這部作品也被視為孟德爾頌第一首成熟的作品。

 

孟德爾頌:絃樂八重奏 op.20 欣賞
16歲作品 

小提琴:林品任、Boris Borgolotto、陳雨婷、Nancy Zhou
中提琴:鄭恩麒、嚴子晴
大提琴:李孟坡、柯容軒

https://youtu.be/CPAio6KVOqY?t=1


17歲時,孟德爾頌受到莎士比亞戲劇作品感動,以一個月左右的創作時間,寫出了著名作品《仲夏夜之夢》(A Midsummer Night’s Dream)序曲。18歲時為了研究古典文學,進入柏林大學就讀, 接受正規的大學教育,研究文學作品。(柏林大學即為現代之柏林洪堡大學 Humboldt-Universität zu Berlin,成立於 1810 年,曾被譽為被譽為「現代大學之母」)

19歲時指揮演出巴哈(J.S. Bach)的《馬太受難曲》。這是巴哈死後79年第一次被公開演出,由於這次的演出,使得大家開始重新注意巴哈,而巴哈的音樂也逐漸在世界各地的音樂會中被演出。

20歲起孟德爾頌遊歷歐洲,他的遊歷心得不但豐富,更是傳世:1830-1831年間,至義大利旅遊寫下第四號交響曲《義大利》(Symphonie no.4 "Italienische")、至蘇格蘭旅遊寫下第三號交響曲《蘇格蘭》(Symphonie no.3 "Scottish");《芬加爾洞窟》序曲作品靈感也來自孟德爾頌於英國赫布里底群島旅遊實記,完成於1830年作曲家21歲時。

 

孟德爾頌使用過之指揮棒 

孟德爾頌也是首位以現代指揮棒指揮樂團的指揮家,1835年26歲時擔任萊比錫布商大廈管弦樂團指揮。

下方珍貴圖片,是目前珍藏於英國市政廳,1846年孟德爾頌使用過之指揮棒。

1846年孟德爾頌使用過之指揮棒,珍藏於英國市政廳。Conductor’s baton used by Felix Mendelssohn Bartoldy at Birmingham Town Hall, 1846
1846年孟德爾頌使用過之指揮棒,珍藏於英國市政廳。Conductor’s baton used by Felix Mendelssohn at Birmingham Town Hall, 1846

 

由於孟德爾頌的啟發,現代指揮棒發展雖然有材質、握柄與長短等多樣變化,但萬變不離其中:


成就輝煌

為表彰孟德爾頌於音樂界的貢獻,1836年萊比錫大學(Universität Leipzig)授贈孟德爾頌榮譽博士學位。

1842年33歲時,與舒曼等人一起創辦萊比錫音樂院,並擔任首任校長。

1846年的伯明罕音樂節上指揮他的清唱劇《以利亞》,取得輝煌成功。但同年,孟德爾頌的健康狀況已經出現問題,次年,他心愛的姐姐芬妮(Fanny Mendelssohn, 1805-1847)過世更讓他深受打擊,導致健康狀況每況愈下。1847年10月他突然中風,11月4日在萊比錫去世,享年38歲。

 

孟德爾頌的交響曲創作順序

一般來說作曲家之交響曲編號皆以「寫作順序」排列,偶爾會出現後來雜以「出版順序」於其中。例如海頓和貝多芬的交響曲是按寫作次序排列,而孟德爾頌交響曲編號,則是完全依照出版的次序排列。

孟德爾頌共寫五首交響曲:第一號C小調 op. 11完成於 1824年。1840年他為慶祝顧騰堡(Johannes Gutenberg, 1397 – 1468)發明印刷術四百週年,創作了第二號「讚美頌歌」(Lobgesang)降B大調 op.52。而他的第三號交響曲《蘇格蘭》a小調 op. 56 完成於 1842年。第四號交響曲《義大利》 A大調 op. 90創作於 1833年。第五號交響曲《宗教改革》 D大調 Op. 107 是於 1830年為「奧斯堡信仰告白」(Augsburg Confession)300週年而作。

 

依照現行編號,順序為:

第一號(1824)
第二號(1840)《讚美頌歌》
第三號(1842)《蘇格蘭》
第四號(1833)《義大利》
第五號(1830)《宗教改革》 

例如孟德爾爾頌的最後兩首交響曲,則是因爲他生前一直想再修改第四號「義大利交響曲」,第四號其實是等到他去世之後,於 1851年才被出版商編為第四號交響曲出版。第五號則是因為孟德爾頌生前一直不太滿意「宗教改革交響曲」, 所以並未出版,因此等到第四號交響曲出版後 17年後才付梓 ,稱為第五號交響曲。

如按照作曲年份重新編號,會得到不同之全新結果:

第一號(1824)
第五號(1830)《宗教改革》 
第四號(1833)《義大利》
第二號(1840)《讚美頌歌》
第三號(1842)《蘇格蘭》

《蘇格蘭》的創作緣起

孟德爾頌於1829年第一次訪問英國時,因途經蘇格蘭受到啟發,而產生創作這首交響曲的動力。當時孟德爾頌於倫敦演出,取得一系列成功演出後,孟德爾頌與友人卡爾·克林格曼 (Karl Klingemann)計畫了一趟到蘇格蘭的徒步旅行。1829年7月30日,孟德爾頌參觀了位於愛丁堡荷里路德宮的荷里路德教堂遺址(Holyrood Chapel at Holyrood Palace),在一封提到他的家人的的信裡時,孟德爾頌提到了他在蘇格蘭這裡獲得了創作新交響曲的最初靈感:

「在深沉的暮色中,我們今天去了瑪麗皇后瑪麗一世)生活和喜愛的宮殿……下面的小教堂現在沒有屋頂。 野草與常春藤,都在瑪麗一世被加冕為蘇格蘭女王的破碎祭壇上茁壯成長。這裏一切都被毀壞了,腐爛了,晴朗的天空湧入...,我想我已經在此,找到了我的“蘇格蘭”交響曲的開端。」

瑪麗一世在蘇格蘭歷史上是極具影響力的人物。她出生於蘇格蘭,自幼經歷複雜的政治環境。她曾在法國生活多年,與法國王室聯姻,這段經歷深刻影響了她的性格、信仰和政治理念。

回到蘇格蘭後,瑪麗一世在蘇格蘭的宗教、政治格局中扮演重要角色。當時蘇格蘭正處於宗教改革時期,天主教和新教的矛盾尖銳,瑪麗一世作為天主教徒,與蘇格蘭國內的新教勢力產生了諸多衝突。

在政治方面,她的統治面臨著內部權力鬥爭和外部勢力的干涉。她的婚姻選擇也充滿爭議,先後與多位貴族成婚,這些婚姻不僅涉及個人情感,更牽扯到複雜的政治利益。

最終,瑪麗一世的命運充滿坎坷。她在與蘇格蘭新教貴族的鬥爭中失敗,被迫退位,流亡英格蘭。在英格蘭,她又捲入了一系列政治陰謀和權力鬥爭,最終被英格蘭女王伊麗莎白一世下令處決。

 

除了上述描述,孟德爾頌還在他的信裡附上了一張紙片,上面寫著交響曲開始第一主題的前幾個小節。

Mendelssohn-Bartholdy, Felix. (1809–1847) Autograph Musical Quotation - "Scottish Symphony."

 

就在訪問蘇格蘭幾天後,孟德爾頌和他的同伴訪問了蘇格蘭西海岸和史塔法島,這又接著激發了作曲家開始了《芬加爾洞窟》序曲(也稱為《赫布里底群島》序曲)的創作。

在完成《芬加爾洞窟》序曲的第一個版本後,孟德爾頌接著造訪義大利繼續巡演,這期間他持續地繼續創作他最初的第三交響曲草稿。然而,不知原因之下,他在1831年後將《蘇格蘭》的創作暫時擱置一旁。 

目前學者們尚不清楚孟德爾頌後來何時恢復重新開始創作這首交響曲(根據草稿表示,他有可能在1830年代末期,回來重新寫作第一樂章),但可以肯定孟德爾頌在1841年時再次認真地恢復創作《蘇格蘭》,並於1842年1月20日於柏林完成本首交響曲,孟德爾頌時年33歲。

最初的早期版本,在此曲演出後略有修改,現代演出的是後來孟德爾頌做出修訂的完成版。

雖然這是孟德爾頌的第五首,也是真正的最後一首交響曲,但由於出版順序之關係,《蘇格蘭》被稱為第三交響曲。

有趣的是,儘管在1829年時,孟德爾頌在信中對家人稱呼這部作品是“蘇格蘭交響曲”,但到 1842 年該作品出版時,作曲家本人卻從未公開稱呼此曲為《蘇格蘭》。後來是因為孟德爾頌死後,這首交響曲源自蘇格蘭的靈感開始廣被人們所知曉,便有越來越多人注意到這首交響曲的風情與蘇格蘭北方狂野浪漫的風光景緻。

 

樂曲首演與題獻

《蘇格蘭》的首演是1842年3月3日,由孟德爾頌本人指揮萊比錫布商大廈管弦樂團舉行。當年5月孟德爾頌第7次訪問英國時,在白金漢宮受召謁見維多利亞女王,並得到允許把此曲呈獻給女皇,因此1843年出版的樂譜裡附有獻辭。

總譜扉頁,題有獻給維多利亞女王的詞句:

 

《蘇格蘭》樂譜版本欣賞

Felix Mendelssohn Bartholdy: Symphony No. 3 in A minor, Op. 56 "Scottish" (with Score)

Composed: 1829 — 1842

Conductor: Claudio Abbado

Orchestra: London Symphony Orchestra

00:00 1. Andante con moto — Allegro un poco agitato (A minor)

17:12 2. Vivace non troppo (F major)

21:17 3. Adagio (A major)

32:45 4. Allegro vivacissimo (A minor) — 40:14 Allegro maestoso assai (A major)

https://youtu.be/PoHooMaTZcU

 

第一樂章主題

Andante con moto — Allegro un poco agitato (in A minor and in sonata form with introduction)

速度略快的行板(Andante con moto)a小調,3/4拍子-稍微激動的快板(Allegro un poco agitato)a小調,6/8拍子。有序奏的奏鳴曲式。

第一樂章 樂譜版本欣賞

0:00 前奏

4:03 快板 第一主題a

4:50 快板 第一主題b

5:19 過渡段落

6:27 第二主題 

7:11 呈示部反覆段落 

8:25 第一主題發展

9:32 第二主題發展

10:15 發展部(轉調)

12:13 慢板主題再現

12:46 第一主題再現

14:09 第二主題再現

15:29 精彩半音階戲劇發展段落

16:34 行板.再現.首尾呼應

https://youtu.be/PoHooMaTZcU

 

音樂會版本

https://www.youtube.com/watch?v=jZ9E7pFJ-VM

 

第二樂章主題

Vivace non troppo (in F major and in sonata form)

不太過份的甚快板(Vivace non troppo)F大調,2/4拍子。奏鳴曲式。

 

第二樂章 樂譜版本欣賞

17:15 A

18:15 B

18:35 B

18:42 A'

https://youtu.be/PoHooMaTZcU?t=1033

 

傳統蘇格蘭樂隊演奏

https://www.youtube.com/watch?v=nnG1oUkWBa8

 

We've a bonnie wee flower 

Language: English

We've a bonnie wee flower

In a far countrie,

In a bright and sunny bower

In a far countrie.When the sky is ever fair,

And the myrtle scents the air,

Of our lovely blossom's there,

In a far countrie.There's gold to win and spare

In a far countrie,

And gems and jewels rare

In a far countrie.But the brightest, purest gem,

From a fondly cherished stem,

Is the flow'ret we could name

In a far countrie.May the angels watch the flower

In a far countrie,

And tent it ev'ry hour

In a far countrie.And the night-in-gale's soft song

The spicy groves among.

Its slumbers shall prolong

In a far countrie.We may not cross the main

To a far countrie,

Nor traverse hill and plain

To a far countrie.But when the primrose springs,

And the lint white sweetly sings,

O we'll welcome home our flower

From a far countrie.

我們有一朵邦妮小花

英語語言

我們有一朵邦妮小花

在遙遠的國度,

在陽光明媚的涼亭裡

在一個遙遠的國家。當天空永遠晴朗時,

空氣中瀰漫著桃金孃的香氣,

我們可愛的花朵就在那裡,

在一個遙遠的國家。有黃金可以贏得和備用

在遙遠的國度,

還有稀有的寶石和珠寶

在一個遙遠的國家。但最明亮、最純淨的寶石,

來自深情珍惜的莖,

是我們可以命名的flowret嗎

在一個遙遠的國家。願天使守護這朵花

在遙遠的國度,

每小時都搭帳篷

在一個遙遠的國家。還有狂風之夜輕柔的歌聲

其間的辛辣樹林。

它的沉睡將會延長

在一個遙遠的國家。我們不能穿越主線

前往遙遠的國度,

也不穿越丘陵和平原

去一個遙遠的國家。但當報春花綻放時,

白色的絨毛甜美地歌唱,

哦,我們會歡迎我們的花回家

來自遙遠的國家。

https://www.youtube.com/watch?v=BPsnhzpJUaQ&list=PLGg0EfwoQYipG976sAZJcefjtX0jG4zhZ&index=5

 

音樂會版本

https://www.youtube.com/watch?v=Jm8571YGPrM

 

第三樂章主題

Adagio (in A major and in abridged sonata form)

慢板 (Adagio)A大調,2/4拍子。簡化的奏鳴曲式。

第三樂章 樂譜版本欣賞

21:19 主題代表瑪麗皇后的形象

23:43 嚴肅主題,描繪著皇后的行刑隊伍

25:50 主題回歸

https://youtu.be/PoHooMaTZcU?t=1278

 

音樂會版本

https://www.youtube.com/watch?v=e-XonVvPStY

 

第四樂章主題

Allegro vivacissimo — Allegro maestoso assai (in A minor → A major and in sonata form)

極快的快板-很莊嚴的快板(Allegro  Vivacissimo-Allegro maestoso  assai)a小調-A大調,2/2拍子-6/8拍子。奏鳴曲式。

第四樂章 樂譜版本欣賞

32:47 主題

33:56 兩個對比的第二主題

39:50 沉寂的尾聲.轉為明亮莊嚴的大調.屬於孟德爾頌神來之筆

https://youtu.be/PoHooMaTZcU?t=1966

 

最終樂段 - A大調光輝燦爛

Allegro maestoso assai (A major)

https://youtu.be/PoHooMaTZcU?t=2414

 

音樂會版本

https://www.youtube.com/watch?v=x8BImhH1y9E

 

推薦閱讀

孟德爾頌:交響曲第3號a小調「蘇格蘭」

 

聊話題

孟德爾頌 結婚了嗎?❤️

有的~孟德爾頌晚婚於27歲。據說當時他認識了小他 8歲的 19歲少女 Cécile Charlotte Sophie Jeanrenaud(1817 – 1853)之後,驚為天人且非常愛慕。謹慎言行的孟德爾頌為了確認這是真愛,還特別離開她一個月,要測試自己的感情...。一個月之後,孟德爾頌再也無法忍耐心中的洶湧澎湃,向 Cécile 求婚,兩人婚姻幸福美滿,共育有五名兒女( Carl, Marie, Paul, Lili and Felix August)。

孟德爾頌之妻 Cécile / Mendelssohn's wife Cécile (1846)
孟德爾頌之妻 Cécile / Mendelssohn's wife Cécile (1846)

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【BON音樂】淺談丹麥作曲家尼爾森與他的音樂作品 | Carl Nielsen and his music

【BON音樂】淺談丹麥作曲家尼爾森與他的音樂作品
Introduce Carl Nielsen and his music

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蹦藝術 | BONART


丹麥作曲家尼爾森

丹麥作曲家卡爾‧尼爾森(Carl August Nielsen, 1865-1931)音樂創作種類完整,風格豐富多變,曲種更從歌劇、戲劇作品、協奏曲、管弦樂作品、室內樂、鋼琴音樂、管風琴音樂、 藝術歌曲、民謠創作、合唱作品等等,幾乎無所不包。

在近代音樂史上,尼爾森與挪威 葛利格(Edvard Grieg, 1843-1907)、芬蘭 西貝流士(Jean Sibelius, 1865-1957)可說是北歐古典音樂最具代表性之三位作曲家;巧合的是,尼爾森與西貝流士同年出生(1865年),而葛利格大他們22歲,所以就年代上,可說幾乎是相互重疊,互相影響。

丹麥作曲家尼爾森 1908年照片(Carl August Nielsen, 1865-1931)

 

尼爾森多才多藝,除了是作曲家,也是樂團指揮、小提琴演奏家與音樂教育家,在丹麥是具有指標性的樂界重要人物,丹麥於尼爾森出生地奧登斯(Odence)更是自1980年起更是以他為名,舉辦多屆丹麥最重要的國際音樂大賽:「卡爾.尼爾森國際音樂大賽」(Carl Nielsen International Music Competition)。 

於丹麥舉辦之卡爾.尼爾森國際音樂大賽官網頁面(可點擊進入官網

 

在以他為名的國際音樂大賽三大項目中,三大項目「小提琴」、「長笛」與「單簧管」,恰巧就是他所創作過的最知名三首協奏曲(依創作年份排序):

  • 小提琴協奏曲 op.33 (1911)
  • 長笛協奏曲 (1926)
  • 單簧管協奏曲 op.57 (1928)

 

大賽主辦單位於國際間選出三位最具代表性音樂家擔任榮譽顧問,分別如下:

 

三位音樂家的經歷輝煌,在此不再贅述,大家可以點擊↑他們個別名字之超連結進入觀看。


音樂欣賞 

小提琴協奏曲(Nikolaj Znaider

https://www.youtube.com/watch?v=WB-6Nqzi2hA

 

長笛協奏曲(Emmanuel Pahud

https://www.youtube.com/watch?v=4PD0xV8_dI4&t=316s

 

單簧管協奏曲(Martin Fröst

https://youtu.be/wwhnImlZSNs?t=1201


2019年 卡爾尼爾森室內樂大賽 
Carl Nielsen International Chamber Music Competition 2019 
Ensemble Ouranos | 演奏曲目
À. Dvorak : String quartet n°12, « American » 
11:20 Jean Francaix: Wind quintet no. 1 
22:30 Carl Nielsen: Wind quintet

https://www.youtube.com/watch?v=wSHvvbeSjfM


尼爾森 生平簡介

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

卡爾・尼爾森(Carl August Nielsen,1865 年 6 月 9 日-1931 年 10 月 3 日),被譽為丹麥音樂史上最偉大的音樂家,也是北歐現代音樂的重要先驅。除了是作曲家之外,尼爾森也是小提琴家及指揮家,作品風格融合民族特色與創新技法,對後世作曲家影響深遠。

卡爾·尼爾森於1865年生於丹麥富恩島(Fünen)的小村,歐登斯(Odense)。家裡位於歐登斯南部小村庄 Sortelung的一個油漆工人之家,他的父親尼爾斯.約恩斯(Niels Jørgensen, 1835- 1915),在工餘也兼差在婚禮或其他節慶等場合拉奏小提琴,家中十二個孩子,尼爾森排行第七。

 

如童話般美麗的歐登斯(Odense)空拍風景

Odense city at dawn. Odense City has a small river like stream called "Odense Aa". Here you can rent a small boat or take a trip with the tour baot. The park "Munke Mose" is used for public arrangements like "last day in school". Building with pyramids is a public art exhibition building for rent

 

依據斯堪那第亞半島的民俗,孩子會以父親之名為性,因此尼爾森的姓氏便來自父親之名「Niels」,成為了「Nielsen」。

為8歲的時候他就與父親以及當地的教師學習小提琴,很快他開始學習管樂器,吹奏號角(Signal Horn)與長號,在軍樂隊中工作長達14年。這段日子也在他的自傳《富恩島上的童年》(1927年)裡有所描述。

1883年他到哥本哈根皇家音樂學院學習。他的主修樂器是小提琴,並曾得到過作曲家如尼爾斯·加德的鼓勵。1888年他的初創作《弦樂小組曲》 op.1獲得成功。1889年他成為哥本哈根皇家劇院小提琴手。後來獲得了一份獎學金,1890年赴德國深造。

1891年尼爾森在巴黎認識了雕刻家安.瑪莉.波德森(Anne Marie Brodersen, 1863-1945),同年兩人於義大利福羅倫斯結婚。兩人白頭到老。1892年尼爾森完成第一號交響曲,1898年為妻子創作《愛之頌》(Hymnus Amoris)。1902年尼爾森親自指揮歌劇《掃羅與大衛》(Saul og David)首演,同年完成了第二交響曲《四種氣質》(De fire temperamenter)。

 

音樂風格與重要成就

  • 早期風格:受浪漫主義影響,作品如《第一交響曲》(1890-1892)帶有布拉姆斯的風格。
  • 成熟風格:融合半音化和聲、對位法、動機發展及多調性,形成獨特的「漸進調性」(Progressive Tonality),常以不同調性起始與結束樂章。
  • 代表作品
    • 六部交響曲:每首均具突破性與進階感。《第二交響曲「四種氣質」》(1902)以希臘哲學概念為基礎;《第四交響曲「不朽」》(1916)寫於一戰,頌揚生命頑強;《第五交響曲》(1922)首創小鼓即興段落,預示機遇音樂;《第六交響曲「純樸」》(1925)回歸古典與現代的平衡。
    • 協奏曲:《小提琴協奏曲》(1911)、《長笛協奏曲》(1926)與《單簧管協奏曲》(1928)均為經典,尤其長笛協奏曲廣受演出。
    • 歌劇:《掃羅與大衛》(1902)與《假面舞會》(1906)風行丹麥,結合戲劇性與民族元素。
    • 室內樂與歌曲:《管樂五重奏》(1922)、《徒勞小夜曲》(1914)及大量丹麥民歌改編歌曲,深具地方色彩。

 

音樂欣賞

尼爾森:第一號交響曲

尼爾森在擔任皇家劇院小提琴手期間,深受華格納與布拉姆斯的影響,但他創作自己的交響曲時,則試圖突破德國浪漫主義的框架,融入北歐的自然氣息與民族情感。此作題獻給其恩師尼爾斯・加德,以 G 小調貫穿全曲,展現磅礡的戲劇性與內斂的抒情性。

曾有樂評形容其音樂「從第一個音符到最後一個音符都緊扣聽者心弦」,但亦曾有評論此作品「節奏緊湊、情緒壓抑,令人喘不過氣」。

 

樂章結構與音樂分析

全曲共四個樂章,打破傳統快慢交替的模式,以三個快板與一個行板構成,可以看出尼爾森欲打破傳統交響曲樂章結構之想法:

  1. 第一樂章:高傲的快板(Allegro orgoglioso)
    以 G 小調奏鳴曲式展開,弦樂與木管交織出莊嚴而憤怒的動機,猶如北歐峽灣的洶湧波濤。主題發展充滿衝突性,顯示布拉姆斯的影響,而突如其來的調性轉換(如 C 大調插入句段落)已隱現尼爾森日後「漸進調性」的雛形。

  2. 第二樂章:行板(Andante)
    轉為 E 大調,旋律優美而憂鬱,猶如田園詩般寧靜。單簧管與小提琴的對話充滿敘事性,中段的半音化處理暗示內心的掙扎,預示作曲家日後對情感深度的探索。

  3. 第三樂章:從容的快板(Allegro comodo)
    樂曲轉以 G 大調詼諧曲形式呈現,音樂與節奏皆變得活潑跳躍,木管與弦樂的俏皮對答蘊含北歐民間舞曲的歡樂氣息。尼爾森在此首次運用多聲部對位,展現豐富的層次變化。

  4. 第四樂章:熱烈的快板(Allegro con fuoco)
    回歸 G 小調,以旋渦般的動機與強烈的力度對比達到高潮。樂章以 C 大調勝利性的尾聲收束,象徵掙脫束縛的解放感,這種開頭與結尾調性的轉換,成為尼爾森創作的標誌性手法。

https://www.youtube.com/watch?v=1-dQVzqRzOQ

 

音樂欣賞

尼爾森:第二號交響曲《四種氣質》(four temperaments

尼爾森在此作品中融合浪漫主義的抒情性與嶄新的調性實驗。他運用「漸進調性」手法,讓樂章起始與結束於不同調性,打破傳統對稱結構。例如,第一樂章以 E 小調開始,卻以 C 大調結尾,這暗示每種氣質間的轉化與生命的多樣性。

全曲共四個樂章,每個樂章以不同速度與情感特質對應一種氣質:

  1. 第一樂章:激怒的快板(Allegro collerico)
    以奏鳴曲式展現「暴怒」的激烈性格。弦樂與木管交織出衝突性動機,猶如憤怒的吶喊與狂亂的掙扎,音樂充滿強烈的戲劇張力,象徵情緒的爆發與不羈的生命力。

  2. 第二樂章:舒適而恬靜的快板(Allegro comodo e flemmatico)
    此樂章結構較自由,以平穩的節奏與優美旋律呈現「冷漠」的理性與從容。木管與弦樂的對話流暢寧靜,猶如平靜湖面倒映著沉思的靈魂,展現內斂克制的氣質。

  3. 第三樂章:憂鬱的行板(Andante malincolico)
    三部曲式刻畫「憂鬱」的深沉情緒。單簧管與大提琴的獨白帶著傷感基調,樂句如歎息般縈繞,營造出淒美而內省的氛圍,猶如面對生命無常的靜默沈思。

  4. 第四樂章:樂觀的快板(Allegro sanguineo)
    以回旋曲式詮釋「樂天」的熱情與活力。明亮的木管旋律與節奏強勁的弦樂相互呼應,音樂充滿朝氣與希望,猶如陽光穿透陰霾,展現對生命的樂觀信念。

https://www.youtube.com/watch?v=OpOpUGFXYoM

1903年他同妻子同去希臘旅遊,旅途中創作了序曲 《赫利俄斯》(Helios)。1905年他辭去了皇家劇院小提琴手一職,1906-14年間一直在皇家劇院轉為擔任指揮一職。1906年輕歌劇《化裝舞會》(Maskarade)首演,此劇根據丹麥文學之父路德維希·霍爾堡(Ludwig Holberg, 1684-1754)的喜劇寫成。1912年才首演的第三交響曲《開闊》(Sinfonia Espansiva)和他同年創作的《小提琴協奏曲》op.33與《第二號小提琴奏鳴曲》也使他名揚海外,成為了丹麥具代表性的作曲家。

 

音樂欣賞

尼爾森:第三號交響曲《開闊》

https://www.youtube.com/watch?v=nBPoPdSmG7Y

 

1915年起尼爾森在哥本哈根音樂院任教,此外,1915至1927年間,尼爾森也擔任音樂協會指揮,除了丹麥音樂外,對於北歐其餘各國的作曲家,尼爾森的音樂也產生了極大的影響。一戰期間,他寫了第四交響曲《不朽》(The Inextinguishable, 或翻譯為《不可毀滅》),象徵世界大戰這段艱困時期對於尼爾森人生觀產生的重大影響~同時他個人和事業方面都遇上危機(因大戰關係而失去穩定工作)。後來他寫了第五交響曲和清唱劇《富恩島之春》(Fynsk foraar),也是丹麥人非常喜愛的一部作品~

 

音樂欣賞

尼爾森:第四號交響曲《不朽》

https://www.youtube.com/watch?v=Yq8-hTa8VAE

 

第四號交響曲《不朽》

精彩的定音鼓段落:

https://www.youtube.com/watch?v=nZ5FmMp9aZk

 

音樂欣賞

尼爾森:第五號交響曲

https://www.youtube.com/watch?v=vWzTTAEXtd8

 

1922年第五交響曲和清唱劇 《富恩島之春》兩部作品首演,同年他與作曲家們 Thorvald Aagaard,Thomas Laub 和 Oluf Ring 出版歌曲集。同樣1922年他為五位音樂家朋友寫了木管五重奏,原本他打算為五重奏的每一位成員都創作一首協奏曲,但他後來只完成了長笛協奏曲(1926)與單簧管協奏曲(1928)。

1925年是尼爾森60大壽,這年丹麥舉國慶祝。晚年的尼爾森的音樂作品於國外演出更加頻繁,他的晚期作品,如兩首管樂協奏曲、第六交響曲《純樸》(Sinfonia semplice, 1925)和《三首鋼琴作品 op.59》(1928),音樂語言更現代化,也更加交響化,成為丹麥音樂於國際舞台之首要創作者。1931年起,尼爾森獲聘擔任哥本哈根皇家音樂院院長,成為丹麥舉足輕重的音樂代表人物,但同年10月3日,就在他欣賞廣播播出自己音樂時,因長期心絞痛而心臟病突發導致身亡,享年66歲。

這突然的噩耗震驚丹麥,國家於哥本哈根皇家大教堂為他舉辦隆重的葬禮,也在國幣100元克朗上印製他的肖像,已示永遠的追思與懷念。作曲家留世的最後一部大型作品為管風琴大型作品《Commotio》(1931),也是唯一一部大型管風琴作品。

 

音樂欣賞

尼爾森:第六號交響曲《純樸》

https://www.youtube.com/watch?v=a6HArbl2AWA

 


100克朗人物

 

丹麥紙幣(1克朗約合 新臺幣4.63元

丹麥於1997年將國家紙幣全新改款,面值50克朗 到1000克朗。後於 2002-2005年,再添加了額外的紙幣防偽安全技術。

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

 

2009 系列 [18]頁面存檔備份,存於網際網路檔案館
圖片 面值 尺寸 主色 描述 日期
正面 反面 正面 反面 水印 首印 發行
50 克朗 125 × 72 毫米 紫羅蘭色 薩靈海峽橋 The Skarpsalling Vesse 該紙鈔面值和在羅斯基勒峽灣Skuldelev維京船 2009 2009年8月11日
100 克朗 135 × 72 毫米 橙黃色 小貝爾特橋 The Hindsgavl Dagger 2010 2010年5月4日
200 克朗 145 × 72 毫米 綠色 克尼普橋 Langstrup Belt Plate 2010 2010年10月19日
500 克朗 155 × 72 毫米 藍色 亞歷山德拉王后橋 The bronze pail 2011 2011年2月15日
1000 克朗 165 × 72 毫米 紅色 大貝爾特橋 雷鳴太陽戰車 2011 2011年5月24日

 


自2016年起,丹麥宣布進入無紙鈔社會。

【相關新聞】

→丹麥宣布2016年起不再使用鈔票、零錢,全民用嶄新的方式購物!

 

講到錢錢,大家應該都很感興趣XD~那世界上最美的紙鈔,又在哪裡呢?

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→世界最美的挪威漸層紙鈔

 

 

挪威是個海洋國家,下面這款1000元面額的新設計是以紫色為基底,貨幣正面是挪威著名的海洋風光

1000元面額設計以紫色為基底,是挪威著名的海洋風光(圖/ Norges bank)

 

500元的新設計則以土黃色為主,貨幣正面是挪威著名的帆船:

500元的則以土黃色為主,是挪威著名的帆船(圖/ Norges bank)

 

 

影片欣賞:

尼爾森《阿拉丁組曲》op.34

1. Oriental Festival March (No.11) 
2. Aladdin's Dream/Dance of the Morning Mist (No.22) (2:44) 
3. Hindu Dance (No.16) (5:38) 
4. Chinese Dance (No.14) (8:46) 
5. The Marketplace in Ispahan (No.7) (12:01) 
6. Dance of the Prisoners (No.15) (16:53) 
7. Negro Dance (No.17) (22:03) 
The Philharmonia Orchestra 
Conducted by Paavo Järvi

https://www.youtube.com/watch?v=ylYzX3Mnbzg

 

尼爾森交響曲中的 "壞壞" 片段:

https://www.youtube.com/watch?v=bTDQUifgFRo


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【BON音樂】轉載:歌劇大師威爾第生平介紹 Giuseppe Verdi

【BON音樂】轉載:歌劇大師威爾第生平介紹 Giuseppe Verdi
Giuseppe Verdi

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


在義大利的美聲時期開始發展後,威爾第帶動了一種更直接,更震撼的新愛國風格,以更具義大利民族主義的宏觀,影響了當代的歌劇觀眾,讓威爾第成為義大利統一運動的代表人物之一,也讓威爾第成為義大利人眼中的英雄人物,並此展示義大利歌劇的複雜與精密。

 

不朽的威爾第

作者.劉詩嶸(林仁斌潤飾)

(原文出處:《威爾第:納布科》歌劇經典23 - 台北市:世界文物出版社,2000年)

威爾第可以說是世界上知名的歌劇作曲家。

他不僅是一位不斷探索前進的藝術家,而且還是一位愛國志士;他的不少作品都是鼓吹義大利國家統一,民族獨立的進軍號角。威爾第還是一位民主主義者和人道主義者,在許多作品中,都充滿了對社會底層的被侮辱被欺壓者的同情,具有強烈的反封建反暴政思想。

威爾第從他的第一部歌劇《博尼法喬伯爵 - 奥貝爾托》(Oberto,contedi San Bonifacio)開始質露才華,以《納布果》、《埃爾納尼》(Erani)奠定他在歌劇界的地位,然後以《馬克白》(Macbeth)開了以歌劇嚴肅地改編莎士比亞傑作之先河,又通過《弄臣》(Rigoletto)、《遊唱詩人》(Il trovator)和《茶花女》(Latraviata)達到自己創作事業的第一個高峰;然而,他並不就此安享榮譽,而是繼續進行更高一步的探索,寫出了在宏偉歷史背景下的《西西里的鐘聲》和《西蒙・波卡涅拉》(SimonBoccanega)、《假面舞會》(Unballo in maschera)、《命運之力》(La forza del destino)、《唐卡洛》(Don Carlo)等鉅作。

然後,威爾第又在前面幾部鉅作所積累的經驗基礎上,於花甲之年寫出了自己的也是歐洲歌劇的又一部巔峰之作《阿依達》(Aida),並且奇蹟般地在古稀之年和耄耋之年又創作了撼人心弦的莎翁四大悲劇《奥泰羅》(Otello)和悅人心目的喜劇《法斯塔夫》(Falstaff)

威爾第在他漫長的五十餘年創作生涯裡,僅僅寫出了廿六部歌劇、一部偉大的《安魂曲》Requiem)和若干小型聲、器樂作品,算不得是多產的作家;然而他嚴於律己,尤其創作中期以後,對每一部作品都要再三推敲多次修改,甚至為等待理想的腳本竟至終身的壯志未酬~例如他心儀已久的莎翁傑作《李爾王》(King Lear)。因此他的作品大多能經得起歷史的考驗,創作中至少有一半是今日仍在世界各歌劇院經常上演、深受歡迎的劇目。

威爾第出生於布塞托市郊區的一個清寒家庭,祖輩沒有絲毫音樂傳統,父親在村中經營著一間兼賣雜貨的小旅店。他給自幼熱愛音樂的威爾第買了一架二手的、像玩具一樣的古鋼琴,從此威爾第就用它學習彈奏鍵盤樂器,並用它試奏了最初的習作。

當威爾第到布塞托上中學時,他顯示出來的音樂才能頗獲當地愛樂協會的負責人巴雷齊(Barezzi)的賞識。

巴雷齊是一位熱愛音樂的商人,會演奏好幾種樂器,威爾第的父親因批發貨物早就和他相識;如今,巴雷齊發現了威爾第出眾的音樂才能,便對之照顧有加,讓威爾第於求學時期住在自己家裡,在愛樂協會的活動中演奏了威爾第的幾首管弦樂習作,還讓威爾第教自己的長女瑪格麗特(Margherita)唱歌,並資助他到米蘭去深造。

後來,當威爾第從米蘭學成歸來,擔任布塞托市的教堂樂長,順其自然地便和瑪格麗特結了婚。

雖然瑪格麗特不幸早逝,但是巴雷齊與威爾第一直保持著密切的關係情同父子,威爾第的《馬克白》便是題獻給這位綽號「快樂的瘋子」的岳父大人的。

威爾第本來打算去米蘭投考那裡著名的音樂學院,但是當時他已經十八歲入學年齡,而且基礎知識也被考官認為「不合規範」而未被錄取。

幸好該院的註冊副主任、對位法教師皮央坦尼(Piantanida)慧眼識人,他看了威爾第的試卷以後,認為學院的嚴格教學反而會限制想像力。另一位考官米蘭歌劇院的指揮和作曲教授羅拉(Rolla)也同意了此觀點,於是他們建議威爾第就留在米蘭找私人教師學習。

他們不僅幫他介紹教師,還建議岳父巴雷齊給他買米蘭歌劇院的觀摩季票,使他從求學一開始就生活、學習在濃郁的歌劇氛圍裡。別看威爾第的學習過程似乎是「福星高照」,然而當他開始步入歌劇創作的戰場時卻不是那麽順利,甚至還遭遇到意外的坎坷。

威爾第的第一部歌劇《博尼法喬伯罸奧貝爾托》於1839年10月在米蘭史卡拉歌劇院上演,獲得了一定的成功並且受到當時擔任劇院主要女高音演員的斯特雷波尼(Strepponi)的青睞;但是緊接著威爾第的愛妻和幼小的兒女相繼病逝,這使他的心情沮喪到了極點。

由於合約尚未約束,傷心的他還得勉為其難繼續為劇院創作一部名叫《一日之王》(Un giorno di regno)的喜歌劇。

心神俱疲之下的創作,想當然這齣喜劇理所當然地遭到了慘敗,威爾第更是灰心已極,幾乎要放棄歌劇事業了。

但那個逼著他寫喜劇的史卡拉歌劇院經理(Merelli)此時將一卷厚厚的歌劇劇本硬塞給了威爾第,使他逐漸地被腳本中激動人心的情節和詞句所吸引,終於寫出了他的成名之作《納布果》!

《納布果》劇中藉古喩今的愛國思想激動著每一個觀眾,當他們步出歌劇院時,大都已學會了歌劇裡這段被異國侵略者俘虜的希伯來人的思鄉合唱:〈思想啊,乘著金色翅膀飛翔〉(飛吧!思想,乘著金色的翅膀)。這首合唱曲至今仍是義大利最知名流行的愛國歌曲之一。

 

《納布果》歌劇中的大合唱〈思想啊,乘著金色翅膀飛翔〉,也稱為「奴隸大合唱」:

https://youtu.be/UqaPGi6XOnc

 

在《納布果》中扮演女主角的,便是後來成為威爾第第二位夫人的斯特雷波尼。

當年威爾第所生活的義大利,尚是大部分受奧地利統治的四分五裂的聯邦,十九世紀之初拿破崙一度入侵義大利趕走了奧軍,法國人帶來的自由、平等、博愛思想和他們掠奪義大利的財富,尤其是搜刮破壞古代文物的行徑,都對義大利人民留下了深刻的影響。

拿破崙失敗後,義大利人民在愛國志士加里波的(Garibaldi)和馬濟尼(Mazzini)等人的領導下團結奮起,和捲土重來的奥地利占領當局進行了不懈的鬥爭,終於在十九世紀70年代才贏得了完全的獨立和統一。

富於愛國、民主思想的威爾第從十九世紀40年代起寫出了如《納布果》、《十字軍中的倫巴第人》(Lombardi allaprimacrociate和《聖女貞德》(Giovanna d'Arco)等頌揚抵抗外敵入侵的精神的作品,可說是自然而然的真情流露。

威爾第在他的一生中,始終不渝地從精神和物質上支持著義大利的獨立、統一事業,在他接近晚年的時候,還為了痛悼偉大的愛國作家和政治家曼佐尼的逝世而創作了感人肺腑的《安魂曲》。

 

延伸閱讀:

https://bonart.com.tw/young-pavarotti-sings-verdi-ingemisco-with-karajan/

 

將社會上的「卑賤」人物作為正歌劇(尤其是悲劇)的主角,又是威爾第創作上的又一偉大成就,也是他民主思想的體現:

十八世紀以來,雖然平民已經經常成為喜歌劇之主角,例如如塞碧娜《女僕作夫人》(La servapadrona)、《費加洛的婚禮》等等,但是正歌劇和悲劇的主角仍然侷限在只能是神仙、帝王或貴族,似乎只有這些高貴的人們的不幸才值得同情。

但是威爾第在他接下來創作中期的三部傑作裡打破了這個慣例:

《弄臣》中的主角里戈萊托(Rigoletto)是個可憐的殘疾人,根據中世紀歐洲某些國家的法律,殘疾人除非投靠某一位貴族才能居住在城市裡,否則一律趕到鄉村去任其自生自滅。這對於缺乏勞動能力的他們無疑是死路一條,因此里戈萊托才如此卑躬屈辱地為公爵作弄臣,為了餬口甚至不惜出賣良心,既可恨亦復可憐。

威爾第也藉著對里戈萊托父女悲慘遭遇的描寫,痛責了封建制度的暴虐和封建主的荒淫無道。

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/verdi-the-opera-rigoletto/

 

又例如《遊唱詩人》中的阿祖切娜和曼里科,都是被社會排斥和賤視的吉普賽人。曼里科雖擁有貴族血統(他本人不知),但是自幼就被阿祖切娜抱養視若親生,因此當曼里科衝破社會階級限制和萊奧諾拉相愛時,便自然地受到了他的政敵和情敵盧納伯爵的殘酷迫害。

直到最後一幕在火刑台上的阿祖切娜向著伯爵大喊:「蠢貨!你殺死的是你的親生弟弟⋯」才以劇力萬鈞姿態結束了這齣悲劇。

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/introduce-verdis-opera-il-trovatore/

 

《茶花女》中的薇奥萊塔儘管生活在珠圍翠繞的環境裡,但她也原是出身貧苦,棲身於「半上流社會」作貴族紳商的玩物,欲求作良家婦女而不能。

當時的社會偏見扼殺了她與阿爾弗雷多的愛情,最後孤獨淒涼地離開了人世。

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/verdi-introduce-of-opera-la-traviata/

 

再加上稍前在《露易莎・米勒》(Luisa Miller)中表現出來的對老兵父女不幸遭遇的深刻同情,以及透過《強盜》(Il masnadieri)、《海盜》(Il corsaro)兩部歌劇對封建社會「逼良為盜」的本質的揭露,十分鮮明地表示出威爾第對劇中人物的愛憎。

從《弄臣》等中期三部傑作到晚期的《阿依達》間,威爾第還寫了五部歌劇,它們大多是結構宏偉的歷史劇,作家的争取民主、反抗封建壓迫害的思想仍然貫穿於每一部作品中,例如《西西里的鐘聲》就是描寫十三世紀時西西里島上的人民反抗法國占領軍的起義,這次起義雖然由於統治者的強大、陰險和起義者内部的不堅定而失敗了,但是威爾第的心卻始終向著起義的人民。

《西蒙·波卡涅拉》則是描寫西卡涅拉雖然是海盜出身,但是他當選為熱那亞自治共和國的執政以後,努力團結國内各政治派別,一心想讓國家繁榮安定。儘管他壯志未酬便遭野心家殺害,但是威爾第意圖透過歷史悲劇來表達自己對祖國統一的渴望心情,已經躍然於樂譜與歌劇上了。

至於從席勒的同名話劇改編的《唐卡洛》,則是一部既是史有所據,又充分發揚藝術家的理想與想像的感人悲劇,而且餘味無窮。

唐卡洛是十六世紀時西班牙國王腓力二世的王儲,由於自己的未婚妻(法國公主伊莉莎白)被父王據為皇后,加上同情在西班牙的暴政殘酷統治下的法蘭德斯人民,以及他和父王在政見上的矛盾,父子之間展開了一場情感上和政治衝突,使這齣悲劇的思想境界,從家庭的感情糾葛,提高到了治國該用仁政還是暴政的大命題方面去,而且作者的感情是強烈地傾向於反對暴政,同情受壓迫的法蘭德斯人民以及主張仁政的羅德里戈與唐卡洛一方的。

《唐卡洛》上演於1867年,這時的歐洲歌劇已經進入了她的黃金時期,各國均有藝術上已經爐火純靑而又風格各異的歌劇傑作誕生:

例如德國華格納的《紐倫堡名歌手》(Die Meistersinger von Nürnberg, 1868)和《萊茵的黄金》(Das Rheingold, 1876);法國有古諾(Gounod)的《羅密歐與茱麗葉》(Romeo et Juliette, 1867)和比才的《卡門》(Carmen, 1875);俄羅斯則有穆索斯基(Musorgsky)的《鮑里斯・戈杜諾夫》(Boris Godunov, 1874)和柴可夫斯基的《尤金・奥涅金》(Eugene Onegin, 1879)等傑作。

威爾第的《阿依達》就是在這個歌劇名家輩出,新作繁花似錦的年代產生的。

此時,年近花甲的威爾第已經積累了二十三部歌劇的創作經驗,名聲已經遠播全歐洲,不僅西歐的法、英邀請他去創作,就連遙遠的俄羅斯也請他到彼得堡去為皇家歌劇院創作了《命運之力》(1862);法國埃及學家馬里埃(Mariet)寫了《阿依達》的故事梗概,交給《唐卡洛》的腳本作者之一、巴黎喜歌劇劇院院長迪・洛己萊(DuLocle),說這故事可以請威爾第譜成歌劇。

威爾第很快地就答應了。

在寫作的過程中,威爾第向馬里埃詳細詢問了埃及俗習慣和自然景物,以便自己的歌劇能生動、準確地體現地域和民族的風貌來。尤其可貴的是,他並不是在這裡僅僅擷取一素材來作為自己作品的裝飾,而是從内心深處創作出無與倫比的古埃及的歷史環境和情調來。

對此,他有一句名言:「模仿現實也許不錯,但是去創造現實却更好,而且要好得多!

《阿依達》的創作進展十分順利,但是由於普法戰争的阻隔,在法國訂製的該劇的服裝、布景無法及時運到,首演延至1871年的聖誕夜方得以在開羅舉行。

次年2月18日該劇又在米蘭史卡拉歌劇院舉行了她的義大利首演,均獲得了轟動性的成功,至今仍然是世界上最受歡迎的歌劇傑作之一。

誠然,在《阿依達》中的古代祭典儀式、軍隊出征和凱旋等等場面是既賞心悅目又激動人心的,但是這齣歌劇的成功絕非僅僅靠著這些宏偉熱鬧的大場面,而是靠著對劇中人物心理生動深刻的刻畫,靠著對人物形象活龍活現的塑造而取得的。

威爾第在這裡也並未去歌頌古埃及統治者的豐功偉績,相反地通過了阿依達與將軍拉達梅斯二人之間的愛情悲劇,譴責了古代國家以強凌弱的行為和不義的侵略戰争。

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/verdi-the-opera-aida/

 

具有諷刺意味的是:在十九世紀英、法、義諸國争奪非洲殖民地的過程中,英國還曾於1875年唆使埃及入侵衣索比亞,結果以埃及慘敗而告終,但歌劇中的歷史居然被現實給顛倒了過來!

十九世紀末,義大利多次侵略衣索比亞屢遭失敗,敗北後竟至在衣索比亞首都「雅迪斯阿貝巴」簽定和約並向衣索比亞賠款一千萬里拉、以及承認該國的完全獨立。

歷史充分肯定了威爾第遠見卓識和強烈的正義感,這也就是為什麽《阿依達》在眾多大場面的「豪華」歌劇中卓然不群的根本原因。

1873年5月22日,義大利偉大的愛國作家、政治家曼佐尼逝世了,威爾第認為除音樂外任何悼詞都不足以表達自己的哀思,便創作了《安魂曲》敬獻給曼佐尼,以及所有為義大利的獨立解放而獻出生命和靑春的人們。

雖然它使用的是傳統的宗教音樂體裁,以拉丁文演唱,但是作品中卻充滿了戲劇性和昂揚的戰鬥精神,在劇院裡演出要比在教堂裡好得多。

自從《安魂曲》於1874年問世以後,威爾第多次以作曲家同時又是國家代表的身分到歐洲各國去指揮本作品演出,到處均受到隆重的歡迎。

此時的威爾第已經年逾花甲,以《阿依達》為代表為數甚豐之歌劇創作,不但演遍了歐洲,甚至遍及南北美洲,他靠著豐厚的上演歌劇版稅完全可以和羅西尼一樣度過一個安富尊榮的晚年,而且由於自從《阿依達》和《安魂曲》後,他又有多年不寫大型的作品,人們逐漸以為他真的要步羅西尼的後塵了。

但其實,創作的欲望一直在他的内心湧動著,只是由於他對於劇方的要求越來越嚴格,一時難以找到和他的豐富經驗以及高超作曲能力相配的腳本作家,以致一擱筆就是十來年,直到重新遇見作曲和編劇雙絕的鮑益多(Boito)來到了威爾第的面前,情況終於改觀。

這時,與威爾第合作多年的皮亞威(Piave)已經辭世,為《阿依達》寫腳本的吉斯蘭佐尼(Ghislanzoni)本來也是威爾第樂於與之合作的作家之一,但是這位才子的興趣廣泛,涉獵的文藝領域頗多,不可能像過去的皮亞威那樣忠心耿耿地專門投入歌劇腳本創作,而鮑益這位比威爾第年輕29歲的藝術家,便成了最恰當的人選。

鮑益多本身就能創作歌劇,既有很高的音樂、戲劇才能,又對歐洲各國的文學都有很精深的修養,曾將雨果的話劇《安傑羅》(Angelo, Tyran de Padoue)改編爲歌劇腳本,由龐基耶利(Ponchielli)作曲獲得了很大的成功,這就是以情節緊張、音樂激動人心著稱的《歌女喬宮達》(La Gioconda);他自己編劇並作曲的《梅菲斯托費勒斯》(Mefistofele)是歐洲的「浮士德題材歌劇」中足以能和古諾的《浮士德》(Faust)分庭抗禮的少數作品之一。

經音樂出版商家里科迪(Ricordi)之介紹,將對《阿依達》佩服得五體投地的鮑益多介紹給威爾第,而博伊托也心甘情願地對威爾第執弟子之禮,先為之加工《西蒙·波卡涅拉》的腳本作為試筆,使該劇於1881年重演時面貌一新,然後便相繼為之改編了《奥泰羅》與《法斯塔夫》,使世界歌劇寶庫得以擁有三位藝術家的天才結的鴻篇鉅作。(莎士比亞+威爾第+鮑益多)

 

鮑益多(左)與威爾第(右)

 

早在1816年,義大利就有由羅西尼作曲的《奧泰羅》上演,其中也有特別感人的場面:

例如最後奧泰羅殺死德絲蒂莫娜的那場戲,但是由於整個腳本距莎翁的原著太遠而不夠成功。

但這次威爾第新版創作中,劇作家鮑益多和威爾第緊緊地抓住原著的精髓並且作了出色的發揮創造:

例如為雅戈所寫的那段獨白一〈信經〉(Credo),就是一段集天下奸惡、陰暗心理之大成的傑作,從音樂上和戲劇上將人物的形象十分生動地突顯出來。

另外,歌劇的開場暴風雨場景,兩人不僅僅用嚴謹的戲劇結構和震撼人心的音樂,將奧泰羅率艦隊在與風浪搏鬥中凱旋歸來的場面描繪得非常生動,而且還不露痕跡地將雅戈的嫉妒、恨不得奧泰羅的艦隊在風浪中覆滅的罪惡念頭一筆帶了出來;

類似的精彩音樂戲劇場面在劇中還有多處:

如奧泰羅迎接威尼斯的使節時由於政治上和感情上的失意而過於激動以致昏倒,雅戈洋洋自得地用腳尖點著他說:「瞧!這就是威尼斯的雄獅!」等等橋段,都是歐洲歌劇裡不可多得經典妙筆。

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/verdi-introduce-of-opera-otello/

 

威爾第此時的音樂創作手已經達到爐火純青之境,在人生最後的兩部歌劇作品中,他將從《阿伊達》時即開始的逐步取消分曲作曲手法,嘗試作了進一步的發展:讓音樂隨著戲劇的進行猶如長江大河似地奔流而下,時而湍急時而婉轉,最後匯入戲劇高潮的大海,達到音樂與劇情完美合而為一的境界。

《奧泰羅》於1887年2月5日在史卡拉歌劇院首演,這轉眼間居然已是《阿依達》首演的16年之後了。觀眾們都為威爾第竟能在73歲高齡時仍然有如此旺盛的創作熱情,並寫出了這樣全新、充滿青春激情的音樂而欣喜若狂。

聽眾們走上街頭徹夜狂歡,呼喊著「威爾第萬歲!」直到凌晨。

《奧賽羅》的成功又激發了大眾對威爾第的渴望,人們切盼他能再寫出一部新作品來。

 

鮑益多(左)與威爾第(右)

 

於是威爾第與鮑益多再度合作寫出了以莎士比亞的《温莎的風流娘兒們》(The Merry Wives of Windsor)和《亨利四世》(King Henry IV)等劇為基礎,以英國歴史上有名的喜歌劇人物:約翰・法斯塔夫公爵為主角的歌劇《法斯塔夫》,它堪稱是義大利歌劇史上繼《塞維利亞理髮師》(Il barbiere di Siviglia)之後最偉大的喜歌劇。

 

Ricordi出版社之歌劇《法斯塔夫》樂譜封面

 

威爾第在這部歌劇裡比《奧泰羅》更進一步地揚棄了編碼分曲的音樂結構,使全劇的音樂像一連串的珠玉不停地落入玉盤裡;無論是法斯塔夫吹噓自己當年風華時所唱的〈我曾經是親王駕前的小廝〉,還是芬頓和南妮這對情侶的纏綿情話,或是艾莉絲等一群「溫莎的風流娘兒們」設計捉弄法斯塔夫時如雀鳥噪林般的精美的重唱,以及用漸強的管弦樂團合奏來形容法斯塔夫喝了酒渾身上下的毛孔都散發出來的絲絲快意⋯⋯,這些效果奇美的音樂都好似被威爾第信手拈來卻是麗質天生。

威爾第一生都將「用莎士比亞的作品來改編歌劇」作為自身創作的最高追求,如今,這個願望終於在另一位起橋樑作用的天才的努力下得以充分實現,這位天才就是鮑益多;而也只有威爾第此時所達到的作曲功力,才足以將莎翁的戲劇所體現的生活、思想深度和人物形象的生動詳實地表達出來。

《法斯塔夫》於1893年2月、距他的八十大壽僅8個月的時候上演,觀眾為這位八十老翁竟能寫出如此充滿青春活力的音樂而欣喜若狂,期待著他能再寫出一部從莎翁的劇作改編的歌劇來。

鮑益多甚至都為他選好了題目:《安東尼與克里奧佩特拉》( Antony and Cleopatra)。但是威爾第究竟已經是步入暮的老人了,他除了每天寫一小段音樂以自娛外,便深居簡出,將大部分時間與精力放在「威爾第之家」老年音樂家休養所的籌建工作上,只在1894年去巴黎參加了《奧泰羅》在那裡上演的首演式,同時作為法國政府的貴賓出席古諾逝世一週年的紀念活動,並接受法國政府授予的榮譽十字勳章,這是他和老伴斯特雷波尼最後的一次遠行和參加公開活動了。

UNSPECIFIED - MAY 08: Giuseppe Verdi, surrounded by his friends at his home in Montecatini, Italy. From left Giuseppina Pasqua, Senator Grocco, Teresa Stolz, the maestro Mugnone and his mistress; standing: Secretary of Verdi and Astore Giacomelli. Busseto, Casa Natale Di Giuseppe Verdi (Verdi'S House) (Photo by DeAgostini/Getty Images)

 

威爾第一向痛感義大利的歌劇院管理體制的弊端,晚年自費創辦「威爾第之家」,更是令人敬佩。

因為在義大利的歌劇從業者的待遇不僅低於德法等國,而且當他們年老失去工作能力之後,生活也毫無保障,就連皮亞韋這樣知名的劇本作家也全靠威爾第等生前好友來為他料理後事和贍養遺孤。

威爾第也曾以議員的籲政府資助歌劇事業,但是這個願望要直到他去世以後的二十世紀初才得以實現。

Illustration from 19th century.

 

早在1889年,威爾第就為建立「威爾第之家」音樂家休養所購置好了土地,如今他便將建築的事宜交託給鮑益多的長兄、著名的建築師卡米洛(Camillo)。

他在遺囑中規定將自己的版稅和遺產的一半作為維持休養所和他原來建立的一所慈善醫院的費用,但是這「威爾第之家」直到威爾第逝世一年之後方才完成。

根據設計,「威爾第之家」(Casa Verdi)休養所可以容納四十名女性和六十名男性老年音樂家,兩人居住一室既不擁擠又不至於太寂寞,而且生活上彼此可以互相照顧。

按規定凡是年滿六十五歲而且老年生活無著的義大利籍音樂家,無論是作曲家、演員、指揮或是器樂演奏者都在「威爾第之家」接納之列,但是也有一個例外:那就是原籍羅馬尼亞、第一個創造托斯卡的歌劇舞台形象的女高音歌唱家達爾克列(Darclee)。她以非凡的美麗形象和音域寬廣、音色醇美的歌喉於十九世紀末征服了巴黎、倫敦和米蘭等地的歌劇觀眾,可惜在中年就由於嗓音的變故而離開了舞台,在威爾第的休養所度過了淒涼的晚年。

 

威爾第之家」(Casa Verdi)中文介紹

https://youtu.be/q_Z28iHPxxs

 

威爾第的體格一向健壯,就是到了八十高齡依然腰桿挺直步履輕便,但是小他兩歲的太太斯特雷波尼卻已經腰彎背駝,行走需要威爾第的攙扶。

 

到了1897年的11月14日,她終於因患肺炎而和自己風雨同舟54年的老伴暫時分手了...

Giuseppe Verdi, his wife Giuseppina Strepponi (on his right), his adopted daughter Maria Carrara Verdi and friends, Found in the collection of Biblioteca Nazionale Braidense. (Photo by Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images)

 

對於威爾第來說,結褵54年的老伴斯特雷波尼真不愧為賢内助,當她還是史卡拉歌劇院的首席女高音時便能慧眼識人,對初登歌劇藝術殿堂的威爾第另眼相看,並在後來一直是威爾第創作活動的堅定支持者、積極的誘導者和高明的評論者。

威爾第的性格内向不善於處世,太太斯特雷波尼便以她作歌劇演員時鍛鍊出來的社交經驗幫助他克服了許多人際關係中的困難。

而已至耄耋之年的老倆口中忽然逝去一人,想必另一人的哀傷心情是難以用言語來形容,也難以用常規來判斷的。

悲傷使得威爾第的健康迅速衰退,他的視力減弱雙手顫抖,兩腿也似乎站立不穩了。

環顧與他同輩的一代藝術家多已故去,幸好還有晚一輩的好友如鮑益多、里科迪、斯托爾茲和瓦爾德曼日,以及繼女瑪麗亞(Maria)一家時常來相伴,才使得老景不至於過分孤單。

但就在威爾第的親友們認為他的健康狀況尚佳的時候,他卻於1901年1月21日清晨突然在他下榻的米蘭大飯店倒下不省人事,在昏迷中挣扎了好幾天後,終於在1月27日離開了人世。

當威爾第彌留之際,飯店門口每天都擠滿了來打聽病情的群眾,為了怕干擾他的休息,人們自發地在飯店門前的馬路上鋪滿了稻草,好減弱路過馬車的磷磷車輪聲。

根據威爾第已經立下的遺囑:他將與太太斯特雷波尼合葬於老年音樂家休養所之旁。但是由於休養所在威爾第逝世時尚未落成,於是當年先將他的靈柩暫時停放在教堂,待一年之後休養所落成時才進行移靈。

在移靈儀式的那一天,有二十萬民眾的米蘭市民自發地在靈車行經的道路兩旁默哀,有多位社會名流及政要為之執紼;指揮家托斯卡尼尼(Toscanin)指揮了有800人參加的合唱團在墓門口唱著〈飛吧,思緒,乘著金色的翅膀〉,葬禮之隆重絲毫不亞於國家元首。

威爾第從來沒有自詡為革新者,他不像華格納那樣將自己對於歌劇的新概念強加給觀衆,而是認為自己始終是竭誠為公衆服服的僕人,一生像一頭老黃牛似的在歌劇的園地中苦苦地耕耘著。

他順應時代前進的潮流,將義大利歌劇的水平,從羅西尼等人所達到的美聲歌劇成就裡又提高了一步。

威爾第的創作生涯中有過幾次成功的高潮,但每次他都並未在成功中自我陶醉停滯不前,而是持續不計成敗地進行新的探索,並最終能攀上更高的巓峰。

今日,威爾第的歌劇作品仍然在世界各國歌劇院的劇目名單上名列前茅,這個事實絕對是任何文字或口頭讚頌遠遠比不上的至高評價!

 

人生中最後一張照片

 

 

1901年威爾第的喪禮.民眾自發性的夾道相送

 

威爾第的葬禮 - 街頭為他送行的民眾與行列

https://www.youtube.com/watch?v=Uc9fCcrFEa0

 

延伸閱讀

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【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(一)拉威爾的生平介紹與獨奏鋼琴作品欣賞

【苗北講堂】2025上半年系列:法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題(一)拉威爾的生平介紹與獨奏鋼琴作品欣賞
Miaobei Art Center X BONART 2025-1-1

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


課程主軸:

「法國音樂的奇妙幻境:拉威爾150週年紀念專題」系列課程✨

1875年法國誕生了劃時代的巨匠~拉威爾。

拉威爾的音樂生涯起步於對鋼琴的喜愛,自幼苦學,帶著滿腔熱忱踏入巴黎音樂學院,一心鑽研作曲技法,即便屢次與羅馬大獎擦肩而過,也未曾消磨他的才華與鬥志;反而,挫折成了助力~催生出更具深度的音樂感悟。

時光荏苒,拉威爾的音樂串起過去與今朝,是聆聽的盛宴;

在2025年全球紀念緬懷這位偉大作曲家 150 週年誕辰之際,拉威爾的經典旋律依舊在歲月中熠熠生輝,感動人心。

 

苗北藝術學苑 - 課程詳細資訊

114-1苗北講堂

相關附件 - 114-1苗北講堂DM.pdf

時間 _ 2025-03-02~2025-04-27
地點 _ 視聽中心
限額 _ 12/100
指導單位 _ 苗栗縣政府
主辦單位 _ 苗栗縣苗北藝文中心
協辦單位 _ 苗栗縣政府文化觀光局
※單堂報名:$ 150
※套票5堂:$ 525※請優先使用官網線上報名系統(信用卡、匯款、臨櫃現金繳費)。
※紙本報名請下載印出報名表,並繳交至苗北藝文中心1樓服務台(匯款、臨櫃現金繳費)。

授課教師 _ 林仁斌(超人氣古典音樂欣賞名家、蹦藝術執行長)

一、因應現行防疫規範,學員上課均需全程配戴口罩;並遵守本中心防疫措施相關規定,違反規定將無法入場上課。

二、課程相關事宜洽詢:活動企劃部曾小姐037-612669轉511/cctseng@miaobeiac.org

主講人|林仁斌

蹦藝術 | BONART 執行長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

竭誠歡迎您的參與~一起享受音樂與藝術之美💕


課程1: 拉威爾的生平介紹與獨奏鋼琴作品欣賞

時間 _ 2025-03-02 ( 日 ) 10:00
地點 _ B1 視聽室

本場演講,林仁斌老師將為您介紹拉威爾的生平與獨奏鋼琴作品:從早期深受德布西與李斯特的音樂印象洗禮,在琴音起落間水花翻飛、光影晃動的唯美之景栩栩如生;步入成熟期,重拾法國古典的典雅,並以西班牙的民俗風情融入異國風民間音樂的活力,並勇於蛻變。拉威爾以恣意揮灑音色的奇妙變幻,奠定其在近代法國重要地位。

欣賞曲目:
〈古風小步舞曲〉
〈水的嬉戲〉
〈鏡〉組曲
〈夜之加斯巴〉
〈高貴而傷感的圓舞曲〉


法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937

法國作曲家:拉威爾(Maurice Ravel, 1875–1937)

 

拉威爾(Maurice Ravel,1875—1937)是近代與德布西並列的偉大作曲家,他的音樂風格精緻動人,充滿特色,猶如一幅融合古典與現代、傳統與創新的絢麗畫卷;其作品在和聲、節奏、配器以及樂曲結構與創新,均有獨特創見,更對 20 世紀音樂發展影響深遠。

 

印象派與古典傳統的完美融合

拉威爾早期創作,深受德布西音樂風格(全音階、五聲音階與多層次音樂設計)思想影響,例如他的《水的嬉戲》(Jeux d’eau)運用印象派鋼琴技法,以流動的音型模擬水聲,營造出光影繚繞的氛圍。

Ravel - 《水的嬉戲》(Jeux d’eau)

https://www.youtube.com/watch?v=jnKFIp7CahY

 

對比德布西對水的經典詮釋,雖有相似之處,但玄妙各自不同,各有其趣:

https://www.youtube.com/watch?v=KZKcs0lvCXE

 

如果將拉威爾一生創作期時間拉長來看,則可以清楚看見拉威爾與德布西的不同:早期拉威爾雖以印象派和聲為基底,但他一生以莫札特為心中偶像,屢屢不斷突破創作形式與內容,創造了既矛盾又統一的特質,在「想法自由卻謹守規則」的前提下,他的整體音樂始終維持著對古典結構的執著,旋律線條清晰如建築師般精準。

150年過去,拉威爾的音樂猶如一座跨越時空的橋樑,一端連接法國古典傳統與民族音樂,另一端則通向現代主義的創新領域;他的作品不僅以華麗的配器與巧妙的節奏取勝,更蘊含著對形式與情感的深刻思考。

生平介紹

 

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)很多人說拉威爾是法國印象主義Impressionism)音樂大師,但他自己卻說自己不走德布西道路。當報章說某些年輕作曲家在否定德布西(Achille-Claude Debussy, 1962-1918)的影響時,他又會在報章刊登公開信,表明自己不在其中(拉威爾年紀小德布西12歲)。在同時期的社會中,拉威爾與德布西保持距離,否認自己是他的模倣者;德布西也刻意冷淡對待這位年輕作曲家。

關於拉威爾與德布西兩人的音樂風格,確實在許多音樂條目整理時,皆會將兩人放在印象主義風格裡,原因主要有三:兩人皆是法國人兩人皆身處法國印象樂派發展全盛時期兩人都愛使用全音音階

因此在維基百科的印象主義條目裡,第一行就開宗明義寫著:

印象主義音樂是19世紀主要在法國流行的一種音樂樣式,受象徵主義文學和印象主義繪畫的影響。這些音樂並不描述現實的事件,而是建立在色彩、運動和暗示(Suggestion)之上,這其實是印象主義藝術的共徵。而印象主義者多為法國人。他們認為,純粹的藝術想像力比描寫真實事件具有更深刻的作用。印象主義音樂的代表人物為德布西(Achille-Claude Debussy)和拉威爾(Joseph-Maurice Ravel)。印象主義音樂帶有一種完全抽象的、超越現實的色彩,是音樂進入現代主義的開端。

讀者們有興趣亦可點選進入印象主義條目,更清楚地理解音樂裡的印象主義。


家庭環境

拉威爾Joseph-Maurice Ravel,1875年3月7日-1937年12月28日),法國作曲家和鋼琴家。1875年拉威爾生於法國南部靠近西班牙的山區小城西布勒Ciboure),他的父親是瑞士人,也是一位出色的汽車工程師。1860 年代時,他發明了以蒸汽推動的汽車。後來他甚至把汽車的性能,提升至每小時六公里。遠赴西班牙,是因為他要負責興建馬德里的鐵路。而拉威爾的媽媽 瑪麗(Marie Delouart, 1840-1917)則是成長於西班牙馬德里的巴斯克 (Basque)人,雖是非法移民且幾乎不識字(illegitimate and barely literate),但雙親的關係相當好,所以拉威爾成長於一個幸福的家庭~拉威爾之雙親於 1847 年結婚, 並於拉威爾出世三個月後全家移居巴黎。

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

"Ravel

 

拉威爾的父親除了是位工程師,也相當熱愛音樂:他負責了拉威爾早年的教學,也啟導了他的音樂興趣。七歲時,拉威爾就開始學琴。 1889 年拉威爾14歲時進入巴黎音樂院(The Conservatoire de Paris)就讀,並認識了當時也在巴黎音樂院鋼琴與他同年的維涅斯(Ricardo Viñes, 1875-1943),他也是西班牙人,並與拉威爾非常要好。繼母親以後,維涅斯正是拉威爾與西班牙的一道重要關聯。

日後我們從拉威爾的音樂創作,會發現他的音樂理念中除了有著濃厚的法國氣息~也受到西班牙籍母親血統的影響,他同時運用大量西班牙巴斯克鄉村與其他國家不同的旋律素材來創作,例如:《小丑的晨歌》- 收錄於《鏡》組曲(Miroirs);以及拉威爾於1907年後開始大量創作的西班牙風格曲目:管弦樂曲《西班牙狂想曲》(Rhapsodie espagnole, 1907-1908),獨幕歌劇《西班牙時刻》(L'Heure espagnole, 1907-1909)與管弦名曲《波麗露舞曲》等等。在拉威爾作品中所表現的西班牙特徵,甚至連西班牙作曲家法雅(Manuel de Falla, 1876-1946)也感到讚嘆,因此如果把他侷限在印象樂派,確實對他有失公允。

 

學習歷程

1895 年拉威爾被巴黎音樂院退學,1898 年重回學校,跟隨加布里耶‧佛瑞(Gabriel Fauré, 1845-1924)學習作曲,此前他也曾向另一位作曲家吉達茲(André Gédalge, 1856-1926)學習對位法。這段期間拉威爾的著名作品有:《悼念公主之巴望舞曲》(Pavane pour une infante défunte)(1899)

https://www.youtube.com/watch?v=7ASYm3K_PwM

 

趙成珍的演奏

https://www.youtube.com/watch?v=UIXe7H52UkA

 

《以海頓之名的小步舞曲》

《以海頓之名的小步舞曲》(Menuet sur le nom d'Haydn)是法國作曲家莫里斯・拉威爾(Maurice Ravel)於 1909 年為紀念奧地利古典主義大師約瑟夫・海頓(Joseph Haydn)逝世一百周年而創作的鋼琴小品。此曲雖以「海頓」為名,卻非對海頓風格看的模仿,而是拉威爾以其獨特的音樂語言,將海頓的名字以字母轉化,成為全新音樂動機,展現了他對結構與創意的精湛掌控。

創作背景與動機

1909 年,巴黎音樂界掀起紀念海頓逝世百年的活動,包括德布西(Debussy)、保羅.杜卡斯(Paul Dukas)等作曲家均受邀創作以海頓為題的作品。34歲的拉威爾,便創作了這首僅 54 小節的《以海頓之名的小步舞曲》,最大特色是全曲以海頓的名字「HAYDN」轉化為五個音的動機:

 

  • H(德語音名為「B」)
  • A(音名 A)
  • Y(以 D 代替,因字母順序第 25 位對應音階第 25 音,即 D)
  • D(音名 D)
  • N(以 G 代替,字母順序第 14 位對應音階第 14 音,即 G)

 

此動機 B-A-D-D-G 貫穿全曲,並以倒影(如 D-G-B-A-D)、逆行(G-D-A-B)等手法變化,體現拉威爾對傳統對位法的創新運用。

 

音樂風格與特色

  1. 形式與結構採傳統小步舞曲的三拍子節奏,但篇幅極為精練(約 1 分 45 秒)。以平穩的和弦鋪陳開始樂曲,隨後動機在高低音域交錯,中段轉入抒情的 G 小調,最後回歸主調的寧靜尾聲。整體結構嚴謹,卻充滿印象派的色彩變化。
  2. 和聲與織體拉威爾以豐富的和聲層次營造朦朧氛圍,例如平行五度與七和弦的使用,以及踏板效果帶來的音響模糊感。右手旋律線優雅流暢,左手則以斷奏與長音支撐,形成靜謐又兼具動態的對話。
  3. 動機的多樣變化除了自己充滿創意的海頓原始動機設計,拉威爾還將其拆解、重組,甚至隱藏在伴奏音型中。例如中段的旋律線以動機為基礎,卻透過節奏拉長與音程擴張,展現不同的情緒張力。

https://www.youtube.com/watch?v=Xrgsm3-0aww

 

五度五關...卻失敗的羅馬大獎

拉威爾於 1901 首次參加當時最重要的作曲大賽羅馬大賽(Prix de Rome),當年即以清唱劇《米爾哈》(Myrrha)獲得第二獎。但之後 1902 和 1903 年接連經歷兩次失敗。這段期間他仍舊有傑出作品《水之嬉戲》(Jeux d'eau),以嶄新的創意、華麗技巧開啟了法國鋼琴獨奏曲的新頁;此外還有《小奏鳴曲》(Sonatine)以及五首樂曲構成的《鏡》(Miroirs)組曲(1904-1905),這幾首樂曲已然奠定拉威爾在法國音樂界的地位。

1905年的拉威爾

Maurice Ravel (1875-1937), French composer, circa 1905. (Photo by Albert Harlingue/Roger Viollet via Getty Images)

 

1905年的Théodore Dubois

Théodore Dubois, 1905

 

然而,1905 年拉威爾已屆30歲,是年紀上最後一次能夠角逐羅馬大獎的機會,居然在初賽時就遭到淘汰:美藝學院之院長 - 作曲家 杜博瓦(Théodore Dubois, 1837-1924)因拒絕讓拉威爾獲獎而引發廣大的公眾抗議和藝文界的批評:甚至連著名作家羅曼.羅蘭(Romain Rolland, 1866-1944)也投書抗議,寫道:

拉威爾不僅是位前途無量的學生,他已經是法國為數不多的 傑出青年音樂家裡最受好評的一位,我要嚴厲地斥責這些評審委員,我無法理解我們何以能夠在羅馬維持一間學校,而又閉門拒絕創意獨具的罕見藝術家,像他這樣的音樂家,是能為大家帶來榮耀的。

 

羅曼.羅蘭(Romain Rolland, 1866-1944)

 

1905年的羅馬大獎風波,被稱為「拉威爾事件」(Affaire Ravel),不只藝文界,連新聞界也報導此事為拉威爾抗議,最後成為國家級醜聞:巴黎音樂院院長杜博瓦在強大社會壓力之下,由政府下令辭去巴黎音樂院院長職務,改由佛瑞接任院長,針對音樂院進行重組,才逐漸平息這起風波。

 

照片彈琴者為佛瑞,拉威爾為佛瑞班上學生,拉威爾在照片裡,看得出來是哪一位嗎?

...

答案是:右邊數來第三位


1908年,拉威爾完成繼《鏡》(Miroirs)之後最精采的鋼琴作品:三首與詩有關的《夜之加斯巴》 (Gaspard de la Nuit),此曲將法國鋼琴作品推向更高峰,非常經典。

音樂欣賞:《鏡》(Miroirs)

《鏡》(Miroirs)題材與靈感

拉威爾曾表示,《鏡》組曲的靈感來自旅行中的觀察與文學啟發。例如,《夜蛾》(Noctuelles)的靈感源自他在西班牙看到的飛蛾圍繞燭火的景象;《小丑的晨歌》(Alborada del gracioso)則融合了西班牙民間音樂與幽默元素。

五首樂章簡介

1. 《夜蛾》(Noctuelles):以快速流動的音階與不規則節奏,模擬飛蛾撲動的動態,搭配神秘的和弦色彩,營造出朦朧的夜間氛圍。

2. 《悲傷的鳥》(Oiseaux tristes):以單音旋律線模仿鳥鳴,融入全音階與平行和弦,展現哀傷而寧靜的意境。

3. 《海上一葉舟》(Une barque sur l'océan):透過左手波浪般的分解和弦與右手的旋律線,刻畫出海浪的波動與孤舟的飄盪感。

4. 《丑角的晨歌》(Alborada del gracioso):充滿西班牙佛朗明哥風格的節奏,以斷奏與跳音描繪小丑的歡樂舞蹈,中段轉入抒情的對比樂段。

5. 《鐘谷》(La vallée des cloches):運用多層次的和弦與踏板效果,模擬遠處鐘聲的迴響,營造出空靈、神秘的音響世界。

https://www.youtube.com/watch?v=0A4Lxm3IpvY

 

音樂欣賞:《夜之加斯巴》 (Gaspard de la Nuit)

創作背景

1908 年,拉威爾以法國詩人路易・貝特蘭(Louis Jacques Napoléon Bertrand)同名遺作詩集中的三篇散文詩為靈感創作了這套曲集。拉威爾透過強烈的聲音渲染,將詩中各種荒誕狂野、恐怖混亂與不安躁動如實呈現,營造出獨特的恐怖美學。

 

三樂章結構及內容

《水妖》(Ondine):以法國古老傳說為題材,場景設定在波光粼粼的月夜。詩中講述了愛上人類男性的水妖,在朦朧月夜裡化作夜露水滴輕敲意中人的門窗,試圖誘惑他與自己共赴水底。音樂充滿魅惑感,使人仿彿遊走在虛幻與現實之間,旋律猶如水面上的漣漪,不斷蕩漾開來,讓人聽來心蕩神迷,好像稍不注意間,就會成為水妖的獵物。

《絞刑台》(Le Gibet):原詩描寫了夜裡的絞刑台在寒冷北風呼嘯下的荒涼、陰森之感,好似受刑者的陰魂仍在絞刑台旁遊蕩。拉威爾以蒼涼的音調塑造樂曲氛圍,開篇以遠方的鐘聲確立現實感,其餘如風聲、歎息等音樂元素皆為幻覺的呈現。持續的鐘聲貫穿全曲,如同暗夜中的明燈,使聽者不致迷失在迷幻的音樂中,成功表現出詩作中彌漫的不安與詭譎。

《史卡波》(Scarbo):史卡波指西方傳奇中的小惡魔。詩中描述了小惡魔在月圓之夜的各種詭異行為,它身形變化莫測,尖帽上的金色鈴鐺搖晃作響。拉威爾運用高難度的連續單音、不規則節奏、複雜和聲、大跨度琶音與大量八度大跳等技巧,描繪出小惡魔四處飛竄的形象,展現出鬼靈精怪的黑色幽默。此曲演奏難度極高,更是近代鋼琴曲目中的超技樂曲。

https://www.youtube.com/watch?v=BspU0vUB_tg

 

唯一一部芭蕾創作

繼史特拉汶斯基與德布西之後,拉威爾受俄羅斯芭蕾舞團的狄亞基列夫(Serge Pavlovitch Diaghilev, 1872-1929)邀約,費時 3年完成於 1912年完成以希臘神話故事《達夫尼與克洛伊》(Daphnis et Chloé),也是拉威爾唯一的一部的芭蕾舞劇音樂。

照片:俄羅斯芭蕾舞團團長 狄亞基列夫(Serge Pavlovitch Diaghilev, 1872-1929)

 

拉威爾《達夫尼與克羅伊》首演時其實並沒有獲得全面的好評,二人後來也音樂理念不合而產生摩擦,此劇便沉寂無聲。後來拉威爾堅信其音樂的美妙,便將全劇音樂改以兩套交響組曲的形式,果然歷史證明拉威爾傑出的管弦樂法與音樂構思,成為了著名的《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé)第1號與第2號管弦組曲(1913),此兩套組曲從而聞名於世。

拉威爾與芭雷舞者 尼金斯基(Vaslav Nijinsky, 1890-1950)於鋼琴前的合照。推測可能正在進行芭蕾舞劇《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé)之排練合作

 

音樂欣賞:《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé)第2號管弦組曲

https://www.youtube.com/watch?v=cnvv89Nd2pg


而1914年至1918年第一次世界大戰爆發,拉威爾萌生想為國效勞之想法,因此報名參軍。

1915年他被錄用為救護車駕駛員,正式成為法國軍人。雖然只是駕駛貨車,他卻要在前綫冒着德國隆隆的炮火,運送軍備。

他投入戰綫,見證生離死別,創作也近乎完全停頓。但因患痢疾,於1917年退伍。退伍之後,他相信譜寫音樂就是他能為法國提供最好的貢獻,因而開始專心從事作曲。也在1917年他完成了鋼琴曲《庫普蘭之墓》(Le tombeau de Couperin, 1914-17),獻給為國捐軀的同袍,後來拉威爾也將此曲改編為管弦版本。

音樂欣賞:鋼琴曲《庫普蘭之墓》(Le tombeau de Couperin, 1914-17)

https://www.youtube.com/watch?v=I_m6hLSpsLc

 

創作背景

拉威爾於 1914 年開始構思此曲,最初計劃以庫普蘭風格的舞曲為藍本,融入法國古典元素。然而,一戰的爆發徹底改變了創作氛圍。他親歷戰場擔任卡車司機,目睹戰友相繼犧牲,加上 1917 年母親辭世的雙重打擊,使這部作品逐漸轉化為獻給六位戰死友人的輓歌。拉威爾曾言:「這不僅是對庫普蘭的致敬,更是對消逝的法蘭西精神的紀念。」

樂曲結構與特色

組曲共包含六首獨立樂章,每首都以庫普蘭時代的舞曲形式命名,並巧妙結合古典架構與現代和聲語言:

《前奏曲》(Prélude)

樂曲以 E 小調展開,右手流暢的十六分音符與左手低聲部的對位交織,營造出如流水般的動感。拉威爾在此隱藏了主題,以模糊的旋律線呼應庫普蘭的精緻織體。

《賦格》(Fugue)

三聲部自由賦格,結構嚴謹卻不失詩意。拉威爾捨棄巴洛克時期的複雜對位,以簡潔的線條與空靈的和聲,譜寫出肅穆而淒美的追思。

《弗爾蘭納舞曲》(Forlane)

源自威尼斯船夫舞的 6/8 拍舞曲,庫普蘭曾多次採用此形式。拉威爾以庫普蘭的迴旋曲式(ABACADA)為基礎,在第三插部加入嶄新的半音化和聲,甚至出現全十二音列,顛覆傳統舞曲的歡快印象。

《里戈登舞曲》(Rigaudon)

法國普羅旺斯地區的二拍子舞曲,節奏明快活潑。樂曲分為三段:C 大調的典雅主部、C 小調的憂鬱中段,以及主部再現。拉威爾在此運用全音階與不協和和弦,為古老曲風注入現代活力。

《小步舞曲》(Menuet)

組曲中最廣為人知的樂章。三拍子的旋律蘊含貴族式的憂傷,中段突然轉入蘇格蘭風笛舞曲的調性,形成強烈對比。拉威爾以斷續的句法與隱藏的動機發展,訴說著對過往的惆悵。

《觸技曲》(Toccata)

以快速音群與炫技性段落收尾,結構緊湊,節奏強烈。拉威爾在此展現了李斯特式的華麗技巧,並在尾聲以聖桑式的輝煌樂句,將積蓄的情感推向高潮。

《庫普蘭之墓》不僅是拉威爾對法國古典音樂的禮讚,更是他在戰爭陰影下對人性與藝術的深刻反思。透過精緻的結構、創新的和聲與豐富的色彩,這部作品成為連結過去與未來的橋樑,至今仍被譽為 20 世紀鋼琴與管弦樂領域的巔峰之作。

00:00 – Prelude

03:05 – Fugue

06:25 – Forlane

13:51 – Rigaudon

17:24 – Menuet

22:18 – Toccata 

https://www.youtube.com/watch?v=hcuPVgpUKKs

 

 

 

趙成珍演奏《前奏曲》(Prélude)

https://www.youtube.com/watch?v=NPUzNFuCFp4&t=123s

 

2025年最新企劃:拉威爾鋼琴作品集全集

趙成珍的親自解說

https://www.youtube.com/watch?v=dZiz5kJJ04s

 

DG官方的全音檔釋出(播放清單

https://www.youtube.com/watch?v=veATnRK6DoA&list=PLzwBAX6_mXamamySpIzOmj9TpST_JS_8Z

 

音樂欣賞:管弦樂團版本《庫普蘭之墓》(Le tombeau de Couperin)

《庫普蘭之墓》(Le Tombeau de Couperin)是拉威爾(Maurice Ravel)於第一次世界大戰期間創作的鋼琴組曲,完成於 1917 年。此作以法國巴洛克時期作曲家弗朗索瓦・庫普蘭(François Couperin)為名,不僅是對庫普蘭個人技藝的致敬,更蘊含著拉威爾對整個 18 世紀法國音樂傳統的懷念,以及對戰爭中逝去摯友的深切哀悼。

管弦樂版本

https://www.youtube.com/watch?v=7NA4j3VhGY4

 

從軍期間拍攝下記錄照片的拉威爾:

拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。
拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。

 

拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。
拉威爾於1915年起(40歲)入伍,並在第一次世界大戰期間服役於第13砲兵團,擔任運輸兵。

對比起在自己故鄉法國的不順遂,拉威爾卻在國際上受到了相當熱烈的歡迎。

1922年 至1928年間,拉威爾開始在世界各地旅行及演出。1928年,除了接受英國牛津大學頒授給他的榮譽博士學位之外,拉威爾應邀到國外訪問:1928 年赴美國與加拿大,以火車方式展開鋼琴演奏與指揮巡迴演奏,在造訪美國時接觸到爵士樂,後來的作品更深受爵士音樂影響。

 

1927-1928 成功的美國巡演

根據舊金山管弦樂團資料敘述,1927年 12月 28日 拉威爾自法國搭船出發前往美國/加拿大,從紐約登陸。整體大約規劃了近半年的豐富行程,於 1928年 4月 21日出發回法國。

這中間的行程是:New York • Boston • Chicago • Detroit • Cleveland • San Francisco • Los Angeles • Seattle • Vancouver • Portland • Denver • Minneapolis • Kansas City • Omaha • Niagara Falls • Toronto • Milwaukee • Boston • New Orleans • Houston • Grand Canyon • Buffalo • Montreal

 

拉威爾與高女音 Nina Koshetz ,法國出發前合影留念。( 1927年 12月)

拉威爾與高女音 Nina Koshetz ,法國出發前合影留念。( 1927年 12月)Maurice Ravel and soprano Nina Koshetz on the deck of the SS France, bound for the United States in 1928.

 

拉威爾在寫給小他 3歲的弟弟 Édouard Ravel的信中提到,他受到瘋狂式的歡迎:「在碼頭來了無數的記者,好多的照相機、攝影機與畫家,爭相前來紀錄我的一切...」「在飯店時,我幾乎不停地收到花籃,以及最昂貴的水果...」在美國的一切讓拉威爾再寫道「這個美好世界對我的一切,在歐洲從來不曾發生過...」(無數的仰慕者簇擁、被熱情的款待、每天生活在自己的音樂與美好的爵士音樂廳),整體的旅遊演奏行程成功極了,讓拉威爾充分感受到身為成功音樂家的一切喜悅。

 

在此岔題一下再說段故事:

拉威爾因為美國巡演旅行,結識了蓋西文(George Gershwin, 1898-1937)。蓋希文在爵士樂取得成功之後,功成名就。他醉心於寫作出道地的古典音樂作品,於是趁著法國作曲大師拉威爾(Maurice Ravel, 1875-1937)帶來自己的管弦樂作品來訪美國四個月(當時拉威爾美國巡演作品有:《西班牙狂想曲》、《達夫尼與克羅伊第2號組曲》等等經典管弦樂曲目),於20個不同城市參訪、演出等等期間,蓋希文於 1928年 3月 7日,終於與心中的作曲大師碰面了,並留下這張歷史照片:

1928.03.07. 拉威爾與蓋希文終於見面 Maurice Ravel (at the piano below, with Gershwin himself at right)

 

當時已經是著名爵士音樂作曲家的蓋西文,曾想向拉威爾拜師,但被拒絕了。拉威爾的理由是不想讓蓋西文失去原本的創作力, 但兩人成為好友。據說當蓋希文提出要學習作曲時,拉威爾問了蓋西文作曲的收入,還開玩笑地回覆「你賺的錢遠遠多多於我,應該是我向你學習才對...」

 

蓋希文求教作曲於拉威爾(Maurice Ravel)之故事:

當拉威爾在美國聽過蓋希文的《藍色狂想曲》以及多首歌曲創作以及蓋西文本人的演奏之後,他也拒絕了蓋希文上課的要求,理由是「害怕本人會破壞了自然的蓋希文音樂精神。因為蓋希文的音樂 - 獨特而不可思議的融合美國爵士樂,流行旋律和交響樂傳統。」(fearing that he would destroy the natural spirit of Gershwin’s music- that unique and improbable melding of American jazz, popular melody, and symphonic tradition.)

然後拉威爾幫蓋希文寫了推薦函給巴黎的著名作曲教授納蒂雅.布蘭潔(Nadia Boulanger, 1887-1979 )。這封推薦信的大意是:「喬治蓋希文,這位美國音樂家有著最輝煌,最迷人,也許是最深刻的才能。 他在世界範圍內的成功不再讓他滿意,因為他的目標更高。 他知道他缺乏達到目標的技術手段。 在教他這些作曲技法時,亦可能同時會毀掉他的天賦。妳有勇氣承擔我所不敢承擔這種令人敬畏的責任嗎?」

(There is a musician here endowed with the most brilliant, most enchanting and perhaps the most profound talent: George Gershwin. His worldwide success no longer satisfies him, for he is aiming higher. He knows that he lacks the technical means to achieve his goal. In teaching him those means, one might ruin his talent. Would you have the courage, which I wouldn’t dare have, to undertake this awesome responsibility?)

我們由此可以看出拉威爾對於蓋希文音樂展露出深深的佩服,他明白地了解蓋希文的音樂天賦如果被強加以作曲技法的限制,有可能反而害了他,所以委婉地拒絕了蓋西文上課求教的要求。

整體來說,拉威爾非常讚賞美國爵士樂,後來也在自己的作品中加入爵士元素,自巡迴之旅之後,爵士樂的旋律、和聲及節奏,開始出現在他的作品中:例如1924年創作的小提琴作品《吉普賽人》 (Tzigane, 1924)、一九二五年的幻想劇《小孩與魔法》(L’Enfant et les sortileges, 1920-1925)、1929 到 1931 年間完成的兩首鋼琴協奏曲以及第二號小提琴奏鳴曲,還有《西班牙狂想曲》(Rapsodie espagnole)、交響樂曲《波麗露》(Boléro)等。

 

1928年 拉威爾以作曲家與指揮家身份 巡迴美國演出節目單 珍貴資料

【檔案照片出處】:芝加哥交響樂團官網

Maurice Ravel appeared with the Chicago Symphony Orchestra at Orchestra Hall on January 20 and 21, 1928

 

The program including Ravel's Sheherazade (with mezzo-soprano Lisa Roma), Daphnis and Chloe Suite no. 2, Le tombeau de Couperin, La valse, and his orchestration of Debussy’s Sarabande and Dance.
The program including Ravel's Sheherazade (with mezzo-soprano Lisa Roma), Daphnis and Chloe Suite no. 2, Le tombeau de Couperin, La valse, and his orchestration of Debussy’s Sarabande and Dance.

來自西班牙

因爲母親和好友維涅斯的緣故,拉威爾一直對西班牙音樂情有獨鍾。

寫作與首演於於1928年的《波麗露》是拉威爾一生裡最為受歡迎的作品,除了是最後一首管弦樂舞曲作品,更是二十世紀法國交響音樂傑作。

波麗露 (Boléro) 原為一種緩慢的三拍西班牙舞蹈,而拉威爾的《波麗露》是受舞蹈家伊達·魯賓斯坦委託而作。

 

波麗露》通常以3/4拍、稍快的速度、以響板擊打節奏來配合,拉威爾雖採用《波麗露》曲名,維持西班牙民間舞蹈風格與三拍節奏為基礎,但是改由小鼓在整首樂曲中,自始至終反覆地敲着同一反覆節奏:

《波麗露》(Boléro)之小鼓節奏譜例

 

3/4拍、稍快的速度、以響板擊打出《波麗露》節奏

https://youtu.be/FvU4hE5gmnU?t=123

 

作為管弦樂聲響效果實驗之作,拉威爾更安排不同的獨奏樂器,輪流地重複奏着兩段旋律:

主題A

 

主題B


音樂在同一組節奏裡重複,隨著一段一段不同樂器登場獨奏,音樂之織體逾來逾厚,音量漸漸變大:把單純看似僅只單調的重複,發展為凝聚整個交響樂團音樂張力表現之爆棚管弦名作。

樂譜裡可見拉威爾編寫管弦樂作品的心思:如何選配旋律出場的樂器,他也採用了當時民間越來越流行的薩克斯風家族樂器作為管弦樂團配器之一:

 

 

 

伴奏樂器如何加強頑固節奏,如何逐漸增加低音與音響效果,每一段重複都經過仔細調配。(總譜最後兩頁)

 

樂團編制

《波麗路》樂團編制

 

拉威爾以簡單的結構和旋律,發展為龐大而精采的作品,在此曲中完全展現其管弦樂法之精鍊。(雖然作曲家史特拉汶斯基評拉威爾是「精巧的瑞士鐘錶匠」)

《波麗露》的樂曲特色:

  • 主題及答句同樣地反覆九次,既不展開也不變奏。
  • 全曲始終在C大調上,只是最後的兩小節才轉調。
  • 舞曲前半部分配有和聲,除了獨奏就只有齊奏,後半部分附有少量的和絃;
  • 舞曲自始至終只有漸強的單向變化。
  • 加入複調聲部寫作

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

波麗露樂曲結構表
樂段 排練編號 跟隨小鼓節奏的樂器 演奏旋律的樂器 節奏伴奏
前奏 第1小節 中提琴及大提琴
第一主題(1) 第5小節 第1長笛 中提琴及大提琴
第一主題(2) 1 第2長笛 第1單簧管 中提琴及大提琴
第二主題(1) 2 第1長笛 第1低音管 中提琴、大提琴、豎琴
第二主題(2) 3 第2長笛 高音單簧管 中提琴、大提琴、豎琴
第一主題(3) 4 2支低音管 柔音雙簧管 第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(4) 5 第1法國號 第1長笛及弱奏第1小號 第一小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第二主題(3) 6 弱奏第2小號 次中音薩克管 2支長笛、第1單簧管、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第二主題(4) 7 弱奏第1小號 倍高音薩克管、高音薩克管 2支雙簧管、英國管、第一小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(5) 8 第1長笛、第2法國號 2支短笛、第1法國號、鋼片琴 低音單簧管、2支低音管、豎琴、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(6) 9 第4法國號、第3小號、第二小提琴、中提琴 雙簧管、柔音雙簧管、英國管、2支單簧管 低音單簧管、2支低音管、第1,2小號、豎琴、其他絃樂器
第二主題(5) 10 第1長笛、第2法國號、中提琴 第1長號 2支單簧管、低音單簧管、倍低音管、豎琴、第二小提琴、大提琴、低音提琴
第二主題(6) 11 第4法國號、第1小號、第二小提琴 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、2支單簧管、次中音薩克管 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、其他絃樂
第一主題(7) 12 第1,2法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、2支單簧管、第一小提琴 2支低音管、倍巴松管、第3,4法國號、定音鼓、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴
第一主題(8) 13 第3,4法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、2支單簧管、次中音薩克管、第一、二小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、第1,2法國號、高音薩克管、定音鼓、其他絃樂
第二主題(7) 14 第1,2法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、第1小號(低音單簧管+第4法國號)、第一、二小提琴 2支單簧管、2支低音管、倍低音管、第3,4法國號、2支長號、大號、2支薩克管、定音鼓、其他絃樂
第二主題(8) 15 4支法國號 短笛、2支長笛、2支雙簧管、英國管、2支單簧管、第1長號、高音薩克管(低音單簧管+次中音薩克管)、第一、二小提琴、中提琴、大提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、3支小號、第2,3長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
第一主題(9) 16 2支雙簧管、2支單簧管、4支法國號、第二小提琴、中提琴、大提琴 短笛、2支長笛、高音小號、3支小號、2支薩克管、第一小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、3支長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
第二主題(9) 17 2支雙簧管、2支單簧管、4支法國號、第二小提琴、中提琴、大提琴 短笛、2支長笛、高音小號、3支小號、第1長號、2支薩克管、第一小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、第2,3長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
過場 18前3小節第3拍 2支雙簧管、2支單簧管、4支法國號、第二小提琴、中提琴、大提琴 短笛、2支長笛、高音小號、3支小號、第1長號、2支薩克管、第一小提琴 低音單簧管、2支低音管、倍低音管、第2,3長號、大號、定音鼓、豎琴、低音提琴
尾段 18後第9小節 短笛、2支長笛、4支法國號、高音小號、3支小號、第一、二小提琴、中提琴、大提琴 3支長號及2支薩克管作半音滑奏 2支雙簧管、英國管、2支單簧管、低音單簧管、2支低音管、倍低音管、大號、敲擊、豎琴、低音提琴
結尾 最後2小節 全體在相同節奏下結束

 

芭蕾舞蹈版欣賞:知名芭蕾舞蹈家 Sylvie Guillem 於東京現場版

https://www.youtube.com/watch?v=SS_WJmLGFrA

音樂欣賞: 杜達美於巴黎愛樂廳,2025年最新指揮西蒙波利瓦管弦樂團版本

https://www.youtube.com/watch?v=bZAAfJddqhU

 

在《波麗露》首演前,拉威爾前往牛津大學接受榮譽博士學位,事後並舉行一場全場拉威爾曲目的音樂會,觀眾反應熱烈。事後對於這首作品的成功,拉威爾其實有點不以為意。「我只創作了一首傑作:那就是《波麗露》。可惜裡面沒有音樂...」

但這首樂曲被公認為20世紀法國最有代表性的管弦樂作品之一,市面上的錄音錄影作品更是多到不及備載。

https://www.youtube.com/watch?v=VlyRuGsuKlE

 

 

歷史照片:拉威爾與史特拉汶斯基珍貴合照(1910年

歷史照片:拉威爾與史特拉汶斯基珍貴合照(1910年)
歷史照片:拉威爾與史特拉汶斯基珍貴合照(1910年)

 

作曲家史特拉溫斯基曾表示,拉威爾的晚年逐漸失去記憶力和協調能力,而且他有意識到這些事情正在發生。拉威爾確切病因為未知,他雖無法再創作,但仍能參加社交活動。史特拉汶斯基說,「果戈理尖叫著死去,迪亞基列夫狂笑而終(據說大唱《波西米亞人》),而拉威爾則是逐漸凋零 --- 這是最可怕的。」

 

拉威爾在 1932 年發生一場車禍,頭部因此受傷,健康狀況也每況愈下,事故之後也發生了失語的狀況。

作曲家史特拉汶斯基曾表示,拉威爾的晚年逐漸失去記憶力和協調能力,而且他有意識到這些事情正在發生。拉威爾確切病因為未知,他雖無法再創作,但仍能參加社交活動。

1937年 12月28日,拉威爾過世,並病榻床上之畫像:

From print by Luc- Albert Moreau.© Lebrecht Music & Arts

 

拉威爾 (1875-1937) 的遺體,1937 年 12 月

The body of Maurice Ravel (1875-1937), French composer, December 1937. (Photo by Boris Roger Viollet via Getty Images/Roger Viollet via Getty Images)

 

拉威爾於 1937 年 12 月 28 日過世。1937年12月30日,拉威爾被埋葬在父母身邊,在巴黎西北郊區勒瓦盧瓦 – 佩雷(Levallois-Perret)墓地的花崗岩墓中。(後來弟弟EDOUARD也長眠於此)

 

 

 

拉威爾的民族音樂與異國情調的薈萃

如前所述,拉威爾的母親來自巴斯克族,父親具有瑞士血統,這樣的多元背景讓他對異國文化懷抱熱情。他的創作常融入西班牙、匈牙利及東方音樂元素:
  • 西班牙風情:《西班牙狂想曲》(Rapsodie espagnole)以馬拉圭那舞曲(Malagueña)、哈巴涅拉(Habanera)等西班牙民間節奏為核心,配器上運用響板、吉他式和弦,展現濃烈的佛朗明戈熱情。
  • 匈牙利吉普賽元素:《茨岡狂想曲》(Tzigane)模仿吉普賽小提琴的滑音與裝飾音,結構上從自由即興的引子轉入華麗的炫技段落,宛如一場熱情奔放的舞蹈。
  • 東方靈感:國際博覽會上爪哇甘美朗樂隊的演出,影響了他對音色層次的探索,如《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé)中鐘琴與豎琴的交織,營造出夢幻般的異域場景。

 

節奏與配器的顛覆性創新

  • 節奏精準如鐘錶:史特拉汶斯基曾形容拉威爾的節奏「像瑞士鐘錶匠般精確」。他擅長將複雜的節奏型態隱藏在看似簡單的拍號下,例如《波麗路舞曲》(Boléro)以單一節奏貫穿全曲,卻透過配器層次的累加,創造出令人著迷的催眠效果。
  • 配器色彩大師:拉威爾的管弦樂編寫猶如調色盤,善用樂器的獨特音色進行對話。例如《鏡》(Miroirs)中的《夜蛾》(Oiseaux tristes)以長笛與豎琴模擬夜間鳥鳴,而《展覽會之畫》(改編自穆索爾斯基)則以絢麗的配器將鋼琴原作昇華為音樂畫廊。

 

晚期風格的蛻變:從繁複到簡潔

一戰後,拉威爾的創作趨向樸實與內斂,而越進入晚期作品,他更強調線條的清晰與情感的濃縮;在美國行後,他的音樂更加入爵士樂元素。例如《G 大調鋼琴協奏曲》(1931)末樂章的爵士風格華彩樂段,以及《第二號小提琴奏鳴曲》(1923—1927)中的藍調音階與切分節奏的運用,顯示他對新音樂語言以及開放的心胸與態度。

https://www.youtube.com/watch?v=pB7lWRKGmFE

 


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲(三)第六號交響曲《悲劇》

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 -迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲(三)第六號交響曲《悲劇》

Mahler Symphony excerpts-No.6

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


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系列|迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲

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  • 課程內容

    • 第一堂|馬勒第四號交響曲

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    • 第二堂|馬勒第五號交響曲

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    • 第三堂|馬勒第六號交響曲《悲劇》

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    • 第四堂|馬勒第七號交響曲《夜之歌》

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    • 第五堂|馬勒第八號交響曲《千人》

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※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/the-story-of-gustave-mahler/

 

馬勒交響曲列表

馬勒共寫作十首交響曲,整理年份與調性如下:

序號
名稱
創作時間
風格特點
音樂內容
1
《第一交響曲 “巨人”》
1888 年
融合了宏大的交響性與民間音樂元素,音樂充滿活力,具有強烈的情感張力。
描繪了自然、生命的力量,展現了從黑暗到光明的精神旅程,也包含對人生的思考與感悟。
2
《第二交響曲 “復活”》
1888 - 1894 年
規模宏大,將交響曲與合唱相結合,音樂風格從悲壯、深沉逐漸轉向激昂、振奮。
探討了死亡與重生的主題,表達了對生命永恒的信念和對死後世界的憧憬。
3
《第三交響曲》
1893 - 1896 年
是馬勒交響曲中篇幅最長的一部,音樂風格極為豐富,涵蓋了從自然的描繪到哲學的沉思等多種元素。
歌頌了自然的偉大,探索了生命、愛情、死亡等深刻主題,展現出對宇宙萬物的敬畏和讚美。
4
《第四交響曲》
1899 - 1900 年
風格較為清新、純真,採用了小型編制,音樂色彩豐富,充滿了夢幻般的意境。
以孩童的視角描繪了天國的生活,表達了對天堂的嚮往和對童真的讚美,傳遞出一種寧靜、平和的情感。
5
《第五交響曲》
1901 - 1902 年
音樂風格從壓抑、痛苦逐漸轉向明朗、激昂,以獨特的葬禮進行曲開篇,之後音樂情感逐漸昇華。
展現了生命的掙扎與希望,表達了對愛情的渴望和對美好生活的嚮往,其中著名的 “小柔板” 表達了深沉的情感。
6
《第六交響曲》 “悲劇”
1903 - 1904 年
音樂風格沉重、悲壯,結構嚴謹,具有強烈的戲劇性衝突。
深刻地反映了人生的苦難與悲劇,展現了命運的無常和人類在困境中的掙扎,結尾充滿了絕望的氣息。
7
《第七交響曲》 “夜曲”
1904 - 1905 年
音樂風格較為獨特,融入了夜晚、夢境等元素,營造出神秘、夢幻的氛圍。
描繪了夜晚的寧靜與神秘,以及對生命的思考和對未來的期待,在夢幻中蘊含著對生活的熱愛。
8
《第八交響曲》 “千人”
1906 - 1907 年
規模極其宏大,需要龐大的合唱團和交響樂團,音樂氣勢磅礴,充滿了輝煌壯麗的色彩。
以歌頌人類的精神力量和對上帝的讚美為主題,表達了對人類團結和精神昇華的追求。
9
《第九交響曲》
1909 - 1910 年
音樂風格深沉、內斂,充滿了對人生的回顧與反思,具有濃厚的悲劇色彩。
表達了對生命即將終結的感慨,以及對人生的眷戀和對死亡的無奈,展現出一種深刻的生命哲學。
10
《第十交響曲》
1910 - 1911 年
(未完成)
雖未完成,但已展現出獨特的風格,音樂中既有馬勒以往作品的影子,又有新的探索和嘗試。
主題較為複雜,包含了對生命、愛情、死亡等的思考,以及對未來的迷茫和期待,未完成的狀態也給人留下了無盡的遐想空間。

 

第六號交響曲

馬勒第六號交響曲(Symphony No. 6 in A minor),又稱《悲劇》交響曲,為馬勒(Gustav Mahler)於 1903 至 1904 年間創作之交響曲。此曲最初題獻為「悲劇」,後被馬勒本人刪除,但因其內容充滿陰鬱與絕望,因此「悲劇」之名仍廣為流傳。

 

創作背景

創作期間馬勒其實正值事業巔峰,不但擔任維也納國家歌劇院總監,並與妻子阿爾瑪(Alma Mahler)新婚,生活看似平靜幸福。然而,這首交響曲卻蘊含強烈的內心掙扎與預言式的悲劇色彩。

據馬勒自述,此曲匯集了「一生所忍受的不如意遭遇」,反映出他對生命無常的深刻體悟。

諷刺的是,三年後(1907 年),馬勒果然遭遇三重打擊:失業、長女夭折、確診不可逆的心臟病,與樂曲中描繪的三大命運挫敗,形成寓言式的呼應。

第六號交響曲樂曲結構嚴謹,音樂風格融合了古典架構與極端情感表現。

馬勒雖回歸古典交響曲曲式(四樂章架構),但音樂內容仍持續以顛覆性的情感張力與不和諧和聲,更以龐大編制(包含擴充的木管、銅管與打擊樂組)與強烈戲劇張力突破浪漫主義框架,可看出他不斷擴張的架構寫作。

首演

此曲首演於 1906 年 5 月 27 日,由馬勒親自指揮,但普遍不被當時觀眾所欣賞。

馬勒音樂中深刻的哲學內涵與大膽的音樂語言,直至20世紀後期才獲得廣泛讚譽,此曲亦在成為馬勒最具代表性的作品之一,布列茲、阿巴多、、楊頌斯、拉圖、杜達美等指揮家均留有精彩版本。

 

音樂風格概說

《悲劇》之首樂章以令人一聽難忘的壓倒性的進行曲風格開場,象徵命運被無情蹂躪的摧毀;第二樂章「詼諧曲」則以原始的鄉土舞曲對抗宿命,風笛與牛鈴的加入雖營造田園意象,卻暗藏不安暗流;第三樂章「行板」轉為內斂的抒情,弦樂與管樂之間的對話,襯托著悲歌般的旋律,猶如對生命的深情回望,令人深深喜愛,我見猶憐;而最終樂章之長度更達 30 分鐘,以三次木錘重擊(後刪減為兩次),象徵英雄的墜落,展現令人絕望與毀滅的戲劇性,強烈的不協和和弦與暴風雨般的樂句,將絕望與毀滅推向巔峰。

這種對命運的強烈控訴,不僅是馬勒個人的內心寫照,也隱喻了 20 世紀初歐洲社會動盪前夕的集體焦慮,俗稱「世紀末的哀愁」。

「馬勒的音樂表現了當時的問題性和時代性。同時也展現了他個人的內在。在他的音樂裡反映了十九世紀末的頹廢風氣與當時世界的淒苦,也飄散著奧地利帝國夕陽的氣氛。他的音樂是他內在糾葛的表現,展現它與外在世界之爭鬥。」

- 殷巴爾(Elinhu Inbal, b. 1936)

 

https://www.youtube.com/watch?v=J_z2xWjlK9U

 

再來一個版本比較:六大指揮競馬勒六

https://www.youtube.com/watch?v=4QLqwaQjYjI

 

馬勒交響曲的「三大創作階段」

根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,第五號亦開啟了馬勒第二創作時期,意味著從這首交響曲開始,馬勒的交響曲思維亦開啟了不同的內涵。

布魯諾.華爾特於1910年6月,首次與馬勒在信件中提到馬勒作品的前兩個創作時期:

「您的歌曲作品中,第一個階段包含《少年魔號》(Des Knaben Wdehom)詩集譜曲之作品,第二階段則包含為呂克特(Friedrich Rickert, 1788 - 1866)之詩詞譜曲創作。而您的交響曲正好依據與歌曲相同之階段創作:第一階段包含您的《第一號交響曲》到《第四號交響曲》;第二階段包含《第五號交響曲》到第八號響曲》。前面四首交響曲讚賞永恆的事物,一部分藉由文字表達,一部分將文字隱藏起來,轉為絕對音樂形式。之後的《第五交響曲》、《第六交響曲》與《第七號交響曲》,則完全未受何隱蔽文字之影響,而全然以音樂成形。《第八號交響曲》的所有一切都是新穎的,最後關於神秘教義之音樂,則由文字提供。」

 

1908年布魯諾.華爾特與馬勒,散佈於布拉格街頭

 

在此封布魯諾.華爾特與馬勒討論交響曲的信件,他倆都還不知道之後馬勒會繼續創作出《大地之歌》與第九號交響曲,以及最後未完成的第十號...

 

因此,根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,我們知曉馬勒認可了他交響曲的「三大創作階段」:

第一階段

自然時期:讚賞永恆的事物

第二階段

全然的音樂成形

第三階段

一切皆是新穎的、未知的

第一號

第二號

第三號

第四號

第五號

第六號

第七號

《大地之歌》

第八號《千人》

第九號

第十號
(僅完成第一樂章與五樂章架構)

 

馬勒在《悲劇》之特殊創作手法

馬勒在此曲中大量運用「回顧」(Rückblick,英譯:Look back)手法,讓樂章間的主題相互呼應,形成命運不斷輪迴的隱喻。

而馬勒的和聲語言雖承繼華格納與布拉姆斯、布魯克納之影響,卻以突兀的轉調與撞擊性的節奏,預示了現代無調性音樂的誕生:這種將個人苦難升華為普世哲學的風格,更使《悲劇》交響曲成為表現主義音樂的先聲,深刻影響了後世作曲家,例如荀白克、貝爾格與魏本等十二音列作曲家。

 

感性時間

隱世顯學.雜學深功夫

以前說,「聽馬勒,是一種顯學」,我認為「聽馬勒,更是一種雜學」

我說的這種「雜學」,指的是好的那一方面「雜學」

為了聽懂馬勒,聽馬勒的音樂,有關於管弦樂的一切,都需要「略懂略懂」:

管弦配器法要開始「略懂略懂」、樂器演奏法要「略懂略懂」、音樂曲式學也要「略懂略懂」、動機主義作曲也要「略懂略懂」,背景考據更要「略懂略懂」,作曲家的想法更要「略懂略懂」...

例如:

第六號《悲劇》裡,象徵著擊倒巨人的大槌(Hammer),馬勒並未具體指示要用哪一種槌子?敲擊哪一種板子?

所以各樂團都會以自己的方式製作對應《悲劇》的大槌與打擊板:有的聲音亮,有的暗沈,有的極重,有的則悶響,這就是一種開放性的選項

為什麼第六號第一樂章,前奏之後的第一段音樂,會被稱之為「Alma主題」?

為什麼第六號最美的行板,有的版本在第二樂章,有的在第三樂章?

為什麼英雄的三大打擊,但槌子只打兩次?

進一步的雜學,體現在現場觀察管弦樂團演奏的樂趣:

例如,樂手們畢竟是人,偶爾前後檔弓法會錯亂;偶爾雙鈸會在小聲之處沒打出聲音,或者打錯拍點;銅管也會有突然音色極好或放炮的時刻,就連大槌,都有現場音樂會打完飛出去的時刻~有時會被演奏逗笑,有時卻又感動莫名(這段文字,沒有指特定場次)

聽得更多,了解更多之後...放鬆心情,體驗現場Live',增加經驗值,馬勒的各類雜學深度,將越來越厚實

這些,絕對是一輩子的追尋


馬勒第六號《悲劇》交響曲之四個樂章,猶如生命歷程的壓縮劇場,各樂章情感層次鮮明且充滿衝突,讓我們一個一個樂章聽下去:

第一樂章:壯烈的進行曲(Allegro energico e passionato assai)

嚴格奏鳴曲式

呈示部 發展部 再現部 尾聲
1-122小節 123-285小節 286-373小節 374-481小節

 

情感基調:壓迫、宿命感與抗爭

以沈重的定音鼓與弦樂齊奏揭幕,猶如命運鐵蹄的進行曲節奏貫穿全章。主題動機猶如無法逃脫的枷鎖,銅管齊鳴與弦樂暴風雨般的演奏,展現個人與宿命的激烈搏鬥。樂曲中穿插短暫的寧靜片段(如單簧管與豎琴的對話),卻迅速被洶湧的聲浪吞噬,暗示希望的曇花一現。馬勒曾形容此樂章為「生命的第一擊」,預示後續的摧毀性打擊。

1. Allegro energico, ma non troppo. Heftig, aber markig. (A minor)

0:00 – Introduction

EXPOSITION

0:12Theme 1, Statement 1

0:51 – Statement 2. The framework of the first statement is projected into a completely new rhythmic, harmonic, and melodic body

1:11 – Out of various motivic cells found in theme 1 a new motive forms in the trombones that will dominate the entire movement. I’ll refer to it as [A]

1:27 – Statement 3 further expands the first statement to the point of collapse. Various motives get liquidated into the texture, with [A] leading the way

1:55 – We are presented with the symphony’s Motto – a strict rhythmic idea in the timpani, and a major to minor chord progression.

2:03 – Transitional Theme: A Bach-like chorale with increasingly unstable harmonies. This is barely a transition theme at all, as it reaffirms the A-minor tonic, and retains [A] as a plucked countermelody.

2:38 – Secondary Theme, A-section. The second theme begins with full force. There seems to be a disconnect between its feminine material and its masculine approach; instead of tender and reassuring, it comes across as breathless and even agitated. This is achieved through the use of an overly thick texture with countless moving parts and countermelodies. There are also plenty of motivic similarities to theme 1.

3:17 – B section. Motive [A] from theme 1 appears in the foreground, not even trying to hide its presence. Absurd orchestration.

3:33 – A section.

4:25 – The second theme achieves a very strong expositional closure cadence, affirming the F major secondary key. The exposition then repeats.

DEVELOPMENT

9:53EPISODE 1: Theme 1 world. We’re presented with a nightmarish texture of theme 1 speaking only in short fragments over the Motto rhythm.

10:40 – Theme 1 finally forms into a full phrase - a variant of Exposition Statement 1.

10:56 – The march is unable to sustain the phrase and the development restarts.

11:08 – A new march theme forms over the Motto accompaniment, but soon starts to disintegrate into the texture.

11:51 – The motives of the second theme start to invade the texture. Corrupted, still within the sound-world of theme 1. The Motto rhythm pervades.

12:31EPISODE 2: Theme 2 world. We are pulled outside of the sonata form, as nature enters into the music. We hear distant fragments of theme 2 and the transition theme, along with cowbells(牛鈴,象徵自遠方傳來之大自然遙遠聲響). A mysterious atmosphere is created by superimposing C Mixolydian over a held D in the bass.

12:57 – Motto progression in C, the transition Chorale sounds from a closer distance.

13:47 – The nature sounds gradually taper off, and we enter back into the sonata form. The second theme returns, free from all distortions present in the exposition. It finally speaks sincerely and in a feminine voice.

14:24 – Theme 2 reaches a utopian place of Eb major – a tritone away from the A tonic, while also prefiguring the E-flat major Andante movement.

15:13 – Sounds of the nature return, now in harmony with the second theme. Here, a loose retrograde begins, starting with the return of the transition chorale in major.

16:11 – Final cadential attempt in Utopian E-flat tonic...

16:18EPISODE 3: Gradual return to theme 1. We begin to descend back to the recapitulation. The music is hijacked by the march motives but remains in major.

16:44 – Transition chorale returns. Tonality, phrase groupings, and meter are all destabilized. [A] starts to get liquified, until it transforms into the first statement of the recapitulation.

RECAPITULATION

17:24Theme 1, statement 1, in parallel major. Insane amount of tension. It soon collapses into parallel minor: projection of the Motto progression onto Theme 1

18:01 – Statement 2.

18:37 – Statement 3.

19:03 – Motto. The rest of the transition is thoroughly recomposed, with the chorale appearing in rhythmic diminution.

19:37Theme 2 world begins to reopen. The transition is abandoned without closure. Secondary key recapitulates only its first statement. Rather than trying to achieve a structural closure as in the exposition, it focuses on regrouping and strategizing.

20:41Failed Recapitulation – no closure in the secondary key.

CODA

21:20 – The coda roughly mirrors the development in its episodic approach and in structure. Fragmented E-minor Theme 1 over dissonant F# bass.

22:01 – Theme 1 restarts, as in the development. Motto rhythm makes an appearance.

22:48 – Theme 2 motives start to unnoticeably creep into the texture. E-minor tonic slips to a dystopian E-flat minor.

23:16 – We start to move towards A major. Recomposition of [A], with returning motives from nature section in the development.

23:38 – Final fragments of theme 1 get destructed and firmly reimagined inside the world of theme 2. The music combines elements of both themes, with the transition chorale finally used in normative, functional harmony.

https://www.youtube.com/watch?v=KxjfVZBDn_w

第六號交響曲寫作於1903-1904年間(1906年再次修訂),其時馬勒已經與妻子阿爾瑪結婚並期待著兩人之間愛的結晶誕生(大女兒 Maria Mahler,1902–1907),此時的馬勒工作順遂、愛情與家庭都在幸福的狀態中(二女兒 Anna Mahler, 1904-1988),卻埋首於《悲劇》這樣一首黑暗的殞落之作,在這首交響曲中,馬勒描述的主角,將遭受到三大打擊最終倒下,本首交響曲中的「大槌」(Hammer)已經上方介紹,不再贅述。

https://www.youtube.com/watch?v=v-yylTEx474

 

而本交響曲的另一個特色,就是第一樂章 2'50"左右開始出現「阿爾瑪主題」(Alma Theme),隨後更以主導動機方式不斷出現、變化,甚至成為最後樂章前的主要動力,這滿滿的「阿爾瑪主題」可說是馬勒將心心念念的愛妻放在心中的最佳證明。

這是屬於我的旋律❤️

- 談馬勒《悲劇》的「阿爾瑪主題」(Alma theme)

馬勒第六號交響曲第一樂章,在前奏過後,大約進行至 2'50"(依版本則略有不同) 時,一段由連續上行四音帶出的溫暖發展旋律,被稱之為「阿爾瑪主題」(下方照片即為譜例)

 

馬勒的妻子在講述了馬勒如何創作第六交響曲的過程時,提到有天馬勒將她帶到他的作曲小屋,並為她演奏了這段音樂

馬勒說(直譯):「我試圖以一個音樂主題中捕捉妳的形象 —— 至於我是否成功, 我不知道。妳將不得不容忍它。」(I've tried to capture you in a theme – as for whether I've succeeded, I don't know. You will have to tolerate it.

 

第一樂章在後續的發展中,「阿爾瑪主題」將成為最具分量的主角之一,不斷以各種形式與變化出現在樂曲中,加上「回顧手法」(Rückblick),更成為第一樂章最後結束前的重要動機。

理解「阿爾瑪主題」的意義有三:

第一,又多了一個「馬勒雜學」,令人欣喜;

第二,能更加理解馬勒在作曲時的「動機主義思維」,這對實際理解馬勒的音樂創作,能有極大的幫助

第三,藉由整個樂章滿滿不斷的「阿爾瑪主題」,或許是見證馬勒愛情的另一種方式:滿滿的愛❤️💕

 

延伸欣賞:

阿巴多指揮琉森節慶管弦樂團(2006)

3'33"起即為「阿爾瑪主題

https://youtu.be/YsEo1PsSmbg?t=211


第二樂章:鄉土的詼諧曲(Andante moderato)

三段體 A-B-A'

A(主部) B(中段) A'(主部)
1-96小節 97-198小節 199-272小節

 

情感基調:恐怖而矛盾的歡愉與隱藏的不安

以風笛般的木管旋律與牛鈴點綴,營造田園歡宴的假象。舞曲節奏雖帶有粗獷的鄉土氣息,卻隱含不協和音程與突兀的節奏斷裂,猶如歡樂表象下的隱憂。中段轉為陰鬱的行板,弦樂低吟與法國號的呼號形成對比,暗示歡愉背後的虛無,呼應馬勒對「快樂總是短暫」的生命體悟。

 

像兩個孩子蹣跚地在沙地走動玩耍,孩子的聲音將越來越輕聲嗚咽,最後離去...

2. Scherzo: Wuchtig (A minor)

SCHERZO

0:00 – Statement 1. We get introduced to our first batch of motives: repeated notes, (dotted) oscillating figures, descending 16th notes, an arpeggiating figure, and a descending series of trills (a quote from the first movement). The movement starts with metric ambiguity, as the timpani plays accents on the third beat.

0:26 – Statement 2. The march loses some of its seriousness and reworks the motives from the first statement into slightly absurd figurations, even modulating into major for a brief second. Towards the end of the statement, the serious character returns. The oscillating figure appears in diminution and builds to a climax, with its original dotted counterpart playing above in the winds. The climax is reached through a very important motivic cell that will be thoroughly present in the rest of the symphony – an octave.

0:46 – Statement 2. The scherzo starts to move in retrograde, starting with an almost exact repeat of the second statement’s trajectory, only with greatly elaborated motives. In the first part, a lot of emphasis is put on the oscillating figures, while the second part focuses on the absurd aspect of the second statement - the modulation into major is prolonged and the metric modulations further distort the motives. The buildup to the climax with the oscillating figures is skipped.

1:27 – The music collapses into Statement 1. This is once again almost an exact copy of the first statement from the beginning, only with a more violent orchestration. At the end of the statement the oscillating figures return and end the Scherzo section with the octave motive, but crucially, this time the climax is infused with the symphony’s Motto quoted from the first movement – A major to A minor chord progression.

TRIO

2:16 – The trio reimagines the motives of the scherzo, with special similarities to the start of the second statement. These include repeated notes, metric modulations, descending 16th notes, and even melodies.

2:47 – Oscillating notes interrupt, but are quickly silenced. As the trio is allowed to continue, the oscillating notes are incorporated into the texture along with the other motives.

3:08 – This time repeated notes interrupt as if becoming possessed by its scherzo counterpart. The scherzo section almost manages to return, but the trio succeeds in prolonging its statement. However, the motives keep getting distorted, threatening the return of the scherzo section. The trio tries to prevent this with all of its might.

4:44 – The scherzo returns with extreme violence and rage, causing the music to lose stability.

5:04 – Episode 1. The scherzo is interrupted by a strange episode, which develops the arpeggiation figure and the oscillating notes into sarcastic Klezmer-like music. Gradually the episode takes in more and more motives from the scherzo until it returns in its entirety.

SCHERZO

5:34 – Statement 1. It is only here that the scherzo properly starts. The motives explore different combinations with each other and the whole section is reharmonized.

6:01 – Statement 2. Absurdity is quickly replaced with distortion and even violence. Because of its instability, the statement is shortened.

6:13 - The oscillating figures prove unable to reach a climax, causing the music to quickly search for a solution. First, the oscillating figures are developed into a theme of their own, followed by a section that puts ideas from both statements and even the trio in a close confrontation. The climax then comes completely unprepared, finally ending the scherzo section with another sounding of the Motto progression.

TRIO

7:41 – Trio. Changed orchestration and newly added countermelodies. The structure of this section remains the same with the scherzo intruding and distorting the motives at various points.

10:10 – Once again, the Scherzo is proven to be completely unstable and is unable to form. This causes the episode to take over. Once again, the episode is gradually invaded by more and more motives from the scherzo, until those motives completely take over the music.

SCHERZO

11:12 – Statement 1. The orchestration is further changed, and the different motives constantly overlap. The unending development has completely destabilized and distorted the march.

11:33 – Statement 2. The music stays firmly in minor, and the oscillating figure succeeds at reaching the climax with little effort. At the top of the climax, the main theme of the trio returns in a demonic and fully distorted form, as if the scherzo and the trio were the same characters all along.

12:11 – Coda. The trio melody appears in an extremely melancholic statement. Here, the trio is fully defeated, as it gets completely incorporated into the scherzo world and its associated motives. The whole coda is infused with the Motto’s A major to A minor chord progression.

https://www.youtube.com/watch?v=1qKfOcpCG9c

 


第三樂章:深情的回顧(Adagietto)

三段體 A-B-A'

A(主部) B(中段) A'(主部)
1-55小節

1-20

20-27

28-42

42-55

56-99小節

56-83

84-99

100-114小節

 

 

情感基調:溫柔、懷舊與無可挽回的傷逝

全曲最內斂的樂章,樂團呈現出夜曲般之音色鋪陳寧靜氛圍。弦樂與單簧管交織出如悲歌般的旋律,猶如對過往美好時光的深情回望。樂句中不時湧現的激情片段(如銅管齊奏),卻隨即沈入更深沈的哀傷,象徵逝去的愛與無法改變的宿命。馬勒曾稱此樂章為「對青春的最後告別」。

3. Andante moderato (E-flat major)

ROTATION 1

0:00 – Theme A, strand 1. We're presented with a beautiful melody characterized by its use of modal mixture and lush orchestration.

1:00 – Theme A, strand 2. The goal of the second strand is to reach a strong cadence that concludes the movement. Its two core motives are descending scales and an oscillation between two notes. Both motives have a drive towards closure. Just as the final cadence is about to be reached, the music starts to modulate into minor.

2:14 – Theme B. An English horn and later a flute start to play an extremely melancholic theme. Lush orchestration of theme A is replaced by thin white textures, giving the music a feeling of overwhelming loneliness. This theme is quickly dismissed by the main section.

ROTATION 2

2:51 – Theme A, strand 1, changed orchestration. At 4:06 a new leaping motive is born from the main theme.

4:27 – Theme A, strand 2. The second strand again tries to reach a closing cadence. This time it actually succeeds, but as the movement is about to end, the octave motive from the Scherzo interrupts our closure and transitions us into theme B.

5:59 – The texture thins and the motives of the second strand appear in minor, accompanied by biting dissonances. Theme B arrives shortly after and is passed between the horns and winds.

6:43 – Motives from the second strand and the new leaping motive reenter the music, trying to prevent a disaster. They exchange material with theme B, but ultimately achieve triumph by modulating into major. The leaping motive is transformed into an ostinato, over which the motives from the second strand sing. There’s also a return of the cowbells from the first movement, representing nature.

ROTATION 3

9:32 – Theme A, strand 1 struggles to form at first but then succeeds as the horn takes over. Descending countermelody in violins.

10:31 – Theme A, strand 2. Music soon starts to violently, but also insanely beautifully change keys by descending thirds (Eb major, C major, A major). There are also some aching dissonances present that further disrupt the closure of the section. The octave motive again transitions us into theme B.

13:47 – Theme B. Climax is reached earlier than before and with much greater strength. Motives from strand 2 and the leaping motive are completely overpowered.

15:22 – The moment of triumph from the previous rotation is completely deformed. The cowbells are heard in the distance but are unable to save the music. A distorted version of the leaping motive is heard in the brass, desperately trying to overpower theme B.

ROTATION 4 / CODA

15:40 – The leaping motive succeeded in making way for Theme A, strand 1, now merged with the oscillating notes and the descending scales of the second strand. However, it is still inside the world of Theme B, making it agitated and nervous. Gradually it starts to transform back into its original, loving form and modulate back towards Eb major.

16:47 – We reach the coda through a beautiful modulation into Eb major. The oscillations, descending scales, and the leaping motive all work on bringing the movement to a close.

https://www.youtube.com/watch?v=0qajaHo9CCI&t=2372s


第四樂章:毀滅的終章(Scherzo. Sehr mäßig, aber markiert)

奏鳴曲式

呈示部 發展部 再現部 尾聲
1-228小節 229-519小節 520-772小節 773-822小節

 

情感基調:絕望、毀滅與終極的沈默

以單簧管與低音管的陰鬱對話開場,隨即爆發暴風雨般的樂句,三次重錘打擊(首演後刪減為兩次)猶如命運的審判,擊碎一切掙扎。強烈的不協和和弦與節奏錯位,將樂曲推向毀滅的高潮,最終在虛無的沈默中結束。此樂章被詮釋為馬勒對生命無常的極致控訴,其「三次打擊」更與他日後遭遇的三重悲劇(失業、喪女、心臟病)形成令人訝異的巧合的預言。

 

Finale: Allegro moderato – Allegro energico (A minor)

INTRODUCTORY COMPLEX

0:00 – Generative phase, in C minor.

0:24 – Motto. A minor forcibly displaces C minor, foreshadowing their later conflict.

0:48 – Fragmanted motives from the main theme, followed by much more stable motives from the second subject.

2:14 – Disintegration/Chaos

2:46 – Chorale - origin of transition and hammer themes, C minor regains tonal authority.

3:43 – Motto, leads to a reinstalment of the main motives.

4:28 – The chorale is restated, leading to the Motto in C, enabling the exposition launch.

EXPOSITION

5:05 – First theme’s motives assemble into durable thematic formations, under the authority of C minor.

5:36 – Theme 1. A minor forcibly displaces C minor for a third time. An aggressive march forms, with relentless four-bar groupings.

6:26 – Transition. Drive towards chorale’s C-tonic is reinstated, but A minor keeps derailing progress.

7:32 – Motto's generic motives intrude, leading to collapse. They eliminate the transition theme through a surgence of Motto rhythms and reinstate A minor. 8:11 – Theme 2. Motivically derived from T1.

8:45 – T2 escapes T1 world and reignites drive to D-major cadence.

9:15 – M (Motto) motives return and destabilize the music. Exposition fails, as T2 doesn't secure a cadence in D major.

INTRODUCTORY COMPLEX

9:37 – The introduction returns, now infused with tonal and thematic elements of T2.

10:04 – Motives from T1 continuously suppress every attempt of T2 at stabilizing.

12:12 – T2 returns with all of its might, with a drive to achieve closure in D major. It is as if the expositional space is reopened, as the second theme isn’t willing to accept its failure. Gradually more and more M motives intrude into the texture and destabilize the music.

14:03 – Hammer blow theme, accompanied by M motives. Its goal is to derail cadential drive to D tonic. M motives soon take over and start a liquidation process.

14:52 – First utopian, but unattainable vision of T2. We’re in tonic major, the best of all possible outcomes, and there are no M motives in sight. But we reached this place prematurely, in the development. Soon the texture gets corrupted by M motives and leads to a collapse.

DEVELOPMENT

16:13 – C minor successfully takes over control and restabilizes music through a series of Mottos in C. The first theme begins development, but because it's liberated from the Motto’s influence, it finally forms into a proper theme. It soon starts to shift towards C major, a large-scale modal inversion of the Motto.

16:55 – As soon as M motives creep into the texture, the music becomes destabilized. The music enters a battle with M motives.

17:35 – C tonic is lost, and the M motives take control.

18:04 – Second utopian vision of T2, injected with motives from the introduction. As the theme attempts to reach a cadence in A major, M motives enter and shift the tonal drive to D major.

19:02 – D major cadential attempt derailed by the hammer theme for a second time. This time it doesn’t hide its C minor roots and uses the opportunity to guarantee the start of the exposition in C. To do that, it shifts to dominant of D minor for a final destruction of T2’s drive to cadence in D.

INTRODUCTORY COMPLEX

20:08 – Perfect authentic cadence in D minor poisoned by the return of augmented sixth in Cm. Motto now in C minor. Introduction block of the exposition is mirrored, but now firmly in C.

22:00 – Theme 2 takes advantage of C minor’s inefficiency, and starts searching for a tonality.

23:27 – Theme 2 is suddenly revived.

24:56 – Tonal and thematic stability is lost. Motives from all theme groups co-mingled. As the Motto rhythm enters in the timpani, theme 1 motives gradually start to dominate.

RECAPITULATION

25:44 – Theme 1, A minor. Tracks exposition bar-by-bar; after T2’s motivic spillage evaporates, the recapitulation is exact, even in orchestration.

26:34 – Simultaneous recapitulation of Transition and T2, in A minor. M motives are everywhere. A minor is kept firmly as the tonic throughout the whole section.

27:10 – Transition takes over and tracks recapitulation with minor adjustments. As before, M motives intrude and cause a collapse.

28:08 – A liquidation process starts to reduce the music to the symphony’s basic motivic cells.

28:33 – Final utopian vision. Elaboration of the introduction motive from utopian Vision 2. A major is soon firmly reinstated, and we reach towards a cadence accompanied by a bitterly sarcastic motto rhythm. Just as the cadence is in sight, we again collapse.

CODA

30:31 – Introductory Complex: A minor. Introductory theme in sour inverse counterpoint at the tritone. Ends with the Motto.

31:30 – Final liquidation resulting in rhythmic, harmonic, motivic, and tonal uniformity. The symphony ends with the Motto in A minor, where the major triad has been omitted.

 

兩大重錘時間軸:

HAMMER 1 1:07:15

HAMMER 2 1:12:07

https://www.youtube.com/watch?v=0qajaHo9CCI&t=3255s

 

BON話題:關於第六號的「可變性」

  1. 第二樂章與第三樂章之順序,可以對調。這就是為什麽知名的行板,有些錄音會在第二樂章,有些錄音被放在第三樂章。
  2. 木槌打擊次數。

阿爾瑪引用馬勒的話說,這是命運降臨在英雄身上的三次強大打擊,「第三次打擊使他像一棵樹一樣倒下」。

她將這些打擊與古斯塔夫·馬勒自己生活中的三件後期事件聯繫起來:他的長女瑪麗亞·安娜·馬勒的去世、被診斷出最終致命的心臟病,以及他被迫辭去維也納歌劇院的職務並離開維也納。後來在修改這部作品時,馬勒刪除了最後第三次擊弦,以便音樂在第三次擊弦處突然進入靜止狀態。

後來的指揮家,可依據自己的詮釋,自由決定要兩次槌擊,或者三次。

伯恩斯坦的錄音與演出,則恢復了馬勒原始的第三次擊鎚。

伯恩斯坦.重現三次《悲劇》木槌打擊

1. Allegro energico, ma non troppo. Heftig, aber markig. 0:01:10

2. Scherzo: Wuchtig 0:22:42

3. Andante moderato 0:35:50

4. Finale: Sostenuto – Allegro moderato – Allegro energico 0:52:17

  1. 1st Hammer Strike 1:04:51
  2. 2nd Hammer Strike 1:09:24
  3. 3rd Hammer Strike 1:19:53

https://www.youtube.com/watch?v=goXH3NUhUFk

 

 

除了「三大打擊」之外,馬勒其實還安排了「五次鑼響」,分別在:

395-396

401-402

479-480(伴隨著第一次大槌)

520-523

773-777

其實鑼響,雖然還不是真正的重擊,但接連出現五次,對交響曲所描述的主人翁,的確產生不小的打擊,再搭配這兩下巨槌,就是是重量級拳王泰森的連續爆擊上鉤拳,不被K.O都很難了...

 

阿巴多版本.兩次槌擊

大槌1

https://youtu.be/YsEo1PsSmbg?t=3927

 

大槌2

https://youtu.be/YsEo1PsSmbg?t=4223

 

趣味話題

華格納.也有大槌

https://www.youtube.com/watch?v=ineYcKcfmJQ

 

被大槌擊落的樂手

https://www.youtube.com/watch?v=6T4Z2IXRPZY

 

災難片.繼續追加

https://www.youtube.com/watch?v=_0XrYkzCC2U


延伸閱讀

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-1-titan-2/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-2-resurrection/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-3/

 


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【BON音樂】蹦藝術專題演講:解密華格納:從主導動機到《羅恩格林》的音樂傳奇

【BON音樂】蹦藝術專題演講 :解密華格納:從主導動機到《羅恩格林》的音樂傳奇
Decoding Wagner: from leitmotiv to "Lohengrin"

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


解秘.華格納

 

華格納是德國最具代表性的音樂家之一,他的歌劇革新劇場藝術,深遠影響後世作曲與電影配樂。從《羅恩格林》到《尼貝龍根的指環》,他以「主導動機」(Leitmotif)技法,塑造扣人心弦的音樂敘事。本場講座特邀超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師,帶領大家深入淺出解密華格納,讓您輕鬆成為「歌劇欣賞達人」。

《羅恩格林》講述來自天鵝騎士為愛奮戰的動人故事,其中經典〈婚禮合唱〉,至今仍是新娘進場的經典樂曲,而德國名勝新天鵝堡亦受其啟發。林仁斌老師將簡介即將全臺首演的全本歌劇《羅恩格林》,剖析其音樂與戲劇特色,提升觀賞體驗。讓我們一同走進華格納的音樂世界,聆聽傳奇如何被譜寫。

 

主講人:林仁斌老師

 

偉大的德國歌劇作曲家華格納(1813-1883),一生為音樂史締造許多傳奇。

 

代表作品一覽

《華格納作品目錄(Wagner-Werk-Verzeichnis)》(WWV)中,一共收錄的他的作品共有113件,其中包括未完成的以及計劃中的作品,如果將未譜曲劇本、構思及失蹤的作品除去,剩下82部;如果再細數真正完成的歌劇作品,一共10部。(若指環四聯劇拆開計算為13部)

*資料取自維基百科,並附上超連結方便檢索。

中文名稱 原文名稱 首演年份
仙女 Die Feen 創作於1833-34,首演於1888年
禁戀 Das Liebesverbot 創作於1834-36,首演於1836年
黎恩濟 Rienzi 1837
漂泊的荷蘭人 Der Fliegende Holländer 1843
唐懷瑟 Tannhäuser 1845
羅恩格林 Lohengrin 1848
崔斯坦與伊索德 Tristan und Isolde 1859
紐倫堡的名歌手 Die Meistersinger Von Nürnberg 1867
尼貝龍根的指環

I.萊茵的黃金
II.女武神
III.齊格菲
IV.諸神的黃昏

Der Ring des Nibelungen

I.Das Rheingold
II.Die Walküre
III.Siegfried
IV.Götterdämmerung

I.萊茵的黃金(1854)
II.女武神(1856)
III.齊格菲(1871)
IV.諸神的黃昏(1874)
帕西法爾 Parsifal 1882

 

3分鐘認識華格納.介紹影片

https://www.youtube.com/watch?v=YiPGE0JjCkQ

 

 

戲劇第一,音樂其次

這項改革呼應了百年前的「音樂與文字之爭」,但是將歌劇音樂的表現,更加地推向與劇場的融合,也就是接近更加完全的藝術形式,或者是我們現代人最愛的~電影。

華格納因此打響了名聲,作品也打破過往義大利、法國歌劇專美於前的局勢,讓德國歌劇在樂史上擁有不可動搖的地位。

華格納在50歲前因揮霍成性始終窮困潦倒,在私人感情上也讓人不敢恭維,但仿若受到幸運之神眷顧,在巴伐利亞國王路德維希二世的崇拜與大力支持後,生活從此一帆風順,不僅能專心創作,橫跨數十年完成例如《尼貝龍根的指環》,也就是我們常說的「指環四部曲」這般全長15小時的鉅作,

他甚至能夠猶如實現夢想般地,打造出只演出自己樂劇作品,完全實踐心中表演理念的拜魯特劇院,華格納創立拜魯特音樂節,演出自己的作品。

這般成就與人生的確非凡人所能及,莫怪後世音樂家在仰望這位音樂巨人時,無不肅然起敬。

 

整體藝術

華格納心中的最高藝術表演標準:「整體藝術」(Gesamtkunstwerk),這項改革除了呼應百年前歌劇界的「音樂與文字之爭」,更將歌劇音樂的表現推向與劇場的融合,也就是接近「完全的藝術形式」,也就是我們現代人最愛的~電影。

他首將歌劇中音樂的地位提升,將劇情、歌詞與音樂更縝密融合,過往的歌劇在他改革下,變成格局更弘大的「樂劇」(德:Muzikdrama)(英:Music Drama)。而在這樣的理念中,華格納將「樂劇」置為最高位階,認為從音樂譜曲、詩歌文字到戲劇、舞蹈、舞台、服裝等所有元素,皆應融合為一,為整體戲劇呈現服務,這就是「整體藝術」(德:Gesamtkunstwerk)(英:Total work of Art)。


拜魯特音樂節與華格納之舞台

華格納年代的拜魯特劇院繪圖

 

迷人的穹頂.輝煌的過往歷史

 

今日的觀眾席視角:完全看不到樂團,純然的沈浸式觀劇體驗

 

換個角度繼續觀察,果然完全看不見樂池:

 

拜魯特音樂節官方網站

 

演出劇目

歷年演出劇目總整理

 

主導動機是什麼?

「主導動機」(Leitmotiv)事實上就是利用某個固定旋律代替劇中的角色,這是一個相當個性化的旋律,也會隨著劇情進行的產生變化,就類似今日電影配樂裡對於角色或是劇情所給予旋律,意義上是相近似的。

除了華格納之外,法國歌劇的作曲家比才(George Bizet)也在歌劇《卡門》中,也曾運用過相似的手法。

我們甚至可以說,華格納的樂劇作品,其實就是今日電影與電影配樂的原始雛型。

 

電影用音樂說故事的四種方法

 

認識歌劇《羅恩格林》

故事背景

《羅恩格林》的故事背景設定在中世紀的德國,融合了宗教傳說騎士精神愛情元素

故事發生約莫十西元時世紀,當時的社會深受基督教文化影響,人們對宗教教義和神秘事物充滿敬畏。

聖杯作為基督教中的聖物,被視為具有神奇力量的象徵,與上帝的恩澤和救贖緊密相連。

而聖杯,就是指曾盛過耶穌在十字架上所流寶血的杯子,秘藏在蒙薩爾瓦特塔,由奉獻一生的聖杯騎士守護著。

傳說中,守護聖杯的騎士們肩負著神聖使命,他們來自神秘的聖杯王國,為守護聖杯和傳播上帝的旨意而存在。

在這樣的背景下,布拉班特公國陷入了動盪。公主艾爾莎的弟弟戈特弗里德失踪,公國的統治權面臨爭議。泰拉蒙伯爵企圖篡奪公國,誣陷艾爾莎殺害了弟弟。艾爾莎陷入困境,在她孤立無援之時,向神祈禱,神派來聖杯騎士羅恩格林幫助她。羅恩格林乘坐由天鵝牽引的小船而來,他代表著正義與神聖的力量,以騎士的身份為艾爾莎辯護,並在與泰拉蒙伯爵的決鬥中獲勝。

劇中反映了中世紀社會對騎士精神的崇尚,羅恩格林作為騎士,展現出勇敢、忠誠、正義和對愛的尊重等特質。同時,故事也圍繞著愛情與信任展開,艾爾莎與榮恩葛林之間的愛情在複雜的社會和宗教背景下,面臨種種考驗。

 

首演

《羅恩格林》於1850年在威瑪首演,當時華格納因被通緝而避居於瑞士,能夠演出全因1842年起於威瑪宮廷擔任音樂總監之李斯特為其協調歌劇細節並並擔任指揮,方能順利進行首演。

 

角色介紹

海恩里希
(Heinrich der Vogler)
捕鳥者、日耳曼國王 (男低音)
羅恩格林
(Lohengrin)
聖杯騎士,帕西法爾之子 (女高音)
布拉班特的艾爾莎
(Elsa of Brabant)
女主角,布拉班特公主  
泰拉蒙的腓特烈
(Friedrich of Telramund, a Count of Brabant)
布拉班特的伯爵 (男中音)
奧爾圖德
(Ortrud, Telramund's wife)
腓特烈之妻 (戲劇女高音)
經常由女中音演唱)
國王的使者
(The King's Herald)
  (男中音)
四位布拉班特貴族
(Four Noblemen of Brabant)
  (兩男高音,兩男低音)
四位宮廷伺童
(Four Pages)
   
高特菲公爵
(Duke Gottfried, Elsa's brother)
艾爾莎的弟弟  
臨時演員 各類臨時演員,包括如撒克遜人、圖林根人、來自布拉班特的其他伯爵、貴族、貴婦、侍從、封臣和農奴等

 

劇情解說

本段「劇情解說」整理自網路與維基百科,附上連結供參考

前奏曲和第一幕

  • 場景:10 世紀的安特衛普,日耳曼王亨利一世來到布拉班特公國,召集部下準備抗擊匈牙利人的入侵。

進入歌劇的故事之前,聽眾就能跟從前奏曲進入另一個世界。前奏曲描繪一幅聖杯王國的景象,音樂以A大調進行。

第一幕前奏曲:以神祕的 「聖杯動機」 為中心展開,華格納用極為清純莊嚴的手法描繪遠方的聖杯格拉爾聖域。

 

樂曲開始的兩聲和弦,華格納把弦樂聲部劃分成了 11 組,先由 4 個小提琴組演奏,接著是 2 支長笛和 2 支雙簧管,最後由 4 把獨奏小提琴收尾,形成奇妙音效,彷彿在描寫閃閃發光的聖杯。之後聖杯主題在不同樂器聲部間轉換,逐漸推向高潮,又漸弱下行,最後在短暫出現的聖杯主題樂句中悄然結束,彷彿聖杯騎士漸漸遠去。

https://www.youtube.com/watch?v=zyodILZEQFg

 

音樂然後過渡到精神有力,但又不乏柔情的C大調至第一幕。使者宣告國王亨利一世的到來(Hört Grafen, Edle, Freie von Brabant: Heinrich der Deutschen König kam zur Statt, mit Euch zu dingen nach des Reiches Recht - gebt Ihr nun Fried' und Folge dem Gebot?

https://www.youtube.com/watch?v=o2F80uGA6Ck

 

 

情節:布拉班特公爵逝世後,將遺孤艾爾莎和弟弟戈特弗里德託付給泰拉蒙伯爵腓特烈。而戈特弗里德突然離奇失蹤,泰拉蒙伯爵的妻子奧特魯德挑唆丈夫說,稱親眼看到艾爾莎將弟弟溺死於池塘中。(而其實是奧爾圖德使用巫術讓年幼的公爵戈特弗里德變成天鵝...)

泰拉蒙伯爵於是控告艾爾莎有罪,並要求奪取其父親的爵位,還解除了與艾爾莎先前的婚約,轉而與奧特魯德結婚。

艾爾莎否認控罪,艾爾莎否認控罪,日耳曼國王此時也無法決斷了,他認為這只有天庭可定奪他們的命運:而這樣的定奪將由一場決鬥告終。

艾爾莎表示曾夢到上帝會派遣使者來保護她。

《艾爾莎之夢》:第一幕中艾爾莎公主的詠嘆調,她在面臨審判的絕望時刻,唱出自己夢中上帝派來使者拯救她的情景,旋律優美而充滿幻想,表達出艾爾莎的無助與對希望的憧憬,展現了她內心的純真和對美好生活的真嚮往。

https://www.youtube.com/watch?v=dyxnpYNCTYY

 

當她向國王亨利一世訴說了這個夢之後,國王的使者呼喚天庭(呼了三次),果然遠遠地出現了一位騎士。

此時,由天鵝拉著的小船出現,船上站著身穿金鎧甲的騎士羅恩格林

https://www.youtube.com/watch?v=r75s8q56eYc

 

羅恩格林與天鵝船的降臨

羅恩格林與天鵝船的降臨

 

羅恩格林上岸後,讓天鵝船先離去,向眾人表示願為艾爾莎而戰,但要求艾爾莎答應絕不問起他的姓名、出身與過去。艾爾莎答應了。

 

泰拉蒙已經是一名沙場老將了,他欣然接受了決鬥。

在日耳曼王的見證下,羅恩格林泰拉蒙伯爵進行決鬥,並輕鬆獲勝。

艾爾莎羅恩格林表白心意,於是二人約定婚期。

羅恩格林同意成婚,但他有一個條件:就是希望艾爾莎永遠不要問自己的姓名和出身("woher ich kam der Fahrt, noch wie mein Nam' und Art",意為:我來自何方,我的名字和身份)。

https://www.youtube.com/watch?v=8_-ISsitKzI

 

從後面羅恩格林的劇情敘述,我們可得知,這個要求並不是出於羅恩格林愛慕虛榮,而是由於聖杯騎士的規定。

 

第二幕

  • 場景泰拉蒙伯爵的城堡前。

第二幕開始,奧爾圖德對丈夫說這樣的決鬥並不公平,這名騎士只是靠幻術取勝。同時她還斷言,只要騎士的身體任何一部分,就是指尖被打掉,幻術就會消失。

而在婚禮上遇到艾爾莎時,奧爾圖德顯得很內疚。艾爾莎並不記仇,一心要和奧圖爾德重歸於好。

在私底下的談話中,奧圖爾德別有用心的暗示並說道:這名騎士不願意說自己的名字,肯定是有鬼。

艾爾莎則努力驅除頭腦中的疑慮,但是顯然未能完全釋懷。

場景轉換,使者號聚布拉班特人並宣告,泰拉蒙伯爵竟敢對上天不敬,被依法剝奪其財產和權利並受到驅逐,而那位陌生的騎士理應獲得布拉班特公國的伯爵頭銜

但這位騎士不願意接受這個封號,唯獨接受了布拉班特的庇護者的稱號(Protector of Brabant)。

國王的使者宣布,這名騎士會在當天與艾爾莎成婚,並會於次日與布拉班特人跟隨國王出征。

 

第三幕

  • 艾爾莎與羅恩格林的新房中

艾爾莎和這名騎士成婚。

新婚之夜,響起了著名的混聲四部合唱的結婚進行曲婚禮合唱〉。

金光四射而燦爛的第三幕前奏曲 + 婚禮合唱

https://www.youtube.com/watch?v=J2lX86w-pT4

 

華格納〈婚禮合唱

 

兩人此時終於可以單獨四目相對。

 

補充:蕭邦送葬進行曲

https://www.youtube.com/watch?v=D05AB8xs7qA

 

按照現在的歌劇舞台編排,對話不會像歌劇最初在床上,而是在房間的大沙發上進行。

艾爾莎羅恩格林保證,就算奧圖爾特的話為真,她也會向他效忠。而騎士則向艾爾莎保證,自己是純潔的。

可是艾爾莎心中的疑惑卻並沒有釋懷,她還是戰戰兢兢的開口問道了眼前已成為丈夫的騎士姓名。

 

羅恩格林感到非常遺憾,想到為了艾爾莎,付出了許多,但始終未能得到她的信任...

而在這時,泰拉蒙衝進了房間,騎士和他展開了第二次對決,並把他刺死了。

羅恩格林喚來了布拉班特的貴族到國王前對峙。

接著,羅恩格林對國王說到(聖杯故事)以及自己的名字,他的來歷。

令眾人沒想到的是,他就是聖杯國王的兒子——聖杯騎士羅恩格林

 

羅恩格林面對所有人,當眾回應公主破壞誓言,追問姓名之事,也平靜地道出自己的身份:《在那遙遠的國度》(格拉爾聖杯的故事)。

「在遙遠的國度有一個蒙薩爾瓦特城,那裡有守護聖杯格拉爾的騎士,而我就是聖杯之王帕西法爾之子 - 羅恩格林。」

現在,他因為艾爾莎已提出了那破約的問題,他已不能跟隨國王前去打仗了,也不會留在布拉班特,只得折返天國。

他還保證國王即將到來的戰爭勝利。

臨走之前,羅恩格林艾爾莎說,其實原先只要她一年之內不破除他們之間的約定,他們兩人本是可以永遠在一起的,而弟弟高特菲的魔法也會去除,可回國並且成為一個偉大的領主。

艾爾莎無限的後悔,不管如何央求與國王開口的誠邀,都沒能使羅恩格林留下。

天鵝又出現了,後面還是那條船。

突然奧圖爾德大聲歡呼起來,她認出那天鵝就是艾爾莎消失的弟弟:高特菲

原來是羅恩格林通過禱求,使得附著在高特菲身上的巫術,能在到達限期之前就解除,

而現在羅恩格林的小船,則由一隻鴿子牽引,載著他前往天國。

眼見詭計敗露,奧圖爾德大叫一聲便倒地身亡。

艾爾莎此時更加後悔不已,因為傷心過度而魂歸天國。

The death of Elsa

但此時音樂卻為大調,華格納以此暗示羅恩格林與艾爾莎,即時現在分離,但在天國亦將重逢。(劇終)

 

第三幕最終景(11:11

https://youtu.be/t5QUjz7n0dk?t=671

 

筆者註:什麼聖杯故事?

聖杯故事是一系列圍繞著「聖杯」這一神秘物品的傳說和故事,在西方歷史與文化中具有深遠的影響:

聖杯的起源與定義

聖杯最初的概念來源有多種說法,有些觀點認為它可能起源於基督教傳說被認為是耶穌在最後的晚餐中所使用過的杯子

而在耶穌受難時,亞利馬太的約瑟更曾經用這個杯子,在耶穌被叮的十字架之下,收集了耶穌的寶血。

主要故事內容

尋找聖杯:在傳說中,聖杯具有神奇的力量,如能治癒傷病、帶來永生等,因此引發了許多騎士的追尋。

眾多勇敢的騎士踏上了充滿艱難險阻的旅程,以尋找聖杯為最高榮譽和使命。例如,亞瑟王圓桌騎士中的加拉哈德、珀西瓦爾等騎士,都曾參與過聖杯的尋找。

騎士的考驗:尋找聖杯的過程充滿了各種考驗,不僅有外在的艱難險阻,如惡劣的自然環境、兇猛的怪物以及強大的敵人等,還有內在的道德和精神考驗。騎士們需要具備高尚的品德、堅定的信仰和純潔的心靈,才能有望找到聖杯。有些騎士可能會因為自身的慾望、驕傲或其他弱點而在途中失敗,只有那些真正內心純淨、品德高尚的騎士才能最終接近聖杯。

聖杯的守護:傳說中存在著一些神秘的城堡或團體負責守護聖杯。例如,蒙薩爾瓦特城堡被認為是聖杯的守護之地,由一群忠誠的騎士守護著。這些守護騎士肩負著神聖的使命,保護聖杯不被邪惡勢力奪走,同時等待合適的人來領取聖杯,以實現其神奇的力量。

宗教寓意:聖杯故事與基督教的教義和象徵有著緊密的聯繫,它代表著上帝的恩典、救贖和永生的希望,反映了人們對宗教信仰的追求和對神聖力量的嚮往。

騎士精神的象徵:尋找聖杯的過程成為了騎士們展現英勇、忠誠、慷慨和純潔等高貴品質的舞台,因此聖杯故事也成為了騎士精神的重要像徵,激勵著人們追求高尚的道德和精神境界。

文學藝術的靈感來源:聖杯故事為許多文學、藝術作品提供了豐富的靈感素材。從古代的傳奇故事、詩歌,到現代的小說、電影、遊戲等,都能看到聖杯故事的影子,它已經成為了西方文化中一個代表性的符號和經典主題。

《羅恩格林》的故事導讀

《羅恩格林》的傳說故事,展現了中世紀時之社會價值觀:

宗教信仰至上

故事中,聖杯是核心元素,它代表上帝的恩澤與救贖,是具有神聖力量的聖物。

羅恩格林作為守護聖杯的騎士,肩負著傳播上帝旨意的神聖使命,他的出現是神對艾爾莎祈禱的回應,展現了中世紀人們對宗教的虔誠以及相信上帝會在關鍵時刻適時修正人間信仰與善良風俗。

而這種對宗教的絕對信任和依賴,也反映出在中世紀時,宗教在社會生活中佔據之主導地位:人們將宗教教義和儀式視為生活的重要準則,並時刻尋求宗教的指引和庇護。

 

崇尚騎士精神

羅恩格林身為騎士,具備勇敢、忠誠、正義等特質。

他的出現是為了幫助艾爾莎,而他勇敢地與泰拉蒙伯爵決鬥,也是捍衛正義和公理。

在面對挑戰時,羅恩格林毫不退縮,展現出了非凡的勇氣和戰鬥技巧;同時,他對自己的使命忠誠不渝,即使面臨許多困難和誤解,也始終堅守自己作為聖杯騎士的職責。

此種騎士精神在中世紀社會備受推崇,是貴族和武士們追求的高貴人生品質:代表著榮譽、尊嚴和對正義的執著追求。

強調榮譽與尊嚴

無論是羅恩格林還是其他貴族人物,都非常看重自己的榮譽和尊嚴。

例如,羅恩格林要求艾爾莎不要詢問他的來歷和姓名,因為這涉及他作為聖杯騎士的榮譽和使命。

一旦埃爾莎違背約定,就引發了一系列的危機,這表明在中世紀社會中,個人的榮譽和尊嚴是不可侵犯的,即使是在愛情面前也不能妥協。

同樣,泰拉蒙伯爵為了爭奪公國的統治權,不惜使用誣陷等手段,也是為了維護自己的地位和榮譽,儘管他的行為違背了道德準則,但從側面反映了當時人們對榮譽和尊嚴的高度重視。

重視愛情與婚姻的神聖性

羅恩格林與艾爾莎之間的愛情故事是劇中的重要線索。

他們的愛情在困難和挑戰中逐漸發展,體現了中世紀人們對純潔愛情的嚮往;同時他們的婚姻也被視為一種神聖的結合,婚禮儀式莊嚴而隆重,受到眾人的祝福。

儘管在故事中,愛情和婚姻面臨種種考驗,但雙方對彼此的感情始終是真摯的。

這種對愛情和婚姻的態度,也反映了中世紀社會對家庭和婚姻關係的重視:這是社會穩定和延續的重要基礎,強調夫妻之間的忠誠和相互支持。

 

嚴格的等級制度

故事中的人物身分和地位有著明顯的差異,反映了中世紀嚴格的階級制度。

羅恩格林作為聖杯騎士,來自神秘而高貴的聖杯王國,擁有特殊的身份和使命,處於社會的較高階層。

艾爾莎身為公主,也屬於貴族階級,享有一定的權力和地位。

而泰拉蒙伯爵等貴族則透過各種手段維護自己的階級利益和特權。

一般民眾則處於社會底層,對貴族和宗教權威有著敬畏和服從的態度。

這種等級制度在劇中的人物關係和行為中得到了充分體現,反映了當時社會的階級結構和秩序。

 

Q&A

羅恩格林是真實的歷史人物嗎?

羅恩格林不是真實的歷史人物,他是德國中世紀傳說中的虛構角色。

羅恩格林的故事最早出現在 13 世紀初葉詩人沃夫倫的詩篇《帕西法爾》中。在傳說中,他是聖杯騎士,也常被稱為「天鵝騎士」,會乘一隻巨大的白天鵝前來解救處於危難中的人們。後來,19世紀德國作曲家華格納根據相關傳說創作了歌劇《羅恩格林》,使這個「天鵝騎士」的故事更廣為人知。因此雖然故事中存在著歷史背景元素,如涉及德國國王亨利一世在位時期等,但其實這只是為傳說增添了歷史感和現實背景,實實虛虛讓讀者更加身歷其境~其實羅恩格林並非真實歷史人物。

 

為何羅恩格林會現身保護埃爾莎?

在《羅恩格林》的故事中,羅恩格林會現身保護艾爾莎有以下原因:

受神的使命驅使:羅恩格林是聖杯騎士,肩負著守護聖杯的神聖使命。聖杯代表上帝的恩澤與救贖,具有神奇的力量。當埃爾莎向神祈禱尋求幫助時,羅恩格林受神的指引前來,他認為幫助埃爾莎是執行神的旨意,是他作為聖杯騎士的責任,透過保護艾爾莎來彰顯神的正義和力量。

維護正義與公理:艾爾莎被泰拉蒙伯爵無端控告,將面臨不公義的審判與誣陷。羅恩格林秉持著騎士的精神和對正義的追求,不能容忍這種邪惡與不公。他以自己的勇敢和力量來對抗邪惡勢力,挺身為艾爾莎辯護,並透過與泰拉蒙伯爵決鬥來證明埃爾莎的清白,維護正義和公理。

愛情~被艾爾莎的純潔與虔誠所感動:埃爾莎是一位美麗、純潔且虔誠的女子。她在困境中仍堅守對神的信仰,向神祈禱尋求庇佑。羅恩格林被她的這些特質所吸引和打動,心生憐憫與保護之情,願意挺身而出幫助她擺脫困境。


新天鵝堡.天鵝騎士的奇想

巴伐利亞的國王路德維希二世對《羅恩格林》極為傾倒,對天鵝武士的形象特別醉心。這位愛幻想的國王常將自己幻想或裝扮成天鵝騎士。他為此將自己新建的城堡命名為新天鵝堡,並且決定財政支持華格納,以使得後者完成尼伯龍根的指環等大作。(取自維基百科

新天鵝堡(Schloss Neuschwanstein)超美景

 

 

 

 

 


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【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:費城管弦樂團(Philadelphia Orchestra)

【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:費城管弦樂團
Top Orchestras in U.S - Philadelphia Orchestra

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


本系列「2025年世界管弦樂團巡禮」- 北美篇,將以美國為主要區域,詳細介紹各大管弦樂團之歷史沿革與特色,並深入欣賞精湛之演奏。

 

美國五大交響樂團

 

讓我們先從歷史談起,當我們聊到美國樂團十,總喜愛先聊「五大」,這五大交響樂團在過去的歷史定位也非常清楚,分別是:

紐約愛樂 New York Philharmonic

波士頓交響樂團 Boston Symphony Orchestra

芝加哥交響樂團 Chicago Symphony Orchestra

費城交響樂團 Philadelphia Orchestra

克里夫蘭交響樂團 Cleveland Orchestra

美國五大樂團」一詞,誕生於早期黑膠唱片錄音時期,當時管弦樂尚在以廣播方式放送音樂,聽眾們在家中,以收音機方式收聽各樂團之音樂節目之時期。

各樂團在20世紀也如「兄弟登山,各自努力」般,不斷擴大樂團編組,提升演奏能力。

時至20世紀中葉,東岸商業環境繁盛,於是錄音和廣播節目漸漸由東海岸樂團主導,當時最著名的樂團被稱為「三巨頭」:紐約樂團、波士頓樂團和費城樂團。

逐漸地,當時隨著偉大指揮家們的崛起,樂團能見度與唱片銷量也逐漸提升,因此,由喬治·塞爾領軍的克利夫蘭管弦樂團和弗里茨·萊納指揮的芝加哥交響樂團,聲望日益提高,人們漸漸將管弦樂「三巨頭」擴張為「五巨頭」,也就是我們常說的「美國五大樂團」。


【你關心的BON話題 - 樂團薪資篇】

1 San Francisco Symphony

基本薪資 $166,400

The San Francisco Symphony Orchestra remunerate their musicians a large chunk from ticket sales, donations, and other sources of income. It has maintained its spot on the base pay rankings over the years. SFO Symphony was founded in 1911. It’s based in San Francisco, California.

Since 1980, the orchestra has been performing at the Louise M. Davies Symphony Hall in the City’s Hayes Valley neighborhood. They are the resident orchestra of the LMD Symphony Hall. Despite the short history of performances, the orchestra has been awarded an Emmy Award and 15 Grammy Awards. It was also the first to feature symphonic radio broadcasts in 1926, and in 2003.

Visit https://www.sfsymphony.org/ to learn more about their upcoming performances.

舊金山交響樂團從門票銷售、慈善捐款、企業贊助、政府補助以及其他多種收入來源中,拿出很大一部分來酬勞樂團成員。多年來,其基本薪酬排名一直保持穩定。舊金山交響樂團成立於 1911 年,總部位於加利福尼亞州舊金山。

自 1980 年起,該樂團一直在舊金山海斯谷社區的路易斯・M・戴維斯交響樂廳演出。他們是路易絲・M・戴維斯交響樂廳的駐場樂團。儘管演出歷史不算悠久,但該樂團已榮獲一座艾美獎和 15 座格萊美獎。1926 年及 2003 年,它也是率先進行交響樂廣播的樂團。

 

2 Los Angeles Philharmonic

基本薪資 $164,476

The Los Angeles Philharmonic, also known as LA Phil, was founded in 1919 by William Andrews Clark, Jr., a copper baron, arts enthusiast, and part-time violinist. It is the major orchestra based in the city of Los Angeles.

Each year, more than 250 concerts are either performed or presented at the Los Angeles Philharmonic’s two iconic venues: the Walt Disney Concert Hall and the Hollywood Bowl.

It is known its ability to remold and remodel its performances at the whim of the conductor offering it a unique advantage. The group resides in the abstract Walt Disney Concert Hall, where it has been led by conductor Gustavo Dudamel since 2005.

The LA Phil’s involvement with the city of Los Angeles expands beyond the walls of its concert halls, with performances in local schools, churches, and neighborhoods. In fact, one of their education initiatives, Youth Orchestra LA (YOLA), has provided free instruments and music training to over 700 local students.

Visit https://www.laphil.com/ to learn more about their upcoming performances.

洛杉磯愛樂管弦樂團,又稱 LA Phil,於 1919 年由小威廉・安德魯斯・克拉克創立。克拉克是一位銅業大亨、藝術愛好者,也是一名業餘小提琴手。它是洛杉磯市的主要管弦樂團。

每年,洛杉磯愛樂管弦樂團在其兩個標誌性場館 —— 華特・迪士尼音樂廳和好萊塢露天劇場,舉辦或呈獻超過 250 場音樂會。

該樂團以能隨指揮的意願重塑和改編演出而聞名,這賦予了它獨特的優勢。樂團駐紮在具有抽象風格的華特・迪士尼音樂廳,自 2005 年起由指揮古斯塔沃・杜達梅爾領導。

洛杉磯愛樂管弦樂團與洛杉磯市的互動,不止限於音樂廳內,還在當地學校、教堂及社區舉行演出。事實上,他們的一項教育倡議 “洛杉磯青年管弦樂團(YOLA)”,已為 700 多名當地學生提供了免費樂器和音樂培訓。

 

3 Chicago Symphony Orchestra

基本薪資 $159,016

The Chicago Symphony Orchestra is one of the top-ranking American orchestras and a part of the “Big 5” orchestras in the US. Chicago Symphony Orchestra is a highly regarded brass section. At the time of this ranking, the group was led by Daniel Barenboim. It is now under the baton of renowned conductor Riccardo Muti.

It was established in 1891 by Theodore Thomas. The ensemble gathers at Orchestra Hall in Chicago and plays a summer season at the Ravinia Festival. Originally named “Chicago Orchestra,” it was later changed to Chicago Symphony Orchestra in 1913. It has seen numerous music directors including Desire Defauw, Artur Rodzinski, Rafael Kubelik, Fritz Reiner, Jean Martinon, Georg silti, and Daniel Barenboim.

The Chicago Symphony first broadcast on the radio in 1925. Till now, it has performed well over one hundred concerts each year at its downtown home, Symphony Center, and the Ravinia Festival on Chicago’s North Shore.

Riccardo Muti, the current music director of CSO, has earned sixty-two Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences.

Visit https://cso.org/home/ to learn more about their upcoming performances.

芝加哥交響樂團是美國頂尖交響樂團之一,也是美國「五大」交響樂團的成員。芝加哥交響樂團的銅管樂部門備受推崇。在本次排名之時,該樂團由丹尼爾・巴倫波因領導。如今則由著名指揮里卡多・慕提執棒。

它於 1891 年由西奧多・托馬斯創立。樂團成員在芝加哥的管弦樂廳聚首,並在拉維尼亞音樂節期間進行夏季演出。它最初名為「芝加哥管弦樂團」,1913 年更名為芝加哥交響樂團。歷任音樂總監包括德西雷・德富、阿圖爾・羅津斯基、拉斐爾・庫貝利克、弗里茨・萊納、讓・馬蒂農、格奧爾格・西爾蒂以及丹尼爾・巴倫博伊姆。

芝加哥交響樂團於 1925 年首次在電臺進行廣播。直至今日,它每年在其位於市區的駐地 —— 交響樂中心,以及芝加哥北岸的拉維尼亞音樂節,演出超過一百場音樂會。

芝加哥交響樂團現任音樂總監里卡多・慕提,已從美國國家錄音藝術科學學院獲得六十二座葛萊美獎。

 

4 Boston Symphony

基礎薪資 $153,400

Boston Symphony Orchestra is one of the Big-Five orchestras in the U.S, also the second oldest among the Big-Five. It was founded by Henry Lee Higginson in 1881.

It primarily performs in the Symphony Hall Tanglewood in Boston. Since its establishment, it has had 17 different music directors including George Henschel, Serge Koussevitzky, Henri Rabaud, Erich Leinsdorf, and William Steinberg. The current music director is Andris Nelsons.

It was also the first orchestras to perform live on the radio (NBC, 1926), along with presenting more than 250 concerts annually. Its live performances have reached masses through the internet, radio, television, and educational programs.

As claimed by BSO, its official website is one of the most-visited orchestral websites in the world, with 7 million visitors annually.

Visit https://www.bso.org/ to learn more about their upcoming performances.

波士頓交響樂團是美國五大交響樂團之一,也是五大樂團中歷史第二悠久的樂團。它由亨利·李·希金森 (Henry Lee Higginson) 於 1881 年創立。

樂團主要在波士頓的坦格伍德交響樂廳演出。自成立以來,樂團曾有 17 位音樂總監,包括喬治·亨舍爾、謝爾蓋·庫塞維茨基、亨利·拉博德、埃里希·萊因斯多夫、威廉·斯坦伯格等。現任音樂總監為安德里斯·尼爾森斯 (Andris Nelsons)。

它也是第一個在電台進行現場表演的管弦樂團(NBC,1926 年),每年舉辦 250 多場音樂會。它的現場表演透過網路、廣播、電視和教育節目傳播給大眾。

BSO稱,其官方網站是全球訪問量最大的管弦樂網站之一,每年有700萬人次造訪。

 

5 New York Philharmonic

基礎薪資 $147,550

New York Philharmonic, officially called Philharmonic-Symphony Society of New York, Inc. is the oldest orchestra in the U.S. Established in 1842 by the American conductor Ureli Corelli Hill, with the aid of the Irish composer William Vincent Wallace.

Each season, the New York Philharmonic connects with over 50 million music lovers around the world through worldwide tours, residencies, digital recordings, and live broadcasts. It is also the first American orchestra to perform in North Korea. New York Philharmonic performed in Pyongyang on February 26, 2008, upon an invitation from the North Korean Government.

Some of the renowned music directors who have worked with New York Phil include Ureli Corelli, Theodore Eisfeld, Carl Bergmann, Leopold Damrosch, Theodore Thomas, Adolf Neuendoriff, Emil Paur, Wassily Safonoff, Gustav Mahler, Leopold Stokowski, and Zubin Mehta. The current music director of New York Phil is Jaap Van Zweden active since 2018.

Visit https://nyphil.org/ to learn more about their upcoming performances.

紐約愛樂樂團,正式名稱為紐約愛樂交響樂團,是美國最古老的管弦樂團,由美國指揮家烏雷利·科雷利·希爾在愛爾蘭作曲家威廉·文森特·華萊士的幫助下於 1842 年創立。

每個演出季,紐約愛樂樂團透過全球巡迴演出、駐場演出、數位錄音和現場直播與全球超過 5,000 萬音樂愛好者建立聯繫。這也是第一個在北韓演出的美國管弦樂團。應北韓政府的邀請,紐約愛樂樂團於2008年2月26日在平壤演出。

曾與紐約愛樂樂團合作過的著名音樂總監包括烏雷利·科雷利、西奧多·艾斯菲爾德、卡爾·伯格曼、利奧波德·達姆羅施、西奧多·托馬斯、阿道夫·諾伊恩多里夫、埃米爾·保爾、瓦西里·薩豐諾夫、古斯塔夫·馬勒、利奧波德·梅達·祖塔和祖倫科。紐約愛樂樂團現任音樂總監是范志登 (Jaap Van Zweden),自 2018 年起。下任總監為杜達美。

 

6 National Symphony Orchestra

基本薪資 $143,208

The National Symphony Orchestra (NSO) is an American symphony orchestra based in Washington, D.C. It was founded in 1930 and has been performing at the John F. Kennedy Center for the Performing Arts.

NSO is home to over 100 musicians. They perform a 52-week season of approximately 175 concerts each year. They regularly participate in events of national and global importance including ceremonial state affairs, presidential inaugurations, and holiday celebrations. The annual National Memorial Day Concert in May and A Capitol Fourth concerts on 4 July are two of the highlights of NSO.

Visit https://www.kennedy-center.org/nso/home/ to learn more about their upcoming performances.

國家交響樂團(NSO)是一家總部位於華盛頓特區的美國交響樂團,成立於1930年,一直在約翰甘迺迪表演藝術中心演出。

NSO 擁有 100 多位音樂家。他們每年演出季持續 52 週,共舉辦約 175 場音樂會。他們定期參與國家和全球重要活動,包括國事禮儀、總統就職典禮和節慶慶祝活動。每年 5 月舉行的國家陣亡將士紀念日音樂會和 7 月 4 日舉行的國會第四場音樂會是 NSO 的兩大亮點。

 

7 MET Orchestra

基礎薪資$135,328.36

You must have heard about MET Gala, we hope you are familiar with MET Orchestra as well.

MET Orchestra is one of the world’s great performing ensembles who have performed more than 200 concerts each season. They are known for their performance both on stage and in the opera pit.

It was founded in 1883. Since then, MET Orchestra’s performances have performed entire opera repertoire, symphonic and chamber programs at Carnegie Hall, international tours, and countless musician activities outside of MET Opera House.

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大都會歌劇院管弦樂團是世界上最偉大的表演樂團之一,每季演出超過 200 場音樂會。他們因在舞台上和歌劇場中的出色表演而聞名。

它成立於1883年,成立至今,大都會歌劇院管弦樂團的演出包括在卡耐基音樂廳演奏整個歌劇曲目、交響樂和室內樂節目、進行國際巡演以及大都會歌劇院外無數的音樂家活動。

 

8 Cleveland Orchestra

基礎薪資 $135,096

The Cleveland Orchestra is one of the “Big 5” orchestras in the US. It was founded in 1918 by the pianist and impresario Adella Prentiss Hughes. It has remained the primary venue to witness one of the best classical and contemporary compositions in the U.S. The orchestra plays most of its concerts at Severance Hall.

Franz Welser-Möst has led the Cleveland Orchestra since 2002. They often make extensive tours across the U.S. and abroad. Known for their artistic excellence, concert programming, and community engagement, they have a proud history of giving back to the community. They share the joy of music throughout Northeast Ohio via education and community programs that date back to its founding in 1918.

In 2012 Gramophone Magazine ranked the Cleveland Orchestra 7th on its list of the world’s greatest orchestras, and The New York Times referred to the orchestra in 2018 as “America’s most understatedly amazing orchestra.

It has seen the tenure of some of the greatest Music directors including Nikoloi Sokoloff, Artue Rodzinski, Erich Leinsdorf, George Szell, Pierre Boulez, Lorin Maazel, Christoph von Dohnanyi, and Franz Welser-Most.

Visit https://www.clevelandorchestra.com/ to learn more about their upcoming performances.

克里夫蘭管弦樂團是美國「五大」管弦樂團之一。該樂團由鋼琴家兼經理人阿德拉·普倫蒂斯·休斯 (Adella Prentiss Hughes) 於 1918 年創立。它一直是見證美國最佳古典和當代作品的主要場所。

弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特自 2002 年起擔任克利夫蘭管弦樂團指揮。他們以其藝術卓越性、音樂會節目安排和社區參與而聞名,擁有回饋社區的光榮歷史。他們透過自 1918 年成立以來的教育和社區項目,在俄亥俄州東北部分享音樂的快樂。

2012 年《留聲機》雜誌將克利夫蘭管弦樂團評選為世界最偉大管弦樂團第七位,2018 年《紐約時報》將該樂團稱為「美國最低調的令人驚嘆的管弦樂團」。

它見證了許多最偉大的音樂總監的任期,包括尼科洛夫、阿圖埃·羅津斯基、埃里希·萊因斯多夫、喬治·塞爾、皮埃爾·布列茲、洛林·馬澤爾、克里斯托夫·馮·多納尼和弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特。

9 Philadelphia Orchestra

基礎薪資 $137,800

Philly Orchestra is the youngest among the Big-5 Orchestra in the US. It was founded in 2001. They solely based in Philadelphia, Pennsylvania. They perform at the Kimmel Center for the Performing Arts. They perform subscription concerns at Verizon Hall amounting to over 130 concerts annually.

YANNICK NÉZET-SÉGUIN is the current music director with STÉPHANE DENÈVE as principal guest conductor, and GABRIELA LENA FRANK as composer-in-residence.

They filed for bankruptcy in 2011 which dramatically cut the musicians’ pay. Prior to the bankruptcy, the orchestra was one of the highest-paid in the country. In recent years, the orchestra and the musicians negotiated and settled for a raise of 2%.

Visit http://www.philorch.org/ to learn more about their upcoming performances.

Get in touch with Rick Perdian to learn more about the essentials of orchestras management.

 

費城交響樂團是美國五大交響樂團中最年輕的樂團。該公司成立於 2001 年,總部位於賓夕法尼亞州費城。他們在金梅爾表演藝術中心演出。他們每年在 Verizon Hall 舉辦超過 130 場音樂會。

現任音樂總監為雅尼克‧涅澤特-塞金 (YANNICK NÉZET-SÉGUIN),首席客座指揮為史蒂芬‧德內夫 (STÉPHANE DENÈVE),駐團作曲家為加布里埃拉‧萊娜‧弗蘭克 (GABRIELA LENA FRANK)。

他們在 2011 年申請破產,導致音樂家的收入大幅削減。在破產之前,該樂團是全國薪水最高的樂團之一。近年來,樂團與演奏員們經過協商,達成加薪2%的協議。


紐約愛樂財務概覽

紐約愛樂樂團 2022-2023 樂季的財務資訊和樂團細節,大致如下:

門票收入:2022-2023年賽季門票收入達2,976萬美元,較上一財政年度的1,118萬美元大幅成長。

捐款:該樂團在 2022-2023 年收到的捐款為 4530 萬美元,低於 2021-2022 年的 6880 萬美元。

建設資金:大衛·格芬音樂廳的建設資金獲得了5,370萬美元的捐款支持。

員工薪酬

音樂總監:Jaap van Zweden 2022-2023 賽季倒數第二季的薪水為 1,525,711 美元,比前一年的 1,128,266 美元略為增加。

執行長:前執行長黛博拉·博達的薪酬為1,317,344美元,再加上40萬美元的獎金,她的總收入超過了音樂總監

樂團演奏家:樂團首席兼小提琴手黃欣的基本工資為 361,713 美元,加上獎金 548,139 美元,總收入約 90萬美元,是樂團收入最高的演奏家;首席簧管演奏家安東尼·麥吉爾的薪水為 394,715 美元。

此外,2024年9月的消息顯示,紐約愛樂樂團約100名音樂家將在未來三年獲得30%的加薪,基本工資將達到20.5萬美元。


費城管弦樂團(Philadelphia Orchestra)

 

 

費城交響樂團成立於 1900 年,是美國老五大交響樂團之一,以其百年歷史、精湛水準和飽滿燦爛的「費城之聲」而享譽世界樂壇,更是美國名列當代十大世界交響樂團之一。

樂團歷史:

1900 - 1910

  • 1900 :費城交響樂團成立,由弗里茨・謝爾(Fritz Scheel)創辦並擔任指揮。
  • 1904 :理查・史特勞斯(Richard Strauss)客席指揮樂團演奏他的作品。
  • 1906 :波蘭鋼琴家阿圖・魯賓斯坦(Artur Rubinstein)與樂團合作,完成其在美國的首演。同年,樂團前往白宮舉行專場音樂會。
  • 1907 :卡爾・波利格(Karl Pohlig)接任音樂總監。但他所安排的新音樂不受觀眾歡迎,且他與秘書的婚外情被曝光,引發公憤,最終樂團與他解除了合同。

 

1910 - 1930

  • 1912 :李奧波德·史托考夫斯基(Leopold Stokowski)就任樂團第三任音樂指導和指揮,在他的帶領下,樂團創造出了輝煌的 “費城之聲”。
  • 1916 :史托科夫斯基率領樂團進行了馬勒第八交響曲在美國的首演。
  • 1925 :樂團成為第一個以電氣錄音技術錄制唱片的交響樂團1。
  • 1929 :樂團在 NBC 廣播電臺進行了商業演出,是第一個在廣播電臺進行商業演出的樂團。
  • 1921 :斯托科夫斯基首次指揮了專門針對兒童的特別音樂會。

 

李奧波德·史托考夫斯基率領費城管弦樂團完成馬勒第八交響曲在美國的首演

Philadelphia Orchestra at American premiere of Mahler's 8th Symphony (1916).

 

1930 - 1950

  • 1936 :尤金・奧曼第(Eugene Ormandy)接任樂團指揮,與斯托科夫斯基共同擔任首席指揮,直至1938 年斯托科夫斯基離開,奧曼第成為唯一的音樂總監。
  • 1937 :費城交響樂團在奧曼第的帶領下,再次舉行美國本土跨州巡演,還造訪了加拿大蒙特婁。
  • 1939 :斯托科夫斯基與樂團為華特・迪士尼公司的動畫片《幻想曲》擔任配樂演奏。
  • 1948 :樂團成為第一個進行全國電視轉播的樂團。
  • 1949 :在奧曼第的帶領下,樂團首次離開北美大陸,搭乘海輪橫渡大西洋赴英國巡演,27 天內共演出28 場。

 

1950 - 1970

  • 1957 :費城交響樂團聯合會擁有費城音樂學院劇院。
  • 1967 :樂團應邀赴日本及亞洲巡演,實現了首次跨越太平洋的遠東之旅。

 

1970 - 1990

  • 1973 :樂團在奧曼第的率領下首次訪華,成為最早訪問中國的西方知名音樂表演團體之一。
  • 1976 :樂團開始在曼恩音樂中心舉辦夏季音樂會。
  • 1979 :原客席指揮里卡多・慕提(Riccardo Muti)成為樂團第五任常任指揮。
  • 1980 :尤金・奧曼第退休,里卡多・慕提正式接任音樂總監,在任時期錄制了包括貝多芬、布拉姆斯等作曲家的交響曲。

 

1990 - 2010

  • 1993 :沃爾夫岡・沙薩瓦許(Wolfgang Sawallisch)接任音樂總監。
  • 1996 :樂團因失去與 EMI 的唱片合同,樂團成員罷工 64 天。
  • 1997 :樂團成為第一個通過國際網際網路進行現場聲頻播出的主要樂團。
  • 2003 :克里斯托弗・艾森巴哈(Christoph Eschenbach)接任音樂總監。
  • 2008 :艾森巴哈任期結束,夏爾・杜特瓦(Charles Dutoit)擔任樂團首席指揮。

 

2010 - 2025

  • 2010 :雅尼克・尼澤・塞岡(Yannick Nézet-Séguin)被選為候任指揮。
  • 2011 :4 月 16 日,樂團因資金缺乏,董事會決定向法院申請破產保護。
  • 2012 :雅尼克・聶澤-賽金接替艾森巴哈,成為樂團第 9 任音樂總監。
  • 2022 :4 月 4 日,在第 64 屆格萊美音樂頒獎禮上獲得最佳管弦樂演奏獎。
  • 2023 :11 月,為慶祝費城交響樂團訪華 50 周年,在北京舉行了紀念音樂會。

 

在奧曼第之後,費城管弦樂團的音樂總監,皆是當今國際樂壇赫赫有名的指揮家,也讓樂團維持著堅強實力。先是慕提(Riccardo Muti)在1980開啟了12年的合作,為樂團帶來更深厚的歐陸觀點;老大師史瓦利希(Wolfgang Sawallisch)則在1993年以70高齡接任音樂總監,強化德奧派的堅實音響;艾森巴哈(Christoph Eschenbach)於2003年接手後重啟費城管弦樂團的錄音計畫,讓觀眾聽到新世紀的「費城之聲」;2008年隨著艾森巴哈的五年任期到滿,樂團請來杜特華(Charles Dutoit)坐鎮總指揮,填補找尋下一任音樂總監前的空缺。而在杜特華的牽線下,聶澤-賽金(Yannick Nézet-Séguin)首次與費城管弦樂團合作,兩者化學反應一拍即合,也讓他在2010年以「準音樂總監」的身分登台,並且在2012年開始正式接任音樂總監,展開了全新的世代。

費城交響樂團在其發展歷程中創造了許多輝煌成就,是第一個以電氣錄音技術錄製唱片的交響樂團(1925 年),第一個在廣播電台進行商業演出(1929 年,NBC),第一個為故事片演奏配樂的樂團(派拉蒙公司的《黃金播音員》1937 年),第一個進行全國電視轉播的樂團(1948 年,哥倫比亞廣播公司),第一個通過網際網路進行現場聲頻播出的主要樂團(1997 年)。2022 年 4 月 4 日,樂團獲得第 64 屆葛萊美音樂獎最佳管弦樂演奏獎。

 

2008大挑戰:破產風波

費城交響樂團破產新聞始末如下:

破產背景

費城交響樂團擁有 111 年歷史,以精湛、飽滿的 “費城之音” 享譽古典樂壇。然而,隨著時代的發展,樂團面臨著諸多困境。2008 年金融危機爆發,企業捐助數額劇減,樂團的財務根基開始動搖。同時,樂團存在一些內部問題,如音樂家們高昂的工資、養老金以及不合理的工資計算制度,前任董事和管理層在籌資、營銷、社區融入等方面也存在失敗之處。此外,樂團的入座率一度只有三分之一,樂迷對音樂總監也頗有微詞,認為他帶來的一些音樂難以理解。

破產過程

申請破產保護:在種種困境下,費城交響樂團的財務狀況日益惡化。到 2011 年,樂團的赤字達到了 500 萬美元,運營資金將於當年六月用完,且結構性赤字達到 1450 萬美元。美國當地時間 4 月 16 日,費城交響樂團董事會舉行全體會議,投票決定依據《聯邦破產法》第 11 條向美國破產法院提交破產保護申請。

破產重組:提出破產保護後,樂團需提出破產重組方案。在破產過程中,樂團與音樂家達成了新的勞動協議,通過降薪、實施新的養老金制度等方式來降低成本。樂團還成功從國家音樂家養老金基金中退出,通過談判達成了 175 萬美元的和解協議,將養老金負擔轉移給了聯邦養老金保險機構。此外,樂團與費城流行樂團的合併計劃在支付了 125 萬美元的和解費用後終止,與金梅爾中心的談判也使得樂團在使用維珍大廳時獲得了租金優惠。破產還引發了與安嫩伯格基金會的合同修改,該基金會對其 5000 萬美元贈款的投資收入使用有了更大的監督和控制權。

破產結果
2012 年 6 月 28 日,美國破產審理法官埃里克・L・弗蘭克批准了樂團的重組計劃,費城交響樂團正式走出破產保護。破產重組使樂團得以輕裝上陣,在新任音樂總監雅尼克・涅傑 - 瑟貢的帶領下,樂團逐漸走出困境,重新煥發出活力。樂團不僅繼續在世界各地進行演出,還加強了與社區的聯繫,通過各種方式吸引觀眾,如設計合理的曲目、針對不同觀眾群體實施不同的策略等。如今,費城交響樂團每年都會到中國定期演出,成為了能夠到中國定期演出最多的國外樂團之一。

 

走出破產風暴

費城交響樂團主要透過以下幾種方法走出破產風暴:

財務與成本管理

  • 解決養老金負擔:將未出資的養老金負債轉移給聯邦支持的養老金福利擔保公司,樂團支付 130 萬美元以解決 6200 萬美元的負債,減輕了長期財務壓力。
  • 削減各項開支:與音樂家重新談判合同,降低工資並減少樂手數量;與費城流行樂團解除合作關係並支付 125 萬美元和解費;與金梅爾中心協商,減免過去的租金欠款並降低當前租金費率;從國家音樂家養老金基金中退出,通過談判達成 175 萬美元的和解協議,避免了高達 3550 萬美元的債務。
  • 償還債務與協商:向美國破產法院提交重組計劃,對無擔保債權人按約 50% 的比例償還欠款,涉及金額 55.4 萬美元,涉及 58 家債權人。

 

管理與運營優化

  • 更換音樂總監:遴選年輕有活力的雅尼克・涅傑 - 瑟貢擔任音樂總監,他充滿活力的指揮風格和對樂團一流的掌控能力,讓 “費城之聲” 煥發出新光彩。他上任之初經常免費加班,並利用人脈邀請大都會名角來演出,提升樂團吸引力。
  • 調整營銷策略:精心設計音樂會曲目,將莫扎特等著名作曲家的作品與新作品搭配,把名曲放在上半場以吸引聽眾購票;為套票購買者保留固定席位並提供票價優惠,開發面向大學生的低價套票,對 21 - 40 歲年輕群體則通過邀請參加酒會等方式聯絡感情,提高年輕觀眾之入座率。
  • 強化社區融入:花費大量時間走進社區,進行音樂會普及活動,雅尼克本人也熱衷於在音樂會後與聽眾對話,增強樂團與社區的聯繫,提升樂團在當地的影響力和公眾形象。

 

拓展合作與資金來源

積極與中國開展合作,2011 年提交破產保護後,與中國國家大劇院簽訂戰略合作協議,從 2012 年開始連續五年到訪中國演出,後來又與上海東方藝術中心簽署戰略合作協議,來自中國的演出機會和收入對樂團渡過危機起到了關鍵作用。同時,樂團計劃聘請更多營銷和籌款人員,加大籌款力度,設定了短期籌款 6000 萬美元的目標,並希望在未來五年內為相對薄弱的 1.12 億美元捐贈基金增加 1 億美元,以獲得更多穩定的資金支持。

 

歷任音樂總監盤點

資歷傲人的中生代指揮家 - 亞尼克.聶澤-賽金

2000年獲聘蒙特婁大都會管弦樂團(Orchestre Métropolitain)首席指揮(2000年至今)

2008年獲聘為鹿特丹愛樂交響樂團(Rotterdam Philharmonic Orchestra)(2008年–2018年)

2012年起獲聘為費城管弦樂團(Philadelphia Orchestra)首席指揮(2012年至今)

2018年起獲聘為紐約大都會歌劇院(Metropolitan Opera)首席指揮(2018年至今)

2019年,蒙特婁大都會管弦樂團正式宣佈與亞尼克簽下「終生音樂總監合約」。

 

【專訪】Yannick Nézet-Séguin on exposing classical music to a younger generation

訪問者趣問:觀看你的彩排,一直都比欣賞正式音樂會還要更加有趣

亞尼克妙答:因為彩排就像是「在廚房做菜」,演出則像是「在飯廳用餐」...XD

https://youtu.be/VW0-XNh01uw

 

初戀.永遠最美

1975年3月6日出生加拿大蒙特利爾的亞尼克‧聶澤-賽金(Yannick Nezet-Seguin, b.1975),於2000年被任命成為蒙特利爾大都會管弦樂團的音樂總監,也在2003 年成為維多利亞交響樂團(加拿大不列顛哥倫比亞省)的首席客座指揮。

由於與蒙特利爾大都會管弦樂團的合作非常愉快,樂團不斷與他提前續約,先延長到2010年,再延長至2015年。2015 年 9 月,樂團再宣布將他的合約延長至2020-21樂季,之後就是2019年9月,樂團再次宣布與亞尼克簽訂終身音樂總監合約。

面對故鄉樂團這麼積極的實質肯定,對於亞尼克來說一定是非常溫暖的,因此我們在影片中看到的所有互動,其實就來自許多真實的情感激盪而出的美妙音樂。

亞尼克與蒙特利爾大都會管弦樂團簽訂終身音樂總監合約(照片:Diapason)

 

最有趣的一個數據統計是,正式成立於1981年的蒙特利爾大都會管弦樂團,至今(2022年)才剛滿41年;而亞尼克(2000年起)至2022年為止已經指揮這個樂團超過21年,也就是已超過樂團團齡的一半以上~因此年紀輕輕的他,早已經是樂團最資深的音樂總監XD

 

與費城...很來電

「當我們合體,就是非常來電」- 費城管弦音樂總監亞尼克.聶澤-賽金

https://youtu.be/CD3s9yfViVw

 

費城交響樂團 Youtube 頻道

 

探索樂團本質.忠於自己

亞尼克說:「從與費城管弦樂團合作的第一天開始,我就愛上了他們了。即使我從小就夢想與他們合作,但我當時沒有想過會這麼年輕就職掌這個曾經有這麼多優秀指揮的樂團。但是我覺得,當我們之間的化學反應對了,當我感受到我想與費城管弦樂團一起傳達一些理念,為費城這個城市做一些事,那我就沒有理由擔心被比較,這反而是一個榮譽和喜悅,讓我接下這個樂團的歷史,創造屬於我的一刻,並有機會去創造下一個世代。」

 

從「漸強」(Crescendo)走入「最強」(Fortissimo)

對於樂團的發展,亞尼克有著極為清晰的思維,他說:「我前幾個樂季的主要目標,是要延續我擔任準音樂總監以來的工作,就像音樂上的『漸強』,通向強而有力的切入點(笑)。在這些樂團的拿手曲目中,探索樂團的歷史:包括德國的浪漫音樂,以及非常多的俄國音樂...。但我同時也是一個不拘一格的音樂家,我喜歡探索很多現代音樂,而且我來自合唱的背景...我喜歡巴洛克音樂,所以我想要樂團可以在所有的樂曲中,去呈現它的多樣性。而且我相信在一開始的幾季,我們會擴大樂團及觀眾的視野。」

 

嶄新領域.大都會歌劇院

大都會歌劇院自2009 年開始與亞尼克合作,當時雙方合作的第一個劇目是《卡門》。這個製作卡司陣容堅強,由Elina Garanca飾演女主角卡門,Roberto Alanga飾演男主角唐賀賽。音樂活靈活現,非常動聽,至今都是Youtube上非常收歡迎的近年示範及參考版本:

 

Carmen: "Près des remparts de Séville" (Elina Garanca)

https://youtu.be/sHjnVz7Ayyw

 

Carmen: "L'amour est un oiseau rebelle" (Elina Garanca)

https://youtu.be/K2snTkaD64U

 

亞尼克與大都會歌劇院接下來的合作是威爾第歌劇《唐卡羅》(於2010年與2015年兩度製作)、2011 年的古諾:《浮士德》、 2013 年的威爾第《茶花女》與2014 年的德弗札克《露莎卡/水仙女》(Rusalka)。多年下來大都會歌劇院越來越倚重亞尼克許多新的音樂觀點與音樂詮釋。

2015年9月,由亞尼克再次負責開季重要歌劇製作:威爾第《奧泰羅》,同樣叫好叫座。

2016年6月2日,大都會歌劇院看來已經無法離開亞尼克的魅力~正式宣布任命亞尼克為下一任音樂總監,合約自2020-2021樂季起生效,首次合約時間為期四年。

 

紀錄片《Yannick: An Artist's Journey》精彩部分內容:

https://youtu.be/efaXgn3ZLmo

 

因此從2017-18樂季起,亞尼克正式以「準音樂總監」繼續與大都會歌劇院合作,接下來他的重要製作是華格納《漂泊的荷蘭人》(Der fliegende Holländer)。

而令人意外的變化總是不在眾人預料之中,畢竟,意外就是意外嘛~2017年前大都會桂冠音樂總監詹姆斯·萊汶(James Levine)在爆發多起性騷擾醜聞後,被劇院解聘;因此亞尼克任期原定2020年開始的音樂總監任期,也因此提前兩年上任,他在2018-2019樂季起正式上場救援,也一路丟出好成績至今,帶領樂團成就與指揮功力實在非凡。

Credit : Rose Callahan

 

音樂新聞來源:

Yannick Nézet-Séguin to Become New York Met Music Director Two Seasons Earlier Than Originally Planned

 

2021-22年樂季,亞尼克在大都會歌劇院的最新製作《托斯卡》選粹:

Sondra Radvanovsky Sings "Vissi d'Arte"

Production: David McVicar. Conductor: Yannick Nézet-Séguin

https://youtu.be/CAU6MvkMQ5U

 

於紐約大都會歌劇院逐步攀向指揮生涯高峰的亞尼克,展現出招牌燦爛笑容:

於大都會歌劇院再次攀向指揮生涯高峰的亞尼克,展現出燦爛笑容

 

亞尼克與費城.很有話題

還記得這場拉赫曼尼諾夫鋼琴協奏曲全集音樂會現場演出,亞尼克向王羽佳下跪敬禮的名場面嗎?

 

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=SuA9l77ODbs

 

費城知名唱片錄音

奧曼第指揮柴可夫斯基交響曲全集

https://www.youtube.com/watch?v=DPV0Eg--o_A&list=PLa1rC97wRkZjlGCgrmiq7WWT_XAUMDK6c

 

美國盛事:應援費城老鷹隊

https://www.youtube.com/watch?v=6HorkiklZ4I

 

挺過疫情期間

https://www.youtube.com/watch?v=zKWYX5ohadQ

 

https://www.youtube.com/watch?v=CNMRhrlTF2k

 


【BON話題】2022年留聲機雜誌「全球最佳管弦樂團投票」(網頁+推薦錄音)

你心中的No.1是哪一團呢?趕緊去投票吧❤️

2022全球最佳管弦樂團投票」又開始囉~(點按照片進入網頁最下方,開始投票)

 

入圍2022年全球十大管弦樂團的有:

巴伐利亞國立管弦樂團  Bayerisches Staatsorchester (Germany)

布達佩斯節慶管弦樂團 Budapest Festival Orchestra (Hungary)

捷克愛樂 Czech Philharmonic (Czech Republic)

哈雷管絃樂團 The Hallé (UK)

世紀交響樂團 Les Siècles (France)

馬勒室內交響樂團 Mahler Chamber Orchestra (Europe)

奧斯陸愛樂 Oslo Philharmonic (Norway)

匹茲堡交響樂團 Pittsburgh Symphony Orchestra (USA)

倫敦小交響樂團 Sinfonia of London (UK)

維也納愛樂 Vienna Philharmonic (Austria)


2023年留聲機雜誌主辦的「十大交響樂團」🎉

Vote for Gramophone's Orchestra of the Year 2023

本次入圍的「十大交響樂團」,你最喜歡的是哪一團呢?😉

  • BBC愛樂 | BBC Philharmonic (UK)

  • 柏林愛樂 | Berliner Philharmoniker (Germany)

  • 芝加哥交響樂團 | Chicago Symphony Orchestra (USA)

  • 國家古樂合奏團 | Le Concert des Nations (Spain)

  • 丹麥國家交響樂團 | Danish National Symphony Orchestra (Denmark)

  • 布萊梅德意志室內愛樂樂團 | Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Germany)

  • 芬蘭廣播交響樂團 | Finnish Radio Symphony Orchestra (Finland)

  • 倫敦愛樂交響樂團 | London Philharmonic Orchestra (UK)

  • 法國巴黎管弦樂團 | Orchestre de Paris (France)

  • 美國國家交響樂團 | National Symphony Orchestra (USA)

 

2024年留聲機雜誌再次舉辦最佳管弦樂團投票

共有六個樂團入圍獲得提名:

Bavarian Radio Symphony Orchestra

Czech Philharmonic

Les Talens Lyriques

Orchestre Philharmonique de Radio France

Pittsburgh Symphony Orchestra

Sinfonia of London

 

經過重重考驗,最終投票結果揭曉:

獲獎的樂團是...

捷克愛樂!

 

這支扎根深厚歷史,放眼全現代的樂團,由拜區可夫(Semyon Bychkov)領軍,先前我於萊比錫馬勒音樂節現場欣賞過,真的非常具有感染力~是名符其實的超級樂團❤️


【BON精彩 - 樂評眼中的全球最棒樂團】

在專業樂評人眼中,全球最傑出的管弦樂團到底排名如何?(2023年)

以下是前十大最傑出的專業排名,讓我們來一探究竟:

第一名與第二名,跟筆者心中排名一模一樣,毫無懸念:柏林愛樂與維也納愛樂。

老實說,從第三名開始,才是各樂團真正的戰場XD

第三名由巴伐利亞廣播交響樂團獲得,相當不容易!

而第四名也不意外,皇家大會堂管弦樂團~

第五名是今天的主題樂團:芝加哥交響樂團,也是北美第一!

第六名起,依序為:

克里夫蘭交響樂團

倫敦交響樂團

布達佩斯節慶管弦樂團

萊比錫布商大廈管弦樂團

洛杉磯愛樂

 

如何?專業樂評人眼中的2023年全球十大管弦樂團,符合您的期待


【BON話題 - 以收入論管弦樂團之經營】

Top 20 orchestras in the U.S. by revenue

在美國,大多數管弦樂團都是作為非營利組織運營,因此要了解樂團真實營運狀況,只能透過國稅局的 IRS990 表格資料事後分析。下方照片為 2017/2018 年度,美國職業管弦樂團收入由高而低排序,以及分布全國區域與城市圖示:

 

具體樂團收入總額與排序,如下表

  1. Los Angeles Philharmonic: $187M 一億8千7百萬!
  2. Philadelphia Orchestra: $99M 9千9百萬
  3. Boston Symphony Orchestra: $96M 9千6百萬
  4. San Francisco Symphony Orchestra: $94M 9千4百萬
  5. New York Philharmonic: $86M
  6. Chicago Symphony Orchestra: $82M
  7. Cleveland Orchestra: $62M
  8. Cincinnati Symphony Orchestra: $43M
  9. Detroit Symphony Orchestra: $41M
  10. Minnesota Orchestra: $37M
  11. Pittsburgh Symphony Orchestra: $37M
  12. Dallas Symphony Orchestra: $35M
  13. Seattle Symphony Orchestra: $33M
  14. Saint Louis Symphony Orchestra: $32M
  15. Houston Symphony Orchestra: $30M
  16. San Diego Symphony Orchestra: $26M
  17. Baltimore Symphony Orchestra: $23M
  18. Milwaukee Symphony Orchestra: $19M
  19. Buffalo Philharmonic Orchestra: $15M
  20. New Jersey Symphony Orchestra: $13M

 

由數據可以進一步了解

東海岸(6)與中西部(7)、(8)、(9),筆者簡稱「外雙C」,是在高收入團排序之後,明顯反映出管弦樂團平均高收入的位置區域。

 

資料中明顯遺漏的優秀樂團包括:

大都會歌劇院—因為他們並不專注於管弦樂項目,以歌劇為主

亞特蘭大交響樂團——他們隸屬於伍德拉夫藝術中心(Woodruff Arts Center)的一部分,該中心也不專注於管弦樂項目。

華盛頓特區國家交響樂團— 因為隸屬於甘迺迪藝術中心的一部分,而甘迺迪藝術中心也不專注於管弦樂項目。

 

就這些管弦樂團所在的大都會地區而言,它們代表了 55% 的人口和 64% 的 GDP。

在 GPD 排名的前 20 個大都會區中,只有 5 個沒有進入前 20 名的管弦樂團:華盛頓特區。 (有國家交響樂團)、亞特蘭大(有亞特蘭大交響樂團)、邁阿密、聖荷西、鳳凰城、丹佛和聖貝納迪諾(San Bernardino)。

 

美國前20名管弦樂團的平均收入、支出和淨收入:

 

收入💵

平均收入為 5,400 萬美元,最高為洛杉磯,收入為 1.87 億美元。

收入最低的是水牛城愛樂樂團與新澤西交響樂團收入最低,為 1,500萬 - 1,300 萬美元。

 

費用💸

平均每個管弦樂團花費 4,900 萬美元。

洛杉磯愛樂樂團總花費為 1.59 億美元,水牛城愛樂樂團花費 1,300 萬美元。

 

淨收入💰

平均而言,管弦樂團的收入為 500 萬美元,收入/支出比率為 9%。

費城交響樂團的淨收入最高,為 4700 萬美元(得益於慷慨的捐贈),而波士頓交響樂團的業績最差,為 -1400 萬美元。

 

門票收入🎫

這些管弦樂團平均從門票中賺取 1,800 萬美元,佔其總收入的 34%。

洛杉磯愛樂樂團的比例最高,其50%的收入都來自門票。

值得一提的是西雅圖交響樂團(48%)、波士頓交響樂團(42%)和芝加哥交響樂團(38%)。

 

薪資💵

該組的平均樂團薪資支出為 2,600 萬美元,佔總支出的 53%。薪資佔門票收入的140%。

 

結論:經營管弦樂團,需要捐款XD。

 


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【BON音樂】蹦藝術X雅痞書店:韋伯音樂劇三部曲 PART 3 -《艾薇塔》 愛與革命的美麗交響(Evita)

【BON音樂】韋伯音樂劇三部曲 PART 3:《艾薇塔》 愛與革命的美麗交響(Evita)
All about the Webber's Musical "Evita"

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蹦藝術 | BONART


 

【雅痞書店 音樂講座】韋伯音樂劇三部曲 PART 3

《艾薇塔》 愛與革命的美麗交響(Evita) ❤️

時間:2025/2/22 (六) 14:00 - 16:00

主講人:林仁斌(蹦藝術執行長.超人氣音樂欣賞名家)

報名連結:

她是阿根廷的玫瑰,綻放在權力與激情交織的時代!《艾薇塔》不僅是一段歷史的回聲,更是一首關於愛與夢想的華麗樂章...

你是否曾好奇,艾薇塔‧裴隆是如何從平凡的鄉村女孩,走上影響國家命運的舞台?這場講座將帶你走進她璀璨又矛盾的一生,探索這部音樂劇如何用細膩的筆觸與動人的旋律,刻畫出一位女性在愛與革命之間的美麗掙扎!

韋伯的音樂如同光影流轉,柔和與激昂並存。經典的〈Don’t Cry for Me, Argentina〉為何能跨越語言與文化,直擊人心?每一段旋律、每一句歌詞,都是艾薇塔心靈的低語與時代的回響。講座將帶你細細聆聽,如何在音符的起伏中感受艾薇塔的野心、柔情與不屈靈魂,讓音樂成為理解她的另一種語言。

但《艾薇塔》的美不止於此。從舞台的絢麗燈光到電影的流動鏡頭,這部作品以獨特的藝術語言,勾勒出女性魅力與政治力量的曖昧邊界。你是否曾思考,為什麼艾薇塔既被歌頌為「人民的靈魂」,又被批判為「權力的化身」?在這場講座中,林仁斌老師將帶你穿梭於音樂與影像之間,感受艾薇塔不只是歷史人物,更是一種關於夢想、信念與人性光影的永恆象徵!

 

本講座3大重點:

★從創作背景到動人音樂劇全解析
深入探索《艾薇塔》的誕生歷程,揭開安德魯·洛伊·韋伯與提姆·萊斯如何將阿根廷政治偶像艾薇塔‧裴隆(Eva Perón)的真實人生轉化為扣人心弦的音樂劇。從歷史背景到劇本構思,帶你了解劇中角色的多面性與其背後的時代意義。

★韋伯精彩創新之音樂與歌曲欣賞
安德魯·洛伊·韋伯以其獨樹一幟的音樂風格,為《艾薇塔》創作出多首經典歌曲,如〈Don’t Cry for Me, Argentina〉,旋律動人、情感豐沛,完美展現艾薇塔的堅韌與脆弱。本場將帶你細細品味韋伯如何結合搖滾、古典與拉丁元素,創造出跨越時代的音樂魅力。

★從音樂劇到電影~《艾薇塔》真實角色故事與社會思考深度之詮釋
不只是舞台上的華麗呈現,從音樂劇到電影改編,《艾薇塔》深刻探討了女性魅力、政治權力與大眾偶像崇拜的議題。透過真實歷史角色的詮釋,反思現代社會中領袖人物與群眾之間錯綜複雜的情感糾葛,帶來更深層的社會思考。

 

主講人 林仁斌

蹦藝術執行長.超人氣音樂欣賞名家

 

  • 韋伯:《艾薇塔》

音樂劇《艾薇塔》是安德魯·洛伊·韋伯以阿根廷國母─貝隆夫人的精采人生所創造出來的音樂劇。年僅33歲便芳華早逝的她,人生短暫卻波瀾萬丈,無論是大膽地向貝隆表白:「我是最適合你的女人,我的好會令你吃驚。」到後來兩人真正相愛後,艾薇塔懇切真誠,感動了所有人民的公開演講「阿根廷別為我哭泣」(Don’t cry for me Argentina):艾薇塔不同於男性政治領袖的女性溫柔魅力與堅定力量,都讓人為之動容。

 

三度合作

音樂劇《艾薇塔》為安德魯・洛依・韋伯(Andrew Lloyd Webber)和提姆·萊斯(Tim Rice)第三度合作,兩人第一次合作劇目為《萬世巨星》。

 

韋伯重要作品列表

整理自維基百科網頁,附上連結以供參考

  • 1967年:與提姆·萊斯(Tim Rice)合作,完成處女作約瑟夫的神奇彩衣
  • 1971年:他23歲時以搖滾音樂劇萬世巨星/耶穌基督超級巨星》(Jesus Christ Superstar)作曲成名
  • 1978年:《艾薇塔》(Evita,另譯貝隆夫人)作曲
  • 1981年:《》(Cats)作曲
  • 1986年:《歌劇魅影》(The Phantom Of The Opera,又譯歌劇院的幽靈)作曲
  • 1993年:《日落大道》(Sunset Boulevard)作曲
  • 1998年:《微風輕哨》(whistle down the wind)作曲
  • 2005年:《白衣女人》(the woman in white)以英國小說家威爾基·科林斯Wilkie Collins的小說 The Woman In White(白衣女人)為劇情作曲
  • 2010年:《歌劇魅影:愛無止盡》(Love Never Dies)與Marius de VriesMatt RobertsonAndy Bradfield,等人合作。
  • 2013年: 《史蒂芬·沃德》(Stephen Ward)以英國1963(scandal that shocked the world)年發生的著名的醜聞為題材作曲
  • 2015年:《搖滾教室》對 2003年的同名電影重新譜曲。

 

本劇最知名歌曲:⟨Don't Cry For Me Argentina⟩

面對阿根廷人民,艾薇塔最著名的一段演講:

你們的苦楚和貧困,我都親身經歷過,貝隆會支持和愛護窮人;他救過我,也會救大家,否則他怎會對我寵愛有加? !

貧窮、私生女、卑賤職業出身的她,如此真摯的演說,使的她迅速獲得了底層人民瘋狂的崇拜

https://www.youtube.com/watch?v=KD_1Z8iUDho

 

本劇我最愛的歌曲《I'd Be Surprisingly Good for You》

艾薇塔與貝隆的邂逅~兩人互相留下好感之餘,艾薇塔大膽地向貝隆表白:「我是最適合你的女人,我的好會令你吃驚。」...是非常非常動聽的一段音樂與歌曲,也是筆者的最愛❤️

https://www.youtube.com/watch?v=kYWWcjWoG7A

 

今天介紹由音樂劇名作家韋伯作曲,著名劇本搭檔提姆.萊斯合作之著名音樂劇《艾薇塔》中女主角阿根廷的國母 - 貝隆夫人之真實故事。

本篇文章主要轉載《雪花臺灣》網站之文章作為基礎而成,歡迎閱讀原始文章。 
網址:https://www.xuehua.tw/a/5ec8c2395da483795bba0800?lang=zh-hk&amp=1
《艾薇塔》Music by Andrew Lloyd Webber, Lyrics by Tim Rice

 

1952年7月26日,阿根廷的國母-貝隆夫人(María Eva Duarte de Perón , 1919-1952病逝於布宜諾斯艾利斯,年僅33歲。

伊娃.貝隆夫人(1947年照片)

 

整個阿根廷都籠罩在巨大的悲傷之中。舉行葬禮的時候,交通幾乎癱瘓了,70萬民眾走上街頭向她的靈柩哀悼。他們永遠失去了自己的國母。

伊娃·貝隆 1952年葬禮

 

誰也不會想到,這位受到阿根廷人民深切追思的第一夫人,居然曾經是一位妓女。

貝隆夫人的本名叫做艾薇塔(Evita ),1919年出生於一個貧賤的裁縫家庭。她的母親愛上了一個有婦之夫,生下了五個沒有名分的孩子,艾薇塔就是其中之一。

幼時的艾薇塔

由於是個私生女,艾薇塔小時候經常被侮辱為「野種」。

而她的親生父親,顧及自己的家庭,早早地就拋棄了艾薇塔的母親,對這個私生女更是不聞不問。艾薇塔的童年,飽受了冷眼和欺凌。

當她的親生父親去世的時候,母親領著幾個孩子去弔唁,卻慘遭羞辱,艾薇塔連見父親最後一面的權利都被剝奪了。

年幼的艾薇塔在父親的靈堂外立下誓言:「中產階級算什麼,我將來一定要成為阿根廷的大人物!」

按照童話故事的發展情節,此後的艾薇塔應當是奮發向上,苦盡甘來,所有欺辱她的人都得到應有的懲罰。

很可惜,生活並不是童話,真實的生活更像是一部小說,而殘酷的情節才剛剛開始。

對於窮人家的女孩子來說,自尊是一種太奢侈的東西。在動盪的阿根廷,像艾薇塔這樣出身卑賤的女孩,想要光鮮亮麗的生活,只能通過做演員這一捷徑。

艾薇塔已經受夠了,只要能擺脫窮苦不堪的命運,她願意不惜一切代價。

1934年的一天,阿根廷著名的歌手奧古斯汀·馬加爾迪來到了艾薇塔居住的小鎮進行演出。15歲的艾薇塔看著那個來自首都的男人,覺得這是命運送給她的一份禮物,她決定抓住這次機會。

她那時候太年輕,並不知道,命運賜予的禮物,都在暗中標好了價格…

年輕的艾薇塔

奧古斯汀·馬加爾迪望著眼前這個青春美艷的少女,被情慾沖昏了頭腦,滿口答應帶她去布宜諾斯艾利斯。他的條件是他要占有這個15歲的女孩。

艾薇塔答應了,她向這個年齡足可以做她父親的男人獻出了貞操,忍受了這個男人無數次蹂躪,只為了換取一張通往幸福生活的車票。

雖然奧古斯汀·馬加爾迪沒有食言,帶著艾薇塔來到了首都布宜諾斯艾利斯。然而,奧古斯汀是有老婆的。可憐的艾薇塔,很快就重蹈自己母親的覆轍,被這個負心漢拋棄了。

一無所有的艾薇塔,站在布宜諾斯艾利斯繁華的街道上,回想起了自己童年時那些被侮辱和損害的日子,痛苦無比,她又一次成為了上帝的棄兒。

可是,她發誓絕不再回去那個小鎮,她要不擇手段地留在布宜諾斯艾利斯,只有在這裡她才能看到一絲微光,哪怕黑暗也無處不在。

年輕美貌的艾薇塔,開始混跡於布宜諾斯艾利斯的各種聲色場所。她芬芳迷人的肉體成了最好的資本,無數男人拜倒在她的石榴裙下,其中不乏許多阿根廷的大人物。

獨身於阿根廷追夢的艾薇塔

 

艾薇塔一視同仁,無論是衣冠楚楚的貴族軍官,還是粗俗不堪的酒吧老闆,只要給她錢,她都願意與之共度良宵。

獨身於阿根廷追夢的艾薇塔

 

與之相熟的人,當面客氣地說她是個「高級交際花」,背後卻不屑地稱她為「那個不知廉恥的婊子」。

如果沒有遇到貝隆,也許艾薇塔會一直是一個高級妓女,混跡風塵直到紅顏凋零。

 

上帝終於開始憐憫這個美麗的女子,讓貝隆上校(Juan Domingo Perón, 1895-1974)出現在她的生命中。

從此之後,貝隆成為她的姓氏,更與她所有的榮耀息息相關。

艾薇塔與貝隆

 

1943年6月,政局不穩的阿根廷爆發軍事政變,英武不凡的貝隆上校在這次政變中顯露出色的軍事才華,成為阿根廷的政治新星。

貝隆雖然出身行伍,但是卻不像一般軍人那樣粗枝大葉,他深切地關心著阿根廷的未來,立志改變阿根廷人民的命運。

艾薇塔與貝隆

 

此時的阿根廷,窮人饑寒交迫,如同生活在地獄。貝隆上校想為這些底層的窮苦民眾謀求一個良好的境遇,因此他多次在公共場合發表政治演講,為窮人發聲,希望進行民主改革,縮小貧富差距,使窮人也過上安穩舒適的生活。

貝隆的演講打動了無數阿根廷人的心,也為後來與艾薇塔的相知相愛埋下了伏筆。

艾薇塔認識貝隆,是在一次宴會上。貝隆上校站在一群賓客之間,聲音洪亮的宣傳著他的政治理念,他怒斥了阿根廷貧富懸殊的現狀,對富裕者的冷漠和貪婪進行了控訴。

賓客們竊竊私語,在這些身份尊貴的賓客面前痛斥富人對窮人的剝削,貝隆的演講顯得不合時宜,無異於與虎謀皮。

然而,已經沉浸在紙醉金迷中很久的艾薇塔卻怦然心動。

她望著人群中氣宇軒昂的貝隆上校,在心中沉寂了許久的愛情被喚醒了。

很多男人都曾占有過她,卻沒有一個人真正地理解她。她的靈魂深處,還是住著一個不甘屈服於命運的小女孩。

因為貧窮,因為不公,她出身卑賤,由於貧窮和絕望不得不墮落在布宜諾斯艾利斯的繁華喧鬧之中,靠出賣自己的美貌和肉體換取生存的資本。

她太知道貝隆口中那些阿根廷底層人民的際遇了,那些悲慘的生活,只是令別人唏噓不已,於她,卻是曾經真實的經歷。

本來她已經對這一切麻木了,可是貝隆的演講擊中了她的靈魂,使她無法再迴避自己內心的召喚:去吧,去改變這一切,讓這個社會恢復公義,讓那些和自己一樣出身卑賤的阿根廷人活得有尊嚴。

艾薇塔無可救藥地愛上了貝隆上校,此時地貝隆上校,已經48歲了,艾薇塔只有24歲。她瘋狂地愛著貝隆,大膽地向貝隆表白:「我是最適合你的女人,我的好會令你吃驚。」

艾薇塔太過於美麗性感,她的魅力是成熟穩健的貝隆上校都無法抵擋的。一年之後,他們相愛了。貝隆上校擁有了一位美麗的情人。

他暫時沒有打算娶她,畢竟在外界的傳聞中艾薇塔是一個以放蕩聞名的女人。

在愛情的最初,這位老練的政客是有所保留的。

 

很快地,艾薇塔就向貝隆證明了自己所言非虛,她確實是最適合他的女人。陷入熱戀中的艾薇塔,洗去了一身的浮華,每日為心愛的男人洗手作羹湯,生活被她經營得精緻而優雅。

艾薇塔與貝隆

 

在政界中摸爬滾打了多年的貝隆上校,前所未有地感受到了愛情的甜蜜。

在政壇上,艾薇塔也逐漸開始成為「貝隆手中的王牌」。這位風華絕代的阿根廷玫瑰,追隨著她的愛人,出現在各種公共場合,為窮人的利益搖旗吶喊。

男人所宣揚的政治理念往往是冰冷粗礪的,而女人口中的政治理念卻多了些溫情親切。貝隆那些民主平等的口號,在艾薇塔的演講中,是一個個鮮活的故事。僅僅是她自身不幸的遭遇,就給了彼時阿根廷黑暗政治一記響亮的耳光。

艾薇塔與貝隆

 

阿根廷人民驚艷於艾薇塔的美貌,悲憫於艾薇塔的不幸,支持貝隆的人越來越多,形成了一股不可忽視的政治勢力。

阿根廷政府害怕了,將貝隆弄進了監獄。艾薇塔一邊安慰沮喪的丈夫,一邊為了丈夫重獲自由而四處奔走。

艾薇塔懇切真誠的演講感動了人民。憤怒的人民湧向了街頭,進行各種抗議活動,要求政府釋放貝隆。在巨大的壓力之下,政府不得不釋放了貝隆。

演講中的艾薇塔

 

重獲自由的貝隆與艾薇塔舉行了婚禮,艾薇塔成為名正言順的貝隆夫人,二人一起四處演講,爭取阿根廷人民的支持,為即將到來的大選做準備。

1945年,貝隆與艾薇塔結為夫妻

 

民意大幅度地傾向於貝隆,總統的寶座只是時間問題...

1946年貝隆正式當選為阿根廷的總統,艾薇塔成為阿根廷的國母~這一年,她27歲。

貝隆與艾薇塔

 

此後的艾薇塔,終日為了窮人的利益而奔走忙碌。這位風姿卓然的第一夫人,出現在阿根廷貧窮落後的角落,為落魄的下層人民帶去慰問與幫助。

成立 Eva Perón 基金會,照顧窮人福祉

 

窮人們感激她,富人們憎恨她,艾薇塔始終安然自若。悲苦的童年和少年時代,給她的生命烙下了難以磨滅的印記,她必須為窮人的利益而吶喊。

貝隆與艾薇塔

 

上帝卻沒有給她足夠多的時間。天妒紅顏。

患病之後日益憔悴的艾薇塔

 

然而在1949年1月9日,艾薇塔在一個剪彩現場暈倒,醫生診斷她為子宮癌。在住院期間,艾薇塔並沒有忘記她所鍾情的政治事業,即使躺在病床上,她也堅持的工作。

 

1949年,艾薇塔被確診得了子宮癌,死神已經向她步步逼近。艾薇塔卻不顧醫生的囑咐,用盡最後的力量為阿根廷的未來謀劃奔走。就像一隻火炬,在加速燃燒自己的生命,照亮和溫暖整個阿根廷。

生病臥床的艾薇塔

 

艾薇塔,阿根廷的國母,在生命的最後時刻,放不下的不僅僅是她的丈夫,還有多災多難的阿根廷。

在後世為了紀念艾薇塔所拍的音樂劇《艾薇塔》中,主題曲是「阿根廷,別為我哭泣」,裡面有這樣幾句歌詞,訴盡了艾薇塔隱秘的心事:

演講中魅力非凡的艾薇塔

 

阿根廷,別為我哭泣,說句心底話,我從未離開大家,即使當年任性墮落,我仍遵守承諾,請勿拒我於千里之外!

名與利,我從不希冀,世人以為我熱衷名與利,如夢幻泡影,難把問題解決,解決之道,早在這裡為你鋪好,我愛你們,亦希望得到回報。

 

1952年7月26日,這朵嬌艷多姿的阿根廷玫瑰,終於到了萎謝的時刻。晚間8點25分,她將貝隆總統叫到病床前並對他說:「我這一生,只有生病時才會流淚。」並輕輕地對貝隆說:「小瘦子走了。」...

這一年,她剛好是33歲。

出喪當天,全國70萬人湧向首都,湧上親吻她的玻璃棺,甚至16人因擠撞而喪生。為了紀念她,阿根廷人把她的頭像放在阿根廷國家貨幣上以示尊敬。

伊娃·貝隆 1952年葬禮

 

艾薇塔的靈柩
艾薇塔的靈柩

 

艾薇塔的靈柩

 

去世之後的艾薇塔,哀榮備至。阿根廷舉國上下為她服喪,悲傷的人們用各種方式紀念他們的玫瑰。直到今天,「艾薇塔」依然是許多阿根廷人為女兒取名字時候最鍾愛的名字。她對阿根廷的愛,已經得到回報。 

永遠的艾薇塔

 

今日面額100元的阿根廷peso,就是以艾薇塔為主要人物。

100元面額的阿根廷peso,就是以艾薇塔為主要人物。

 

上篇文章主要轉載《雪花臺灣》網站之文章作為基礎而成,歡迎閱讀原始文章。
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音樂劇基本資料

主要角色

伊娃・貝隆
(Eva Perón)
即艾薇塔,本劇的核心人物,從貧窮的私生女一路成為阿根廷最有權力的女人,她美麗、野心勃勃,同時又充滿愛心,致力於為窮人謀福利。
胡安・貝隆
(Juan Perón)
阿根廷總統,伊娃的丈夫,在伊娃的幫助下成功當選總統,他依靠勞工階層的支持,在阿根廷政治舞台上扮演重要角色。

(Che)
有時是故事的講述人,有時是旁觀者,也為伊娃的內心掙扎做解說和評論,提姆萊斯讓他以切・格瓦拉的故事為原型,一直強烈反對貝隆政府。

 

音樂劇劇情與分幕

第一幕

1952 年 7 月 26 日,阿根廷精神領袖伊娃・貝隆離世,年輕學生徹在布宜諾斯艾利斯的電影院得知此消息,伊娃的葬禮隆重盛大。接下來,故事倒回 1934 年,15 歲的伊娃在胡寧的一家夜總會,與探戈歌手阿加斯丁・馬加迪有短暫關係,並要求他帶自己去首都布宜諾斯艾利斯。到達後,伊娃開始利用身邊男人向上爬,成為模特、廣播員與電影演員。1943 年,阿根廷政情動盪不安,胡安・貝隆上校在政壇地位上升,伊娃和他在一次慈善演出上初次見面,此後伊娃將抱負轉向政界,她把貝隆的情婦從住宅趕走,融入貝隆生活,同時也激怒了軍隊和貴族。當局勢混亂時,伊娃堅定支持貝隆競選總統,其支持者主要是工人階層。

第二幕

1946 年 6 月 4 日貝隆就職總統,伊娃的野心與願望得到極大滿足,成千上萬人聚集在她住宅陽台下,她的動人演說與美麗令人群狂熱歡呼。此後伊娃準備歐洲訪問,在西班牙受到熱烈歡迎,但在法國和意大利情況不佳,原訂的英國之行也未實現。回到阿根廷後,伊娃全身心投入工作,她成立社會福利機構,為窮人提供救濟金、住房和衣服等,向貝隆要求給予婦女選舉權,並成立貝隆派婦女黨。1951 年,伊娃被診斷出子宮癌,身體狀況惡化,但仍出席了貝隆的第二次就職典禮。1952 年 7 月 26 日,伊娃・貝隆與世長辭,享年 33 歲。

 

音樂劇獲獎記錄

東尼獎:

1980 年 「最佳音樂劇」獎。

1980 年 提姆・萊斯獲「最佳音樂劇劇本」獎。

1980 年 安德魯・洛伊德・韋伯與 提姆・萊斯獲「最佳原創配樂(音樂和 / 或歌詞)」獎。

1980 年 曼蒂・帕廷金 獲「最佳男配角」獎。

1980 年 帕蒂・魯普恩 獲「最佳女主角」獎。

2012 年 該劇的復排版獲得「最佳復排音樂劇」提名。

勞倫斯・奧利佛獎:

1978 年 倫敦西區上演時,榮獲「最佳新音樂劇」獎

葛萊美獎:

1981 年「最佳音樂劇專輯」獎

奧斯卡金像獎:

1997 年 電影版中的歌曲〈You Must Love Me〉》獲「最佳原創歌曲」獎

金球獎:

1997 年 電影版中的歌曲〈You Must Love Me〉獲「最佳原創歌曲」獎

 

特別的電影版歌曲〈You Must Love Me〉

本段介紹取自維基百科,附上連結

〈You Must Love Me〉是改編自音樂舞台劇的電影《阿根廷別為我哭泣》(Evita)裡面的插曲,原劇中並沒有這首歌,是該劇作曲家安德魯·洛伊·韋伯(Andrew Lloyd Webber)和作詞家提姆萊斯(Tim Rice)特地為電影版女主角瑪丹娜量身打造的抒情歌曲。〈You Must Love Me〉收錄於《瑪丹娜之阿根廷別為我哭泣》(英語:Evita電影原聲帶當中。

〈You Must Love Me〉在1996年11月16日進入美國單曲榜,首週成績第22名[3],第二週來到第18名[4],在第18名蟬連兩週之後名次始往下滑,它在榜內一共停留20週[2],單曲銷售數字達金單曲[5]。 〈You Must Love Me〉在1996年11月2日先行登上英國單曲榜第10名[6]

〈You Must Love Me〉獲得1997年第69屆奧斯卡金像獎最佳原創歌曲獎[1],以及第54屆金球獎最佳電影主題曲獎殊榮。

https://www.youtube.com/watch?v=uvzcnx1fVYo

 

當《Evita》遇上冰上滑冰=冠軍🏆❤️

https://www.youtube.com/watch?v=3ttjXxYJD9U

 

 

經典.傳奇

【中英字幕】Don't Cry For Me Argentina 阿根廷别为我哭泣(伊莲佩姬 | 1983年錄影版)

 

【伊莲佩姬】I'd Be Surprisingly Good For You(Reset into a 1970's bar scene)

 

 

《艾薇塔》電影版音樂劇全劇精華欣賞

曲目列表

1. A Cinema in Buenos Aires, 26 July 1952

2. Requiem For Evita

3. Oh What a Circus

4. On This Night of a Thousand Stars

5. Eva and Magaldi ~ Eva Beware of the City

6. Buenos Aires

7. Another Suitcase in Another Hall

8. Goodnight and Thank You

9. The Lady's Got Potentia

10. Charity Concert ~ The Art of the Possible

11. I'd Be Surprisingly Good For You

12. Hello and Goodbye

13. Peron's Latest Flame

14. Dice Are Rolling ~ A New Argentina

15. On the Balcony of the Casa Rosada 1

16. Don't Cry For Me Argentina

17. On the Balcony of the Casa Rosada 2

18. High Flying, Adored

19. Rainbow High

20. Rainbow Tour 

21. The Actress Hasn't Learned the Lines (You'd Like to Hear)

22. And the Money Kept Rolling In (and Out)

23. Partido Feminista

24. She is a Diamond

25. Santa Evita

26. Waltz For Eva and Che

27. Your Little Body's Slowly Breaking Down

28. You Must Love Me

29. Eva's Final Broadcast

30. Latin Chant

31. Lament

 

音樂劇分段播放清單(Youtube)

點入之後為完整播放清單,分軌點按播放

https://www.youtube.com/playlist?list=PL6kyUSuX-CNpMO04yh335whs5GRy7wE-g

 

2012年復排版音樂劇

 Act 13:10 Oh What a Circus

10:08 On This Night of a Thousand Stars

15:16 Eva, Beware of the City

17:05 Buenos Aires

22:26 Goodnight and Thank You

26:00 The Art of the Possible

31:53 I'd Be Surprisingly Good for You

37:43 Another Suitcase in Another Hall

40:30 Peron's Latest Flame

45:10 A New Argentina

Act 2

54:17 Don't Cry for Me Argentina

1:01:05 High Flying, Adored

1:04:21 Rainbow High

1:07:01 Rainbow Tour

1:14:28 And the Money Kept Rolling In

1:19:12 Santa Evita

1:21:35 Waltz for Eva and Che

1:25:08 You Must Love Me

1:27:46 She Is a Diamond

1:30:54 Dice Are Rolling

1:39:07 Montage

1:41:30 Lament

 

延伸欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=LiZ0TlZ8WgM

 

【BON話題】Eva Perón 貝隆夫人的遺體 - 後續故事

https://www.youtube.com/watch?v=zH4Q0zkDDrE&t=12s

 


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Mahler Symphony excerpts-No.5

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【精彩課程ing】

2025年2月起

→古典樂欣賞線上直播課(2/13週四下午班,共5堂):迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲

【迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲】
 2/13、2/20、2/27、3/6、3/20,共5堂


主講人:林仁斌老師

 

你對古典音樂深深著迷,期待聽懂更多內容嗎?

不只對作品感興趣,也想多了解音樂家的背景?

跟著林仁斌老師一起揭開這層有趣又精彩的音樂面紗~

透過課程你會對音樂領域有更深一層的認識,林仁斌老師將帶領同學們從生平故事,去探究創作背景與作品的演奏,以及樂譜到創作技法解析、樂曲欣賞版本比較,細細感受各種精彩的詮釋,聽出更多音樂的世界樂趣!

 

系列|迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲

馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本系列課程林仁斌老師將為您詳解第四號至第八號交響曲~從創作與樂曲解析,一起開啟馬勒之「天堂之門」。

  • 課程內容

    • 第一堂|馬勒第四號交響曲

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第四號交響曲~從創作與樂曲解析,一起開啟馬勒之「天堂之門」。

    • 第二堂|馬勒第五號交響曲

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第五號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首全世界樂迷最愛的馬勒代表作。

    • 第三堂|馬勒第六號交響曲《悲劇》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第六號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首「一錘定音」的特殊之作。

    • 第四堂|馬勒第七號交響曲《夜之歌》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第七號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首由黑夜邁向光明之鉅作。

    • 第五堂|馬勒第八號交響曲《千人》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第八號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首繼貝多芬之後,創下千人交響里程碑神作。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/the-story-of-gustave-mahler/

 


馬勒交響曲列表

馬勒共寫作十首交響曲,整理年份與調性如下:

序號
名稱
創作時間
風格特點
音樂內容
1
《第一交響曲 “巨人”》
1888 年
融合了宏大的交響性與民間音樂元素,音樂充滿活力,具有強烈的情感張力。
描繪了自然、生命的力量,展現了從黑暗到光明的精神旅程,也包含對人生的思考與感悟。
2
《第二交響曲 “復活”》
1888 - 1894 年
規模宏大,將交響曲與合唱相結合,音樂風格從悲壯、深沉逐漸轉向激昂、振奮。
探討了死亡與重生的主題,表達了對生命永恒的信念和對死後世界的憧憬。
3
《第三交響曲》
1893 - 1896 年
是馬勒交響曲中篇幅最長的一部,音樂風格極為豐富,涵蓋了從自然的描繪到哲學的沉思等多種元素。
歌頌了自然的偉大,探索了生命、愛情、死亡等深刻主題,展現出對宇宙萬物的敬畏和讚美。
4
《第四交響曲》
1899 - 1900 年
風格較為清新、純真,採用了小型編制,音樂色彩豐富,充滿了夢幻般的意境。
以孩童的視角描繪了天國的生活,表達了對天堂的嚮往和對童真的讚美,傳遞出一種寧靜、平和的情感。
5
《第五交響曲》
1901 - 1902 年
音樂風格從壓抑、痛苦逐漸轉向明朗、激昂,以獨特的葬禮進行曲開篇,之後音樂情感逐漸昇華。
展現了生命的掙扎與希望,表達了對愛情的渴望和對美好生活的嚮往,其中著名的 “小柔板” 表達了深沉的情感。
6
《第六交響曲》 “悲劇”
1903 - 1904 年
音樂風格沉重、悲壯,結構嚴謹,具有強烈的戲劇性衝突。
深刻地反映了人生的苦難與悲劇,展現了命運的無常和人類在困境中的掙扎,結尾充滿了絕望的氣息。
7
《第七交響曲》 “夜曲”
1904 - 1905 年
音樂風格較為獨特,融入了夜晚、夢境等元素,營造出神秘、夢幻的氛圍。
描繪了夜晚的寧靜與神秘,以及對生命的思考和對未來的期待,在夢幻中蘊含著對生活的熱愛。
8
《第八交響曲》 “千人”
1906 - 1907 年
規模極其宏大,需要龐大的合唱團和交響樂團,音樂氣勢磅礴,充滿了輝煌壯麗的色彩。
以歌頌人類的精神力量和對上帝的讚美為主題,表達了對人類團結和精神昇華的追求。
9
《第九交響曲》
1909 - 1910 年
音樂風格深沉、內斂,充滿了對人生的回顧與反思,具有濃厚的悲劇色彩。
表達了對生命即將終結的感慨,以及對人生的眷戀和對死亡的無奈,展現出一種深刻的生命哲學。
10
《第十交響曲》
1910 - 1911 年
(未完成)
雖未完成,但已展現出獨特的風格,音樂中既有馬勒以往作品的影子,又有新的探索和嘗試。
主題較為複雜,包含了對生命、愛情、死亡等的思考,以及對未來的迷茫和期待,未完成的狀態也給人留下了無盡的遐想空間。

 

第五號交響曲

第二創作期.開啟之作

「馬勒的音樂表現了當時的問題性和時代性。同時也展現了他個人的內在。在他的音樂裡反映了十九世紀末的頹廢風氣與當時世界的淒苦,也飄散著奧地利帝國夕陽的氣氛。他的音樂是他內在糾葛的表現,展現它與外在世界之爭鬥。」

- 殷巴爾(Elinhu Inbal, b. 1936)

根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,第五號亦開啟了馬勒第二創作時期,意味著從這首交響曲開始,馬勒的交響曲思維亦開啟了不同的內涵。

布魯諾.華爾特於1910年6月,首次與馬勒在信件中提到馬勒作品的前兩個創作時期:

「您的歌曲作品中,第一個階段包含《少年魔號》(Des Knaben Wdehom)詩集譜曲之作品,第二階段則包含為呂克特(Friedrich Rickert, 1788 - 1866)之詩詞譜曲創作。而您的交響曲正好依據與歌曲相同之階段創作:第一階段包含您的《第一號交響曲》到《第四號交響曲》;第二階段包含《第五號交響曲》到第八號響曲》。前面四首交響曲讚賞永恆的事物,一部分藉由文字表達,一部分將文字隱藏起來,轉為絕對音樂形式。之後的《第五交響曲》、《第六交響曲》與《第七號交響曲》,則完全未受何隱蔽文字之影響,而全然以音樂成形。《第八號交響曲》的所有一切都是新穎的,最後關於神秘教義之音樂,則由文字提供。」

 

1908年布魯諾.華爾特與馬勒,散佈於布拉格街頭

 

在此封布魯諾.華爾特與馬勒討論交響曲的信件,他倆都還不知道之後馬勒會繼續創作出《大地之歌》與第九號交響曲,以及最後未完成的第十號...

 

因此,根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,我們知曉馬勒認可了他交響曲的「三大創作階段」:

第一階段

自然時期:讚賞永恆的事物

第二階段

全然的音樂成形

第三階段

一切皆是新穎的、未知的

第一號

第二號

第三號

第四號

第五號

第六號

第七號

《大地之歌》

第八號《千人》

第九號

第十號
(僅完成第一樂章與五樂章架構)

 

第五號.回歸純器樂.無標題之作

命中天女出現.那個美麗的她

阿爾瑪.馬勒(Alma Mahler)

(Original Caption) Alma Mahler Werfel is pictured here when she was Alma Schindler before her marriages to three world famous men, Gustav Mahler, Walter Gropius, and Franz Werfel. Mme. Werfel's autobiography And the Bridge is Love: Memories of a Lifetime is published by Harcourt and Brace.

一家四口的幸福時期

Gustav Mahler with Alma and Daughters Maria and Anna, 1910. Private Collection. (Photo by Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images)

 

而第五號交響曲也是馬勒從第二號到第四號連續三首在交響曲中加入人聲,再次回歸純器樂演奏的首部交響曲。

馬勒第五號交響曲 Adagietto,一直被認為是馬勒最美的樂章,純弦樂+豎琴的演奏,更讓這樂章的氛圍美到令人屏息,是許多人的最愛:

伯恩斯坦指揮維也納愛樂現場 4K修復版

https://www.youtube.com/watch?v=Bj6KLv7kv2Q

與弦樂不同,人聲是你我都有的樂器,因此欣賞時的感同身受,可能比起器樂更加鮮明;而最有趣的是,欣賞這段人聲演唱,再次將我們拉回帶有人聲的馬勒欣賞趣味

馬勒第五號交響曲 第四樂章 特別的人聲版本

 

一起認識第五號第一樂章送葬進行曲的小號前奏

先讀樂譜版

https://www.youtube.com/watch?v=LtD4jvWjHvY

 

柏林愛樂小號首席 Gábor Tarkövi

Gábor Tarkövi 是匈牙利人,出生於1969年。父親 István Tarkövi 也是小號演奏者,9歲由父親啟蒙小號之後,Gábor Tarkövi 受到父親影響,也熱愛小號,後就讀於匈牙利李斯特音樂院,隨Frigyes Varasdy 進一步學習小號。1992年畢業之後,他歷任幾個不同交響樂團 Wurttemberg Philharmonic Orchestra(co-principal trumpet)、Berlin Symphonie Orchestra(現在的 Konzerthausorchester Berlin,Principal trumpet)、Bayern Radio Symphony Orchestra(Pprincipal trumpet),2004年起成為任柏林愛樂小號首席,被譽為全世界最棒的小號手之一。

https://www.youtube.com/watch?v=bwQumQpug_E

 

第五號第一樂章小號前奏音樂大師班

https://www.youtube.com/watch?v=gPzDh2ypK1U

 

同場加映,馬勒第一樂章送葬主題的可能來源...

孟德爾頌:無言歌 op.62 No.3

1:07:09 No.3 Andante maestoso in E minor, "Funeral March"

https://youtu.be/nFOPeI2gPaM?t=4026

 

再聽一下管弦樂化之後的版本XD

https://www.youtube.com/watch?v=rMuiWZC_xSo

 

孟德爾頌真的是「主題天才」,聽聽他的結婚進行曲

https://www.youtube.com/watch?v=0Oo4z37OUEI&list=RD0Oo4z37OUEI&start_radio=1

 

樂譜版本

https://www.youtube.com/watch?v=2qoJIExt2eg

 

結婚進行曲與送葬進行曲,同享快速三連音動機...

結論:

婚姻是愛情的墳墓XD 


第五號交響曲紀錄片

馬勒於1897年接任維也納宮廷歌劇院總監,1899年夏季於沃特湖畔的麥亞尼希購置了一幢馬勒創作小屋。馬勒之妻愛爾瑪這樣描述先生的創作天地:「那是一間簡陋的石屋,有三扇窗跟一道門⋯⋯有一架鋼琴,書架上有歌德跟康德的全集;音樂方面,只有巴哈。」[2]1901年2月,由於工作繁重而引發了腸出血,幾乎致命。

這一次瀕死經驗對馬勒的心理有相當之影響:「我想,我人生最後的時刻來臨了。」

度過生死關頭之後,重返工作狀態的馬勒顯得異常積極。與愛爾瑪的相遇,亦在其生活中注入一股活泉。學者認為,此時期的馬勒所展現的特別正面的態度,顯示他以「生」剋「死」的傾向,藉以走出他長期以來在思想、藝術和生活中對「死亡」這一概念的糾結。[5]

與此前的四首交響曲作品不同,第5號交響曲自始便摒棄標題、人聲及歌詞等因素,僅部分地引用自己歌曲作品的旋律作為素材。好友布魯諾·瓦爾特曾表示:


"沒有任何音樂之外的思想或情感對《第5號》之音樂施行影響力。它是音樂──熱情的、瘋狂猛烈的、感傷的、全面的、莊嚴的、溫和的,充滿了人類心靈中各種情緒與情感,但就只是音樂,沒有任何形上學問題之描繪,進入這純粹的音樂進展中。"[6]

1901年夏季,馬勒在創作小屋完成了第1、第2樂章,其餘樂章則在一年後完成。在這期間,馬勒與愛爾瑪正式結為連理。[註 2]「秋天他為我彈奏完整的《第五號交響曲》。這是第一次他為我演奏一首新的作品,我們為這個時刻,安靜的手臂挽著手臂,走向他在森林的工作室。」[7](本段文字取自維基百科「馬勒第五號交響曲」,附上連結以供參考)

 

麥亞尼希森林間的馬勒創曲小屋

 


第五號交響曲 樂曲分析

"想了解第五號,應該先聽完我的前四首交響曲" --- 馬勒

 

Part I 第一部分

  • 00:00 1. 第一樂章 Trauermarsch (Funeral march). In gemessenem Schritt. Streng. Wie ein Kondukt (At a measured pace. Strict. Like a funeral procession.) (C-sharp minor)
  • 13:04 2. 第二樂章 Stürmisch bewegt, mit größter Vehemenz (Moving stormily, with the greatest vehemence) (A minor)

Part II 第二部分

  • 27:34 3. 第三樂章 Scherzo. Kräftig, nicht zu schnell (Strong and not too fast) (D major)

Part III 第三部分

  • 44:33 4. 第四樂章 Adagietto. Sehr langsam (Very slow) (F major)
  • 54:06 5. 第五樂章 Rondo-Finale. Allegro – Allegro giocoso. Frisch (Fresh) (D major)

 

第一樂章:五大段落

Rotation 1 0:05

Rotation 2 2:11

Rotation 3 5:23

Rotation 4 7:06

Rotation 5 9:57

https://www.youtube.com/watch?v=mVjHOp2SFfU&t=2708s

 

馬勒第五號 第一樂章 樂曲分析

參考樂譜影片

https://youtu.be/9u87xiQEWww?si=ECHBiVMabyNxyoFv

第一段落 ROTATION 1

0:00 - 樂曲以遠方的小號聲,宣告送葬進行曲開始。 

- 送葬進行曲,「樂句1」。

其核心節奏借鑒了貝多芬第五號交響曲的命運動機。

與孟德爾頌的無言歌Op. 62 No. 3

https://youtu.be/z4OVs85YJ84?si=Unxmxp90XpwWUioa

1:06 - 送葬進行曲的第二樂段「樂句2」,進入大調。

疲憊的旋律,充滿悲傷和渴望,音樂總是向上延伸,卻在下一刻失落。

1:23 -  哀切的旋律,不斷地發展而沈寂

「樂句1」的節奏與旋律在此段亦再次出現

第二段落 ROTATION 2

2:04 - 很快,我們又回到了小調。

小號聲再次響起。 隨著遊行的臨近,這次的高潮更加混亂和不和諧。

2:54 - 葬禮進行曲,「樂句 1」

現在有更完整的和聲和管弦樂。

3:12 - 「樂句2」再次出現並發展。

號角聲中的附點節奏作為伴奏出現

旋律重新由木管與大提琴之間的對話

且越來越完整(大調) 

4:07 - 新出現的「樂句3」(Rehearsal No.5)

我們到達了進行曲的全新的「樂句3」,作為「樂句 1」大調的變奏。 

本段號角的三連音節奏與主題淡化,但依舊存在

然而,隨著動機的回歸,很快就會陷入全面的崩潰。

第三段落 ROTATION 3

5:17 - 音樂中的喧囂與不安再次出現

在弦樂益加狂放的「樂句2」變奏中

小號的「樂句 1」再次出現,兩個樂句終於重疊

此時進入對位法寫作,音樂陷入瘋狂

6:13 - 「樂句2」的變奏

弦樂狂放+銅管動機片段出現

持續蓄積能量,音樂推至最高點

7:09 - 小號的「樂句 1」再次出現

- 小號的尾句與Oboe增值演奏

低音銅管齊奏

葬禮的行進隊伍似乎慢慢地消失在遠方

8:06 - 「樂句 1」由Oboe演奏

「樂句 2」亦出現

但主旋律已無法完整呈現支離破碎

8:23 - 「樂句 2」由雙簧管持續演奏

號角的節奏與旋律出現在「樂句 2」成為補白

音樂時而大調時而小調

人世之歌.喜悲哀歡

生死之時.愛別離苦

人生喜悲哀歎之感,此時油然而生

P.S. (來自馬勒的諷刺)

此時可能是大部分人睡著的時候

卻是音樂最精彩的時刻...

9:12 - 「樂句3」再次出現(Rehearsal No.14)

雙簧管+A調單簧管,第二小提琴+中提琴演奏主旋律

第一小提琴與大提琴卡農式跟隨在後

附點實質倍增

速度極緩 哀傷氛圍

進入虛空之休止段落(定音鼓預備)

第四段落 ROTATION 4(Rehearsal No.15)❤️

你還醒著嗎?最精彩的狂想要來了

10:00 - 「樂句1」由定音鼓演奏,再次出現

10:12 - 第一小提琴奏出弱起拍起始的全新「樂句4」

伴隨著「片段式」的「樂句1」

呈現出節奏的變奏

大提琴加入旋律的對話

小提琴的吶喊

反映出急切而焦急的心情

法國號的副旋律獨奏

似乎象徵那終日惶惶的不安

10:53 - (Rehearsal No.16)

小提琴的吶喊

反映出急切而焦急的心情

法國號的副旋律獨奏

似乎象徵那終日惶惶的不安

喜樂交織

內心無法寧靜

11:52 - 最後的號角聲響起,樂團越來越安靜

回歸沈寂.失望告終

送葬進行曲此時以黯然收場

 

第二樂章:奏鳴曲式

呈示部:以一種悠緩、沉思的氛圍開場,旋律線條流暢而抒情,猶如交響曲中的巨人在默默回憶著某些往事。樂器的進入較為輕柔,弦樂以其細膩的音色奠定了溫柔的基調,隨後木管樂器加以點綴,增添了幾分清新的色彩。

發展部:音樂的節奏逐漸加快,力度亦有所增強,出現了一些更具動態的旋律片段。不同樂器組之間的對話增多,形成了一種交織的音響效果,仿佛內心的情感在逐漸波動,有了更多的掙扎與思考,與前段的平靜形成對比。

再現段:再次回到開頭那種悠緩、抒情的狀態,但在細節上有所不同,旋律經過了一些變形和裝飾,樂器的配置也略有調整,使得情感的表達更加深沉和內斂,猶如經歷了一番思索後,心境變得更加沉靜而通透。

Exposition

- Theme 1 13:04

- Theme 2 14:25

- Theme 1 16:30

- Theme 2 18:24

Development 19:30

Recapitulation

- Theme 1 25:45

- Theme 2 26:41

https://www.youtube.com/watch?v=mVjHOp2SFfU&t=784s

EXPOSITION 

0:00 - Theme 1, limb A. Instruments play incompatible, fragmented material with clashing rhythms, textures, dynamics, and harmonies, resulting in a frantic atmosphere.

0:34 - Theme 1, limb B. The instruments finally connect with each other for a brief moment, as stable rhythm, melody, and harmony are introduced.

1:02 - Violins play motives from limb B, while limb A starts to dominate brass and lower strings until it completely takes over. This leads to a collapse.

1:25 - Theme 2, phrase 1. The accompaniment is constructed from repeated notes, intertwined with leaping figures from theme 1 (0:07). The theme begins in minor.

1:50 - Theme 2, phrase 2. The music manages to modulate into major, and quickly begins to rise, trying to affirm a major tonality as the sonata's secondary key.

2:35 - The music collapses back into minor and returns to the first phrase, with a fuller orchestration.

2:50 - A variation on the second phrase re-introduces a major tonality. However, before the music ever manages to reach a strong cadence in the major tonality, the music becomes corrupted and leads us into exposition repeat.

EXPOSITION REPEAT

3:38 - We're back to the frustrated first theme, with even darker orchestration. The theme collapses before limb B even makes an appearance.

4:29 - The leaping figures take on the role of a transition, and produce one of the most melancholic passages in all of music. The cellos leap higher and higher, yearning to leave this place behind.

5:31 - The second theme follows the structure of the first part of the exposition, only with fuller orchestration and more countermelodies. First phrase.

5:49 - Second phrase, again modulating into major. The music starts to get corrupted much sooner than before, which means that the second theme once again fails to affirm the secondary key. DEVELOPMENT

6:20 - We periodically start to leave the sonata form. The brass inverts the second theme, now plunging downwards. The strings desperately reach higher and higher, trying to shake off the minor key.

6:53 - Suddenly we arrive at the main theme of the first movement. The second theme follows with a brief statement before we're once again pulled out of the sonata form with a baffling march in major.

8:20 - After the climax, we're brought back to the sonata form with theme 1 limb A. Limb B again connects the instruments, but now motives from the second theme enter into the texture, for now completely distorted by the first theme.

9:26 - The second theme manages to reclaim the music, and starts to rise. Only its second statement is present.

9:56 - Another quote from the first movement invades into the sonata form- the violent fanfare. The second theme manages to lead the music back to the sonata and starts to rise yet again with its second phrase.

10:53 - At the second peak, the second theme again collapses. Without any energy left, it almost surrenders to the first theme, before out of nowhere, a giant, glorious climax in D major ensues.

RECAPITULATION

13:16 - The first theme forcefully pulls us out of our vision, and reminds us of the bleak reality. However, the recapitulation of the first theme proves to be a complete failure, as the preceding climax dismantled the tonal schema of the movement, forcing the recapitulation to begin in D minor instead of the home key of A minor. The theme collapses very quickly.

14:27 - The recapitulation of the second theme is an even greater failure, as only fragmented accompaniment figures manage to form. The movement ends in A minor, in complete exhaustion.

 

 

第三樂章:奏鳴曲式

此樂章除了可歸類為奏鳴曲式,其實馬勒也採用了較為複雜的變奏曲式結構。因為主題旋律在不同的樂器組和與音樂段落中反覆出現,且透過各種變奏手法進行發展。

主題呈示:樂章開頭由低音弦樂器以較為緩慢的速度奏出主題旋律,節奏穩定,音調低沉而具有肅穆感,猶如一份莊嚴的宣告,奠定了整個樂章的基調。

變奏部分:主題隨後在不同的段落由不同的樂器進行各種變奏:有時是木管樂器以明亮的音色呈現,使主題旋律具有了不同的色彩和情緒;有時則是弦樂器通過改變節奏和裝飾音等方式,賦予主題新的生命力。在變奏過程中,音樂的力度、速度也不斷變化,形成了豐富的層次和對比。

尾聲:樂章的尾聲,主題旋律再次緩慢呈現,逐漸減弱,最終在寧靜中結束,留下餘音繞梁的感覺。

Exposition

- Theme 1 27:35

- Theme 2 29:56

Development 30:55

Recapitulation

- Theme 1 38:09

- Theme 2 40:40

Coda 43:40

https://www.youtube.com/watch?v=mVjHOp2SFfU&t=1655s

EXPOSITION

0:00 - Theme A - Landler. It's an Austrian dance characterized by its emphasis of the second beat. In a characteristic Mahler fashion, different strands of the dance are first presented one by one, before playfully appearing in all kinds of combinations with one another.

0:42 - Episode. The landler is put on hold, as more anxious and darker materials surface.

0:51 - Landler re-enters in the counterpoint, pulling music back to the care-free beginning.

1:12 - The dance returns to its former enthusiasm, more joyful than ever. The joy culminates in an almost aggressively happy passage.

1:30 - Episode again appears, as we begin to suspect that something's wrong. The landler nonetheless manages to resurface.

2:26 - Theme B - Waltz. We are introduced to a lilting waltz, perhaps the first sincere moment in the movement. It features the typical Viennese rhythm of the second beat coming a bit early. The theme itself is very elegant, featuring beautiful modulations and countermelodies.

3:17 - Theme A. Landler rudely interrupts the waltz and pulls us back to its swinging rhythm. The texture grows thick and complex, as ever more elaborate combinations of strands are tested.

DEVELOPMENT

3:45 - The dark episode cuts off the landler in the middle of its phrase, and goes into a development section.

4:06 - The episode's motives form into a proper theme. The scherzo is slowly revealing its true colors.

4:27 - Amidst the anxious episode a solo horn appears, playing a very expressive line, as if trying to tell/warn us about something.

4:40 - The episode, still needing to express its sorrow, returns. The melody is now reduced to increasingly frenzied 3 notes in the brass. This leads to a scream of terror, as the episode demands an answer.

5:08 - Solo horn again appears with an extremely beautiful recitative, attempting to answer the instruments and push them into a different direction.

6:18 - The next section merges the Viennese rhythm of theme B, with the solo horn melody, all played in anxious plucked notes.

6:45 - The waltz manages to form for a brief moment before the solo horn melody appears on a less-threatening clarinet.

7:04 - In a beautiful moment, the violins and horns play solo horn melody in an imitative duet, finally developing it into a theme. It seems like the instruments listened to what the horn had to say.

7:29 - More canonic imitation on the solo horn figures ensue, with the tone starting to gradually darken.

8:00 - Various instruments give their take on the horn figures, desperately trying to save the music from winding back to the dark episode material. At 8:20 we hear the landler attempting to form, trying to take us back to the comforting ignorance of the exposition.

9:03 - Empowered by the horn material, the genuinely joyful waltz starts to form.

9:25 - As we find out, the anxious episode hasn't been defeated yet. We hear it desperately trying to form and voice its grief, completely distorting the once gracious waltz into an aggressive and chaotic sequence, bursting with tension.

9:47 - The episode starts to dominate the orchestra, and we again hear the landler in the different instruments trying to form.

RECAPITULATION

10:03 - Right at the emotional peak of the dark episode, the landler interrupts, transitioning us straight into the recapitulation. Here the true nature of the landler is explained to us.

10:43 - As much as the dance would like to remain ignorant of the music's true state of emotions, we're constantly reminded of the development section through brief interjections that the landler was unable to silence.

11:18 - The landler becomes more and more distorted and aggressive, as it tries to put on a fake smile.

11:38 - Episode. This time the solo horn figures take the foreground, trying to calm the music down.

12:30 - The waltz tries to form, but the anxiety of the music fragment and distorts it, preventing the gentle waltz from ever appearing in the recapitulation.

13:33 - The music again unleashes a scream of terror and the horn answers. After another frenzied scream, it manages to calm the music down, and it again begins to preach to the instruments.

CODA

15:25 - The contradictions of the movement unleash all of their built-up tension. The episode material wants to voice its grief and terror, all the while the landler wants to end the movement in triumph. And so, those ideas collide in a genius coda, exploding with tension and terror.

 

 

第四樂章:三段體

人間最美情書

第四樂章可名列史上最美交響曲慢板樂章,也是幾乎所有馬勒迷最愛的一個樂章。根據孟根堡可靠的文字留下述敘:馬勒將第四樂章手稿,作為一封情書,連一個字也沒多寫,就寄出去給阿爾瑪,因為他知道阿爾瑪也是音樂家,必然懂得他的心情...

而阿爾瑪收到第四樂章手稿之後,深深被其中的音樂打動,她寫下來:「趕快來找我...」

「他們兩人都這樣告訴我...」孟根堡說

第四樂章旋律優美動人,極具歌唱性。

主題旋律以最抒情、流暢的線條與富有情感的和聲慢慢訴說、發展,宛如一首深情眷戀的愛之歌。

旋律中也運用了大量的裝飾音和滑音,使音樂更具細膩的情感表達,仿佛是訴說馬勒對阿爾瑪之愛,與內心深處的情感波動。

曲式架構亦具有邏輯性和層次感,三段體是最多作曲家採用的架構:

首部:從一段優美而抒情的旋律開始(第一段落),小提琴輕柔地奏出,猶如詩歌般動人。主題旋律在不同的音域和樂器上反覆呈現,不斷發展和延伸,具有明顯的呈示部寫作特徵,為整個樂章奠定了浪漫而深情的基調。

中段:音樂主題與風格出現較大轉變,似乎預告著愛情的不安,亦或內心的動盪,節奏變得更加活躍,旋律線條也更具動態感。樂器間的對話和交織更加頻繁,形成了更豐富的織體;透過對主題的變形和發展,以及不同樂器組的輪番演奏,營造出一種熱烈而激昂的氛圍,與首部的抒情風格形成鮮明對比。

再現部:首部的主題旋律再次回歸,但非簡單的重複,馬勒在配器和細節上有所變化,使主題更加豐滿和深刻。再現部的安排,更強化了本樂章的整體性,讓聽眾再次沉浸在那動人的旋律之中,最終樂章在溫柔而寧靜的氣氛中漸漸結束。

猶如一個完整的愛情故事,有起有伏、有笑有淚,讓聽眾能深刻地感受到情感的變化和發展。

A 44:33

B 48:07

A 50:46

https://www.youtube.com/watch?v=mVjHOp2SFfU&t=2673s

0:00 - Theme A. After an ambiguous opening, the violins enter and ground us in F major. Other strings provide lush textures, with the harp beautifully adding to the harmonies in the background.

0:50 - Theme A, second statement, with the melody now in the cellos.

1:50 - Theme A, third statement. Violins invert the opening notes, as the third statement commences. Ornamentation is added.

2:18 - The theme can't contain itself anymore, as it bursts out into an impassioned climax, ripping its heart out.

2:40 - Closing gestures.

3:09 - Theme B - a passionate prayer.

3:54 - Passion turns into gratitude, portrayed by a very delicate and vulnerable melody.

5:13 - Music concentrates on 3 notes, playing them slower and slower, anticipating the return of the main theme.

5:40 - A heart-stopping glissando transitions us back into theme A, which is repeated with slight changes to the melody.

 

Adagietto 和聲分析

https://www.youtube.com/watch?v=tT7BvHsO1wQ

 

延伸閱讀

馬勒(五)電影賞析《馬勒,獻給妻子的柔板》

https://bonart.com.tw/all-about-mahlers-music-5/

 

 

第五樂章:輪旋曲式

第五樂章的曲式結構較為複雜,可視為「輪旋曲式」,也是一個「自由的變奏曲式與輪旋曲式的結合」。

樂章以一個強有力的主題動機開場,隨後這個主題動機不斷地變化、發展,在不同的樂段中以不同的形式呈現,形成了多個變奏部分。

同時,樂章中也存在著一些類似輪旋曲式的架構元素,意即某些主題或動機,會在不同的段落中再次出現,並與其他變奏部分相互穿插,這使樂章在整體上既有統一性,又富有變化,也是回歸「純音樂」寫作方式之後,在交響配器與樂曲架構上所創下的突破。

無怪乎他認為要了解第五號,必須要先聽過前四首交響曲。

第五樂章的旋律安排,同時極具張力和感染力:

開場的旋律雄渾壯闊,具有一種強大的衝擊力,猶如號角齊鳴,展現出一種堅定的信念和強大的力量。

而隨著樂章的發展,旋律線條變得豐富多樣,既有激昂的高音旋律,表達出強烈的情感和決心;又有溫柔、抒情的段落,流露出內心的細膩情感和對美好生活的憧憬。

例如,在樂章的(3:58),優美的弦樂旋律,宛如詩歌般動人,其實引用自第四樂章,也與第五樂章前後的激昂部分形成鮮明對比,使音樂更具層次感。也因此第四、第五兩樂章,被視作本交響曲之完整的「第三部分」。

Introduction 54:07

Rondo theme 54:48

Episode 1 55:23

Transition 1 56:12

Rondo theme 56:51

Episode 2A 57:27

Episode 2B 57:52

Transition 2 58:43

Episode 2A 59:06

Episode 1 59:26

Transition 3 1:00:01

Transition 1 1:00:14

Episode 2A 1:00:32

Episode 2B 1:01:10

Transition 2 1:02:03

Episode 2A 1:02:13

https://www.youtube.com/watch?v=mVjHOp2SFfU&t=3247s

0:00 - Introduction - some core motives introduced here are the horn call, the joyful run in the oboe and the clarinet (these are in fact augmented versions of the vision from the second movement!), and the long-short-short-long rhythmic motive.

0:45 - Theme - a pastoral melody, rich with countermelodies.

1:21 - Episode 1, based on motives from the introduction.

2:44 - A short transition, using the introduction motives in cannon.

2:56 - Theme

3:31 - Episode 2 - a proud, if a bit clumsy melody, always rising.

3:58 - The second episode is transformed into a lilting dance, revealing that it is in fact a quote from the Adagietto's middle section!

4:50 - Episode 2 fragmented, descending in sequences.

5:12 - Episode 2, slowly morphing into episode 1.

5:33 - Episode 1

5:59 - Episode 1 starts to rise in sequences, reaching for a climax.

6:11 - We return back down, as the horn call motive transitions us back to the theme.

6:26 - Theme.

6:37 - Playful sequence based on episode 1.

7:00 - Episode 2, rising. Just as we were about to reach the climax the music again fakes out.

7:27 - Lilting dance transformation of episode 2 (adagietto quote).

8:19 - Episode 2 fragmented, descending in sequences.

8:27 - Episode 1 accompaniment merges with the melody of episode 2.

9:08 - We again reach for the climax.

9:30 - The melodies from the episodes in a fugato, but once again right before the climax we return to the beginning.

9:46 - Theme.

10:08 - Episode 1 appears augmented on top of the theme.

10:47 - Episode 1 in its original form

11:18 - Episode 1 starts rising towards the climax, but as expected, the music again recedes just before we reach it.

11:38 - At the bottom, the principal theme starts to pick up the pieces. Different instruments gradually join, all eager to give their take on the theme.

12:30 - We skip straight to the lilting dance transformation of episode 2 (adagietto quote), which starts rising right away.

14:07 - After more than an hour into the symphony, we finally reach a stable climax in a major key. At the top, we're greeted by episode 1 in a gracious statement.

14:29 - The vision from the second movement turns to reality. The vision is in fact constructed out of the motives from the introduction

14:55 - The principal theme closes off the movement in a playful and sunny variation.

 

最後.來個超級地獄大PK...


 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-1-titan-2/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-2-resurrection/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-3/

 


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【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:紐約愛樂(New York Philharmonic)

【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:紐約愛樂
Top Orchestras in U.S - New York Philharmonic

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


本系列「2025年世界管弦樂團巡禮」- 北美篇,將以美國為主要區域,詳細介紹各大管弦樂團之歷史沿革與特色,並深入欣賞精湛之演奏。

 

美國五大交響樂團

 

讓我們先從歷史談起,當我們聊到美國樂團十,總喜愛先聊「五大」,這五大交響樂團在過去的歷史定位也非常清楚,分別是:

紐約愛樂 New York Philharmonic

波士頓交響樂團 Boston Symphony Orchestra

芝加哥交響樂團 Chicago Symphony Orchestra

費城交響樂團 Philadelphia Orchestra

克里夫蘭交響樂團 Cleveland Orchestra

美國五大樂團」一詞,誕生於早期黑膠唱片錄音時期,當時管弦樂尚在以廣播方式放送音樂,聽眾們在家中,以收音機方式收聽各樂團之音樂節目之時期。

各樂團在20世紀也如「兄弟登山,各自努力」般,不斷擴大樂團編組,提升演奏能力。

時至20世紀中葉,東岸商業環境繁盛,於是錄音和廣播節目漸漸由東海岸樂團主導,當時最著名的樂團被稱為「三巨頭」:紐約樂團、波士頓樂團和費城樂團。

逐漸地,當時隨著偉大指揮家們的崛起,樂團能見度與唱片銷量也逐漸提升,因此,由喬治·塞爾領軍的克利夫蘭管弦樂團和弗里茨·萊納指揮的芝加哥交響樂團,聲望日益提高,人們漸漸將管弦樂「三巨頭」擴張為「五巨頭」,也就是我們常說的「美國五大樂團」。


【你關心的BON話題 - 樂團薪資篇】

1 San Francisco Symphony

基本薪資 $166,400

The San Francisco Symphony Orchestra remunerate their musicians a large chunk from ticket sales, donations, and other sources of income. It has maintained its spot on the base pay rankings over the years. SFO Symphony was founded in 1911. It’s based in San Francisco, California.

Since 1980, the orchestra has been performing at the Louise M. Davies Symphony Hall in the City’s Hayes Valley neighborhood. They are the resident orchestra of the LMD Symphony Hall. Despite the short history of performances, the orchestra has been awarded an Emmy Award and 15 Grammy Awards. It was also the first to feature symphonic radio broadcasts in 1926, and in 2003.

Visit https://www.sfsymphony.org/ to learn more about their upcoming performances.

舊金山交響樂團從門票銷售、慈善捐款、企業贊助、政府補助以及其他多種收入來源中,拿出很大一部分來酬勞樂團成員。多年來,其基本薪酬排名一直保持穩定。舊金山交響樂團成立於 1911 年,總部位於加利福尼亞州舊金山。

自 1980 年起,該樂團一直在舊金山海斯谷社區的路易斯・M・戴維斯交響樂廳演出。他們是路易絲・M・戴維斯交響樂廳的駐場樂團。儘管演出歷史不算悠久,但該樂團已榮獲一座艾美獎和 15 座格萊美獎。1926 年及 2003 年,它也是率先進行交響樂廣播的樂團。

 

2 Los Angeles Philharmonic

基本薪資 $164,476

The Los Angeles Philharmonic, also known as LA Phil, was founded in 1919 by William Andrews Clark, Jr., a copper baron, arts enthusiast, and part-time violinist. It is the major orchestra based in the city of Los Angeles.

Each year, more than 250 concerts are either performed or presented at the Los Angeles Philharmonic’s two iconic venues: the Walt Disney Concert Hall and the Hollywood Bowl.

It is known its ability to remold and remodel its performances at the whim of the conductor offering it a unique advantage. The group resides in the abstract Walt Disney Concert Hall, where it has been led by conductor Gustavo Dudamel since 2005.

The LA Phil’s involvement with the city of Los Angeles expands beyond the walls of its concert halls, with performances in local schools, churches, and neighborhoods. In fact, one of their education initiatives, Youth Orchestra LA (YOLA), has provided free instruments and music training to over 700 local students.

Visit https://www.laphil.com/ to learn more about their upcoming performances.

洛杉磯愛樂管弦樂團,又稱 LA Phil,於 1919 年由小威廉・安德魯斯・克拉克創立。克拉克是一位銅業大亨、藝術愛好者,也是一名業餘小提琴手。它是洛杉磯市的主要管弦樂團。

每年,洛杉磯愛樂管弦樂團在其兩個標誌性場館 —— 華特・迪士尼音樂廳和好萊塢露天劇場,舉辦或呈獻超過 250 場音樂會。

該樂團以能隨指揮的意願重塑和改編演出而聞名,這賦予了它獨特的優勢。樂團駐紮在具有抽象風格的華特・迪士尼音樂廳,自 2005 年起由指揮古斯塔沃・杜達梅爾領導。

洛杉磯愛樂管弦樂團與洛杉磯市的互動,不止限於音樂廳內,還在當地學校、教堂及社區舉行演出。事實上,他們的一項教育倡議 “洛杉磯青年管弦樂團(YOLA)”,已為 700 多名當地學生提供了免費樂器和音樂培訓。

 

3 Chicago Symphony Orchestra

基本薪資 $159,016

The Chicago Symphony Orchestra is one of the top-ranking American orchestras and a part of the “Big 5” orchestras in the US. Chicago Symphony Orchestra is a highly regarded brass section. At the time of this ranking, the group was led by Daniel Barenboim. It is now under the baton of renowned conductor Riccardo Muti.

It was established in 1891 by Theodore Thomas. The ensemble gathers at Orchestra Hall in Chicago and plays a summer season at the Ravinia Festival. Originally named “Chicago Orchestra,” it was later changed to Chicago Symphony Orchestra in 1913. It has seen numerous music directors including Desire Defauw, Artur Rodzinski, Rafael Kubelik, Fritz Reiner, Jean Martinon, Georg silti, and Daniel Barenboim.

The Chicago Symphony first broadcast on the radio in 1925. Till now, it has performed well over one hundred concerts each year at its downtown home, Symphony Center, and the Ravinia Festival on Chicago’s North Shore.

Riccardo Muti, the current music director of CSO, has earned sixty-two Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences.

Visit https://cso.org/home/ to learn more about their upcoming performances.

芝加哥交響樂團是美國頂尖交響樂團之一,也是美國「五大」交響樂團的成員。芝加哥交響樂團的銅管樂部門備受推崇。在本次排名之時,該樂團由丹尼爾・巴倫波因領導。如今則由著名指揮里卡多・慕提執棒。

它於 1891 年由西奧多・托馬斯創立。樂團成員在芝加哥的管弦樂廳聚首,並在拉維尼亞音樂節期間進行夏季演出。它最初名為「芝加哥管弦樂團」,1913 年更名為芝加哥交響樂團。歷任音樂總監包括德西雷・德富、阿圖爾・羅津斯基、拉斐爾・庫貝利克、弗里茨・萊納、讓・馬蒂農、格奧爾格・西爾蒂以及丹尼爾・巴倫博伊姆。

芝加哥交響樂團於 1925 年首次在電臺進行廣播。直至今日,它每年在其位於市區的駐地 —— 交響樂中心,以及芝加哥北岸的拉維尼亞音樂節,演出超過一百場音樂會。

芝加哥交響樂團現任音樂總監里卡多・慕提,已從美國國家錄音藝術科學學院獲得六十二座葛萊美獎。

 

4 Boston Symphony

基礎薪資 $153,400

Boston Symphony Orchestra is one of the Big-Five orchestras in the U.S, also the second oldest among the Big-Five. It was founded by Henry Lee Higginson in 1881.

It primarily performs in the Symphony Hall Tanglewood in Boston. Since its establishment, it has had 17 different music directors including George Henschel, Serge Koussevitzky, Henri Rabaud, Erich Leinsdorf, and William Steinberg. The current music director is Andris Nelsons.

It was also the first orchestras to perform live on the radio (NBC, 1926), along with presenting more than 250 concerts annually. Its live performances have reached masses through the internet, radio, television, and educational programs.

As claimed by BSO, its official website is one of the most-visited orchestral websites in the world, with 7 million visitors annually.

Visit https://www.bso.org/ to learn more about their upcoming performances.

波士頓交響樂團是美國五大交響樂團之一,也是五大樂團中歷史第二悠久的樂團。它由亨利·李·希金森 (Henry Lee Higginson) 於 1881 年創立。

樂團主要在波士頓的坦格伍德交響樂廳演出。自成立以來,樂團曾有 17 位音樂總監,包括喬治·亨舍爾、謝爾蓋·庫塞維茨基、亨利·拉博德、埃里希·萊因斯多夫、威廉·斯坦伯格等。現任音樂總監為安德里斯·尼爾森斯 (Andris Nelsons)。

它也是第一個在電台進行現場表演的管弦樂團(NBC,1926 年),每年舉辦 250 多場音樂會。它的現場表演透過網路、廣播、電視和教育節目傳播給大眾。

BSO稱,其官方網站是全球訪問量最大的管弦樂網站之一,每年有700萬人次造訪。

 

5 New York Philharmonic

基礎薪資 $147,550

New York Philharmonic, officially called Philharmonic-Symphony Society of New York, Inc. is the oldest orchestra in the U.S. Established in 1842 by the American conductor Ureli Corelli Hill, with the aid of the Irish composer William Vincent Wallace.

Each season, the New York Philharmonic connects with over 50 million music lovers around the world through worldwide tours, residencies, digital recordings, and live broadcasts. It is also the first American orchestra to perform in North Korea. New York Philharmonic performed in Pyongyang on February 26, 2008, upon an invitation from the North Korean Government.

Some of the renowned music directors who have worked with New York Phil include Ureli Corelli, Theodore Eisfeld, Carl Bergmann, Leopold Damrosch, Theodore Thomas, Adolf Neuendoriff, Emil Paur, Wassily Safonoff, Gustav Mahler, Leopold Stokowski, and Zubin Mehta. The current music director of New York Phil is Jaap Van Zweden active since 2018.

Visit https://nyphil.org/ to learn more about their upcoming performances.

紐約愛樂樂團,正式名稱為紐約愛樂交響樂團,是美國最古老的管弦樂團,由美國指揮家烏雷利·科雷利·希爾在愛爾蘭作曲家威廉·文森特·華萊士的幫助下於 1842 年創立。

每個演出季,紐約愛樂樂團透過全球巡迴演出、駐場演出、數位錄音和現場直播與全球超過 5,000 萬音樂愛好者建立聯繫。這也是第一個在北韓演出的美國管弦樂團。應北韓政府的邀請,紐約愛樂樂團於2008年2月26日在平壤演出。

曾與紐約愛樂樂團合作過的著名音樂總監包括烏雷利·科雷利、西奧多·艾斯菲爾德、卡爾·伯格曼、利奧波德·達姆羅施、西奧多·托馬斯、阿道夫·諾伊恩多里夫、埃米爾·保爾、瓦西里·薩豐諾夫、古斯塔夫·馬勒、利奧波德·梅達·祖塔和祖倫科。紐約愛樂樂團現任音樂總監是范志登 (Jaap Van Zweden),自 2018 年起。下任總監為杜達美。

 

6 National Symphony Orchestra

基本薪資 $143,208

The National Symphony Orchestra (NSO) is an American symphony orchestra based in Washington, D.C. It was founded in 1930 and has been performing at the John F. Kennedy Center for the Performing Arts.

NSO is home to over 100 musicians. They perform a 52-week season of approximately 175 concerts each year. They regularly participate in events of national and global importance including ceremonial state affairs, presidential inaugurations, and holiday celebrations. The annual National Memorial Day Concert in May and A Capitol Fourth concerts on 4 July are two of the highlights of NSO.

Visit https://www.kennedy-center.org/nso/home/ to learn more about their upcoming performances.

國家交響樂團(NSO)是一家總部位於華盛頓特區的美國交響樂團,成立於1930年,一直在約翰甘迺迪表演藝術中心演出。

NSO 擁有 100 多位音樂家。他們每年演出季持續 52 週,共舉辦約 175 場音樂會。他們定期參與國家和全球重要活動,包括國事禮儀、總統就職典禮和節慶慶祝活動。每年 5 月舉行的國家陣亡將士紀念日音樂會和 7 月 4 日舉行的國會第四場音樂會是 NSO 的兩大亮點。

 

7 MET Orchestra

基礎薪資$135,328.36

You must have heard about MET Gala, we hope you are familiar with MET Orchestra as well.

MET Orchestra is one of the world’s great performing ensembles who have performed more than 200 concerts each season. They are known for their performance both on stage and in the opera pit.

It was founded in 1883. Since then, MET Orchestra’s performances have performed entire opera repertoire, symphonic and chamber programs at Carnegie Hall, international tours, and countless musician activities outside of MET Opera House.

Visit https://www.metorchestramusicians.org/ to learn more about their upcoming performances. 

大都會歌劇院管弦樂團是世界上最偉大的表演樂團之一,每季演出超過 200 場音樂會。他們因在舞台上和歌劇場中的出色表演而聞名。

它成立於1883年,成立至今,大都會歌劇院管弦樂團的演出包括在卡耐基音樂廳演奏整個歌劇曲目、交響樂和室內樂節目、進行國際巡演以及大都會歌劇院外無數的音樂家活動。

 

8 Cleveland Orchestra

基礎薪資 $135,096

The Cleveland Orchestra is one of the “Big 5” orchestras in the US. It was founded in 1918 by the pianist and impresario Adella Prentiss Hughes. It has remained the primary venue to witness one of the best classical and contemporary compositions in the U.S. The orchestra plays most of its concerts at Severance Hall.

Franz Welser-Möst has led the Cleveland Orchestra since 2002. They often make extensive tours across the U.S. and abroad. Known for their artistic excellence, concert programming, and community engagement, they have a proud history of giving back to the community. They share the joy of music throughout Northeast Ohio via education and community programs that date back to its founding in 1918.

In 2012 Gramophone Magazine ranked the Cleveland Orchestra 7th on its list of the world’s greatest orchestras, and The New York Times referred to the orchestra in 2018 as “America’s most understatedly amazing orchestra.

It has seen the tenure of some of the greatest Music directors including Nikoloi Sokoloff, Artue Rodzinski, Erich Leinsdorf, George Szell, Pierre Boulez, Lorin Maazel, Christoph von Dohnanyi, and Franz Welser-Most.

Visit https://www.clevelandorchestra.com/ to learn more about their upcoming performances.

克里夫蘭管弦樂團是美國「五大」管弦樂團之一。該樂團由鋼琴家兼經理人阿德拉·普倫蒂斯·休斯 (Adella Prentiss Hughes) 於 1918 年創立。它一直是見證美國最佳古典和當代作品的主要場所。

弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特自 2002 年起擔任克利夫蘭管弦樂團指揮。他們以其藝術卓越性、音樂會節目安排和社區參與而聞名,擁有回饋社區的光榮歷史。他們透過自 1918 年成立以來的教育和社區項目,在俄亥俄州東北部分享音樂的快樂。

2012 年《留聲機》雜誌將克利夫蘭管弦樂團評選為世界最偉大管弦樂團第七位,2018 年《紐約時報》將該樂團稱為「美國最低調的令人驚嘆的管弦樂團」。

它見證了許多最偉大的音樂總監的任期,包括尼科洛夫、阿圖埃·羅津斯基、埃里希·萊因斯多夫、喬治·塞爾、皮埃爾·布列茲、洛林·馬澤爾、克里斯托夫·馮·多納尼和弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特。

9 Philadelphia Orchestra

基礎薪資 $137,800

Philly Orchestra is the youngest among the Big-5 Orchestra in the US. It was founded in 2001. They solely based in Philadelphia, Pennsylvania. They perform at the Kimmel Center for the Performing Arts. They perform subscription concerns at Verizon Hall amounting to over 130 concerts annually.

YANNICK NÉZET-SÉGUIN is the current music director with STÉPHANE DENÈVE as principal guest conductor, and GABRIELA LENA FRANK as composer-in-residence.

They filed for bankruptcy in 2011 which dramatically cut the musicians’ pay. Prior to the bankruptcy, the orchestra was one of the highest-paid in the country. In recent years, the orchestra and the musicians negotiated and settled for a raise of 2%.

Visit http://www.philorch.org/ to learn more about their upcoming performances.

Get in touch with Rick Perdian to learn more about the essentials of orchestras management.

 

費城交響樂團是美國五大交響樂團中最年輕的樂團。該公司成立於 2001 年,總部位於賓夕法尼亞州費城。他們在金梅爾表演藝術中心演出。他們每年在 Verizon Hall 舉辦超過 130 場音樂會。

現任音樂總監為雅尼克‧涅澤特-塞金 (YANNICK NÉZET-SÉGUIN),首席客座指揮為史蒂芬‧德內夫 (STÉPHANE DENÈVE),駐團作曲家為加布里埃拉‧萊娜‧弗蘭克 (GABRIELA LENA FRANK)。

他們在 2011 年申請破產,導致音樂家的收入大幅削減。在破產之前,該樂團是全國薪水最高的樂團之一。近年來,樂團與演奏員們經過協商,達成加薪2%的協議。


紐約愛樂財務概覽

紐約愛樂樂團 2022-2023 樂季的財務資訊和樂團細節,大致如下:

門票收入:2022-2023年賽季門票收入達2,976萬美元,較上一財政年度的1,118萬美元大幅成長。

捐款:該樂團在 2022-2023 年收到的捐款為 4530 萬美元,低於 2021-2022 年的 6880 萬美元。

建設資金:大衛·格芬音樂廳的建設資金獲得了5,370萬美元的捐款支持。

員工薪酬

音樂總監:Jaap van Zweden 2022-2023 賽季倒數第二季的薪水為 1,525,711 美元,比前一年的 1,128,266 美元略為增加。

執行長:前執行長黛博拉·博達的薪酬為1,317,344美元,再加上40萬美元的獎金,她的總收入超過了音樂總監

樂團演奏家:樂團首席兼小提琴手黃欣的基本工資為 361,713 美元,加上獎金 548,139 美元,總收入約 90萬美元,是樂團收入最高的演奏家;首席簧管演奏家安東尼·麥吉爾的薪水為 394,715 美元。

此外,2024年9月的消息顯示,紐約愛樂樂團約100名音樂家將在未來三年獲得30%的加薪,基本工資將達到20.5萬美元。


紐約愛樂(New York Philharmonic)

 

紐約愛樂(New York Philharmonic)不僅是美國最老與最知名的交響樂團,同時也是世界歷史最悠久的交響樂團之一。

紐約愛樂樂團的輝煌歷程

紐約愛樂樂團,作為美國老五大交響樂團之一,在世界交響樂領域佔據著舉足輕重的地位。其歷史悠久,宛如美國近代交響史,見證了古典音樂在美國的發展與傳承。

19 世紀:夢想起航

1842 年,由烏瑞利・克萊里・希爾創立的紐約愛樂樂團,最初以「紐約愛樂交響協會」之名亮相,成為美國最早的交響樂團,同時也是世界上歷史最為悠久的樂隊之一。同年 12 月 7 日,樂團迎來了具有里程碑意義的首次音樂會,奏響了最初夢想的樂章。

其後,樂團不斷在音樂領域中探索前行。1843 年,首演貝多芬《第三交響曲》《第七交響曲》,讓這些不朽的經典之作在美國的土地上綻放光芒;1846 年,成功進行貝多芬《第九交響曲》在美國的首演,為美國音樂愛好者帶來了震撼心靈的聽覺盛宴;1886 年,完成布拉姆斯《第四交響曲》在美國的首演,進一步豐富了美國的音樂文化寶庫;1893 年,紐愛全球首演德弗札克的《第九交響曲 “新世界”》,展現了樂團對經典作品的卓越演繹能力與代表性。

20 世紀:榮耀綻放

20 世紀,紐約愛樂樂團迎來了下一輝煌階段:1909 年,馬勒成為樂團的音樂總監和首席指揮。

同年 11 月 28 日,拉赫曼尼諾夫《第三鋼琴協奏曲》在紐約首演(指揮為 Walter Damrosch),又是一段精彩音樂演奏歷史。

1922 年,孟根堡接任樂團首席指揮,在他的帶領下,樂團在十年間有了全新飛躍式成長,成功躋身北美第一樂團之列。1928 年,紐約愛樂交響協會與紐約交響樂協會合併,形成了如今的規模。托斯卡尼尼就任常任指揮,樂團自此進入了黃金時代,其演奏和藝術影響力達到了前所未有的高度。

1943 年,年僅 25 歲的伯恩斯坦被任命為紐約愛樂樂團的助理指揮。11 月 14 日,伯恩斯坦代替生病的布魯諾・華爾特,無彩排直接上場指揮樂團在全國進行現場廣播,憑藉出色的表現一戰成名。1958 年,伯恩斯坦開始正式成為扭樂愛樂音樂總監與首席指揮,引領樂團進入了第二個黃金時代。同年,樂團首次踏上南美和拉丁美洲巡迴演出旅途,傳播美妙音樂。

1959 年,伯恩斯坦率領樂團首次訪問蘇聯,促進了國際間的音樂文化交流。

1962 年,樂團告別了卡內基音樂廳,搬至艾弗里・費雪廳(林肯中心),開啟了全新的篇章。1968 年,樂團首演貝里奧的《交響曲》,展現了對現代音樂的積極探索。1978 年,祖賓・梅塔就任樂團的音樂總監指導與首席指揮,繼續推動樂團的發展。1984 年,樂團開啟亞洲巡迴之旅,包括首次印度巡演,在亞洲地區留下了深刻的音樂印記。1989 年,伯恩斯坦在德國柏林憲兵廣場指揮演奏貝多芬《第九交響曲》,是音樂史上的具有特殊意義的時刻。1998 年 6 月 23 日,寇特.馬舒帶領樂團在北京「首演」,並進行了 5 場精彩演出,為中美音樂文化交流搭建了橋樑。

21 世紀:持續創新

進入 21 世紀,紐約愛樂樂團依然保持著蓬勃的發展態勢。2002 年,洛林・馬澤爾開始擔任紐約愛樂樂團音樂總監,為樂團的發展帶來了新的思路。2003 年,樂團成為有史以來第一個在格萊美頒獎典禮上獨奏的樂團,再次創造了歷史。2006 年,樂團成為美國第一個提供可下載音樂會、現場錄製的大型管弦樂團,並推出自制的數位錄音系列,積極擁抱數位時代,為音樂愛好者提供了更加便捷的欣賞方式。

2007 年,本土指揮家艾倫・吉爾伯特成為新一任音樂總監,帶領樂團不斷探索創新。2008 年 2 月,樂團訪問朝鮮平壤,並在平壤東部的大型劇院上演了一場音樂會,促進了不同國家之間的音樂文化交流。2012 年,樂團成為倫敦巴比肯中心的國際合作夥伴,進一步拓展了國際影響力。2016 年,樂團首次在臉書社群網上直播現場音樂會,當年演出季的三次直播共吸引了 100 萬在線觀看量,通過新媒體平台讓更多人領略到了交響樂的魅力。

2018 年 9 月,梵志登開始擔任紐約愛樂樂團第 26 任音樂總監。樂團與環球音樂集團新成立的古典音樂廠牌 Decca Gold 建立合作關係,為音樂創作和推廣注入了新的活力。2022 年 7 月 20 日至 30 日,樂團以線上製播的方式參與上海夏季音樂節,為中國觀眾帶來了精彩的演出。10 月,新的大衛・格芬音樂廳揭幕,為樂團的演出提供了更優質的場地。2023 年,樂團宣布與 Apple Music Classical 合作,並圍繞「家園」「解放」「精神」「地球」等重要主題展開深入探討,展現了對社會和環境問題的關注。

2023 年 2月,杜達美被任命為紐約愛樂樂團的新任音樂總監,其在音樂領域的卓越才華和獨特理念,勢必為樂團帶來新的藝術風貌和發展契機。在未來的日子裡,杜達美將與樂團一同書寫新的輝煌篇章,繼續在世界音樂舞台上大放異彩。

紐約愛樂樂團在其漫長的歷史中,錄製了 2000 餘張唱片,足跡遍布五大洲 62 個國家、432 個城市。與眾多傑出的作曲家、指揮家、演奏家攜手合作,共同推動了古典音樂的發展,為世界各地的音樂愛好者帶來了無數經典的音樂會演出,成為了音樂史上一顆璀璨的明珠。


紐約愛樂 詳細介紹

紐約愛樂早在1842年便成立,當初的名稱是紐約愛樂協會(The Philharmonic Society of New York),在首任指揮希爾(Ureli Corelli Hill,美國人)的帶領下,於該年12月7日舉行第一場音樂會。不過,紐約愛樂的名稱卻直到1928年,紐約愛樂協會與紐約華爾特達姆洛希(Walter Damrosch)交響協會兩者整合後,才正式沿用至今。而在美國兩百多年的歷史中,該團將近一百六十年的時間,幾乎佔三分之二,因此對美國古典音樂的發展,有著絕對舉足輕重的份量。

New York Philharmonic Toscanini Era
New York Philharmonic Toscanini Era

 

Jaap van Zweden conducts the New York Philharmonic 2018
Jaap van Zweden conducts the New York Philharmonic with Cynthia Phelps as soloist performing New York Premiere of Julia Adolphe's Unearth, Release (Concerto for Viola and Orchestra) at David Geffen Hall, 11/17/16. Photo by Chris Lee

 

杜達美的紐約時代.即將來臨

 

紐愛小小資料庫
(取自維基百科)
BOX1:歷任音樂總監、首席指揮

Ureli Corelli Hill (1842-1847)
Theodore Eisfeld (1848-1865)
Carl Bergmann (1855-1876)
Leopold Damrosch (1876-1877)
Theodore Thomas (1877-1891) 
Anton Seidl (1891-1898)
Emil Paur (1898-1902)
Walter Damrosch (1902-1903)
Wassily Safonoff (1906-1909)
Gustav Mahler (1909-1911)
Josef Stransky (1911-1923)
Willem Mengelberg (1922-1930)
Arturo Toscanini (1928-1936)
John Barbirolli (1936-1941)
Artur Rodzinski (1943-1947)
Bruno Walter (1947-1949)
Leopold Stokowski (1949-1950)
Dimitri Mitropoulos (1949-1958)
Leonard Bernstein (1958-1969)
George Szell (1969-1970)
Pierre Boulez (1971-1977)
Zubin Mehta (1978-1991)
Kurt Masur (1991-2001)
Lorin Maazel (2001-)

BOX2:紐愛首演紀錄

1947馬勒「第六號交響曲」/美國首演
1946史特拉汶斯基「三樂章交響曲」/世界首演
1925蓋西文「F調鋼琴協奏曲」/世界首演
1909拉赫曼尼諾夫「第三號鋼琴協奏曲」/世界首演
1908馬勒「第二號交響曲」/美國首演
1904馬勒「第四號交響曲」/美國首演
1893德弗札克「新世界交響曲」/世界首演
1892理察史特勞斯「死與淨化」/美國首演
1889柴可夫斯基「D大調小提琴協奏曲」/美國首演
1886布拉姆斯「第四號交響曲」/美國首演
1881柴可夫斯基「第二號鋼琴協奏曲」/世界首演
1876華格納「女武神」第一幕/美國首演
1876柴可夫斯基「羅密歐與茱麗葉」序曲/美國首演
1866白遼士「幻想交響曲」/美國首演
1846貝多芬「第九號交響曲」/美國首演
1844貝多芬「第八號交響曲」/美國首演

 

2018年起新任音樂總監 梵志登(Jaap van Zweden)

Jaap van Zweden (born 12 December 1960)
2018年新任音樂總監 梵志登(Jaap van Zweden)Jaap van Zweden (born 12 December 1960)

 

美國最老牌的知名樂團紐約愛樂自2018年秋季起,由時年55歲的荷蘭指揮梵志登(Jaap van Zweden) ,繼馬勒、托斯卡尼尼、伯恩斯坦等名家之後,成為他們的二十六任音樂總監。

紐愛現任音樂總監 Alan Gilbert 於2015年2月宣布不再續任,紐愛確定繼任人選之後,美國幾個主要樂團未來數年內的大位也隨之終告底定:近幾年來,波士頓交響樂團、大都會歌劇院、費城管弦樂團都聘任了新的音樂總監或首席指揮,因此梵志登與紐愛的五年合約出爐,也宣告各團間的「獵人頭大戰」暫時告一段落。

梵志登為小提琴家出身,19歲就成為大會堂管弦樂團史上最年輕的樂團首席,他在任上遇到伯恩斯坦,後者鼓勵他拿起指揮棒,梵志登曾回憶道:「伯恩斯坦當時指揮大會堂管弦樂團在柏林演出,而他十分想要在音樂廳中聽一聽樂團的音色,所以要我來指揮,但我根本沒指揮過啊?他說:『你必須指揮、必須這麼做。』他把我推到樂團前,我就這樣經歷了指揮初體驗,過後他說:『這次表現真是糟,但我從中看到了一些什麼,認真去做吧。』是他鼓勵我,讓我真的成了一位指揮。」(取自維基百科)

 

目前紐約愛樂一年約兩百場的演出,大部份在林肯中心的大衛·格芬廳」David Geffen Hall(原為:「艾弗利‧費雪廳」,Avery Fisher Hall)舉行。全團的年度資金來源,主要有:售票、各式演出佔48%、年度募款活動佔31%,而聯邦、州、市等各級政府的補助只佔1%,另外有19%的業外投資收入,可以說是一個經營得當的法人音樂團體。(取自維基百科)

Avery Fisher Hall at Lincoln Center, 2013 via Flickr user Kristina D.C. Hoeppner
Avery Fisher Hall at Lincoln Center, 2013 via Flickr user Kristina D.C. Hoeppner

 

小故事:
「大衛·格芬廳」(David Geffen Hall)位於美國紐約市,是林肯表演藝術中心的一部分。它是紐約愛樂的主場地,有2,738個觀眾席。這座美麗的音樂廳建於1962年,音樂廳的建築由馬克斯·阿布拉莫維茨(Max Abramovitz)設計。最初名為愛樂廳,後來因為愛樂協會董事會成員之一的艾弗里·費雪(Avery Fisher)於1973年捐贈了1050萬美元給了紐約愛樂,因此音樂廳也改以他的名字命名。至2014年11月13日,林肯中心正式宣布將「艾弗里·費雪廳」更名為「大衛·格芬廳」。

 

「大衛·格芬廳」2022年秋季重新開幕

重新翻修.即將於2022年重新開放的「大衛·格芬廳」 - New David Geffen Hall

 

樂壇動態

杜達美轉戰東岸 將接紐約愛樂音樂總監

自2009-2010樂季至今,已經在美國西岸擔任洛杉磯愛樂音樂總監超過10年的杜達美(Gustavo Dudamel)即將轉戰美東,將先於2025-2026樂季成為紐約愛樂準音樂總監,再於2026-2027樂季正式就任音樂及藝術總監,第一分合約效期五年。

目前由杜達美掌舵的,除了洛杉磯愛樂,還有巴黎歌劇院(2021)和委內瑞拉的西蒙.波利瓦爾交響樂團(1999)。

在紐約愛樂2月7日發出的新聞稿中,杜達美感謝該團音樂家及領導階層邀他一起踏上新的美麗旅程;也感謝洛杉磯愛樂與青年管弦樂團,讓他在無數的挑戰與成功之中學習與成長;並向引他踏上職涯的老師José Antonio Abreu和與他一直同在委內瑞拉的音樂人們致謝。

這個消息雖不令人意外,但還是被稱為美東樂壇的一次「政變」。之前執掌紐約愛樂的梵志登(Jaap van Zweden)突然在2021年9月宣布辭職;而該團執行長Deborah Borda則是曾與杜達美緊密合作的老戰友——畢竟他到紐約之前,就在洛杉磯愛樂做了17年的執行長,杜達美當年也是由他帶入樂團的。

此事一出,也意味洛杉磯愛樂要開始尋找繼任音樂總監的新人選了。


 【轉載】

迎接杜達美 紐約愛樂獲資四千萬美元

紐約愛樂宣布,即將接下該團音樂總監的杜達美(Gustavo Dudamel),將於明年4月24日登上春季節慶舞臺指揮演出;樂團共同主席唐騮千、徐心眉夫婦並為此捐給團裡4000萬美元,作為資助其上任的禮物。

預計2026-27樂季履新的杜達美,去年5月曾指揮紐約愛樂演出三場馬勒第九號交響曲,但此前都未排定2023-24樂季與該團合作的節目。

此外,同樣作為贈禮的一部分,杜達美於2025-26樂季成為準音樂總監之時,也會得到唐騮千、徐心眉音樂與藝術總監主席(The Oscar L. Tang and H.M. Agnes Hsu-Tang Music and Artistic Director Chair)的職位。

現年42歲的杜達美,自2009年起擔任洛杉磯愛樂音樂總監,將於17個寒暑後卸任、轉戰紐約愛樂。今年5月,他也在上任兩個樂季後,提早辭去了巴黎歌劇院音樂總監的工作。

唐騮千是紐約愛樂董事會成員,從2019年開始與Peter W. May擔任樂團共同主席。他曾創辦 Reich & Tang 投資集團,並任執行長20年之久,也是有名的慈善家。

原文出處


樂團珍貴資料一一帶大家看

(整理自紐約愛樂官網)

紐約愛樂的歷史意義、重要資訊非常非常多,這邊蹦藝術以紐愛資料庫裡的十大重要資料,一一帶各位蹦友們深入了解:

 

1. 瑪麗安·安德森早期照片

一張罕見的年輕瑪麗安安德森的照片 - 1925 年紐約愛樂樂團夏季戶外音樂會試鏡選秀比賽的獲勝者。

瑪麗安·安德森Marian Anderson, 1897-1993)是二十世紀最著名的美國聲樂家女低音歌手。最初即因為這場表演的成功,開啟了她輝煌的偉大女低音的職業生涯。

 

2. 馬勒任職期間,留下許多珍貴手稿

儘管馬勒生前從未指揮過德弗札克的《新世界》交響曲,但最近在樂團資料庫《新世界》交響曲的樂譜中發現了馬勒在總譜上的註記(他劃下的記號是藍色的)。為什麼呢?馬勒其實準備將德弗札克《新世界》交響曲(1893年首演)作為1911年時,馬勒音樂總監的第二個樂季後半任期的表演曲目。

雖然馬勒沒能於在世時演出這首交響曲,但他在去世前的春天,其實已經研究過了《新世界》交響曲。

 

3. 差點遺失的珍貴資料 - 全體團員簽名給托斯卡尼尼的道謝函

在一位前紐約愛樂團員音樂家的女兒的家裡,發現了一份紐約音樂家給托斯卡尼尼 (Arturo Toscanini) 的簽名文件副本:感謝他在 1936 年挺身而出,以音樂對抗德國納粹政權,全體音樂家集體留下簽名,聲明非常榮幸於他的指揮棒下演奏音樂。

 

4. 拉赫曼尼諾夫與樂團團員討論,尋求意見的珍貴通信

1940 年,作曲家拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninoff) 將這封信寄給了紐約愛樂樂團小號首席哈里·格蘭茨 (Harry Glantz),當時拉赫曼尼諾夫正在為《交響舞曲》做最後校稿,因此尋求小號首席哈里·格蘭茨的建議。這封信一直收藏在在格蘭茨女兒的家中,後來她將其捐贈給了紐約愛樂。

 

5. 作曲家們的「先祖」

第一次世界大戰和「西班牙流感」的大流行使得 1918 年春天成為美國前所未有的危機時期。除了全國巨大的經濟壓力外,紐約愛樂樂團還面臨著一場針對所有德國事物的文化戰爭:包括音樂。音樂雜誌《The Etude》裡的這篇文章,試圖追溯西方音樂作曲家的種族起源,盡可能不要是德國人。(XD)

因此:貝多芬被發現是比利時人;舒伯特,奧地利西里西亞;海頓,奧地利克羅地亞人...。

P.S.
「西班牙流感」(英語:Spanish flu),也稱為1918年流感大流行(英語:1918 flu pandemic),是於1918年1月至1920年12月間爆發的異常致命的流感大流行,造成當時世界人口約四分之一的5億人感染,大約造成了全球2000萬至5000萬人死亡(各方估計值在1741萬至1億人之間),是人類歷史上致死人數最多的流行病之一、僅次於黑死病 

 

6. 菲利帕·斯凱勒 (Philippa Schuyler)

神童鋼琴家兼作曲家菲利帕·斯凱勒 (Philippa Schuyler) 的知名作品《機器之歌》(Song of the Machine) 出現在她的青年時期音樂會節目單裡。《機器之歌》寫於 9 歲,是她在二戰期間參觀機槍工廠的回應。這本音樂剪貼簿記錄了 Schuyler 非凡職業生涯的開始。1946 年和 1955 年,她繼續與紐約愛樂樂團合作演出,然後在 1960 年代轉向新聞業,直到 1967 年她在報導越南戰爭時在直升機墜毀中喪生。

 

7. 伯恩斯坦的美國音樂願景

1958 年,伯恩斯坦 (Leonard Bernstein) 準備接任紐約愛樂音樂總監,在這份企劃願景書裡概述了他擔任音樂總監的第一個樂季的曲目以及願景,並將其提交給愛樂樂團的音樂政策委員會進行審查。可以看到:「美國音樂」是他的中心主題,也最適合愛樂樂團第一位美國出生的音樂總監。

 

8. 音樂家的趣味樂譜標記

這首新創曲目《And God Created Greta Whales》,作曲家發明了全新音樂記號(持續迅速地演奏,團員不需整齊,可以自由而無節奏地演奏,並奏出誇張的漸強與漸弱)。我們可以看到在練團之餘,音樂家除了指法、呼吸標記、臨時記號和動態標記之外,也在譜上畫下了他們對於管弦樂樂曲的想法(霍瓦內斯和上帝創造大鯨魚的插圖是由@MusicologyDuck 於 2020 年發現)。

 

9. 《波麗露》的美國首演

2018 年,在準備拉威爾《波麗露》的音樂評論論文時,法國音樂學家確定由指揮家阿圖羅·托斯卡尼尼和紐約愛樂樂團於 1929 年 11 月 14 日進行的音樂會版本《波麗露》演出,是本樂曲美國首演。(筆者補充:拉威爾於英國指揮《波麗露》於1928年11月22日於巴黎歌劇院進行了芭蕾版本首演、拉威爾亦曾於英國指揮本曲)

 

10. 珍貴的樂團圖書館資料

拉威爾的《La Valse》的分譜,可以看到樂團圖書館裡找到團員:亨利·博維格 (Henry Boewig) ,1927 年將低音單簧管分譜從德國記譜法(German notation)轉換為法國記譜法(French notation)之樂譜,這份樂譜至今仍然使用著。(Boewig 擔任紐約愛樂的年份是從 1888 年到 1930 年,他也在樂團的成員,Boewig 是愛樂樂團的成員,他也謄寫了1893年德弗札克《新世界交響曲》全球首演時使用的手稿部分。


堅強無比的歷任音樂總監

(整理自維基百科)

擁有悠久的歷史,自然脫離不了豐沛的人脈關係。紐愛最引以為傲的,便是陣容堅強的→「歷任音樂總監」

首任指揮希爾之後,1865年的伯格曼(Carl Bergmann)則是第一位常任指揮。之後的重要指揮還包括:雷奧坡達姆洛希(Leopold Damrosch)、提歐多瑞湯瑪斯(Theodore Thomas)、安東西德(Anton Seidl)、華爾特達姆洛希(Walter Damrosch)、馬勒(Gustav Mahler)、約瑟夫史川斯基(Joseph Stransky)等人。

1921年紐約愛樂與國家交響管絃樂團合併,孟根堡(Willem Mengelberg)續任指揮直到1930年,1925年福特萬格勒(Wilhelm Furtwangler)從客席變成常任,托斯卡尼尼(Arturo Toscanini)在1927-36年間接任他的位置。托斯卡尼尼之後的繼任者有:巴畢羅里(John Barbirolli)羅辛斯基(Artur Rodzinsky)史托考夫斯基(Leopold Stokowski)米卓波羅斯(Dmitri Mitropoulos),再到1958年的伯恩斯坦(Leonard Bernstein,紐愛贈予「桂冠詩人」頭銜)、1971年的布列茲(Pierre Boulez)、1978-91年的祖賓梅塔(Zubin Mehta,也是二十世紀在位最久的總監)、1991年的寇特.馬殊(Kurt Masur),每一位都是二十世紀如雷貫耳的指揮大師。

 

福特萬格勒的歷史錄音,正在一一修復,重新發行中

https://youtu.be/_SdWLE9NHZY

 

巴畢羅里指揮紐約愛樂:西貝流士交響曲1&2

https://youtu.be/a7oMYsmyhRY

 

巴畢羅里指揮紐約愛樂:經典的馬勒第五號交響曲

https://youtu.be/BXtnkgELVTM

 

羅辛斯基Artur Rodziński Live (1892-1958): Tchaikovsky: Symphony no.4 & 5 (New York 1945-’46)

https://youtu.be/pzUUwdL4ZjE

 

史托考夫斯基指揮紐約愛樂於電影《卡內基音樂廳》中留下Live' 演奏

Leopold Stokowski conducts the New York Philharmonic Symphony Orchestra in part of the slow movement from Tchaikovsky's 5th Symphony in the 1947 movie "Carnegie Hall".

https://youtu.be/mohRnauSkdY

 

米卓波羅斯指揮紐約愛樂之音樂會彩排實況

https://youtu.be/Kl-dSoNHx8Y

 

伯恩斯坦指揮《贛第德》輕歌劇序曲 Live'

https://youtu.be/zn5bhJ5YX6U

 

布列茲指揮紐約愛樂:德布西《海》交響素描

https://youtu.be/hIBu70g1YPc

 

此外,許多作曲家、獨奏家也與這個樂團合作過,像是安東.魯賓斯坦、柴可夫斯基、德弗札克、理察史特勞斯、馬勒、拉赫曼尼諾夫、史特拉汶斯基等等。一代代偉大的歌唱家與紐約愛樂同台的更是不計其數。

 

霍洛維茲與紐約愛樂合作拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲(祖賓梅塔指揮)

https://youtu.be/NuumAi-ZDe4

 

其中的主因,是紐約愛樂特別擁護當代傑出作曲家的新作,像是德弗乍克第九號交響曲「新世界」、拉赫曼尼諾夫「第三號鋼琴協奏曲」都由該團世界首演。而貝多芬「第八、九號交響曲」、布拉姆斯「第四號交響曲」、馬勒「第一、四、六號交響曲」的美國首演,也都由紐約愛樂寫下歷史。這個安排當代作曲家作品的優良傳統,一直到現在都依然保持著。

 

跨領域演出

1882年,在達姆洛希的率領下,紐約愛樂完成了第一次的美國國內巡迴演出。1920年第一次歐洲巡迴演出成功之後,全球五大洲裡頭,有52個國家共352個城市曾經留下他們動人的音樂。

1922年該團也是第一個進行廣播的大型交響樂團,懂得在在巡迴之外,找到推廣音樂更有效的傳播媒體。下為紐約愛樂歷史照片:1930年10月5日,CBS首次現場轉播紐約愛樂於卡內基音樂廳演出。

October 5, 1930: On this day, CBS broadcast the New York Philharmonic Orchestra for the first time from Carnegie Hal(Arturo Toscanini was leading conductor)
October 5, 1930: On this day, CBS broadcast the New York Philharmonic Orchestra for the first time from Carnegie Hal(Arturo Toscanini was leading conductor)

 

馬勒.最知名的前音樂總監

https://youtu.be/LuHApnW1BqY

 

馬勒紀念音樂會規劃

https://youtu.be/S_Qfymn5ITw

 

紐約愛樂團員探訪馬勒之墓

https://youtu.be/99v-mmkC3OU

 

伯恩斯坦的耕耘與創新

自1950年起,紐約愛樂更打進電視圈,在伯恩斯坦的帶領下,該團於CBS電視台進行一系列的青少年管絃樂入門的錄影演出,這項創舉甚至持續轉播二十幾年,對於古典音樂的推廣厥功甚偉。下為紐約愛樂歷史照片:1958年伯恩斯坦帶領紐約愛樂準備進行電視轉播實況演出。

Leonard Bernstein with television camera. Leonard Bernstein with members of the Philharmonic rehearsing for a television broadcast 1958
1958年伯恩斯坦帶領紐約愛樂準備進行電視轉播實況演出 Leonard Bernstein with television camera. Leonard Bernstein with members of the Philharmonic rehearsing for a television broadcast 1958

 

伯恩斯坦琴藝出眾,偶爾與紐約愛樂邊彈邊指揮,令人佩服

George Gershwin - Rhapsody in Blue - Leonard Bernstein, New York Philharmonic (1976)

https://youtu.be/cH2PH0auTUU

 

拉威爾鋼琴協奏曲第二樂章

https://youtu.be/ud6nbX5XKVk

 

1962年紐約愛樂搬到愛樂廳,也就是現在的林肯表演藝術中心的「大衛·格芬廳。1965年開始,該團在紐約市的公園內舉行免費音樂會,超過一千兩百萬的聽眾曾參與此盛會。1986年7月5日於紐約中央公園的音樂會,更吸引了約80萬聽眾,創下古典音樂史上的新記錄。

 

中央公園音樂會廣告海報(原來美國也愛放煙火喔~)

New York Philharmonic Central Park Poster
New York Philharmonic Central Park Poster

 

2018年6月15日,紐約愛樂於中央公園演奏「伯恩斯坦紀念音樂會」現場盛況

The New York Philharmonic Celebrates Bernstein in Central Park | Playbill
The New York Philharmonic Celebrates Bernstein in Central Park |

 

The New York Philharmonic Celebrates Bernstein in Central Park | Playbill
The New York Philharmonic Celebrates Bernstein in Central Park |

 

The New York Philharmonic Celebrates Bernstein in Central Park |
The New York Philharmonic Celebrates Bernstein in Central Park |

 

1976年起,「林肯中心音樂會」的現場實況,也經常出現全美教育電視節目中。從1980年之後,紐約愛樂已經完成十六趟國際巡迴演出,足跡遍及歐洲、墨西哥、南美洲、亞洲、以色列、拉丁美洲、蘇聯等,其中包括四次美國本土巡迴表演,可以說活動力驚人。

進入網路時代,紐約愛樂也不落人後,在1996年11月14日,成為第一支運用數位重製技術的樂團,重新出版伯恩斯坦於1943年首次登台之歷史錄音,透過網際網路播放到全球。1999年2月18日,該團進行他們的第13,000場演出,2004年12月18日進行至第14,000場演出,寫下其他樂團難以超越的里程紀錄。

紐約愛樂曾經四度來台,最近的一次是由於2018年3月17、18日在台北國家音樂廳,由新任音樂總監梵志登(Jaap van Zweden)率領樂團進行亞洲巡迴,並與中國美麗鋼琴家王羽佳合作,於台北國家音樂廳舉行了兩場演出。

這是樂團拍攝之紀錄影片:(影片裡有兩廳院的空拍景與國家音樂廳彩排實況喔~)

https://www.youtube.com/watch?v=DKUy2FBU81I&feature=youtu.be

 

唱片錄音

從1917年的第一張唱片錄音開始,紐約愛樂已經灌錄將近二千張的專輯,其中大約有五百張目前市場上可以買到。其中值得收藏的包括企鵝三星帶花:伯恩斯坦指揮柯普蘭「阿帕拉契之春」、「比利小子」(CBS),伯恩斯坦指揮自己的作品「讚美詩交響曲」(CBS)。

另有唱片藝術首獎:華爾特指揮舒伯特「第五、八號交響曲」(CBS),華爾特指揮莫札特「安魂曲」(CBS),華爾特指揮馬勒「大地之歌」(CBS,Miller、Haefliger演唱),伯恩斯坦指揮馬勒「第二號交響曲」(DG,韓翠克絲、露德維希演唱),辛諾波里指揮華格納「管絃樂曲選」(DG),布列茲指揮史特拉汶斯基「火鳥」(CBS)等等。

而在馬殊指揮下的紐約愛樂錄音由Teldec發行,其中也有兩張贏得「音響評論」雜誌的「年度唱片」獎。1997年該樂團發行一套10張的珍藏專輯「重溫歷史」,收錄1923-1987年的電台廣播演出錄音,是紐約愛樂重要的錄音文獻。

 

繼續引領風騷

儘管樂壇總是有著不利於紐約愛樂的傳言,例如該團團員自視甚高、難以駕馭,或者是紐約一地樂評苛刻不利指揮。近年來,甚至有樂評表示紐約愛樂的地位,已經落在美國五大交響樂團之外。但是不管怎麼說,這個有著難以取代歷史地位的樂團,依舊是許多指揮夢寐以求的合作夥伴。

 

2121-22 樂季前瞻

 

2121-22 樂季預告影片

https://youtu.be/3yhaql1RbnY

 

紐約愛樂Youtube頻道

 


【BON話題】2022年留聲機雜誌「全球最佳管弦樂團投票」(網頁+推薦錄音)

你心中的No.1是哪一團呢?趕緊去投票吧❤️

2022全球最佳管弦樂團投票」又開始囉~(點按照片進入網頁最下方,開始投票)

 

入圍2022年全球十大管弦樂團的有:

巴伐利亞國立管弦樂團  Bayerisches Staatsorchester (Germany)

布達佩斯節慶管弦樂團 Budapest Festival Orchestra (Hungary)

捷克愛樂 Czech Philharmonic (Czech Republic)

哈雷管絃樂團 The Hallé (UK)

世紀交響樂團 Les Siècles (France)

馬勒室內交響樂團 Mahler Chamber Orchestra (Europe)

奧斯陸愛樂 Oslo Philharmonic (Norway)

匹茲堡交響樂團 Pittsburgh Symphony Orchestra (USA)

倫敦小交響樂團 Sinfonia of London (UK)

維也納愛樂 Vienna Philharmonic (Austria)


2023年留聲機雜誌主辦的「十大交響樂團」🎉

Vote for Gramophone's Orchestra of the Year 2023

本次入圍的「十大交響樂團」,你最喜歡的是哪一團呢?😉

  • BBC愛樂 | BBC Philharmonic (UK)

  • 柏林愛樂 | Berliner Philharmoniker (Germany)

  • 芝加哥交響樂團 | Chicago Symphony Orchestra (USA)

  • 國家古樂合奏團 | Le Concert des Nations (Spain)

  • 丹麥國家交響樂團 | Danish National Symphony Orchestra (Denmark)

  • 布萊梅德意志室內愛樂樂團 | Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Germany)

  • 芬蘭廣播交響樂團 | Finnish Radio Symphony Orchestra (Finland)

  • 倫敦愛樂交響樂團 | London Philharmonic Orchestra (UK)

  • 法國巴黎管弦樂團 | Orchestre de Paris (France)

  • 美國國家交響樂團 | National Symphony Orchestra (USA)

 

2024年留聲機雜誌再次舉辦最佳管弦樂團投票

共有六個樂團入圍獲得提名:

Bavarian Radio Symphony Orchestra

Czech Philharmonic

Les Talens Lyriques

Orchestre Philharmonique de Radio France

Pittsburgh Symphony Orchestra

Sinfonia of London

 

經過重重考驗,最終投票結果揭曉:

獲獎的樂團是...

捷克愛樂!

 

這支扎根深厚歷史,放眼全現代的樂團,由拜區可夫(Semyon Bychkov)領軍,先前我於萊比錫馬勒音樂節現場欣賞過,真的非常具有感染力~是名符其實的超級樂團❤️


【BON精彩 - 樂評眼中的全球最棒樂團】

在專業樂評人眼中,全球最傑出的管弦樂團到底排名如何?(2023年)

以下是前十大最傑出的專業排名,讓我們來一探究竟:

第一名與第二名,跟筆者心中排名一模一樣,毫無懸念:柏林愛樂與維也納愛樂。

老實說,從第三名開始,才是各樂團真正的戰場XD

第三名由巴伐利亞廣播交響樂團獲得,相當不容易!

而第四名也不意外,皇家大會堂管弦樂團~

第五名是今天的主題樂團:芝加哥交響樂團,也是北美第一!

第六名起,依序為:

克里夫蘭交響樂團

倫敦交響樂團

布達佩斯節慶管弦樂團

萊比錫布商大廈管弦樂團

洛杉磯愛樂

 

如何?專業樂評人眼中的2023年全球十大管弦樂團,符合您的期待


【BON話題 - 以收入論管弦樂團之經營】

Top 20 orchestras in the U.S. by revenue

在美國,大多數管弦樂團都是作為非營利組織運營,因此要了解樂團真實營運狀況,只能透過國稅局的 IRS990 表格資料事後分析。下方照片為 2017/2018 年度,美國職業管弦樂團收入由高而低排序,以及分布全國區域與城市圖示:

 

具體樂團收入總額與排序,如下表

  1. Los Angeles Philharmonic: $187M 一億8千7百萬!
  2. Philadelphia Orchestra: $99M 9千9百萬
  3. Boston Symphony Orchestra: $96M 9千6百萬
  4. San Francisco Symphony Orchestra: $94M 9千4百萬
  5. New York Philharmonic: $86M
  6. Chicago Symphony Orchestra: $82M
  7. Cleveland Orchestra: $62M
  8. Cincinnati Symphony Orchestra: $43M
  9. Detroit Symphony Orchestra: $41M
  10. Minnesota Orchestra: $37M
  11. Pittsburgh Symphony Orchestra: $37M
  12. Dallas Symphony Orchestra: $35M
  13. Seattle Symphony Orchestra: $33M
  14. Saint Louis Symphony Orchestra: $32M
  15. Houston Symphony Orchestra: $30M
  16. San Diego Symphony Orchestra: $26M
  17. Baltimore Symphony Orchestra: $23M
  18. Milwaukee Symphony Orchestra: $19M
  19. Buffalo Philharmonic Orchestra: $15M
  20. New Jersey Symphony Orchestra: $13M

 

由數據可以進一步了解

東海岸(6)與中西部(7)、(8)、(9),筆者簡稱「外雙C」,是在高收入團排序之後,明顯反映出管弦樂團平均高收入的位置區域。

 

資料中明顯遺漏的優秀樂團包括:

大都會歌劇院—因為他們並不專注於管弦樂項目,以歌劇為主

亞特蘭大交響樂團——他們隸屬於伍德拉夫藝術中心(Woodruff Arts Center)的一部分,該中心也不專注於管弦樂項目。

華盛頓特區國家交響樂團— 因為隸屬於甘迺迪藝術中心的一部分,而甘迺迪藝術中心也不專注於管弦樂項目。

 

就這些管弦樂團所在的大都會地區而言,它們代表了 55% 的人口和 64% 的 GDP。

在 GPD 排名的前 20 個大都會區中,只有 5 個沒有進入前 20 名的管弦樂團:華盛頓特區。 (有國家交響樂團)、亞特蘭大(有亞特蘭大交響樂團)、邁阿密、聖荷西、鳳凰城、丹佛和聖貝納迪諾(San Bernardino)。

 

美國前20名管弦樂團的平均收入、支出和淨收入:

 

收入💵

平均收入為 5,400 萬美元,最高為洛杉磯,收入為 1.87 億美元。

收入最低的是水牛城愛樂樂團與新澤西交響樂團收入最低,為 1,500萬 - 1,300 萬美元。

 

費用💸

平均每個管弦樂團花費 4,900 萬美元。

洛杉磯愛樂樂團總花費為 1.59 億美元,水牛城愛樂樂團花費 1,300 萬美元。

 

淨收入💰

平均而言,管弦樂團的收入為 500 萬美元,收入/支出比率為 9%。

費城交響樂團的淨收入最高,為 4700 萬美元(得益於慷慨的捐贈),而波士頓交響樂團的業績最差,為 -1400 萬美元。

 

門票收入🎫

這些管弦樂團平均從門票中賺取 1,800 萬美元,佔其總收入的 34%。

洛杉磯愛樂樂團的比例最高,其50%的收入都來自門票。

值得一提的是西雅圖交響樂團(48%)、波士頓交響樂團(42%)和芝加哥交響樂團(38%)。

 

薪資💵

該組的平均樂團薪資支出為 2,600 萬美元,佔總支出的 53%。薪資佔門票收入的140%。

 

結論:經營管弦樂團,需要捐款XD。

 


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【蹦藝術x蔚藍人文堂】不如相忘於江湖~談《波希米亞人》中的動人愛情詠嘆 - 全球公益線上演講第289場

【蹦藝術x蔚藍人文堂】不如相忘於江湖~談《波希米亞人》中的動人愛情詠嘆 - 全球公益線上演講第289場
 Great arias of Puccini: "La Boheme"

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


課程主軸✨

愛情,是歌劇史上出現最多,也最歷久彌新的主題,更也是義大利寫實主義歌劇作家普契尼作品中的核心元素
他筆下細膩的愛情與詠嘆,流淌下無盡的哀愁

在全世界十大上演率最高歌劇裡,普契尼的四大歌劇永遠是最受觀眾歡迎的劇目。

《托斯卡》
《波希米亞人》
《蝴蝶夫人》
《杜蘭朵公主》

 

根據歌劇專業網站「Opera Sense」的資訊,世界十大最知名歌劇,分別是:

《茶花女》、《卡門》、《魔笛》、《波希米亞人》、《托斯卡》、《賽維亞的理髮師》、《弄臣》、《費加洛婚禮》、《唐喬望尼》與《蝴蝶夫人》。

從《波希米亞人》藝術靈魂的雋永、《托斯卡》淒美壯烈的真實、《蝴蝶夫人》深情等待的不悔,再到遺作《杜蘭朵公主》的霸氣公主與柳兒的嬌柔,普契尼的每部歌劇都蕩氣回腸且賺人熱淚…

 

筆者於普契尼長居 30年的普契尼博物館前,與雕像合影

 

 

主講人|林仁斌

台灣蹦藝術協會理事長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。


向普契尼致敬

- 2024年8月攝於義大利 Lucca,普契尼出生之故居廣場。(背後磚紅色三樓即為普契尼出生地,現為普契尼博物館)

 

這就是普契尼博物館所在地的小廣場

 


有關歌劇《波希米亞人》

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

《波希米亞人》La Bohème),又譯「藝術家的生涯」,由普契尼作曲,由劇作家路基・伊利卡(Luigi Illica)與喬瑟培・賈克薩(Giuseppe Giacosa)根據法國劇作家亨利·繆傑小說《波希米亞人的生涯》(Scènes de la vie de Bohème)改編為歌劇劇本。全劇共四幕,約1小時40分鐘。

首演於1896年2月1日,在義大利都靈皇家劇院,指揮為托斯卡尼尼

 

1896年歌劇演出原版海報,阿道夫·霍恩施泰因

1896年原版海報,阿道夫·霍恩施泰因繪

 

愛情,是歌劇史上最多出現,也是歷久彌新的主題,更是義大利寫實主義歌劇作曲家作曲家普契尼(Giacomo Puccini)作品中的核心元素。

 

為劇.好友反目

作品背景

《波西米亞人》首演時第一幕咪咪的服飾

普契尼自米蘭音樂學院畢業後,事業尚未起步前過著一種極為貧困的生活,他對於流浪貧苦的生活有著切身體驗,1893年,普契尼寫作的瑪儂萊斯科上演後大獲成功,在經濟上有所寬裕後,普契尼便開始專心尋找一部能夠讓他超越前部作品的歌劇腳本,於是他發現了《波希米亞人》。

據說當時普契尼的好友雷翁卡瓦洛已經開始著手於這個故事的音樂創作,但普契尼則秘密的完成,並搶先發表。為此,萊翁卡瓦洛與普契尼絕交,兩位作曲家從此再無交往。

這個故事,可能是這樣:

1893 年,普契尼(Puccini)再次和他的朋友雷昂卡瓦洛(Leoncavallo)在米蘭的一家咖啡館不期而遇。兩人交談後發現,他們都正在根據亨利・繆爾傑(Henri Murger)的劇作《波希米亞人》(‘Scènes de la Vie de Bohème’,或譯《波希米亞生活場景》)創作歌劇。

這讓雷昂卡瓦洛怒不可遏 —— 因為就在前一年,他曾向普契尼「提供」自己以同一劇作所寫的歌劇腳本👀

然而,普契尼否認了,並矢口否定這一切。

隨後,雷昂卡瓦洛公開指責他行為不當,普契尼則回應道:「這對雷昂卡瓦洛大師有何影響?他可以譜曲,我也會譜曲。讓觀眾來做決定。」

據說:

1926 年,也就是普契尼去世兩年後,他的一位朋友兼前鄰居所寫的《普契尼的私密生活》(‘Puccini intimo’)一書稱,普契尼確實收到了那個歌劇腳本🤔 您~怎麼看待這個曾經的醜聞事件呢?

這部作曲家不惜與好友反目的作品,就是《波希米亞人》。

 

下圖左為普契尼《波西米亞人》,圖右為雷翁卡瓦洛版本,這兩個版本在發表後的競爭之下,普契尼版全面勝出,名留青史。

 

為此,雷翁卡瓦洛(下右)與普契尼絕交,兩位作曲家從此再無交往。


八卦時間結束,讓我們接著進入正題

歌劇簡介:

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

音樂:賈柯摩‧浦契尼(Giacomo Puccini)

劇本:朱塞培‧賈柯沙(Giuseppe Giacosa)、魯伊吉‧伊利卡(Luigi Illica)

取材自法國劇作家亨利‧穆爾格(Henry Murger)小說〝波西米亞人的生活剪影〞(Scenes de la vie de Boheme)

 

首演:1896.2.01,義大利杜林皇家歌劇院(Teatro Regio, Turin)

首演時間:第一幕40分,第二幕20分,第三幕30分,第四幕30分

首演指揮:托斯卡尼尼(Toscanini)

故事背景:1830年代

故事地點:法國巴黎拉丁區

故事大綱:1830年代,某個聖誕節前夕,法國巴黎拉丁區裡 四位性格放浪不羈的藝術家最年少輕狂的歲月 以及兩段動人的愛情故事......

 

角色

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

世界首演時第二幕的服飾,為 "la rappezzatrice" 設計。
角色 聲域 1896年2月1日首演
(指揮: 托斯卡尼尼)
魯道夫Rodolfo, 詩人 男高音 Evan Gorga
咪咪Mimì, 女裁縫 女高音 Cesira Ferrani
馬切洛Marcello, 畫家 男中音 Tieste Wilmant
穆賽塔Musetta, 歌唱家 女高音 Camilla Pasini
舒奧納Schaunard, 音樂家 男中音 Antonio Pini-Corsi
柯林Colline, 哲學家 男低音 Michele Mazzara
班努瓦Benoît, 房東 男低音 Alessandro Polonini
阿爾契多羅Alcindoro, 國務委員 男低音 Alessandro Polonini
Parpignol, 玩具vendor 男高音 Dante Zucchi
海關關長 男低音 Felice Fogli
學生,在職女孩,鄉親,店主,街頭小販,士兵,服務員,兒童

 

《波西米亞人》分幕劇情

(歌劇劇情基本資料整理於網路)

 

第一幕

聖誕節前夕,在巴黎拉丁區某間破舊公寓閣樓上。詩人魯道夫和畫家馬切洛,因為天氣太冷而縮成一團,最後魯道夫提議:乾脆用他剛完成的戲劇手稿當柴火來燒,以便取暖。沒多久,哲學家柯林也從外頭回來了;原本他計畫拿書去典當,換些零錢買食物,可是誰會在聖誕節前夕向他買一堆舊書呢?於是他只好又拎著一堆書無功而返。就在三位藝術家擠在一起享受片刻暖和的時候,他們的另一個伙伴─音樂家蕭納─抱著一堆食物和美酒推門進來,原來他過去兩三天臨時應聘去兼一位貴族家中的音樂工作,技術性地謀殺了一隻鳥,賺了一點小錢,於是就買了一堆美食來招待室友。就在另外三位饑寒交加的藝術家正要大快朵頤的時候,蕭納卻建議:不如把這些美食留到以後享用,現在先去「莫穆斯」(Momus)咖啡館好好消磨一個晚上。

 

正當大夥兒準備出門的時候,門外響起了一陣敲門聲─原來是房東班諾瓦來收房租了。「什麼時候不來,偏偏在這個時候出現!」幾個人嘀咕著,想趕快把他打發掉,於是四個人圍在班諾瓦旁邊,又灌他美酒、又和他打哈哈。班諾瓦在美酒下肚之後,竟然酒興大發,說起自己過去與美女週旋的豔遇。四位藝術家一時非常有默契地「正氣凜然」,共同「不恥」班諾瓦的行 徑,連踢帶推地把班諾瓦趕出門去。

 

麻煩既除,是該準備出門了,但是魯道夫卻詩興大作,想要再寫一段文章之後再出門; 另外三位藝術家與他相約在咖啡館碰面。這時門外再度響起微弱的敲門聲,魯道夫應門,原來是一位女性鄰居─咪咪─前來借火。咪咪體弱多病,上了幾個樓梯之後,一陣暈眩,幾乎要昏倒在魯道夫家中;魯道夫趕緊扶她坐下,遞上一杯小酒,讓這位面貌姣好的美女鄰居回復精神。咪咪在借到火之後,起身道謝返家,這時她才發現鑰匙遺落在魯道夫家中;正要回頭尋找的時候,又是一陣風吹過,再次吹熄了咪咪手上的蠟燭,魯道夫見機不可失,也弄熄了自己手邊的燭火,於是兩個人就一起低身摸黑尋找鑰匙。「無意」間,魯道夫碰著了咪咪冰冷的小手,於是他握起咪咪的手說:「妳那冰冷的小手,讓我來溫暖它們。在黑暗中找鑰匙有何用?還好今晚有皎潔的月光陪伴著我們。」接著,魯道夫開始向咪咪自我介紹:他是一位詩人,有著豐富的思想和靈感,但是這一切卻在剛剛被一雙明眸給偷走了,這對明眸就在那位前來借火的少女身上。(詠歎調:妳那好冷的小手) 之後,咪咪應魯道夫請求,也慢慢訴說自己的身世:「我的名字叫咪咪,我的故事其實 很短」,她對魯道夫說,她每天做著針線活兒,從其中找到自己的快樂。(詠歎調:我的名字叫咪咪)

 

就在咪咪告白之後、正要離去之時,樓下傳來了另外三位藝術家的催促聲,魯道夫跑到窗口回應;回過頭來的時候,只見窗外月光灑在咪咪的臉龐,魯道夫一時情不自禁,歌頌著咪咪的美麗,「在妳身上,我找到了期待已久的夢想」, 而咪咪這時也陷入了愛情之中;她和魯道夫手攜著手,加入另外三位藝術家的行列,一同前往莫穆思(Momus)咖啡館。(第一幕結束)

 

第二幕

聖誕夜,巴黎拉丁區廣場。四位藝術家和咪咪一行五人來到廣場上,參加聖誕節慶祝活動 。在咖啡館中,魯道夫向在座另外三位室友介紹剛認識的女友咪咪,席間咪咪則稱讚魯道夫「是一個懂得如何去愛人的聰明男人」;此語一出,讓剛剛失戀的馬切羅很不是滋味。就在眾人正要舉杯慶祝佳節的時候,忽然傳來一陣「浪笑」,這不是別人, 正是讓馬切羅飽受失戀之苦的穆賽塔。

穆賽塔此時新交了一位上了年紀、卻有財有勢的老紳士─阿慶多洛,後者任穆賽塔是予取予求。當他們來到咖啡館時,馬切羅和穆賽塔這一對歡喜冤家見了面,分外眼紅。穆塞塔決定唱一首歌曲,重新激起馬切羅對她的愛意。(詠歎調:當我走在大街上)曲畢,穆賽塔差使阿慶多洛幫她買雙新鞋子,趁機再度投入馬切羅的懷抱中,隨即一行人加入熱熱鬧鬧的遊行行列中,只剩下一堆帳單給隨後趕回來的阿慶多洛。(第二幕結束)

 

第三幕

巴黎郊外城門口,時間是魯道夫與咪咪認識之後第二年二月某個下雪的清晨。咪咪獨自一 人來到城門口附近的酒館外,魯道夫、馬切羅以及穆塞塔暫居此地已有一段時間;咪咪託 人帶口信給馬卻羅,請他務必出來會面。馬卻羅來到酒館外,咪咪向其訴苦:魯道夫已有 一段時間對她冷言冷語,她請馬卻羅代為居中協調,馬卻羅則建議咪咪,如果一對戀人如 此生活,倒不如分手算了。

不多久,魯道夫起身來到酒館外,向馬切洛數落咪咪的不是,但在馬切洛追問之下,魯道夫才坦言自己已無力照顧重病的咪咪,之所以出此下策,是希望咪咪能夠另尋一位有能力 照應她的新男友。咪咪在一旁,聞言不禁痛哭,魯道夫找到躲在大樹後的咪咪,而咪咪則很諒解地向魯道夫告別,(詠歎調:我要回到自己的小窩)魯道夫聞言後,又對咪咪依依不捨;另一邊則是馬切洛因為穆賽塔與其他男人搭訕,兩人為此爭執不下。最後魯道夫與咪咪相約,在春天來臨前暫不分離,而馬切洛與穆賽塔則惡言相向,不歡而散 (終曲四重唱)。(第三幕結束)

 

第四幕

場景回到四位藝術家在巴黎拉丁區破舊公寓的閣樓中,時間是春天來臨之後。魯道夫與馬切洛皆已經和女友分離,兩人原本想藉著工作來忘掉她們的倩影,但卻徒勞無功,於是又放下手邊工作,禁不住回想起過去的甜美時光。(魯道夫與馬切洛的二重唱)不一會兒,音樂 家蕭納和哲學家柯林回到家中,兩人手上帶有食物與美酒,於是四位藝術家又開始嬉笑打鬧起來;突然間,穆賽塔衝了進來,告知咪咪已經病重,但為見魯道夫最後一面,勉力爬上閣樓來,卻因體力不支倒地。魯道夫趕緊把咪咪抱回閣樓休息,其他三位藝術家及穆塞塔則外出變賣身上值錢物品,好為咪咪盡最後一點心力。(哲學家柯林的詠歎調:永別了,我的外套)咪咪在眾人離去後,和魯道夫回憶起倆人初次在閣樓中相遇的經過。不多久,幾位外出的藝術家和穆賽塔陸續返回,為咪咪帶來了藥品及咪咪一直想要的保暖手筒,在咪咪還來不及充份享用之前,就已經離開人世了。魯道夫奔至咪咪身邊,失聲痛哭。(幕落)

 

歌劇《波西米亞人》著名詠嘆調

(基本資料整理於網路與維基百科,)

Rodolf Act Ⅰ Ten Che gelida manina 妳這好冷的小手
Mimi Act Ⅰ Sop Si , mi chiamano Mini 我的名字叫咪咪
Musetta Act Ⅱ Sop Quando me'n vo' soletta la via 當我走在路上
Collin Act Ⅳ Bas Vecchia zimarra 再見吧,舊外套!
Rodolf & Mimi Act Ⅰ Ten & Sop O soave fanciulla 啊,可愛的少女
Rodolf & Marcello Act Ⅳ Ten & Bar Mimi , tu piu non torni 啊,咪咪,妳一去不返!
Rodolf , Marcello , Mimi & Musetta Act Ⅲ Ten. Bar. Sop. & Sop Che facevi , che dicevi 你在做什麼,你在說什麼?

 

林仁斌老師親自錄製影片.敘述歌劇劇情

https://www.youtube.com/watch?v=gAqjW3DHpxU

 

永恆傳唱.經典詠嘆調

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

普契尼的作曲風格受到威爾第影響極大,在他聽過威爾第《阿依達》後,更是立定了成為歌劇作曲家的志向。

雖然其音樂題材不及威爾第深刻,但普契尼卻總能以獨特的、更為細膩的手法來傳達音樂中悲劇的成分。

《波希米亞人》、《托斯卡》及《蝴蝶夫人》可說是普契尼早期的三部傑作,而其中《波希米亞人》的旋律最為豐富,音樂的戲劇張力最強。歌劇第一幕中的兩首詠嘆調〈你那冰冷的小手〉和〈我的名字叫咪咪〉最為著名,音樂柔美動聽,經常於音樂會中被聲樂家選定作為獨唱與對唱曲目演出。

 

〈你那冰冷的小手〉樂譜版本欣賞

男高音: Giuseppe Di Stefano

https://www.youtube.com/watch?v=-UEEnecTgvA

 

Che gelida manina - Luciano Pavarotti

https://youtu.be/eZ9-Ch0ip-M

 

https://www.youtube.com/watch?v=gmATq9jlyRQ

 

〈我的名字叫咪咪〉樂譜版本欣賞

Mirella Freni, soprano

https://www.youtube.com/watch?v=-Ze5Fnld7dE

 

La Bohème - Si mi chiamano Mimi - Mirella Freni

https://www.youtube.com/watch?v=yTagFD_pkNo

 

https://www.youtube.com/watch?v=sEieXjQrBa8

 

樂譜版本欣賞

〈可愛的姑娘〉O soave fanciulla

https://www.youtube.com/watch?v=I3SFZObzKj8

 

Mirella Freni and Luciano Pavarotti

https://www.youtube.com/watch?v=ETdhiK8UtKk

 

https://www.youtube.com/watch?v=uk9abNZYcCY

 

https://www.youtube.com/watch?v=deYxA_EFnv4

 

https://www.youtube.com/watch?v=duFk5QKFMrg

 

【經典演出欣賞】

https://www.youtube.com/watch?v=nKewrRcukRo

 

 

欣賞版本

DG歌劇電影版

Anna Netrebko and Rolando Villazon

 

 

相濡以沫.不如相忘於江湖

古有《莊子.內篇.大宗師》:“泉涸,魚相與處於陸,相呴以濕,相濡以沫,不如相忘於江湖。” 
解釋:泉水乾涸後,兩條魚未能及時離開,終受困於陸地的小窪,為了生存,兩條小魚相互吐沫來潤濕對方。
第三幕開始時稅關的場景寫實的把實在的環境反映出來,普契尼非常考據細節的真實性。

咪咪找到馬傑洛向他訴苦,馬切洛逼問魯道夫逃避的真實理由,到最後的四重唱。

馬切洛和穆賽塔的爭吵夾在咪咪與魯道夫的生離死別之間,但普契尼極美的旋律終於突破一切的牽絆。

「孤獨的在冬天裡死去是太悲慘了」

「等到五月,我們再分手吧」

最後,他們相偕走回小樓,就像在第一幕裡,然而那歌詞是最可悲的柔情:

「我們將要分離,在花開的時候。」

「願冬天永不要走!」咪咪悄悄的說。

她寧願在寒濕的小樓裡被嚴冬摧殘

只要能留在愛人身邊...

 

《波希米亞人》電影版 製作花絮

https://youtu.be/iCwD2Ea677Y

 

Aida Garifullina⭐♫ "Quando me'n vo"

https://www.youtube.com/watch?v=zIprAXIsGwI

 

Anna Netrebko - La Bohème (Quando me'n vo')

https://www.youtube.com/watch?v=IDvE8uKWznc

 

好文欣賞

 我的名字叫咪咪mi chiamano Mimi

 本段文字取自「Wang Eva的部落格

 

這是全劇最動聽、美妙的唱段之一。既要賦予咪咪一個孱弱的、浪漫的、患有肺結核的姑娘的性格,又要讓她保持完美無缺的嗓音,以便產生輝煌的、有把握的高音,並蓋過樂團有時是誇張多餘的音量,這的確是很難調和的。

 

在簡單的、談話式的開始以後,第一個關鏈之處是第三十六分段的起唱(安靜的行板)。這個短小的,但非常強烈的片段以「我喜歡那些東西」(Mi piaccion quelle cose)開始,以「那些東西叫做詩」(quelle cose che han nome poesia)結束,對於表明咪咪心裡最隱密的心聲是很重要的。

 

起唱後咪咪表現肺結核患者典型的絕望的敏感,開始一個長久的、令人心痛的漸強,並在本位音A達到頂點,在「春天」(primavere)一詞時達到緊張和強烈的高峰。

 

第二個奇妙的時刻是在第三十八分段「但當春天來臨時」(Ma, quando vien lo sgelo)。在四小節之內,歌唱者從最弱音轉到猛烈的最強音。在這非凡的四小節中,包含了幾種感覺,並把它們表達出來:自然界的甦醒、冰雪溶化、血液強烈沸騰。咪咪以熱情的聲調和強烈的感情終於喊出:「最初的陽光屬於我!」(Il primo sole e mio !)然後,緩緩地,端莊地恢復到單純、溫柔的少女形象,以開始的謙卑自若結束了這一唱段。

 

歌唱家從來沒有像在普契尼這部輝煌的創作中要在自我之中尋找藝術的激情,那種為達到表演最高峰的忘我狀態相類似的精神境界。值得一提的是,在「Ma, quando vien lo sgelo」中閉著嘴,在口腔內就開始濁化「M」,使之產生一種極遙遠的、神秘的音響,最後在充滿強烈激情的起聲中使它具體化。創造出獨一無二的咪咪!


【後記】普契尼逝世百年音樂節

普契尼與托雷德拉戈的歷史

1891 年,33 歲的普契尼來到距離故鄉 Lucca 僅半小時車程的托雷德拉戈,就是為了尋找一處風景如畫且安靜的地方,能讓他專心作曲,享受靜謐;

當第一次來到這湖畔小鎮,他立即被美麗湖泊與村莊氛圍所吸引,房屋倒映在馬薩丘科利河(Massaciuccoli river)的時而清澈靛藍,時而神秘灰藍的河水中,相映成趣~

普契尼買下了原本為當地瞭望塔的建築,並經歷好幾年的溝通與相建造與當地的溝通(與貴族溝通使用權、蓋別墅、造馬路、建花園...等等)

托雷德拉戈有美麗的景緻、充足的日照、涼爽的松林、陽光燦爛的海灘、永遠安靜的湖泊,還有那最純粹的大自然,都讓普契尼愛極了此處

普契尼找到/完成了他心中的伊甸園~這裡能滿足他最愛的兩大嗜好:音樂和狩獵

人生精華30年都居住於此的普契尼,也在此陸續完成最重要的歌劇創作:包括《波希米亞人》(1896)於建造別墅期間完成,《托斯卡》(1900)、《蝴蝶夫人》(1904)、《黃金西部女郎》(1910 )、《燕子》(1917)和《外套》(1918)等等...(1921年起他搬至 Viareggio,至1924年去世為止)

托雷德拉戈所有居民更以普契尼曾長居於此為榮,全村村民投票將本地正式更名為「托雷德爾拉戈普契尼」(Torre del Lago Puccini),足見所有居民們對於普契尼的熱愛與尊敬~

70年前,托雷德拉戈開始嘗試舉辦以普契尼為名與主題的歌劇音樂節,今年是盛大慶祝的70週年,戶外欣賞歌劇的美好(還有挑戰),我們都將一起完整體驗

昨晚終於來到現場,無限感動在心

我們此行集滿四大歌劇:《波希米亞人》、《杜蘭朵公主》、《托斯卡》與《蝴蝶夫人》120 週年製作版本,完美地結束本次的普契尼的四大歌劇藝術極致之旅❤️


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲(一)第四號交響曲

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系列|迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲

馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本系列課程林仁斌老師將為您詳解第四號至第八號交響曲~從創作與樂曲解析,一起開啟馬勒之「天堂之門」。

  • 課程內容

    • 第一堂|馬勒第四號交響曲

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第四號交響曲~從創作與樂曲解析,一起開啟馬勒之「天堂之門」。

    • 第二堂|馬勒第五號交響曲

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    • 第三堂|馬勒第六號交響曲《悲劇》

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    • 第四堂|馬勒第七號交響曲《夜之歌》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第七號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首由黑夜邁向光明之鉅作。

    • 第五堂|馬勒第八號交響曲《千人》

    馬勒的交響世界包羅萬象,欲入其門必先理解其創作生平、樂曲背景、樂譜閱讀、動機創作等等,「略懂略懂交響大小事」之後方能深得其樂,其樂無窮。本堂課林仁斌老師將為您詳解第八號交響曲~從創作與樂曲解析,一起認識這首繼貝多芬之後,創下千人交響里程碑神作。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/the-story-of-gustave-mahler/

 


馬勒交響曲列表

馬勒共寫作十首交響曲,整理年份與調性如下:

序號
名稱
創作時間
風格特點
音樂內容
1
《第一交響曲 “巨人”》
1888 年
融合了宏大的交響性與民間音樂元素,音樂充滿活力,具有強烈的情感張力。
描繪了自然、生命的力量,展現了從黑暗到光明的精神旅程,也包含對人生的思考與感悟。
2
《第二交響曲 “復活”》
1888 - 1894 年
規模宏大,將交響曲與合唱相結合,音樂風格從悲壯、深沉逐漸轉向激昂、振奮。
探討了死亡與重生的主題,表達了對生命永恒的信念和對死後世界的憧憬。
3
《第三交響曲》
1893 - 1896 年
是馬勒交響曲中篇幅最長的一部,音樂風格極為豐富,涵蓋了從自然的描繪到哲學的沉思等多種元素。
歌頌了自然的偉大,探索了生命、愛情、死亡等深刻主題,展現出對宇宙萬物的敬畏和讚美。
4
《第四交響曲》
1899 - 1900 年
風格較為清新、純真,採用了小型編制,音樂色彩豐富,充滿了夢幻般的意境。
以孩童的視角描繪了天國的生活,表達了對天堂的嚮往和對童真的讚美,傳遞出一種寧靜、平和的情感。
5
《第五交響曲》
1901 - 1902 年
音樂風格從壓抑、痛苦逐漸轉向明朗、激昂,以獨特的葬禮進行曲開篇,之後音樂情感逐漸昇華。
展現了生命的掙扎與希望,表達了對愛情的渴望和對美好生活的嚮往,其中著名的 “小柔板” 表達了深沉的情感。
6
《第六交響曲》 “悲劇”
1903 - 1904 年
音樂風格沉重、悲壯,結構嚴謹,具有強烈的戲劇性衝突。
深刻地反映了人生的苦難與悲劇,展現了命運的無常和人類在困境中的掙扎,結尾充滿了絕望的氣息。
7
《第七交響曲》 “夜曲”
1904 - 1905 年
音樂風格較為獨特,融入了夜晚、夢境等元素,營造出神秘、夢幻的氛圍。
描繪了夜晚的寧靜與神秘,以及對生命的思考和對未來的期待,在夢幻中蘊含著對生活的熱愛。
8
《第八交響曲》 “千人”
1906 - 1907 年
規模極其宏大,需要龐大的合唱團和交響樂團,音樂氣勢磅礴,充滿了輝煌壯麗的色彩。
以歌頌人類的精神力量和對上帝的讚美為主題,表達了對人類團結和精神昇華的追求。
9
《第九交響曲》
1909 - 1910 年
音樂風格深沉、內斂,充滿了對人生的回顧與反思,具有濃厚的悲劇色彩。
表達了對生命即將終結的感慨,以及對人生的眷戀和對死亡的無奈,展現出一種深刻的生命哲學。
10
《第十交響曲》
1910 - 1911 年
(未完成)
雖未完成,但已展現出獨特的風格,音樂中既有馬勒以往作品的影子,又有新的探索和嘗試。
主題較為複雜,包含了對生命、愛情、死亡等的思考,以及對未來的迷茫和期待,未完成的狀態也給人留下了無盡的遐想空間。

 

馬勒:G大調第四號交響曲
G. Mahler: Symphony No. 4 in G Major

人世之歌.喜悲哀歡

馬勒,可能是擁有全世界最多「瘋狂樂迷」的古典作曲家。每一位作曲家都有他的音樂特色,但要像馬勒這樣,同時擁有最大聲的Fortissimo、最小聲的Pianissimo,最長的樂曲長度,最大型的管弦樂編制、最深層的生死議題探討、最特殊的多樣樂器使用,幾乎是音樂史上絕無僅有的…

 

創作背景:馬勒的人生經歷與心境

  • 生活環境變遷:1899 年馬勒開始創作第四號交響曲之時,他搬家至奧地利的南部。也預備購置鄰近湖邊的作曲別墅,絕佳的自然風光,對他的創作助益甚大。大自然入樂,使得他的第四號交響曲,充滿了許多色彩與美好景色的描繪。
  • 第四號交響曲創作於1899-1901 年,已登上維也納國家宮廷歌劇院音樂總監的馬勒,得到了夢寐以求的職位,1900起他利用樂季休息的夏天,在於邁爾尼格(Maiernigg)度假別墅完成了整首交響曲的創作。(1900年→林中渡假小屋、1901年→湖邊作曲小屋)
  • 創作思路轉變:此時的馬勒在創作上似乎有了新的嘗試和思考:第四號交響曲在結構規模上趨向小巧傳統(第一、四兩首交響曲為他交響曲中最為短小之作品),採用 “輕型” 的三管小型編制,且未使用長號與低音號,展現出不同於第二號《復活》的創作傾向。

歌曲交響曲續篇:藝術風格與理念

  • 對 “歌曲交響曲” 的探索:馬勒一直善於用歌曲旋律,衍生應用於交響曲中,在第一、二、三、四號交響曲都有這樣的特徵,因此這四首交響曲也常被稱為「歌曲交響曲」。
  • 第四號最終樂章,也就是知名的《天堂的生活》,其實源自1892 年,馬勒在漢堡創作了的藝術歌曲《天堂中掛滿了小提琴》,這是一首黑色幽默歌曲,出自《少年的魔角》詩集。就是這首歌曲被完整引用,成為了第四號交響曲第四樂章。
  • 哲學與宗教思考的延續:馬勒的創作深受其哲學思想和人生觀的影響,他始終熱衷於以音樂來表述人對於生與死、塵世與天堂等重大哲理,以及宗教信念問題的思考。而在第四號交響曲中,他延續的第二號《復活》與第三號對於自然的音樂論述,表現了對人「死後的生活」的探索,還有死後靈魂和肉體轉世之奧義。

與第三號交響曲之關聯

  • 與第三號交響曲的關係:馬勒《第三號交響曲》原計劃為第七樂章,最終樂章為“孩子對我說”。後因為第三號篇幅實在太長,馬勒便將此樂章移至第四號交響曲之第四樂章。
  • 第三號交響曲的一些音樂元素,我們亦能在第四號交響曲中找到蹤跡,例如《天堂的生活》之旋律素材,在第三號交響曲中亦有出現。
  • 對後續作品的啟示:第四號交響曲第一樂章中的小號段落,其實預示了第五號交響曲的三短一長音樂元素,也馬勒作品之間之內在聯繫與創作思路的延續性之展現。

 

馬勒第四號交響曲

G大調第4號交響曲馬勒創作於1899年至1901年間創作的四樂章交響曲。最後樂章加入女高音獨唱,而歌詞選自詩集《少年魔號》中的 ⟨天堂的生活⟩(Das himmlische Leben)。

 

「馬勒的音樂表現了當時的問題性和時代性。同時也展現了他個人的內在。在他的音樂裡反映了十九世紀末的頹廢風氣與當時世界的淒苦,也飄散著奧地利帝國夕陽的氣氛。他的音樂是他內在糾葛的表現,展現它與外在世界之爭鬥。」

- 殷巴爾(Elinhu Inbal, b. 1936)

 

第四號.自然交響曲

根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,我們知曉馬勒認可了他交響曲的「三大創作階段」:

第一階段

自然時期:讚賞永恆的事物

第二階段

全然的音樂成形

第三階段

一切皆是新穎的、未知的

第一號

第二號

第三號

第四號

第五號

第六號

第七號

《大地之歌》

第八號《千人》

第九號

第十號
(僅完成第一樂章與五樂章架構)

 

布魯諾.華爾特於1910年6月,首次與馬勒在信件中提到馬勒作品的前兩個創作時期:

「您的歌曲作品中,第一個階段包含《少年魔號》(Des Knaben Wdehom)詩集譜曲之作品,第二階段則包含為呂克特(Friedrich Rickert, 1788 - 1866)之詩詞譜曲創作。而您的交響曲正好依據與歌曲相同之階段創作:第一階段包含您的《第一號交響曲》到《第四號交響曲》;第二階段包含《第五號交響曲》到第八號響曲》。前面四首交響曲讚賞永恆的事物,一部分藉由文字表達,一部分將文字隱藏起來,轉為絕對音樂形式。之後的《第五交響曲》、《第六交響曲》與《第七號交響曲》,則完全未受何隱蔽文字之影響,而全然以音樂成形。《第八號交響曲》的所有一切都是新穎的,最後關於神秘教義之音樂,則由文字提供。」

 

照片:馬勒(左)與布魯諾.華爾特(右)

馬勒(左)與布魯諾.華爾特(右)

 

亦即,在第四號交響曲結束後,馬勒的創作結束了「描繪自然創作期」,而從第五號開始,開啟了馬勒「絕對音樂」之第二創作時期,意味著從這首交響曲開始,馬勒的交響曲思維亦開啟了不同的內涵。

在筆者聆聽馬勒的感受中,第三號與第四號非常適合連續欣賞,作為「上、下兩部分」之完整交響曲。

 

原因:

第三號交響曲全曲共分為六樂章,如下:

 

第一部分:

I.「牧神甦醒,夏季就來臨了」(Pan erwacht. Der Sommer marschiert ein)

 

第二部分:

II. 「草地上花兒如是說」(Was mir die Blumen auf der Wiese erzählen)

III. 「林中鳥獸如是說」(Was mir die Tiere im Walde erzählen)

IV. 「人們如是說」(Was mir der Mensch erzählt)

V. 「天使對我說」(Was mir die Engel erzählen)

VI. 「愛情如是說」(Was mir die Liebe erzählt)

 

原本尚有第七樂章「上帝如是說」,但由於第三號整體篇幅過過長,馬勒將之改至第四號交響曲之最後樂章。

 

第4號交響曲全曲共4個樂章:

  1. 精緻、從容地—非常閒適地(Bedächtig. Nicht eilen—Recht gemächlich
  2. 悠閒地速度,不緊不慢(In gemächlicher Bewegung; ohne Hast
  3. 平緩,略似柔板(Ruhevoll, poco Adagio
  4. 非常滿足地(Sehr behaglich)搭配女高音獨唱(選自藝術歌曲 ⟨天堂的生活⟩ )

 

因此,如我們將第四號視為第三號之續作,兩者完整敘述了「自然時期的馬勒」,是最完滿的欣賞方式。


現在,讓我們再次回到對馬勒音樂認識最深的音樂家:布魯諾.華爾特,對馬勒第四號交響曲所提出的見解與說明文字:(下方「華爾特的解說」文字取自弗洛羅斯著《馬勒交響曲》一書)

 

華爾特的解說

音樂學家希德麥爾於 1901 年請求馬勒為他解釋第四號的基本思想。華爾特受馬勒請託,於1901年12月5日寫了封信給希德麥爾,提供了他想要的詳細解說。這份解說和娜塔莉的記載相當一致。

關於作品的誕生,華爾特寫道:「馬勒數年前譜寫了歌曲 ⟨天堂的生活⟩ ,他受這天堂生活愉快童真的描繪啟發,覺得自己進入了某種極為開朗、遙遠又特殊的領域,於是將這源於自身內心世界的內心素材進行交響化的處理。這無疑是個自我的世界,他活在這世界中,可能還沒有其他人呼吸過這裡的空氣,也因此其音樂結晶帶來許多新穎與驚奇。」

針對作品的主題,華爾特解釋如下:

「這或許有點太詳細,但請讓我告訴您第四號交響曲的前三個樂章會怎麼描繪天堂生活:

想像人們在第一樂章認識了天堂生活;這裡有聞所未聞的開朗、非屬人間的歡樂,既誘人又嚇人,有不可思議的光、不可思議的快樂,當然也不缺人性化且動人的聲音。

―― 第二樂章或可稱為『死神跳起舞來』;死神極怪異地拉著提琴,把我們拉上天堂去。再次提醒:這只是諸多可能名稱的其中一種。

――『聖吳甦樂自己也笑了』,可以是第三樂章的名稱,連最嚴肅的聖女都笑了,可見這領域是多麼開朗;其實她只是微笑,馬勒告訴我,她的微笑就像古代騎士或主教的紀念像,步入古老教堂時會看見他們雙手交疊胸前,帶著長眠者那太過寧靜幸福、幾乎看不出來的平和微笑;莊重的幸福寧靜,嚴肅、温和的開朗是此樂章的性格,但也有深刻悲痛的對比(您若想要,也可以是人間生活的回憶),開朗有時也會變得熱烈。

――此時若有人驚訝問道,這一切有何意義,一名孩童以最後的第四樂章作為答覆:這就是『天堂生活』。」

馬勒第四號交響曲整體來說,明朗、溫暖又亮麗而旋律化,加上第三樂章美的不得了的慢板以及第四樂章由女高音獨唱的「天國的生活」,一直被認為是最容易親近的馬勒交響曲之一。

 

第一樂章:精緻、從容地—非常閒適地(Bedächtig. Nicht eilen—Recht gemächlich

第一樂章.奏鳴曲式

"在第一樂章中,樂曲猶如一位沉思的智者,緩步而行,不急不躁,彷彿在思考著生命的奧秘。管弦樂團扮演著探索真理的角色,它們的音符在空氣中輕輕搖擺,彷彿在追尋著一束微弱的光芒,那是智慧的燈塔。每一個音符都像是一顆閃爍的星星,照亮著前進的道路,引領我們進入內心的深處。"

呈示部 發展部 再現部 尾聲
1-101 小節  

 

段落8起,102-238 小節 段落18起,239-339 小節 340-349 小節(16:20起)

 

樂譜版本欣賞

00:00 1. Bedächtig, nicht eilen (G major)

https://www.youtube.com/watch?v=pCuHCMitaoQ&t=631s

 

【BON話題】趣味梗:

原來在第四號交響曲中,馬勒已經敲敲「劇透」,告訴全部人第五號交響曲的主題啦~(10:18

https://www.youtube.com/watch?v=pCuHCMitaoQ&t=618s

 

還有~第一樂章第229小節(3:58),小號出現「三短一長」動機:

https://youtu.be/-rueKJDf9f0?t=238

 

1899年馬勒完成了他的聯篇歌曲《少年魔法號角》(Des Knaben Wunderhorn),並將其中一首〈天堂之歌〉(Das himmlische Leben)抽出,拿來當成第四號交響曲的最終樂章。〈天堂之歌〉以一種天真無邪的視角描繪了天堂的情景,而前三個樂章則彷彿是一段漫長的引子,圍繞著終樂章而展開,帶領聽眾一起經歷悠長豐富的旅程。最後,在平靜和滿足中,隨著串鈴聲響起,人們將沈浸在那個純真又充滿歡樂的世界。”(文/陳佩珊)

 

第一樂章:開頭特殊樂器特寫(0:03

 

先認識樂器:

串鈴/雪鈴(Sleigh Bells)

https://youtu.be/f1IACEDRTss?t=12

 

琉森音樂節 現場演奏(0:03

https://www.youtube.com/watch?v=YnfhInZLmUQ&t=2899s

 

第一步:貫穿第四號交響曲全曲之重要動機認識!

馬勒第四號交響曲之循環動機❤️

https://www.youtube.com/watch?v=-rueKJDf9f0&t=84s

 

 

第二樂章:「死之舞」.複三段體或五段體(A-B-A1-B1-A2-尾聲)

悠閒地速度,不緊不慢(In gemächlicher Bewegung; ohne Hast

"第二樂章宛如一位悠閒的遊客漫步在田園般的風景中。樂曲的旋律輕盈優雅,像是一幅優美的畫卷,描繪著大自然的寧靜和美麗。弦樂器和木管樂器彷彿是草地上婉轉的風聲和鳥兒的啁啾,它們輕輕低語,吟唱著大地的恬靜,帶給我們心靈的寧靜與舒適。而整個樂章,似乎被魔鬼窺伺著..."

A B A1 B1 A2 尾聲
1-68 小節 69-109 小節 110-200 小節  201-280 小節 281-341 小節 342-364 小節

 

 

樂譜版本欣賞

17:00 2. In gemächlicher Bewegung, ohne Hast (C minor)

 

詼諧曲:悠閒地舞動「死之舞」(16:20

*演奏第二樂章前,通常會為樂團首席準備另一把調音的小提琴(本樂章馬勒有特別指示:每根弦均調高一個全音:G-D-A-E --> A-E-B-#F),以令演奏者能快速轉換音準,直接演奏出第二樂章「死之舞」(與魔鬼共舞)之弔詭音樂(16:20 起,可以看到布拉赫拿起預先準備好之另一把小提琴

 

關於「死之舞」,華爾特曾說:「第二樂章或可稱為『死神跳起舞來』,死神怪異地拉著提琴,把我們拉上天堂去...」

https://youtu.be/YnfhInZLmUQ?t=978

 

第三樂章:平緩,略似柔板(Ruhevoll, poco Adagio)(27:33 

五段體(A-B-A1-B1-A2-尾聲).變奏曲式

這是「母親深陷悲傷,含淚帶笑的面容」- 馬勒

"第三樂章讓人感受到一種莊嚴的氛圍,彷彿是一場虔誠的宗教儀式。樂曲中的音符彷彿教堂鐘聲,在空中迴盪,喚起內心的敬畏和虔誠。管弦樂團扮演神聖的儀仗隊,他們莊嚴而恭敬地演奏著,帶領我們穿越時空,來到心靈的聖殿,與神靈相會。"

A(第一主題群) B(第二主題群) A1(第一主題群)

變奏

B1(第二主題群)

變奏

A2(第一主題群)

變奏2

尾聲

天堂之門開啟

1-61 小節 62-106 小節 107-178 小節 179-221 小節 222-314 小節 315-353 小節

 

https://www.youtube.com/watch?v=pCuHCMitaoQ&t=1653s

 

繼續下去,讓我們欣賞第四號交響曲最美的第三樂章慢板與最後樂章 ⟨天堂的生活⟩ 相接段落,猶如「天堂之門開啟」的金光閃耀,是如此震攝人心的大場面: 

0:11 - Symphony #1

4:22 - Symphony #2

8:08 - Symphony #3

11:24 - Symphony #4

16:20 - Symphony #5

20:09 - Symphony #6

23:22 - Symphony #7

26:01 - Symphony #8

28:26 - Symphony #9

https://www.youtube.com/watch?v=ylfWo2DoFyo

 

第四樂章:非常滿足地(Sehr behaglich

feat. 女高音獨唱(選自藝術歌曲 ⟨天堂的生活⟩ )

"最後樂章就像是一場歡樂的聚會,歡笑和笑語在空中迴盪。樂曲的節奏明快,旋律歡快輕快,像是一群歡樂的孩子在花園裡奔跑嬉戲。管弦樂團彷彿是一群熱情洋溢的朋友,他們共同演奏著,分享彼此的喜悅和快樂,讓我們沉浸在音樂的海洋中,盡情享受生命的美好。"

 

馬勒第四號交響曲的第四樂章是整部作品的終曲,本交響曲音樂思想和情感表達的重要尾聲,以「交響+人聲」獨特而動人的方式為這部交響曲畫上句號。

旋律特徵

第四樂章以女高音的演唱為核心,歌唱旋律宛如天籟,帶著童稚的純真與清澈。歌詞取材自《少年的魔角》詩集,描繪了天國的生活。旋律的音程跳動不大,以平穩的進行為主,恰似孩童輕鬆自在的哼唱,給人一種自然、純淨的感覺。樂曲開頭部分,女高音以悠揚而柔和、帶著搖曳節奏的聲線唱出旋律,複點節奏相對簡單且富有律動感,穩定的節拍貫穿始終 ,營造出一種平和、安詳的氛圍。

馬勒的節奏設計,就像緩緩流淌的溪流,平靜而顯得規律,與旋律的純真特質相得益彰。

在後續段落中,節奏的輕微變化又增添了音樂的靈活性和生動感,如同孩童在天國中自由玩耍時的跳躍步伐,既不打亂整體的平靜基調,又為音樂注入了一絲活力。

猶如天國使者在低語,將超凡脫俗的美好意境娓娓道來 ,讓人仿佛置身於一片祥和、寧靜的天國景象之中。

 

為何馬勒眼中的天國生活,是這樣的呢?(見下方歌詞)

歌詞(取自維基百科蹦藝術再補充潤飾)

Das himmlische Leben
(aus "Des Knaben Wunderhorn")
前奏:單簧管
女高音起唱

Wir genießen die himmlischen Freuden,
D'rum tun wir das Irdische meiden.
Kein weltlich' Getümmel
Hört man nicht im Himmel!
Lebt alles in sanftester Ruh'.

(速度轉快)

Wir führen ein englisches Leben,
Sind dennoch ganz lustig daneben;
Wir tanzen und springen,
Wir hüpfen und singen,
Sankt Peter im Himmel sieht zu.

第一部分結束

進入第二部分.串鈴出現

Johannes das Lämmlein auslasset,
Der Metzger Herodes d'rauf passet.
Wir führen ein geduldig's,
Unschuldig's, geduldig's,
Ein liebliches Lämmlein zu Tod.
Sankt Lucas den Ochsen tät schlachten
Ohn' einig's Bedenken und Achten.
Der Wein kost' kein Heller
Im himmlischen Keller;
Die Englein, die backen das Brot.

(速度轉慢)

Gut' Kräuter von allerhand Arten,
Die wachsen im himmlischen Garten,
Gut' Spargel, Fisolen
Und was wir nur wollen.
Ganze Schüsseln voll sind uns bereit!
Gut' Äpfel, gut' Birn' und gut' Trauben;
Die Gärtner, die alles erlauben.
Willst Rehbock, willst Hasen,
Auf offener Straßen
Sie laufen herbei!

(速度轉慢.小提琴+女高音)

Sollt' ein Fasttag etwa kommen,
Alle Fische gleich mit Freuden angeschwommen!
Dort läuft schon Sanct Peter
Mit Netz und mit Köder
Zum himmlischen Weiher hinein.
Sankt Martha die Köchin muß sein.

Kein' Musik ist ja nicht auf Erden,
Die unsrer verglichen kann werden.
Elftausend Jungfrauen
Zu tanzen sich trauen.
Sankt Ursula selbst dazu lacht.

(樂曲回歸寧靜)

(英國管+弱音器小提琴+長笛)

Kein' Musik ist ja nicht auf Erden,
Die unsrer verglichen kann werden.
Cäcilia mit ihren Verwandten
Sind treffliche Hofmusikanten!
Die englischen Stimmen
Ermuntern die Sinnen,
Daß alles für Freuden erwacht.

(英國管奏出初始動機)

Kein' Musik ist ja nicht auf Erden,
Die unsrer verglichen kann werden.
Cäcilia mit ihren Verwandten
Sind treffliche Hofmusikanten!
Die englischen Stimmen
Ermuntern die Sinnen,
Daß alles für Freuden erwacht.

女高音歌聲漸漸消失

豎琴與英國管接續,最終留給由低音提琴與豎琴

讓音樂回歸虛無

本段樂思純淨、意境高雅、純潔

就如同凡人幻想中的天堂,如此被音樂淨化與療癒

天國的生活
(選自《少年魔號》)
前奏:單簧管
女高音起唱

我們享受著天國的喜樂,
與人間大不相同;
世間的喧囂和吵鬧,
在天國中杳無蹤影。
人人都和睦安寧,

(速度轉快)

生活如天使一般,
度過歡樂的時光。
我們舞蹈、跑動,
我們又跳又唱。
天上的聖彼得在看著。

第一部分結束

進入第二部分.串鈴出現

約翰把小羊放出來,
屠夫希律眈眈等候。
我們把一隻溫柔
馴服而善良的
小羊羔處以死刑。
聖路加宰了牛,
一點也不必擔憂。
在天國的酒窖里,
美酒不用付價錢。
天使們則烘烤麵包。

(速度轉慢)

每一種美味的蔬菜,
都在天國的菜園中生長,
有上好的萵苣和豆子,
所有我們想要的東西。
滿滿的盤子都為我們而備!
優質的蘋果、梨和葡萄,
園丁讓我們隨心所欲。
如果你想要獐和野兔,
他們立刻跑到街上,
帶上許多趕回來。

(速度轉慢.小提琴+女高音)

如果是齋戒的日子,
魚兒又開始高興地遊動。
看那聖彼得帶著
他的漁網和魚餌,
跑到天國的池塘邊。
聖瑪莎一定要掌廚。

世間的一切音樂,
都不能與我們的相比,
當那一萬一千個少女
開始翩翩起舞時,
聖烏蘇拉也露出笑顏。

(樂曲回歸寧靜)

(英國管+弱音器小提琴+長笛)

世間的一切音樂,
都不能與我們的相比。
西西莉婭和她的親友們
都是絕佳的樂手。
天使的美妙歌聲,
使我們感到滿足,
讓我們醒來就歡樂。

(英國管奏出初始動機)

世間的一切音樂,
都不能與我們的相比。
西西莉婭和她的親友們
都是絕佳的樂手。
天使的美妙歌聲,
使我們感到滿足,
讓我們醒來就歡樂。

女高音歌聲漸漸消失

豎琴與英國管接續,最終留給由低音提琴與豎琴

讓音樂回歸虛無

本段樂思純淨、意境高雅、純潔

就如同凡人幻想中的天堂,如此被音樂淨化與療癒

重點提示:喜樂=肉類+美酒+麵包+蔬菜+水果+海鮮+跳舞+唱歌+音樂=滿足 XD

 

馬勒第四號交響曲第四樂章歌詞意涵討論:

描繪理想天國景象:歌詞全方位地建構出一個理想化的天國形象。

歌詞間對天國的自然景觀描寫,如 「那裡有美麗的草地,那裡的玫瑰永不凋謝」 ,透過這些美好的意象,展現出一個永恆、充滿生機的自然環境,這是塵世中人們所嚮往卻難以觸及的,表達了對擺脫塵世腐朽與衰敗,追求永恆美好的渴望。

傳遞靈魂解脫渴望: “我們盡情享受,沒有任何悲傷,沒有塵世的勞苦和煩惱”,直接地表達出人們在塵世中歷經苦難後,對靈魂解脫的強烈渴望。塵世生活充滿艱辛與憂愁,而天國的無憂無慮形成鮮明對比,歌詞藉此表達對擺脫塵世束縛,獲得心靈平靜與自由的嚮往。

展現純真信仰追求:歌詞以孩童般純真的視角描繪天國,如 “天使們在那裡烘烤麵包,他們的麵包又香又甜”,這種充滿童趣的表述,體現出一種純粹的信仰追求。沒有複雜的教義闡釋,只是憑藉最本真的想像建構對天國的認知:展現出對純粹、美好信仰境界的嚮往,也反映出在復雜塵世中,人們對回歸純真、堅守信仰的追求。

象徵生命終極歸宿:從整體來看,歌詞中的天國象徵生命的終極歸宿。在經歷了人生的種種起伏後,人們期望在天國找到安寧與永恆,這一象徵意義給予人們精神上的慰藉和希望,激勵著人們在塵世中保持對美好生活的嚮往,即便麵對困難,也能懷抱對最終歸宿的期待,勇敢前行。

 

【DG古典】伯恩斯坦論馬勒音樂之猶太性與音樂(19'33")

藝術歌曲《少年魔法號角》中的〈人間之歌〉(Das irdische Leben)

《Das irdische Leben》 〈人間之歌〉

„Mutter, ach Mutter, es hungert mich!

Gib mir Brot, sonst sterbe ich!“


„Warte nur! Warte nur, mein liebes Kind!

Morgen wollen wir ernten geschwind!“

 

Und als das Korn geerntet war

rief das Kind noch immerdar:

„Mutter, ach Mutter, es hungert mich!

Gib mir Brot, sonst sterbe ich!“

 

„Warte nur! Warte nur, mein liebes Kind!

Morgen wollen wir dreschen geschwind!“

 

Und als das Korn gedroschen war

rief das Kind noch immerdar:

„Mutter, ach Mutter, es hungert mich!

Gib mir Brot, sonst sterbe ich!“


„Warte nur! Warte nur, mein liebes Kind!

Morgen wollen wir backen geschwind!“

 

Und als das Brot gebacken war

lag das Kind auf der toten Bahr!

「母親,啊母親,我餓了!

給我麵包,否則我會餓死!」


「等一下!等一下,我親愛的孩子!

明天我們就快收割了!」

 

當小麥收割完畢,

孩子仍然不停地喊著:

「母親,啊母親,我餓了!

給我麵包,否則我會餓死!」

 

「等一下!等一下,我親愛的孩子!

明天我們就快打穀(脫粒)了!」

 

當小麥打完穀,

孩子仍然不停地喊著:

「母親,啊母親,我餓了!

給我麵包,否則我會餓死!」


「等一下!等一下,我親愛的孩子!

明天我們就快烘烤了!」

 

當麵包烘烤完畢,

孩子卻死了,躺在靈床上!

 


第四樂章 ⟨天堂的生活⟩ 精彩影音欣賞(樂章長度:8:35)

 

關於第四樂章之詮釋觀念

馬勒在第四樂章的樂譜中,針對獨唱的部分給予了特別的註解:「帶著童趣、愉快無憂的聲音來演唱」(Singstimme mit kindlich heiterem Ausdruck)。這個註解清楚地表明了馬勒對音樂的期望,希望透過天真無邪的視角來表達對生命的喜悅及天堂的憧憬。

本次擔任演唱的女高音林慈音,活躍於國內外歌劇、神劇、藝術歌曲等演唱領域,音色自然澄淨,尤其在宗教歌曲上多有涉獵,她的演唱也將成為欣賞這部作品的焦點之一。被問及如何演繹帶有純真、童趣的聲音,她表示:「我不會用聲音的角度來看這件事情,我也不會故意模仿小孩的聲音。其實這是一個很單純的狀態,我認為這需要的是比較簡單的詮釋,必須要唱得非常乾淨,而且完全按照樂譜上的指示,絕不能有太多像歌劇中的那種滑音。」(本段文字取自「【MUSICO特別報導】音樂中的天堂:馬勒第四號交響曲——舒馬富斯×林慈音×長榮交響樂團」)

 

第四樂章 樂譜版本(48:25

https://youtu.be/pCuHCMitaoQ?t=2905

 

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-1-titan-2/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-2-resurrection/

 

https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-3/

 


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:貝多芬第五號交響曲《命運》

【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:貝多芬第五號交響曲《命運》
Bonart Public welfare lecture - Beethoven Symphony No.5

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「豐富人生 X 音樂天地」公益講座

🎊喜愛音樂、歌劇、音樂劇、交響樂的樂迷們有福了!慶祝上海商業儲蓄銀行總行新大樓落成,文教基金會順勢推出全新的系列講座-「豐富人生X音樂天地」,將由知名長笛演奏、指揮、撰文與音樂攝影,全方位超人氣音樂欣賞名家,也是 #台灣蹦藝術協會 (蹦藝術 | BONART)理事長-林仁斌先生,精心策畫賞析西洋音樂名家、歌劇人物的主題,以美好音樂陪您經營豐富人生~

 

🎻【豐富人生 X 音樂天地—林仁斌/貝多芬《命運》交響曲】

「登、登、登、登」──樂曲一開頭重擊琴鍵所發出的四個音符,正是 #貝多芬 (Ludwig van Beethoven) 《#命運》交響曲的特色,當時飽受日益惡化的耳疾痛苦,他以如此激昂強烈地的音樂表現,來表達向命運挑戰的決心。超人氣音樂導聆 #林仁斌 老師將帶領您,一同來認識這首《命運》交響曲所帶來的震撼力!

󠀠

🎧「豐富人生 X 音樂天地」第256場

🤵🏻 主講|林仁斌 (旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長)

🎫 講題|貝多芬《命運》交響曲

📆 活動時間|2025年2月12日(三)晚上19:00-21:00

🏢 活動地點|上海銀行大樓2樓多功能廳(臺北市中山區民權東路一段2號)

 


樂聖 - 貝多芬

(介紹取自維基百科,並附超連結方便檢閱)

 

貝多芬Ludwig van Beethoven;1770年12月16日-1827年3月26日),德意志作曲家、鋼琴演奏家。貝多芬上承古典樂派傳統,下啟浪漫樂派之風格與精神,因而在音樂史上占有非常重要的地位,他是歷史上最具影響力和最受歡迎的古典音樂作曲家之一。貝多芬一生飽受耳聾的折磨,1802年曾寫下海利根施塔特遺書,但最終選擇扼住命運的喉嚨,繼續完成其音樂上的未竟事業。自1814年開始他的聽力急劇下降,於是逐漸放棄了鋼琴演奏和指揮,但卻仍然堅持創作。貝多芬一生共創作了9部交響曲、36首鋼琴奏鳴曲(其中32首帶有編號,1首未完成)、10部小提琴奏鳴曲、16首弦樂四重奏、1部歌劇及2部彌撒曲等等。這些作品無論是在曲式、和聲、以及織體上都有重大創新,對音樂發展有著深遠影響,漢字文化圈因此尊稱貝多芬為「樂聖」。

 

貝多芬的雙親,左側為父親約翰·范·貝多芬(1740年至1792年),右側為母親瑪麗亞·馬達琳娜·凱維利希(1746年至1787年)

貝多芬的雙親

1808年12月22日,維也納河畔劇院裡的聽眾經歷了一場意義非常的音樂會,音樂會長達4小時,曲目全部是貝多芬的作品:

開場先是F大調第六號交響曲《田園》(作品68),再是C大調彌撒裡面的詠嘆調,然後是G大調第四號鋼琴協奏曲(作品58),緊接著是C小調第五號交響曲(作品67),還有《合唱幻想曲》(作品80)。且不論當晚演出的質量,這裡的幾首曲目都是貝多芬曲譜裡有十足分量的作品。好幾部作品在同一晚上首演,其實是貝多芬多管齊下的創作習慣所造成的。當晚,評論家並沒做太多的評論。一年半之後,當時最有影響力的音樂雜誌—萊比錫《音樂廣訊報》裡,作家兼樂評人霍夫曼在第五號交響曲再次上演之後,用浪漫的筆法給了如下的評價:

"強光射穿這個地區的夜幕,同時我們感到了一個徘徊著的巨大暗影,降臨到我們頭上並摧毀了我們內心的一切,除了無盡渴望所帶來的痛——在這種渴望中,本來在歡騰呼聲中燃起的那份喜悅倒下逝去。"

命運交響曲的「命運」動機

在此,c小調再一次在貝多芬筆下表現了強烈的情感掙扎,其強大的張力,綿密不透風的緊張節奏,讓人想起1807年的科里奧蘭序曲(作品62)。整部第五號交響曲出現了前所未有的統一,凝練簡湊而又嚴峻凌厲,頗有概括貝多芬本人性格經歷的含義。前三個樂章壓抑,到了第四樂章方見光明。第一樂章的前四個音符是如此引人注目。據說貝多芬曾說過,那是「命運的敲門聲」,「命運」之名便是由此而來,自此之後更幾乎成了貝多芬的代名詞。不過,與「月光」、「春天」等相同,「命運」亦非正式標題;與在日本中國出品的不同,歐、美地區的第五號交響曲唱片,都不會標明「命運」這一標題。

1808年,貝多芬進一步失聰,而貝多芬早在1801年寫給一位醫生的信內便表示:

"我要向我的命運挑戰。"

 

由此觀之,第五號交響曲無異於貝多芬不服輸的精神展現,非常清晰、明確地使聽眾能夠置身處地的去感受作曲者的心境。這種互動,是此前海頓、莫札特都未曾做到的。1830年,歌德在聽過孟德爾頌以鋼琴演奏過此曲之後,說道音樂太「狂野」。白遼士則對這首在法國被上演得最多的交響曲說道:

"在交響曲中他敘述了自己的個人感受,他自己隱蔽的痛苦、鬱積的憤怒,充滿傷心絕望的夢想、夜色底下的景像,還有激情的爆發。"

 

貝多芬不同時期的樣貌

 

收集貝多芬畫像

Six Ludwig van Beethoven (1823) postage stamps

 

從黑暗迎向光明

貝多芬的創作.走在時代的前端

浪漫主義與啟蒙思想融合為一的創作特色

在貝多芬身處的時代,歐洲已經歷啟蒙運動的理性思維,人民逐漸接受理性思想結果,並積極擁抱浪漫主義所帶來的美好。而貝多芬在創作上亦不斷屢創新局,不以過去各項曲式沿襲下來之規格為滿足,無論是對於各項曲種,他都有著積極革新的態度。並且在創作思想上,可以知道他破除既有之標準與規律之創作,更為音樂創作確立了更多可能性。

雖然耳聾,但貝多芬的內心始終渴望與人交流,因此他傾注內心豐富的感情與作品之中,相信聽過他的作品之後,都會對他能結合理性的曲式與感性的音樂內容,進而引領人們進入他充滿智慧與時代特色之美的各種創作。

另一點具有特色的,是他對大自然的喜愛,更是超脫了啟蒙運動時代對於大自然的認知:因為啟蒙時代認為大自然是沒有生命的機器,如同由許多零件所構成的單調作品,但貝多芬喜愛散步於大自然之中,感受細微的變化,從中領略後內哈為自己的音樂靈感來源。

 

我要扼住命運的咽喉

貝多芬第五號交響曲的封面。可以看到題獻給洛布科維茨親王以及拉祖莫夫斯基伯爵

貝多芬第五號交響曲封面

首演

第5號交響曲於1808年12月22日在維也納河畔劇院首演。這場極爲龐大的音樂會所安排的曲目,都是貝多芬新作品的首演,並且由作曲家親自擔當指揮。整場演出時長超過四個小時。

值得一提的一點,是現在習慣的第六號《田園》交響曲,在當天音樂會於上半場首演,而第五號《命運》,當天於下半場首演。因此如果用「首演順序」判斷,其實第五號與第六號之順序應該是對調的。

 

當天演出節目包括:

  • 「第5號交響曲」(今日的《田園》)
  • 詠嘆調:Ah perfido!(作品65)
  • C大調彌撒「榮耀經」(Gloria)樂章
  • 第4號鋼琴協奏曲(貝多芬親自演奏)

(中場休息)

  • 「第6號交響曲」(即今日的《命運》)
  • C大調彌撒「聖哉經」(Sanctus)、「奉主名而來」(Benedictus)樂章
  • 合唱幻想曲

 

首演狀況多多

首演音樂會時的環境與條件並不理想。當時,樂隊沒有演奏好,他們在演奏會前只排演了一次。而《合唱幻想曲》一曲又有演奏者出了差錯,迫使貝多芬停下重新開始。此外,當時演奏廳極冷,觀眾因為節目太長而疲勞。在這樣的背景下,音樂會沒有引起大的反響。不過一年半之後,另一場音樂會卻引起了熱烈的回應和讚美。很快這首交響曲成為了演奏會的重點曲目。

 

首演場地.十九世紀初的維也納河畔劇院

Wien: Theater an der Wien (um 1800) - Druck nach anonymem Aquarell

 

現代的維也納河畔劇院館內風貌

維也納河畔劇院現代館內風貌

 

有趣的音樂會預告

我們絕對有好好準備~

https://youtu.be/TWWSyoTtdMo

 

四樂章曲式:

第一樂章 First Movement:

呈示部 Exposition:

第一主題 Theme 1–0:00–0:18 (1:15–1:39)

過渡段 Transition — 0:18–0:43 (1:39–1:44)

第二主題 Theme 2–0:46–1:15 (1:44–2:11)

發展部 Development — 2:11–3: 25

再現部 Recapitulation:

第一主題 Theme 1–3:25–4:08

過渡段 Transition — 4:08–4:39

第二主題 Theme 2–4:39–5:02

尾聲 Coda- 5:02–6:17

第二樂章 Second Movement:

主題A Theme A — 0:00–0:26

旋律 Melody — 0:26–0:59

主題B Theme B — 0:59–2:14

變奏一 Variation 1 (A) — 2:14–3:05

變奏二 Variation 1 (B) — 3:05–4:47

裝飾奏 獨奏旋律 Melody (embellished) 4:47–5:12

中間段 Central Section — 5:12–7:43

變奏三 Variation 3 (A) — 7:43–8:36

尾聲 Coda — 8:36–9:43

第三樂章 Third Movement:

詼諧曲 Scherzo — 0:00–1:41

中段 Trio

Trio A — 1:47–2:01 (2:01–2:16)

Trio B — 2:16–2:42

詼諧曲再現 Scherzo Return — 2:42–4:17

過渡段至第四樂章 Transition to the last movement — 4:17–4:27

第四樂章 Fourth Movement:

呈示部 Exposition:

主題1Theme 1–0:00–0:29 (1:54–2:26)
主題2Theme 2–0:34–1:00 (2:26–2:52)
主題3Theme 3–1:00–1:25 ( 2:52–3:18)
主題4Theme 4–1:25–1:54

發展部 Development — 3:18–5:52

再現部 Recapitulation:

主題1Theme 1–5:52–6:26
主題2Theme 2–6:26–6:55
主題3Theme 3–6:55–7:21
主題4Theme 4–7:21–7:50

尾聲 Coda — 7:50–9:28

 

樂譜影片欣賞

第一樂章

00:00 Allegro con brio

https://www.youtube.com/watch?v=yKl4T5BnhOA&t=430s

 

和聲分析

https://www.youtube.com/watch?v=uv8-n8BSBNU

 

第二樂章

07:07 Andante con moto

https://www.youtube.com/watch?v=yKl4T5BnhOA&t=427s

 

第三樂章

16:36 Scherzo: Allegro

https://www.youtube.com/watch?v=yKl4T5BnhOA&t=996s

 

第四樂章

21:12 Allegro

https://www.youtube.com/watch?v=yKl4T5BnhOA&t=1272s

 

指揮Gerard Schwarz談貝多芬第五號交響曲

https://youtu.be/c4hZY5h84Wc

 

貝多芬的助聽器

貝多芬的助聽器

 

快樂時間.版本比較

42+1種貝五開頭樂句,地獄式大評比

https://youtu.be/ltzWeNyLWn8

 

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【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:芝加哥交響樂團(Chicago Symphony Orchestra)

【BON音樂】2025年世界管弦樂團巡禮 - 北美篇:芝加哥交響樂團
Top Orchestras in U.S - Chicago Symphony Orchestra

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
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本系列「2025年世界管弦樂團巡禮」- 北美篇,將以美國為主要區域,詳細介紹各大管弦樂團之歷史沿革與特色,並深入欣賞精湛之演奏。

 

美國五大交響樂團

 

讓我們先從歷史談起,當我們聊到美國樂團十,總喜愛先聊「五大」,這五大交響樂團在過去的歷史定位也非常清楚,分別是:

紐約愛樂 New York Philharmonic

波士頓交響樂團 Boston Symphony Orchestra

芝加哥交響樂團 Chicago Symphony Orchestra

費城交響樂團 Philadelphia Orchestra

克里夫蘭交響樂團 Cleveland Orchestra

美國五大樂團」一詞,誕生於早期黑膠唱片錄音時期,當時管弦樂尚在以廣播方式放送音樂,聽眾們在家中,以收音機方式收聽各樂團之音樂節目之時期。

各樂團在20世紀也如「兄弟登山,各自努力」般,不斷擴大樂團編組,提升演奏能力。

時至20世紀中葉,東岸商業環境繁盛,於是錄音和廣播節目漸漸由東海岸樂團主導,當時最著名的樂團被稱為「三巨頭」:紐約樂團、波士頓樂團和費城樂團。

逐漸地,當時隨著偉大指揮家們的崛起,樂團能見度與唱片銷量也逐漸提升,因此,由喬治·塞爾領軍的克利夫蘭管弦樂團和弗里茨·萊納指揮的芝加哥交響樂團,聲望日益提高,人們漸漸將管弦樂「三巨頭」擴張為「五巨頭」,也就是我們常說的「美國五大樂團」。


【你關心的BON話題 - 樂團薪資篇】

1 San Francisco Symphony

基本薪資 $166,400

The San Francisco Symphony Orchestra remunerate their musicians a large chunk from ticket sales, donations, and other sources of income. It has maintained its spot on the base pay rankings over the years. SFO Symphony was founded in 1911. It’s based in San Francisco, California.

Since 1980, the orchestra has been performing at the Louise M. Davies Symphony Hall in the City’s Hayes Valley neighborhood. They are the resident orchestra of the LMD Symphony Hall. Despite the short history of performances, the orchestra has been awarded an Emmy Award and 15 Grammy Awards. It was also the first to feature symphonic radio broadcasts in 1926, and in 2003.

Visit https://www.sfsymphony.org/ to learn more about their upcoming performances.

舊金山交響樂團從門票銷售、慈善捐款、企業贊助、政府補助以及其他多種收入來源中,拿出很大一部分來酬勞樂團成員。多年來,其基本薪酬排名一直保持穩定。舊金山交響樂團成立於 1911 年,總部位於加利福尼亞州舊金山。

自 1980 年起,該樂團一直在舊金山海斯谷社區的路易斯・M・戴維斯交響樂廳演出。他們是路易絲・M・戴維斯交響樂廳的駐場樂團。儘管演出歷史不算悠久,但該樂團已榮獲一座艾美獎和 15 座格萊美獎。1926 年及 2003 年,它也是率先進行交響樂廣播的樂團。

 

2 Los Angeles Philharmonic

基本薪資 $164,476

The Los Angeles Philharmonic, also known as LA Phil, was founded in 1919 by William Andrews Clark, Jr., a copper baron, arts enthusiast, and part-time violinist. It is the major orchestra based in the city of Los Angeles.

Each year, more than 250 concerts are either performed or presented at the Los Angeles Philharmonic’s two iconic venues: the Walt Disney Concert Hall and the Hollywood Bowl.

It is known its ability to remold and remodel its performances at the whim of the conductor offering it a unique advantage. The group resides in the abstract Walt Disney Concert Hall, where it has been led by conductor Gustavo Dudamel since 2005.

The LA Phil’s involvement with the city of Los Angeles expands beyond the walls of its concert halls, with performances in local schools, churches, and neighborhoods. In fact, one of their education initiatives, Youth Orchestra LA (YOLA), has provided free instruments and music training to over 700 local students.

Visit https://www.laphil.com/ to learn more about their upcoming performances.

洛杉磯愛樂管弦樂團,又稱 LA Phil,於 1919 年由小威廉・安德魯斯・克拉克創立。克拉克是一位銅業大亨、藝術愛好者,也是一名業餘小提琴手。它是洛杉磯市的主要管弦樂團。

每年,洛杉磯愛樂管弦樂團在其兩個標誌性場館 —— 華特・迪士尼音樂廳和好萊塢露天劇場,舉辦或呈獻超過 250 場音樂會。

該樂團以能隨指揮的意願重塑和改編演出而聞名,這賦予了它獨特的優勢。樂團駐紮在具有抽象風格的華特・迪士尼音樂廳,自 2005 年起由指揮古斯塔沃・杜達梅爾領導。

洛杉磯愛樂管弦樂團與洛杉磯市的互動,不止限於音樂廳內,還在當地學校、教堂及社區舉行演出。事實上,他們的一項教育倡議 “洛杉磯青年管弦樂團(YOLA)”,已為 700 多名當地學生提供了免費樂器和音樂培訓。

 

3 Chicago Symphony Orchestra

基本薪資 $159,016

The Chicago Symphony Orchestra is one of the top-ranking American orchestras and a part of the “Big 5” orchestras in the US. Chicago Symphony Orchestra is a highly regarded brass section. At the time of this ranking, the group was led by Daniel Barenboim. It is now under the baton of renowned conductor Riccardo Muti.

It was established in 1891 by Theodore Thomas. The ensemble gathers at Orchestra Hall in Chicago and plays a summer season at the Ravinia Festival. Originally named “Chicago Orchestra,” it was later changed to Chicago Symphony Orchestra in 1913. It has seen numerous music directors including Desire Defauw, Artur Rodzinski, Rafael Kubelik, Fritz Reiner, Jean Martinon, Georg silti, and Daniel Barenboim.

The Chicago Symphony first broadcast on the radio in 1925. Till now, it has performed well over one hundred concerts each year at its downtown home, Symphony Center, and the Ravinia Festival on Chicago’s North Shore.

Riccardo Muti, the current music director of CSO, has earned sixty-two Grammy Awards from the National Academy of Recording Arts and Sciences.

Visit https://cso.org/home/ to learn more about their upcoming performances.

芝加哥交響樂團是美國頂尖交響樂團之一,也是美國「五大」交響樂團的成員。芝加哥交響樂團的銅管樂部門備受推崇。在本次排名之時,該樂團由丹尼爾・巴倫波因領導。如今則由著名指揮里卡多・慕提執棒。

它於 1891 年由西奧多・托馬斯創立。樂團成員在芝加哥的管弦樂廳聚首,並在拉維尼亞音樂節期間進行夏季演出。它最初名為「芝加哥管弦樂團」,1913 年更名為芝加哥交響樂團。歷任音樂總監包括德西雷・德富、阿圖爾・羅津斯基、拉斐爾・庫貝利克、弗里茨・萊納、讓・馬蒂農、格奧爾格・西爾蒂以及丹尼爾・巴倫博伊姆。

芝加哥交響樂團於 1925 年首次在電臺進行廣播。直至今日,它每年在其位於市區的駐地 —— 交響樂中心,以及芝加哥北岸的拉維尼亞音樂節,演出超過一百場音樂會。

芝加哥交響樂團現任音樂總監里卡多・慕提,已從美國國家錄音藝術科學學院獲得六十二座葛萊美獎。

 

4 Boston Symphony

基礎薪資 $153,400

Boston Symphony Orchestra is one of the Big-Five orchestras in the U.S, also the second oldest among the Big-Five. It was founded by Henry Lee Higginson in 1881.

It primarily performs in the Symphony Hall Tanglewood in Boston. Since its establishment, it has had 17 different music directors including George Henschel, Serge Koussevitzky, Henri Rabaud, Erich Leinsdorf, and William Steinberg. The current music director is Andris Nelsons.

It was also the first orchestras to perform live on the radio (NBC, 1926), along with presenting more than 250 concerts annually. Its live performances have reached masses through the internet, radio, television, and educational programs.

As claimed by BSO, its official website is one of the most-visited orchestral websites in the world, with 7 million visitors annually.

Visit https://www.bso.org/ to learn more about their upcoming performances.

波士頓交響樂團是美國五大交響樂團之一,也是五大樂團中歷史第二悠久的樂團。它由亨利·李·希金森 (Henry Lee Higginson) 於 1881 年創立。

樂團主要在波士頓的坦格伍德交響樂廳演出。自成立以來,樂團曾有 17 位音樂總監,包括喬治·亨舍爾、謝爾蓋·庫塞維茨基、亨利·拉博德、埃里希·萊因斯多夫、威廉·斯坦伯格等。現任音樂總監為安德里斯·尼爾森斯 (Andris Nelsons)。

它也是第一個在電台進行現場表演的管弦樂團(NBC,1926 年),每年舉辦 250 多場音樂會。它的現場表演透過網路、廣播、電視和教育節目傳播給大眾。

BSO稱,其官方網站是全球訪問量最大的管弦樂網站之一,每年有700萬人次造訪。

 

5 New York Philharmonic

基礎薪資 $147,550

New York Philharmonic, officially called Philharmonic-Symphony Society of New York, Inc. is the oldest orchestra in the U.S. Established in 1842 by the American conductor Ureli Corelli Hill, with the aid of the Irish composer William Vincent Wallace.

Each season, the New York Philharmonic connects with over 50 million music lovers around the world through worldwide tours, residencies, digital recordings, and live broadcasts. It is also the first American orchestra to perform in North Korea. New York Philharmonic performed in Pyongyang on February 26, 2008, upon an invitation from the North Korean Government.

Some of the renowned music directors who have worked with New York Phil include Ureli Corelli, Theodore Eisfeld, Carl Bergmann, Leopold Damrosch, Theodore Thomas, Adolf Neuendoriff, Emil Paur, Wassily Safonoff, Gustav Mahler, Leopold Stokowski, and Zubin Mehta. The current music director of New York Phil is Jaap Van Zweden active since 2018.

Visit https://nyphil.org/ to learn more about their upcoming performances.

紐約愛樂樂團,正式名稱為紐約愛樂交響樂團,是美國最古老的管弦樂團,由美國指揮家烏雷利·科雷利·希爾在愛爾蘭作曲家威廉·文森特·華萊士的幫助下於 1842 年創立。

每個演出季,紐約愛樂樂團透過全球巡迴演出、駐場演出、數位錄音和現場直播與全球超過 5,000 萬音樂愛好者建立聯繫。這也是第一個在北韓演出的美國管弦樂團。應北韓政府的邀請,紐約愛樂樂團於2008年2月26日在平壤演出。

曾與紐約愛樂樂團合作過的著名音樂總監包括烏雷利·科雷利、西奧多·艾斯菲爾德、卡爾·伯格曼、利奧波德·達姆羅施、西奧多·托馬斯、阿道夫·諾伊恩多里夫、埃米爾·保爾、瓦西里·薩豐諾夫、古斯塔夫·馬勒、利奧波德·梅達·祖塔和祖倫科。紐約愛樂樂團現任音樂總監是范志登 (Jaap Van Zweden),自 2018 年起。下任總監為杜達美。

 

6 National Symphony Orchestra

基本薪資 $143,208

The National Symphony Orchestra (NSO) is an American symphony orchestra based in Washington, D.C. It was founded in 1930 and has been performing at the John F. Kennedy Center for the Performing Arts.

NSO is home to over 100 musicians. They perform a 52-week season of approximately 175 concerts each year. They regularly participate in events of national and global importance including ceremonial state affairs, presidential inaugurations, and holiday celebrations. The annual National Memorial Day Concert in May and A Capitol Fourth concerts on 4 July are two of the highlights of NSO.

Visit https://www.kennedy-center.org/nso/home/ to learn more about their upcoming performances.

國家交響樂團(NSO)是一家總部位於華盛頓特區的美國交響樂團,成立於1930年,一直在約翰甘迺迪表演藝術中心演出。

NSO 擁有 100 多位音樂家。他們每年演出季持續 52 週,共舉辦約 175 場音樂會。他們定期參與國家和全球重要活動,包括國事禮儀、總統就職典禮和節慶慶祝活動。每年 5 月舉行的國家陣亡將士紀念日音樂會和 7 月 4 日舉行的國會第四場音樂會是 NSO 的兩大亮點。

 

7 MET Orchestra

基礎薪資$135,328.36

You must have heard about MET Gala, we hope you are familiar with MET Orchestra as well.

MET Orchestra is one of the world’s great performing ensembles who have performed more than 200 concerts each season. They are known for their performance both on stage and in the opera pit.

It was founded in 1883. Since then, MET Orchestra’s performances have performed entire opera repertoire, symphonic and chamber programs at Carnegie Hall, international tours, and countless musician activities outside of MET Opera House.

Visit https://www.metorchestramusicians.org/ to learn more about their upcoming performances. 

大都會歌劇院管弦樂團是世界上最偉大的表演樂團之一,每季演出超過 200 場音樂會。他們因在舞台上和歌劇場中的出色表演而聞名。

它成立於1883年,成立至今,大都會歌劇院管弦樂團的演出包括在卡耐基音樂廳演奏整個歌劇曲目、交響樂和室內樂節目、進行國際巡演以及大都會歌劇院外無數的音樂家活動。

 

8 Cleveland Orchestra

基礎薪資 $135,096

The Cleveland Orchestra is one of the “Big 5” orchestras in the US. It was founded in 1918 by the pianist and impresario Adella Prentiss Hughes. It has remained the primary venue to witness one of the best classical and contemporary compositions in the U.S. The orchestra plays most of its concerts at Severance Hall.

Franz Welser-Möst has led the Cleveland Orchestra since 2002. They often make extensive tours across the U.S. and abroad. Known for their artistic excellence, concert programming, and community engagement, they have a proud history of giving back to the community. They share the joy of music throughout Northeast Ohio via education and community programs that date back to its founding in 1918.

In 2012 Gramophone Magazine ranked the Cleveland Orchestra 7th on its list of the world’s greatest orchestras, and The New York Times referred to the orchestra in 2018 as “America’s most understatedly amazing orchestra.

It has seen the tenure of some of the greatest Music directors including Nikoloi Sokoloff, Artue Rodzinski, Erich Leinsdorf, George Szell, Pierre Boulez, Lorin Maazel, Christoph von Dohnanyi, and Franz Welser-Most.

Visit https://www.clevelandorchestra.com/ to learn more about their upcoming performances.

克里夫蘭管弦樂團是美國「五大」管弦樂團之一。該樂團由鋼琴家兼經理人阿德拉·普倫蒂斯·休斯 (Adella Prentiss Hughes) 於 1918 年創立。它一直是見證美國最佳古典和當代作品的主要場所。

弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特自 2002 年起擔任克利夫蘭管弦樂團指揮。他們以其藝術卓越性、音樂會節目安排和社區參與而聞名,擁有回饋社區的光榮歷史。他們透過自 1918 年成立以來的教育和社區項目,在俄亥俄州東北部分享音樂的快樂。

2012 年《留聲機》雜誌將克利夫蘭管弦樂團評選為世界最偉大管弦樂團第七位,2018 年《紐約時報》將該樂團稱為「美國最低調的令人驚嘆的管弦樂團」。

它見證了許多最偉大的音樂總監的任期,包括尼科洛夫、阿圖埃·羅津斯基、埃里希·萊因斯多夫、喬治·塞爾、皮埃爾·布列茲、洛林·馬澤爾、克里斯托夫·馮·多納尼和弗朗茨·韋爾瑟-莫斯特。

9 Philadelphia Orchestra

基礎薪資 $137,800

Philly Orchestra is the youngest among the Big-5 Orchestra in the US. It was founded in 2001. They solely based in Philadelphia, Pennsylvania. They perform at the Kimmel Center for the Performing Arts. They perform subscription concerns at Verizon Hall amounting to over 130 concerts annually.

YANNICK NÉZET-SÉGUIN is the current music director with STÉPHANE DENÈVE as principal guest conductor, and GABRIELA LENA FRANK as composer-in-residence.

They filed for bankruptcy in 2011 which dramatically cut the musicians’ pay. Prior to the bankruptcy, the orchestra was one of the highest-paid in the country. In recent years, the orchestra and the musicians negotiated and settled for a raise of 2%.

Visit http://www.philorch.org/ to learn more about their upcoming performances.

Get in touch with Rick Perdian to learn more about the essentials of orchestras management.

 

費城交響樂團是美國五大交響樂團中最年輕的樂團。該公司成立於 2001 年,總部位於賓夕法尼亞州費城。他們在金梅爾表演藝術中心演出。他們每年在 Verizon Hall 舉辦超過 130 場音樂會。

現任音樂總監為雅尼克‧涅澤特-塞金 (YANNICK NÉZET-SÉGUIN),首席客座指揮為史蒂芬‧德內夫 (STÉPHANE DENÈVE),駐團作曲家為加布里埃拉‧萊娜‧弗蘭克 (GABRIELA LENA FRANK)。

他們在 2011 年申請破產,導致音樂家的收入大幅削減。在破產之前,該樂團是全國薪水最高的樂團之一。近年來,樂團與演奏員們經過協商,達成加薪2%的協議。


芝加哥交響樂團(Chicago Symphony Orchestra)

芝加哥交響樂團(英語:Chicago Symphony Orchestra)是美國伊利諾州芝加哥市的管弦樂團。位列美國五大管弦樂團之一,同時也是世界上水準最高的樂團之一。

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

 

全球名列前茅、北美翹楚,芝加哥交響樂團成立於1891年,最初在芝加哥在地商人的捐款支持下成立,是美國歷史最為悠久的管弦樂團之一。1950年代進入錄音黃金時期,在兩位匈牙利指揮萊納、蕭提的鐵血訓練之下,在RCA等唱片公司持續錄製大量唱片錄音。芝加哥交響樂團在管弦之林逐漸殺出重圍,開始與歐陸的柏林愛樂、維也納愛樂分庭抗禮。在繼任的巴倫波因、海汀克持續鍛鍊下,更繼續站穩「北美第一」。累積超過900次錄音、坐擁62座葛萊美大獎,紀綠輝煌,現任音樂總監慕提(2010-至今),更將樂團帶向另一個高峰,是公認的美國「五大」交響樂團。

 

編年重要歷史

創立初期(1889-1905 年)

  • 1889 年,指揮家西奧多・湯瑪斯(Theodore Thomas)受芝加哥商人查爾斯・諾曼・費伊(Charles Norman Fay)邀請著手籌建樂團。
  • 1891 年,在費伊等人幫助下獲得 5 萬美元保證金,10 月以 “Chicago Orchestra” 的名義在禮堂劇院舉辦了首場音樂會,此時「芝加哥交響樂團」正式成立
  • 1902 年,樂團購置 Leroy Payne 的土地,準備建設自己的駐地。
  • 1904 年,12 月 14 日,由湯瑪斯指揮,在新建的交響音樂廳舉辦了首場音樂會,十天後,湯瑪斯最後一次指揮樂團。
  • 1905 年,湯瑪斯因肺炎去世,在他擔任首席指揮的 13 年間,為樂團奠定了堅實基礎,樂團也在他去世前三周,遷入管弦樂廳現址,同年樂團更名為 “西奧多・湯瑪斯樂團”。

 

史托克時期(1905-1942 年)

  • 1905 年,弗里德里克・史托克(Frederick Stock)成為第二任音樂總監,任期長達 30 年。
  • 1912 年,樂團改用「芝加哥交響樂團」的名稱並沿用至今。
  • 1917 年,小提琴家海飛茲(Jascha Heifetz)與樂團合作首演柴可夫斯基小提琴協奏曲。
  • 1918 年,俄羅斯作曲家普羅高菲耶夫與樂團合作,在美國首演兩部作品。
  • 1919 年,史托克倡議成立芝加哥市民交響樂團,開創儲備樂團制度。
  • 1920 年,芝加哥交響樂團附屬樂團在芝加哥交響音樂廳舉行首場音樂會。
  • 1925 年,史特拉汶斯基首次指揮樂團演出自己的作品。
  • 1928 年,拉威爾與樂團合作指揮演出,同年霍洛維茲與樂團合作演出拉赫曼尼諾夫的《第三鋼琴協奏曲》。
  • 1934 年,作曲家荀白克格與樂團合作指揮作品 《昇華之夜》(Verklarte Nacht)。
  • 1940 年,為慶祝樂團 50 周年,首演史特拉汶斯基專門創作的《C 大調交響曲》。

 

過渡時期(1943-1953 年)

  • 1943-1947 年,德斯雷・德福(Desire Defauw)擔任指揮。
  • 1947-1948 年,阿爾・羅津斯基(Artur Rodzinski)任指揮。
  • 1950-1953 年,拉斐爾・庫貝利克(Rafael Kubelik)擔任音樂總監。

 

萊納時期(1953-1963 年)

  • 1953 年,弗里茲・萊納(Fritz Reiner)上任,他以追求準確著稱,並將樂團帶到世界一流水準,在他的帶領下樂團錄製了許多名演,如巴托克的管弦樂協奏曲,其間 RCA 工程師也創造了唱片錄音奇跡。芝加哥交響樂團也迎來自創團以來的高峰期。

 

馬蒂農時期(1963-1969 年)

  • 1963 年,法國指揮家尚・馬蒂農(Jean Martinon)接任,五年任期內留下不少錄音。

 

蕭提時期(1969-1991 年)

  • 1969 年,喬治・蕭提(Georg Solti)擔任音樂總監,充滿樂麗的指揮方式,讓樂團再放光芒。
  • 1971 年,樂團在蕭提指揮下,舉辦首次歐洲巡演,大獲成功。
  • 蕭提共擔任音樂總監 22 年,與樂團的合作一直延續到 1997 年他逝世為止,期間樂團保持著世界一流的演奏水平,錄製了大量優秀唱片,進一步提升了樂團的國際聲譽。

 

巴倫波因時期(1991-2010 年)

  • 1991 年,丹尼爾・巴倫波因(Daniel Barenboim)成為第九任音樂總監,他接掌樂團後,延續了蕭提時代樂團的高水準演出,特別是樂團傲視全球的銅管黃金之音,全能型的巴倫波因也在音樂創新和推廣方面做出了貢獻。
  • 1995 年,布列茲(Pierre Boulez)成為樂團第三位首席客座指揮。
  • 1997 年,蕭提最後一次指揮樂團,演出蕭士塔高維契的《第十五號交響曲》;同年 10 月 4 日,巴倫波因指揮樂團為交響音樂廳再度開放舉行盛大演出。

 

慕提時期(2010 年至2024年)

  • 2010 年,里卡多・慕提(Riccardo Muti)上任,相處和諧愉快,更加深了樂團和芝加哥社區的互動,也將樂團方向轉為支持更多新生代的音樂家和作曲家,以及與很多有遠見的藝術家合作。
  • 歷經Covid-19疫情,慕提以強大的後援力量支持音樂家,成為樂團最重要的後盾。
  • 2023 年 9 月,裡卡多・穆蒂成為終身名譽音樂總監並繼續擔任總監至今。

 

精彩影音欣賞

慶賀音樂總監慕提80歲生日演奏影片

https://youtu.be/TAGs5r_5Co0

 

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/2019-chicago-symphony-orchestra-taipei-concert/

先說個小小趣味故事

2018年芝加哥交響樂團來訪台灣,罕見地在謝幕時讓觀眾可以拍照,喜歡拍照的筆者終於可以在謝幕時光明正大地拍照了~

根據內部人士透露,原因是慕提上次來台灣演出謝幕時,心情大好。看到有現場觀眾拿起手機想拍他,他連pose都擺好了之後,沒想到兩廳院工作人員盡責地衝出擋住拍照…(大家應該都很熟悉這個場景吧…XD)

然後大師就生氣了😆 「為什麼我不能被拍?」

所以這次主辦單位就很貼心地請問大師,這次謝幕可以拍照嗎?回覆是「當然可以~」😍

所以本次音樂會謝幕,可說是「賓主盡歡」,演奏的音樂家愉快,聽音樂的觀眾滿足,拍照的我感覺太幸福了~

芝加哥交響樂團與音樂總監慕提台北國家音樂廳謝幕 | 林仁斌
Chicago Symphony Orchestra & Riccardo Muti ©Jen-Pin LIN

 

分享兩張謝幕照片~

芝加哥交響樂團與音樂總監慕提台北國家音樂廳謝幕 | 林仁斌
Chicago Symphony Orchestra Riccardo Muti ©Jen-Pin LIN

 

芝加哥交響樂團與音樂總監慕提台北國家音樂廳謝幕 | 林仁斌
Chicago Symphony Orchestra Riccardo Muti ©Jen-Pin LIN

 

芝加哥王朝的傳承

新舊總監.網爆流量!

這張照片是芝加哥交響樂團協會 2023/24 年度報告中的一頁,主題為「社群媒體」。

左側部分展示了 YouTube 上「慕提指揮貝多芬第九交響曲」(Muti Conducts Beethoven 9)的相關數據,此視頻於 2015 年 5 月 7 日推出。其數據包括:觀看時長為 1240 萬小時,播放量達 5000 萬次,展示量為 5.82 億次,新增 YouTube 訂閱者 17.7 萬人。

右側部分介紹了克勞斯・麥凱萊(Klaus Mäkelä)任命影片的有機觀看家付費廣告活動成果。

在 Meta(Facebook + Instagram)平台上,展示量為 100 萬次,關鍵頁面瀏覽量為 1 萬次。在 YouTube 平台上,展示量為 64.2 萬次,播放量為 41.7 萬次,平均觀看時長為 2 分 14 秒(總時長 2 分 51 秒),平均觀看百分比為 79%。在電子郵件方面,已發送 28.1 萬封。

此外,右側還配有兩張照片,上方是克勞斯・馬凱拉的拍攝照片,下方是他的宣傳肖像照,肖像照上有「Klaus Mäkelä」以及「芝加哥交響樂團 - 準音樂總監候任」(Chicago Symphony Orchestra Zell Music Director - Designate)的文字

 

https://www.youtube.com/watch?v=rOjHhS5MtvA

 

後慕提時期(2024年至今)

  • 芝加哥交響樂團正式宣布,與全球當紅炸子雞 - 指揮家克勞斯.麥凱萊簽約,28歲的(2024年)克勞斯.麥凱萊將接任慕提,成為芝加哥交響樂團下任音樂總監,2027年正式上任~此消息轟動全球,也引發期待。

 

電視新聞

https://www.youtube.com/watch?v=qFAw_l4jwCc

 

準.音樂總監的形象與音樂宣示影片

https://www.youtube.com/watch?v=XgQJFH9d5eQ&t=23s

 

慕提指揮假面舞會

https://www.youtube.com/watch?v=l4WoPFu_vkA

 

卓越的傳承:芝加哥銅管歷史

https://www.youtube.com/watch?v=m_cI0sUnLco

 

布魯克納第五號:銅管的榮光時刻

https://www.youtube.com/watch?v=mFSabMQN43U

 

經典名演

與凡格洛夫的西貝流士小提琴協奏曲

https://www.youtube.com/watch?v=YsbrRAgv1b4

 

海飛茲與萊納的合作

https://www.youtube.com/watch?v=kFaq9kTlcaY

 

唱片錄音

I. Allegro moderato 15:45

II. Canzonetta. Andante 5:32

III. Allegro vivacissimo 8:13

Jascha Heifetz (violin)

Fritz Reiner (conductor)

Chicago Symphony Orchestra

1957/04/19 Stereo, Orchestra Hall, Chicago

https://www.youtube.com/watch?v=gumh_GZpO_w

 


芝加哥交響樂團 年度報告與財務報告

*年度報告 PDF檔案

 

2023/24 年度報告主要介紹了芝加哥交響樂團協會(Chicago Symphony Orchestra Association,簡稱 CSOA)在 2023/24 演出季的運營成果、藝術成就、財務狀況等信息。
  1. 藝術成就
    • 音樂總監任命:2024 年 4 月,克勞斯・馬凱拉(Klaus Mäkelä)被任命為芝加哥交響樂團第 11 任音樂總監,他目前擔任澤爾音樂總監候任,將於 2027 年 9 月正式上任,任期五年。
    • 音樂會演出:樂團本演出季舉辦了超過 130 場現場音樂會,CSOA 旗下各機構共呈現 494 場音樂會和活動。演出嘉賓眾多,包括 60 多位客座獨奏家和指揮家,其中 14 位首次亮相。樂團還進行了 35 次歐洲巡演,在卡內基音樂廳演出,與多位著名藝術家合作,並首演了多部作品。
    • 教育與社區參與:尼高尼音樂學院(Negaunee Music Institute)開展了豐富的教育活動,如 CSO for Kids 系列音樂會、青年作曲家計劃等,為兒童和青少年提供音樂教育機會。樂團還在社區舉辦免費音樂會、大師班等活動,促進社區音樂文化發展。
  2. 財務概況
    • 收入方面:2023/24 演出季總營運收入為 3243.1 萬美元,其中門票收入 2300.4 萬美元,捐款收入 2380 萬美元,投資回報和基金提款 2260 萬美元。此外,協會收到了多筆重要捐款,如尼高尼基金會和 TAWANI 基金會對基金會的捐款,推動了基金會資產的增長。
    • 支出方面:總營運支出為 8023.6 萬美元,本財年淨營運虧損 141.2 萬美元,與上一年基本持平。
    • 資產方面:協會的基金、其他投資和信託受益權價值增長近 13%,總資產達到 58182.3 萬美元,淨資產增加超過 7700 萬美元,達到 42030.5 萬美元。
  3. 志願者、捐助者和贊助商
    • 志願者:CSOA 有多個志願者團體,如 Governing Members、Women’s Board、League、Overture Council 等,他們通過各種活動支持樂團運營,包括募款、社區活動組織等。
    • 捐助者:2023/24 年度共有 11799 個捐助家庭,捐款總額達到 2380 萬美元,比上一年增長 6.8%,其中包括 4541 名首次捐款者。此外,SEMPRE ALWAYS 募款活動也收到了大量承諾捐款。
    • 贊助商:CSOA 獲得了眾多企業和基金會的贊助,包括澤爾家族基金會、保德信金融集團、花旗集團等,贊助涵蓋音樂會、教育項目等多個方面。
  4. 數字化參與
    • CSO Resound:CSO Resound 在芝加哥 WFMT 98.7 網絡上擁有 19.64 萬周度聽眾,其相關節目獲得了 2024 年格萊美最佳工程專輯獎(古典類)。
    • 社交媒體:克勞斯・馬凱拉任命消息在 Meta(Facebook + Instagram)上的展示量達到 100 萬次,關鍵頁面瀏覽量為 1 萬次;穆蒂指揮貝多芬第九交響曲的 YouTube 視頻展示量達到 5.82 億次,觀看時長 1240 萬小時,網路影片播放量 41.7 萬次。
2023/24 演出季,芝加哥交響樂團協會在藝術表現、財務管理、社區參與和數字化推廣等方面都取得了一定的成績,多方面的支持和努力為樂團的持續發展奠定了堅實基礎。

 

*財務報告 PDF檔案

 

樂團財務報告總結

芝加哥交響樂團截至2024年6月30日的財務報告,其中包括審計報告、財務報表和附註,展現了樂團的財務狀況、經營成果、現金流等關鍵資訊。

審計意見:RSM US LLP審計認為,財務報表在所有重大方面公允反映了樂團截至2024年6月30日和2023年6月30日的財務狀況以及年度淨資產和現金流量變動,符合美國公認會計原則的規定。

財務狀況

資產:2024年總資產5.81823億美元,包括現金、應收帳款、投資等,較2023年的5.15187億美元增加,主要因投資成長。

負債:2024年負債總額為16,151.8萬美元,包括應付帳款、債券等,2023年為17,243.6萬美元,部分負債項目金額變動。

淨資產:2024年淨資產為4,203.05億美元,較2023年的3,427.51億美元有所成長,反映財務狀況的改善。

業務成果

收入:2024年總收入3,243.1萬美元,主要來自演唱會、媒體版權等營運收入,以及捐贈、投資收益等配套收入,相較2023年,營運收入增加,配套收入也有較大幅度成長。

支出:2024年總支出為8,267.1萬美元,涵蓋專案服務、行銷、行政管理及其他費用。

淨利:2024年淨虧損5,024萬美元,2023年淨虧損4,648.4萬美元,虧損幅度擴大。

現金週轉

經營活動:2024年營業活動現金淨流出為1,124萬美元,2023年為2,829.6萬美元,流出規模減少。

投資活動:2024年投資活動現金淨流出645萬美元,2023年投資活動現金淨流入3,492.7萬美元,投資活動現金流變動較大。

籌資活動:2024年度籌資活動現金淨流入1247.9萬美元,2023年度籌資活動現金淨流出1123.6萬美元,籌資活動現金流情況出現逆轉。

其他重要訊息

會計政策:採用權力發生製及基金會計,遵循美國公認會計原則。

風險與不確定性:面臨信用風險、利率風險等,我們有一定的流動性資源與信用額度來因應風險。

後續事項:截至2024年10月18日,未發現需要調整或揭露的重大後續事項。

 


【BON話題】2022年留聲機雜誌「全球最佳管弦樂團投票」(網頁+推薦錄音)

你心中的No.1是哪一團呢?趕緊去投票吧❤️

2022全球最佳管弦樂團投票」又開始囉~(點按照片進入網頁最下方,開始投票)

 

入圍2022年全球十大管弦樂團的有:

巴伐利亞國立管弦樂團  Bayerisches Staatsorchester (Germany)

布達佩斯節慶管弦樂團 Budapest Festival Orchestra (Hungary)

捷克愛樂 Czech Philharmonic (Czech Republic)

哈雷管絃樂團 The Hallé (UK)

世紀交響樂團 Les Siècles (France)

馬勒室內交響樂團 Mahler Chamber Orchestra (Europe)

奧斯陸愛樂 Oslo Philharmonic (Norway)

匹茲堡交響樂團 Pittsburgh Symphony Orchestra (USA)

倫敦小交響樂團 Sinfonia of London (UK)

維也納愛樂 Vienna Philharmonic (Austria)


2023年留聲機雜誌主辦的「十大交響樂團」🎉

Vote for Gramophone's Orchestra of the Year 2023

本次入圍的「十大交響樂團」,你最喜歡的是哪一團呢?😉

  • BBC愛樂 | BBC Philharmonic (UK)

  • 柏林愛樂 | Berliner Philharmoniker (Germany)

  • 芝加哥交響樂團 | Chicago Symphony Orchestra (USA)

  • 國家古樂合奏團 | Le Concert des Nations (Spain)

  • 丹麥國家交響樂團 | Danish National Symphony Orchestra (Denmark)

  • 布萊梅德意志室內愛樂樂團 | Deutsche Kammerphilharmonie Bremen (Germany)

  • 芬蘭廣播交響樂團 | Finnish Radio Symphony Orchestra (Finland)

  • 倫敦愛樂交響樂團 | London Philharmonic Orchestra (UK)

  • 法國巴黎管弦樂團 | Orchestre de Paris (France)

  • 美國國家交響樂團 | National Symphony Orchestra (USA)

 

2024年留聲機雜誌再次舉辦最佳管弦樂團投票

共有六個樂團入圍獲得提名:

Bavarian Radio Symphony Orchestra

Czech Philharmonic

Les Talens Lyriques

Orchestre Philharmonique de Radio France

Pittsburgh Symphony Orchestra

Sinfonia of London

 

經過重重考驗,最終投票結果揭曉:

獲獎的樂團是...

捷克愛樂!

 

這支扎根深厚歷史,放眼全現代的樂團,由畢契科夫(Semyon Bychkov)領軍,先前我於萊比錫馬勒音樂節現場欣賞過,真的非常具有感染力~是名符其實的超級樂團❤️


【BON精彩 - 樂評眼中的全球最棒樂團】

在專業樂評人眼中,全球最傑出的管弦樂團到底排名如何?(2023年)

以下是前十大最傑出的專業排名,讓我們來一探究竟:

第一名與第二名,跟筆者心中排名一模一樣,毫無懸念:柏林愛樂與維也納愛樂。

老實說,從第三名開始,才是各樂團真正的戰場XD

第三名由巴伐利亞廣播交響樂團獲得,相當不容易!

而第四名也不意外,皇家大會堂管弦樂團~

第五名是今天的主題樂團:芝加哥交響樂團,也是北美第一!

第六名起,依序為:

克里夫蘭交響樂團

倫敦交響樂團

布達佩斯節慶管弦樂團

萊比錫布商大廈管弦樂團

洛杉磯愛樂

 

如何?專業樂評人眼中的2023年全球十大管弦樂團,符合您的期待


【BON話題 - 以收入論管弦樂團之經營】

Top 20 orchestras in the U.S. by revenue

在美國,大多數管弦樂團都是作為非營利組織運營,因此要了解樂團真實營運狀況,只能透過國稅局的 IRS990 表格資料事後分析。下方照片為 2017/2018 年度,美國職業管弦樂團收入由高而低排序,以及分布全國區域與城市圖示:

 

具體樂團收入總額與排序,如下表

  1. Los Angeles Philharmonic: $187M 一億8千7百萬!
  2. Philadelphia Orchestra: $99M 9千9百萬
  3. Boston Symphony Orchestra: $96M 9千6百萬
  4. San Francisco Symphony Orchestra: $94M 9千4百萬
  5. New York Philharmonic: $86M
  6. Chicago Symphony Orchestra: $82M
  7. Cleveland Orchestra: $62M
  8. Cincinnati Symphony Orchestra: $43M
  9. Detroit Symphony Orchestra: $41M
  10. Minnesota Orchestra: $37M
  11. Pittsburgh Symphony Orchestra: $37M
  12. Dallas Symphony Orchestra: $35M
  13. Seattle Symphony Orchestra: $33M
  14. Saint Louis Symphony Orchestra: $32M
  15. Houston Symphony Orchestra: $30M
  16. San Diego Symphony Orchestra: $26M
  17. Baltimore Symphony Orchestra: $23M
  18. Milwaukee Symphony Orchestra: $19M
  19. Buffalo Philharmonic Orchestra: $15M
  20. New Jersey Symphony Orchestra: $13M

 

由數據可以進一步了解

東海岸(6)與中西部(7)、(8)、(9),筆者簡稱「外雙C」,是在高收入團排序之後,明顯反映出管弦樂團平均高收入的位置區域。

 

資料中明顯遺漏的優秀樂團包括:

大都會歌劇院—因為他們並不專注於管弦樂項目,以歌劇為主

亞特蘭大交響樂團——他們隸屬於伍德拉夫藝術中心(Woodruff Arts Center)的一部分,該中心也不專注於管弦樂項目。

華盛頓特區國家交響樂團— 因為隸屬於甘迺迪藝術中心的一部分,而甘迺迪藝術中心也不專注於管弦樂項目。

 

就這些管弦樂團所在的大都會地區而言,它們代表了 55% 的人口和 64% 的 GDP。

在 GPD 排名的前 20 個大都會區中,只有 5 個沒有進入前 20 名的管弦樂團:華盛頓特區。 (有國家交響樂團)、亞特蘭大(有亞特蘭大交響樂團)、邁阿密、聖荷西、鳳凰城、丹佛和聖貝納迪諾(San Bernardino)。

 

美國前20名管弦樂團的平均收入、支出和淨收入:

 

收入💵

平均收入為 5,400 萬美元,最高為洛杉磯,收入為 1.87 億美元。

收入最低的是水牛城愛樂樂團與新澤西交響樂團收入最低,為 1,500萬 - 1,300 萬美元。

 

費用💸

平均每個管弦樂團花費 4,900 萬美元。

洛杉磯愛樂樂團總花費為 1.59 億美元,水牛城愛樂樂團花費 1,300 萬美元。

 

淨收入💰

平均而言,管弦樂團的收入為 500 萬美元,收入/支出比率為 9%。

費城交響樂團的淨收入最高,為 4700 萬美元(得益於慷慨的捐贈),而波士頓交響樂團的業績最差,為 -1400 萬美元。

 

門票收入🎫

這些管弦樂團平均從門票中賺取 1,800 萬美元,佔其總收入的 34%。

洛杉磯愛樂樂團的比例最高,其50%的收入都來自門票。

值得一提的是西雅圖交響樂團(48%)、波士頓交響樂團(42%)和芝加哥交響樂團(38%)。

 

薪資💵

該組的平均樂團薪資支出為 2,600 萬美元,佔總支出的 53%。薪資佔門票收入的140%。

 

結論:經營管弦樂團,需要捐款XD。

 


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【BON音樂】蹦藝術 x 許石音樂圖書館 《聽!注入靈魂的神曲:世紀電影配樂大師面面觀》

【BON音樂】蹦藝術 x 許石音樂圖書館 《聽!注入靈魂的神曲:世紀電影配樂大師面面觀》

Maestros of Film Scoring

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講座簡介:

【114年春季音樂系列講座】

許石音樂圖書館以《與光影交織的樂章》作為系列講座主題,介紹電影、動畫或是電視戲劇當中的配樂,「音樂」很多時候是與影像同等重要的存在,不僅具有畫龍點睛的效果,甚至極具代表性,成為讓人辨識這部作品的關鍵角色。希望藉由影像作品中的音樂賞析,配合館內典藏書籍,帶領民眾樂在其中,認識音樂的美好。

聽!注入靈魂的神曲:世紀電影配樂大師面面觀》將由台灣蹦藝術協會理事長林仁斌老師從電影配樂為主題,為您解說電影配樂的作曲方法與角色呼應的方式;而現代配樂技巧更可與古典音樂中的作曲家華格納「主導動機」遙遙相望,透過林老師的精彩解析,讓您深入了解電影配樂創作之脈絡與手法,從此晉身為電影鑑賞家。

 

◼︎講題◼︎ 聽!注入靈魂的神曲:世紀電影配樂大師面面觀
◼︎時間◼︎ 114/02/08(六) 14:00~16:30
◼︎地點◼︎ 許石音樂圖書館1F黑盒子劇場
◼︎講師◼︎ 林仁斌 台灣蹦藝術協會理事長

 

⫸講座加碼好禮⫷

1月及2月份講座將現場各抽1位幸運讀者,贈送高雄市管樂團《奧斯卡配樂傳奇》音樂會門票1張 \(^ O ^)/
記得先完成線上報名並到場,才能參加抽獎喔!

 

主講人:林仁斌老師

 

電影音樂的三大類型:

原創音樂(Original Music)

非原創音樂(Non Original Music)

來源音樂(Source Music)

 

電影《電影配樂傳奇》(Score)海報

 

 

在我們的心中 一切都有配樂!

回想我們每日的生活點滴,快樂時你唱些什麼旋律?憂傷時你想奢什麼音樂?面對每一種情緒,幾乎我們心中都有著屬於自己的配樂,只是需要時間與自己相處,慢慢衝新發覺這些美好的內心聲音~

 

快樂泉源 來自腦部

音樂的面向極其廣闊,也間接影響我們腦部活動很大。(26'44")

不同的音樂刺激腦部不同的地方:例如旋律類型的音樂,或是節奏速度相關類型的音樂,又會由不同的中樞系統接收;我們的身體則會對這些音樂做出反應(例如雞皮疙瘩等等身體自然反應)。而最有趣的是我們腦袋中名為「腹側紋狀體」以及「伏隔核」的地方,以功能上來說是人體的「獎賞中樞」。平常我們做出讓身體愉悅的事情(例如吃巧克力,或是性方面的愉悅)時,大腦的「獎賞中樞」會產生反應,分泌出「多巴胺」,給予人們愉快的感受。而相同的大腦反應,也會在我們聽音樂時出現~奇妙吧!

 

不一定每個人欣賞電影的過程中,都會百分百留意每一段音樂的出現與配樂者的處理;但不約而同地,我們幾乎都會對電影中的震撼場景、最感人之處留下深刻印象,其實...這往往是音樂在我們大腦裡所埋下的種子。(27'55")

 

你的眼球動得快嗎?

我們看一部90分鐘的電影,(30'52"),眼睛大約會動兩萬一千次,或甚至更多。

儘管我們以為自己可以控制要看什麼地方,但根據許多眼睛研究專家的研究顯示,其實我們觀賞影片時,眼睛經常看著螢幕上相同固定的地方。眼睛則需要被引導,才會開始看向畫面不同的地方,而這些「正確的引導」,音樂更是與影像相互合作,發揮了極大的作用。

 

舉例:上升的畫面,搭配上行音階之音樂;下降的畫面,搭配下行音階音樂。

 

談電影音樂三大類型:

ㄧ、原創音樂(Original Music)

電影《天外奇蹟》(UP)

 

當聽覺藝術與視覺藝術完美結合時,就是電影那一刻永遠停留的心跳聲。(30'52")                 

https://youtu.be/KrtoqIpQXkY


二、非原創音樂(Non Original Music)

在電影《第六感生死戀》中,引用了「正義兄弟合唱團」(The Righteous Brothers)1965年全美排行第4名的抒情經典歌曲《奔放的旋律》(Unchained Melody),詮釋男女主角跨越人鬼的戀情,當時讓者首老歌重新造成轟動。

https://youtu.be/soP0r6N7_2g

 

《遠離非洲》

(電影解說整理自網路與維基百科,並附超連結方便檢索)

遠離非洲》(英語:Out of Africa)是1985年出品的美國電影,導演是薛尼·波勒,主演勞勃·瑞福梅莉·史翠普和Klaus Maria Brandauer。

該片先後獲得過28個電影獎,其中包括奧斯卡金像獎的七項獎。

《遠離非洲》電影根據丹麥女作家凱倫畢斯的小說改編,故事的時空背景是1920年代的東非,故事的重心在於她在非洲的愛情遭遇與生活。曾經於非洲居住短暫的歲月中,有兩個男人對她影響很大,一個是她丈夫波爾,一個是她的情人丹尼斯。

波爾給了她承諾卻根本不想遵守,她從丈夫身上獲得的只是一紙婚姻證書、男爵夫人的名號以及差點要她命的梅毒;丹尼斯從不給她任何承諾,但是卻給了真愛、自由以及如何以更寬廣的眼光來看這個世界。

 

遠離非洲-Out of Africa

內容描寫文字非常動人,取自張晚Youtube影片

丹麥優渥家庭出身的凱倫,
操煩即將晉升為大齡剩女,

決意完成一場財富與名銜的交易婚姻,
下嫁予同溫層友朋瑞典布列克森男爵。

兩人連袂遠赴非洲
開拓新事業與新生活。

不過,她顯然缺乏管理長才,

她的丈夫則更樂於追逐其他異性或是動物,

經營婚姻與經營咖啡園
都注定將付之一炬以失敗告終。

唯一留下記憶的只有那塊
廣袤、無垠的沉睡大陸

以及在土地上奔疾馳聘的一個身影。

他叫丹尼斯,熱愛打獵和莫札特,

他曾允諾:總有一天要帶她比翼飛行。

那個允諾,很快便實現⋯⋯

而關於這一段翱翔的往事,
將由我用贅筆再謄寫一遍。

雙翼飛機像隻炫耀的大黃蜂,
嗡嗡嘈嘈地降落。

彷彿孩子發現隱匿的禮物,
她忍不住興奮地打聽:
『你在哪買下了它?』
『蒙巴沙!』

他扶她登機,
她又質疑地轉身詢問:
『你幾時學會了飛行?』
『昨天!』
簡單的答案,
讓她來不及回神地吃驚。

唯在起飛的瞬間,
她因涉險而害怕的表情,

迅即為好奇的快樂取代。

大黃蜂鬧哄哄地冉冉上昇,

由單簧管鄭重而神秘的低音
為他們的巡禮揭開序曲。

溯流前往,兩岸蔥蘢羅列的
是向大自然致敬的植被隊伍。

塔納河猶如巨蠎蜿蜒,
緩緩蠕動的碧鱗在烈日下光燦閃耀。

他們穿越山顛,遙見瀑布水從天來。

那是太白『飛流直下三千尺,
疑是銀河落九天。』的寫照。

他們滑入荒野,俯瞰草原一望無際。

那是謫仙『山隨平野盡,
江入大荒流。』的境界。

他們不懂,只能在背景裡
用聖樂般的和弦讚美造物。

他們在東非大地塹的懸崖邊緣翻騰嬉戲,

在阿伯德爾草原上,
依循動物遷徙的路線,
他們與萬蹄撼動的羚羊長跑。

繞過背蔭的幽谷。

在納古魯湖心,
探訪水鳥生養的棲所,
他們與千羽幻化的火鶴共舞。

終於,早已蓄勢待發的眾聲齊鳴,
雍容、優雅的主旋律響徹晴空。

他們面迎驕陽,
他們直上凌霄。

在天地悠悠之間,
澎湃、洶湧的心情讓她泫然欲泣。

她把手揚起,託付給他,

她要他緊緊地握住,
在死生契闊之間。

穿透亂雲堆雪的層層迷障,

此際,樂曲停歇,大音希聲。
唯獨恍若天籟的風吹相送。

他們正無念無悔地飛向
自己的天堂。

在電影中,

他迷上她
天馬行空的奇幻故事,
也害怕講述故事的她之需索羈絆;

她戀上他,
豹隱淡泊的直覺本能,
也恐懼如許本能的他之自由來去。

結局是:答應替凱倫送行的丹尼斯
用飛機失事做了永別。

這樣地安排
其實蠻好!

酷嗜狩獵的他,
埋骨高坡,獅子一般俯視著他的莽莽草原;

愛說故事的她,
賦歸原鄉,青鳥似地詠嘆著她的文學篇章。

https://youtu.be/qHByIVrrkDo

 

莫札特《豎笛協奏曲》

https://youtu.be/8muh5tvnCC0

 

隨著莫札特的音樂起飛.空瞰非洲之壯麗

片中最浪漫感人的一幕是丹尼斯駕著飛機載著凱倫在非洲大草原上翱翔,這場戲不僅是《遠離非洲》電影最浪漫之橋段,亦讓觀眾帶著浪漫愉悅的心情欣賞非洲草原遼闊的自然美景。

https://youtu.be/sPIAtkd3Wpk

 

而約翰貝瑞的配樂裡,除了自己的創作之外,中協調地引用了莫札特的《單簧管協奏曲》的慢板部分,古今結合,深情悠遠,烘托出影片再現女主角陳年往事的懷舊氣氛。《遠離非洲》的配樂音樂2005年被列入《AFI百年百大電影配樂》,被譽為美國電影音樂作品的經典。

https://youtu.be/zTzZiqv4vw0

 

火紅韓劇《魷魚遊戲》配樂

起床音樂:海頓降E大調小號協奏曲第三樂章

https://youtu.be/aT_ZPsoSRXc

 

集合音樂:小約翰.史特勞斯:《藍色多瑙河》

https://youtu.be/3c27hYHxCaQ

 


三、來源音樂(Source Music)

「來源音樂」(Source Music)用在劇情中出現真正聲音來源,必須取信於觀眾時。因此主要為寫實,聲音均出自電影演員或現場。

電影《海上鋼琴師》(1900)中的錄音片段,既是「原創音樂」,也是「來源音樂」,因此份外動人:

https://youtu.be/MUIgReYNMac

 

電影《海上鋼琴師》(1900)經典的海上鬥琴片段:

https://www.youtube.com/watch?v=5USKFpk2E3Y&t=64s

 

電影《第五元素》

藍色橡皮外星人登場,看似突兀,但一開口就是美聲:歌曲前半段詠嘆調,改編自由義大利美聲歌劇作家董尼采第(Gaetano Donizetti)原創的美聲歌劇《拉美默的露琪亞》(Lucia di Lammermoor)第 3 幕第 2 場 之「瘋狂場景」:《艾德卡爾多!那柔和的聲音》(Oh, giusto cielo!…Il dolce suono),後半段則以誇張不可思議之音域,重現人類不可能達到之「夢幻花腔」,堪稱影史經典:

https://youtu.be/a7Dh5QoXv2c

 

電影《英倫情人》(The English Patient)

茱麗葉畢諾許發現了一架廢墟裡的斷腳鋼琴,但她開心地彈起巴赫《郭德堡變奏曲》中的音樂,讓我們對於電影中的實境有了鮮明的感受,更加融入劇中的人物情境與劇情:

https://youtu.be/JP2qaeja6bM

 


20世紀精彩的電影配樂,多數都是主導動機思維之下所創作的精彩音樂

《哈利波特》電影主題

威翰威廉斯指揮維也納愛樂 | 慕特小提琴獨奏

 

永恆經典.星戰主題

 

約翰.威廉斯「借來」的音樂動機XD~

https://www.youtube.com/watch?v=JtRU8cMp0Nk

 

冒險英雄.印第安納瓊斯

 

哈里遜福特致詞讚美約翰威廉斯

 

大導演史帝芬史匹伯(Steven Allan Spielberg, b. 1946)曾經說過:「音樂是電影的一半。」,這句話完全深深打動我。

 

電影《辛德勒的名單》最後片段

眾人為了感念辛德勒為拯救猶太人所做的一切,用僅存的資源(連假牙的黃金都挖出來了)打造了一枚戒指感謝他。而自知戰後可能背負戰亂罪行的辛德勒,不得不離開,與眾人依依不捨前地離別。臨行前,已經從事太多善舉的他,仍然想著自己做得不夠,讓許多人紅了眼眶…

 

各位想想,如果再回頭讓大家看沒有聲音的畫面,您會有多少感動呢?


 

隨著電影工業進入21世紀,電腦特效越來越強和,觀眾也期待越來越精彩好看的電影,甚至是出類拔萃的聲光體驗效果,我們一起看看現代的電影配樂,到底如何進化?

神鬼奇航 - 電影精彩片段

https://www.youtube.com/watch?v=U6sxWegTa9Y

 

現代多層次配樂之最佳示範

https://www.youtube.com/watch?v=wTxntXjM4oE

 

改編為管弦樂團版本 配樂欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=jtGUQFky0KI

 

這位現代電音天才,是誰呢?

電影配樂作曲家.漢斯季默

 

→漢斯·季默

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

漢斯·季默(Hans Zimmer)1957年9月12日出生於德國法蘭克福,音樂家、電影配樂家、作曲家,擅長電影配樂作曲與音樂製作,熱愛電子吉他。

三歲時開始學習小提琴。六歲時,父親去世,漢斯季默在音樂中找到寄託,並立志成為一名作曲家。

共獲得8次奧斯卡獎提名、1次獲獎,6次葛萊美獎提名、3次獲獎,8次金球獎提名、2次獲獎、2次安妮獎提名及一座全美音樂獎和一座東尼獎。

漢斯季默早年的職業生涯都在英國發展,他也曾經是夢工廠負責人之一,他擅長融合電子音樂和傳統恢宏的交響樂,讓管弦樂團與電子音樂效果混合,利用重新編曲,結合成各種全新音色

 

【補充資料】

漢斯季默自述心路歷程

https://youtu.be/V9ssA3Hj_4k

 

「從六歲開始,音樂就成為了我的精神避難所。」

後來,漢斯·季默隨全家移居到了英國倫敦,他在那裡度過了自己的青少年時期,並沒有接受過正規音樂教育的他憑藉興趣與天賦,在16歲那一年成為了一名電子音樂工程師。

 

​80年代開始,漢斯·季默結束了為樂團混音的工作,也結束了在歐洲四處輾轉的生活,開始正式涉足電影配樂的領域,與當時著名的古典配樂前輩斯坦利梅爾斯合作,迸發了將現代電子音樂與古典交響樂結合的想法。

 

漢斯季默擅長高節奏性、高戲劇張力的配樂,擁有非常多的電影樂迷,在好萊塢也有一定的影響力,並多次獲獎。

 

漢斯·季默,以這種打破常規的嘗試改變了好萊塢傳統的電影配樂模式,他以自己標誌性的風格迅速在好萊塢站穩了腳跟——恢宏的交響樂、張弛有度的節奏、細膩豐富的曲式以及對聽眾心理的揣摩,這都是他金字招牌下的獨門利器。

自1988年的《雨人》首次入圍奧斯卡最佳電影配樂獎,之後再以《愛在心裡口難開》、《紅色警戒》、《埃及王子》、以及《神鬼戰士》等作品多次入圍奧斯卡與金球獎,並在1995年以動畫電影《獅子王》獲得最佳電影配樂獎。

 

自此開始,他邁入第一流金獎配樂作曲家。

 

後續至今精彩配樂作品還有:《蝙蝠俠大戰超人:正義黎明》、《超人:鋼鐵之軀》、《大偵探福爾摩斯 》、《蝙蝠俠:黑暗騎士》、 《加勒比海盜:世界的盡頭》、《超凡蜘蛛俠2》、《功夫熊貓3》、《神力女超人》、《神力女超人 1984》等等,可說是一人之力撐起好萊塢電影半邊天。

 

【神力女超人】電影出場配樂

https://www.youtube.com/watch?v=F9VfmuDnOXU

 

主題樂譜分享

蹦藝術林仁斌製譜

 

【蝙蝠俠:黑暗騎士】配樂欣賞

https://youtu.be/EPFNS95nWI0

 

蝙蝠俠配樂製作特色(4'35"

https://youtu.be/EaycnGC811w?t=277

 

全面啟動》(電影介紹

 

星際效應》(電影介紹

https://www.youtube.com/watch?v=Qo7DfB-mj98

 


《捍衛戰士:獨行俠》配樂

這配樂一下去,既懷舊又新潮,實在太銷魂

https://www.youtube.com/watch?v=5zq7ujKwuRY

 

《捍衛戰士:獨行俠》從片頭聽配樂與影像的結合

SR-72 Darkstar hypersonic aircraft flying Maverick Opening scene(Top Gun Maverick 2022 IMAX 4k 6CH)

https://www.youtube.com/watch?v=NRD0DWhSYlY

 

錄音場景重現

https://www.youtube.com/watch?v=vxakLNOWzgI

 

《捍衛戰士:獨行俠》4K最佳場景


《沙丘》❤️❤️❤️

也許在未來,我們不會有正規節拍

也許我們人類會終於有所進化

讓我們不需要迪斯可節奏就可以自得其樂

可能會是某種各先進的東西...

-  漢斯季默

 

《沙丘》獨特的聲音來源

自製鼓聲、壓縮人聲、異國風格、合成樂器

「我的挑戰是,不要當個成年人!」

https://www.youtube.com/watch?v=cZIQWts438o

 

漢斯季默 - 《沙丘》配樂現場Live'

https://www.youtube.com/watch?v=_j5GgGdSwjE

 

超人氣《沙丘》第二部 作曲家全解析

https://www.youtube.com/watch?v=CNrGLae-xdI

 

https://www.youtube.com/watch?v=seNRaMbMEl8


丹尼爾克雷格 - 最後的007

在漢斯季默筆下,龐德成為了孤單而高貴的情報員

https://www.youtube.com/watch?v=r8KXfWmeYCU

 

延伸欣賞:

https://bonart.com.tw/english-composer-and-conductor-of-film-music-john-barry/

 


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【台灣蹦藝術協會】2024年度台灣蹦藝術協會會務報告(Taiwan Bonart Association)

【台灣蹦藝術協會】2024年度台灣蹦藝術會務報告(Taiwan Bonart Association)
Taiwan Bonart Association 2024 events

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台灣蹦藝術協會

Taiwan Bonart Association

台灣蹦藝術協會(Taiwan Bonart Association)正式成立於2023年12月底,由旅法知名音樂家林仁斌獲選為第一任理事長。在2024年,台灣蹦藝術協會成績斐然~共完成了177場音樂講座(含音樂導聆與社會公益演講)、44集蹦藝術古典音樂Podcast節目,官網並達到超過600萬次點閱!歡迎關注台灣蹦藝術協會陸續推動的各項活動,也歡迎各單位的合作,一起推動音樂與藝術的繼續飛揚🎵🌹

 

本篇文章回顧2024年協會完成事項與音樂講座

理事長介紹:林仁斌

林仁斌,知名長笛演奏、指揮、撰文與音樂攝影之全方位音樂家,也以文字與攝影見長,現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長,活躍於國際音樂節與國內外音樂廳,策畫多場音樂講座、年演講場次超過200場,公認超人氣音樂欣賞名家,亦出版過多張演奏專輯,如:《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》等。

 

2024年年度會務報告🌟

 

 

 

 

 

 

 

 

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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮(五)第六號交響曲

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮(五)第六號交響曲

All about Tchaikovsky and his symphonies -5

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古典音樂是你的生活必需品?
希望有機會能拓展對古典樂的了解?
跟著林仁斌老師一起認識偉大的音樂藝術!

《大人社團》與蹦藝術攜手開設古典音樂鑑賞課程,林仁斌老師帶領學員欣賞每首的獨特之處,讓您徜徉在樂曲中,更貼近音樂家的心血結晶,聽出更多況味與樂趣!

《延伸閱讀》大人的音樂欣賞線上直播課程好嗎?學員真實回饋分享

《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋,看他們用音樂為生活注入繽紛

 

蹦藝術音樂美食藝文之旅 行程總覽~

https://bonart.com.tw/bonart-music-trip-2024-25/

 

【精彩課程ing】

2024年12月起

→【合購優惠】古典樂欣賞線上直播課(11/14週四下午班,共15堂)

★課程分為三系列早鳥優惠 $3,200元(定價3,600元,開課前七天將恢復定價)。

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【俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮】
12/19、12/26、1/9、1/16、2/6,共5堂 

 

【迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲】
 2/13、2/20、2/27、3/6、3/20,共5堂


主講人:林仁斌老師

 

你對古典音樂深深著迷,期待聽懂更多內容嗎?

不只對作品感興趣,也想多了解音樂家的背景?

跟著林仁斌老師一起揭開這層有趣又精彩的音樂面紗~

透過課程你會對音樂領域有更深一層的認識,林仁斌老師將帶領同學們從生平故事,去探究創作背景與作品的演奏,以及樂譜到創作技法解析、樂曲欣賞版本比較,細細感受各種精彩的詮釋,聽出更多音樂的世界樂趣!

 

系列|俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮

「俄羅斯憂鬱旋律天王」~柴可夫斯基,是大眾最喜愛的代表性音樂家,更將是2025年衛武營「瘋迷24」主題人物!在這柴可夫斯基交響曲系列課程中,將帶領大家深入他的全套六大交響曲,一次聽懂古典樂。

  • 課程內容

  • 第一堂柴可夫斯基與他的交響曲第一號交響曲《冬之夢》

柴可夫斯基一生中僅創作六首交響曲,這首完成於1868年,仍在莫斯科音樂院任教時期的第一首交響曲,已經展現出作曲家不凡的手筆~本堂課林仁斌老師將為大家梳理柴可夫斯基一生的交響曲創作歷程,並介紹他的第一首交響曲作品:《冬之夢》。

  • 第二堂|第二、三號交響曲《小俄羅斯》與《波蘭》

第二、三號交響曲分別創作於1872年1875年,均屬於作曲家之前半段創作期,除了展現青年時期的柴可夫斯基豐沛創意之外,共同之處為此時喜愛引用俄羅斯民謠曲調作為交響曲旋律來源~本堂課林仁斌老師將為大家介紹這兩首動聽的交響作品。

  • 第三堂|第四號交響曲

第四號交響曲創作於1877年5月至1878年1月間,柴可夫斯基此時已經由梅克夫人贊助,成為自由工作創作者,也正式邁入交響曲創作之黃金期,本堂課林仁斌老師將為大家深入介紹此曲之「命運動機」與精彩內容,讓您感受到作曲家深刻之思想與樂曲架構。

  • 第四堂|第五號交響曲

寫作於1888年5月至8月期間的第五號交響曲,不但旋律動聽,更是各大樂團巡迴時的愛用曲目,宏大的架構與首尾呼應的命運主題,還有那心醉動人的慢板樂章,都是此曲最迷人之處。本堂課且聽林仁斌老師為您娓娓道來,絕對入坑。

  • 第五堂|第六號交響曲《悲愴》

《悲愴》創作於1893年2月至8月間,最離奇的事件為首演之後九天,柴可夫斯基猝逝,真正原因始終為謎,更添此曲《悲愴》意涵。林仁斌老師將為您充分解析本首交響曲每一個樂章之創作特色與內容架構,作為本系列課程之完美總結。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


作曲家:柴可夫斯基

 

延伸閱讀

柴可夫斯基 生平簡介(整理於網路資源)

十九世紀的俄羅斯政治動盪不安,但在藝文領域卻在彼得大帝倡導的西化之下,逐漸開花結果:以第一代西化作曲家葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka, 1804-1857)及其追隨者「俄國五人組」(The Five)所領導表的俄羅斯國民樂派,在強烈民族意識與自由主義的趨使下,讓音樂創作有了新的方向並開始綻放光芒。他們的作品既創新又能帶有俄羅斯傳統的民間舞曲或民謠等文化基礎,融合西方古典音樂創作技巧與和聲,逐漸走出一條嶄新的道路。

柴可夫斯基所成長的環境中,正因為文學與音樂藝術的蓬勃發展,讓他能以不屬於當時任何一個流派之附庸,而以獨特的憂鬱、悲劇色彩,以及優美動人的旋律與和聲,不但在當代廣受注目,也成為俄羅斯作曲家中最為後世流傳,甚至是足以代表俄羅斯後期浪漫樂派翹楚之領導大師。

https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/

 

柴可夫斯基交響曲列表

柴可夫斯基Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893一共寫作七首交響曲,其中有編號的六首,整理年份與調性如下:

交響曲編號順序 標題 調性 完成年份
第1號交響曲 《冬日之夢》 g小調 1866年
第2號交響曲 《小俄羅斯》 c小調 1872年
第3號交響曲 《波蘭》 D大調 1875年
第4號交響曲 f小調 1878年
"曼弗雷德"交響曲 "曼弗雷德"交響曲 b小調 1885年
第5號交響曲 e小調 1888年
第6號交響曲 《悲愴》 b小調 1893年

 

柴可夫斯基 | Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893
柴可夫斯基 | Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893

柴可夫斯基Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893一共寫作七首交響曲,其中有編號的六首,整理如下:

G小調 第1號交響曲《冬日之夢》-1866年
c小調 第2號交響曲《小俄羅斯》-1872年
D大調 第3號交響曲《波蘭》-1875年
f小調 第4號交響曲-1878年
b小調 "曼弗雷德"交響曲(Manfred Symphony)-1885年
e小調 第5號交響曲-1888年
b小調 第6號交響曲《悲愴》-1893年

 

最終交響曲《悲愴》

 

俄羅斯音樂魂

在此引述柴可夫斯基曾與梅克夫人通信中提到自己創作理念、音樂觀點,與俄羅斯音樂之間密不可分的關係:

...只有從藝術家靈魂的深處傾瀉出來的音樂,而又被靈感所感動的音樂,才能感動人心,佔有聽眾。

...我寫作管弦樂曲時,心中產生了一個樂想,就自然會形成適當的外形,因此我的樂思在存在的同時就已經管弦樂化了。......至於說我的作品裡有俄羅斯的氣味,這是沒錯的,我開始創作樂曲時,往往已決定要利用一、兩首民歌主題。畢竟我是生長在 一個平靜且從兒時就成長於在俄國民歌環繞的環境,因此我極其熱愛俄國靈魂的每一種表現;總之,我是一個徹頭徹底的俄羅斯人。

 

生命裡最後的交響樂

1889 年 10月 29日柴可夫斯基在寫給俄羅斯大公爵康斯坦丁·羅曼諾夫(Constantine Romanov)信中提到:「我很想寫一首規模宏大的交響曲,這首樂曲或許可算是我整個創作生涯的終結。

...一直以來,這部交響曲的大綱早已在我腦海裡迴繞不去,但一直需要集中許多適合的條件,以便讓我的創作構想可以付諸實現。我希望自己在完成這一願望之前不會死去

第五號交響曲創作於1888 年,因此這封信的寫作時間點就是在完成第五號之後,柴可夫斯基一邊構思下一部作品時所留下的珍貴通信記錄,更顯示出在第五號時終於對自己創作信心的他,正藉由第六號交響曲,更進一步探索人生、悲傷、憂鬱與關於生命的一切。

 

🎼【 樂譜開箱 Ⅱ ─ 終曲的訴說 】

柴可夫斯基 第六號交響曲 «悲愴»

下方柴可夫斯基 第六號交響曲 «悲愴» 影片,由長榮交響樂團邀約,蹦藝術執行長林仁斌與 MUZIK 悅聽古典樂聯合製作之以音樂有聲解說影片,呈現圖文並茂,更加詳細解說之樂曲創作背景與樂章主題總覽。

請點閱欣賞:

https://www.youtube.com/watch?v=S8Z59-PP2UQ&feature=youtu.be

 

綜上所述,《悲愴》更凝聚了他一生的音樂創作經驗與人生感悟。

柴可夫斯基(1840—1893)生活在俄國亞歷山大三世黑暗統治時期,和俄羅斯當時的知識分子相同,他的思想也充滿迷惘、徘徊。

柴可夫斯基是 19 世紀俄羅斯最傑出的音樂家之一,他的創作融合了西歐傳統的作曲技法,又充分展現出了俄羅斯民族的民謠美學特徵。

 

創作時間軸

柴可夫斯基第六號交響曲《悲愴》動筆於1893年2月4日,3月24日創作完成全部草稿。

首演:同年 10 月在聖彼得堡指揮《第六號交響曲》首演。

首演出9天後,柴可夫斯基在午餐時飲用了一杯未煮沸的水,患了霍亂,數日後去世。

後來人們演出《悲愴》來紀念他。這部作品被人視為俄國音樂的代表作品。

創作過程中的社會歷史環境

19 世紀晚期俄羅斯社會發展對柴可夫斯基的創作產生了影響。當時的社會環境充滿了動盪和變革,這些動蕩不安在某種程度上影響了他的創作,而柴可夫斯基的人生經驗和日益成熟,卻總是充滿孤寂感的音樂生涯,明顯地可在《悲愴》中可清楚感受到,的創作有著重要的影響:當我們以他的生平經歷為線索,對他的生活經歷和音樂生涯進行考究,便能在他的作品中發現生活與個人情感和生活感悟。

如從作品的創作分期出發,隨著早期(1~3號交響曲),在進入第四、五、六號,則能夠更能理解這部作品的內涵。

《悲愴》位列柴可夫斯基之最後交響作品,也是人生天鵝之作,更是最重要的作品之一,凝聚了他一生的音樂創作經驗,也是對他人生經歷的總結:

旋律優美動人,和聲色彩豐富,結構嚴謹精煉,配器成熟燦爛。

在管弦樂歷史上,再難有相似作品能與之並列。

 

柴可夫斯基 第六號交響曲 «悲愴» 手稿

總譜 封面

 

總譜 首頁

 

作曲中之手稿

 

關於悲愴

柴可夫斯基曾說:「我將整個心靈都放進 Pathetique,我愛他勝過一切;那是無法形容的美麗,這是我一生中感到最爲滿意的作品。」

 

管絃配器

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

The symphony is scored for an orchestra with the following instruments:

 

第一樂章

樂曲開頭之序奏由低音管奏出,柴可夫安排了許多旋律上的力度與漸強漸弱記號,因此對獨奏者考驗很大,需要以豐富的層次,展現出深層的悲愴情緒:

 

 

第一主題

於弦樂中提琴與大提琴奏出,整體看總譜,更能清楚知道柴可夫斯基的聲部安排:

 

第二主題

等了89小節,我們在樂團長音之後,等到了最美的第二主題,這段主題由小提琴與大提琴同時加上弱音器奏出,表達出作曲家最深最美的悲嘆:

 

 

 

《悲愴》樂曲分析簡表

第一樂章

慢板(Adagio)- 不太過份的快板(Allegro non troppo)-行板(Andante)-穩定的中速(Moderato Mosso)-行板(Andante)-持續的中速(Moderato assai)-活躍的快板(Allegro vivo)-原本的行板(Andante come prima)-穩定的行板(Andante mosso),4/4,b小調 - D大調 - 調性不明確 - B大調

Adagio—Allegro non troppo (0:00)

 

段落架構 序奏 呈示部 發展部 再現部 結束尾聲
小節數 1-18 19-160 161-244 245-334 335-354

https://www.youtube.com/watch?v=8VswsTffasc&t=0s


第二樂章

優雅的快板(Allegro con grazia),5/4,D大調 - b小調 - D大調

Allegro con grazia (21:00)

段落架構 段落A 段落B 再現A‘ 尾聲
小節數 1-56 57-95 161-244 152-179

https://www.youtube.com/watch?v=8VswsTffasc&t=1260s


第三樂章

非常活潑的快板(Allegro molto vivace),12/8及4/4等節奏變化,G大調 - E大調 - G大調

Allegro molto vivace (28:36)

段落架構 A主題 命運主題 過渡樂段 B主題 A'主題 命運主題 過渡樂段 B'主題 結束段落
小節數 1-44 45-52 53-70 71-138 139-182 183-194 195-228 229-315 316-347

第四樂章

悲傷的慢板(Adagio lamentoso),3/4,b小調 - D大調 - b小調

Adagio lamentoso (36:55)

段落架構 第一主題段落 第二主題段落 再現段落 結束段落
小節數 1-36 37-88 89-146 147-171

https://www.youtube.com/watch?v=8VswsTffasc&t=2215s


全曲樂譜版本欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=8VswsTffasc

《悲愴》全樂章與時間軸
Movement I: Adagio—Allegro non troppo (0:00)
Movement II: Allegro con grazia (21:00)
Movement III: Allegro molto vivace (28:36)
Movement IV: Adagio lamentoso (36:55)

2010年阿巴多指揮委內瑞拉西蒙玻利瓦管弦樂團(琉森音樂節)

https://youtu.be/zIJiPlbJjs8

 

Daniele Gatti 指揮 L'Orchestre national de France
2014年 5月 22日 au Théâtre des Champs-Elysées (Paris)

https://youtu.be/NfusWGFWMq8

 

卡拉揚指揮維也納愛樂版本

https://youtu.be/KvGC8hZC29U

 

1995年葛濟耶夫指揮馬林斯基大劇院管弦樂團版本

https://youtu.be/EHgHgbZ8YB8

 

你...喜歡我的作品嗎?

 

柴可夫斯基延伸閱讀:

 


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:韋瓦第《四季》小提琴協奏曲

【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:韋瓦第《四季》小提琴協奏曲
Bonart Public welfare lecture - Vivaldi: The four seasons

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


「豐富人生 X 音樂天地」公益講座

🎊喜愛音樂、歌劇、音樂劇、交響樂的樂迷們有福了!慶祝上海商業儲蓄銀行總行新大樓落成,文教基金會順勢推出全新的系列講座-「豐富人生X音樂天地」,將由知名長笛演奏、指揮、撰文與音樂攝影,全方位超人氣音樂欣賞名家,也是 #台灣蹦藝術協會 (蹦藝術 | BONART)理事長-林仁斌先生,精心策畫賞析西洋音樂名家、歌劇人物的主題,以美好音樂陪您經營豐富人生~

 

義大利作曲家韋瓦第 (Antonio Vivaldi) 寫下四百多首各類型協奏曲,對協奏曲形成的發展與小提琴演奏技法,具有重要貢獻,因此被尊為「協奏曲之父」。1723年譜成《四季》協奏曲,包含春、夏、秋、冬季之四首協奏曲,每首附有標題與詩文,透過音符精湛詮釋四季的變化,被視為「標題音樂」之典範。本場講座由超人氣音樂導聆林仁斌老師將帶領您,一同來認識《四季》協奏曲的奧秘與魅力!

這將是一場您不容錯過的精彩音樂主題演講~🕺💃

豐富人生 X 音樂天地|第255場

 林仁斌 (旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長​)

 韋瓦第《四季》小提琴協奏曲

 2025年1月20日(一)晚上19:00-21:00

 上海銀行大樓二樓多功能廳(臺北市中山區民權東路一段2號)

 02-2531-6111 分機 104 楊小姐


主講人:林仁斌老師

林仁斌,知名長笛演奏、指揮、撰文與音樂攝影之全方位音樂家,也以文字與攝影見長,現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長,活躍於國際音樂節與國內外音樂廳,策畫多場音樂講座、年演講場次超過200場,公認超人氣音樂欣賞名家,亦出版過多張演奏專輯,如:《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》等。

 

【活動照片】

 


作曲家 韋瓦第

紅髮神父:安東尼奧·盧喬·韋瓦第(Antonio Vivaldi, 1678年3月4日—1741年7月28日)

 

早年(本段生平取自「維基百科」《韋瓦第》條目)

韋瓦第的父親喬瓦尼·巴蒂斯塔(Giovanni Battista Vivaldi,1655–1736)十歲的時候離開布雷西亞到威尼斯,並在那裡成為一名理髮師。他和當地姑娘卡蜜拉·卡里吉奧(Camilla Calicchio)於1676年結婚,育有9個孩子。安東尼奧為長,於1678年出生在威尼斯[4],他出生後便立即接受洗禮,而原因不明,曾有傳聞是因其出生當天發生地震,由於地震帶來的心理創傷,韋瓦第的母親可能便當即將韋瓦第交予祭司[5]。而此說業已被證偽,韋瓦第出生當日並無地震。此種說法的起源可能是人們將之與1688年4月17日發生在威尼斯的一場地震混淆[6]。韋瓦第正式的嬰兒洗禮儀式是在二個月後才補全的[7]

1685年,喬瓦尼成為聖馬可大教堂的小提琴手;他是一個成功的小提琴手,並且因為其西西里亞聯會會員的身分,在威尼斯的音樂界迅速贏得名聲,還被認為是一名出色的炫技小提琴家。安東尼奧自小就不輸其父,年紀輕輕就能代替父親上演。他的音樂理論可能來自於喬瓦尼·列堅齊(Giovanni Legrenzi)[a]

接受神職

韋瓦第在15歲的時候即行剃髮,並且接受了首次世俗聖職儀式,但當時這並不表示他已當神父,只是為了稍微提高一下自己的社會地位。當他18歲時,接受了更高一級的聖職(副輔祭)之後,韋瓦第才立下心當神職人員。他在附近的兩個教區接受了神職教育(神學)並畢業。25歲時,韋瓦第成為神父[8]。他從父親那邊遺傳得來的頭髮顏色,使得他被稱為「紅髮神父」[b][9]。這之後,韋瓦第成為S. Maria della Pietà教堂的神父,並且在教堂屬下的女童音樂學院中當小提琴教師。

主持了一年半的追思彌撒之後,韋瓦第永遠放棄了神職工作,但他依然持有神父的地位。在後來的一封信中他寫到,自己是因為健康狀況而辭去教堂職務的(他寫到「strettezza di petto」,意為胸悶,可能為心絞痛,也可能是哮喘[7]。但最近研究表明,他可能是出於個人原因,或心理方面的不適。一方面他的作曲工作讓他沒有時間去分心,另一方面教堂職務帶來的收入對他來說也不是那麼的重要了。

音樂生涯

神職工作之外,韋瓦第亦是一名教師與作曲家,他指導著Ospedale della Pietà的少女樂團,開始作為弦樂組的教師,後來則成為了代理指揮。樂團很快就贏得了美名,吸引了很多義大利的旅遊人士前來。而韋瓦第的小提琴協奏曲和奏鳴曲作品的很大一部分,便是為Ospedale而寫的。作為宗教儀式上的配樂。韋瓦第在這個職務上一直服務到1716年(其中有一段時間間斷1709年2月到1711年9月)止,接著他則被任命為「音樂會大師」(Maestro dei concerti)。

在威尼斯發表兩部奏鳴曲集[c]之後,韋瓦第發表了協奏曲集《和諧的靈感》(L'Estro armonico,作品3,1711年印製),這部作品為他贏得了歐洲範圍內的名聲。直到1729年止,他共寫有12部曲集,作品3之後的其他作品都是在阿姆斯特丹印製的。其中有12首協奏曲《和聲歌手與創作之爭》(Il cimento dell'armonia e dell'inventione,作品8,1725年),當中的前四首即是著名的《四季》(Le quattro stagioni)。

早在Ospedale della Pietà任職時,韋瓦第就已經開始了歌劇創作,其第一部歌劇Ottone in villa於1713年在維琴察首演,之後到1739年26年間,他寫有歌劇達50部。在此之後,韋瓦第除了Ospedale della Pietà的職位外,日益頻繁地擔任維琴察聖安格洛劇院的主持。

後來在威尼斯,韋瓦第有了工作上的爭執,他決定於1718年遷到曼圖亞,供職於地主飛利浦·馮·黑森·達姆斯塔德(1671-1739)的母親[d]。他在那裡主要是當音樂會主持和創作歌劇。1721年他多次在羅馬逗留,兩次在教宗面前演奏,因此贏得了大量的歌劇和宗教音樂的委託。1726年他以聖安格洛劇院音樂總監的身分返回威尼斯。這一次,身為作曲家和提琴演奏家的他在那裡贏得了全歐洲人的敬仰,甚至是很多音樂家朝聖的對象。在此期間他認識了16歲的女歌手Anna Giró,後者陪伴他進行遊歷。

韋瓦第的漫畫,P.L.Ghezzi(1723)

晚年與逝世

1730年左右他發生了風格轉變,從以前的巴洛克風格轉到優雅的風格,但這種風格的作品卻不怎麼受歡迎。因此韋瓦第在63歲的時候遷往維也納,想尋求查理六世的支持。但查理六世卻於到達維也納後一個月後1740年10月因病去世。當時韋瓦第的身體狀況也不佳,1741年7月28日逝世。

韋瓦第簡陋的墓地位於維也納,現今維也納科技大學卡爾廣場 (Karlplatz) 12號)之所在。

卡爾廣場12號,韋瓦第在維也納的埋葬處

四季

歷史上第一首標題音樂

史上最暢銷古典音樂鳴曲

聊到全世界、全年代,歷史上最著名的古典音樂作品,究竟是哪一首呢?

猜到了嗎?

就是我們今天要為所有朋友們帶來的「韋瓦第:《四季》」❤️

《四季》小提琴協奏曲除了是音樂史上第一首標題音樂,也是最經典作品與最暢銷的音樂演奏專輯

 

《四季》(Le quattro stagioni)是義大利作曲家安東尼奧·韋瓦第創作的一組以弦樂團為主之小提琴協奏曲,以音樂分別對一年的四季進行了表現。約作於1718−1720年,並於1725年連同另外8首協奏曲,共12首協奏曲,命名為《和聲與創意的實驗》(Il cimento dell'armonia e dell'inventione)在阿姆斯特丹出版。

《四季》也是韋瓦第一生中最著名的作品。(取自維基百科:《四季》)

 

12首《和聲與創意的實驗》協奏曲(Il cimento dell'armonia e dell'inventione)op.8

Concerto No.1 in E major "La primavera" RV 269 (for violin, strings & basso continuo)《春》

I. Allegro - 00:00

II. Largo - 03:03

III. Allegro - 05:14

Concerto No.2 in g minor "L'estate" RV 315 (for violin, strings & basso continuo)《夏》

I. Allegro non molto 09:05

II. Adagio - Presto 14:06

III. Presto (Tempo impetuoso d'Estate) 15:55

Concerto No.3 in F major "L'autunno" RV 293 (for violin, strings & basso continuo)《秋》

I. Allegro 18:14

II. Adagio molto 23:03

III. Allegro 25:43

Concerto No.4 in f minor "L'inverno" RV 297 (for violin, strings & basso continuo)《冬》

I. Allegro non molto - 28:47

II. Largo - 31:58

III. Allegro - 33:58

Concerto No.5 in E flat major "La tempesta di mare" RV 253 (for violin, strings & basso continuo)《海上的暴風雨》

I. Presto - 36:32

II. Largo - 39:26

III. Presto - 41:33

Concerto No.6 in C major "Il piacere" RV 180 (for violin, strings & basso continuo)《歡樂》

I. Allegro - 44:42

II. Largo - 47:39

III. Allegro - 50:00

Concerto No.7 in d minor, RV 242 (for violin, strings & basso continuo)

I. Allegro - 52:39

II. Largo - 55:56

III. Allegro - 56:56

Concerto No.8 in g minor, RV 332 (for violin, strings & basso continuo)

I. Allegro - 59:28

II. Largo - 1:02:13

III. Allegro - 1:04:39

Concerto No.9 in d minor, RV 236 (for violin, strings & basso continuo)

I. Allegro - 1:08:25

II. Adagio - 1:11:13

III. Allegro - 1:13:19

Concerto No.10 in B flat major "La caccia" RV 362 (for violin, strings & basso continuo)《打獵》

I. Allegro assai - 1:15:43

II. Adagio - 1:18:42

III. Allegro - 1:20:18

Concerto No.11 in D major, RV 210 (for violin, strings & basso continuo)

I. Allegro - 1:22:47

II. Largo - 1:27:15

III. Allegro - 1:29:29

Concerto No.12 in C major, RV 178 (for violin, strings & basso continuo)

I. Allegro - 1:33:40

II. Largo - 1:36:39

III. Allegro - 1:39:30

https://www.youtube.com/watch?v=w7t9eYku0PY

 

《四季》架構

  • E大調第一協奏曲,Op. 8,RV 269,《春》(La primavera
    1. 快板(Allegro
    2. 最緩板(最緩板)
    3. 快板(Allegro
  • G小調第二協奏曲,Op. 8,RV 315,《夏》(L'estate
    1. 不太快的快板(Allegro non molto)
    2. 柔板及弱拍-急板及強音(Adagio e piano - Presto e forte)
    3. 急板(Presto
  • F大調第三協奏曲,Op. 8,RV 293,《秋》(L'autunno
    1. 快板(Allegro
    2. 極柔板(Adagio molto)
    3. 快板(Allegro
  • F小調第四協奏曲,Op. 8,RV 297,《冬》(L'inverno
    1. 不太快的快板(Allegro non molto)
    2. 最緩板(Largo)
    3. 快板(Allegro

每個季節均有一首十四行詩

《四季》共有四首協奏曲,每個季節各附有一首十四行詩。作者不詳(亦有人認為十四行詩是作曲家原創文字)。

以下是十四行詩的原文和中文譯本:(取自維基百科:《四季》)

原文 中文翻譯
La Primavera 《春》
Allegro
(A) Giunt' è la Primavera e festosetti
(B) La Salutan gl' Augei con lieto canto,
(C) E i fonti allo Spirar de' Zeffiretti / Con dolce mormorio Scorrono intanto:
(D) Vengon' coprendo l' aer di nero amanto / E Lampi, e tuoni ad annuntiarla eletti
(E) Indi tacendo questi, gl' Augelletti; / Tornan' di nuovo al lor canoro incanto:Largo
(F) E quindi sul fiorito ameno prato / Al caro mormorio di fronde e piante / Dorme 'l Caprar col fido can' à lato.Allegro
(G) Di pastoral Zampogna al suon festante / Danzan Ninfe e Pastor nel tetto amato / Di primavera all' apparir brillante.
快板
(A) 春臨大地,
(B) 眾鳥歡唱,
(C) 和風吹拂,溪流低語。
(D) 天空很快被黑幕遮蔽,雷鳴和閃電宣示暴風雨的前奏;
(E) 風雨過境,鳥花語再度奏起和諧樂章。最緩板
(F) 芳草鮮美的草原上,枝葉沙沙作響,喃喃低語;牧羊人安詳地打盹,腳旁睡著夏日懶狗。快板
(G) 當春臨大地,仙女和牧羊人隨著風笛愉悅的旋律,在他們的草原上婆娑起舞。
L'Estate 《夏》
Allegro non molto - Allegro
(A) Sotto dura Staggion dal Sole accesa / Langue l' huom, langue 'l gregge, ed arde il Pino;
(B) Scioglie il Cucco la Voce, e tosto intesa
(C) Canta la Tortorella e 'l gardelino.
(D) Zeffiro dolce Spira, mà contesa / Muove Borea improviso al Suo vicino;
(E) E piange il Pastorel, perche sospesa / Teme fiera borasca, e 'l suo destino;Adagio e piano - Presto e forte
(F) Toglie alle membra lasse il Suo riposo / Il timore de' Lampi, e tuoni fieri / E de mosche, e mossoni il Stuol furioso!Presto
(G) Ah che pur troppo i Suo timor Son veri / Tuona e fulmina il Ciel e grandioso / Tronca il capo alle Spiche e a' grani alteri.
不太快的快板
(A) 奄奄一息的人們和動物躺在熾熱無情的太陽底下,松樹彷彿就要起火;
(B) 杜鵑高歌著,
(C) 加入斑鳩和金翅雀的行列中。
(D) 微風輕拂,但很快地大風捲起;
(E) 若有風雨欲來之勢,牧羊人被突如其來的狂風驚嚇。慢板及弱奏-急板及強音
(F) 擔心著他的羊群以及自己的命運,他開始忙著做風雨前的準備,不安的心在灰暗的天色下、蚊蠅的嗡嗡作響下顯得更加孤立無援。急板
(G) 終於,他擔心的事發生了──雷電交加的狂風暴雨及冰雹,阻撓了他回家的路。
L'Autunno 《秋》
Allegro
(A) Celebra il Vilanel con balli e Canti / Del felice raccolto il bel piacere
(B) E del liquor de Bacco accesi tanti
(C) Finiscono col Sonno il lor godereAdagio molto
(D) Fà ch' ogn' uno tralasci e balli e canti / L' aria che temperata dà piacere, / E la Staggion ch' invita tanti e tanti / D' un dolcissimo Sonno al bel godere.Allegro
(E) I cacciator alla nov' alba à caccia / Con corni, Schioppi, e canni escono fuore
(F) Fugge la belua, e Seguono la traccia;
(G) Già Sbigottita, e lassa al gran rumore / De' Schioppi e canni, ferita minaccia
(H) Languida di fuggir, mà oppressa muore.
快板
(A) 農人唱歌跳舞,慶祝莊稼的豐收。
(B) 酒神的瓊漿玉液
(C) 使眾人在歡愉的氣氛中沉沉睡去。極慢板
(D) 在歌聲及舞蹈停止之時,大地重回寧靜,萬物隨莊稼的人們在秋高氣爽中一同進入夢鄉。快板
(E) 破曉時分號角響起,獵人帶著獵狗整裝待發。
(F) 鳥獸紛逃,而獵人開始追尋獵物的行蹤。
(G) 一陣槍聲劇響夾雜獵狗的狂吠之後,
(H) 動物四竄奔逃,但終奄奄一息,不敵死神的召喚。
L'Inverno 《冬》
Allegro non molto
(A) Aggiacciato tremar trà nevi algenti
(B) Al Severo Spirar d' orrido Vento,
(C) Correr battendo i piedi ogni momento;
(D) E pel Soverchio gel batter i denti;Largo
(E) Passar al foco i di quieti e contenti / Mentre la pioggia fuor bagna ben centoAllegro
(F) Caminar Sopra il giaccio, e à passo lento
(G) Per timor di cader gersene intenti;
(H) Gir forte Sdruzziolar, cader à terra
(I) Di nuove ir Sopra 'l giaccio e correr forte
(L) Sin ch' il giaccio si rompe, e si disserra;
(M) Sentir uscir dalle ferrate porte
(N) Sirocco Borea, e tutti i Venti in guerra / Quest' é 'l verno, mà tal, che gioia apporte.
不太快的快板
(A) 人們在凜冽的寒風中、
(B) 在沁冷的冰雪裡不住發抖。
(C) 靠著來回踱步來保持體溫,
(D) 但牙齒仍不住地打顫。
廣板
(E) 在滂沱大雨中坐在火爐旁,度過安靜而美好的時光。快板
(F) 小心翼翼地踩著步伐前進,
(G) 深怕一個不留神栽了個觔斗;
(H) 有時在冰上匆匆滑過,跌坐在雪上,
(I) 來回地跑步玩耍。
(L) 直到冰裂雪融的時刻,
(M) 聽見溫暖的南風已輕叩
(N) 冷漠的冰雪大門。這是冬天,一個愉快的冬天。

 

《春》

Concerto No. 1 in E Major, RV269, "Spring" (La primavera)

00:00 I. 快板(Allegro)

03:37 II. 最緩板.持續極弱(Largo e pianissimo sempre)

06:01 III. 田園風格的快板(Allegro pastorale) 

La Primavera 《春》
Allegro
(A) Giunt' è la Primavera e festosetti
(B) La Salutan gl' Augei con lieto canto,
(C) E i fonti allo Spirar de' Zeffiretti / Con dolce mormorio Scorrono intanto:
(D) Vengon' coprendo l' aer di nero amanto / E Lampi, e tuoni ad annuntiarla eletti
(E) Indi tacendo questi, gl' Augelletti; / Tornan' di nuovo al lor canoro incanto:Largo
(F) E quindi sul fiorito ameno prato / Al caro mormorio di fronde e piante / Dorme 'l Caprar col fido can' à lato.Allegro
(G) Di pastoral Zampogna al suon festante / Danzan Ninfe e Pastor nel tetto amato / Di primavera all' apparir brillante.
快板
(A) 春臨大地,
(B) 眾鳥歡唱,
(C) 和風吹拂,溪流低語。
(D) 天空很快被黑幕遮蔽,雷鳴和閃電宣示暴風雨的前奏;
(E) 風雨過境,鳥花語再度奏起和諧樂章。最緩板
(F) 芳草鮮美的草原上,枝葉沙沙作響,喃喃低語;牧羊人安詳地打盹,腳旁睡著夏日懶狗。快板
(G) 當春臨大地,仙女和牧羊人隨著風笛愉悅的旋律,在他們的草原上婆娑起舞。

https://www.youtube.com/watch?v=Z4ME2cdXHVE

 

《夏》

Concerto No. 2 in G Minor, RV315, "Summer" (L'estate)

10:30 I. 不甚快的快板(Allegro non molto)

15:51 II. 甚弱的慢板 - 甚強的急板(Adagio e piano - Presto e forte)

17:55 III. 急板(Presto) 

L'Estate 《夏》
Allegro non molto - Allegro
(A) Sotto dura Staggion dal Sole accesa / Langue l' huom, langue 'l gregge, ed arde il Pino;
(B) Scioglie il Cucco la Voce, e tosto intesa
(C) Canta la Tortorella e 'l gardelino.
(D) Zeffiro dolce Spira, mà contesa / Muove Borea improviso al Suo vicino;
(E) E piange il Pastorel, perche sospesa / Teme fiera borasca, e 'l suo destino;Adagio e piano - Presto e forte
(F) Toglie alle membra lasse il Suo riposo / Il timore de' Lampi, e tuoni fieri / E de mosche, e mossoni il Stuol furioso!Presto
(G) Ah che pur troppo i Suo timor Son veri / Tuona e fulmina il Ciel e grandioso / Tronca il capo alle Spiche e a' grani alteri.
不太快的快板
(A) 奄奄一息的人們和動物躺在熾熱無情的太陽底下,松樹彷彿就要起火;
(B) 杜鵑高歌著,
(C) 加入斑鳩和金翅雀的行列中。
(D) 微風輕拂,但很快地大風捲起;
(E) 若有風雨欲來之勢,牧羊人被突如其來的狂風驚嚇。慢板及弱奏-急板及強音
(F) 擔心著他的羊群以及自己的命運,他開始忙著做風雨前的準備,不安的心在灰暗的天色下、蚊蠅的嗡嗡作響下顯得更加孤立無援。急板
(G) 終於,他擔心的事發生了──雷電交加的狂風暴雨及冰雹,阻撓了他回家的路。

https://www.youtube.com/watch?v=Z4ME2cdXHVE&t=630s

 

《秋》

Concerto No. 3 in F Major, RV293, "Autumn" (L'autunno)

20:55 I. 快板(Allegro)

26:20 II. 極慢的慢板(Adagio molto)

29:06 III. 快板(Allegro)

L'Autunno 《秋》
Allegro
(A) Celebra il Vilanel con balli e Canti / Del felice raccolto il bel piacere
(B) E del liquor de Bacco accesi tanti
(C) Finiscono col Sonno il lor godereAdagio molto
(D) Fà ch' ogn' uno tralasci e balli e canti / L' aria che temperata dà piacere, / E la Staggion ch' invita tanti e tanti / D' un dolcissimo Sonno al bel godere.Allegro
(E) I cacciator alla nov' alba à caccia / Con corni, Schioppi, e canni escono fuore
(F) Fugge la belua, e Seguono la traccia;
(G) Già Sbigottita, e lassa al gran rumore / De' Schioppi e canni, ferita minaccia
(H) Languida di fuggir, mà oppressa muore.
快板
(A) 農人唱歌跳舞,慶祝莊稼的豐收。
(B) 酒神的瓊漿玉液
(C) 使眾人在歡愉的氣氛中沉沉睡去。極慢板
(D) 在歌聲及舞蹈停止之時,大地重回寧靜,萬物隨莊稼的人們在秋高氣爽中一同進入夢鄉。快板
(E) 破曉時分號角響起,獵人帶著獵狗整裝待發。
(F) 鳥獸紛逃,而獵人開始追尋獵物的行蹤。
(G) 一陣槍聲劇響夾雜獵狗的狂吠之後,
(H) 動物四竄奔逃,但終奄奄一息,不敵死神的召喚。

https://www.youtube.com/watch?v=Z4ME2cdXHVE&t=1255s

 

《冬》

Concerto No. 4 in F Minor, RV297, "Winter" (L'inverno)

32:45 I. 不甚快的快板(Allegro non molto)

36:17 II. 最緩板(Largo)

38:34 III. 快板(Allegro)

L'Inverno 《冬》
Allegro non molto
(A) Aggiacciato tremar trà nevi algenti
(B) Al Severo Spirar d' orrido Vento,
(C) Correr battendo i piedi ogni momento;
(D) E pel Soverchio gel batter i denti;Largo
(E) Passar al foco i di quieti e contenti / Mentre la pioggia fuor bagna ben centoAllegro
(F) Caminar Sopra il giaccio, e à passo lento
(G) Per timor di cader gersene intenti;
(H) Gir forte Sdruzziolar, cader à terra
(I) Di nuove ir Sopra 'l giaccio e correr forte
(L) Sin ch' il giaccio si rompe, e si disserra;
(M) Sentir uscir dalle ferrate porte
(N) Sirocco Borea, e tutti i Venti in guerra / Quest' é 'l verno, mà tal, che gioia apporte.
不太快的快板
(A) 人們在凜冽的寒風中、
(B) 在沁冷的冰雪裡不住發抖。
(C) 靠著來回踱步來保持體溫,
(D) 但牙齒仍不住地打顫。
廣板
(E) 在滂沱大雨中坐在火爐旁,度過安靜而美好的時光。快板
(F) 小心翼翼地踩著步伐前進,
(G) 深怕一個不留神栽了個觔斗;
(H) 有時在冰上匆匆滑過,跌坐在雪上,
(I) 來回地跑步玩耍。
(L) 直到冰裂雪融的時刻,
(M) 聽見溫暖的南風已輕叩
(N) 冷漠的冰雪大門。這是冬天,一個愉快的冬天。

https://www.youtube.com/watch?v=Z4ME2cdXHVE&t=1965s

 

【蹦藝術推薦】古樂版本《四季》演奏❤️

Spring:

I. Allegro - 0:00

II. Largo - 3:32

III. Allegro - 6:13

Summer:

I. Allegro non molto - 10:09

II. Adagio - 15:31

III. Presto - 17:46

Autumn:

I. Allegro - 20:42

II. Adagio molto - 26:14

III. Allegro - 28:25

Winter:

I. Allegro non molto - 31:56

II. Largo - 35:29

III. Allegro - 37:25

Credits 40:44

https://www.youtube.com/watch?v=aryDMAP6oug

 

Apple 下載女王- Janine Jansen❤️

Concerto No. 1 - "La Primavera" (Spring)

Spring Movement 1 (Allegro) - 0:04

Spring Movement 2 (Largo) - 3:31

Spring Movement 3 (Allegro) - 6:02

Concerto No. 2 - "L'estate" (Summer)

Summer Movement 1 (Allegro non molto) - 10:22

Summer Movement 2 (Adagio) - 15:41

Summer Movement 3 (Presto) - 17:54

Concerto No. 3 - "L'autunno" (Autumn)

Autumn Movement 1 (Allegro) - 21:01

Autumn Movement 2 (Adagio molto) - 26:10

Autumn Movement 3 (Allegro) - 28:41

Concerto 4 - "L'inverno" (Winter)

Winter Movement 1 (Allegro non molto) - 32:05

Winter Movement 2 (Largo) - 35:21

Winter Movement 3 (Allegro) - 37:00

Suite Conclusion: 40:05

Encore: Summer Movement 3 (Presto) - 43:55

Final Conclusion: 46:24

https://www.youtube.com/watch?v=zzE-kVadtNw

 

永遠的女王 - 慕特現場 Live'❤️

Antonio Vivaldi - Le quattro stagioni (The Four Seasons)

*Concerto No. 1 in E major, Op. 8, RV 269, "Spring" (La primavera)

1. Allegro (00:30)

2. Largo e pianissimo sempre (03:37)

3. Allegro pastorale (06:25)

*Concerto No. 2 in G minor, Op. 8, RV 315, "Summer" (L'estate)

1. Allegro non molto (10:22)

2. Adagio e piano – Presto e forte (16:02)

3. Presto (18:03)

*Concerto No. 3 in F major, Op. 8, RV 293, "Autumn" (L'autunno)

1. Allegro (20:37)

2. Adagio molto (26:14)

3. Allegro (28:47)

*Concerto No. 4 in F minor, Op. 8, RV 297, "Winter" (L'inverno)

1. Allegro non molto (32:40)

2. Largo (35:56)

3. Allegro (38:34)

Encore: J. S. Bach - Air for Violin, Harpsichord and Strings (45:28)

Anne-Sophie Mutter, violin and direction

Mutter Virtuosi Ensemble

https://www.youtube.com/watch?v=9eEap53WxKY

 


 

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【講師簡介】

林仁斌

《蹦藝術 | BONART》執行長、 知名音樂導聆人、旅法長笛演奏家: 演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家

「我個人在最初聽春夏秋冬的時候,其實我最喜歡的季節就是《夏》,為什麼?因為那時候我很年輕,我覺得炫技是最好聽的。可是我現在慢慢發現,我越來越喜歡《秋》描寫打獵的各種場景,我越來越喜歡《冬》描寫風雪過來,冰天雪地裡牙齒都打顫的風景,然後欣賞第二樂章裡面聚在火爐前溫暖的感覺,欣賞第三樂章雖然很冷,但是可以玩耍、讚賞著這是一個愉快的冬天,所以,當我們年紀增長、心情有不同的時候,聽四季春夏秋冬有截然不同的感覺。


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮(四)第五號交響曲

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮(四)第五號交響曲

All about Tchaikovsky and his symphonies -4

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系列|俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮

「俄羅斯憂鬱旋律天王」~柴可夫斯基,是大眾最喜愛的代表性音樂家,更將是2025年衛武營「瘋迷24」主題人物!在這柴可夫斯基交響曲系列課程中,將帶領大家深入他的全套六大交響曲,一次聽懂古典樂。

  • 課程內容

  • 第一堂柴可夫斯基與他的交響曲第一號交響曲《冬之夢》

柴可夫斯基一生中僅創作六首交響曲,這首完成於1868年,仍在莫斯科音樂院任教時期的第一首交響曲,已經展現出作曲家不凡的手筆~本堂課林仁斌老師將為大家梳理柴可夫斯基一生的交響曲創作歷程,並介紹他的第一首交響曲作品:《冬之夢》。

  • 第二堂|第二、三號交響曲《小俄羅斯》與《波蘭》

第二、三號交響曲分別創作於1872年1875年,均屬於作曲家之前半段創作期,除了展現青年時期的柴可夫斯基豐沛創意之外,共同之處為此時喜愛引用俄羅斯民謠曲調作為交響曲旋律來源~本堂課林仁斌老師將為大家介紹這兩首動聽的交響作品。

  • 第三堂|第四號交響曲

第四號交響曲創作於1877年5月至1878年1月間,柴可夫斯基此時已經由梅克夫人贊助,成為自由工作創作者,也正式邁入交響曲創作之黃金期,本堂課林仁斌老師將為大家深入介紹此曲之「命運動機」與精彩內容,讓您感受到作曲家深刻之思想與樂曲架構。

  • 第四堂|第五號交響曲

寫作於1888年5月至8月期間的第五號交響曲,不但旋律動聽,更是各大樂團巡迴時的愛用曲目,宏大的架構與首尾呼應的命運主題,還有那心醉動人的慢板樂章,都是此曲最迷人之處。本堂課且聽林仁斌老師為您娓娓道來,絕對入坑。

  • 第五堂|第六號交響曲《悲愴》

《悲愴》創作於1893年2月至8月間,最離奇的事件為首演之後九天,柴可夫斯基猝逝,真正原因始終為謎,更添此曲《悲愴》意涵。林仁斌老師將為您充分解析本首交響曲每一個樂章之創作特色與內容架構,作為本系列課程之完美總結。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


作曲家:柴可夫斯基

 

延伸閱讀

柴可夫斯基 生平簡介(整理於網路資源)

十九世紀的俄羅斯政治動盪不安,但在藝文領域卻在彼得大帝倡導的西化之下,逐漸開花結果:以第一代西化作曲家葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka, 1804-1857)及其追隨者「俄國五人組」(The Five)所領導表的俄羅斯國民樂派,在強烈民族意識與自由主義的趨使下,讓音樂創作有了新的方向並開始綻放光芒。他們的作品既創新又能帶有俄羅斯傳統的民間舞曲或民謠等文化基礎,融合西方古典音樂創作技巧與和聲,逐漸走出一條嶄新的道路。

柴可夫斯基所成長的環境中,正因為文學與音樂藝術的蓬勃發展,讓他能以不屬於當時任何一個流派之附庸,而以獨特的憂鬱、悲劇色彩,以及優美動人的旋律與和聲,不但在當代廣受注目,也成為俄羅斯作曲家中最為後世流傳,甚至是足以代表俄羅斯後期浪漫樂派翹楚之領導大師。

https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/

 

柴可夫斯基交響曲列表

柴可夫斯基Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893一共寫作七首交響曲,其中有編號的六首,整理年份與調性如下:

交響曲編號順序 標題 調性 完成年份
第1號交響曲 《冬日之夢》 g小調 1866年
第2號交響曲 《小俄羅斯》 c小調 1872年
第3號交響曲 《波蘭》 D大調 1875年
第4號交響曲 f小調 1878年
"曼弗雷德"交響曲 "曼弗雷德"交響曲 b小調 1885年
第5號交響曲 e小調 1888年
第6號交響曲 《悲愴》 b小調 1893年

 

柴可夫斯基 | Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893
柴可夫斯基 | Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893

柴可夫斯基Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893一共寫作七首交響曲,其中有編號的六首,整理如下:

G小調 第1號交響曲《冬日之夢》-1866年
c小調 第2號交響曲《小俄羅斯》-1872年
D大調 第3號交響曲《波蘭》-1875年
f小調 第4號交響曲-1878年
b小調 "曼弗雷德"交響曲(Manfred Symphony)-1885年
e小調 第5號交響曲-1888年
b小調 第6號交響曲《悲愴》-1893年

 

先談文學影響音樂

如果讓我們以文學為例,自古至今有眾多的文學家在詩集或創作中反映出了真實的當代社會狀態:特別在十九世紀中葉至二十世紀期間,寫實主義成了文壇的主流。

除了法國雨果的《悲慘世界》以寫實題材,刻畫出當時生活的困苦與社會各種不公不義現象之外,俄國當時的大文豪們也紛紛以現實題材刻畫出社會困苦與各種現象,例如托爾斯泰的《戰爭與和平》就以歷史小說的方式,刻畫出了1812 年拿破崙入侵俄國的歷史事件,透過小說中敘述三個貴族家庭在戰爭與和平中的酸甜苦辣,藉由人物角色的遭遇,傳達出道德的訴求。

而文學影響音樂創作的例子更是不少:例如貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)以詩人席勒 (Johann Christoph Friedrich von Schiller, 1759-1805)的《快樂頌》譜出了空前絕後的第九號交響曲《合唱》的第四樂章;柴可夫斯基也曾經用了俄羅斯文豪普希金的《尤金‧奧涅金》譜寫出了三幕歌劇,至今仍是重要的歌劇作品。柴可夫斯基的《哈姆雷特》與《羅密歐與茱麗葉》幻想序曲(Fantasy overture after Shakespeare),靈感也都源自於古典文學英國大文豪莎士比亞的《哈姆雷特》與《羅密歐與茱麗葉》悲劇原著劇本。


第五號之前的交響曲

柴可夫斯基的前三首交響曲是帶有標題的,例如第一號交響曲為《冬日之夢》(Winter Daydreams),第二號是《小俄羅斯》(Little Russian),第三號為《波蘭》(Polish),但從第四、五號交響曲便無明確文字指示標題的名稱,而到第六號才又出現標題《悲愴》。

之前筆者寫過→「柴可夫斯基 f小調 第四號交響曲」介紹,有興趣者可以在蹦藝術裡延伸閱讀欣賞~今天則要介紹繼續創作於 1888 年的柴可夫斯基第五號交響曲。

第五號是他晚期創作中相當成功的交響作品,但同時也充滿著憂鬱氣息與哀傷氣氛之黑暗感。會有這樣偏向絕望的音樂風格,可能因為 1887 年時,作曲家遭受到與親人的生離死別,以及失敗的婚姻所帶來的打擊所造成的影響;再加上俄國在 1880 年代嚴酷的政治氣氛下所給人深厚的絕望感,讓一直以來作品就有著濃濃憂鬱氣質的柴可夫斯基,在音樂中也顯現出了人生的無奈與徬徨。

根據柴可夫斯基與梅克夫人(Nadezhda von Meck, 1831-1894)的通信記錄:柴可夫斯基在1887年末至1888年4月之間在歐洲巡迴,這段時間他在柏林、萊比錫、漢堡、布拉格、巴黎、倫敦進行演出,每場演出都受到了觀眾的熱烈歡迎。在歐洲巡迴演出期間,柴可夫斯基也結識了當代許多有名望的作曲家,例如:布拉姆斯、葛利格、德弗札克...等。

柴可夫斯基 | Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893
柴可夫斯基 | Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893

 

第五號開始醞釀

柴可夫斯基寫給梅克夫人的信中,提到第五號交響曲創作的心境:

我從現在起要努力工作一番。我不僅要向別人證明,而且也要向自己證明,我還沒有到了不行的地步。我常常產生這樣的疑慮,我問自己,是不是到了該停筆的時候了?我的想像力是否已經耗盡?創作泉源是否已經枯竭?如果我再活十年二十年,這一天終會到來的... 我怎樣才能知道,這樣的時刻何時會降臨到我頭上呢?現在我決定寫一部新的交響曲。開始寫的時後似乎很不容易,但現在靈感已經來了...

第五號交響曲大約於1888年6月開始寫作,於1888年7月初完成草稿,於8月26日完成全曲管弦樂配器,9月底交予出版商尤根森(Pyotr I. Jürgenson)進行發行。 1888年11月17日於聖彼德堡首演,由柴可夫斯基親自指揮。

而與第四號交響曲的創作與首演時間相比(第四號創作於1877至1878年期間,首演於1878年),第五號一晃眼居然已經是十年之後了...在他寫給贊助人梅克夫人的信中亦曾提到:「我力求令此曲盡善盡美。」

本曲題獻給德國漢堡愛樂協會(Committee of Hamburg Philharmonic Society)的總裁亞威.拉勒蒙(Theodor Avé-Lallement, 1806-1890),不過等到第五號交響曲在漢堡演出時(1889年3月15日),拉勒蒙已經病入膏肓(他後於1890年逝世),所以並不知道這首交響曲題獻給他。


關於首演與後續演出評價

第五號交響曲 演出記錄

演出日期 地點 指揮
1888. 11. 17 首演 - 聖彼德堡愛樂協會
Philharmonic Society
柴可夫斯基
1888. 11. 24 聖彼德堡之俄羅斯音樂協會
Musical Society
柴可夫斯基
1888. 11. 30 布拉格(捷克) 柴可夫斯基
1888. 12. 10-11 莫斯科俄羅斯音樂協會 柴可夫斯基
1889. 03. 15 漢堡演出 柴可夫斯基

 

雖然此交響曲首演時似乎受到了聽眾的喜愛,但是仍有一些樂評非常不滿此交響曲,甚至對曲子裡面出現的華爾滋,充滿了惡意的批評:「交響曲中有三段華爾滋,而且採用最鄙俗的配器效果! 這是否證明,柴可夫斯基先生已經過氣,如今已是一位才盡技窮的作曲家?

 

而一向反對柴可夫斯基的五人組作曲家之一 庫宜(César Cui, 1835~1918),更是批評如下:「柴可夫斯基在他的新交響曲裡不是把音響當作手段,而是當成目的。音樂只不過是託詞罷了,他對音響的興趣大大超過音樂;即便是音響的課題,他也只成功了一半。因此我們雖然經常聽到新的音響效果,新的樂器組合,但聽見的卻是震耳欲聾的銅管壓倒其他樂器的沈重配器。

 

1888年12 月 10 日與 11 日,第五號交響曲又再次由柴可夫斯基在莫斯科指揮演出。

演出過後,柴可夫斯基於 12 月 26 日致信給梅克夫人:「莫斯科的兩場音樂會進行得順利,但卻給我留下了傷心的回憶。我越來越相信,我最近寫的這部交響曲是一部失敗的作品,......它顯得過份複雜、沈重、虛假、冗長,總之很不得人心。除了塔涅耶夫堅持說第五交響曲是我的優秀作之外,所有誠心關懷我的人都對他評價不高...

 

轉捩點 - 成功來臨

1889 年 3 月 15 日,柴可夫斯基指揮第五號交響曲在德國漢堡演出,也獲得了巨大的成功。從團員及所有當地音樂家們友善,以及觀眾的熱情回應,終於證明了他這首第五號交響曲的成功,也讓他終於從一連串的失意中清醒過來。

柴可夫斯基當時從漢堡發出給梅克夫人的信,更是表達出心中的想法:「第五號交響曲演得非常出色,我又開始喜歡他 了,要不我還對它抱有過份不滿的意見呢...

日後柴可夫斯基這部傑作真正享有盛名與實至名歸的世界性榮譽,是在 1895 年以後的事,經由匈牙利指揮家尼基什(A. Nikisch, 1855-1922)在歐洲、美國廣泛的演出,取得在各地轟動性的成功,奠定了此曲卓越的地位。可惜作曲家早已不在人間了,無法得知第五號終於成為人類當代重要的交響作品。


總譜版本欣賞

0:00 First Movement

14:58 Second Movement

28:18 Third Movement

33:48 Fourth Movement

https://www.youtube.com/watch?v=SiVF2i5-sXY

 

柴可夫斯基第五號交響曲一直以來版本眾多,筆者在網路上為大家精選了這個版本(Manfred Honeck指揮 法蘭克福廣播交響樂團現場),一來錄音夠新(2018年3月23日),演奏錄音極佳,加上看得到整場音樂會的音樂會與指揮互動,是非常棒的版本:

https://www.youtube.com/watch?v=a_B02BZp-5Y&t=1024s

影片中的樂章時間分軌(按下樂章即可直接欣賞)

 第1樂章:行板(Andante)-富生氣的快板(Allegro con anima)

I. Andante – Allegro con anima (0:34)  

 

樂團編制

從總譜首頁,我們可以清楚看見本曲樂團編制與數量

 

第一樂章:貫穿全曲的命運主題

柴可夫斯基在第五號交響曲中的"命運思想",顯然來自於 1887 年,與眾多親友之間生離死別的打擊。

1887年,離開將近十年的妻子 安東尼娜‧伊萬諾夫娜‧米留科娃(Antonina Ivanovna Milyukova, 1849-1917)突然又再次出現,並且寫了很多信給他,因此又再次刺痛了柴可夫斯基當年心靈上的瘡疤(當年為了要離開這位妻子,柴可夫斯基在黑夜中於莫斯科的河中企圖自殺...)。

而柴可夫斯基的外甥女—達維多娃,在聖彼得堡貴族會議大廳的舞會上突然暴斃身亡。在夏季,老朋友—康德拉季耶夫在阿恆(Aachen)病危,柴可夫斯基在病榻旁陪伴了許多時日,時時刻刻處於與死神伴隨在身邊的氣氛中...所以可想而知,作曲家無時無刻都感受到了死亡與命運的恐懼感與壓迫感。

 

第一樂章採用了奏鳴曲式,但加入了一段37小節的導奏,並非直接以傳統的第一主題作為開場白;在這段導奏中,A調豎笛所吹奏的主題旋律雖然暗示著命運,但是卻沒有第四號交響曲那樣激烈的壓迫感,然而整個命運主題情感的表達也貫徹到了整個交響曲的所有樂章,所以也成為本交響曲裡一個極重要的中心思想。

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=m6LBl-Anm7Y

 

倫敦愛樂交響樂團製作的「命運主題」影片

https://www.youtube.com/watch?v=d0REIJNCILE

 

第一主題的旋律以 6/8 拍的節奏呈現,由豎笛與低音管八度齊奏奏出,音樂帶著淡淡波蘭舞曲的味道;因而有此一說,這個主題旋律是來自波蘭民謠的曲調。

↑譜例:6/8 拍 第一主題的旋律
↑譜例:6/8 拍 第一主題的旋律

 


而在樂曲激昂的情緒迸發之後,出現的第二主題美妙的旋律,抒情且充滿著歌唱性,還具備了極其幽雅的風格,可以說是柴可夫斯基本人多愁善感的特質與濃烈情感下的產物。

↑譜例:6/8 拍 第二主題的旋律

第二樂章,如歌般的行板,帶著自由風格,採取三段體+尾奏(A-B-A'+Coda)曲式。
↑第2樂章:稍自由的、如歌的行板(Andante cantabile, con alcuna licenza)
↑第2樂章:稍自由的、如歌的行板(Andante cantabile, con alcuna licenza)

首段主題由法國號獨奏娓娓道來真是充滿了濃濃而哀傷的愁緒~這旋律與和聲充滿了感傷之美,但卻也帶著栩栩浪漫的憧憬,也曾被引為電影中配樂。下方是第二樂章之法國號獨奏樂譜,我們可以看見柴可夫斯基畫出許多清晰的音樂詮釋記號,他希望演奏者能夠奏出這段細膩纏綿獨奏之心,不言可喻~也是筆者在此交響曲中的最愛樂段。

 

柴可夫斯基第五號交響曲 第二樂章
法國號獨奏 音樂分享:

https://youtu.be/GP1TxUNS-3g

 

慕提指揮維也納愛樂 第二樂章法國號獨奏 樂段精選
Conductor: Riccardo Muti
Horn: Lars Michael Stransky 
Orchestra: Wiener Philarmoniker

https://youtu.be/jXH5KnwSHK4

 

法國號獨奏過後,接著作曲家又加入一段雙簧管吹奏的動人旋律,並以卡農旋律方式,將雙簧管與法國號兩個樂器之對唱,是非常動人段落,更是精采管弦樂法與配器音樂的展現:

↑柴可夫斯基第五號交響曲第二樂章_法國號與雙簧管 卡農樂段
↑柴可夫斯基第五號交響曲第二樂章_法國號與雙簧管 卡農樂段

 

中段第二主題旋律則以單簧管吹奏,並加入各項樂器進行擴張發展,並在銅管的狂飆中進入高潮。

↑柴可夫斯基第五號交響曲第二樂章_單簧管演奏之第二主題
↑柴可夫斯基第五號交響曲第二樂章_單簧管演奏之第二主題

 

並隨即重回開頭主題,最後,「命運主題」再次現身:

 

第二樂章於柔美的第二主題再次出現後,靜謐地結束於pppp。


第三樂章的音樂為一首美妙的華爾滋舞曲。

第3樂章:圓舞曲:中等的快板(Allegro moderato)
III. Valse. Allegro moderato(29:03)

華爾滋高雅、優美的氣質在柴可夫斯基的筆下,成為了十分令人著迷的樂種~無論是在他的交響曲、芭蕾與各式管弦作品中,只要出現華爾茲,那種柴氏獨到的憂鬱+優雅+抒情,直接就能讓人感受到與眾不同的氣質。

整個樂章大致與第二樂章相同:為三段體+小尾奏。

主題A ,是以華爾滋的第一主題以及第一主題至少六次變化不斷的交織,並搭配伴奏與配器的改變構成;

↑柴可夫斯基第五號交響曲第三樂章_華爾滋第一主題

 

↑柴可夫斯基第五號交響曲第三樂章_華爾滋第一主題變化

 

華爾滋的第一主題副題 A'段,在第56小節由低音管奏出:

↑柴可夫斯基第五號交響曲第三樂章_華爾滋第二主題(低音管solo)

 

而 B 段Trio段落,以快速音群所構成第二主題跳躍演奏,反覆於不同的樂器上,並且透過配器的運用來創作。

↑柴可夫斯基第五號交響曲第三樂章_華爾滋 Trio 中段 第二主題
↑柴可夫斯基第五號交響曲第三樂章_華爾滋 Trio 中段 第二主題

 

整體來說,第三樂章的動機極為精簡扼要,但是其豐富的配器手法所呈現出的音色與改變重音之 Hemiola 效果,都讓人印象深刻~

↑第三樂章最後的命運主題動機與改變重音之 Hemiola 效果
↑第三樂章最後的命運主題動機與改變重音之 Hemiola 效果

 

最後樂曲以全團 ff 的音量齊奏,歡樂喜慶地的結束第三樂章,令聽者目不暇給。


第四樂章:莊嚴的行板-甚快的快板(Andante maestoso-Allegro vivace)
E大調, 4/4拍 - 2/2 拍,奏鳴曲式(呈示-發展-再現-尾奏)

IV. 第4樂章:終曲:莊嚴的行板(Andante maestoso)—活潑的快板(Allegro vivace)—更活潑(Molto vivace)—中板甚為莊嚴的中板(Moderato assai e molto maestoso)—急板(Presto)

Finale. Andante maestoso – Allegro vivace – Moderato assai e molto maestoso – Presto(34:36

第四樂章開頭即出現第一樂章之命運主題動機作為序奏。

↑第四樂章開頭即出現第一樂章之命運主題動機作為序奏
↑第四樂章開頭即出現第一樂章之命運主題動機作為序奏

 

但此命運主題動機在導奏中使用了象徵明亮的大調,比較起第一樂章的小調,同樣的奏鳴曲式卻呈現出兩種不同的情感。

這像極了貝多芬在第五號交響曲中,以彷彿代表命運來敲門的小調主題,經過不斷地進化之後,最終以大調於最後樂章呈現。柴可夫斯基也在本交響曲中,展現出藉由大小調對比的與命運對抗之巨大勇氣。

 

呈示部正式以第一主題開始,此主題充滿了果敢亮麗的氣質,旋律是來自於俄羅斯的民間舞曲,強勁的弦樂與強而有力的管樂演奏,帶給人無比振奮的心情。


 

第一主題樂句到達高潮後,馬上展開新的副題與對題旋律,新的副題旋律出現在雙簧管:

 

第128小節開始,木管群演奏出第二主題:

 

發展部中,大量運用到第一主題的旋律作為主要素材,同時搭配銅管樂器分解和弦的使用,再藉由弦樂快速音群與銅管組強而有力的演奏力度,維持了音樂中那種與命運對抗的堅毅心情。

 

再現部則以第一主題帶入,同時以新的對旋律同時發展,比起第一主題更加激動,可視為累積了更多的能量來對抗命運,而整個再現樂段中,融合了所有的主題旋律與副題、對題旋律的要素,也出現了美妙的伴奏語法、卡農與對位追逐等多樣管弦語法,實在可說精采紛呈。

 

 

從第472小節(Moderato assai e molto maestoso)開始,木管群開始奏出三連音音型;第 474 小節開始,弦樂以大調再次演奏出命運主題,命運主題就在弦樂寬廣的(largamente) 演奏中,就像是勝利之頌歌般被演奏出來,而銅管全群之小號與法國號則擔任了勝利的號角聲與主題旋律作呼應。木管樂器則持續演奏三連音的伴奏旋律音型,維持固定穩定之節奏感。

 

承接著第474小節開始之命運主題的旋律繼續發展,第482小節(段落Z)開始,由木管與弦樂共同齊奏旋律,此時的低音管與低音大提琴以先前472小節的木管三連音節奏動機概念,變化出新的分解和弦三連音伴奏,低音管第一部也加入演奏命運主題。

 

尾奏段落莊嚴的進行曲風中做出燦爛輝煌的結束樂段,似乎象徵著迎接成功的心情,第546小節開始,小號演奏出第一樂章的第一主題變形樂句,力度達到四個f(ffff),再由法國號銜接演奏,一路狂放奔馳,柴可夫斯基以命運主題動機變化,讓銅管主導樂團奏出勝利的凱歌,樂曲結束在激烈、整齊劃一的極大聲力度(ffff)中,畫下美妙而強烈的終結。

第546小節開始,小號演奏出強力ffff之第一樂章的第一主題變形樂句,並由法國號接續演奏
第546小節開始,小號演奏出強力ffff之第一樂章的第一主題變形樂句,並由法國號接續演奏

寫在欣賞後

第五號交響曲特色:

除了命運主題貫穿四樂章的設定之外,本交響曲的創作特色大致以下幾個特點:

  • 1. 優美的主題旋律經不同樂器的交替出現,各樂器在配器之音色調和極富美感,營造聽覺上豐富的色彩。
  • 2. 大量地使用動機模進與主題穿插,製造出更多的層次與張力。
  • 3. 連綿不絕的樂句與細膩的音量變化,充分顯示出柴可夫斯基優異的旋律創作能力與多愁善感的情緒。
  • 4. 大量使用弦樂的撥奏,並有效地與木管與銅管樂器呼應。
  • 5. 強烈的銅管齊奏在音樂發展之強烈情緒時表現出俄羅斯豪放的風格。
  • 6. 即使在單純的動機發展中,依然維持了一貫濃烈的情感,展現出成熟的創作技法。

 

Vasily Petrenko Chief Conductor

Designate of the Oslo Philharmonic.

0:42 first movement

14:55 second movement

27:38 third movement

32:55 fourth movement

https://www.youtube.com/watch?v=JUk0WZVCnk4

 

柴可夫斯基延伸閱讀:

 


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:獵劇本高手、獵旋律高手、獵豔高手」:普契尼生平與他的音樂

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Bonart Public welfare lecture - Puccini

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在全世界十大上演率最高歌劇裡,#普契尼 就佔了三齣。

他筆下細膩的愛情與詠嘆,流淌下無盡的哀愁——從《#托斯卡》淒美的真實、《#波希米亞人》藝術靈魂的雋永,到《#蝴蝶夫人》深情等待的不悔…

2024年適逢普契尼逝世一百週年,是極其重要的年份;在這場演講中,蹦藝術理事長林仁斌老師,將以獨家精彩資料與影音欣賞,將帶領您深入了解作曲家的創作精髓與音樂人生...

這將是一場您不容錯過的精彩音樂主題演講~🕺💃

🎧「豐富人生 X 音樂天地」第244場

🤵🏻 主講|林仁斌 (旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長)

🎫 講題|獵劇本高手.獵旋律高手.獵艷高手 義大利寫實歌劇主義作曲家-普契尼精彩的音樂人生

📆活動時間|2024年7月10日(三)晚上19:00-21:00

🏢 活動地點|上海銀行大樓2樓演藝廳(臺北市中山區民權東路一段2號)


主講人:林仁斌老師

 

【2024.7.10. 活動照片】


作曲家 普契尼

 

普契尼 寫實歌劇頂峰

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

義大利歌劇大師 普契尼Giacomo Puccini, 1858-1924)是眾所公認的音樂史歌劇大師。寫實主義歌劇到他手中,完全昇華至令人聲淚俱下、肝腸寸斷的境界;而他所譜寫出的美妙旋律,更是聽過難忘,巧妙地與歌劇劇情與角色緊緊相扣,深植於全球歌劇音樂愛好者的心中。

蝴蝶夫人(Madama Butterfly)是 普契尼 歌劇三大名作之一,另外兩部作品是是 波希米亞人La Boheme)和 托斯卡Tosca)。

喜愛普契尼作品的人,並不會只聽這三部歌劇;不過在聽過其他普氏的歌劇之後,您也一定夠明白這三部為何總是獨佔鰲頭,甚至是全球歌劇上演率最高的前幾名。


普契尼  歌劇創作年表

 

 

這十二部歌劇...

女主角就S了 九個...XD

 

影音欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=a5lYyMNxR4Q


義大利歌劇兩大巨擘

威爾第 V.S. 普契尼

 

兩人珍貴的同框合照❤️

 

美聲主義 V.S. 寫實主義

先從威爾第的歌劇之路談起

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/giuseppe-verdi/

 

普契尼的音樂人生

 

賈科莫·普契尼於 1858 年 12 月 22 日出生於托斯卡尼的盧卡,普契尼是音樂家族的小孩,在過去一個多世紀以來,普契尼家族幾乎壟斷了這座城市的音樂生活。

 

普契尼出生於Lucca

 

向普契尼致敬

- 2024年8月攝於義大利 Lucca,普契尼出生之故居廣場。(背後磚紅色三樓即為普契尼出生地,現為普契尼博物館)

 

在他的父親米歇爾(Michele)於1864 年英年早逝前(普契尼未滿六歲,父親早逝),普契尼也開始接受他的音樂基礎訓練。

 

普契尼兒時的玩樂之地,現在也都以紀念碑標示出

 

1868年普契尼轉到作曲班,老師是卡洛·安傑羅尼(Carlo Angeloni),於是他最初的音樂創作作品就在盧卡誕生,包括了他於1880年創作的畢業作品《四聲部彌撒》。

 

米蘭的音樂歲月與第一部正式創作

在1880年至1883年間,普契尼就讀於米蘭音樂學院,師從安東尼奧·巴齊尼(Antonio Bazzini)和阿米爾卡雷·龐基耶利(Amilcare Ponchielli)。

 

普契尼時期的米蘭音樂學院照片

 

普契尼的畢業作品《Capriccio Sinfonico 》(9'37"起

https://youtu.be/bpYAntNU-V8?t=577

 

與歌劇《波希米亞人》開頭序奏比較(2'13"起

https://youtu.be/H_1OtRt0_ho?t=134


BBC製作之普契尼紀錄片(1996)

https://www.youtube.com/watch?v=bpYAntNU-V8&t=3s

 

這時候的普契尼決心成為一位作曲家,而不是音樂教師或演奏者,因此在音樂學院期末考後,也立即開始他的歌劇創作。

他嘗試以首部歌劇《Le Villi》投稿松佐尼奧獨幕歌劇比賽(Sonzogno Competition for one-act operas),但可惜未能成功。

 

寫作首部歌劇《Le Villi》時的普契尼

 

1884年,普契尼在朋友們的幫助下,成功舉行了歌劇《Le Villi》的首演;也因為這個機會,當時義大利最重要的音樂出版商:朱利奧·里可第(Giulio Ricordi)第一次注意到普契尼這位年輕新秀作曲家。

於是歌劇《Le Villi》幸運地獲得出版,里可第還委託普契尼創作下一部歌劇《埃德加》。

 

改變普契尼命運的音樂出版商朱利奧·里可第(Giulio Ricordi),也是威爾第的重要合作出版者,首創版稅制度,造福作曲家,改變了作曲家「一次性作曲酬勞」的悲慘命運

 

筆者註:普契尼於1924年去世後,留下了一大筆財產和版稅。前述提到普契尼深厚的大量遺產與版稅,每年均由其遺族領取至1974年(智慧財產權50年保護年限)為止,後在1980年開始,由於普契尼的兒子Antonio過世已久,Simonetta Puccini與其他聲稱具有普契尼血緣繼承人開啟了一場法律訴訟(估計普契尼財產,經過多年版稅分配下來累積達到6億里拉,折合當時美金匯率大約3600萬),西蒙內塔被證明確實是安東尼奧的女兒,因此獲得她祖父普契尼遺產的三分之一所有權。

 

雖然普契尼非常用心創作第二部歌劇,但由於時長與演奏難度,非常遺憾地,1889 年的首演失敗了。

在這個時期,普契尼愛上了朋友之妻:埃維拉(Elvira Bonturi),兩人轟轟烈烈地戀愛,導致埃維拉為了普契尼,於1886年拋棄了自己的丈夫跟普契尼私奔。

 

兩人一直處在無法合法的婚姻關係中,直到1904 年,埃維拉的第一任丈夫去世後,兩人之關係才合法化,普契尼與兒子安東尼奧(Antonio)也終於成為合法父子關係,此時兒子已年滿17歲了。

 

普契尼與兒子安東尼奧合影,照片拍攝於1910年

Giacomo Puccini and his son Antonio, 1910

 

在普契尼與埃維拉共同生活的最初幾年,家庭經濟困難,他們只能四處租屋維生,甚至有時兩人得分開住在不同親戚或不同朋友的家中,過得非常拮据。

 

迎向首次創作成功

終於,普契尼迎來了他的第三部歌劇《瑪儂.雷斯考》(Manon Lescaut,1893)的演出成功,首嚐成功滋味的普契尼,終於能夠為自己和家人創造堅實的經濟基礎。愛吃的普契尼,據說拿到版稅之後,第一件事情就是去常常賒帳的餐廳,付清了所有的欠款,並點了一頓大餐犒賞自己,也算是正式告別過去貧窮的人生。

 

延伸閱讀

衛武營年度歌劇旗艦:普契尼歌劇《瑪儂.雷斯考》

 

帕華洛帝 1991年英國倫敦海德公園現場 Live'

⟨不曾見過這樣的美人⟩(Donna non vidi mai)

~選自《瑪儂・雷斯考》(Manon Lescaut)

https://www.youtube.com/watch?v=TJgrHQGjvzc

 

花絮:雖然倫敦旁陀大雨中,但大家自發性地放下雨傘,就為了讓每個人都能目睹欣賞最棒的現場音樂會。而帕華洛帝在演唱此曲之前,特別說出曲名:⟨不曾見過這樣的美人⟩(Donna non vidi mai),並將此曲獻給黛安娜王妃~(揪感心❤️)(紀錄片1:07:30)

https://www.youtube.com/watch?v=P6SvPpmoizo

 

三年後,1896年,普契尼藉著《波西米亞人》,繼續取得了更大的成功,並獲得國際間的高度讚譽。

 

1977年帕華洛帝大都會歌劇版《波西米亞人》欣賞(23'00"起

 

藉著作曲與演出版稅,他獲得了豐厚的收入,他選擇在距離盧卡幾公里的托雷德爾拉戈(Torre del Largo)和基亞特里(Chiatri)購買了兩棟獨棟房屋,並將它們改造成兩座鄉村別墅,直到普契尼去世為止,他仍保留房屋所有權。

除此之外,1903年普契尼還在博斯科倫戈阿貝託內(Boscolungo Abetone)擁有一棟度假別墅,為了方便進行歌劇各項事宜,他也在米蘭租了一間相當大的公寓。

1903年普契尼拍攝於博斯科倫戈阿貝託內(Boscolungo Abetone)的度度假別墅前

 

走向國際

接下來的兩部歌劇作品《托斯卡》(Tosca,1900)與《蝴蝶夫人》(Madam Butterfly,1904)雖然在第一時間未獲得成功,都是首演後才受到肯定,但普契尼逐漸累積聲望與財富,一步步地,他成為了20世紀初,在世最富有、最著名的作曲家(威爾第於1901年過世於米蘭)。

國外各大歌劇院,幾乎都在他仍活著的時期(1924年前),演出過普契尼幾乎完整的作品集(1905年在布宜諾斯艾利斯和倫敦,1906年在布達佩斯和倫敦,1907年在紐約,1908年在巴黎...等)。

其實,普契尼的作品當時能在首演後,立即開始規劃國際巡演,這都要歸功於出版商 Casa Ricordi 的高瞻遠矚與有效的推廣活動(也就是樂譜商兼經紀人)。

例如,《瑪儂·雷斯考》最初在義大利首演,但後續的國際演出規劃非常豐富:1893 年在特倫托(Trento, 當時屬奧地利); 德國漢堡,1893 年; 匈牙利布達佩斯,1895 年; 英國倫敦,1895 年; 阿根廷布宜諾斯艾利斯,1905 年; 西班牙蒙得維的亞,1905 年; 法國尼斯,1906 年; 美國紐約,1907 年法國巴黎,1910 年 美國紐約。

幾乎這些演出,普契尼都在場出席,一方面參加彩排,以確保高品質的表演,二方面普契尼的聲勢也越來越高。

以1910年在盧卡當地的期刊所記載,普契尼的歌劇受到的歡迎有多誇張呢?

我們來看看演出場數的數據:

在澳洲的巡演過程,《蝴蝶夫人》上演了 110 場,《波西米亞人》上演了 100 場。 短短六個月內,《波希米亞人》已在 111 家劇院上演; 105個劇場的《蝴蝶夫人》; 《托斯卡》在北美洲與南美洲、歐洲、非洲和亞洲國家等共 98 家戲院上映,《瑪儂·雷斯考》則在 14 家戲院上映。

 

1910年,普契尼的歌劇首次在國外舉行世界首演:他的歌劇《西部女郎》在紐約首演,引起了轟動。也在同年,他在紐約布魯克林大橋上留下這張照片:

Giacomo Puccini on the Brooklyn Bridge in New York, 1910

 

1913 年,普契尼接到維也納一家出版社的高薪任命,要寫一部輕歌劇:於是他創作了下一部歌劇《燕子》(La rondine,1917 年),但由於當時歐洲處於第一次世界大戰爆發的國際危機,舞台演出遭受了重大困難和各項延誤,演出失敗。

普契尼非常厭惡戰爭,晚年的他幾乎大部分時間都在托雷德爾拉戈過著隱居生活,打獵也獵豔,享受著人生。

接下來他的三聯劇於一戰結束後不久在紐約首演,但作曲家沒有到場。

普契尼直到1919年才出國再次回到倫敦,並於1920年再次回到倫敦,參加三聯劇的英國首演,並在維也納參加《燕子》和三聯劇的首次德語演出。

他的作品持續性地受到歡迎,無論是歌手、觀眾或劇院,對於普契尼的喜愛與日俱增,普契尼的名氣和國際名聲,讓他被譽為義大利最偉大的歌劇作曲家。

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/madama-butterfly-by-giacomo-puccini/

 

 

對現代科技的鍾情

普契尼熱愛打獵,科技與時尚。

他在汽車發明的年代,便愛上了這項新穎的交通工具,他在1902 年購買了第一輛汽車,隨後又陸續購買了十幾輛汽車,可以說是位車癡。

 

車癡照片集

 

UNSPECIFIED - SEPTEMBER 13: Giacomo Puccini (1858-1924) and his wife in a car in Lucca. Torre Del Lago Puccini, Museo Villa Puccini (Puccini'S House) (Photo by DeAgostini/Getty Images)

 

 

 

然後這位車癡,也很愛獵豔XD

 


【八卦時間】

電影《普契尼的秘密情人》

大師都有秘密情人,唯有普契尼的最具爭議!在慾望的港灣,追逐乍現靈光北風蕭瑟,時值托斯卡尼的凜冽寒冬,當普契尼在湖畔別墅創作《西部女郎》之際,其夫人怒控女傭和他通姦,卻沒想到,迎來的竟是一場無法逆料的結局!當時埋首新作的普契尼,常被湖畔酒館傳來的女侍歌聲所吸引,閒時上門放鬆,激盪創作靈感。偶爾他會瞞著老婆,提筆寫信給名為「西碧」的女人,並私下與女傭朵莉亞互動頻繁。一天,忠心服侍大師的朵莉亞,猛然撞見普契尼的繼女芙絲嘉大搞婚外情;懼怕秘密曝光的芙絲嘉,此時發現女傭和繼父間的關係曖昧,遂煽動母親艾維拉,欲將朵莉亞除之而後快。不安於普契尼的多情,艾維拉暗中跟監、捕風捉影,一口咬定朵莉亞和她先生偷情,於是狀告教堂,將朵莉亞羞辱至體無完膚!傷心欲絕的朵莉亞,連祈禱也成多餘。卑微的她,在淚水的洗禮下,最終真能找到救贖?(文字取自官網介紹)


地產大亨作曲家

對房屋也有的極大熱情的他,除了上面提到幾個不同住所別墅之外,在1919年,他也買下了(Torre della Tagliata)的別墅,晚年他該住於此。

筆者與普契尼雕像 拍攝於 Torre della Tagliata 的別墅門口

 

 

除了開車,他也愛開船到湖邊兜風與享受打獵時光

 

因為普契尼有長期抽菸的習慣,1923年底經常感覺到持續慢性的喉嚨痛,後來被診斷出罹患喉癌。

義大利的醫生建議他前往比利時布魯塞爾進行當時最新的實驗性放射治療。

但畢竟當時就醫缺乏評估,許多人也不曉得癌症與各種併發症的可能性

在接受手術治療之後,普契尼死於治療後所引發的併發症(因為在手術後無法控制流血狀況導致心肌梗死),日期為1924年11月29日。

很快的,普契尼的死訊傳回了義大利,當時他的《波希米亞人》仍然在羅馬上演著。

1926年,普契尼埋葬在米蘭,後來兒子將他的遺體移至托瑞德拉古普契尼別墅的禮拜堂內,回歸他居住了30年最愛之處。

 

遺作.《杜蘭朵》

 

歌劇創作

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

1920年時普契尼著手開始創作歌劇「杜蘭朵公主」,1924年秋天,普契尼因為長年喉部不適,經常感到喉嚨疼痛以及聲音沙啞而前往佛羅倫斯治療,檢查出罹患了喉癌,在當時根治此症的惟一方法只有動手術將癌細胞切除。 11月初普契尼由兒子陪同一起到比利時首都布魯塞爾動手術,手術進行相當順利,普契尼看似已渡過難關,但術後第二天卻因流血不止導致心臟病發,延至於1924年11月29日逝世,享年66歲。

普契尼留下了「杜蘭朵」的最後一幕未能完成,只寫到第三幕「柳兒自盡」。

後來由他的學生弗朗哥‧阿法諾(Franco Alfano, 1876 – 1954)將歌劇終曲補述完成。

 1926年4月26日,這部歌劇遺作由普契尼生前好友托斯卡尼尼(Arturo Toscanini, 1867 – 1957))於米蘭拉斯卡拉大劇院指揮首演,此時普契尼已去世一年半,杜蘭朵的大獲成功,也為普契尼的一生劃下一個輝煌燦爛的句點。

據說首演之日,托斯卡尼尼只指揮到「柳兒之死」,也就是普契尼完成的最後部分,托斯卡尼尼停止管弦樂隊的演奏,然後轉身對觀眾說:「大師在這裡放下了他的筆」,並停止了首演。

普契尼一生共留下十二部歌劇作品,全都與愛情有關,被公認是繼威爾第(Giuseppe Verdi, 1813 – 1901)之後最偉大的義大利歌劇作曲家。

在歌劇中,普契尼為求顯著東方色彩,更採用了中國民歌茉莉花〉的曲調,更使音樂充滿東方風情。

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/all-about-puccini-turandot/

 

歌劇裡欣賞不到的版本

猜得到為什麼嗎?

Anna Netrebko – Turandot: “Tu, che di gel sei cinta” – Puccini

 

歌詞翻譯(林仁斌翻譯)

義大利文歌詞 中文歌詞
TURANDOT: Chi pose tanta forza nel tuo cuore?

LIÙ: Principessa, l'amore!

T.: L'amore?Liù affronta la glaciale principessa con quest'

Tu che di gel sei cinta
da tanta fiamma vinta
L'amerai anche tu!
Prima di quest'aurora
io chiudo stanca gli occhi
perché egli vinca ancora...
egli vinca ancora...
per non, per non vederlo più!
Prima di quest'aurora, di quest'aurora
io chiudo stanca gli occhi
per non vederlo più!

杜蘭朵:誰在你心裡注入如此大的力量?

柳:公主,是愛情!

杜蘭朵:愛?柳兒用這樣的神情面對冰冷的公主:

被層層冰霜包圍的你
一旦被如此多的火焰征服
你也會愛上他的!
在這黎明之前
我會閉上疲憊的雙眼
這樣他仍然可以獲勝
他或許還能贏…
不再,不再見到他!
在這黎明之前,在這黎明之前
我會閉上這疲憊的雙眼
再也見不到他了!

 

普契尼與他的史坦威鋼琴

 

普契尼本人演奏鋼琴的帥勁

戴帽、翹腳、迷人的眼神跟隨手捻來的迷人旋律與和聲,普契尼展現十足男性魅力

https://www.youtube.com/watch?v=J9YI-Ei3z5w

 

https://www.youtube.com/watch?v=PPcn-HdjfP8

 

普契尼簽名送給女高音 Rose Ader 的照片 

 


普契尼博物館官方網站


普契尼博物館 - 也是他的出生地 Lucca。

賈科莫·普契尼於1858 年12 月22 日出生於此。他在此與他的姐妹、兄弟和父母一起長大,並開起了他的音樂學習之路,在青年時期創作了他的第一部作品。之後他離開家庭赴米蘭繼續學業,進一步地追尋對歌劇的理想與邁向職業之路。

之後為了彌補經濟上的困難,普契尼(Giacomo Puccini)的家族住宅曾被出售,但在歌劇《瑪儂.雷斯考》(Manon Lescaut)的演出成功之後買回,也一直是普契尼家族的財產,最終再成為盧卡基金會(Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca)的資產,也是現今普契尼基金會的管理單位。

而今,這裡妥善保存著這位音樂家的家具、文件、樂譜和珍貴物品,包括他曾經使用過史坦威鋼琴,他用這架鋼琴創作了許多作品,包括了遺作《杜蘭朵公主》。

在鄰近的奇塔德拉廣場(Piazza Cittadella),遊客可以欣賞到普契尼的青銅紀念雕像,這也是盧卡工業家協會(Association of Lucca)於1994年捐贈給Lucca市,由藝術家維托·湯賈尼(Vito Tongiani)製作的雕刻作品。

 

城堡廣場旁還設有普契尼博物館書店,是博物館售票處,也有許多普契尼出版品、樂譜、各式紀念品、明信片、CD、DVD等等。

https://www.youtube.com/watch?v=SzRwcAod8ws

 

大師過世後

普契尼去世後,生前財產均傳給了兒子安東尼奧(妻子埃維拉擁有使用權)。

安東尼奧去世(1946 年)後,再傳給了他的妻子麗塔·戴爾安娜(Rita Dell'Anna) 。

在1974 年,盧卡市採取了一系列舉措,1973 年賈科莫·普契尼基金會的成立,麗塔·戴爾安娜捐贈了普契尼於Lucca出生之家,並將其改造成博物館。

博物館由賈科莫·普契尼基金會(Fondazione Giacomo Puccini)重新裝修,當時配有麗塔·戴爾安娜和後來她的兄弟利維奧(Livio)分別捐贈的家俱、繪畫、普契尼文件與生前紀念品等,並於1979 年10 月28 日落成。

此後,普契尼博物館便正式開放。直到 2004 年秋天,賈科莫·普契尼基金會再次啟動了一項全面修復計畫,其中包括要重新裝修博物館,最終目標是希望恢復普契尼房間的所有原始佈局並恢復牆壁的裝飾。

隨著法院判決將普契尼財產及其所含藏品的所有權授予西蒙內塔·普契尼Simonetta Puccini,是普契尼之子Antonio的非婚生女兒),全面修復計畫工作被迫中斷(2006 年初)。

2010 年底,Fondazione Cassa di Risparmio di Lucca 從 Simonetta Puccini 處購買了普契尼出生房產與收藏品,並將博物館委託給賈科莫·普契尼基金會(Simonetta Puccini於2005年成立Simonetta Puccini基金會),才得以重新完成先前已中斷的工作和裝修。

2011 年 9 月 13 日,出生地博物館重新對外開放至今。

 

Simonetta Puccini(照片左)與帕華洛帝

 

博物館空間規劃與位置圖

 

筆者實際於博物館內,與普契尼當年寫作杜蘭朵公主,欣賞《茉莉花》民謠之留聲機合照

 

 

歌劇《杜蘭朵公主》精美的首演戲服

 

 

 

 

 

離開前,與館方工作人員合照

 

定居托雷德拉戈(Torre del Lago)30年

普契尼在 Torre del Lago 這裡生活了30年。

1891 年,33 歲的普契尼來到距離故鄉 Lucca 僅半小時車程的托雷德拉戈(Torre del Lago),就是為了尋找一處風景如畫且安靜的地方,能讓他專心作曲,享受靜謐;

當第一次來到這湖畔小鎮,他立即被美麗湖泊與村莊氛圍所吸引,房屋倒映在馬薩丘科利河(Massaciuccoli river)的時而清澈靛藍,時而神秘灰藍的河水中,相映成趣~

普契尼買下了原本為當地瞭望塔的建築,並經歷好幾年的溝通與相建造與當地的溝通(與貴族溝通使用權、蓋別墅、造馬路、建花園...等等)

托雷德拉戈有美麗的景緻、充足的日照、涼爽的松林、陽光燦爛的海灘、永遠安靜的湖泊,還有那最純粹的大自然,都讓普契尼愛極了此處

普契尼找到/完成了他心中的伊甸園~這裡能滿足他最愛的兩大嗜好:音樂和狩獵

 

人生精華30年都居住於此的普契尼,也在此陸續完成最重要的歌劇創作:包括《波希米亞人》(1896)於建造別墅期間完成,《托斯卡》(1900)、《蝴蝶夫人》(1904)、《黃金西部女郎》(1910 )、《燕子》(1917)和《外套》(1918)等等...(1921年起他搬至 Viareggio,至1924年去世為止)

托雷德拉戈所有居民更以普契尼曾長居於此為榮,全村村民投票將本地正式更名為「托雷德爾拉戈普契尼」(Torre del Lago Puccini),足見所有居民們對於普契尼的熱愛與尊敬~

 

在他位於湖邊的別墅裡,他寫下了他的20世紀歌劇主要歌劇作品,包括《托斯卡》(1900)、《蝴蝶夫人》(1904)、《西部女郎》(1910)、 《燕子》(1917)與三聯劇:《大衣》、《修女安潔麗卡》、《強尼·斯基基》(1918)

湖邊露天歌劇院就離普契尼家不遠,每年皆以普契尼之國際歌劇製作致敬這位偉大的作曲家,也為 Torre del Lago 在每年夏季帶來遊人如織的盛況。 

 

 

 

 

 

 

 

 


義大利最盛大.也是全球最大的普契尼音樂節

普契尼晚年居住城市 Torre del Largo,每年舉辦普契尼音樂節,今年2024年,是普契尼的逝世百週年,也是音樂節第70週年

網址:https://www.puccinifestival.it/en/


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【BON音樂】2025.01.10. 伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜 導聆

【BON音樂】2025.01.10. 伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜 導聆

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


今天介紹的主題,是蹦藝術執行長林仁斌老師將於2025年1月10日(五)於國家音樂廳導聆的《 伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜》音樂會樂曲解說

 

音樂會詳細資訊:

💎 力晶2025藝文饗宴 💎

伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜

Powerchip 2025 Classic Series-Ottensamer and Gavrylyuk in Concert

📅時間:2025.01.10 (五) 19:30
📌地點:臺北 國家音樂廳
🏆藝術家 Artists
☆指揮:安德烈斯.奧登薩默 (Andreas Ottensamer
☆鋼琴:亞歷山大.伽佛利佑克 (Alexander Gavrylyuk Piano News)
☆國立臺灣交響樂團 (National Taiwan Symphony Orchestra)

⚜️樂團指揮:單簧管家族公子 #柏林愛樂首席 #樂壇指揮新勢力

安德烈斯.奧登薩默 (Andreas Ottensamer)

來自歐洲的超人氣單簧管演奏家安德烈斯.奧登薩默 (Andreas Ottensamer),以其獨特的音樂才能和多才多藝的表現,贏得觀眾和評論家的讚賞。近年,他以指揮身份活躍於樂壇,今年夏季更帶領巴塞爾室內樂團巡演瑞士、德國、日本和中國。

2016年,奧登薩默在新象的邀請下首次來台演出。這段緣分可追溯至2013年,當時他成為首位與德意志留聲機公司(Deutsche Grammophon)簽訂獨家錄音合約的單簧管演奏家,並發行專輯《Portraits》。新象藝術總監樊曼儂,即台灣長笛教母「樊老師」,對安德烈斯.奧登薩默的音樂生涯充滿信心,並促成本次指揮首演的邀請。他的哥哥丹尼爾(Daniel Ottensamer)是維也納愛樂的單簧管首席,安德烈斯則是柏林愛樂的首席,兄弟倆各自耀眼於樂壇。

⚜️ 指揮家搖籃尼姆.賈維獎—首獎

奧登薩默從單簧管首席轉型為指揮,付出熱忱與努力,展現出堅定的毅力。2021年,他獲得「尼姆.賈維獎」(Neeme Järvi)首獎🏆,這是國際樂壇培育新一代指揮家的重要獎項,成為他音樂生涯的里程碑。他憑藉多年在柏林愛樂的經驗,迅速適應指揮角色,並獲得樂壇的肯定。

⚜️ 展開指揮家生涯 事業新版圖
近期,他與諸多著名樂團合作,包括首爾KBS交響樂團、萊比錫MDR交響樂團等。2022年12月,他參與里卡多.穆提(Riccardo Muti)大師的威爾第《安魂曲》製作,2023年3月再度合作製作《假面舞會》。

在2023/24樂季,奧登薩默首次指揮NHK 交響樂團、首爾愛樂樂團等,並計劃在2024/25樂季與薩爾斯堡莫札特音樂週等多個樂團合作。


鋼琴家🎹伽佛利佑克:#時間藝術魔法師

Alexander Gavrylyuk
Photo: Marco Borggreve

文.#林仁斌(台灣蹦藝術協會理事長)

已經造訪過台灣並廣受讚譽的「三冠王」🎹鋼琴家伽佛利佑克,目前在歐洲青壯世代中,是最具感染力、無懈可擊的鋼琴家,而他的演奏充滿音樂詮釋巧妙時間感之魅力,更是一絕!

⚜️ 精彩資歷.傲立全球
讓我們先閱讀伽佛利佑克的簡歷:1984年生於烏克蘭,七歲習琴,九歲首度登台。1999年在基輔舉行的第三屆霍洛維茲國際鋼琴大賽中贏得第一名;2000年,16歲時在日本參加濱松國際鋼琴大賽,在16至32歲的全體參賽者中,獲得首獎,更被日本評論家譽為「二十世紀末最傑出的16歲鋼琴家」。2005年,更在魯賓斯坦國際鋼琴大賽榮獲冠軍暨最佳協奏曲演奏獎。

⚜️ 大賽彈法.情感強烈且富有深度
為何世人偏愛欣賞大賽冠軍?因為「能克服巨大壓力並戰勝舞台」,本身就是一件非常具有魅力的事情;加上要在大賽中脫穎而出,無論技術強度、音樂表達與舞台風範,均需通過國際專業評審群認可,難度之高,只要您學過音樂,參加過大賽就知道。

⚜️ 以詮釋被譽為🎹世界最艱難鋼琴協奏曲🎹拉赫曼尼諾夫第三號協奏曲為例,伽佛利佑克除了將作品中深沉的憂鬱、激昂的熱情以及對生活的感悟等複雜情感,透過精湛細膩的技巧淋漓盡致地傳達出來,更在樂句間展露出不可思議的歌唱美感與彈性速度時間差,讓聽眾與超技幾無距離,沉浸其中之餘更感受到強烈的情感衝擊。

🎬 推薦聆賞:Youtube | https://pse.is/6sudlp
伽佛利佑克於2017年於逍遙音樂節,與BBC蘇格蘭交響樂團(BBC Scottish Symphony Orchestra)合作演出 Rachmaninoff Piano Concerto No. 3 in D minor。

⚜️ 全面而輝煌.精細而燦爛
2024年正式進入「四十而不惑」的伽佛利佑克,演奏曲目包含從巴洛克到現代,擅長以細膩詮釋鋼琴的音色,透過輕柔的觸鍵,創造出柔和、溫暖且富有詩意的音色,而演奏一些熱烈激昂的快板樂章時,又能透過有力的觸鍵和巧妙的踏板運用,產生明亮、輝煌且具有張力的音色,使得音樂層次更具表現力和震撼力,向世人證明他不斷進化的演奏能力。

⚜️ 本次訪台,伽佛利佑克將同場挑戰兩首截然不同風格之鋼琴協奏曲:蓋希文《藍色狂想曲》與柴科夫斯基 《第一號鋼琴協奏曲》,更是讓我倍感期待~因為我對於伽佛利佑克演奏俄系作品一向深具信心,這次有機會欣賞「雙協奏曲」,而且是具有爵士風格的蓋西文,怎能讓人不興奮呢?


🎶演出曲目 Programme🎶

柴科夫斯基 《第一號鋼琴協奏曲》

Pyotr Tchaikovsky: Piano Concerto No. 1 in B minor, Op. 23

蓋希文《藍色狂想曲》

George Gershwin: Rhapsody in Blue

中場休息

蕭斯塔科維契 《第五號交響曲》

Dmitri Shostakovich: Symphony No. 5 in D minor, Op. 47

 

單場雙協奏曲:鋼琴家伽佛利佑克的達人炫技秀
文. 林仁斌 蹦藝術 | BONART協會理事長

本次「伽佛利佑克與奧登薩默鋼琴雙協奏曲之夜」,除了奧登薩默將指揮壓軸的蕭士塔高維契第五號交響曲(下一篇將另撰專文解說)之外,最大的亮點就是同場音樂會的雙協奏曲:蓋希文《藍色狂想曲》與柴科夫斯基 《第一號鋼琴協奏曲》了~

⚜️美國爵士.鋼琴協奏代表作

《藍色狂想曲》可說是具有典型美國風格,旋律極其動聽且富有感染力,更是古典樂與爵士樂完美融合的代表作品:

蓋希文成長於豐富黑人音樂文化的紐約,這些20年代與30年代的爵士音樂獨特韻味深深打動了他,因此憑藉著出色的旋律感與藍調和聲,蓋希文成為了受到高度注目的作曲家;而他在乘坐火車旅途中所聽到了火車的汽笛聲、車輪與鐵軌的摩擦聲以及沿途的各種嘈雜聲音,反而在蓋希文的腦中交織成了獨特的節奏和旋律,成為創作的重要靈感來源。

出色的鋼琴獨奏技法與幽默的藍調旋律與管弦色彩,更讓《藍色狂想曲》獨一無二,開創新局,是一首充滿獨特魅力的時代名曲~

⚜️不可能演奏的超高難度.柴一鋼協

柴科夫斯基 《第一號鋼琴協奏曲》創作於1874 年~這年作曲家34 歲,已經完成了兩首交響曲,並在音樂創作上有了越來越豐富之經驗。在創作這首協奏曲時,柴科夫斯基曾針對內容與好友俄羅斯著名鋼琴家尼可萊・魯賓斯坦交流樂曲想法;但魯賓斯坦試奏後,卻給出了極嚴厲的批評,認為此曲難度太高,缺乏獨創性且不適合於鋼琴演奏。但堅信此曲藝術價值之柴科夫斯基則改將作品題獻給了德國指揮家漢斯・馮・畢羅,並由畢羅於美國波士頓音樂廳舉行首演而獲得成功,則更開創柴科夫斯基於美國的首次演出成功與新局。
今日,第一號鋼琴協奏曲,以其濃烈的俄羅斯風格與鋼琴艱深演奏技巧與文化內涵,在當代已然成為每位鋼琴家必彈的作品,更是伽佛利佑克的戰馬級名曲。

一場音樂會,盡賞兩種鋼琴協奏風情,您不可不聽~

 

🎵力晶美學藝堂 演前導聆🎵

講題:世紀交鋒~從柴科夫斯基到蕭斯塔科維契

主講:林仁斌/台灣蹦藝術協會理事長
時間: 18:30-19:15

地點:國家音樂廳大廳(18:20一號門 開放入場)

 

音樂會導聆人

蹦藝術網站執行長 林仁斌老師簡介

 

會後補充音樂會現場與導聆照片

 


45分鐘音樂會求生指南

音樂會概念解說:
柴科夫斯基:享譽全球最知名鋼琴協奏曲
蓋西文:美國爵士樂與古典融合最知名樂曲
蕭斯塔科維契:一曲雙關.亂世管弦名作

 

樂曲解說

降B小調第一號鋼琴協奏曲

創作年份:1874年

「俄國不順,美國走紅」是柴可夫斯基這首最偉大的鋼琴協奏曲的最佳寫照。

柴科夫斯基 《第一號鋼琴協奏曲》創作於1874 年~這年作曲家34 歲,已經完成了兩首交響曲,並在音樂創作上有了越來越豐富之經驗。

鋼琴演奏必也非常出色的柴可夫斯基,在1874年創作出這首協奏曲,在創作這首協奏曲時,柴科夫斯基曾針對內容與好友俄羅斯著名鋼琴家尼可萊・魯賓斯坦交流樂曲想法;但魯賓斯坦試奏後,卻給出了極嚴厲的批評,認為此曲難度太高,「無法演奏」,缺乏獨創性且不適合於鋼琴演奏。

原本預計提獻給好友尼可萊‧魯賓斯坦,但卻遭到這位鋼琴家/作曲家無情的奚落柴可夫斯基,堅持其創作不應修改並將協奏曲改為提獻給德國指揮家漢斯•馮•畢羅,並由畢羅在隔年把這首協奏曲帶到美國波士頓音樂廳舉行首演而獲得成功,則更開創柴科夫斯基於美國的首次演出成功與新局。

此曲的大獲成功,終於讓尼可萊•魯賓斯坦理解其藝術價值,後來亦公開演奏。

 

今日,柴可夫斯基第一號鋼琴協奏曲,以其濃烈的俄羅斯風格與鋼琴艱深演奏技巧與文化內涵,在當代已然成為每位鋼琴家必彈的作品,更是伽佛利佑克的戰馬級名曲。

 

關於修改版本

柴可夫斯基一共對第一號鋼琴協奏曲進行了三次修改,除了1875的初版,1879的二版之外,最後一次修改是在 1888 年,也就現行最常演奏版本。

原始版本和最終版本之間最顯著的區別之一是:在開頭部分,管弦樂團主題的鋼琴演奏的和弦,最初以琶音寫作。

1874年12月,柴可夫斯基也曾為此曲編寫雙鋼琴版本,後也於1888年再次修訂雙鋼琴版。

 

1875年版本

https://www.youtube.com/watch?v=8pqvCIFJS2E

 

 

1888年版本

00:00 前奏 I. Allegro non troppo e molto maestoso

04:36 第一主題 Allegro con spirito

6:21 第二主題Poco meno mosso

8:30 奔騰豪邁之主題

12:33  柔美動人之鋼琴與樂團交織主題

16:25 進 Cadenza

20:15 尾聲


21:42 II. Andantino semplice

24:20 與樂團對唱

25:34 Prestissimo

27:38 Tempo I

29:31 III. Allegro con fuoco

35:17 Molto meno mosso

35:53 Allegro vivo

https://www.youtube.com/watch?v=AE3f-EUjNcw

 

三樂章簡介

第一樂章:不甚快的快板(Allegro non troppo)

降B小調,奏鳴曲式。

協奏曲開始的前奏,壯闊與旋律即令人印象深刻。在4把法國號奏出四個下行主題並反覆三次後,弦樂在獨奏鋼琴強而有力和絃伴奏下,奏出了世人最熟悉的莊嚴隆重第一主題。(00:00

04:36 第一段落結束,轉為 精神抖擻的快板(Allegro con spirito)

而第二主題(6:21速度轉慢(Poco meno mosso)以降A大調出現於單簧管,鋼琴隨後並加以反覆。

8:30 奔騰豪邁之主題

12:33  柔美動人之鋼琴與樂團交織主題

發展部出現,第一主題並加入全新音型,與鋼琴形成變化;全曲段落分明,旋律十分具有歌唱性,並帶著甜美無比之感。

進入第一樂章裝飾奏(Cadenza)(16:25

第一樂章尾聲段落(20:12

 

第二樂章:純樸的行板(Andante semplice)

A-B-A 三段體

第二樂章的行板主題由長笛以bD大調獨奏奏出,帶著濃濃的牧歌風格,一聽難忘。(21:42

接下來旋律由鋼琴接替並傳遞給大提琴與雙簧管。整個第一段落充滿歌唱風格。中庸的速度和單純的風格。第二段落突然氣氛一轉,速度轉為最急板,並帶著隨想曲般風格,令人印象深刻。(25:34

第三段落在此鋼琴奏出行板主題,並加上顫音與裝飾性之變奏,非常具有特色(27:38

 

第三樂章:熱烈的快板 (Allegro con fuoco)

bB小調,迴旋曲式。

在4小節前奏之,鋼琴以bB小調奏出第一次迴旋主題,接著小提琴回到降D大調,奏出具有對比性的抒情主題,前後兩個主題之對比,形成了精彩的對話。(29:31

 

B主題柴可夫斯基採用了延伸於烏克蘭歌舞曲《Podoydi, podoydy vo Tsar-Goro》之旋律,聽起來非常具有歌謠感,也與活潑節奏化的第一主題具有明顯對比。(30:42

進入C主題,則有個多精彩技法展現:包含了附點節奏與鋼琴華麗獨奏。

尾聲段落,逐漸音樂累積更熱烈的情緒,柴可夫斯基也再次採用了烏克蘭歌舞曲《Podoydi, podoydy vo Tsar-Goro》,音樂逐漸發展為火熱的節奏與旋律,結束在極度的狂熱之中。(34:25


美國爵士.鋼琴協奏代表作

蓋希文《藍色狂想曲》(Rhapsody in Blue)

Gershwin in playing the piano
Gershwin in playing the piano

 

《藍色狂想曲》可說是具有典型美國風格,旋律極其動聽且富有感染力,更是古典樂與爵士樂完美融合的代表作品:

蓋西文成長於豐富黑人音樂文化的紐約,這些20年代與30年代的爵士音樂獨特韻味深深打動了他,因此憑藉著出色的旋律感與藍調和聲,蓋西文成為了受到高度注目的作曲家;而他在乘坐火車旅途中所聽到了火車的汽笛聲、車輪與鐵軌的摩擦聲以及沿途的各種嘈雜聲音,反而在蓋西文的腦中交織成了獨特的節奏和旋律,成為創作的重要靈感來源。

出色的鋼琴獨奏技法與幽默的藍調旋律與管弦色彩,更讓《藍色狂想曲》獨一無二,開創新局,是一首充滿獨特魅力的時代名曲~

讓我們一起繼續認識這首樂曲:

 

 

知名的樂曲前奏 | 單簧管獨奏



《藍色狂想曲》樂曲開頭非常知名,維基百科上說其經典地位已經可以與貝多芬「命運」交響曲之動機比美。

這段由樂團中的單簧管演奏者,在演奏低音顫音後,以吹嘴控制角度與氣壓,搭配手指滑音演奏出毫無縫隙的高難度滑音技巧,讓樂曲開頭充滿了浪漫美麗的爵士氣氛。讓我們一起來欣賞這段前奏:

https://www.youtube.com/watch?v=Ya4y4xJ6OxA

 

創作背景

《藍色狂想曲》完成於 1924 年,是當時有「爵士樂之王」(King of Jazz)之稱的美國爵士樂樂團資深領班 保羅‧懷特曼(Paul

Whiteman, 1890-1967)委託蓋希文為他的樂團所創作。

 

下方照片裡 左為蓋希文,右為保羅‧懷特曼:

照片裡左為蓋希文,右為保羅‧懷特曼
照片裡左為 蓋希文,右為 保羅‧懷特曼

 

保羅.懷特曼年紀大蓋西文 8歲,在爵士樂界名聲響叮噹,他熱愛爵士音樂,一直想向世人介紹爵士樂的偉大之處。因此他籌備了一場名為「什麼是美國音樂?」的大型音樂會,因此他委託蓋希文為此音樂會創作鋼琴與樂團之大型作品。

海報都做出來了,但蓋西文卻不知道自己即將作曲/演出/發表!?

 

 

蓋希文在當時因為忙於舞台劇《可愛的小鬼》(Sweet Little Devil)首演,經常需要搭火車旅行往返於波士頓和紐約之間(兩城市之距離大約 350公里)。雖然時間緊迫且演出壓力大,但蓋希文仍然利用時間,在交通往返的時間裡靈光乍現,譜出了這首足以代表待時美國爵士文化興盛的代作之作:《藍色狂想曲》。

 

滿滿創意與旋律,天才洋溢的蓋希文,其實不闇古典音樂的管弦樂法語配器,因此他尋求創作作曲家葛羅菲(Ferde Grofé, 1892-1972)的協助,才順利完成全曲的配器與最終完美結果。

 

下方照片四位大人物,由左至右為:葛羅菲、作曲家 蓋希文(彈琴者)、音樂經理人 Samuel “Roxy” Rothafel, 與爵士樂團領班保羅‧懷特曼。

George Gershwin at the piano. Left to right: Ferde Grofé, Samuel “Roxy” Rothafel, and Paul Whiteman
照片中由左至右為:葛羅菲、蓋希文(彈琴者)、音樂經理人Samuel “Roxy” Rothafel, 與作曲家 保羅‧懷特曼

 

在手稿的首頁中,我們可以看到蓋西文的親筆簽名,並在《藍色狂想曲》主標題下,寫下「For Jazz Band and Piano」的樂曲編制,這也是原本為保羅.懷特曼樂團(23人大編制爵士樂團)所寫的原始樂曲編制。

 

後來此曲改為交響樂團的版本,則是在 1946年由葛羅菲(Ferde Grofé)再行改編,成為了歷來代表美國爵士音樂裡,最受歡迎也最為經典的曲目之一,蓋希文也因為此曲而名聲永留爵士樂最重要的作曲家之一。

Songwriter George Gershwin (1898 - 1937) at a piano. (Photo by Evening Standard/Getty Images)

 

曲名由來

據說此曲在創作階段,蓋希文稱之為《美國幻想曲》(American Rhapsody)。《藍色狂想曲》之名其實是由作曲家的哥哥艾拉蓋西文(Ira Gershwin, 1896-1983)在參觀完畫家惠斯勒(James McNeill Whistler, 1834-1903)的畫展之後所提出的想法。

 

喬治.蓋希文(左)與哥哥-艾拉.蓋希文(右)

George and Ira Gershwin
George and Ira Gershwin

 

1925年的蓋希文照片,帥氣英挺,才華洋溢,日進斗金,是人人稱羨的爵士樂手與作曲家。

1925年 作曲家蓋希文
1925年 作曲家蓋希文

 

關於首演

《藍色狂想曲》於 1924 年 2 月 12 日,紐約市艾奧利安音樂廳(Aeolian Hall),由保羅.懷特曼指揮他的擴大 23人編制「皇家宮廷管弦樂團」(Palais Royal Orchestra) 首演。

當天音樂會中有許多當代音樂界知名人士出席,有:拉赫曼尼諾夫(Sergey Vasilyevich Rakhmaninov, 1873-1943)、史特拉汶斯基、郭多夫斯基(Leopold Godowsky, 1870-1938)、史托柯夫斯基(Leopold Stokowski, 1882-1977)、小提琴名家 海菲茲(Jascha Heifetz, 1901-1987)與師兄 艾爾曼(Mischa Elman,1891-1967)、克萊斯勒(Fritz Kreisler, 1875-1962)與「進行曲之王」約翰.菲利浦.蘇沙(John Philip Sousa, 1854-1932)等,可說是冠蓋雲集,熱鬧非常。

《藍色狂想曲》當時演出大獲成功,獲得全場觀眾們的熱烈掌聲。

 

1924年經典歷史錄音

此份錄音為1924年6月10日,蓋希文本人擔任鋼琴獨奏,保羅.懷特曼指揮爵士樂團所錄製的78轉唱片。

最特別的是樂團豎笛手Ross Gorman將前奏以玩笑似的方式演奏,但蓋希文聽過之後非常喜歡,於是就將這樣的技法記錄下來,更成為今日的經典開頭樂句。

https://youtu.be/Ng8QDwkKZsU

 

演出後成功的報紙樂評

演出後,5月 5日的「國家報」(The Nation),刊登有關《藍色狂想曲》首演之成功報導。


樂曲主題與和聲分析

https://www.youtube.com/watch?v=PSr2vnXecCM

 

《藍色狂想曲》各段落主題

曲式:「混合自由曲式(法語:pot-pourri

 

筆者最愛的旋律段落(11:25起)

https://youtu.be/rvX8-eTRu8c?t=685

 

 

原始爵士大樂團配器版本

Lola Astanova 與 All-Star Orchestra,由Gerard Schwarz指揮版本( 2016年 艾美獎獲獎)

https://www.youtube.com/watch?v=Fpsku1TwQ7E


蕭士塔科維契:第五交響曲

政治風暴.思想譴責

 

蕭士塔科維契創作第五交響曲,正是蘇聯政府面臨極其複雜嚴峻的政治年代:

始於 1936 年,在 1937 年達到白熱化的政治大清洗運動,統治者史達林(Joseph Stalin, 1879-1953)為鞏固權力,消除潛在的政治對手,發動了大規模的鎮壓反革命和階級敵人的行動:大量的政府官員、黨員、軍事將領等被以莫須有的罪名逮捕、審訊、處決或流放,因創作不符合當時蘇聯官方的審美標準和意識形態要求,家蕭士塔科維契同樣遭受到批判並被質疑思想。

史達林(Joseph Stalin, 1879-1953)

 

虛與委蛇.粉飾太平

在這種高壓緊張情況下,蕭士塔科維契創作第五號交響曲有著特殊的意圖:一方面,他希望透過這首交響曲「表忠」,向外界表達自己的創作態度和立場,正面回應對他的批判,以求得在政治與生活上的生存空間;另一方面,他也試圖在藝術創作與上級政治要求之間尋找平衡,在作品中融入自己對生活、對社會的真實感受和思考。

 

作曲家對抗極權主義之內心宣言

第五號交響曲從仿佛在訴說著人民所承受的苦難和壓力的中板進行曲開始(0:10),時而激昂奮進,似在表現民眾內心的掙扎和反抗精神,時而陷入沉思與憂鬱,反映出當時社會的複雜和人民內心的矛盾。

即使旋律出現,依然哀傷(0:36

https://www.youtube.com/watch?v=L__jruvYuCg

 

對比而抒情的第二主題段落,同樣具有情列的諷刺感(4:15

第一樂章發展部(7:09

第一樂章再現部(10:30

第一樂章尾聲(13:23

 

第二樂章

具有諷刺性的第二樂章舞曲風格,看似輕快愉悅,但其中隱含著一種不安和怪異的感覺,仿佛是對當時虛偽的社會現象的一種嘲諷。

Second Movement Scherzo- ABA, Minuet & Trio, Ternary,

14:56 A (minuet/scherzo)

16:38 B (Trio)

18:00 A (minuet/scherzo recap)

 

第三樂章

而情感最深刻的第三樂章,以弦樂為主,奏出悠揚卻悲傷的旋律,如泣如訴,表達了對政治犧牲者的哀悼和對苦難的感嘆;音樂旋律婉轉曲折,情感深沉而真摯,時如細語呢喃,又如悲憤的呼喊,深刻地反映了人們在苦難中的精神狀態和情感世界。

20:04 A Theme

22:29 B Theme

23:15 motives

24:51 C Theme

25:25 motives

 

第四樂章

作為終曲的第四樂章,雖標示為不太快的快板,且為 大調,以激昂的鼓點和明亮的號角聲開啟,看似展現出一種勇往直前的精神和對未來的希望,仿佛在鼓舞著人們掙脫困境,走向光明,我們卻在音樂中能聽見隱伏於其中的不和諧音,明確地感受到蕭士塔科維契在內心中與極權主義對抗的決心。

33:15 Primary Exposition Theme

35:19 Secondary Exposition Theme

37:33 Development

39:50 Recapitulation

42:02 尾聲

 

第五交響曲作為蕭士塔科維契最常被演出的交響曲之一,能讓觀眾們感受到極權主義之陰森,又能聽見作曲家在內心與之對抗的決心,是一首極具聆賞深度的作品,期待指揮家安德烈斯.奧登薩默指揮NTSO所展現出的音樂詮釋~

 

導聆結束前.讓我們會心一笑吧~XD

 

祝福大家音樂會欣賞愉快.擁有美好的一天


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮(三)第四號交響曲

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮(三)第四號交響曲

All about Tchaikovsky and his symphonies -3

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系列|俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮

「俄羅斯憂鬱旋律天王」~柴可夫斯基,是大眾最喜愛的代表性音樂家,更將是2025年衛武營「瘋迷24」主題人物!在這柴可夫斯基交響曲系列課程中,將帶領大家深入他的全套六大交響曲,一次聽懂古典樂。

  • 課程內容

  • 第一堂柴可夫斯基與他的交響曲第一號交響曲《冬之夢》

柴可夫斯基一生中僅創作六首交響曲,這首完成於1868年,仍在莫斯科音樂院任教時期的第一首交響曲,已經展現出作曲家不凡的手筆~本堂課林仁斌老師將為大家梳理柴可夫斯基一生的交響曲創作歷程,並介紹他的第一首交響曲作品:《冬之夢》。

  • 第二堂|第二、三號交響曲《小俄羅斯》與《波蘭》

第二、三號交響曲分別創作於1872年1875年,均屬於作曲家之前半段創作期,除了展現青年時期的柴可夫斯基豐沛創意之外,共同之處為此時喜愛引用俄羅斯民謠曲調作為交響曲旋律來源~本堂課林仁斌老師將為大家介紹這兩首動聽的交響作品。

  • 第三堂|第四號交響曲

第四號交響曲創作於1877年5月至1878年1月間,柴可夫斯基此時已經由梅克夫人贊助,成為自由工作創作者,也正式邁入交響曲創作之黃金期,本堂課林仁斌老師將為大家深入介紹此曲之「命運動機」與精彩內容,讓您感受到作曲家深刻之思想與樂曲架構。

  • 第四堂|第五號交響曲

寫作於1888年5月至8月期間的第五號交響曲,不但旋律動聽,更是各大樂團巡迴時的愛用曲目,宏大的架構與首尾呼應的命運主題,還有那心醉動人的慢板樂章,都是此曲最迷人之處。本堂課且聽林仁斌老師為您娓娓道來,絕對入坑。

  • 第五堂|第六號交響曲《悲愴》

《悲愴》創作於1893年2月至8月間,最離奇的事件為首演之後九天,柴可夫斯基猝逝,真正原因始終為謎,更添此曲《悲愴》意涵。林仁斌老師將為您充分解析本首交響曲每一個樂章之創作特色與內容架構,作為本系列課程之完美總結。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


作曲家:柴可夫斯基

 

延伸閱讀

柴可夫斯基 生平簡介(整理於網路資源)

十九世紀的俄羅斯政治動盪不安,但在藝文領域卻在彼得大帝倡導的西化之下,逐漸開花結果:以第一代西化作曲家葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka, 1804-1857)及其追隨者「俄國五人組」(The Five)所領導表的俄羅斯國民樂派,在強烈民族意識與自由主義的趨使下,讓音樂創作有了新的方向並開始綻放光芒。他們的作品既創新又能帶有俄羅斯傳統的民間舞曲或民謠等文化基礎,融合西方古典音樂創作技巧與和聲,逐漸走出一條嶄新的道路。

柴可夫斯基所成長的環境中,正因為文學與音樂藝術的蓬勃發展,讓他能以不屬於當時任何一個流派之附庸,而以獨特的憂鬱、悲劇色彩,以及優美動人的旋律與和聲,不但在當代廣受注目,也成為俄羅斯作曲家中最為後世流傳,甚至是足以代表俄羅斯後期浪漫樂派翹楚之領導大師。

https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/

 

柴可夫斯基交響曲列表

柴可夫斯基Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893一共寫作七首交響曲,其中有編號的六首,整理年份與調性如下:

交響曲編號順序 標題 調性 完成年份
第1號交響曲 《冬日之夢》 g小調 1866年
第2號交響曲 《小俄羅斯》 c小調 1872年
第3號交響曲 《波蘭》 D大調 1875年
第4號交響曲 f小調 1878年
"曼弗雷德"交響曲 "曼弗雷德"交響曲 b小調 1885年
第5號交響曲 e小調 1888年
第6號交響曲 《悲愴》 b小調 1893年

 

關於第四號交響曲的創作背景

《柴可夫斯基第四號交響曲》創作於 1877 年至 1878 年間。

當時,柴可夫斯基的個人生活和創作生涯都處於重大的轉折時期。

先從個人生活方面談起

婚姻的挫折:1877 年,柴可夫斯基草率地與一位自稱是他學生的年輕女子,名叫安東尼娜・米柳科娃結婚。然而,婚後他發現妻子在個人及夫妻生活上都令他厭惡,不到三個月,他在企圖跳河自殺後逃離了妻子,這段短暫而痛苦的婚姻使他在精神上遭受了極大的打擊,身心俱疲,甚至一度精神錯亂。

梅克夫人的支持:在柴可夫斯基陷入困境之時,他與梅克夫人展開了一段不同尋常的友誼。梅克夫人是一位鐵路大亨的遺孀,也是12個孩子的母親,家境富足。經尼可拉・魯賓斯坦介紹,她與柴可夫斯基相識,並開始了對柴可夫斯基長達十三年的資助與支持。她每天都會寫一至二封信給柴可夫斯基,柴可夫斯基也勤快地回信,兩人之間建立了深厚的情感聯繫。梅克夫人的支持使柴可夫斯基得以脫離繁重的教學工作,專心投入到創作中去,柴可夫斯基也將第四號交響曲題獻給了梅克夫人。

在創作期間,柴可夫斯基也將第四號交響曲,與梅克夫人互稱為「我們的交響曲」

 

延伸閱讀

柴科夫斯基的資助者——梅克夫人

一八七六年十二月的一個夜裡,莫斯科音樂學院院長尼古拉.魯賓斯坦(Nikolai Grigorevich Rubinstein)坐在客廳中的大鋼琴前,雖然壁爐中的柴火驅盡了莫斯科嚴冬的歲寒,他還是為接下來的時刻心懷忐忑:這裡的主人會不會喜歡自己帶來的《暴風雨》(The Tempest)呢?

他唯一的聽眾,宅子的主人──梅克夫人(Nadazha Filaretovna von Meck)此時正悄悄的獨坐在熄了燈的鄰室裡,細聆尼古拉的魔指在鍵盤上起舞,此時她不但沉浸在迷人的樂音中,更期待著大師最後一個漂亮的觸鍵,引領她在最後一個小節結束之際,霍然而起,一面奔向琴聲的出處,一面焦急的問道:「這首曲子是誰寫的啊?為什麼比我聽過的所有交響樂都有光彩?又為什麼比其它曲子都要切合我的心意呢?」

院長尼古拉深知柴科夫斯基的才華和經濟上的困難,不斷介紹「貴人」給他,包括後來柴氏作品最大的出版商尤根森(Piotr Ivanovich Jurgenson);也是尼古拉,在一八七六年歲末的冬夜裡,將影響作曲家後半生最劇的資助者-梅克夫人,帶進了柴氏的生命之中。







▲ 梅克夫人

仁慈的彼得.伊里奇先生:請讓我向你表示衷心的謝意,為的是你迅速的執行了我的委託,至於你的作品如何使我陷入狂喜,這是不必告訴你,也不適宜於告訴你的。

_   ──梅克夫人致柴科夫斯基信,一八七六年十二月三十日。_

梅克夫人生於一八三一年,十七歲時嫁給拉脫維亞貴族出身的梅克先生,但這位貴族只是一個在政府單位供職的普通工程師,除了薪資不夠支持家裡妻子加上十幾個孩子的開銷之外,梅克夫人與柴科夫斯基一樣受不了丈夫作為公務員的生活,她寫道:「做公務員就要忘掉他自己是個理性的存在、忘掉他自己有意志力和可敬的本能,而必須變成一個傀儡」,所以她勸丈夫毅然辭職,並協助他發展工程事業,終於成為俄國的鐵路大亨。

除了與柴科夫斯基一樣勇於破斧沉舟的追求自己的目標之外,梅克夫人也與柴科夫斯基一樣害羞、一樣愛獨處,自從丈夫去世,這位富孀就只與家人深居簡出,平日裡誰也不見,尼古拉.魯賓斯坦是她少之又少的入幕之賓,她曾經告訴柴科夫斯基:「我向你挑戰,看我們兩個人當中哪一個的害羞故事多一點,我想我一定是贏的」。也因此,這段長達十三年,以大量書信、樂譜、加上一些照片編織而成的特殊情緣,一開始就在「不會見面」的前提下依託於魚雁了。

即便如此,這兩個害羞又有幾分相似的靈魂卻在書信與樂音中一拍即合,信首的稱謂很快省去了「仁慈的彼得.伊里奇」之類的客套話,而代之以「親愛的納捷妲.菲拉列托夫娜」(梅克夫人的名字),友情在筆端進展神速,到一八七七年五月時,柴科夫斯基在信中寫道:「我現在忙於寫第四首交響樂,這部曲子我非常想獻給你,因為我知道你在它裡面一定能發現你內心的感情與思想的回聲。」也是在同一封信中,他向梅克夫人表示不希望每次接到信時,裡面總有一份委託創作的報酬,但他身負債務又是事實,所以希望能一次借得三千盧布,好讓他從眾多債主中解脫,而他可以用改編或作曲償還梅克夫人這唯一的金主。梅克夫人接到信後不但沒有因為對方「獅子大開口」而心生不悅,反而還因為得到親愛密友的坦誠與信賴相當高興,從此她每年固定提供柴科夫斯基六千盧布,也讓作曲家擺脫了捉襟見肘的生活。









▲ 柴科夫斯基與安東妮娜

就在兩人的關係日趨緊密時,柴科夫斯基卻遇到了一生中唯一一次,可以稱之為災難的短暫婚姻,有位自稱是莫斯科音樂學院他班上學生的安東妮娜小姐(Antonina Ivanovna Milyukova)瘋狂的寫信給他,不斷在信中以「撲到你身上吻你」這樣的話語向他瘋狂表白,甚至以死相挾。

雖說柴科夫斯基對安東妮娜本無感情,但此時他正在創作他最著名的一齣歌劇──根據普希金小說寫成的《葉夫根尼.奧涅金》(Evgeny Ornegin,即西方慣稱之尤金.奧涅金),戲裡的主人翁奧涅金是個玩世不恭的紈絝子弟,他冷酷拒絕了真心愛他的塔提亞娜,直到多年後塔提亞娜已為人妻,奧涅金才猛然發現自己錯了,但此時塔提亞娜只能婉拒這份遲來的愛情,使奧涅金徒留悔恨。

劇中這位溫柔樸實、內向敏感的塔提亞娜正是作曲家心中俄國女性的典範,甚至是他自己性格相當程度的翻版,入戲很深的柴科夫斯基不想讓自己成為另一個奧涅金,在安東妮娜不斷的紙片攻勢下,他終於前去登門拜訪,並很快的結了婚。

可是這段婚姻不久就演變成可怕的悲劇,原來不斷宣稱自己多麼仰慕老師的這位「音樂院學生」,竟然連一個音符都識不得,更遑論欣賞音樂家的作品與才華了,這下子反而換成他走進莫斯科河裡尋死,被人救起後,只能逃往已出嫁的妹妹在卡門卡(Kamenka)的家,再轉往高加索地區及瑞士的克拉倫斯(Clarens)療養,而由尼古拉、尤根森和自己的兄弟們去處理離婚的事了。

「如果我死了,原稿送交梅克夫人」

_   ──柴科夫斯基致梅克夫人信,一八七七年十二月。_

有賴梅克夫人的年金所助,作曲家由弟弟莫德斯特陪同,遠走歐洲療養,不過他對第四號,也就是其稱之為「我們的交響曲」的那部作品卻未有放鬆,甚至在快要支持不下去時,還在譜上留下了上面信中所述的那張紙條。一八七七年底(格里曆已是一八七八年一月上旬)終於在義大利將之完成,曲譜封面寫著「獻給我最好的朋友」。

梅克夫人抱病前往聆聽由尼古拉在當年二月指揮的首演,樂音又一次深深震撼了她的心靈,雖然柴科夫斯基沒有多久後就離開了莫斯科的教職,可是他的身影非但沒有從梅克夫人的生活中消失,反而還更形具體,不久後的一八七八年五月,他便短暫前往梅克夫人在伯萊羅夫(Brailov)的莊園小住。當年底,梅克夫人邀請他到佛羅倫斯,為他在離自己別墅不遠處準備了舒適的公寓,還細心的在裡頭擺上刊有柴科夫斯基相關報導的雜誌與報紙,並留下字條:「我是多麼快活啊,我的神,你到了這裡,……知道你住在哪一幢屋裡,能和你欣賞相同的景色、和你感受相同的氣溫,這是一種表現不出的快樂」。

此後除了妹妹在卡門卡的家,柴可夫斯基固定落腳之處,總是梅克夫人的莊園所在。一八七八年八月,這兩位害羞的好友甚而不小心在伯萊羅夫通往樹林的路上打了個照面,在兩輛馬車上四眼對望,兩人都不知所措,只能慌忙行禮而去。

雖然兩人過從甚密,時時書信往返不斷,不過柴科夫斯基一點也沒有「玩情喪志」,更多不朽之作都接連誕生。約於第四號交響曲首演同時,在克拉倫斯寫成的小提琴協奏曲,遭到與第一號鋼琴協奏曲一樣的命運,原本受題獻的小提琴家奧爾(Leopold Auer)批評此曲根本無法演奏,不過也同樣的有那麼一位知音,也就是此曲後來所題獻的布羅斯基(Adolf Brodsky)到處演出推廣,使其名聞遐邇;一八八零年為莫斯科博覽會而寫的《一八一二序曲》雖被柴氏視為沒有價值的應酬之作,今日卻是他的熱門曲目之一;一八八二年,在「我們的交響曲」問世四年後,第五首交響曲也相繼寫成。一八八七年到一八八九年,他還舉起指揮棒,擔當起自己一向非常不擅的指揮工作,在歐洲巡迴了兩次,讓西方樂壇見識到了「俄羅斯的音樂」,也結識了歐洲樂壇上許多重要的音樂家。

別忘記我,有時也得想起我

_    ──梅克夫人致柴科夫斯基的最後一信,一八九○年九月。_

在一八九○年舉行完音樂會的歸途中,老柴突然收到了梅克夫人的最後一信,裡面說她因瀕臨破產,無法再資助他,從此斷了音訊。但老柴又怎麼可能只是「有時」想起她呢?當他終於回到莫斯科時,卻發現梅克夫人的產業都未變賣,令他覺得:自己難道只是被玩膩而一腳踢開了嗎?他寫了好幾封信,但都得不到老友的回音,只能悻悻然的離去,而此時梅克夫人已經因肺病纏綿病榻,連筆都提不起了,這份相思也只能成為永遠的懸念。

此後柴科夫斯基一反常態的到處旅行演出,一八九一年到美國,一八九二年他搬到最後的居所──現為柴科夫斯基紀念館的克林故居,接著又是歐洲巡迴,莫德斯特後來回憶道:「我的哥哥已經不屬於他自己了,一種無可抗拒的力量似乎已經占有了他,……驅使他的那種神秘力量是一種深沉的、不可解釋的焦慮,那是一種絕望的心情……。」

但在這萬分絕望中,老柴卻在一八九三年二月寫信給自己最親近的,也是繼梅克夫人後成為他傾訴對象的外甥-其妹之子鮑伯(Vladimir Livovich Davidov,小名Bob),說自己已經開始寫那首打算獻給鮑伯的交響樂。作曲時老柴又如以往那樣的入戲了,曾不只一次的淚滿衣衫。雖然大綱很快成型,並作出第一樂章,但曲子整體的進度卻很緩慢,直到八月下旬才告完成。十月十六日(格里曆二十八日)老柴親自指揮自己最滿意的這部新作在聖彼得堡首演。

次日早晨他為曲子的標題頗為躊躇,光有第六這個編號似乎不夠,也不好寫成他一開始所想的「有標題的交響曲」,莫德斯特則提議用「悲劇」一詞,作曲家搖了搖頭,隨後踱出房間的莫德斯特此時忽然轉頭叫道:「悲愴」(Pathétique)吧!」

就是它了,悲愴。

《悲愴》問世後九天,彼得.伊里奇便成了這個標題的主角,在聖彼得堡莫德斯特的寓所中驟逝,只在世上逗留了短短的五十三年。

兩個月後,納捷妲.菲拉列托夫娜(梅克夫人)也在一八九四年初告別了人間。

接著談柴可夫斯基此時的創作生涯瓶頸與突破

身為作曲家聲譽的持續增長:

在創作《第四號交響曲》之前,柴可夫斯基以芭蕾舞劇《天鵝湖》、第二弦樂四重奏和交響詩《黎密尼的法蘭契斯卡》(Francesca da Rimini,是柴可夫斯基依據但丁《神曲》〈地獄篇〉中的一段愛情故事而寫成的幻想交響詩),的首次演出,進一步鞏固了他日益增長的聲譽。

但在與梅克夫人的信中,他也提到對當時的音樂創作趨勢產生不滿,他在信中批評當時的音樂,只追求外在的美感及新奇的效果,而忽略了音樂的內在情感;因此,他致力於使自己的作品恢復更具古典風格的形式。

最後是情感的表達需求。

柴可夫斯基在經歷了婚姻生活不順遂的波折後,內心情感極為複雜:既有痛苦、彷徨,又有對未來生活幸福的渴望和對美好生活的嚮往。他試圖透過音樂創作來表達自己的這些情感,以及對人生、命運的思考。

於是,《第四號交響曲》應運而生,作品中充滿了他對自身經歷和情感的深刻感悟。

 

《第四號交響曲》= 命運交響曲!

貫穿全曲之「命運動機」,與貝多芬《命運》創作方式相互輝映

關於每個樂章的樂曲解說,幸而柴可夫斯基在與梅克夫人的通信中,曾詳細為她解說每個樂章的創作想像與內容,因此,筆者強烈建議大家欣賞時,務必參考柴可夫斯基本人的解說,方能原汁原味地理解他的想法。

 

第一樂章

「這就是命運。命運的力量要妨礙想達成目的而趨向幸福的衝動。這是充滿嫉妒心,監視不讓幸福與平安佈滿天空的力量,就像達摩克利斯之劍一般懸掛在頭頂上,而且絕不移動,經常欺虐靈魂的命運的力量。」—柴可夫斯基致梅克夫人信

 

第一樂章:強大的黑暗命運來襲

奏鳴曲式,序奏為持續的行板,f 小調,6/8 拍。

全曲的核心 「命運的主題」 出現在第一樂章序奏。

序奏:由法國號、+低音管吹奏,而後由小號、長號奏出代表無情命運的號聲,威嚴而沉重,奠定了整個樂章乃至全曲的悲劇色彩和緊張氛圍,預示著命運的不可抗拒。

那命運的暗黑與壓迫感,真的非常強大...

https://www.youtube.com/watch?v=pgVju1KZSuY

 

樂章第一主題由弦樂奏出,充滿苦惱的情緒,接著又由木管反覆。這樂章透過表現沉重憂鬱的心情和轉瞬即逝的幸福夢幻不停交替,揭示出渴望幸福的個人和嚴峻的命運壓力之間的衝突。

第一主題:在「命運的主題」 的陰影下,弦樂奏出充滿苦惱情緒的主部主題,半音下行的模進音調以及動盪不定的延留節奏,形成柴可夫斯基特有的嘆息音型,表現出對命運的無奈順從和深深的傷痛。

第二主題:單簧管吹奏出神秘的音調,長笛和大管奏出快速的裝飾性經過句,營造出奇妙的迷幻氣氛。隨後,長笛與雙簧管奏出明朗的旋律,彷彿是溫柔甜美的幻夢,與主部主題的痛苦形成鮮明對比,從側面表現出對命運的屈服與迴避。

 

第一樂章曲式架構時間點

00:05 - EXPOSITION:

00:05 - Fate Motif (Introduction)

01:38 - Theme1

02:39 - Transition Theme (By fragmenting Theme 1)

03:58 - More Transition Material

04:42 - Theme 2

06:37 - Fragments of Theme 1

07:57 - Coda of the Exposition

09:04 - DEVELOPMENT SECTION:

09:04 - Fate Motif

10:06 - Theme 1

11:30 - Fate Motif

11:47 - Fate Motif

12:20 - Fate Motif

12:32 - RECAPITULATION

12:32 - Theme 1 Reduced

13:06 - Theme 2 Extended

15:40 - Coda Theme

16:13 - CODA

16:13 - Fate Motif

17:13 - Coda

18:10 - Theme 1 Dramatic

18:30 - End

 

完整管弦樂譜欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=pgVju1KZSuY


【蹦解說時間】達摩克利斯之劍

達摩克利斯是公元前4世紀義大利敘拉古的僭主狄奧尼修斯二世的朝臣,他非常喜歡奉承狄奧尼修斯。

一日他奉承道:狄奧尼修斯實在很幸運,能擁有這樣至高的權力和威信。

狄奧尼修斯提議與他交換一天的身份,那他就可以嚐到作為首領的滋味。

在晚上舉行的宴會裡,達摩克利斯非常享受成為國王的感覺。

當日晚餐快結束的時候,他一抬頭,這才注意到王位上方僅用一根馬鬃懸掛著的利劍。

因為狄奧尼修斯在他的統治下樹敵許多,他以此劍表示,即使擁有如此多的權勢財富,也得處處提防想殺掉他的人。

達摩克利斯立即失去了對美食和美女的興趣,並請求僭主放過他,他不想再擁有如此高的權位了...

一抬頭才發現上方有支僅以馬鬃懸掛之利劍,瞬間驚嚇不已的達摩克利斯與狄奧尼修斯(站立者)

 

故事隱喻

達摩克利斯之劍這則傳說,代表擁有強大的力量卻也得時常害怕被奪走。或者簡單來說,就是感到末日的降臨

(本段文字取於「維基百科」達摩克利斯


 

第二樂章:孤獨而憂鬱的時刻

「第二樂章表現哀愁的另一個相貌。累於工作,獨坐,雖拿出書本,卻滑落地上。那是會在傍晚出現的憂鬱感。過去的回憶,一幕又一幕出現。懷念昔日雖快樂,但是這麼多的事情逝去,那麼多悲傷,這些決不再回來的。」— 柴可夫斯基致梅克夫人信 

如歌的行板,降 b 小調,2/4 拍,三段體。

雙簧管呈現孤獨的主旋律,緊接著是感覺漸漸快樂的副旋律,在主旋律以更加淒寂的形態反復而告一段落後,中段風格一轉,如農民舞蹈般優美。整個樂章富於詩意的旋律表現,讓主角似乎暫時忘記了現實的痛苦,沉浸於對往事的回憶。

18:46 - SECTION A

18:46 - Theme A

20:30 - Rising Theme

21:08 - Theme

22:07 - Rising Theme

22:35 - SECTION B

24:16 - SECTION A

26:49 - Oboe Solo

27:28 - Coda

 

 

第三樂章:暫時的慰藉與片刻寧靜

「第三樂章並沒有表現一定的感情,那是綺想曲似的阿拉伯舞曲,是喝些許酒後,在酒醉初期浮現在頭腦裡的莫名的各種形象。」— 柴可夫斯基致梅克夫人信 

詼諧曲三段體,快板,f 大調,2/4 拍子。

第一部分由弦樂器單獨演奏,全體弦樂器持續撥奏,此部分進行至一段落,即由木管樂器單獨奏出俄羅斯舞曲般的旋律。這個樂章沒有明確的感情,只是一些虛無縹緲、錯綜複雜的音型。

28:04 - SCHERZO

29:49 - TRIO

31:14 - SCHERZO

32:58 - Coda

 

 

第四樂章:對幸福的渴望與憧憬

「這世界不是只有黑暗。有許多純樸的人間歡樂。⋯⋯如果你在自己裡找不到喜樂的動機,那就看別人吧。跑進民眾裡面。看他們如何打成一片,浸在喜悅的感情裡歡樂。當我們要跑進民眾裡面,就會出現那可惡的「命運主題」⋯⋯他們純樸的群眾,不會理解我們黑暗的生活,但如果能夠跟他們一起高興他們的幸福,那就能獲得生存的希望。」— 柴可夫斯基致梅克夫人信 

 

終曲,熱情如火的快板,f 大調,4/4 拍子,形式為類似迴旋曲的自由形式。

強烈的第一主題以全合奏形式奏出:

緊接著的第二主題是根據俄羅斯民謠《野地裡的白樺木》,樸素、優美的旋律展現出人民的強大力量,展現了柴可夫斯基對俄羅斯人民的讚美之情,以及對民間文化和民族精神的歌頌,表達了人民在面對命運的壓迫時所展現出的堅韌和力量。

 

 

注意聽~

前奏,原來就是第二樂章那雙簧管孤獨的旋律

而主旋律,就是第四樂章的熱烈第二主題

《野地裡的樺木》(Во поле береза стояла / In the Field Stood a Birch Tree)

https://www.youtube.com/watch?v=hWgKDj2voJw

 

對生活與幸福的追求與嚮往

整個樂章描繪了鄉村節日的歡樂圖景,人們盡情享受生活,投入到愉快的慶典之中,展現出對生活的熱愛和對幸福的追求。

難怪柴可夫斯基說:“如果你不能從自身找到可以快樂的理由,那就看看別人吧。走向人民吧。看看他們是怎樣善於尋求樂趣,使自己投入愉快的心情中”,表達出即使在個人命運多舛的情況下,也要積極地去尋找生活中的快樂和幸福。

 

與命運的抗爭和對命運的超越

在第四樂章樂章中雖然再次出現了第一樂章中的“命運的主題”,但很快被進行曲主題打斷。

有力的抗爭,堅毅的行進,驅散了命運的陰霾,最終將“命運” 淹沒在狂歡的熱流中。

這象徵著人們在面對命運的壓迫時,不再屈服,而是透過積極的行動和對生活的熱愛,勇敢地與命運抗爭並最終超越命運,體現出一種堅韌不拔的精神和對命運的不屈服。

 

樂曲最後音樂在描繪節日歡樂景象的氣氛中結束全曲。

33:53 - Opening

34:05 - Small insight of the Theme 2

34:35 - EXPOSITION: (With Repeat)

34:46 - Theme 1

34:59 - Transition

35:18 - Theme 2

36:55 - Theme 1

37:09 - Transition

37:28 - Theme 2

38:44 - FATE MOTIF

40:03 - Theme 1

40:38 - RECAPITULATION

40:49 - Theme

41:05 - Theme 2

41:14 - CODA

 

 

聽完第四號之反思:

與貝多芬《命運》的遙相呼應

https://www.youtube.com/watch?v=yKl4T5BnhOA&t=1345s

 

與社會與時代背景之緊密相扣

19 世紀的俄羅斯正處於社會變革和文化動盪的時期,人們面臨時代動盪、命運的無常、社會的壓力以及對未來的困惑等。柴可夫斯基身為一位敏感的藝術家,深受時代氛圍的影響,他的作品常常反映出當時人們普遍的精神狀態和情感需求。在《第四號交響曲》中,透過個人命運的描繪,也在某種程度上反映出了俄羅斯當時的時代的特徵和人們對命運的抗爭直觀感受。

 

俄羅斯民間音樂

柴可夫斯基善於從俄羅斯民謠音樂中汲取靈感,在第四交響曲的第四樂章中之第二主題是根據俄羅斯民謠《野地裡的樺木》(Во поле береза стояла / In the Field Stood a Birch Tree)所寫成的樸素、優美的旋律,表現出人民的強大力量,體現了他對俄羅斯民族音樂的熱愛和運用,使作品具有濃厚的民族風格和地域特色

 

柴可夫斯基延伸閱讀:

 


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【BON音樂】2024.12.26. 長榮交響樂團【ESO名家名曲】極致淬鍊——柯林斯X瓦洛金 導聆

【BON音樂】2024.12.26. 長榮交響樂團【ESO名家名曲】極致淬鍊——柯林斯X瓦洛金 導聆

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


今天介紹的主題,是蹦藝術執行長林仁斌老師將於12月26日(四)於國家音樂廳導聆的長榮交響樂團音樂會 【ESO名家名曲】極致淬鍊——柯林斯X瓦洛金 導聆

以下是音樂會海報:

 

音樂會導聆人

蹦藝術網站執行長 林仁斌老師簡介

 

會後補充音樂會現場與導聆照片

 

【MUSICO特別報導】新生代型男指揮家柯林斯、鋼琴名家瓦洛金,精彩可期的熱情交鋒!

 


音樂會詳細資訊:

演出時間:2024年12月26日(四)19:30/Thu, 26 Dec 2024 19:30

演出地點:國家音樂廳/National Concert Hall

指揮:羅斯.傑米.柯林斯/Ross Jamie Collins, conductor

鋼琴:阿列克謝.瓦洛金/Alexei Volodin, piano

演出曲目 PROGRAM

海頓:降E大調第103號交響曲《擂鼓》
Haydn: Symphony No. 103 in E-flat major, Hob. I: 103 “The Drumroll”

拉赫瑪尼諾夫:D小調第三號鋼琴協奏曲
Rachmaninoff: Piano Concerto No. 3 in D minor, Op. 30

貝多芬:降E大調第三號交響曲「英雄」
Beethoven: Symphony No. 3 in E-flat major, Op. 55 “Eroica”

音樂會導聆訊息 PRE-CONCERT TALK

時間:2024年12月26日(四)/Thu, 26 Dec 2024

導聆:林仁斌/Jen-pin Lin, speaker

地點:國家音樂廳1樓大廳/National Concert Hall 1F Foyer

注意事項:18:30開放1號門進場,18:40導聆開始
                  The Gate 1 opens at 18:30. Pre-concert talk begins at 18:40.


40分鐘音樂會求生指南

音樂會概念解說:
海頓知名「倫敦交響曲」系列~《擂鼓》
貝多芬啟蒙時期之劃時代交響曲鉅作
拉赫曼尼諾夫~世界最艱難之鋼琴協奏曲

樂曲解說

海頓:D大調第103號交響曲《擂鼓》(0:18
J. Haydn: Symphony No. 103 in E-flat major "Drumroll"

https://www.youtube.com/watch?v=6GXAmM_gau0&t=18s

 

關於創作軼事

關於海頓第103號交響曲《擂鼓》的創作軼事,可以提到海頓晚年的倫敦之行:

海頓於1791年首次前往倫敦演出,取得了巨大成功,受到英國人的熱烈歡迎;三年後的1794年,他再次經紀人、出版商約翰·彼得·所羅門的邀請,再次前往倫敦。《擂鼓》就是他第二次到倫敦旅行,第二年~第三年,也就是1794 年至 1795 年冬天期間所完成的交響曲(這段時間共完成六首:第99-104號)

 

【BON話題】海頓的「倫敦交響曲」,其實不只是一首交響曲喔~

倫敦交響曲,有時又被稱為所羅門交響曲,是約瑟夫·海頓受倫敦的音樂會經紀人所羅門邀請,於1791年至1795年間創作的12首交響曲的總稱。倫敦交響曲可分為兩套,海頓第一次訪問倫敦時創作的第93~98號交響曲,和於維也納和他第二次訪問倫敦時創作的第99~104號交響曲。(取自維基百科

第一次訪問倫敦:

D大調第93交響曲(1791)

G大調第94交響曲,「驚愕」(1791)

c小調第95交響曲(1791)

D大調第96交響曲,「奇蹟」(1791)

C大調第97交響曲(1792)

降B大調第98交響曲(1792)

第二次訪問倫敦:

降E大調第99交響曲(1793)

G大調第100交響曲,「軍隊」(1793~1794)

D大調第101交響曲,「時鐘」(1793~1794)

降B大調第102交響曲(1794)

降E大調第103交響曲,「擂鼓」(1795)

D大調第104交響曲,「倫敦」(1795)


海頓的《擂鼓》交響曲,即第 103 號交響曲,是晚期的傑出交響曲作品:

創作背景

《擂鼓》交響曲完成於 1795 年,當時海頓第二次訪問倫敦,奕正值他的創作巔峰時期。在倫敦,他受到了熱烈的歡迎和高度的讚譽,英國的音樂文化和觀眾的熱情激發了他的創作靈感,使他創作出了這首具有獨特魅力的交響曲。

 

1795年的海頓畫像

XAM13988 Joseph Haydn c.1795 by Zitterer, Johann (1761-1840)
Historisches Museum der Stadt, Vienna, Austria
Austrian, out of copyright

音樂特色

  • 樂曲開場的鼓聲運用:這首交響曲以定音鼓的滾奏作為樂曲開場,是其最為顯著的特徵之一,也是被稱為《擂鼓》交響曲的原因。定音鼓的滾奏在一開始就營造出一種神秘而緊張的氛圍,吸引了聽眾的注意力,更為整首曲子奠定了基調。

 

  • 旋律的優美性:海頓在旋律創作上展現了高超技巧,旋律優美動聽、富有變化。第一樂章的主題旋律明快而活潑,具有很強的律動感;第二樂章的旋律則抒情而優美,宛如一首優美的歌曲,展現出溫柔、深情的一面;第三樂章的小步舞曲旋律優雅、節奏規整,具有典型的古典主義時期小步舞曲的風格;第四樂章的旋律歡快而激昂,充滿了活力和喜悅之情。

 

  • 和聲的豐富性:晚期的海頓和聲運用豐富多變,為旋律增添了濃厚的色彩。在不同樂章中,和聲的變化巧妙地烘托出了各種不同的情感氛圍。我們可以在抒情的樂段中,聽見他運用柔和、溫暖的和聲,使人感受到寧靜與安詳;而在激烈的段落中,和聲的緊張度亦隨之增加,更強化了音樂的戲劇性和張力。

 

  • 節奏的多樣性:整首《擂鼓》交響曲的節奏變化豐富,富有活力。除了開篇定音鼓所帶來的獨特節奏效果外,在各個樂章中,海頓運用了不同的節奏型,使音樂的進行充滿了動感和變化。如第一樂章的快板部分,節奏緊湊而富有動力;第三樂章小步舞曲的三拍子節奏,輕盈而優雅;第四樂章的急板部分,節奏更是快速而激昂,將音樂一路推向高潮。

 

全曲架構

第一樂章(奏鳴曲式 Sonata form)

0:07 Introduction

2:49 第一主題 Main part

3:46 第二主題 Secondary part

5:54 發展部 Development

7:07 第一主題再現 Reprise. Main part

7:38 第二主題再現 Secondary part

8:24 尾聲 Coda

 

第二樂章:行板

9:30 第一主題 1st theme

11:28 第二主題 2nd theme

 

第三樂章:小步舞曲 

20:07 小步舞曲主題 Minuet theme

 

第四樂章:終曲 

24:50 Golden move of the French horns

24:56 Main part of the finale

26:08 Secondary part of the finale

全曲樂譜版本欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=lo0k42Uxpe8&t=7s

 

【比較】貝多芬:第一號交響曲(1800)

《第一交響曲》(C 大調,作品 21)

  • 創作年份:1800 年。
  • 樂曲特色:這部交響曲展現了古典主義的典型風格。它的第一樂章具有活力和朝氣,有著清晰的曲式結構,像是傳統的奏鳴曲式。在旋律上,具有明朗的色彩,弦樂和管樂配合默契。樂曲中也有一些巧妙的轉調,增添了音樂的趣味性。

https://youtu.be/xcaUGsL2EpI?t=1105

 


拉赫瑪尼諾夫:D小調第三號鋼琴協奏曲
Rachmaninoff: Piano Concerto No. 3 in D minor, Op. 30

拉赫曼尼諾夫d小調第三號鋼琴協奏曲,完成於1909年9月,首演於1909年11月28日,是作曲家為赴美演出而創作的大型協奏曲作品,以濃烈的情感表達和艱深的演奏技術而聞名於世。由於鋼琴家擔任吃重的獨奏角色以及超過三萬顆音符的炫技內容,這首鋼琴協奏曲在歷史文獻中更占有重要的地位,廣泛地被稱為「鋼琴協奏曲之王」

全曲分為三個樂章,演奏時間約為40-45分鐘左右。

下方照片為1910年拉赫曼尼諾夫正在謄寫第三號鋼琴協奏曲樂譜之記錄照片:

1910年拉赫曼尼諾夫正在謄寫第三號鋼琴協奏曲

 

樂曲簡說

這首曲子是拉赫曼尼諾夫在1909年於俄國的伊凡諾夫卡(Ivanovka)完成 的,寫上的日期是9月23日,這正好是他第一次應邀前往美國演出之前。抵達美國後,他親自首演此曲,並於1909年11月28日與紐約愛樂於紐約曼哈頓新劇院演出,指揮為華爾特.達姆羅施(Walter Damrosch)。

「拉三鋼」最重要的一次演出,是之後1910年1月16日的卡內基音樂廳的第二次演出:由紐約愛樂總監馬勒(Gustav Mahler)擔任指揮,演出非常成功,而馬勒的指揮才能和音樂風格也讓拉赫曼尼諾夫留下深刻的印象。

 

本作品是獻給在當時最偉大的波蘭籍鋼琴家約瑟夫.霍夫曼(Josef Hofmann, 1876-1957),但是他本人卻從未演奏過此曲。

波蘭籍鋼琴家約瑟夫.霍夫曼(Josef Hofmann, 1876-1957)

 

拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲是令所有鋼琴家望而生畏的名曲,因為此曲在體力和與技巧上的要求,對鋼琴家都是一大挑戰,甚至連拉赫曼尼諾夫自己都說:「我把它寫得像大象一般。」 

除了延續第二號鋼琴協奏曲一樣的浪漫旋律與樂曲中既抒情又熱烈的滿意熱情之外,作曲家在第二號鋼琴協奏曲大受歡迎之後,大幅度地擴大了樂曲的結構,並對鋼琴家的技巧也有著更高、更全面性的要求。連拉赫曼尼諾夫本人在首演之夜演出後,因為彈奏此曲太累而拒絕了聽眾的安可(當時的流行慣例是獨奏家一定會演奏安可曲,而且演出成功與否取決於觀眾掌聲長度與演奏安可曲目多寡)。晚年時,拉赫曼尼諾夫更索性拒絕公開演奏此曲目。

 

拉赫曼尼諾夫本人演奏版本(1939/40年)

Sergei Rachmaninov, pianist
Eugene Ormandy, conductor
The Philadelphia Orchestra

https://www.youtube.com/watch?v=EPM6bEBerRo&t=473s

 

比起第二號,樂團部分和鋼琴獨奏都顯得更加複雜、龐大,結果也更加迷人而炫目。

至今,每一位鋼琴家都將「拉三鋼」視為技術指標與生涯演奏成就標準,而樂曲本身也廣為全球樂迷所喜愛接受,是音樂會中招牌著名鋼琴協奏曲。

「拉三鋼」的最佳繼承者,一般認為就是同為俄國國籍,比拉赫曼尼諾夫小30歲,成為忘年之交的鋼琴家霍洛維茲 (Vladimir Horowitz, 1903-1989)。霍洛維茲傑出的技巧不但深獲拉赫曼尼諾夫肯定,曾親自為他彈奏第二鋼琴(管弦樂聲部)並給予樂曲與音樂指導,讓此曲成為霍洛維茲一輩子著名的「戰馬」,在拉赫曼尼諾夫本人之後,將此曲推至高峰,更受世人肯定。

 

霍洛維茲1978年與紐約愛樂現場演奏「拉三鋼」(1978年)

此演奏應為霍洛維茲最後一次公開演奏此曲,也是他的最後一次「拉三鋼」錄音

Avery Fisher Hall, New York, 1978
Conductor: Zubin Mehta

https://youtu.be/D5mxU_7BTRA

 

樂曲分析

全曲式表格

 

管弦樂總譜 分析

https://www.youtube.com/watch?v=33QV6BcFNJ0&t=2s

第一樂章 First movement

呈示部 Section 1: Exposition

0:02 前奏 introduction

0:07 鋼琴 第一主題 first theme, piano

0:55 鋼琴獨奏段落 tiny piano solo

0:58 樂團 第一主題 first theme, orchestra

1:38 發展段落 development

2:21 小裝飾奏 mini cadenza

2:43 過度段落 orchestral bridge

3:19 鋼琴與樂團對話 piano-orchestra dialogue

3:53 第二主題 second theme

4:53 發展段落 development

5:28 鋼琴獨奏 piano solo

5:53 尾聲 coda of section 1

 

發展部 Section 2: development

6:28 前奏再現 introduction is repeated

6:32 第一主題發展 first theme is developed

6:56 第一次發展 buildup, part 1

7:35 第二次發展 buildup, part 2

8:00 第三次發展 buildup, part 3

8:20 發展部最高峰 climax of section 2

8:36 development

9:46 發展部尾聲/ 接入裝飾奏段落 coda of section 2, prelude to cadenza

 

裝飾奏 Section 3: cadenza

10:00 逐漸發展 buildup

10:58 裝飾奏的精彩發展 mini cadenza within the cadenza

11:09 裝飾奏的高峰1 climax of cadenza, part 1

11:44 裝飾奏的高峰2 climax of cadenza, part 2 (ossia section ends)

 

再現部 Section 4: recapitulation

12:28 第一主題 first theme

13:12 小裝飾奏/第二主題  mini cadenza, second theme

 

結束部 Section 5: ending

14:54 前奏主題再現 introduction is repeated

14:58 第一主題再現 first theme is repeated, identical to opening

15:44 第一樂章尾聲 coda of first movement

第二樂章 Second movement

16:22 管弦樂開場1 orchestral opening, part 1

17:00 管弦樂開場2 orchestral opening, part 2

17:56 管弦樂開場3 orchestral opening, part 3

18:39 鋼琴前奏 piano introduction

18:57 鋼琴演奏主題 piano plays theme

19:49 第一段落 first episodic section

20:58 插入句 interlude

21:56 第二段落 second episodic section

23:04 主題回歸 theme returns

24:05 「Poco piu moso」段落 [waltz section] (sounds familiar, right?)

24:58 過渡段落 transition

25:17 樂團尾聲 orchestral coda

26:48 小裝飾奏 | 第三樂章前導  mini cadenza, prelude to third movement

第三樂章 Third movement

呈示部 Section 1: exposition

27:07 前奏 introduction

27:12 第一主題 first theme

27:51 銜接段落1 bridge, part 1

28:30 銜接段落2 bridge, part 2

29:03 第二主題 second theme

29:39 第一段落尾聲 coda of section 1

 

發展部 Section 2: interlude

30:13 前奏 introduction

30:19 插入句主題 1 interlude theme, part 1

30:48 插入句主題 2 interlude theme, part 2

31:09 前奏反覆 introduction is repeated, truncated

31:12 變奏1 第一部分 variation 1, part 1

31:35 變奏1 第二部分 variation 1, part 2

31:54 全新前奏旋律 new introduction

32:00 逐漸發展 buildup

32:31 變奏2  variation 2

33:00 過渡段落 transition (sounds familiar, right?)

33:27 逐漸發展 buildup

34:29 變奏3 第一部分 variation 3, part 1

34:54 變奏3 第二部分 variation 3, part 2

35:13 發展部尾聲 coda of section 2

 

再現部 Section 3: recapitulation

35:36 第一主題 第一部分(樂團獨奏) first theme, part 1: orchestra only

36:01 第一主題 第二部分(鋼琴進入) first theme, part 2: piano jumps back in

36:25 銜接段落1 bridge, part 1

37:06 銜接段落2 bridge, part 2

37:39 第二主題 second theme

 

最終段落 Section 4: finale

38:14 進行曲風格發展段落 march-like buildup (sounds familiar, right?)

38:55 樂團狂放段落 orchestral seizure

38:59 小裝飾奏 mini cadenza

39:12 前奏主題再現 introduction

39:18 第二主題再現 | 昇華 second theme returns, glorified

40:25  尾聲:拉赫曼尼諾夫終止  Coda of third movement

https://www.youtube.com/watch?v=33QV6BcFNJ0


貝多芬:降E大調第三號交響曲「英雄」
Beethoven: Symphony No. 3 in E-flat major, Op. 55 “Eroica”

貝多芬九大交響曲簡介:

  1. 《第一交響曲》(C 大調,作品 21)
    • 創作年份:1800 年。
    • 樂曲特色:這首交響曲展現了古典主義的典型風格。第一樂章具有活力和朝氣,有著清晰的曲式結構,傳統的奏鳴曲式。在旋律上具有明朗的色彩,弦樂和管樂配合默契。樂曲中也有巧妙的轉調,更增添了音樂的趣味性。

 

  1. 《第二交響曲》(D 大調,作品 36)
    • 創作年份:1802 年。
    • 樂曲特色:和第一交響曲相比,《第二交響曲》在情感表達上更加深沉。它的第一樂章以雄偉的氣勢開頭,主題具有很強的張力。第二樂章慢板,旋律非常優美動人,就像是傾訴著深沉的情感。整個交響曲在古典的框架內,融入了貝多芬的情感和想法,有著比第一號更為成熟的音樂語言。

 

  1. 《第三交響曲》(降 E 大調 “英雄”,作品 55)
    • 創作年份:1803 - 1804 年。
    • 樂曲特色:第三號交響曲具有劃時代的意義。它原本是貝多芬獻給拿破崙的作品,但在拿破崙稱帝後,貝多芬憤怒地改變了樂譜扉頁的獻詞。第一樂章篇幅宏大,主題有著英雄般的氣概,充滿了力量和鬥志。樂章中主題的發展和變化展現了貝多芬精湛的作曲技巧,不同樂器組的交替和交織,好像在描繪英雄的戰鬥場景。第二樂章則是著名的 “送葬進行曲”,深沉而悲壯,旋律如泣如訴,有著極高的情感張力。第三樂章是充滿精神的詼諧曲,是貝多芬對於交響曲第三樂章新奠定的基調;第四樂章則是降E大調,2/4拍,在曲式上非常特別,是「奏鳴曲式、迴旋曲式、變奏曲式的結合體」,這更是前所未有的劃時代新想法。

 

  1. 《第四交響曲》(降 B 大調,作品 60)
    • 創作年份:1806 年。
    • 樂曲特色:相對第三交響曲的宏大和激昂,《第四交響曲》更加含蓄和優美。它的第一樂章具有一種恬靜的美感,主題旋律婉轉動人。在樂曲的發展中,各種樂器的音色融合得非常巧妙,像是在娓娓道來一段美好的故事。第二樂章的慢板旋律也很有特色,具有抒情的氛圍,如同在寧靜的夜晚中流淌的情感溪流。

 

  1. 《第五交響曲》(c 小調 “命運”,作品 67)
    • 創作年份:1807 - 1808 年。
    • 樂曲特色:“命運在敲門” 的主題深入人心。第一樂章一開始就以強有力的 “命運” 主題呈現,那短 - 短 - 短 - 長的音型象徵著命運的敲擊。整個樂章圍繞著命運主題和反抗命運的另一主題展開激烈的鬥爭,弦樂、木管樂和銅管樂交相呼應,把緊張的氣氛渲染得淋漓盡致。第二樂章的行板則像是在戰鬥中的片刻喘息,有著深沉的思考和抒情的色彩。第三樂章有著特殊的低音提琴快速音群,而第四樂章從小調序奏接入,不停旋轉的感覺接入大調號角旋律,更有著「從黑暗迎向光明」之寓意,是全球演出率最高的交響曲。

 

  1. 《第六交響曲》(F 大調 “田園”,作品 68)
    • 創作年份:1808 年。
    • 樂曲特色:這是一部具有很強描繪性的交響曲。它共有五個樂章,每一樂章都像是一幅田園風光的繪畫。第一樂章描繪了到達鄉村時的愉快心情,旋律清新自然。第二樂章的 “溪畔小景” 用樂器模仿流水等自然聲音,非常真實。第三樂章 “鄉民歡樂的集會” 有著活潑的舞曲旋律,展現了鄉村生活的歡樂。第四樂章 “暴風雨” 用音樂生動地刻畫了狂風暴雨的場景。最後的第五樂章「暴風雨過後的感恩贊歌」,則是在風雨過後的寧靜和感恩。

 

  1. 《第七交響曲》(A 大調,作品 92)
    • 創作年份:1812 年。
    • 樂曲特色:它被稱為 “舞蹈性的交響曲”。第一樂章有著非常活躍的節奏,主題旋律具有很強的律動性,就像盛大的舞蹈場景。第二樂章是慢板,深沉而富有情感,和第一樂章的活躍形成鮮明對比。第三樂章的小步舞曲也很有特色,旋律優雅。第四樂章又回到了活躍的節奏,整個樂章像是一場狂歡的舞蹈,音樂的動力感很強,一直將歡樂的氣氛推向高潮。

 

  1. 《第八交響曲》(F 大調,作品 93)
    • 創作年份:1812 年。
    • 樂曲特色:這部交響曲相對短小精悍。第一樂章的旋律有著明朗的色彩,主題具有活力,而且在曲式上有一些有趣的創新。第二樂章的慢板旋律十分優美,像是一首抒情的小夜曲。第三樂章的小快板有著幽默的情緒,樂器之間的對答很有意思。第四樂章的快板則是在快樂的氛圍中結束,整首交響曲有著貝多芬成熟的作曲技法和幽默、活潑的情感表達。

 

  1. 《第九交響曲》(d 小調 “合唱”,作品 125)
    • 創作年份:1822 - 1824 年。
    • 樂曲特色:這是貝多芬交響曲的巔峰之作。它最著名的是第四樂章加入了合唱部分。前三個樂章有著深沉的情感和宏大的氣勢,第一樂章的主題有著命運般的沉重感。第二樂章的快板有著活力和反抗精神。第三樂章的慢板深沉而悲愴。第四樂章引入了席勒的《歡樂頌》歌詞,合唱部分和管弦樂完美融合,表達了全人類的團結、友愛和歡樂的崇高理念,把交響曲的境界提升到了前所未有的高度。

 

2024年恰為《合唱》交響曲首演200週年

 

貝多芬生活之 18 - 19 世紀的歐洲,其交響曲的創作背景與當時的社會、文化以及他個人的經歷等眾多因素密切相關。

 

社會文化背景

古典主義向浪漫主義的轉變

貝多芬所處的時代,古典主義音樂仍佔據主導地位。古典主義強調形式的完美、曲式的規範以及音樂的平衡和對稱。像海頓和莫札特等作曲家已然奠定了古典交響曲的基本形式。然而,在貝多芬的時代,浪漫主義思潮也在悄然興起。浪漫主義注重情感的自由表達、個性的彰顯和對自然的描繪。貝多芬的作品在一定程度上是古典主義和浪漫主義的融合。他的交響曲既保留了古典交響曲的基本框架,如四樂章的形式(大多數作品),包括快板的第一樂章(通常是奏鳴曲式)、慢板的第二樂章、舞曲性質的第三樂章(小步舞曲或諧謔曲)和快板或急板的第四樂章,又在其中融入了自己強烈的情感和浪漫主義元素。

當時的文化氛圍也鼓勵音樂家去探索新的表達方式。文學領域中,歌德、席勒等作家的作品展現了人性的複雜、情感的深度和對理想的追求。貝多芬深受這些思潮的影響,他的交響曲在一定程度上也如同文學作品一般,表達了深刻的思想和情感。例如,他的第九交響曲中採用席勒的《歡樂頌》作為合唱部分的歌詞,展現了對人類美好未來的嚮往和追求,這與當時浪漫主義思潮中對理想和人道主義的關注是相契合的。

 

音樂演出環境的變化

18 - 19 世紀,歐洲的音樂演出場所和觀眾群體也在發生變化。音樂廳的興建使得交響樂有了更專業的演出場地。公眾音樂會的普及,使得音樂不再只是貴族的專享。貝多芬的交響曲有了更廣泛的受眾,他需要考慮如何迎合不同層次觀眾的口味,同時又保持自己的藝術追求。例如,他的一些作品中加入了更通俗易懂的旋律和節奏,像《第六交響曲(田園)》具有很強的描繪性,能讓普通觀眾更容易理解和感受音樂所表達的內容。

 

啟蒙運動的餘波

啟蒙運動強調理性、自由、平等和人道主義。雖然在貝多芬的時代,啟蒙運動的高峰期已過,但它的思想仍然有著深遠的影響。貝多芬的作品中也體現了這些理念。例如,他的《第三交響曲(英雄)》原本是獻給拿破崙的,拿破崙在當時被視為是革命理想的代表,是自由和平等的捍衛者。貝多芬希望通過音樂來歌頌這樣的英雄形象,這反映了他受到啟蒙運動思想中崇尚英雄主義和追求自由的影響。

 

藝術追求和經濟壓力

貝多芬一生都在追求音樂藝術的完美。他不斷地探索新的作曲技法和表達方式。他希望自己的交響曲能夠超越前人,表達出更深、更廣的情感和思想。然而,他也面臨著經濟上的壓力。他需要依靠作品的演出、出版等方式來獲取收入。他的交響曲創作也需要考慮商業因素,例如要符合演出商的要求或者迎合觀眾的喜好。但即使在這樣的情況下,他仍然堅持自己的藝術原則,使得他的交響曲既有很高的藝術價值,又在一定程度上能被當時的大環境所接受。

 

第三號《英雄》總譜欣賞

第一樂章 充滿活力的快板 Allegro con brio

0:00 - bEs 大調

0:54 - B 大調

1:17 - g小調

1:40 - B 大調

6:19 - 發展部

9:04 - 發展部 e小調段落

 

第二樂章 送葬進行曲 Marcia funebre: Adagio assai

17:42 - C小調,送葬進行曲 (funeral march)

21:32 -C小調,中段,C大調

 

第三樂章 詼諧曲:甚快的快板 Scherzo: Allegro vivace

32:00 - bE大調 詼諧曲(Scherzo)

34:42 - bE大調 詼諧曲 中段(trio)

32:00 Scherzo: Allegro vivace

 

第四樂章 終曲:甚快的快板 Finale: Allegro molto

37:50 - 起始段落

38:03 - 第一主題

39:40 - 第二主題

https://www.youtube.com/watch?v=iZfzQ8L39dI&t=2553s

 

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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮(二)第二、三號交響曲《小俄羅斯》與《波蘭》

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All about Tchaikovsky and his symphonies -2

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系列|俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮

「俄羅斯憂鬱旋律天王」~柴可夫斯基,是大眾最喜愛的代表性音樂家,更將是2025年衛武營「瘋迷24」主題人物!在這柴可夫斯基交響曲系列課程中,將帶領大家深入他的全套六大交響曲,一次聽懂古典樂。

  • 課程內容

  • 第一堂柴可夫斯基與他的交響曲第一號交響曲《冬之夢》

柴可夫斯基一生中僅創作六首交響曲,這首完成於1868年,仍在莫斯科音樂院任教時期的第一首交響曲,已經展現出作曲家不凡的手筆~本堂課林仁斌老師將為大家梳理柴可夫斯基一生的交響曲創作歷程,並介紹他的第一首交響曲作品:《冬之夢》。

  • 第二堂|第二、三號交響曲《小俄羅斯》與《波蘭》

第二、三號交響曲分別創作於1872年1875年,均屬於作曲家之前半段創作期,除了展現青年時期的柴可夫斯基豐沛創意之外,共同之處為此時喜愛引用俄羅斯民謠曲調作為交響曲旋律來源~本堂課林仁斌老師將為大家介紹這兩首動聽的交響作品。

  • 第三堂|第四號交響曲

第四號交響曲創作於1877年5月至1878年1月間,柴可夫斯基此時已經由梅克夫人贊助,成為自由工作創作者,也正式邁入交響曲創作之黃金期,本堂課林仁斌老師將為大家深入介紹此曲之「命運動機」與精彩內容,讓您感受到作曲家深刻之思想與樂曲架構。

  • 第四堂|第五號交響曲

寫作於1888年5月至8月期間的第五號交響曲,不但旋律動聽,更是各大樂團巡迴時的愛用曲目,宏大的架構與首尾呼應的命運主題,還有那心醉動人的慢板樂章,都是此曲最迷人之處。本堂課且聽林仁斌老師為您娓娓道來,絕對入坑。

  • 第五堂|第六號交響曲《悲愴》

《悲愴》創作於1893年2月至8月間,最離奇的事件為首演之後九天,柴可夫斯基猝逝,真正原因始終為謎,更添此曲《悲愴》意涵。林仁斌老師將為您充分解析本首交響曲每一個樂章之創作特色與內容架構,作為本系列課程之完美總結。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


作曲家:柴可夫斯基

 

延伸閱讀

柴可夫斯基 生平簡介(整理於網路資源)

十九世紀的俄羅斯政治動盪不安,但在藝文領域卻在彼得大帝倡導的西化之下,逐漸開花結果:以第一代西化作曲家葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka, 1804-1857)及其追隨者「俄國五人組」(The Five)所領導表的俄羅斯國民樂派,在強烈民族意識與自由主義的趨使下,讓音樂創作有了新的方向並開始綻放光芒。他們的作品既創新又能帶有俄羅斯傳統的民間舞曲或民謠等文化基礎,融合西方古典音樂創作技巧與和聲,逐漸走出一條嶄新的道路。

柴可夫斯基所成長的環境中,正因為文學與音樂藝術的蓬勃發展,讓他能以不屬於當時任何一個流派之附庸,而以獨特的憂鬱、悲劇色彩,以及優美動人的旋律與和聲,不但在當代廣受注目,也成為俄羅斯作曲家中最為後世流傳,甚至是足以代表俄羅斯後期浪漫樂派翹楚之領導大師。

https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/

 

第二號《小俄羅斯》標題由來

柴可夫斯基 的c小調第2號交響曲 op.17 創作於1872年,後修改二版於 1881年,屬於他早期交響作品著名而成功的一首作品。

因為第二號交響曲採用了三首烏克蘭民歌,而烏克蘭在 1917年「十月革命」前,有著「小俄羅斯」的稱號(俄語:Малороссийская, Malorossiyskaya),柴可夫斯基友人-音樂評論人 卡希金(Nikolay Dimitriyevich Kashkin)為第二號交響曲取了「小俄羅斯」的標題,流傳至今。

小俄羅斯」是俄羅斯俄語歷史上曾使用的一個政治和地理術語,指二十世紀前囊括如今烏克蘭大部分的一片土地。雖然現在看來比較像是「政治語言」,但在作曲的 1870年代,俄國人當時普遍以之稱呼烏克蘭。

 

柴可夫斯基交響曲列表

柴可夫斯基Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893一共寫作七首交響曲,其中有編號的六首,整理年份與調性如下:

交響曲編號順序 標題 調性 完成年份
第1號交響曲 《冬日之夢》 g小調 1866年
第2號交響曲 《小俄羅斯》 c小調 1872年
第3號交響曲 《波蘭》 D大調 1875年
第4號交響曲 f小調 1878年
"曼弗雷德"交響曲 "曼弗雷德"交響曲 b小調 1885年
第5號交響曲 e小調 1888年
第6號交響曲 《悲愴》 b小調 1893年

 

這張唱片封面是伯恩斯坦指揮紐約愛樂的柴可夫斯基第二號交響曲封面,筆者非常喜歡,與大家分享:

Tchaikovsky: Symphony No. 2 in C Minor, Op. 17 'Little Russian' CD Cover(Leonard Bernstein)

 

柴可夫斯基(Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893) 1840 年 5 月 7 日(新曆)出生於烏拉山區 渥金斯克(Kamsko Votkinsk),父親伊利亞.彼特羅維契.柴可夫斯基(Il’ya Petrovich Tchaikovsky, 1795-1880)是位官辦礦廠的採礦工程師,也是冶金工廠廠長。

由於沃特金斯克地處偏遠(距離莫斯科大約 1268公里),因此柴可夫斯基童年時接觸到的音樂極為有限,大多是俄羅斯傳統民謠或是母親愛唱的歌曲。在母親過世之後,或許這些傳統民謠更是柴可夫斯基思念母親的一種思緒,也代表著他對自己故鄉的愛。

1868年 至 1869年間,柴可夫斯基重新整理了名為《五十首俄羅斯民謠》的鋼琴四首聯彈集。這些俄羅斯民謠也在之後成為他許多創作之重要主題,例如第一號交響曲《冬之夢》、第二號交響曲《小俄羅斯》、《弦樂小夜曲》(Serenade for Strings, 1880)、《第一號弦樂四重奏》(String Quartet No. 1, 1871)以及《一八一二序曲》(1812 Overture, 1880)等等。

 

這是柴可夫斯基:《五十首俄羅斯民謠》的鋼琴四首聯彈集之影片音樂連結。點按↓下方曲序時間軸,可以直接聽每一首音樂:

柴可夫斯基:《五十首俄羅斯民謠》音樂欣賞:

1-5

00:00 1. The Young Maiden Walked So Far (Исходила младенька)

00:42 2. Oh, My Poor Head! (Голова ль ты моя, головушка)

01:00 3. Please, Try to Remember, My Darling (Вспомни, вспомни, моя любезная)

01:56 4. The Eel Coiling in the Water (Вьюн на воде извивается)

02:30 5. Do Not Flood, My Gentle Danube (Не разливайся, мой тихой Дунай)

https://www.youtube.com/watch?v=2p6QeKmVvAc&list=PL6pkF-ku43kOHMlBIztywZOIFCSyBpzpr

 

 

6-10

00:00 6. Keep on Spinning, My Spinner (Пряди, моя пряха)

00:49 7. The Tower is Not Yet Built (Не тесам терен)

01:08 8. The Pine-Tree Swings By the Gate (У ворот сосна раскачалася)

01:41 9. All Flowers Fade (Поблекнут все цветики)

02:35 10. Floating and Rising (Плывет, восплывает)

https://www.youtube.com/watch?v=nvdwnBCCF5M&list=PL6pkF-ku43kOHMlBIztywZOIFCSyBpzpr&index=2

 

*11-50可自行於Youtube上搜尋「P. I. Tchaikovsky: 6-10 Russian Folk Songs for Piano four hands」

 


創作背景 有趣軼事

出處:
https://en.wikipedia.org/wiki/Symphony_No._2_(Tchaikovsky)

第二號交響曲寫作之 18726月到7月間,柴可夫斯基暑假這大部分作曲時間都在他的妹妹 亞歷山卓.達薇朵娃Aleksandra Davydov,小名 Sasha)位於烏克蘭的 卡明卡(Kamianka/ Kamenka)的家中度過。妹妹相當鼓勵柴可夫斯基將卡明卡當作他第二個家,而作曲家也相當享受居住於此間的舒適,在寫作第二號交響曲進度上有著相當不錯的進展。而這麼順利的進度背後,其實大家有所不知的是妹妹家中的年長管家 Peter Gerasimovich,這位管家經常唱著烏克蘭傳統民謠,特別是 ⟪鶴⟫(The Crane)這首曲調,激發了柴可夫斯基的創作靈感,將之引用於第二號交響曲第四樂章,而成為作曲家本人最愛的樂章。 並且8月急忙回到莫斯科之後,一方面在莫斯科音樂院教書,從事音樂評論活動,另一方面熱心於譜作此曲。他在三星期後,就把此曲完成。

而在回到莫斯科的路途上,柴可夫斯基與弟弟他跟弟弟莫德斯特(Modeste)同行。柴可夫斯中途基還偽裝成具有王子身份,以便搭乘租用馬車。但不幸的是居然就在快抵達目的地時,他們發現裝有第二好交響曲未完成草稿的包包居然遺失了!結果兄弟倆趕忙回到出發租用馬車處,幸好找到了行李,也還未被打開檢查,一切都未曝光。柴可夫斯基開心地問這位馬車主的名字,車主告訴他叫「柴可夫斯基」。柴可夫斯基初時以為對方正利用他的名字在開玩笑...,結果最有趣的是,這位車主的名字真的是柴可夫斯基,萬分不假。於是後來柴可夫斯基很喜歡這段旅途插曲,也經常轉述給別人聽。

 

初版與二版

在第二號交響曲於 1873年首演之後,柴可夫斯基一直覺得不甚滿意這部作品,於是他寫信給 Stasov ,信裡寫道:「說實話我對於第二號交響曲的前三樂章都不太滿意,第四樂章 ⟪鶴⟫(The Crane)的這首曲調我覺得很不錯。」儘管如此柴可夫斯基還是寫信敦促出版商(St. Petersburg: Bessel),於 1873年出版了第二號交響曲的樂譜。

後來於 1879年,柴可夫斯基要求出版商返還當初的手稿,因為他希望重新修訂第二號交響曲。隔年 1880年 1月 2日,柴可夫斯基發信給出版商,說明修改版之進度與規劃:「第一、 我重新修改了第一樂章全部內容,只留下之前的序奏(Introduction)與尾奏(Coda)部分。 第二、第二樂章我也重新構思結構。第三、我也修改了第三樂章,將樂曲縮短並重新修改總譜。第四、我將終曲縮短,也重新寫作總譜。(1. I have composed the first movement afresh, leaving only the introduction and coda in their previous form. 2. I have rescored the second movement. 3. I've altered the third movement, shortening and rescoring it. 4. I've shortened the finale and rescored it)

在信中柴可夫斯基提到他是在三天內完成這些修訂。因為將原曲濃縮重新設計,對他並不困難。後來此修訂版於 1881年 2月 12日於聖彼得堡舉行首演,由 Karl Zike 擔任樂團指揮。

爾後第二號交響曲自 1881年起,全部以此第二版為標準版。


 

樂章小節數比較

初版 四樂章:

  1. Andante sostenuto – Allegro comodo (C minor, 486 小節)
  2. Andante marciale quasi Moderato (E♭ major, 179 小節)
  3. Scherzo. Allegro molto vivace (C minor, 481 小節)
  4. Finale. Moderato assai — Allegro vivo (C major, 993 小節)

二版 四樂章:

  1. Andante sostenuto – Allegro vivo (C minor, 368 小節)
  2. Andantino marziale quasi Moderato (E♭ major, 179 小節)
  3. Scherzo. Allegro molto vivace (C minor, 482 小節)
  4. Finale. Moderato assai — Allegro vivo (C major, 847 小節)

 

寫作年份比較

初版完成於 1872年  

二版完成於 1879–80年(成為標準版)

 

首演年份

初版首演

1873年 2月 7日,莫斯科音樂學會(Moscow, Russian Musical Society)
指揮:尼可萊.魯賓斯坦(Nikolay Rubinstein

二版首演

1881年 2月 12日,聖彼得堡俄羅斯音樂學會(St. Petersburg, Russian Musical Society)
指揮:卡爾.薩克(Karl Zike)

 

出版商

兩版皆由 St. Petersburg: Bessel 出版

 

演奏長度

初版 40 分鐘

二版 33 分鐘

 

樂曲架構

第二號交響曲共分為四個樂章:

第1樂章:持續的行板(Andante sostenuto)-活潑的快板(Allegro vivo)
第2樂章:近似中板,雄壯的小行板(Andantino marziale, quasi moderato)
第3樂章:諧謔曲:甚為活潑的快板(Scherzo:Allegro molto vivo)
第4樂章:終曲:稍快的中板(Finale. Moderato assai)— 活潑的快板(Allegro vivo)

 

樂曲配器

木管樂器:短笛、2長笛、2雙簧管、2單簧管、2低音管
銅管樂器:4法國號、2小號、3長號、低音號
敲擊樂器:定音鼓、鈸、大鼓、鑼(除定音鼓外,只在第4樂章使用)
絃樂器:第1小提琴、第2小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴

 


第二號交響曲 譜例音樂欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=rxyN1GHMatM

00:00:00 - Andante sostenuto—Allegro vivo 
00:11:20 - Andantino marziale, quasi moderato 
00:20:38 - Scherzo. Allegro molto vivace 
00:26:05 - Finale. Moderato assai—Allegro vivo

第一樂章 樂曲架構

第一樂章是以奏鳴曲式快板第一樂章曲式創作,包含呈示部、發展部與再現部。柴可夫斯基並在奏鳴曲式三段落之前後,各增加「序奏」及「尾奏」,讓樂曲架構更加完整。

持續的行板(Andante sostenuto)-活潑的快板(Allegro vivo)

樂曲架構 小節數
序奏 Andante sostenuto 1-53
呈示部 第一主題 54-86
第二主題 87-109
過門 112-137
結束段 138-157
發展部 第一段 158-189
第二段 190-219
再現部 第一主題 220-245
第二主題 246-264
過門 265-290
結束樂段 291-310
擴充 311-354
尾奏 結尾樂句 355-368

 

在第一樂章開始之序奏段落中,柴可夫斯基則取用了烏克蘭民謠《沿著母親河─伏爾加河溯流而下》 (Down the River Mother Volga)作為重要旋律。

對俄羅斯人民最重要的「伏爾加河」(俄語:Волга;英語:Volga River),也常譯為「窩瓦河」。位於俄羅斯的西南部,發源於東歐平原西部瓦爾代丘陵湖沼間,流經森林帶、森林草原帶和草原帶,全長3690千米,是歐洲最長的河流,也是世界最長的內流河,流域面積138萬平方千米,最終流入裏海。伏爾加河流域路途中,總共有八個重要水庫,其水利與運輸、對人民從灌溉與民生滋養,在俄羅斯的國民經濟與日常生活中佔有非常重要的作用。其他豐富天然資源還包括天然氣,鹽和鉀肥。

伏爾加河」流域裡的「魚鄉」阿斯特拉罕,更是俄羅斯最豐富的魚子醬產業區。

伏爾加河」在俄羅斯文化中有特別的意義,常在俄國文學稱為Волга-матушка(伏爾加母親),因此常被稱為是「俄羅斯的母親河」。

 

伏爾加河」流域圖:

「伏爾加河」流域圖(Volga River Map)

 

 

烏克蘭民謠《沿著母親河─伏爾加河溯流而下》 (Down the River Mother Volga)譜例:

 

《沿著母親河─伏爾加河溯流而下》 (Down the River Mother Volga)歌詞翻譯:
引用自《
柴可夫斯基第二號交響曲之指揮研究》碩士論文,陳玟蓉 撰

page37image44929728俄文歌詞

英文翻譯

Vniz po matushkye po Volgye, po V olgye
po shirokomu razdolyu, razdolyu,
razýgralasya pagoda, pagoda,
pagodushka vyershovaya, vyershovaya

Nitshevo v volnakh nye vidno, nye vidno,
tolko lodotshka tshernyeyet, tshernyeyet.
Tolko lodotshka tshernyeyet, tshernyeyet,
parusa na nyey byelyeyut, byelyeyut.

Na grebtsakh shapki tyemnyeyut,
tyemnyeyut,kushaki na nyikh alyeyut,
alyeyut.

Sam khazyayin vo naryadye, naryadye,
v tshornom barchatnom kaftanye,
kaftanye.

Ush kak vzgavarit khazyayin, khazyayin:

"A mý gryanemtye, ribyata, ribyata
vniz po matushkye po Volgye, po Volgye
po shirokomu razdolyu, razdolyu. "

Down the Volga, Mother Volga,
over the wide sheet of water,
there rises a thunderstorm,
a huge thunderstorm.

Nothing is to be seen on the waves,
there is only a small black ship.
There is only a small black ship
with glistening white sails.

The oarsmen have dark caps,
and their belts are shining red.

Their leader is dressed up, too,
in a long cloak made of black velvet.

Now their leader begins to speak:

"Let us sing our song, boys,
let it sound down the Volga,
Mother Volga,
over the wide sheet of water!"

 

烏克蘭民謠《沿著母親河─伏爾加河溯流而下》 (Down the River Mother Volga)音樂影片:

優美的男聲合唱版本

https://www.youtube.com/watch?v=_y5BWwAO-SA&t=70s

 

補充資訊:

有關小俄羅斯歷史,可參閱→小俄羅斯

有關烏克蘭歷史,可參閱→烏克蘭


第二樂章 樂曲架構

本樂章為4/4拍,三段體,再加上尾聲段落。

近似中板,雄壯的小行板(Andantino marziale, quasi moderato)

而第二樂章中,作曲家也採用了他整理於《五十首俄羅斯民謠》第六首《紡織吧~我的紡車 》(Spin, O My Spinner),因此更加深了此交響曲以民謠為基底的俄羅斯音樂魂~

樂曲架構

小節數
 

第一段

第一主題 1-50
連接句
第二主題
連接句
第三主題
 

第二段

第一句 51-108
第二句
第三句
第四句
第五句
第三段

 

第一主題 109-167
連接句
第二主題
連接句
第一主題

結束句

 

168-179

 

第二樂章 管弦總譜搭配音樂欣賞:

https://youtu.be/rxyN1GHMatM?t=680

 

第二主題,柴可夫斯基以《五十首俄羅斯民謠》第六首中的《紡織吧~我的紡車 》(Spin, O My Spinner)為主要旋律,下為譜例:

 

紡織吧~我的紡車 》(Spin, O My Spinner)音樂欣賞:

https://youtu.be/HQUzi_6IKT8?t=218

 

在第二樂章之第二段落(第53-60小節,總譜段落C),柴可夫斯基引用俄羅斯民謠《紡織吧~我的紡車 》(Spin, O My Spinner)作為主題旋律:(單簧管先演奏,之後由小提琴 I & II 接續)

 


第三樂章 樂曲架構

詼諧曲:甚為活潑的快板(Scherzo:Allegro molto vivo)

柴可夫斯基在第三樂章的曲式選擇,以快速詼諧曲(Scherzo)代替優雅的小步舞曲(Minuet),讓此樂章充滿了快速鮮活的音樂表現。

全曲共分為三大部分,加上最後的結尾段落,曲式架構如下:

樂曲結構 速度標示
第一部分

1-152

A(1-25) 3/8拍
Allegro molto vivace
B1+B2(26-109)
A’ (110-152)
第二部分

Trio

153-273

A(153-200) 2/8拍
L’istesso tempo
B(201-236)
C(237-273)
第三部分

274-427

A(274-312) 回到3/8拍

 

B1+B2(301-385)
A’(386-427)
結尾段

428-480

428-480 轉為2/8拍

 

第三樂章 管弦總譜搭配音樂欣賞:

https://youtu.be/rxyN1GHMatM?t=1238

 

 

第四樂章 樂曲架構

終曲:稍快的中板(Finale. Moderato assai)— 活潑的快板(Allegro vivo)

在序奏過後,柴可夫斯基引用了烏克蘭民謠「鶴」(The Crane)作為主題,並不斷做出精彩的變奏。讓第四樂章呈現出變化多端的變奏手法與配器方式,身為莫斯科音樂院作曲教授的他,更是展現出對於管弦樂團配器的日益嫻熟,堪稱是前期作品的代表之作。

根據柴可夫斯基與弟弟莫德斯特的通信裡,作曲家提到:「關於我的最新第二號交響曲,你可能已經知道它取得了巨大的成功,特別是第四樂章的「鶴」(The Crane),在評論中很受歡迎。但第二號交響曲的成功,我並不能歸功於自己,而應歸功於作品的真正作曲家 - 彼得·格拉西莫維奇(Pyotr Gerasimovich,妹妹家中的老管家)。我在創作過程中,一直哼唱著這首歌曲,並藉由歌曲讓我得到源源不絕的靈感...」

 

柴可夫斯基的烏克蘭民謠「鶴」(The Crane)主題手稿:
(資料取自http://en.tchaikovsky-research.net/pages/Symphony_No._2

樂曲結構 速度標示
序奏(1-24) Moderato assai
第一部分

25-324

第一段(25-202) Allegro Vivo

 

第二段(203-252)
第三段(253-324)
第二部分

Trio

325-512

第一段(325-428) Allegro Vivo

 

第二段(329-512)
第三部分

513-651

第一段(513-562) Allegro Vivo

 

第二段(562-651)
結尾段

652-671

652-671 Presto

 

第四樂章 管弦總譜搭配音樂欣賞:

https://youtu.be/rxyN1GHMatM?t=1567

 

在第四樂章開頭之序奏,柴可夫斯基運用了全體交響樂團齊奏,以兩個 ff 及強力度開啟這個氣勢充沛的樂章。除了以民謠作為主要旋律架構之外,這樣的配器與演奏方式也讓人想起同為俄羅斯作曲家的穆索斯基。穆索斯基於1874年 6月所創作的 ⟪展覽會之畫⟫ (Pictures at an Exhibition)裡,最後的段落「基輔城門」 (The Great Gate of Kiev)序奏音樂,同樣氣勢磅礡,金光閃閃,充滿了對俄羅斯民族光耀的致敬。一起比較欣賞:(3:10起)

https://youtu.be/FncXqa14ANE?t=190

 

【延伸欣賞】二戰民謠 ⟪ 鶴 ⟫(The Crane)

值得一提的是,各位如果在網路搜尋(The Crane),也能搜尋到同名俄羅斯民謠⟪ 鶴 ⟫(The Crane),但這首動人的歌曲卻是由俄羅斯阿瓦族詩人 Rasul Gamzatov 創作於第二次世界大戰之後,發表於 1961年的俄羅斯戰爭民謠。詩中以動人的意境,用 "白鶴" 作為代表,描寫了因戰爭而去世的士兵們,而 "白鶴" 也逐漸在此詩廣為流傳之後,成為第二次世界大戰時陣亡士兵的象徵。

在整個戰爭的年代大約有 2700萬蘇聯人的生命因而消失,姑且不論歷史功過是非對錯,這樣的損失對一個民族而言,的確是悲傷而且沈重的。

此詩⟪ 鶴 ⟫(The Crane)英文翻譯:

⟪ The Crane ⟫
Sometimes I feel that all those fallen soldiers,

Who never left the bloody battle zones,

Have not been buried to decay and molder,

But turned into white cranes that softly groan.

And thus, until these days since those bygone times,

They still fly in the skies and gently cry.

Isn’t it why we often hear those sad chimes

And calmly freeze, while looking in the sky?

A tired flock of cranes still flies – their wings flap.

Birds glide into the twilight, roaming free.

In their formation I can see a small gap –

It might be so, that space is meant for me.

The day shall come, when in a mist of ashen

I’ll soar with cranes, and final rest I’ll find,

From the skies calling – in a bird-like fashion –

All those of you, who I’ll have left behind.
Sometimes I feel that all those fallen soldiers,

Who never left the bloody battle zones,

Have not been buried to decay and molder,

But turned into white cranes that softly groan…

有時我覺得所有那些倒下的士兵,

誰從未離開過血腥的戰場,

還沒有被掩埋腐爛發黴,

卻化為白鶴,輕聲呻吟。

因此,直到今天,自從那些過去的時代以來,

他們依然在天空中飛翔,輕輕地哭泣。

這不就是我們常常聽到那些悲傷的鐘聲的原因嗎?

然後靜靜地凝視著天空?

一群疲憊的鶴仍在飛翔──它們的翅膀拍打著。

鳥兒滑入暮色,自由自在地漫遊。

在他們的陣型中我可以看到一個小缺口—

也許是這樣,那個空間是為我而存在的。

那一天終將到來,在灰濛濛的迷霧中

我將與起重機一起翱翔,我將找到最後的休息,

從天空呼喚——以鳥兒般的方式——

你們所有人,我都會拋在身後。

有時我覺得所有那些倒下的士兵,

誰從未離開過血腥的戰場,

還沒有被掩埋腐爛發黴,

卻化作了低吟的白鶴…

https://www.youtube.com/watch?v=JGUfVjFmgG0

 

https://www.youtube.com/watch?v=pd16n0y5o8M

 

https://www.youtube.com/watch?v=IJ76d2NxOyc


第三號《波蘭》:唯一的大調交響曲

柴可夫斯基的交響曲系列講座,進行到第三號《波蘭》了~

第三號《波蘭》交響曲也是柴可夫斯基唯一的大調交響曲,一起先看全部交響曲列表:

 

柴可夫斯基交響曲列表

柴可夫斯基Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840-1893一共寫作七首交響曲,其中有編號的六首,整理年份與調性如下:

交響曲編號順序 標題 調性 完成年份
第1號交響曲 《冬日之夢》 g小調 1866年
第2號交響曲 《小俄羅斯》 c小調 1872年
第3號交響曲 《波蘭》 D大調 1875年
第4號交響曲 f小調 1878年
"曼弗雷德"交響曲 "曼弗雷德"交響曲 b小調 1885年
第5號交響曲 e小調 1888年
第6號交響曲 《悲愴》 b小調 1893年

 

從表格整理可以看出,《波蘭》是唯一一首柴可夫斯基的大調交響曲,不但是特別難得,也是獨一無二的。

 

手繪地圖 1879年的波蘭
Russia in Europe & Poland map, 1879

"European Russia and Poland" by A.K.Johnston, published by W. & A.K.Johnston in their Atlas of General and Descriptive Geography, about 1879. Colour lithographic antique map, with centrefold as published. Good condition. Size 23.5 x 31 cms including title, plus margins.
"European Russia and Poland" by A.K.Johnston, published by W. & A.K.Johnston in their Atlas of General and Descriptive Geography, about 1879. Colour lithographic antique map, with centrefold as published. Good condition. Size 23.5 x 31 cms including title, plus margins.

放大看

Abstract vector color map of Poland country

關於柴可夫斯基的生平,請延伸於另一篇文章閱讀:

延伸閱讀:柴可夫斯基 生平

 

創作時間

這首交響曲創作於1875年6月至8月間,共包含5個樂章。

 

創作背景

此曲創作於 1875年,當時 柴可夫斯基與年輕又家境富有的學生密友 希洛夫斯基(Vladimir Shilovsky)走得相當近,兩人成為同性愛侶的傳言更是甚囂塵上。同年代的記者 亞麗姍卓.斯科洛娃(Alexandra Sokolova)曾撰文回憶:「這段特殊友誼關係的背後,隱藏著男生的崇拜,這是當時大量令人不愉快的討論話題。」(“What lay behind this exceptional friendship, which amounted to schoolboy worship, was the topic of a great deal of quite unpleasant discussion at the time...”

希洛夫斯基對待柴可夫斯基極為友好,除了豐厚的薪水支付之外,也經常邀請柴可夫斯基出國旅遊或至家中位於烏索沃(the village of Ussovo of the Tambov province)的莊園居住度假,讓柴可夫斯基能夠一邊度假一邊安靜地創作。

在幾年下來的烏索沃度假之旅中,柴可夫斯基曾於此完成了第二號交響曲之草稿、《暴風雨》序曲。就在 1875年柴可夫斯基第五次造訪烏索沃的暑假時光,他完成第三號交響曲《波蘭》。也因此《波蘭》題獻給了希洛夫斯基。

 

樂曲編制

本交響曲為二管編制,包含短笛(piccolo) 、2部長笛(flute)、2部 雙簧管(oboes)、2部單簧管(clarinets)、2部低音管(bassoons)、4部法國號(horn)、2部小號(trumpets)、3部長號 trombones、低音號(tuba)、定音鼓(timpani)與弦樂五部(strings)。

 

樂章標題

《波蘭》是一首五樂章架構的交響曲,也是柴可夫斯基所有交響曲中唯一一首五樂章作品,演奏長度為 45-50分鐘,樂章資訊整理如下:

樂章順序 樂章名稱 調性 小節數
第一樂章 - 前奏
前奏與快板 非常中等的
送葬進行曲速度
Introduzione e Allegro. Moderato assai (Tempo di marcia funebre)
d小調 1-79
第一樂章 - 快板 亮麗的快板

Allegro brillante

D大調 80-472
第二樂章
德國風的 中等單純的快板
Alla tedesca.
Allegro moderato e semplice
bB大調 289
第三樂章
行板 悲傷的行板
Andante. Andante elegiaco
d小調 182
第四樂章
詼諧曲 非常快的快板
Scherzo. Allegro vivo
b小調 439
第五樂章
終曲 強而有力的快板
波拉卡舞曲速度
Finale. Allegro con fuoco
(Tempo di polacca)
D大調 350

 

 

總譜版本全曲欣賞

Pyotr Ilyich Tchaikovsky: Symphony No. 3 in D major, Op. 29, TH 26 "Polish" (with Score)

Composed: 1875

Conductor: Riccardo Muti

Orchestra: The Philadelphia Orchestra

00:00 1. Introduzione e Allegro: Moderato assai (Tempo di Marcia funebre) — Allegro brillante (D minor — D major)

13:31 2. Alla tedesca: Allegro moderato e semplice (B-flat major)

20:09 3. Andante: Andante elegiaco (D minor) 30:04 4. Scherzo: Allegro vivo (B minor)

35:44 5. Finale: Allegro con fuoco (Tempo di Polacca) (D major)

https://www.youtube.com/watch?v=PLmz3Lfzpws&t=2262s

 

樂曲架構

第一樂章(點按←直接聽音樂)

前奏與快板
非常中等的(
送葬進行曲速度)

奏鳴曲快板曲式

段落架構 小節數
前奏 1-79
快板 呈示部
第一主題 80-142
第二主題 143-197
結束主題 198-207
發展部 208-307
再現部
第一主題 308-341
第二主題 342-410
結束主題 411-420
尾聲Coda 421-472

 

樂章開頭,前奏段落為 d小調,低音弦樂撥弦(pizz.)搭配高音弦樂的極弱長因+附點節奏,柴可夫斯基在這段前奏速度標示為「非常中等的」(Moderato assai),副標則寫著「送葬進行曲速度」(Tempo di marcia funebre)

 

很快地,這個主題開始出現法國號的回應,以及高音木管的長音和聲。此時弦樂也出現新的三連音填充音型:

 

到了A段,旋律已經完整移轉到木管,弦樂以撥弦演奏柔和地伴奏著:

 

接著轉入 Poco piu mosso,速度開始加快,木管樂器之間的對話也越來越多:

 

音樂進入 前奏 B段,速度更加轉快,先前出現的附點動機也開始使用的更加密集頻繁:

 

一路漸快與動機越來越密集之後,音樂轉為D大調,進入亮麗的快板段落與快板第一主題段落:

 

進入E段,第二主題由柔美的雙簧管呈現:

 

接著進入呈示部結尾主題段落:

 

發展部主題發展,精彩紛呈:

 

先前出現過的前奏主題,與呈示部主題群分別被變化以不同的方式輪流出現:

 

發展部過後,D大調亮麗主題再次以極強(ff)力度重新再現:

 

悄悄地,第二主題也再次由雙簧管演奏,伴以法國號的長音節奏和聲,以及弦樂快速流暢的16分音群各部輪流演奏:

 

進入R段,第二主題由弦樂輪流演奏,木管回應跳躍的和聲,整體音樂非常輕鬆愉快:

 

音樂進入尾聲主題段落,銅管群亦加入讓此段落呈現出壯麗的齊奏:

 

 

隨後音樂一路保持歡騰情緒,直至樂章結束與 D大調一級主和弦:

 

第二樂章(點按←直接聽音樂)

詼諧曲 

德國風的 中等單純的快板
Alla tedesca. Allegro moderato e semplice

三段體 A-B-A+Coda

本樂章無使用小號、長號、低音號與定音鼓

段落架構 小節數
A 1-82
B(Trio) 83-153
A 154-233
Coda 234-289

 

在樂章上方,除了標示出本樂章速度中等單純的快板(Allegro moderato e semplice)之外,還特別給了「德國風」(Alla tedesca)標題:

 

從樂章開始,A段主題段落就以弦樂撥奏(pizz.),木管旋律的方式進行,音樂在柔美中帶著幽默詼諧之感受:

音樂進入B段 Trio段,轉為快速之三連音音群:

 

三連音音群帶來更加詼諧的樂感以及快速的變化,這主題在各聲部之間輪流出現:

與三連音音形對應之旋律:

 

進入H段,我們可以看到柴可夫斯基巧妙地將三連音音型與旋律音型融合,接著A段第一主題隨之再現:

主題除了在管樂呈現,也於弦樂呈現:

第二樂章最後,旋律逐漸低沈,音色與音域皆然~單簧管演奏之後轉換給低音管,也留下一縷令人會心一笑的幽默感:


第三樂章(點按←直接聽音樂)

無發展部之奏鳴曲式。

本樂章無使用小號、長號、低音號與定音鼓

段落架構 小節數
第一主題a 1-8
第一主題b 17-23
第二主題 35-84
小結尾 Codetta 68-79
第一主題b 85-89
第一主題a 90-97
第二主題 104-148
小結尾 Codetta 137-148
Coda 148-182

 

第三樂章開頭,可以聽見長笛一二部演奏之行板速度之第一主題a,帶著憂傷的感覺。伴奏和聲以最低音域之木管樂器低音管兩部,加上單簧管低音域,製造出濃濃的憂傷思緒。

8小節後,旋律開始移往低音管、法國號與雙簧管:

 

進入A段,長笛出現第一主題b,帶有附點節奏的反覆性短旋律,在優美和聲伴奏下,下方中提琴之副旋律亦非常值得得一聽:

 

進入B段,以弦樂為主,演奏出濃情蜜意,非常動人之第二主題,作曲家特別標示此主題為「非常富有表情」(molto espressivo):

 

進入C段小結尾段落(Codetta),是氣質高雅的下行音階旋律,音樂逐漸進行著,準備進入段落結尾,迎向主題再現。

此曲為無發展部之奏鳴曲式,因此只有呈示與再現。除此之外,再現部與前面呈示部不同,且具有巧思之處在於第一主題再現順序為「第一主題b」--->「第一主題a」,可見得在此時期柴可夫斯基的創作手法已經運轉自如,無論是主題的設計與運用,皆已進入無不自得之境界。

 

D段前四小節為「第一主題b」,進入D段開始即為「第一主題a」,兩者旋律出現順序剛好與呈示部相反:

 

接著準備迎來的,是以三連音為基礎節奏伴奏之第二主題再現。此段落再現以弦樂「如歌似地」(Catabile)演奏

 

進入F段,小結尾段落(Codetta)也再次出現:

 

進入樂曲最後的尾聲(Coda),在一片靜謐中逐漸結束本樂章:

第三樂章最後結束在木管極弱奏(pp)與弦樂撥弦效果。同時大家也可以注意本樂章結尾和聲,已經悄悄地從 bB大調,變為D大調主音與三音。因此顯然可見作曲家正為了連接第三與第四樂章,做出順暢的和聲準備。


第四樂章(點按←直接聽音樂)

具有前奏與尾奏之三段體曲式。

段落架構 小節數
前奏 1-4
A 5-136
B(Trio) 137-263
A 264-395
Coda 396-439

 

樂章一開始的4小節,屬於前奏。可看到弦樂加上弱音器,並以撥弦方式演奏出 b小調(D大調關係小調)之音階。在前奏之後,第5小節開始由第一小提琴開啟了流暢的16分音符旋律,A調單簧管接於其後。

在16分音符快速音群流動之餘,仍然以弦樂撥弦在樂句中間轉換,製造出第一樂段快速、歡樂的流動感:

 

 

快速音群不斷流動時,也有一句相當漂亮的長號對應獨奏樂句:

 

進入B段(Trio中段),原本快速的16分音群,也轉為有個性的附點節奏旋律樂句:

 

進入o段,第一段主題預備再現:

 

進入P段,B段的附點主題旋律再現:

就在快速音群不斷在各聲部之間流動下,樂曲自始自終保持著詼諧亮麗的氛圍,最後結束在上行的b小調和聲。

第五樂章(點按←直接聽音樂)

七段體輪旋曲式。

段落架構 小節數
A 1-65
B 66-110
A 11-117
C 117-157
A 158-254
B 255-273
A 274-301
Coda 301-350

樂曲標示為 3/4拍,回到開頭之D大調。

本樂章為較少見之七段體輪旋曲式,A段為活力充沛之快板,B,C段落則為具有對比性之旋律樂段。樂章一開始也直接在「強而有力」(Allegro con fuoco)之後寫著「波蘭舞曲速度」(tempo di Polacca)。

小知識:

根據教育部音樂名詞釋義,「Polacca」為「波蘭舞曲」之義大利文原文。


 

一起欣賞幾段經典的波蘭舞曲舞蹈:

https://www.youtube.com/watch?v=IEEyYV0YJP4&t=285s

 

 

https://www.youtube.com/watch?v=-5DEujpGqSA

 

A段後半段,作曲家採取對位手法作出發展:

 

進入B段,旋律轉為歌唱性,下方有弦樂三連音跳弓音型:

 

再現A段之前,以中提琴引領,再加入第二與第一小提琴,音域逐漸上揚,從而帶出A段之再現:

小知識:「對位法」

音樂術語。

「對位法」的英文名稱「Counterpoint」,源自於拉丁文「punctus contra punctum」,意為「音符對音符」。

「對位法」是組合兩個聲部以上的旋律線,同時連續進行時所產生的對位效果。它是西方複音音樂的特色之一。

旋律線與旋律線進行時的水平關係稱為「對位」,上旋律線與下旋律線所產生的垂直關係稱為「和聲」,其間還有「音程」,即音與音之距離,這些都是不可分離的原素。

對位方法可分為:

一、方向的進行。例如一部向上行的旋律對另一部向下行的旋律,或兩聲部平行同時並進。

二、節奏的對位。例如快的節奏對慢的節奏,長的音對短的音。

三、音程的離與合、疏遠和密集、協合與不協合等,都能產生聽覺上的穩定與不穩定的互動效果。

以上是傳統最基本的對位法。在近代音樂中,也有一種稱為「空間對位」的對位法,空間對位是以電子音響媒體來控制聲音的速度與準度,造成多頻道的音響系統,讓聲音在不同的頻道對位,產生一個立體的音響空間。

「對位法」名詞解釋:

「對位法」一詞首先出現在一三三六年佛拉特(Petrus Frater)的論文中,其意義原是「點對點」(punctus contra punctum),即「音符對音符」之意。

至西元1412年,在義大利音樂理論家貝德曼第(Prosdocimo de Beldmandi)之引述下,對位法進而延伸為「曲調對曲調」之意。

因此概括而言,對位法乃是研究兩個或兩個以上的曲調縱橫對應的方法,在創作上尤其重視各聲部曲調的獨立、流暢、律動與呼應,它是複調音樂最主要的創作手法。

按照音樂史的畫分,對位法可區分為下面四個時期:

1.原始對位時期(第九世紀至第十五世紀):曲調在結合上先用較單純的完全一、四、五、八度音程,後來才加進大小三、六度,即和聲上普遍使用了三和絃。代表的曲式從第九世紀最古老的平行調(organum)開始,至十一世紀的假低音(fauxbourdon)、十二世紀的反行調(discantus)克勞蘇拉(Clausula),十三世紀的康都曲式(condustus)經文歌、斷續歌(hocket),十四世紀的輪旋曲、敘事歌(ballade)、重複詩歌(virelai)、牧歌、獵歌,十五世紀的彌撒、香頌(Chanshon)等皆是。這個時期,法荷樂派(Franco-Flemish School)首先立下對位的規則,接著理論家汀克托里斯(Johannes Tinctoris)著說討論華彩對位。

2.調式對位時期(十六世紀):採用中古教會調式,嚴格地限制各聲部音域及不協和音的解決等,規則相當嚴謹繁複,因此亦稱嚴格對位法。代表曲式是多主題式的經文歌及多曲調的無伴奏合唱,皆屬純聲樂式的對位,而將此種技術發展至最高峰的是作曲家帕勒斯替那(Giovanni Pierluigi da Palestrina)。

3.調性對位時期(十七世紀):採用調性和聲為基礎,加重使用七和絃及不協和音的出現等,並以器樂對位為主,使樂曲的音域及曲調進行更具彈性,故亦稱自由對位法。理論家富克斯(J.J. Fux)寫下了第一本對位法的教科書;巴哈(J.S. Bach)更以創作創意曲、觸技曲、賦格等,成為對位法的集大成者。

4.多調性對位時期:十八、十九世紀是和聲學較發達的時期,至二十世紀,對位再度掀起浪潮,為更不協和音的對位,以橫向曲調的節奏設計為主,做十二音、中心音或非調性的對位,代表者為荀伯格(A. Schoenberg)、亨德密特(Paul Hindemith, 1895~1963)。

 

柴可夫斯基延伸閱讀:

 

 


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透過課程你會對音樂領域有更深一層的認識,林仁斌老師將帶領同學們從生平故事,去探究創作背景與作品的演奏,以及樂譜到創作技法解析、樂曲欣賞版本比較,細細感受各種精彩的詮釋,聽出更多音樂的世界樂趣!

 

系列|俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮

「俄羅斯憂鬱旋律天王」~柴可夫斯基,是大眾最喜愛的代表性音樂家,更將是2025年衛武營「瘋迷24」主題人物!在這柴可夫斯基交響曲系列課程中,將帶領大家深入他的全套六大交響曲,一次聽懂古典樂。

  • 課程內容

  • 第一堂柴可夫斯基與他的交響曲第一號交響曲《冬之夢》

柴可夫斯基一生中僅創作六首交響曲,這首完成於1868年,仍在莫斯科音樂院任教時期的第一首交響曲,已經展現出作曲家不凡的手筆~本堂課林仁斌老師將為大家梳理柴可夫斯基一生的交響曲創作歷程,並介紹他的第一首交響曲作品:《冬之夢》。

  • 第二堂|第二、三號交響曲《小俄羅斯》與《波蘭》

第二、三號交響曲分別創作於1872年1875年,均屬於作曲家之前半段創作期,除了展現青年時期的柴可夫斯基豐沛創意之外,共同之處為此時喜愛引用俄羅斯民謠曲調作為交響曲旋律來源~本堂課林仁斌老師將為大家介紹這兩首動聽的交響作品。

  • 第三堂|第四號交響曲

第四號交響曲創作於1877年5月至1878年1月間,柴可夫斯基此時已經由梅克夫人贊助,成為自由工作創作者,也正式邁入交響曲創作之黃金期,本堂課林仁斌老師將為大家深入介紹此曲之「命運動機」與精彩內容,讓您感受到作曲家深刻之思想與樂曲架構。

  • 第四堂|第五號交響曲

寫作於1888年5月至8月期間的第五號交響曲,不但旋律動聽,更是各大樂團巡迴時的愛用曲目,宏大的架構與首尾呼應的命運主題,還有那心醉動人的慢板樂章,都是此曲最迷人之處。本堂課且聽林仁斌老師為您娓娓道來,絕對入坑。

  • 第五堂|第六號交響曲《悲愴》

《悲愴》創作於1893年2月至8月間,最離奇的事件為首演之後九天,柴可夫斯基猝逝,真正原因始終為謎,更添此曲《悲愴》意涵。林仁斌老師將為您充分解析本首交響曲每一個樂章之創作特色與內容架構,作為本系列課程之完美總結。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


作曲家:柴可夫斯基

 

延伸閱讀

柴可夫斯基 生平簡介(整理於網路資源)

十九世紀的俄羅斯政治動盪不安,但在藝文領域卻在彼得大帝倡導的西化之下,逐漸開花結果:以第一代西化作曲家葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka, 1804-1857)及其追隨者「俄國五人組」(The Five)所領導表的俄羅斯國民樂派,在強烈民族意識與自由主義的趨使下,讓音樂創作有了新的方向並開始綻放光芒。他們的作品既創新又能帶有俄羅斯傳統的民間舞曲或民謠等文化基礎,融合西方古典音樂創作技巧與和聲,逐漸走出一條嶄新的道路。

柴可夫斯基所成長的環境中,正因為文學與音樂藝術的蓬勃發展,讓他能以不屬於當時任何一個流派之附庸,而以獨特的憂鬱、悲劇色彩,以及優美動人的旋律與和聲,不但在當代廣受注目,也成為俄羅斯作曲家中最為後世流傳,甚至是足以代表俄羅斯後期浪漫樂派翹楚之領導大師。

https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/

 

🎵2025年衛武營《瘋迷24柴可夫斯基》

出生於1840年,柴可夫斯基精巧揉合了斯拉夫民謠與傳統德奧技法,為浪漫樂派晚期帶來一波新的高峰,從交響曲、協奏曲、歌劇到室內樂無所不包,更重要的還有芭蕾音樂在其筆下,不只為舞蹈服務,而是能單獨聆賞的聽覺藝術,動聽旋律不絕於耳,至今傳頌不歇。

在一生最高傑作《悲愴》交響曲首演九天後,柴可夫斯基以53歲壯年之齡離世,徒留遺憾與謎團。正是他毫不避諱地寫下生命遭遇的挫折與苦澀,創造出如此「人性」的音樂,至今世人依然為之動容。2025年2月22日下午五點起,《瘋迷24柴可夫斯基》邀請大家一同於衛武營音樂廳、表演廳與各個開放空間中,沉浸悠揚旋律、感動低迴不已。


關於第一號交響曲

柴可夫斯基的第一號交響曲 冬之夢是他所創作的第一首大型交響曲,也是非常具有浪漫特質的交響作品,創作於 1866年 3月至 1868年初。其標題 ⟪冬之夢⟫ 是作曲家本人所題,也是六首交響曲中唯一一首作曲時即訂下標題之標題音樂。(第六號交響曲標題為 ⟪悲愴⟫,但卻是後來才附加上去之標題。)

 

柴可夫斯基 交響曲創作年份

《G小調第一交響曲》(1866年)
《C小調第二交響曲》(1872年)
《D大調第三交響曲》(1875年)
《F小調第四交響曲》(1878年)
《E小調第五交響曲》(1888年)
《B小調第六交響曲》(1893年)
《曼弗雷德交響曲》(1885年)

 

 

柴可夫斯基延伸閱讀:

 

關於創作背景

 

第一版 1866年

 ⟪冬之夢⟫ 是柴可夫斯基剛進入莫斯科音樂學院擔任作曲教授時的創作作品,進入莫斯科音樂學院後,柴可夫斯基也盡力力求表現,在莫斯科音樂院院長 尼可拉.魯賓斯坦(Nicola Rubinstein,1835-1881)的鼓勵下,整個夏天柴可夫斯基赴彼得霍夫(Peterhof)埋首於創作第一號交響曲之創作,經歷了大約兩年才完成。

1866年夏天,柴可夫斯基出發前往彼得霍夫附近的別墅,在那他繼續著第一號交響曲的創作工作。

他在 6月7日至19日致 Aleksandra Davydova的信中提到:「我已經創作第一號交響曲,我的健康狀況很好,除了最近太忙了,所以沒辦法整晚睡覺......

再根據柴可夫斯基的弟弟 莫德斯特回憶,創作此交響曲時是柴可夫斯基最痛苦的時期之一:

他的 g小調第一號交響曲,標題為被稱為 ⟪冬之夢⟫ 。當時沒有任何的工作讓他需要付出這樣的努力和痛苦......儘管苦心經營和艱苦的工作,交響曲的構成充滿了困難,在推動交響樂的同時,彼得·伊里奇 的神經變得越來越緊張。由於之前不曾構思如此龐大的樂曲,交響曲這種特別艱苦的工作,導致他開始患上失眠症,不眠之夜使他的創造力在 7月底時陷於癱瘓,可怕的神經性攻擊對他的身體全都爆發。這是他一生中從未經歷過的......這種疾病最令人痛苦的症狀是可怕的幻覺,這是非常可怕的,生病導致了他四肢完全麻木的感覺...」

因為懼怕這些神經緊張的恐懼再次發生,以至於哥哥一生都不想再於晚上工作。」

當他8月底前往聖彼得堡時,將這首未完成的交響曲拿給他的老師安東.魯賓斯坦(Anton Rubinstein)、以及札倫巴(Nikolay Zaremba,1821-1879)過目,結果遭受兩位老師諸多批評,讓柴可夫斯基感到非常沮喪。後於同年 11月, ⟪冬之夢⟫ 完成,這是第一版,或稱 1866年版。儘管並非完美,但 1866這年,柴可夫斯基 26歲,在身體百般煎熬與內外壓力之下,完成了人生中第一首交響曲。

 

第二版 1874年

1866年的版本和1874年的標題和速度都相同,最大的改動在於第1樂章,初版時的第2主題,在第2版時被整個換掉。而第2和4樂章則只是作出一些短小的刪減。

就在 1874年 1月份,柴可夫斯基決定重新改寫第一號交響曲,他的隨身記事本裡記載了幾個新的主題設計與想法,於是他將這些新的想法注入再改寫之後的版本裡。多年後柴可夫斯基 於 1886年 4月 15日寫給出版商朋友 Pyotr Jurgenson 的信件裡,詳細說明了第二版的更動內容:

第一號交響曲的第一版,我寫作於 1866年。由於首演後不夠滿意,當時根據 Nikolay Grigoryevich 的建議之下,我曾作出一些基本修改。然而直到 1874年我才正式改寫第一號交響曲的內容。在 1875年我的生日時,您送了我一份印刷總譜,這讓我非常感動。除了一些樂譜上的小錯誤之外,這份版本是正確的,都是依照我 1874年修改就後的新內容。再後來到 1883年我們準備再次演出第一號交響曲時,我依舊注意到總譜裡有許多小錯誤,不過後來我們演出時一切都已經修正。...

信件裡還有許多針對第一號交響曲的練習彩排修正稿,後來不翼而飛。而信中內容則可見柴可夫斯基擔憂出版商的出版正確性,鉅細彌遺的個性。

在這之後還有一封給出版商 Pyotr Jurgenson 的信,信裡寫著:「我非常喜愛這首第一號交響曲,並以其中充滿許多不愉快為憾。」("I like this symphony very much, and deeply regret that it's had such an unhappy existence"

1883時,柴可夫斯基也曾於寫給 Karl Albrecht 之信中,提到第一號交響曲:「儘管這首交響曲有著許多缺點,我仍為他的弱點感到滿足,因為這首交響曲是我甜蜜青春的原罪。」("Despite all its huge shortcomings, I still nourish a weakness for it, because it was a sin of my sweet youth")

後來所有的交響樂團演出版,皆以 1874年第二版為主。

 

樂曲結構

  • 第1樂章:「冬旅之夢想」,寧靜的快板("Dreams of a Winter Journey",Allegro tranquillo)
  • 第2樂章:「荒涼、多霧之地」,如歌般從容的慢板("Land of Desolation, Land of Mists",Adagio cantabile ma non tanto)
  • 第3樂章:諧謔曲,詼諧戲謔的快板(Scherzo,Allegro scherzando giocoso)
三段體樂曲,其中中段部份是選取自學生時代所作的鋼琴奏鳴曲,移調後直接套入的。
  • 第4樂章:終曲,傷感的行板 — 莊嚴的快板(Finale,Andante lugubre — Allegro maestoso)
運用了民歌(俄語:"Распашу ли я млада, младeшенка")。

編按:柴可夫斯基並未對第一樂章 - 寧靜的快板「冬旅之夢想」與第二樂章 - 如歌般從容的慢板「荒涼、多霧之地」之標題與副標題提出進一步說明。

 

樂曲配器

木管樂器短笛、2長笛、2雙簧管、2單簧管、2低音管
銅管樂器:4法國號、2小號、3長號低音號
打擊樂器定音鼓大鼓(除定音鼓外,只在第4樂章使用)
弦樂器:第1小提琴、第2小提琴、中提琴大提琴低音提琴

 

關於首演

樂曲完成之後,柴可夫斯基將作品題獻給莫斯科音樂院院長 尼可拉.魯賓斯坦,也就是他的老師 安東.魯賓斯坦的弟弟。

初次第三樂章首演

根據柴可夫斯基的弟弟 Modest Tchaikovsky,1866年 12月10日至 22日,由尼可拉.魯賓斯坦指揮第一號交響曲第三樂章詼諧曲,於第五屆俄羅斯音樂學會音樂會上演出,地點在莫斯科,但演出並未成功獲得好評。

 

初次第二、三樂章首演

1867年 2月 11日至 23日,安東.魯賓斯坦於 聖彼得堡之第九屆俄羅斯音樂學會音樂會上,指揮第二樂章慢板和第三樂章詼諧曲演出。

 

初版全曲首演

初版的全曲首演後於 1868年 2月 3日至15日舉行,尼可拉.魯賓斯坦於莫斯科舉辦之第八屆俄羅斯音樂學會音樂會上,指揮第一號交響曲 ⟪冬之夢⟫ 全曲演出。相較於之前僅安排個別樂章之演出,終於獲得成功。柴可夫斯基寫道:「我的交響曲取得了巨大的成功,特別是Andante和Scherzo。」

1874年修訂版之首演於 1883年 12月 1日,由指揮家 Erdmannsdörfer 指揮於莫斯科舉行。而柴可夫斯基本人也與指揮家共同修正許多樂譜上之印刷錯誤。

 

1874年版首演 

1874年版的第一號交響曲首演於 1883年 11月 19日 / 12月1日。由指揮家 MaxErdmannsdörfer 於 莫斯科第五屆俄羅斯音樂學會音樂會中演出。

另外,有留下紀錄的早期演出有:

聖彼得堡,第二屆俄羅斯交響音樂會,1886年10月22日/ 11月3日,由 GeorgyDütsch 指揮

紐約,卡內基音樂廳,愛樂協會音樂會,1896年1月26日/ 2月7日,由 Anton Seidl 指揮

伯恩茅斯(Bournemouth),冬季花園,1900年9月25日/ 10月8日,丹戈弗雷指揮

英國倫敦女王大廳,1902年8月14日至27日,由Henry Wood指揮。

樂章簡說

第一樂章 

「冬旅之夢想」,寧靜的快板

 

在小提琴群的極弱和聲音中,第一主題由長笛與低音管同時奏出。木管裡高低兩種音色,產生出非常美妙的空靈感,彷彿帶領聽眾進入作曲家想像的音樂情境中;而這種非常俄羅斯風味的冷冽音色效果,更是許多歐洲作曲家擁有不同風味,非常值得大家品味:

 

第一主題之回應樂句,由雙簧管、單簧管與低音管同時奏出,非常具有節奏性,讓人充分感受到音樂律動的活力。

 

第一樂章 第二主題。在第一主題段落不斷上行製造出越來越強的張力之後,由單簧管奏出這段美妙的旋律,瞬間平和了音樂的氣氛,也帶來更多音樂中的優美與抒情氛圍:

 

第二樂章

「荒涼、多霧之地」,如歌般從容的慢板

第二樂章第一主題

在開頭加入弱音器的弦樂和聲伴奏之下,逐漸升高音域,由雙簧管獨奏奏出。氣氛非常柔和靜謐,從音樂中我們幾乎也能感受到柴可夫斯基筆下的「荒涼、多霧之地」這樣的世界。

第二樂章第二主題

在雙簧管的獨奏段落之後,中提琴與長笛共同奏出第二主題,加上雙簧管與單簧管與低音弦樂之撥弦伴奏,讓這段音樂聽起來非常悠閒,且帶著豐富的樂趣感受:

 

第三樂章

3/8拍,詼諧的快板。

在第三樂章的設定中,我們可以見到柴可夫斯基曲式的西歐化,他選擇了貝多芬之後常用的詼諧曲作為第三樂章。

樂曲開頭是四小節木管樂器群的 32分音符前奏:

 

接續是小提琴 I、II 之回應:

 

之後再進入木管群的獨奏主題:

 

除了 3/8拍的速度與許多附點節奏變化之外,從弦樂五部的總譜中時而可見在運弓與撥奏之間變化,可見得柴可夫斯基想以更豐富的演奏技法與音色變化,營造出詼諧曲的幽默感。

 

第四樂章

終曲,傷感的行板 — 莊嚴的快板

樂曲一開始,以低音管為主,彷彿緩慢而沈重的腳步般,連續兩次的三小節旋律加上延長記號,讓音樂聽起來是如此感傷。

 

主要的慢板旋律在小提琴 I、II 與中提琴之間輪流演奏、齊奏

在長達兩分多鐘的慢板序奏後,樂曲進入快板,調性也進入大調,在弦樂與管樂皆為上行音程所帶來的益趨明亮效果中,我們可以感受到似乎剛剛的陰暗情緒已然成為過去。

 

木管群的演奏由低音起始,中、高音逐漸加入,營造明亮的感受:

 

弦樂也由中、低音起始,兩小節後加入小提琴,並以小聲+漸強逐漸演奏上行震音旋律,整體音響效果越來越明亮:

 

第四樂章快板的第一主題,包含許多切分音俄羅斯舞曲味道十足,讓音樂充滿歡樂喜慶的感覺:

 

第四樂章快板第二主題,柴可夫斯基使用了俄羅斯民謠 "Распашу ли я млада, младeшенка" 為藍本,讓本樂章的民族性更加明顯。

這兩個主題的運用,也成為此樂章的旋律主體:歡樂喜慶,似乎告訴大家:在揮別了陰暗與憂傷的冬日(國家政局),俄羅斯也會有春天的(自由民主)~

 

網路上遍尋不著此民謠的原曲音樂,所以放上另一首俄羅斯民謠合唱,來感受原汁原味的俄羅斯民謠氛圍。

https://www.youtube.com/watch?v=tCKVumhmXR0

 

音樂欣賞

總譜版本音樂欣賞
Tchaikovsky - Symphony No.1 in G Minor "Winter Dreams" with Score

點按↓時間軸可直接進入樂章欣賞

00:00:00 - Movement I. Dreams of a Winter Journey
00:11:29 - Movement II. Land of Desolation, Land of Mists
00:21:23 - Movement III. Scherzo
00:28:57 - Movement IV. Finale

https://www.youtube.com/watch?v=vZRsNzIwYAA

 

2012年 指揮家帕沃.賈維(Paavo Järvi)指揮法蘭克福廣播交響樂團 Live'版本
hr-Sinfonieorchester (Frankfurt Radio Symphony Orchestra) ∙
Paavo Järvi, Dirigent ∙ Alte Oper Frankfurt, 14. Dezember 2012

點按↓時間軸可直接進入樂章欣賞

00:23 - Movement I. Dreams of a Winter Journey 
12:09 - Movement II. Land of Desolation, Land of Mists 
23:07 - Movement III. Scherzo 
31:00- Movement IV. Finale

https://www.youtube.com/watch?v=ocIajFkPwyU

 


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  • 第一堂|比才:《卡門》

1875年首演於巴黎的《卡門》,由作曲家比才改編自作家梅里美的同名小說,敘述煙草工場美女卡門放蕩不羈的愛情觀念與最後的死亡悲劇,可說是歷史上最知名的歌劇作品。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始解析,再搭配劇中數不盡的精彩優美旋律,讓您深度品嚐卡門的愛與愁,麗與美~

  • 第二堂|貝里尼:《諾瑪》

義大利作曲家貝里尼改編自劇作家亞歷山大·蘇美於1831 演出的同名歌劇《諾瑪》(Norma),敘述女祭司悲劇式的愛情,其中的詠嘆調〈聖潔的女神〉(Casta Diva)更是膾炙人口。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始介紹,再解析劇中詠嘆調之寫作,讓您深入了解《諾瑪》的豐富內涵。

  • 第三堂|威爾第:《遊唱詩人》

威爾第《遊唱詩人》(Il trovatore)是改編自Antonio García Gutiérrez的西班牙文話劇《El Trobador》的四幕著名歌劇,更是威爾第創作生涯中期的三部劇作之一(另兩部為《弄臣》與《茶花女》)。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景為始,帶您欣賞精彩詠嘆與戲劇性十足之劇情,保證讓您大呼過癮。

  • 第四堂|華格納:《崔斯坦與伊索德》

《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde)的故事情節,來源於凱爾特人故事集,關於阿圖斯國王與崔斯坦的傳說。除了寫實題材之外,更被視為是華格納和馬蒂爾德·維森東克的戀情寫照。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景,深入介紹「崔斯坦和弦」、〈愛之夜〉與〈愛之死〉,讓您一窺被視為古典-浪漫音樂的終結、新音樂的開山之作。

  • 第五堂|普契尼:《瑪儂雷斯考》

普契尼的成名作《瑪儂.雷斯考》是他步入寫實主義創作開端,其「主導動機」的寫作方式,連華格納之子齊格菲都讚譽有加。改編自普弗神父鼎鼎大名的同名小說《瑪儂.雷斯考》,普契尼雖更加聚焦於男女情愛,但音樂之細膩卻才是他成功的真正要素~在本堂課中,林仁斌老師將為您從原著小說談到劇中的精彩音樂,您不可錯過。

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《瑪儂雷斯考》

 

從故事作者談起

《瑪儂・雷斯考》的作者是安托萬・弗朗索瓦・普雷沃(Antoine François Prévost),人稱普雷沃神父。

 

生平經歷

弗朗索瓦・普雷沃於 1697 年 4 月 1 日出生在法國阿圖瓦省的埃斯丹,出身於貴族家庭。早年接受了良好的教育,曾在耶穌會學校學習,後來進入本篤教會成為一名神父 。在宗教生涯中,他曾多次遊歷歐洲各地,這些經歷豐富了他的見聞和思想,也為他日後的創作提供了素材。

1763 年 11 月 23 日,普雷沃去世於法國尚蒂伊 。

 

創作風格

  • 情感描寫細膩:普雷沃善於描寫人物內心的情感世界,他以細膩的筆觸刻畫出人物的愛情、欲望、悔恨、痛苦等複雜情感,使讀者能夠深刻感受到角色的心境和情感變化。在《瑪儂・雷斯考》中,主角德・格里厄對瑪儂的癡迷與愛戀、以及女主角瑪儂在愛情與物質之間的糾葛等情感,都被描寫得十分細膩入微。
  • 現實主義傾向:他的作品具有一定的現實主義傾向,反映了當時社會的現實問題和人性的弱點。通過對人物命運的描寫,揭示了社會的階級矛盾、道德敗壞等問題,對社會現象進行批判和反思。
  • 敘事技巧高超:普雷沃在敘事上技巧高超,他善於構造曲折的故事情節,設置懸念和轉折,使故事充滿吸引力和感染力。他的作品常常以第一人稱敘事,使讀者更容易代入主人公的視角,增強故事的真實感和親切感 。

 

文學地位

普雷沃是 18 世紀法國著名的作家,他的作品在法國文學史上佔有重要地位。

《瑪儂・雷斯考》是普雷沃的代表作之一,該作品於 1731 年出版,是其長篇小說《一個貴族的回憶錄與奇遇》的第七卷,也是最後一卷 。

 

這部作品出版後雖然曾被法國當局查禁,但因其內容精彩,深受讀者喜愛,在當時出現了大量的盜版,並在 1753 年經普雷沃修改後再次出版。它被譽為法國文學中再版次數最多的書籍之一,在 1731 年至 1981 年間共出版了超過 250 個版本 。

 

《瑪儂・雷斯考》的小說與歌劇故事如下:

主要人物

  • 瑪儂・雷斯考:她是故事的女主角,美麗動人且聰慧機敏,但同時也貪慕虛榮。出身於普通家庭的她,渴望通過愛情或其他手段進入上流社會,享受富貴榮華。
  • 德・格里厄騎士:男主角,一位年輕的貴族,純真善良且充滿激情。他對瑪儂一見鍾情,陷入了熱烈的愛情之中,甚至不惜為了瑪儂與家庭和社會規範對抗。

 

故事梗概

  • 初遇與相戀:德・格里厄在一次偶然的機會中遇見了瑪儂,立刻被她的美貌和魅力所吸引。瑪儂也對這位年輕的貴族產生了好感,兩人很快墜入愛河。德・格里厄不顧家人的反對,與瑪儂私奔,開始了他們的愛情之旅。
  • 現實的困境:然而,現實的生活並不像他們想象的那麼美好。由於缺乏經濟來源,他們的生活逐漸陷入困境。瑪儂雖然深愛著德・格里厄,但她對物質生活的渴望和虛榮心使她難以忍受貧窮的生活。
  • 瑪儂的背叛:在一次偶然的機會中,瑪儂遇到了一位富有的老貴族,為了金錢和地位,她背叛了德・格里厄,成為了老貴族的情人。德・格里厄得知後,痛苦萬分,但他仍然深愛著瑪儂,甚至不惜冒險去尋找她。
  • 命運的波折:瑪儂在享盡榮華富貴後,並未得到真正的幸福。她被老貴族發現了與德・格里厄的私情,遭到了殘酷的報復,被流放到了美洲殖民地。德・格里厄得知瑪儂的遭遇後,不顧一切地追隨她到了美洲。
  • 悲慘的結局:在美洲,瑪儂和德・格里厄經歷了種種磨難,但他們的愛情依然堅定。然而,瑪儂最終在貧病交加中死去,德・格里厄悲痛欲絕,從此一蹶不振。

 

劇情簡介
原奉父命成為修女的美少女瑪儂,在前往修道院途中被年輕學生德.格里厄的熱情求愛打動,決定私奔至巴黎。然而,窮學生無法滿足巴黎開銷,瑪儂選擇成為老富翁的情婦。即使享受著奢華,她的心卻始終牽掛德.格里厄。再度重逢時,他們被老富翁發現偷情,逃亡中瑪儂難以割捨珠寶,最終被捕而流放至北美洲荒漠。在重病中,瑪儂回憶起過去的錯誤,在德.格里厄的懷抱中悲痛地死去。(本段文字取自衛武營節目介紹)

 

初遇與私奔

故事發生在 18 世紀初的法國,年輕的貴族德・格里厄在亞眠學習哲學,他出身於顯赫的貴族家庭。在一次偶然的機會中,他遇見了前往修道院的瑪儂・雷斯考,瑪儂美麗動人且聰慧機敏,德・格里厄一見鍾情。瑪儂雖然出身普通,但也渴望進入上流社會,享受富貴榮華。德・格里厄不顧家人的反對,毅然與瑪儂私奔,二人來到了巴黎。

 

巴黎的生活

在巴黎,這對年輕的戀人開始了同居生活。德・格里厄深愛著瑪儂,為了滿足她對奢侈生活的追求,他不惜向忠誠的朋友蒂爾伯格借錢,甚至還通過欺騙賭徒等方式獲取金錢。然而,命運似乎總是捉弄人,德・格里厄的財富多次遭遇意外,不是被偷就是遭遇火災而化為烏有。瑪儂雖然也深愛著德・格里厄,但她無法忍受貧窮的生活,於是多次離開德・格里厄,轉而投向更富有的男人的懷抱

 

流放與追隨

瑪儂最終因從事賣淫活動而被流放到美洲的路易斯安那州。德・格里厄得知後,不顧一切地追隨她到了那裡。在路易斯安那州,二人假裝成夫妻,過了一段田園般寧靜的生活。但當德・格里厄向總督埃蒂安・佩里埃坦白他們並未結婚的事實,並請求與瑪儂正式結婚時,佩里埃的侄子辛內萊特卻盯上了瑪儂。德・格里厄在絕望中向辛內萊特提出決鬥,並將其擊昏,他以為自己殺了人,害怕遭到報復,於是與瑪儂一起逃離了新奧爾良,進入路易斯安那的荒野,希望能到達英國的殖民地。

 

悲慘的結局

在荒野中,瑪儂因暴露於野外和疲勞過度,第二天早晨便於沙漠中死去了。德・格里厄悲痛欲絕,他埋葬了自己心愛的瑪儂後,最終被蒂爾伯格帶回了法國。

 

作品影響

  • 文學價值:《瑪儂・雷斯考》以其細膩的心理描寫、曲折的故事情節和深刻的社會批判,成為了法國文學史上的經典之作。它揭示了人性的複雜和脆弱,以及社會現實對人們愛情和命運的影響。
  • 音樂改編:這部作品也被多次改編成歌劇、芭蕾舞劇等音樂形式,其中普契尼的歌劇《瑪儂・雷斯考》最為著名。歌劇以其動人的音樂和精彩的表演,將故事中的愛情、悲劇和社會現實展現得淋漓盡致,深受觀眾喜愛。

 


【轉載】瑪儂.雷斯考 — 普契尼的紅顏薄命之歌

《瑪儂.雷斯考》是使普契尼(1858 ~ 1924) 真正成名的歌劇 。

普契尼從⽶蘭⾳樂學院畢業之後,在1884年他⼆⼗六歲時,由於第⼀部歌劇《群妖圍舞》(Le villi)在⽶蘭⾸演⽽開始在當地頗受歡迎。這部情節有點類似芭蕾舞劇《吉賽爾》(Giselle)的四幕歌劇,定下了作曲家以後⼀連串歌劇的基調:愛情終究導致悲劇。

接著,他的第⼆部歌劇《埃德加》(Edgar)卻是⼀個⼤失敗。

這部同樣描寫愛情悲劇的作品,情節有點像《卡⾨》(Carmen),描寫的是男主角埃德加被嫉妒的吉普賽情婦殺死的故事,劇本寫得很糟糕。該劇1889年在⽶蘭⾸演時,觀眾反應很差,不久就被⼈遺忘。

普契尼並沒有因此灰⼼喪氣,⽽是費盡⼼思尋找更適合⽤⾳樂表現的題材。他⼤量閱讀⽂學作品,並且捕捉⽣活中感⼈的事件和⼈物,以便篩選出符合他的審美觀和創作原則的題材來。

當時,義⼤利的社會和歷史環境發⽣了巨⼤變化。⼀個飽受法國、奧地利等強⼤鄰國欺凌瓜分的義⼤利(普契尼所師承的威爾第,就是處於那個時代),已經在民族英雄加⾥波第等⼈的努⼒和領導下,變成⼀個以羅⾺爲⾸都的統⼀的義⼤利。義⼤利的作家和藝術家,已經逐步脫離過去熱中於以希臘羅⾺神話、英雄⼈物和重⼤歷史事件爲題材的風尚,開始重視社會本身和平凡⼈物。他們追求的是故事情節和⾳樂的抒情因素,⽤普契尼的話來說:「戲劇就是要吸引⼈⼼、攫取⼈⼼、感動⼈⼼。」他終於成爲義⼤利寫實主義流派的代表。

他找到了法國⼩說家普雷沃的著名⼩說《德 • 格⾥厄騎⼠與瑪儂•萊斯科的故事》 ( Histoire du chevalier Des Grieux et de Manon Lescaut)。這本⼩說出版於1731年,描寫的是⼀個纏綿悱側⽽以悲劇結束的愛情故事,女主角瑪儂的遭遇很感⼈。在普契尼之前,已經有好幾位作曲家把它改編爲歌劇,其中最傑出的是法國作曲家⾺斯內(Massenet)於1882年開始寫作的《瑪儂》(Manon)。這部作品1884年⾸演於巴黎喜歌劇院,獲得了巨⼤成功,且久演不衰。

普契尼原本並不打算再寫⼀部同名歌劇,但仔細閱讀普雷沃的原著之後,他深深感到書中描寫的⼩⼈物,正是⾃⼰渴望⽤藝術形式來表現的。⼩說的動⼈情節和女主角瑪儂的性格及悲慘下場,使他感動不已,這些也符合他⼀貫主張採⽤的藝術主題。正如當時評論所指出的:「他愛上了瑪儂這個⼈物,瑪儂遠非戲劇裡的⼈物,⽽是他⽣活的⼀部分。」

於是他投入巨⼤的⼼⼒,前後和多位腳本作家合作,終於改編出⼀部新劇本。他和前輩威爾第⼀樣,深知劇本對於歌劇創作成敗的重要性,就像威爾第會經親⾃投入劇本的寫作⼀樣,普契尼也認真地從事改編⼯作。他先找到年輕的萊翁卡瓦洛,但結果不能令他滿意。後來是劇作家普拉加,普拉加又請詩⼈奧利瓦幫忙。幾經修改,普契尼都發現⼀些不稱⼼之處。最後,在出版商提議下,還是請後來和他⼀起寫出數部不朽名作的最佳搭檔— 劇作家伊利卡和賈科薩,才完成了這項任務。 

從開始到完成,劇本⼀共花了三年時間。

爲了區別於已廣泛流傳的《瑪儂》,普契尼決定把它定名爲《瑪儂•萊斯科》。

在這部劇本裡,瑪儂⼤體上還是⼩說中那個天真幼稚⽽又多情浪漫的少女,但是,已經少了⼀些過於輕浮的性格,也就是⼩說中德•格⾥厄所說的「⾒異思遷、⼼地不良的瑪儂」,⽽多了⼀些為普契尼所喜愛、像《波希⽶亞⼈》中的咪咪那類女性的特點。歌劇裡對瑪儂⾦屋藏嬌⽽最後陷害她的貴族傑隆特,顯然是⼩說中的好⾊⽼⼈G. M. 的變種(⼩說中⽤德•格⾥厄口述的⽅式,可能是出於厭惡,沒有說出⽼⼈的全名)。儘管普契尼的劇本與⼩說原作有所不同,但比起⾺斯內的劇本,它還是比較忠實。

⾺斯內的《瑪儂》和普契尼的《瑪儂•萊斯科》相比,只有男女主角和萊斯科三個⼈的名字和角⾊⼤致⼀樣(在原著中,萊斯科為瑪儂之兄,普契尼的《瑪儂•萊斯科》亦如此套⽤︔但在⾺斯內的《瑪儂》裡,他的身分改成了瑪儂的堂兄),其餘⼈物的差別就比較⼤。

有錢的⽼⾊鬼在《瑪儂》中是貴族吉約•德•莫⽅丹︔在《瑪儂萊斯科》裡則是亞眠的總司庫(另⼀種說法為收稅的貴族)傑隆特,他們同樣是誘騙瑪儂並使她陷入死亡深淵的罪魁禍⾸。但是,在《瑪儂》中,使瑪儂被捕、流放、死亡的還有德•格⾥厄的頑固⽗親德•格⾥厄伯爵,他極⼒反對這兩個年輕⼈相愛,還⼀再叫⼈抓⾛他的兒⼦。

在《瑪儂》中,女主⼈公死於從巴黎前往勒阿弗爾港的途中,⽽普契尼則把視野從法國擴⼤到美洲。 

那個年代,⼀部分法國罪犯會被送上船或軍艦,從勒阿弗爾流放到當時還不那麽發達的美洲,⽬的地主要是法國移民聚居的紐奧爾良。瑪儂和德•格⾥厄貧病交加,體弱的瑪儂終於在城郊的沙漠裡死於戀⼈懷抱,歌劇也在充滿哀愁的樂聲中落幕。

1893年2⽉1⽇,《瑪儂•萊斯科》在義⼤利都靈皇家劇院⾸演,⾨票早已銷售⼀空。兩個⼩時的演出博得了觀眾的熱烈喝采,也得到了公眾和評論界的廣泛好評,有報紙發表評論說:「這部作品是天才的,可以列入經典歌劇。普契尼的天才是義⼤利的。」

不僅如此,歡迎本劇的熱潮擴展到世界上其他國家。它先後在阿根廷、巴西、西班牙、俄國以及英、法等國演出,普契尼乘機訪問了倫敦、巴黎等地。謝幕時,觀眾對到場的普契尼再三熱烈喝采⿎掌。在倫敦演出後,在藝評界頗有地位的愛爾蘭⽂豪蕭伯納說:「普契尼在許多⽅⾯比其他競爭者更像是威爾第的繼承⼈。」從此,普契尼在國際上得到了普遍承認。

《瑪儂•萊斯科》的成功,使《埃德加》失敗留下的陰霾⼀掃⽽空,還幫助普契尼擺脫了長期貧困,讓他有能⼒買下多幢房⼦和剛問世不久的汽⾞。他喜歡開快⾞,因此出了⾞禍,使他在創作《蝴蝶夫⼈》(Madama Butterfly)時不得不中斷⼀段時間。

更重要的是,它使普契尼重獲信⼼,沿著已經⾛上的道路前⾏。他比以往更加挑剔歌劇題材,繼續發掘像瑪儂那樣的女主角和故事。

他依靠與伊利卡和賈科薩的合作,精⼼寫下⼀部又⼀部輝煌的歌劇,每⼀部都⼤約相隔四年。

《瑪儂•萊斯科》雖然沒有普契尼後來三⼤名作那樣出⾊成功,但是,本劇的⾳樂仍然具有獨特美感。他⾃⼰說這部作品是「我最⾼的⾳樂傑作」,紐約⼤都會歌劇院⼀位指揮家也說:「這部作品具有豐富、優美的旋律與美妙的和聲,卓越地表達了⼈的感情。作曲家所有的⾳樂特⾊都得到了體現。⼈們可以從中欣賞到最優秀的⾳樂。」

簡⽽⾔之,把詠嘆調、對話、動作和管弦樂巧妙地融合在⼀起,產⽣出歌劇來,也許就是普契尼天才的顯著表現吧。(文. ⿈祖民)

完整歌劇欣賞


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:為愛而聲.為愛而活 - 談一代歌劇傳奇女伶:瑪麗亞卡拉絲

【BON音樂】【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:為愛而聲.為愛而活 - 談一代歌劇傳奇女伶:瑪麗亞卡拉絲
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豐富人生 X 音樂天地/第253場

林仁斌(旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長​)

題:為愛而聲.為愛而活 談一代歌劇傳奇女伶:瑪麗亞卡拉絲

2024年12月11日(三)晚上19:00-21:00

上海銀行大樓二樓多功能廳(臺北市中山區民權東路一段2號)

02-2531-6111 分機 104 楊小姐

 

講座簡介:

史上最偉大的歌劇女皇瑪麗亞卡拉絲(Maria Callas)過世已超過40年,但在樂迷心目中,女神的地位恆久不變~她精彩的人生更充滿著戲劇人生的既視感。超人氣音樂導聆林仁斌老師將於本場演講為您帶來卡拉絲的成長故事與愛情故事,還有那充滿魅力的戲劇歌聲。 

交通資訊

捷運-淡水線民權西路站7號出口或中和蘆洲線中山國小站2號出口

公車-
▪ 民權中山路口站:211、225、225區間、226、227、227區間、26、261、280、41、520、617、617副、63、638、801、803、811、紅29、紅31、民權幹線

注意事項

本場次未開放網路直播。座位席次有限,採網路預約報名,若預約名額已滿,不再受理報名。
★ 活動當天18:30開始報到,已報名者敬請盡早報到入座,確保席次開放現場候補後,晚到者不一定會有座位。
★ 活動當天18:45開放現場候補,但不一定會有座位,請自行評估是否前往現場排隊候補。
​★ 為尊重著作權,本場次活動進行期間,禁止攝錄影、音。
★ 為尊重講者與現場民眾的聽講權益,講座進行中,並請將電子設備調整為靜音或震動,以及會場內禁止飲食,維持良好的活動品質
主辦單位保有修改、變更或暫停講座之權利。

 

主講人:林仁斌老師

 


卡拉絲:為愛而聲

「我用我所詮釋的樂曲,寫了自己的回憶錄,那是我唯一了解的語言。」
                                                                                                            ──瑪麗亞卡拉絲(Maria Callas)

 

https://youtu.be/zXgcagkJcoQ

 

為藝術犧牲愛情,為愛情犧牲事業

瑪麗亞卡拉絲逝世40週年紀念電影,全片以卡拉絲親筆寫下的書信,一窺這位一代名伶的傳奇人生。

(部分資料整理自網路與維基百科)

《卡拉絲:為愛而聲》特別請來凱薩獎影后芬妮亞當擔任旁白與讀信人,因為曾在舞台劇《Master Class》與電影《永遠的卡拉絲》(Callas Forever)中完美詮釋了卡拉絲,讓她對卡拉絲的生平與情感有深刻的瞭解及體會。電影不但收錄許多從未曝光的珍貴影像,更因為法國影后芬妮亞當(Fanny Ardant)的旁白,獻聲演繹卡拉絲的私密信件,讓觀眾得以透過卡拉絲親筆寫下的字句,深入瞭解一代名伶的美麗與哀愁。

芬妮亞當在片中用充滿感情的聲線,演繹卡拉絲從未曝光過的私密信件。其中包括卡拉絲寫給丈夫的情書,信裡她活脫脫就是一個沉浸在愛情中的小女人,一切以丈夫為尊;反觀她寫給歌唱老師的信,則搖身一變,成為野心勃勃的歌唱家,不顧一切地爭取事業上的成功。

一生為歌劇藝術而活

卡拉絲生前重要的演出搭檔──男高音史帝法諾說:「她的一生似乎就是為了歌劇藝術而活,但最後卻又為了愛情而犧牲自己的事業、甚至是生命。她對藝術與愛情投入毫無保留的愛,歌聲就是她的傳記。

 

二次世界大戰後,擁有無與倫比才華的卡拉絲成為世界知名的歌劇名伶,儼然站在古典樂界的頂峰,然而她內心渴望的卻是擁有真正的愛情和幸福的家庭。她的第一段婚姻因為婚外情以離婚收場,而她的情人正是世界知名的花花公子「希臘船王」歐納西斯,兩人苦戀9年,然而最後歐納西斯卻拋棄了卡拉絲,而娶了美國總統約翰甘迺迪的遺孀賈桂琳。

 

卡拉絲這段戀情受到舉世的注目,也注定了她悲劇性的結局。

 

片中許多卡拉絲親筆寫下的私密書信、珍貴的影像專訪,和大量從未曝光過的家庭影像、以及經過彩色修復的珍貴影像資料。

 

推薦閱讀

藍祖蔚專欄 《卡拉絲:為愛而聲》:聲音的二重奏

 

卡拉絲生平

瑪麗亞·卡拉絲英文Maria Callas希臘文:Μαρία Άννα Σοφία Καικιλία Καλογεροπούλου,1923年12月2日-1977年9月16日),美國希臘女高音歌唱家。卡拉絲是義大利美聲歌劇」(bel canto)復興的代表人物。她兼備高超的演唱技巧和超凡的舞台表演能力,被認為是歷史上最有影響力的女高音之一。卡拉絲能夠勝任各種風格的歌劇,出演的歌劇涵蓋從早期古典歌劇直到晚近的威爾第普契尼的作品。

→卡拉絲生平(取自維基百科)

1923年出生於美國的卡拉絲在1937年和母親回到祖國希臘,母親看出她的音樂才華,安排她7歲學鋼琴,並在返回希臘後讓她進入雅典的音樂學院。從小卡拉絲就在母親的嚴格督促下,學習音樂、不斷練唱,沒有歡樂的童年。卡拉絲曾表示,姊姊從小苗條美麗加上性情和善,但她卻是個醜小鴨,又胖又笨拙、人緣不佳,母親也總是偏袒姊姊。

除了抱怨被母親剝奪童年,在二次大戰期間母親強迫卡拉絲與不同男性、尤其是德國和義大利軍人外出,藉此換取金錢和食物養家,更讓卡拉絲日後難以原諒母親。後來卡拉絲逐漸在樂壇嶄露頭角,並在1949年嫁給大她30歲的企業家喬瓦尼梅內吉尼,母女關係愈趨惡劣,兩人從1950年後再沒有見面。母女翻臉的事情於1956年登上《時代雜誌》封面,鬧得人盡皆知,母親也在1960年出版《我的女兒:瑪麗亞卡拉絲》(My Daughter–Maria Callas)讓母女醜聞再掀話題。

卡拉絲童年是醜小鴨,長大後卻蛻變成天鵝。原本體型豐滿的她,後來不只歌聲動人,還是時尚指標。1953年到1954年初,她為了演出歌劇《美狄亞》,減重達80磅(約36公斤),一雙明眸與纖瘦身材成為歌劇舞台上最亮眼的女明星。

在感情生活中,卡拉絲雖然嫁給事業有成的企業家喬瓦尼梅內吉尼(Giovanni Meneghini,兩人在1949年結婚。婚後梅內吉尼成為卡拉絲的經紀人,直到1959年兩人分居為止。梅內吉尼的支持照顧使得卡拉絲在義大利能夠立足和發展。在他後來的回憶錄中,他提到卡拉絲的幸福是他的唯一所求。但卡拉絲在婚姻關係中,也表達過對方接手經營她的歌唱事業,讓卡拉絲覺得自己只是對方手上的生財工具。

1957年卡拉絲初識大她17歲的希臘船王歐納西斯,2年後歐納西斯又邀請卡拉絲夫婦與邱吉爾等一票名流好友搭乘遊艇出遊,2人雖各自有婚姻卻因這次的「愛之船」譜出戀曲。礙於身分,戀情就算傳開,仍難以公開承認,但卡拉絲卻在受訪時坦承和歐納西斯是非常投緣的好朋友。

卡拉絲與歐納西斯的戀情維持約9年,卡拉絲還曾經為了與歐納西斯結婚,宣布放棄美國國籍。但1968年,歐納西斯忽然迎娶美國前總統甘迺迪遺孀賈桂琳,卡拉絲隱忍9年卻一無所有,甚至還是從報紙上得知歐納西斯的婚訊,痛苦之深難以平復。

1977年9月16日卡拉絲因心臟病過世,得年53歲。艱難的歲月、情愛的磨難和對音樂獨到的詮釋,讓卡拉絲儼然是「愛情代言人」,無論演唱「聖潔的女神」、「卡門」或「我親愛的爸爸」等名曲,都彷彿發自深處的由衷慨歎,熨貼每個世代、無數受傷的心。

 

卡拉絲與希臘船王亞里斯多德·歐納西斯保持了多年的親密關係。這一直吸引了媒體和社會相當的關注。卡拉絲在1957年一次演出後的聚會上與歐納西斯相識。1959年11月,她離開丈夫梅內吉尼,與歐納西斯同居。曾有報導稱,卡拉絲在1960年曾為歐納西斯生育過一個男孩,不過產後數小時內就夭折了。兩人的關係在九年後終結。歐納西斯離開卡拉絲,轉而追求美國前總統約翰·甘迺迪的遺孀賈桂琳·甘迺迪

卡拉絲此後一直獨自居住在巴黎,直到去世。1977年9月16日,卡拉絲在她的住所死於由於用藥過量引起的心臟衰竭,時年53歲。葬禮在1977年9月20日在巴黎十六區希臘正教會聖司提反主教座堂舉行。死後按照遺願,她的骨灰被撒入愛琴海


補充資料

卡拉絲生平網站



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  • 第一堂|比才:《卡門》

1875年首演於巴黎的《卡門》,由作曲家比才改編自作家梅里美的同名小說,敘述煙草工場美女卡門放蕩不羈的愛情觀念與最後的死亡悲劇,可說是歷史上最知名的歌劇作品。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始解析,再搭配劇中數不盡的精彩優美旋律,讓您深度品嚐卡門的愛與愁,麗與美~

  • 第二堂|貝里尼:《諾瑪》

義大利作曲家貝里尼改編自劇作家亞歷山大·蘇美於1831 演出的同名歌劇《諾瑪》(Norma),敘述女祭司悲劇式的愛情,其中的詠嘆調〈聖潔的女神〉(Casta Diva)更是膾炙人口。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始介紹,再解析劇中詠嘆調之寫作,讓您深入了解《諾瑪》的豐富內涵。

  • 第三堂|威爾第:《遊唱詩人》

威爾第《遊唱詩人》(Il trovatore)是改編自Antonio García Gutiérrez的西班牙文話劇《El Trobador》的四幕著名歌劇,更是威爾第創作生涯中期的三部劇作之一(另兩部為《弄臣》與《茶花女》)。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景為始,帶您欣賞精彩詠嘆與戲劇性十足之劇情,保證讓您大呼過癮。

  • 第四堂|華格納:《崔斯坦與伊索德》

《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde)的故事情節,來源於凱爾特人故事集,關於阿圖斯國王與崔斯坦的傳說。除了寫實題材之外,更被視為是華格納和馬蒂爾德·維森東克的戀情寫照。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景,深入介紹「崔斯坦和弦」、〈愛之夜〉與〈愛之死〉,讓您一窺被視為古典-浪漫音樂的終結、新音樂的開山之作。

  • 第五堂|普契尼:《瑪儂雷斯考》

普契尼的成名作《瑪儂.雷斯考》是他步入寫實主義創作開端,其「主導動機」的寫作方式,連華格納之子齊格菲都讚譽有加。改編自普弗神父鼎鼎大名的同名小說《瑪儂.雷斯考》,普契尼雖更加聚焦於男女情愛,但音樂之細膩卻才是他成功的真正要素~在本堂課中,林仁斌老師將為您從原著小說談到劇中的精彩音樂,您不可錯過。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


中世紀淒美愛情傳說

《崔斯坦與伊索德》(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

《崔斯坦與伊索德》Tristan und Isolde)是華格納歌劇,作曲家自己稱之為三幕劇。首演於1865年6月10日在慕尼黑皇家宮廷與國家劇院。這部歌劇也是華格納和馬蒂爾德·維森東克的戀情寫照,被視為古典-浪漫音樂的終結、新音樂的開山之作。

 

故事背景

《崔斯坦與伊索德》是一個源於凱爾特傳說的中世紀騎士愛情故事,在西方文化中具有深遠影響,更是西方愛情文學中,與《羅密歐與茱麗葉》並列雙璧之動人淒美愛情故事。

故事發生在中世紀(公元五世紀),當時羅馬帝國毀滅,各方勢力分割盤踞英格蘭(亞瑟王統一不列顛之前),此時愛爾蘭國王也乘機聚集勢力 ,英格蘭的領袖之一馬克王(康沃爾國王),與之競爭,撫養自幼喪失雙親的親侄子傳奇騎士崔斯坦長大,並指定崔斯坦為王位繼承人,期盼在他的輔助下,實現統一大業。

 

主要人物

  • 崔斯坦:他是一位英勇無敵、身手了得、頭腦敏捷且魅力十足的英雄騎士,在一次愛爾蘭軍隊襲擊中失去雙親後,被叔父馬克王悉心撫養長大,情同父子。後他在戰鬥中負重傷,得到伊索德的照顧,並與之相愛,最終釀成愛情悲劇。
  • 伊索德:母親為巫醫,精通各種神秘醫術。伊索德是一位神秘美麗而善良的愛爾蘭女子,是愛爾蘭國王的女兒 。在照料崔斯坦的過程中,雙方產生了愛情。
  • 馬克王:英格蘭的領袖之一,雄圖大略,希望借助崔斯坦的力量實現英格蘭的統一,對崔斯坦有養育之恩,亦非常信任。

 

康沃爾地理環境示意圖

 

劇前歷史

在一次愛爾蘭針對康沃爾(愛爾蘭派兵向康沃爾索取進貢)的戰爭中,英勇的騎士崔斯坦砍傷了愛爾蘭公主伊索德的未婚夫 - 將軍莫洛爾德,用力之猛,劍刃斷裂,碎片留在了愛爾蘭莫洛爾德將軍頭顱中,但崔斯坦自己也因為身中莫洛爾德劍毒而命在旦夕。

隨著崔斯坦傷勢加重,他要叔父馬克王將其放在小伐上,推向大海,隨著海洋漂流,讓上帝決定他的命運。

馬克王含淚同意,任其與船漂流離開,目送他漸漸飄向遠方而去...

莫洛爾德將軍雖負傷逃回宮中,但也因為頭顱中見,傷勢過重而死去

愛爾蘭御醫將莫洛爾德將軍頭顱裡的碎片取出,伊索德緊緊揣在手中,仇恨與痛苦的淚水,讓她憎恨著命運的捉弄,發誓要報仇

......

陷入昏迷中的崔斯坦,在海中一路漂流至愛爾蘭,在海浪的推波下淺靠沙灘,散步至此的伊索德與侍女布蘭甘妮,見到了這奇特的小船。

前往查看,伊索德發現昏迷的崔斯坦,見其受傷卻中毒甚深,更令人訝異的是,騎士身上所中的毒傷,居然是自己家傳,愛爾蘭宮廷調製的獨家秘藥...

母親愛爾蘭皇后是位知名巫醫,伊索德家學淵源,訝異之餘迅速取得解藥,醫治崔斯坦。

就在伊索德精心治療醫治之下,崔斯坦脫離死亡,漸漸痊癒

伊索德心中一直不解,為何家傳毒藥會在這位騎士身上?

對崔斯坦的身份也越來越好奇,見他隨身佩劍,便仔細查看,卻發現了劍上一處缺口

比對之下,居然正好與未婚夫莫洛爾德頭顱上傷口所留下之劍刃碎片吻合...

真相大白,眼前這位俊俏的騎士,就是殺死自己未婚夫的仇人,亦是來自敵國康沃爾之敵人...

自己先前對於未婚夫之死,曾感到如此憤恨,於是她舉起了劍

但眼前這位躺在地上,對自己投出澄清而感激目光的騎士,又如此令她心動…

崔斯坦靜靜地看著伊索德,對一切並不了解

伊索德面對這為雍有俊美臉龐,並對著自己投以澄澈而深情的目光的英俊騎士,早已對他一見鍾情,情不自禁地愛上了崔斯坦

此時,劍漸漸地沉落下來...

伊索德哭著,逃離了崔斯坦

......

崔斯坦以化名(坦斯崔,Tantris)與伊索德相識,傷愈後,兩人已深深愛上彼此

分離之際,崔斯坦表達心中愛意,希望能將伊索德帶回自己的國度

伊索德拒絕了

於是崔斯坦詢問伊索德姓名,並告知伊索德保證,自己必將歸來,報答救命之恩

伊索德也隱瞞了真實身份,同樣告訴崔斯坦化名,說自己是愛爾蘭公主的侍女 - 布蘭甘妮

崔斯坦以騎士的榮譽向伊索德保證,自己必將會來找她,

「我愛妳...」

伊索德流下了難以言喻的悲傷眼淚...

許久,她說:「好的,我等你...」

崔斯坦上了船,戀戀不捨地離開了伊索德

望著漸漸遠去的騎士,伊索德手中緊緊攥著那斷劍的碎片,心中糾結著,淚流滿面...

 

一年後,愛爾蘭的使者來到康沃爾,期待以聯姻方式,弭平先前戰爭的誤會,其真實目的是希望藉著女兒伊索德的出嫁,建立兩國關係後,再一步一步併吞康沃爾

馬克王深知目前情勢,康沃爾上無法與愛爾蘭相抗衡,便同意以和親方式取得和平

於是派出一年前奇蹟似康復回歸,自己最信賴的崔斯坦,率領迎親隊伍前往愛爾蘭迎接公主回國成親

而當崔斯坦步入愛爾蘭王宮時,他與伊索德再次相遇了...

兩人怔怔地看著對了,崔斯坦矇了,一臉疑惑,眼前這位不就是「愛爾蘭公主的侍女 - 布蘭甘妮」嗎?

伊索德淚眼汪汪,望著崔斯坦,無語唈噎...


寫作經過

1842年華格納讀到了尤利烏斯·摩瑟的崔斯坦之詩,第一次接觸到這個故事。

1854年逃亡瑞士之時,華格納讀到了卡爾·利特的崔斯坦戲劇,這更激發了他要將之改編為歌劇並編寫劇本的欲望。但當時他的精力大多花在尼貝龍根的指環中,這個計劃不了了之。

1857年與維森東克的戀情使得崔斯坦計劃再度浮出水面。在8月底,華格納與其妻子敏娜遷入維森東克在蘇黎世的花園公寓。華格納與其贊助人奧托·維森東克的妻子有曖昧;受此刺激,他首先創作了歌曲集《維森東克之歌》,後來更是停下手中《齊格菲》的譜曲工作,全力投入到崔斯坦的創作之中。

其實,華格納會如此有感,是因為劇中人物有自傳的意味:華格納和馬蒂爾德根本就是崔斯坦與伊索德,而奧托就是馬克王。9月18日崔斯坦詩稿完工,華格納將作品給瑪蒂爾特過目並在朋友圈內朗誦。12月完成第一幕音樂初稿。

1858年8月末,第一幕總譜完工,華格納到威尼斯旅遊,並在那裡完成了第二幕。

1859年3月,華格納回到瑞士,在琉森他完成了第三幕。8月中,整部歌劇完成。


歌劇角色

  • 崔斯坦(男高音)
  • 馬克王(男低音)
  • 伊索德(女高音)
  • 庫威那(男中音)
  • 梅洛特(男高音)
  • 布蘭甘妮(女中音)
  • 牧羊人(男高音)
  • 舵手(男中音)
  • 一個年輕海員(男高音)
  • 水手,騎士和鄉紳,伊索德的侍女

首演

1862年在維也納,經過艱難的談判後,歌劇才得以彩排,但經過77次的排練後,在1863年,首演仍然是被擱置下來了。

1865年巴伐利亞國王路德維希二世促成了歌劇的首演。6月10日在慕尼黑皇家宮廷和國家劇院首演舉行。由漢斯·馮·畢羅指揮。主角由 Ludwig Schnorr von Carolsfeld 和其妻子 Malvina 擔任。


《崔斯坦與伊索德》的歌劇故事

華格納開創的「崔斯坦和弦」,更是成為音樂學者研究的重點,這在整部歌劇中懸而不決的和聲,更被視為粉碎調性和聲的始祖。

華格納《崔斯坦與伊索德》

 

第一幕 愛慾與掙扎的漩渦
《由愛爾蘭前往康沃爾的船上》

崔斯坦(Trstan)駕著船,,載著愛爾蘭公主伊索德(Isolde)向著康沃爾(Cornwall)駛去。

伊索德將在那兒與馬克王(Konig Marke)成親。

眼見康沃爾海岸已在望,伊索德卻心情惡劣地希望來場暴風雨,人船俱亡。

她的侍女布蘭甘妮(Brangane)試著安慰她,伊索德命她請崔斯坦下船來,卻被崔斯坦婉拒。

崔斯坦謹守份際,雖然自己深深愛著伊索德,但由於伊索德已與舅父馬克王聯姻,再痛苦也只能揮淚斬情絲,含淚往肚吞。

他的侍從庫威那(Kurwenal)更語出不遜。

伊索德羞惱之餘,向布蘭甘妮道出她們曾經救了崔斯坦一事:崔斯坦殺了伊索德的未婚夫莫洛爾德(Morold),但亦被莫洛爾德所傷。

崔斯坦被伊索德救治,伊索德雖知這是仇家,但在和他的眼光相遇時,即愛上了他,不但沒有殺他,反而醫好了他。

誰知崔斯坦再次來愛爾蘭時,竟是為馬可王向伊索德求親。

船上的年輕水手唱著與愛爾蘭姑娘有關的歌曲,惹惱了伊索德。她望著康沃爾的海岸,唱出《名門已沒落!》(14:00),希望暴風雨摧毀船隻。

再見崔斯坦時,伊索德立刻認出他是「坦崔斯」,無奈之餘,也只能隨命運而去。

船離岸愈近,伊索德對於自己日後要和自己不愛的馬克王長期相處,感到萬分痛苦。

侍女布蘭甘妮詢問伊索德內心痛苦,伊索德未答,只要求拉起帷幕。帷幕拉起後,伊索德唱出《愛之煩惱》(17:00),埋怨崔斯坦未向她打招呼,並命布蘭潔娜叫崔斯坦來,但崔斯坦以不能擅離職守為由拒絕。

崔斯坦的侍從庫威那則唱起諷刺莫洛爾德之歌(25:30),布蘭甘妮向伊索德報告後,伊索德唱出《坐在一艘小船上》(28:40),指責崔斯坦化名求醫及前來迎接新娘之事,還大呼復仇與死亡。

布蘭甘妮見伊索德的苦,卻未明白原因,誤為伊索德擔心未來的婚姻生活,因此提醒她,離家之時,母親曾給伊索德一堆靈藥,以不時之需,可以用愛情藥酒來保證和馬克王的感情。(41:34)

布蘭甘妮的提醒給了伊索德新的想法:她要用死亡藥酒解決這份痛苦;而布蘭甘妮則未解其意。(43:20)

侍從庫威那下船艙來,要她們梳妝打扮,準備上岸。

伊索德則要求庫威那再度向崔斯坦傳話,在後者未向伊索德賠罪和解以前,她絕不上岸。

另一方面,她要布蘭甘妮準備死亡藥酒,打算和崔斯坦同歸於盡...

崔斯坦與伊索德於船上
崔斯坦與伊索德於船上

 

崔斯坦終於下來船艙,在明白伊索德的想法後,伊索德提議共飲和解之杯,崔斯坦明知是死亡之藥仍願喝下,飲酒共赴黃泉,伊索德搶過杯子喝掉剩餘藥。

不捨主人赴死的布蘭甘妮,早已卻偷偷以愛情藥酒代替死亡藥酒,讓他們飲下,兩人隨後陷入熱戀。(45:20)

原本以為飲酒後即將死亡的兩人,在轉瞬間迸發了胸中積壓已久的愛情,承認相屬對方。

正在此時,船已靠岸。

布蘭甘妮和庫威那都催促兩人準備上岸,在兩人都不知所措,眾人歡呼迎接馬克王的聲音中,布幔落下。

第二幕 超脫世俗的愛情禮讚
 《康沃爾馬克王城堡,伊索德寢宮的前院》 

伊索德已與馬克王結婚,在朝臣梅洛(Melot)的告密下,國王深夜外出打獵。 

愛火已被靈藥點燃的兩人,約定以布蘭甘妮火把熄滅(安全)為號,在森林深處幽會。

梅洛早已向馬克王告密,起初深信崔斯坦之馬克王當然不信,但禁不住梅洛讒言,決意以離宮打獵,要崔斯坦留守為餌,試探真假。

夜晚,以為眾人離開之伊索德滿懷企盼,等待著崔斯坦前來約會。

號角聲響起,馬可王和眾人出外打獵的聲音漸去漸遠。

僅管布蘭甘妮有所預感,警告伊索德,梅洛舉動有異似乎心懷鬼胎,伊索德卻仍迫不急待地按照著和崔斯坦的約定,將火把熄滅,發出了安全信號,布蘭甘妮只好登塔守候。

崔斯坦依約前來,夜幕之下兩人見面緊緊相擁,互訴衷腸,恍如隔世,互訴別後心情。

接下來兩人唱出了著名的《愛之夜》二重唱,只願此時永夜不晝,更讚美著愛之夜。(33:40)

這段「愛之夜」同時也是是歌劇史上最長的愛情二重唱之一:

https://youtu.be/OaV1f4lYlJM

 

樂譜版本欣賞

https://youtu.be/2IjJXVY4j7U


布蘭甘妮一次次地提醒天將亮的聲音,亦無法將兩人喚回現實。兩人卻未在意,繼續沉醉在愛之狂潮中,甚至唱出渴望在永恆之夜中迎接死亡。

此時,庫威那突然衝進來警告兩人危險將至,隨後馬克王在梅洛引導下出現,眾人驚見了正在幽會的兩人。

崔斯坦先瘋狂大叫,馬克王則在既震驚又失望的情形下,悲傷不解地向崔斯坦提出一連串的「為什麼?」。

崔斯坦無法、不能也不願辯解,平靜地問伊索德是否願與他共赴夜之國?只問伊索德,是否願意跟隨他回他的地方,伊索德答應了。

崔斯坦吻了她,梅洛特見狀大罵並拔劍挑戰。

崔斯坦拔劍和梅洛決鬥,卻無意戰鬥而故意傷在梅洛的劍下,身負重傷。伊索德也昏倒在崔斯坦身上。

第三幕 靈魂深處的情感昇華
《位於卡列沃爾的崔斯坦城堡》 

崔斯坦受重傷,庫威那將垂死的崔斯坦帶回卡列沃爾(Kareol)城堡回到,崔斯坦命在旦夕。崔斯坦昏迷不醒,忠實的侍從庫威納照顧著他,並請求遠處的牧羊人在伊索德的船出現時吹奏歡快的曲子。

昏睡中的崔斯坦終於醒來,他從庫威那口中知道他受傷後的一切,為庫威那對自己的絕對忠心深受感動。

崔斯坦逐漸恢復意識,清醒後的崔斯坦更急於看到伊索德,在幻覺中他似乎看到伊索德的船隻,他因痛苦而神志不清,回憶起父母的死亡,哀嘆與伊索德共飲的愛藥以及自己如今的瘋狂等待。在一陣激動之後,崔斯坦又陷入香迷狀態。

當崔斯再度甦醒時,只問伊索徳的船是否到了否,庫威那正感難以回答之時。傳來了牧羊人輕快的笛聲。

崔斯坦催促庫威那到岸邊去接伊索德,雖然不放心崔斯坦,庫威那只得聽命離開。

崔斯坦無法靜躺,亢奮地掙扎起身,欲迎向思念已久的愛人。

伊索德呼著崔斯坦的名字進來,崔斯坦在喚出一聲「伊索德」之後,溘然長逝於伊索德的臂彎中,伊索德喚不回他,亦暈厥過去。

庫威那不知如何是好,此時傳來第二條船靠岸的消息,卻是馬克王帶著梅洛和布蘭甘妮,尾隨伊索德到來。

憤怒的庫威那殺死梅洛,自己傷於馬克王侍從手中,掙扎著逝於崔斯坦腳邊。

馬克王看到崔斯坦的屍體,悲働地道出他已由布蘭甘妮口中知道一切,隨伊索德而來,願見有情人終成眷屬,孰知一切卻已太晚。

此時伊索德由暈眩中再度醒來,在崔斯坦旁邊對著崔斯坦的屍體唱出《愛之死》(Liebestod)之後,伊索德唱出《愛之死》(1:10:30),歌頌至死不渝的愛情,隨後追隨崔斯坦而死去...(劇終)

(筆者註:《愛之死》"Liebestod",原文裡的 "Mild und leise wie er lächelt",直譯為:恬淡輕柔如同他的微笑)。

以上劇情整理/取自「愛之死 – 華格納的《崔斯坦與伊索德》」(羅基敏.梅樂亙編著)與網、相關書籍等

 

《愛之死》(Liebestod)中德歌詞

德文 中文
Mild und leise

Wie er lächelt,

Wie das Auge

Hold er öffnet ---

Seht ihr's, Freunde?

Seht ihr's nicht?

Immer lichter

Wie er leuchtet,

Stern-umstrahlet

Hoch sich hebt?

Seht ihr's nicht?

Wie das Herz ihm

Mutig schwillt,

Voll und hehr

Im Busen ihm quillt?

Wie den Lippen,

Wonnig mild,

Süßer Atem

Sanft entweht ---

Freunde! Seht!

Fühlt und seht ihr's nicht?

Hör ich nur diese Weise,

Die so wundervoll und leise,

Wonne klagend,

Alles sagend,

Mild versöhnend

Aus ihm tönend,

In mich drin get,

Auf sich schwinget,

Hold er hallend

Um mich klinget?

Heller schallend,

Mich umwallend ---

Sind es Wellen

Sanfter Lüfte?

Sind es Wogen

Wonniger Düfte?

Wie sie schwellen,

Mich umrauschen,

Soll ich atmen,

Soll ich lauschen?

Soll ich schlürfen,

Untertauchen?

Süß in Düften

Mich verhauchen?

In dem wogenden Schwall,

In dem tönenden Schall,

In des Welt-Atems wehendem All ---

Ertrinken,

Versinken ---

Unbewußt ---

Höchste Lust!

溫柔且輕柔

他如何微笑,

那眼眸

如此嫵媚地睜開 ——

朋友們,你們看到了嗎?

你們看不到嗎?

愈發明亮

他如何閃耀,

被群星環繞照亮

高高升起?

你們看不到嗎?

他的心如何

勇敢地膨脹,

飽滿且高貴

在他胸膛中湧動?

那嘴唇如何

喜悅而溫柔,

甜蜜的氣息

輕柔地飄散 ——

朋友們!看呀!

你們感覺不到、看不到嗎?

只有我聽到這旋律嗎,

它如此奇妙又輕柔,

在喜悅中哀怨,

傾訴著一切,

溫柔地和解

從他那裡傳出,

鑽入我心,

向上振蕩,

甜美地迴響

環繞在我身旁?

更加清晰地鳴響,

環繞著我 ——

那是波浪嗎

屬於柔和微風的?

那是波濤嗎

屬於令人陶醉香氣的?

它們如何翻涌,

如何在我周圍沙沙作響,

我該呼吸嗎,

我該傾聽嗎?

我該啜飲,

該潛入其中嗎?

甜美地在香氣中

飄散消逝?

在翻涌的巨浪中,

在鳴響的聲音裡,

在這世間呼吸吹拂的浩瀚宇宙中 ——

沉溺,

沉沒 ——

無意識 ——

至高的喜悅

 

卡拉揚與潔西諾曼版本欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=WPUT-LDo_nY

 

https://youtu.be/x51T9Te2uEM?t=622

 

延伸閱讀

愛情有保存期限?《崔斯坦與伊索德》的神話預言

 

完整歌劇欣賞

蒂勒曼指揮拜魯特音樂節版本


歌劇《崔斯坦與伊索德》中的知名音樂與詠嘆唱段:

《前奏曲》

  • 特色:作為歌劇的開場音樂,前奏曲以大提琴輕柔地奏出四個音符起始,而後最後一個音符徐徐融入由雙簧管、低音管和英國管演奏的獨特和弦,即著名的「崔斯坦和弦」。此和弦因其未解決的不和諧性而顯出獨特性,並為整部歌劇奠定了神秘、糾結且充滿渴望的情感基調。整首前奏曲是一首豐富的管弦樂作品,展現了歌劇所探究的愛情那難以言表的原始本質,透過音樂勾勒出崔斯坦與伊索德愛情的內在演變,從最初節制的傾訴,至無望的告白,再到愛的強烈迸發以及最終的沉落與消逝。

 

《名門已沒落!》(第一幕 14:00)

  • 演唱角色:伊索德
  • 背景:伊索德在前往康沃爾嫁給馬克王的船上,因內心苦痛而唱出此段。她凝望著海洋,眼見康沃爾的翠綠海岸近在咫尺,卻激動地期盼颳起暴風雨,使船隻沉入海底,以此來抒發她對這樁婚姻的抗拒以及內心的絕望。此時的 “航海動機” 也隨之轉變成了 “狂怒動機”,音樂與人物的情感緊密交融,充分展現出伊索德對命運的不滿與無奈。

 

《愛之煩惱》(第一幕 14:00)

  • 演唱角色:伊索德
  • 背景:伊索德埋怨崔斯坦在航行途中未曾向她致意,由此展現出她對崔斯坦又愛又怨的複雜情愫。這段唱詞體現了她內心的糾葛與痛苦,一方面深愛著崔斯坦,另一方面又因兩人之間的諸多矛盾和現實的困境而煩惱不堪。

 

《坐在一艘小船上》

  • 演唱角色:伊索德
  • 背景:伊索德回憶起崔斯坦化名坦斯崔向她求醫的往昔,並憤怒地指責他如今又改稱崔斯坦,不知羞恥地前來迎接老國王的新娘。她唱出了對崔斯坦的怨恨以及對這段無奈命運的抗爭,情感強烈,充滿了戲劇性。

 

《請可憐我吧!》

  • 演唱角色:布蘭
  • 背景:當伊索德命令侍女取出 “死亡之藥” 時,布蘭角色惶恐地跪在公主腳下唱出此段。她深知事情的嚴重性,懼怕因自己用愛藥替代死亡之藥而引發的後果,透過這段唱詞祈求伊索德的憐憫,也從側面反映出整個事件的緊張與複雜。

 

《可憐的是我,你這虛假的侍女啊!》

  • 演唱角色:伊索德
  • 背景:作為對布蘭潔娜的回應,伊索德唱出了自己的悲哀與無奈,她自認為是最可憐之人,被命運捉弄,陷入了這段痛苦的愛情之中而難以自拔,同時也表達了對侍女此舉的複雜情感,既有責怪又有無奈。

 

《愛之夜》二重唱

  • 演唱角色:崔斯坦與伊索德
  • 背景:在第二幕中,崔斯坦與伊索德在月光皎潔的夏夜幽會,二人先是厭惡白晝的亮光,繼而共同讚美了狂歡的愛之夜。這段堪稱古今眾多 “愛的二重唱” 中的登峰造極之作的唱段,其音樂旋律優美動人,情感表達細膩而熱烈,展現了二人對愛情的執著追求和無畏勇敢,在降 A 大調的氛圍中,半音階旋律連綿不斷,將二人之間深沉而熾熱的愛情推向了最高潮 。

 

《哦,永恆之夜》

  • 演唱角色:崔斯坦與伊索德
  • 背景:在二重唱之後,二人繼續沉醉在愛之狂潮中,他們唱出了對永恆之夜的嚮往,認為唯有在這無盡的黑夜中,他們的愛情方能得以永恆。他們甚至渴慕死亡,將死亡視作愛情的歸宿,體現了這段愛情的絕望與悲壯,以及二人對世俗的反抗和對純粹愛情的極致追求。

 

《愛之死》

  • 演唱角色:伊索德
  • 背景:崔斯坦受重創返回城堡等待死亡降臨,伊索德趕到時見崔斯坦已死,遂唱出了《愛之死》。在這段唱詞中,她歌頌了持續至死後的愛情,表達了對崔斯坦的深情以及對愛情的忠貞不渝,願追隨崔斯坦而去。此時的音樂與歌詞完美契合,營造出一種超凡脫俗的氛圍,將愛情的悲劇色彩渲染到了極致,使整個歌劇在高潮中落幕。(1:14:20)

什麼是「崔斯坦和弦」?

崔斯坦和弦(英語:Tristan chord,德語:Tristan-Akkord),是由F、B、D♯、G♯四個音組成的和弦,屬於半減七和弦的一種,最低音與其他音的音程分別為增四度增六度增九度,因在華格納歌劇《崔斯坦和伊索德》的崔斯坦動機中使用而得名。

崔斯坦和弦的調性不清晰,學術界對此有多種詮釋。這個和弦可被看作異名同音降G大調降E小調當中的F-A♭-C♭-E♭,亦可看作E大調屬七和弦B-D♯-F♯-A中第五音降半音後變為B-D♯-F-A。功能和聲歌手的觀點則認為是法國增六和弦(F-A-B-D♯),G♯作為一個倚音解決到A。

崔斯坦和弦引發了所謂的「調性危機」,後來此和弦的重要性逐漸被人認識,更被德布西布瑞頓史克里亞賓等諸多作曲家引用。

 

莫札特也曾用過「崔斯坦和弦」!?(3'00")

https://youtu.be/d_DAqQgOYGM?t=179

 

古希臘調式與超奇妙背誦方法

 

弄懂Phrygian 和 Lydian 調式

 

Papano談「崔斯坦和弦」

 

《崔斯坦與伊索德》<前奏曲> 和聲分析

 

1973年卡拉揚與柏林愛樂,於日本彩排實況

Karajan Wagner Rehearsal: Tristan und Isolde & Tannhauser

https://youtu.be/DS6aGe5bfwo

 

華格納《崔斯坦與伊索德》<前奏曲> 與 <愛之死>

法蘭克福廣播交響樂團

 

華格納生前的鋼琴演奏「崔斯坦和弦」與 <愛之死>

 

《愛之死》

Wagner - Tristan und Isolde - Isolde's Liebestod

 

 

《崔斯坦與伊索德》<前奏曲> 與 <愛之死>

巴倫波因 | 指揮,Waltraud Meier | 女高音

 

霍洛維茲86歲的最後錄音傳奇演奏

就在1989年,已經86歲的霍洛維茲,以三天的時間錄完李斯特改編的華格納:《愛之死》。錄音完的四天後,霍洛維茲於11月5日逝世。一代鋼琴大師的絕響之作,即為李斯特/華格納:《愛之死》

無限感動…

 

樂譜版本欣賞

 

女高音潔西諾曼動人的 <愛之死>(Liebestod)

https://youtu.be/WPUT-LDo_nY

 

恬淡輕柔如同他的微笑  - "Mild und leise wie er lächelt"

Jessye Norman, Wiener Philharmoniker, Herbert von Karajan
performing "Mild und leise wie er lächelt" (Isoldes Liebestod).
(C) 2005 DOR Films

https://youtu.be/9680zhMmIqM

 

下課前隨堂考一下

 

 

 

 

 

 


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【BON音樂】韋伯音樂劇三部曲 PART 2:《貓》 大師的傳奇序幕
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【雅痞書店 音樂講座】韋伯音樂劇三部曲 PART 2

《貓》~音樂劇的華麗進化❤️

時間:2024/12/02 (二) 19:00 - 21:00

主講人:林仁斌(蹦藝術執行長.超人氣音樂欣賞名家)

報名連結:

本講座3大重點:

★細數韋伯音樂劇《貓》得獎歷史與珍貴之處

從首演以來,《貓》屢屢獲得各大獎項的肯定。這場講座將帶您回顧《貓》在音樂劇界的重要成就,了解其如何突破音樂劇演出記錄,並成為全球愛好者心中的永恆經典。

 

★音樂劇《貓》精彩歌曲深入介紹

《貓》擁有多首令人難忘的經典歌曲,包括如詩如畫的《Memory》。講師將帶領大家一同欣賞、剖析這些動人旋律,感受韋伯如何巧妙地用音樂刻畫出每隻貓的獨特性格與故事。

 

★《貓》在音樂與各方面之多元精彩發展

除了音樂劇,《貓》的故事和音樂也發展到其他領域,特別是近年的電影版本。本講座將探討《貓》在不同媒介中的多元表現形式,了解其如何藉由視覺和音樂的雙重創新,持續吸引不同世代的觀眾。

 

主講人 林仁斌

蹦藝術執行長.超人氣音樂欣賞名家

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韋伯音樂劇《貓》自1981年在倫敦首演以來,屢屢打破音樂劇史上的最多演出場次,橫掃全球的上演率之高,堪稱是史上最成功的音樂劇之一。

無論是帶有流行爵士樂風的輕鬆旋律,各種展現貓樣的精緻細膩妝容與形象傳神的演出服裝,都讓這部作品帶來完美的視覺與聽覺饗宴,近年來更有改編的電影版本,屢創話題。

這次林仁斌老師將帶您全面解析《貓》的經典地位,並深入剖析其音樂與多元發展的歷程!

 

  • 韋伯:《貓》

韋伯音樂劇《貓》自1981年在倫敦首演以來,屢屢打破音樂劇史上的最多演出場次,橫掃全球的上演率之高,堪稱是史上最成功的音樂劇之一。無論是帶有流行爵士樂風的輕鬆旋律,各種展現貓樣的精緻細膩妝容與形象傳神的演出服裝,都讓這部作品帶來完美的視覺與聽覺饗宴,近年來更有改編的電影版本,屢創話題。

 

韋伯重要作品列表

整理自維基百科網頁,附上連結以供參考

  • 1967年:與提姆·萊斯(Tim Rice)合作,完成處女作約瑟夫的神奇彩衣
  • 1971年:他23歲時以搖滾音樂劇耶穌基督超級巨星》(Jesus Christ Superstar)作曲成名
  • 1978年:《艾薇塔》(Evita,另譯貝隆夫人)作曲
  • 1981年:《》(Cats)作曲
  • 1986年:《歌劇魅影》(The Phantom Of The Opera,又譯歌劇院的幽靈)作曲
  • 1993年:《日落大道》(Sunset Boulevard)作曲
  • 1998年:《微風輕哨》(whistle down the wind)作曲
  • 2005年:《白衣女人》(the woman in white)以英國小說家威爾基·科林斯Wilkie Collins的小說 The Woman In White(白衣女人)為劇情作曲
  • 2010年:《歌劇魅影:愛無止盡》(Love Never Dies)與Marius de VriesMatt RobertsonAndy Bradfield,等人合作。
  • 2013年: 《史蒂芬·沃德》(Stephen Ward)以英國1963(scandal that shocked the world)年發生的著名的醜聞為題材作曲
  • 2015年:《搖滾教室》對 2003年的同名電影重新譜曲。

 

韋伯與人生最暢銷、長銷音樂劇《貓》(Cats)

 

先聽聽作曲家本人怎麼說?

https://www.youtube.com/watch?v=6r0ruhsbXPg

 

 

本劇最知名歌曲《回憶》

https://www.youtube.com/watch?v=mITD07wGVCI

 

https://www.youtube.com/watch?v=l8qqwfDeasA

 

https://www.youtube.com/watch?v=5mlllRdIfqw

 

⟨ Memory ⟩ 的和弦與轉調

https://www.youtube.com/watch?v=DvFCm0i0yi4

 

 

貓的豐功偉業

(資料整理於網路與維基百科)

當年由作曲家安德魯·洛伊·韋伯根據作家T·S·艾略特的詩集《老負鼠的貓經》及其他詩歌重新編寫的音樂劇,是歷史上最成功的音樂劇之一,自1981年在倫敦首演以來,已被翻譯成二十多種語言在世界各地演出。

1981年問世的音樂劇《貓》不僅橫掃7項東尼獎大獎,後續更斬獲奧利弗獎、格萊美獎等全球重磅獎項盡入囊中。獲得眾多大獎的同時,音樂劇《貓》也開始不斷打破西區和百老匯的票房及連續上演記錄:

1996年1月,《貓》以6141場的佳績問鼎西區演出最久的音樂劇。

從1997年到2006年在長達十年的時間裡,《貓》持續保持著百老匯演出歷史上音樂劇演出場次最多的記錄。

《貓》最後於2000年9月10日在百老匯結束,2002年5月11日,也就是它21歲生日時,在倫敦落下幃幕。總計在紐約演出了7,485場,倫敦演出8,949場。 2016年7月31日-2017年12月30日,百老匯復排版《貓》將在紐約百老匯的Neil Simon劇院再次上演。

 

延伸閱讀

音樂劇《貓》的劇本由來

 

原著

貓就是這樣: 韋伯經典音樂劇貓原始藍本 (中英對照精裝典藏版)

T.S.艾略特T. S. Eliot(T.S. Eliot, 1888.9.26-1965.1.4)

※諾貝爾文學獎詩人※
※重要性跨越百年的重量文學家※

艾略特出生於美國,於哈佛大學修習英國文學,二十二歲起離家前往歐洲吸取代前衛新知,足跡遍及巴黎索邦大學、法蘭西學院,後前往倫敦,其詩作使當時文壇驚豔不已。一九一七年出版《普魯佛洛克情歌》(Prufrock and Other Observations)奠定其文學家地位,一九二二年出版《荒原》(The Waste Land),咸認為二十世紀最具影響力的詩作,更是文學史上的重要里程碑。《貓就是這樣》為艾略特為孩子們寫的逗趣童詩,起初只在家族的書信中流傳,出版後廣受文藝界喜愛,屢獲插畫家重新詮釋,更受安德魯‧韋伯青睞,改編為史上最暢銷的音樂劇《貓》。艾略特創作之際雖以孩童為閱讀對象,卻突破了童詩的局限,不僅將貓的習性寫得活靈活現,令人愛不釋手,更寫出人情的嘲諷與幽默,也讓今天的讀者有幸一窺當時倫敦的劇院、酒吧、出版社等生活風情。(取自博客來網路書局)


什麼是傑利可貓?

傑利可貓(Jellicle cat)這個《貓》劇中的陌生新名字,既不是貓的品種,也不是任何貓的暱稱,到底是怎麼來的呢?

原來是原作者艾略特有位小外甥,每次發音唸「dear little cat」時,發音就像是「Jellicle cat」(請自己幻想一下幼童的發音~),艾略特覺得非常可愛,就這個特殊的發音寫進書裡,成為了貓族的名稱~

而養貓的人都知道,根本貓才是主人嘛XD~

貓族有著自己的心情與好惡,人們根本強迫不來,因此只好稱呼自己為「貓奴」,乖乖地奉上罐罐,天天當「鏟屎官」為皇上皇后清潔貓砂...

所以,「不需要討好人類~這就是傑利可貓!」也是一種解釋方式。

而艾略特也發明了另一種狗,叫「Pollicle dog」,其實也是這位小外甥唸「poor little dog」時的發音,是不是很可愛呀?

 

劇情解說

劇情解說取自維基百科,並附上連結以供參考

第一幕 子夜舞會使貓瘋狂

午夜,人行道上沒有聲響。

……直到第一隻傑利可貓的到來。

今夜是一年一度的傑利可舞會,所有的貓兒們都在這裡匯集,快節奏的音樂很快地充斥整個劇場。所有的貓兒隨著音樂舞蹈歌唱。在歌聲中他們演繹出傑利可貓引以為傲的特色:「我們能在空中舞蹈,像高空鞦韆,我們能翻雙筋斗,在輪胎上彈跳」。

因為人們出現在貓兒們的天地,貓兒們起先對入到它們領地者心存厭惡和懷疑,但是很快地他們接受了陌生人的觀察,純潔的白貓 Victoria 表演了一首獨舞,象徵著一場舞會的正式開始。

Munkustrap 是貓族首領 Old Deuteronomy 不在時的管事人,也是小貓的守護者。他充當旁白的作用,給幼貓講述傑利可的規矩,並介紹其他的貓上場。Munkustrap 解釋了傑利可舞會的意義。而且,他們一族的首領 Old Deuteronomy 也將會在黎明到來之前,從族裡選出一隻貓來,送上「雲外之路/天堂」(Heavy Side Layer), 從而獲得重生。

接下來 Munkustrap 介紹了 Jennyanydots,她對待所有的小貓都親切慈愛好像老媽媽一樣,她甚至還訓練蟑螂和老鼠們學音樂。然後 Rum Tum Tugger 介紹自己。Tugger是一隻被寵壞了的貓,愛唱反調,他最喜歡所有母貓們對他的迷戀。

Grizabella 出現了,可是她現在又老又醜又髒。因為她年輕時背叛了傑利可貓,離開貓族到外面的世界闖蕩,嘗盡了冷酷和辛酸。現在 Grizabella 疲憊不堪,獨自一個人回來。可其他貓不原諒她,並把她趕走。 Grizabella 於是悄悄躲在舞台的角落裡。

Bustopher Jones 在 Jennyanydots 的歌聲中出場,這個肥貓是的貴族貓。然後是兩隻小偷貓,Mungojerrie 和 Rumpleteazer 表演了歌曲和雜技般花哨的舞蹈。

在他們的歌曲結束之後,Old Deuteronomy 出現了!大家向老首領表示了敬意之後, Munkustrap 為他準備了一個很滑稽的舞蹈《獅子狗與帕里克狗大戰》 ,逗得大家哈哈大笑。之後,隨著舞會高潮的到達,所有的貓兒加入了歌舞,《貓》的主旋律再次響起。

Grizabella 再次回到舞台中心,貓兒依然不肯原諒她,這時 Grizabella 唱出了動人心弦的歌「回憶」(Memory),Old Deuteronomy 同情地注視著心碎的 Grizabella 下場。

第一幕歌曲

子夜的舞會使貓瘋狂(When Cats are Maddened by the Midnight Dance)

  • 傑利可貓之歌(Jellicle Songs for Jellicle Cats)
  • 貓的命名(The Naming of Cats)
  • 傑利可舞會的邀請( Invitation to the Jellicle Ball)
  • 老甘比貓(The Old Gumbie Cat)
  • 羅騰塔格(The Rum Tum Tugger)
  • 葛麗茲貝拉-魅力貓 (Grizabella - The Glamour Cat)
  • 巴斯托佛瓊斯(Bustopher Jones)
  • 盟哥傑利與羅普蘭蒂瑟(Mungojerrie And Rumpelteazer)
  • 老戒律伯(Old Deuteronomy)
  • 獅子狗與伯里克狗大戰(The Awefull Battle of the Pekes and the Pollicles)
  • 傑利可舞會 (The Jellicle Ball)
  • 葛麗茲貝拉(Grizabella)

各種貓之圖鑑XD

第二幕 夏天姍姍來遲,時光飛逝如梭

貓兒們再次回到舞台上的時候,Old Deuteronomy 用歌聲提醒他們記憶快樂時光的重要。

老貓 Gus 被 Jellylorum 帶上舞台。Gus 是一隻曾風靡所有劇院的演員,現在他回憶著自己當年的日子,尤其是他最得意的創作,大海盜 Growltiger 的故事。接下來場景轉換,大家都仿佛回到了 Gus 紅極一時的時候,在舞台上表演了 Growltiger 和他的情人 Griddlebone 的故事。因為聲音很大,本來在火車上睡覺的 Skimbleshanks 被吵醒了,火車貓 Skimbleshanks 是個滑稽可愛的叔叔。大家幫他用堆積場的廢物堆出一輛火車頭,讓他神奇地站在上面。

可是,在火車貓的故事剛剛結束的時候,快樂的舞會被罪犯貓 Macavity 打斷了。在黑暗之中 Macavity 帶領他的爪牙劫走了 Old Deuteronomy。

兩隻曾經認識 Macavity 的母貓,Bombalurina 和 Demeter 給不了解 Macavity 的小貓講述這隻罪大惡極的通緝犯的所作所為。這時 Old Deuteronomy 忽然又回到場上,所有的貓兒還在驚喜之中,可是他甩下灰皮,原來是 Macavity 假扮成 Old Deuteronomy 前來搗亂。Munkustrap 帶領著其他幾隻公貓反抗 Macavity,最後 Macavity 負傷在黑暗中逃掉了,但 Old Deuteronomy 依舊下落不明。

「不用擔心,我們有神奇的 Mistoffelees 先生!」Rum Tum Tugger 對大家說。他介紹了下一個上場的 Mistoffelees。魔術貓 Mistoffelees 在眾貓的要求下成功地變回了 Old Deuteronomy。貓兒們一起感謝了他的貢獻,再次準備聆聽老首領的選擇。

Grizabella 又一次上場了。可是這一次,在她歌唱「回憶」的時候,貓族裡最年幼的小貓,Jemima 用清亮的歌聲回應。這時貓兒們明白了 Old Deuteronomy 對他們講過的話。一隻接著一隻,他們原諒了 Grizabella,她重新回到傑利可溫暖快樂的家族裡來。

Old Deuteronomy 在黎明到來之前,選擇了 Grizabella 登上「雲外之路/天堂」,獲得重生!在群貓的歌聲中,Old Deuteronomy 帶領 Grizabella 走上雲外之路,Grizabella 消失在空中五光十色的雲彩里。

最後一首歌是 Old Deuteronomy 唱給觀眾聽的。「貓不是狗」「你要對貓兒脫帽敬禮,說聲『你好嗎,我尊敬的貓~』。這一定會討貓兒的歡喜。」

因為畢竟,貓兒跟人類沒有什麼不同。

第二幕

夏天為何遲到,時光何時飛逝(Why will the Summer Day delay? When will time flow away?)

  • 幸福時刻(The Moments of Happiness)
  • 高斯:劇院貓(Gus - The Theatre Cat)
  • 革羅泰革的最後一戰*(Growltiger's Last Stand)
  • 史金伯旋克斯:鐵路貓(Skimbleshanks - The Railway Cat)
  • 麥卡維弟(Macavity - The Mystery Cat)
  • 密斯托弗里先生(Mr. Mistoffelees)
  • 回憶(Memory)
  • 雲外之路(The Journey to The Heaviside Layer)
  • 與貓打交道(The Addressing of Cats)
  • *包括了 "比爾貝利的長詩(The Ballad of Billy McCaw)" 或是 "義大利抒情曲:Una Tiepida Notte" ,依不同的演出版本而定

 

《貓》之舞蹈解構

動作均由原始編舞家 Gillian Lynne 命名

 

1998年音樂劇全劇欣賞(中英字幕)

04:12 杰里柯猫
16:43 甘比猫(好心猫 )〔珍妮点点〕
20:42 大骚怪猫(摇滚猫)〔若腾各塔〕
25:05 memory猫(魅力猫)〔葛莉兹贝拉〕
28:48 圣詹姆斯街猫(白手套 富得流油)〔巴斯特夫〕
33:03 小偷兄妹(高阶东北二人转 )〔蒙哥杰利and蓝蓓蒂瑟〕
37:20 领袖猫(自带BGM 德高望重年纪最大)〔老戒律伯〕
41:40 狗狗大战——超人猫(激光眼 超凶超滑稽)〔兰帕斯〕
47:38 杰里柯舞会
1:01:26 memory名场面(Memory第一次登场)
1:10:40 memory第二遍(超好听翻唱)
1:12:20 老演员猫(砍树恶魔 真实的老 )
1:19:43 火车铁路猫(猫猫火车)〔史金波旋克斯〕
1:24:50 犯罪猫(大反派 超吓猫 不在场证明)〔麦凯维提〕
1:34:53 魔力猫(魔术师 米石头)〔密斯塔佛利斯〕
1:41:33 给翻唱memory打爆call(第三次)
1:42:20 选择杰里柯猫
1:42:46 魅力猫memory完整版
1:47:42 魅力猫升天(冲上云霄)
1:51:20 如何与猫交谈

 

 

安德魯.洛伊.韋伯導聆《貓》(1998年版)

https://www.youtube.com/watch?v=sAP7V5KwZCU

 

【BON話題】蘇珊大嬸與偶像依蓮.佩姬的合唱

https://www.youtube.com/watch?v=r0ogG9_FBWI

 

全球媒體現象

2009年4月11日,Susan Boyle以大嬸姿態參加第三季的英國達人秀而受到大眾的注意,當時她演唱了《悲慘世界》中的<I Dreamed a Dream>獲得全部3名評審的認可與現場觀眾的起立鼓掌。

這段初賽片段被上載到Youtube之後,全球總觀看次數超過2億人次,她也立即躍升為全球知名人士,台灣稱呼她為「蘇珊大嬸」。

後來2009年11月下旬蘇珊大嬸推出她的正式首張專輯《I Dreamed A Dream》,居然全球銷量超過9百萬張,更打破了全球多國唱片排行榜銷量記錄。連日本最重要的年度紅白歌唱大賽也邀請蘇珊大嬸出席獻唱。

2012年7月6日,愛丁堡瑪格麗特女王大學授予蘇珊·波伊爾榮譽博士學位,以此來獎勵蘇珊對社會、文化、藝術做出的貢獻。

https://www.youtube.com/watch?v=tOgoN_jK7Z0&t=162s

 

延伸:2022年的蘇珊在做些什麼呢?

https://www.youtube.com/watch?v=bvWd42AkSuU


2019年《貓》 真人奇幻電影版本

下方介紹與評價取自維基百科,附上連結以供參考。

CATS貓》(英語:Cats,中國大陸、新加坡譯《》,香港譯《CATS》)是一部於2019年上映的美國歌舞奇幻電影,由湯姆·霍伯執導,並與李·霍爾共同撰寫劇本。電影改編自安德魯·洛伊·韋伯同名音樂劇。主演包括詹姆斯·柯登茱蒂·丹契傑森·德魯羅伊卓瑞斯·艾巴珍妮佛·哈德森伊恩·麥克連泰勒絲瑞貝爾·威爾森法蘭契絲卡·海沃德

《CATS貓》定於2019年12月20日在美國上映,但在上映後收獲票房成績7600萬美元,對比8000萬至1億美元的製作成本,屬於票房炸彈,所獲評價更是惡評如潮,媒體和影評家普遍批評電影呈現的視覺特效和剪輯,原著安德魯·洛伊·韋伯亦對該片持負面評價,被認為是史上最糟的電影之一

https://www.youtube.com/watch?v=LwsLpMLuzZA

 

延伸閱讀

音樂劇大師韋伯親自 diss《貓》電影版演員:「角色油膩粗俗,唱歌也不太行!」

 

2019 年 12 月,《貓》電影改編版問世之後,負評連連,被認為是「大型災難片」...

 

《貓》作曲家韋伯怎麼說呢?

在接受《星期日泰晤士報》的新採訪中,韋伯也認同大多數評論家和電影觀眾的觀點:《貓》電影版是徹頭徹尾的失敗。

韋伯將責任歸咎於導演湯姆·霍珀(Tom Hooper)的一意孤行,因為他未與熟悉舞台版音樂劇的人合作。

“這部電影的問題在於湯姆·霍珀決定他不想讓任何參與原始音樂劇的人參與其中,” 韋伯說。

“這整件事都很荒謬...”

韋伯不是唯一這麼想的人。 環球影業在這場災難性的失敗中損失了大約 1.13 億美元;電影工作室在電影上檔之後發布後試圖「修復」特效,但無濟於事。

《貓》電影改最終未入選奧斯卡金像獎,更在奧斯卡頒發最佳視覺效果獎項時被(James Corden and Rebel Wilson)嘲笑而引發爭議。

 

韋伯與泰勒絲也一起為《貓》電影版創作新曲《Beautiful Ghosts》

 

泰勒絲的錄音實況

https://www.youtube.com/watch?v=gcdlGPRIuX8

 

完整歌曲(泰勒絲演唱)

https://www.youtube.com/watch?v=iEcsqWKZlRM

 

 


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【BON音樂】2025年第19屆蕭邦國際鋼琴大賽官方座談會 - 蕭邦鋼琴大賽的歷史沿革

BON音樂】2025年第19屆蕭邦國際鋼琴大賽官方座談會 - 蕭邦鋼琴大賽的歷史沿革
Lecture of the 19th International Fryderyk Chopin Piano Competition

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🔴 【蕭邦國際鋼琴大賽座談會】
12/01(日)13:00-16:00
國家音樂廳四樓交誼廳
報名表單:https://forms.gle/e4C5grq1M1c8GaBRA

蕭邦國際鋼琴大賽成立於1927年,由波蘭鋼琴家朱拉夫列夫(Jerzy Żurawlew)所創立,為了紀念波蘭最偉大的作曲家蕭邦;近百年來在政府和民間的協力之下,不斷改良規則與制度,從首屆26位鋼琴家到第19屆191位鋼琴家的參賽,成為全世界最重要的鋼琴比賽之一。

巴哈靈感為蕭邦國際鋼琴大賽臺灣官方指定主辦單位,將於2025年12月舉行金獎得主音樂會。自今年12月起舉辦一系列活動,邀請曾參與蕭邦國際鋼琴大賽的臺灣選手及臺灣樂迷朋友們一同參與這場盛會。

本場座談會將由巴哈靈感執行長梁秀玲博士、蹦藝術理事長林仁斌老師、蕭邦學會主席 Mr. Szklener 、大賽主任 Ms. Bokszczanin及曾參賽的臺灣優秀青年鋼琴家一同進行。介紹蕭邦國際大賽的歷史及賽制規則,並由鋼琴家分享從決定參賽到晉級的心路歷程及如何準備。從主辦方及參賽者的角度,深入了解這場備受全球矚目的國際鋼琴賽事。

時間|2024/12/1(日)  13:00 -16:00  (12:30 開放入場)

地點|國家音樂廳四樓交誼廳(請由一號門信義路側進入,於地面層全方位音楽旁報到)

費用|免費

報名方式|填寫此份表單

12:30 報到

13:00-14:20 座談會上半(蕭邦學會主席、大賽辦公室主任、林仁斌)

14:20-14:30 休息時間

14:30-15:30 座談會下半(陸逸軒、張凱閔、謝維庭)

15:30-16:00 Q&A

 

五年一次的蕭邦鋼琴大賽,以往一定要親臨波蘭才能參與,而現今線上直播的形式公開轉播賽程,讓更多喜愛音樂的人有機會同步參與這場國際盛事。

每項大賽,都有其獨特的歷史沿革和比賽規則。林仁斌老師將用深入淺出放的方式,讓大眾更了解蕭邦鋼琴大賽的歷史沿革和比賽規則。跟著專業導聆一起共享經典,了解更多樂曲內涵。您會更清楚評審團的評分標準,也會認識歷屆知名的大賽得主和他們的演出。

 

主講人:林仁斌(台灣蹦藝術協會理事長)

蕭邦鋼琴大賽歷史.沿革與大賽章程介紹

「鋼琴詩人」蕭邦畢生創作幾乎以鋼琴曲為主,雖然他不少作品技巧艱深,但音樂卻從不以炫技為最終目的,樂曲中特有的詩意和細膩的情感、浪漫的和弦與精緻的音符,為他博得「鋼琴詩人」的雅稱,也是最為後世喜愛的作曲家之一。每隔五年於蕭邦故鄉舉辦之波蘭國際蕭邦鋼琴大賽,更是純粹以蕭邦音樂由初賽演奏至最後一輪的國際大賽。

五年一次的蕭邦鋼琴大賽,以往一定要親臨波蘭才能參與,而現今疫情改變了賽事規則,這次轉以線上直播的形式公開轉播賽程,讓更多喜愛音樂的人有機會同步參與這場國際盛事。

每項大賽,都有其獨特的歷史沿革和比賽規則。林仁斌老師將用深入淺出、搭配過往比賽精彩影音撥放的方式,讓學員更了解蕭邦鋼琴大賽的歷史沿革和比賽規則。跟著專業導聆一起共享經典,了解更多樂曲內涵。您會更清楚評審團的評分標準,也會認識歷屆知名的大賽得主和他們的演出。

 

蕭邦國際鋼琴大賽Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Fryderyka Chopina)是五年一度的國際鋼琴比賽,1927年由波蘭鋼琴家茹拉夫萊夫創辦,於音樂家蕭邦的故鄉——波蘭首都華沙國家愛樂廳舉行,波蘭政府為每屆大賽提供五百萬茲羅提(約100萬美元)的資助。(基本資料整理自網路與維基百科,並附超連結方便檢索)

 

鋼琴界的最頂級賽事:華沙國際蕭邦鋼琴大賽

鋼琴詩人 - 蕭邦

「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)一生創作之作品,多以鋼琴曲為主,並且在鋼琴技巧演進史上佔有極重要的地位,故得名「鋼琴詩人」。蕭邦在鋼琴樂曲中有著多樣性的創作能力,並對於許多曲式的創作,有著劃時代的創新突破與重要地位。

照片為1849年,蕭邦於人世間最後一張照片:

「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)
「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)

 

蕭邦鋼琴大賽起源

→波蘭建國與歷史

波蘭是位於東歐平原西斯拉夫人國家,根據考古發掘資料,波蘭最晚在舊石器時代中期已經有人類捿息。公元前700年新石器時代晚期,斯拉夫人在波蘭定居。10世紀,波蘭人開始建立國家。其後的11~15世紀,波蘭國勢都非常的強盛,波蘭-立陶宛聯合王國成為抵禦金帳汗國入侵的歐洲之盾、並且成為歐洲面積最大的國家。16世紀是波蘭的黃金時代,波蘭身兼歐洲大國和世界貿易大國的雙重身份、文化也得到長足的發展。但從17世紀中期開始,因為俄羅斯和普魯士的崛起使波蘭走向衰弱、大國地位明顯被削去。

18世紀時,古老的貴族民主制面對新興的專制君主制已經無以為繼,至19世紀期間,波蘭最終被鄰國蠶食和瓜分,在歐洲地圖上消失123年。(被蠶食與瓜分的悲慘19世紀~這就是蕭邦的年代)

第一次世界大戰結束後、波蘭才得以復國,第二次世界大戰中,在蘇聯和納粹德國兩個強大鄰國夾縫中生存的波蘭很快就再次亡國。戰後,波蘭的共產黨建立人民共和國、開始共產主義建設。1989年,波蘭的團結工會獲得政權,結束共產黨統治後開始民主化,轉向西方的資本主義制度,劇烈的轉型帶來陣痛和經濟衰退,加劇城鄉差距。1999年和2004年,波蘭分別加入北約和歐盟。

 

一次世界大戰結束後,波蘭重新建國。

當時社會風氣普遍較為重視物質生活,而非藝術、音樂等品味生活的元素。波蘭人雖有自己的國家,但有一批藝術家卻認為波蘭該復興自己的音樂藝術文化,這位最值得年輕人一聽的波蘭作曲家,就是蕭邦。

當時許多波蘭年情人不知道蕭邦是誰?也有波蘭人說聽了蕭邦的音樂,覺得是糜靡之音。

波蘭鋼琴家與華沙音樂院教授如拉夫列夫(Jerzy Żurawlew, 1886-1980),師承著名的蕭邦詮釋專家:亞歷山大·米查沃夫斯基 (Alexander Michałowski) ,而亞歷山大·米查沃夫斯基師承蕭邦教導過最傑出的學生之一:卡爾·米庫利 (Carl Mikuli),一脈相傳的道地蕭邦原汁原味波蘭風格。

如拉夫列夫畢生投注極大的熱情於教學與蕭邦音樂的傳承,並一生以此為致力目標。 除了培養出好幾位鋼琴家外,他積極參與社區和文化藝術活動。有鑒於越來越多年輕人不知蕭邦是誰?他歷經不懈努力與奔走,終於在1927年,成功於波蘭華沙創辦以蕭邦為名的國際鋼琴大賽。

時至今日,這項以單一作曲家與作曲家人生所有作品為比賽內容的國際音樂大賽,不但成為比賽最大特色,更成為所有國際音樂賽事中歷史最悠久的大賽之一,也讓今日的波蘭人對於擁有蕭邦,深深引以為傲。

五年一度的蕭邦鋼琴大賽,重要性更被譽為為「音樂界的奧運」。

 

波蘭鋼琴家與華沙音樂院教授如拉夫列夫(Jerzy Żurawlew, 1886-1980)

Jerzy Żurawlew (1886-1980), initiator and many-times member of the Competition jury (c. 1927)

 

為何五年舉辦一次?

蕭邦鋼琴大賽從1927年開始,設定每五年舉辦一次(中間1942-1949年間因華沙在二戰中被摧毀而中斷),可說是波蘭藝文界殿堂級的最重要事件,每次舉辦皆獲得全球矚目。相較多數國際音樂大賽多為 3-4 年就舉辦一屆,蕭邦鋼琴大賽設定 5 年才一屆,比4 年一屆的奧運還久。

據說主辦單位也曾想要縮短年限,但後來認為藝術與傑出演奏者培養,需仰賴的時間沉澱與長期準備:每 5 年如果能有一位頂尖鋼琴家的誕生,已實屬不易,因此作罷。

要準備蕭邦鋼琴大賽並不容易,需要精通的曲種與曲目非常多;雖然是單一作曲家之作品,但每種樂曲曲式均要掌握演奏風格與技巧,更是難上加難;加上比賽評審均為國際一流蕭邦專精演奏家與教授,要通過這些專家們的一致認可,才有機會脫穎而出。

 

蕭邦大賽歷史 紀錄片

https://youtu.be/OGZx3YYeSMs


 

2025年第19屆蕭邦鋼琴大賽時程表(2025.10.02.-10.23)

2024年10月1日至12月15日 - 受理報名截止日期(*因應本屆賽制微調,難度增加,為鼓勵更多優秀鋼琴家,報名截止日延後為2025年1月12日)

2025 年 3 月 5 日 - 公佈初賽名單

2025 年 3 月 7 日 - 公佈初賽日期和時間

2025 年 4 月 23 日至 5 月 4 日 - 預賽

2025 年 5 月 9 日 - 公佈進入10月主賽的參賽者名單

2025年9月30日-公佈大賽演奏順序抽籤

2025 年 10 月 2 日至 23 日 - 正式比賽日期

第19屆蕭邦鋼琴大賽規章

蹦藝術帶你看重點:

國際蕭邦鋼琴比賽是波蘭最重要的音樂盛事,也是世界上最重要的比賽之一。

推廣蕭邦音樂全球化

發掘新生代最傑出的鋼琴演奏者

為年輕音樂家的國際職業生涯提供最直接的起步

本屆參賽者年紀限制為「1995年至2009年」出生之青年鋼琴演奏家。

10月於波蘭華沙舉行之大賽,資格審核程序將分兩個階段進行:

第一階段:請鋼琴家們提交大賽指定之蕭邦演奏影音。這些影音將由資格審核委員會評估,委員會將選出大約 160 名鋼琴家參加比賽初賽。

初賽:將於 2025 年 4 月 23 日至 5 月 4 日在華沙舉行。獲邀鋼琴家們將演奏進行大約 30 分鐘的獨奏會,按照比賽規則演奏蕭邦之選定作品。

初賽的試演將在國家愛樂廳的室內樂廳公開舉行。

參賽者的表演將由初賽評委會評估,評委會由傑出的鋼琴家、蕭邦專家與教育學者組成。

初賽後,評委會將選出 80 名最優秀的鋼琴家參加 10 月的比賽。

初賽的演奏也將在全球網絡播放,由大賽官方 YouTube 頻道觀看。


正式賽:於 2025 年 10 月 2 日開始,由前幾屆比賽獲獎者舉行開幕音樂會。

10 月的各賽程(三輪)演奏將持續三週 ——10 月 20 日,將宣布比賽的新獲勝者。

筆者附註:第二輪將有約 40 名參賽者入圍,第三輪約 20 名,決賽則不超過 10 位鋼琴家。

決賽前,將於 10 月 17 日舉行蕭邦逝世 176 週年紀念活動。

10 月 21 日將舉行頒獎典禮,金(10/21)、銀(10/22)、銅(10/23)三位獲獎者音樂會。

關於獎項與獎金:

金牌獎:將獲得 60,000 歐元及一枚金牌

銀牌獎:將獲得 40,000 歐元及一枚銀牌

銅牌獎:將獲得 35,000 歐元及一枚銅牌。

第四、五、六獎獲獎者,將分別獲得 30,000 歐元、25,000 歐元和 20,000 歐元。

其餘決賽選手將獲得 8,000 歐元的同等獎金。

比賽全程將於波蘭廣播電台播出。

同時也在波蘭電視台文化頻道(TVP Kultura)播出,並通過最高品質 4K 的直播於網路上完整轉播。

 


大賽規則與評審制度

  • 有年紀限制。(本屆年紀限制為1995年至2009年間出生)

  • 共有四輪競賽。第一輪(夜曲、練習曲、詼諧曲)、第二輪(敘事曲、前奏曲、圓舞曲及波蘭舞曲)、第三輪(即興曲、奏鳴曲及整組馬祖卡舞曲)至最後決賽(蕭邦的第一號或第二號鋼琴協奏曲擇一完整演奏),選手都需要在每一階段、每種曲目呈現最高水準,才有可能晉級。

  • 複合評選制度。十多位評審會以「Yes/No制」、「25分制」、「55分制」等方式打出分數,並誠實標示出自己的學生「S」,避免藝術評分可能因此產生之不公平。

  • 10位內入選總決賽。須為前三個輪「累積分數」最好的前十位。他們將與華沙愛樂管弦樂團合作,演奏蕭邦的第一號或第二號鋼琴協奏曲。

     


→歷屆首獎得主與得獎者

 


第18屆蕭邦鋼琴大賽金牌獎得主 - Bruce Liu 劉曉瑀

 

12月,聽最新蕭邦大賽金獎🎹

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2021劉曉禹奪下蕭邦大賽冠軍,比賽現場錄音旋即在DG後製發行。樂評Colin Clarke 聽完,形容劉曉禹的表現有種「黃金的,歌唱般的線條」,並讚美他優秀的技巧使得他可以為任何困難又具有挑戰性的曲目加入自己的獨到詮釋,而這張專輯標誌了劉曉禹精彩音樂家職涯的開端!🪽

The Classical Review 的評論則讚賞他擁有成熟的美感與感受能力,能以純熟技巧改變樂曲的色澤與明暗。而且即使優雅,他的表演也從未失去讓人興奮的特質——

不負眾多好評,這張出道專輯又再獲《留聲機》雜誌選為「2021最佳古典音樂唱片」:一舉奪得大賽冠軍、擄獲諸多樂評的心,再收穫獎項——這個職涯開場很難再更華麗!🎉

 

第一屆蕭邦鋼琴大賽正式海報

 

大賽歷史與重要事件整理

蹦藝術整理.引用自 MUZIK 雜誌  2015-10  Vol. 102 /

第一屆蕭邦鋼琴大賽於1927年1月23至30日比賽,有八個國家26位參賽者。評審委員有12名,但清一色為波蘭音樂家,當時認為只有波蘭人能把蕭邦音樂的民族性做正確的評價。結果第一名為蘇聯的列夫.歐柏林(Lev Oborin),蘇聯作曲家蕭斯塔科維契也參加比賽,但沒有得名。

2.Stanislaw Szpinalska(波蘭)
3.Roza Etkin-Moszkowska(波蘭)
4.Grigori Ginzburg(蘇聯)
1932年3月舉行第二屆,參加人數增加到十八國89位參賽者,評審委員增加到14位。有五名外國音樂家參與評審,法國名鋼琴家瑪格麗特.隆(Marguerite Long,1874∼1966)及拉威爾(Maurice Ravel,1875∼1837)也參加評審。前六名名單如下:

1.Alexaindre Uninsky(原為俄國基輔音樂畢業,但報名時沒有填國籍)
2.Imre Ungar(匈牙利)
3.Boleslaw Kon(波蘭)
4.Abramlur(蘇聯)
5.Lejos(Louis) Kenter(匈牙利)
6.Leon Borunski(波蘭)

一九三七年第三屆參賽者來自二十一國,79名。評審委員破天荒地請了30名,18名為外國人,德國的巴克豪斯(Wilhelm Backhaus, 1884∼1969)、蘇聯的涅高茲(Heinrich Gustavovich Neuhaus,1888∼1969)也列名評審名單內,可見這個比賽的客觀性與重要性已大為增加。

第三屆的前六名為:
1.Jakov Zak(蘇聯)
2.Roza Tamarkina(蘇聯)
3.Witold Malcuzynski(波蘭)
4.Lance Dossor Great(英國)
5.Agi Jambor(匈牙利)
6.Edith Axend(德國)

第四屆應該在1942年舉行,但因第二次世界大戰而停辦,延至1949年波蘭淪為共產後舉行。評審委員維持28位,外國評審18名。但參賽者戰後,減為十四國54名。第一名為波蘭的史黛芳絲卡(Halina Czerny-Stefanska)和蘇聯的貝拉.達薇朵維契(Bella Davidovich)兩位。二、三、五、六、八、十一、十二名為波蘭人,四、七、九、十名為蘇聯人。換句話說,雖有14國代表參賽,前12名卻只有由地主國與蘇聯瓜分,音樂比賽政治化之說由之而起。

第五屆於1955年2月22日至3月21日舉行。參加者增加為二十五國75名。評審委員也是30名,但外國評審佔了22名。從這次開始,地主國波蘭的評審人數以不超過評審的三分之一為原則,波蘭的評審勢力稍微減弱,也增加了比賽的公正性,尤其經過這一屆的比賽,雖然第一名仍然由波蘭集合華沙音樂院教授群全力訓練的參賽者哈拉賽維契(Adam Harasiewicz)獲得,而有些微的不公聲浪外,第二名的阿胥肯納吉(Vladimir Ashkenazy),第三名傅聰,第四名則由法國的伯納德.林金森(Bernard Ringeissen)獲得,五、六名又是蘇聯,但是,很顯然政治因素已經減輕不少,這項比賽的權威性已被國際樂壇所重視,也是年輕鋼琴家們夢寐所追求的最高榮譽。

自1955年以後,蕭邦國際大賽固定每五年舉辦一次,且往後的各屆比賽第一名不再侷限於波蘭與蘇聯:

1960年第六屆由義大利的波里尼(Maurizio Pollini)獲得,中國大陸的李名強進入第四名,他在1995年也獲聘為第十三屆評審。1965年則由阿根廷的阿格麗希(Martha Argerich),1970年由美國的歐爾頌(Garrick Ohlsson),日本的內田光子(Hiroko Nakamura)在這一屆擠入第二名。

1975年第九屆評審團無異議的回到波蘭年僅17歲的齊瑪曼(Krystian Zimerman)獲得第一名,但二、三、四名全部是蘇聯人。

1980年的第十屆是最轟動的一年,音樂怪人波哥雷里奇(Ivo Pogorelich 1958∼)的特異音樂詮釋,使得評審肯特納(Louis Kentner,第二屆第五名)在第一回因為波哥雷里奇能進入第二回賽而退出評審行列,其後評審之一阿格麗希,則因為波哥雷里奇不能進入最後六名決賽,憤而退出比賽評審。創了同一次比賽有評審因其入圍而退出,又有因不能進入決賽而退出的記錄。

更絕的是比賽結果由越南的鄧泰山(Dang Thai Son,莫斯科音樂院學生)獲得第一名,第二、三名也是蘇聯人,第四名從缺而第五名兩位──評審團認為第五名兩位的水準與第三名還有差距而不夠第四名的資格。這又是大賽的新紀錄(通常只會第一或第二名從缺)。

1985年的第十一屆,評審委員也是一面倒的通過蘇聯的布寧第一名。隨後蘇聯解體,音樂人才培育也受到衝擊,導致1990、1995連著兩屆第一名從缺。

2000年的第十四屆則由中國的李雲迪獲得,陳薩第四名。

2005年由波蘭的布雷謝茲(Rafał Blechacz, b.1985)獲得,第二名從缺,第三名兩位韓國人、第四名兩位日本人,第五名從缺,又是一項紀錄。

2010年第十五屆第一名為俄國的尤利安娜.阿芙蒂耶娃(Yulianna Andrejewna Avdeeva),同屆第三名的丹尼爾·特里福諾夫雖只獲得第三,但於隔年開始大放異彩:同時獲得2011年亞瑟·魯賓斯坦國際鋼琴大賽首獎與2011年柴可夫斯基國際音樂比賽鋼琴組金牌及賽事最高獎(Grand Prix),如今國際演奏聲勢一路看漲,頻頻成為話題。

統計數據與現象

從比賽得獎者的統計中可以得知,十五屆蕭邦鋼琴大賽的第一名除了1960、1965、1970連著三屆由西方自由國家奪得外,其他全是共產國家獲得,綜觀歷屆前三名受到蘇聯音樂體系訓練者佔大多數。

蘇聯解體,人民爭得自由後,音樂教育也走下坡。由此可見音樂的訓練必須苦練才能豐收。

再看看亞洲的音樂人才,大陸在文化大革命之前有傅聰擠入第五屆第三名,李名強第六屆第四名,隨後因文化大革命而中斷。

日本雖然不曾獲得第一名,最好成績是1970年第八屆第二名。不過從1965年起每一屆都有人能進入第三輪的前十五名,甚至擠入前六名。其中1965年中村紘子(Hiroko Nakamura)第四名,1970年內田光子(Mitsuko Uchida)第二名,1980年海老彰子(Akiko Ebi)第五名,1985年小山實雅惠(Michie Koyama)第四名。1990年則有第三名及第五名,1995年第五名,2000年第六名,2005年兩位第四名。從這看來,日本從1965年起,除了1975年外,每一屆都能擠入前六名,1985年前十五名中日本還佔了四位,可見日本的音樂確實已有一定水準。

筆者補充:2021年第18屆蕭邦鋼琴大賽入圍者,經統計後各國人數如下:

中國入選22位
波蘭入選16位
日本入選14位
韓國入選7位
義大利入選6位
台灣入選3位

依照世界音樂史的輪迴,二十一世紀應該是亞洲人的世紀,從蕭邦鋼琴大賽也可看出端倪:
2000年第一名李雲迪、第四名陳薩為中國,第六名佐藤美香(Mika Sato)日本所得,開了第一槍。2005年第二名從缺,第三名兩位為韓國人,第四名兩位為日本人,第六名為香港人,換言之,除了第一名,其他全是亞洲人。可惜2010年81名中有23名亞洲人進入第一輪比賽,卻沒有擠進前六名。2015年158名預賽者中,有25名中國、25名日本、20名韓國、臺灣3名,總共73名,目前進入Qualified的84名中有三36名,如果加上美加兩國亞裔小將共有43名,可見亞洲鋼琴小將們在華沙鋼琴大賽所佔份量。

或許2015年又會重演1990年第一名從缺。由於柴科夫斯基與蕭邦世界兩大鋼琴比賽同一年比賽,參賽者很多是重疊的,要準備兩種不同的比賽曲目,的確非常困難,人才也因之分流,柴科夫斯基2015第十五屆比賽已於七月結束,第一名由莫斯科音樂院畢業的馬斯列夫(Dmitry Masleev)獲得,看得出他是專心準備柴科夫斯基比賽曲目。第二名兩位,有一位同樣莫斯科音樂院畢業的魯卡斯(Lukas Geniušas)及美籍華裔的黎卓宇(George Li)。有趣的是2010年蕭邦鋼琴賽第三名的特利佛諾夫(Daniil Trifonov)於2011年參加柴科夫斯基第十四屆比賽獲得第一名,而2010年蕭邦鋼琴賽第二名的魯卡斯今年參加柴科夫斯基比賽還是第二名。而美籍華裔小將黎卓宇剛於4月13日參加蕭邦鋼琴大賽預賽,獲得晉級第一輪。以他在預賽彈奏的蕭邦,應該是無法獲得比第二名更好的名次,而他日前也宣布放棄了十月的比賽。看了可進入於九月底蕭邦第一輪60名選手的預賽實況,似乎沒有顯眼、突出者,寄望於24名獲得直接進入第一輪有傑出的選手,否則可能重演1990年第一名從缺。

蕭邦國際鋼琴大賽的特點

目前世界上稱為國際鋼琴比賽者少說也上百個,每五年一賽的蕭邦鋼琴賽,是目前水準最高的,所產生的優勝──尤其第一名,幾乎沒有庸才,即使第一名從缺,能進入前六名者,大都能屹立於國際樂壇或成為名師。蕭邦鋼琴大賽能獲得今日之聲譽,是由於下列幾項特點,才得以致之:

蕭邦鋼琴大賽是用國家的威信做賭注的一種國家賽事

早期這一比賽是由蕭邦協會和波蘭文化部合辦的(目前官方角色逐漸減少)。然而,蕭邦協會在第十一屆以前,雖稱之為協會,但並不像我們的純民間組織,根據第十、十一屆評審主任委員艾基爾(Jan Ekier)坦白的說:「它是由國家性的機關共同主辦。」所以說,是以國家的威信做賭注,無論他們的國家經濟多麼蕭條、不景氣,只要碰上比賽年,都全力以赴,全國人民對五年一度的大賽都寄予很大的關心,這是其他國際鋼琴比賽所無法比擬的。他們所以要由兩個單位共同舉辦,也是他們高明之處。蕭邦協會是由音樂家組成,負責章程、比賽曲目的擬定,聘請評審委員及比賽內容等技術方面的事情。藝術文化部則負責參賽者、評審委員等住宿、逗留期間的開銷及比賽售票等雜務之經營。如此,蕭邦協會可以全心專注於如何提升比賽水準而努力,而不必煩心於藝術工作者最大弱點──辦理雜務、瑣事。

比賽時間相隔最長

通常國際鋼琴大賽,以間隔三或四年舉辦一次已經算是間隔很長,而蕭邦國際鋼琴大賽是每隔五年一賽,是所有國際比賽中間隔最長的。每屆比賽年齡限制約有不同,但大概都在17∼28歲之間(本屆為16∼30歲)。因此,蕭邦大賽對一個鋼琴家來說,能參加的機會一生只有一次,最多最多也是兩次。

蕭邦協會也曾考慮過四年一賽,經過協會的研討,認為「蕭邦的音樂非常困難,比賽指定曲目也非常多,需要一段長時間的學習和準備。為了維持比賽的水準,還是以間隔五年為宜,何況衡諸世界鋼琴家的出生,每五年能夠產生一位真正好的鋼琴家已經不簡單。」看看世界頂尖的鋼琴家也真是如此,有時相鄰兩三年出現幾位,隔了幾年才又出現新高峰。例如:1882∼1886年接連出現巴克豪斯(Wilhelm Backhaus, 1882∼1951)、施納貝爾(Artur Schnabel,1884∼1969)、魯賓斯坦(ArturRubinstein, 1886∼1982),1895年的紀瑟金(Walter Gieseking)、肯普夫(Wilhelm Kempff,1895∼1991),接下來是1903∼1904年的阿勞(Claudio Arrau,1903∼1991)、瑟金(Rudolf Serkin,1903∼1991)、霍洛維茲(Vladimir Horowitz,1904∼1989),然後就要跳到1915∼1917年的李希特(Sviatoslav Richter,1915∼1998)、吉雷爾斯(Emil Gilels,1916∼1985)、李帕悌(Dinu Lipatti,1917∼1951)。蕭邦協會的考量還真有些道理呢!

由於比賽章程訂定的年齡限制,所以,年輕的鋼琴家們,如想要鯉魚躍龍門,就要在五年內全力一拼。而且年齡愈輕而有才氣的愈有希望。超過26歲雖然可以參加,但得第一名的機會不大,他們為了維持水準寧可第一名從缺,例如1990、1995接連兩屆從缺就是這種情形。或許評審委員有共同體認:26歲以上,音樂成熟是應該的。

評審委員是所有比賽中最多

比賽是否成功,評審的公平最重要。

而藝術是完全主觀的,它不能像田徑場上用碼表或尺來測量,即使只要快了0.001秒或多了0.1公分,就可以判定勝負。

藝術的評審完全靠主觀,尤其是音樂比賽,評審得聚精會神地從一閃而過、看不到、摸不著、留不住的音樂聲中判出高下。每一個人的涵養不同,所看的角度不同,而能夠參加大型國際賽大都有一兩把刷子,尤其到最後關頭上得了台的,除非有一個非常突出,幾乎很難分辨高下。事實上,天才與亂來只是一線之隔,就看從哪個角度衡量而已。因此,在評審成績統計表上,同一參賽者被判定第一名與最後一名的情況經常出現。若只有兩、三位評審,很難做到客觀、公平──除非有明顯的差異。通常國際比賽的評審委員7∼9位最多,柴可夫斯基大賽則11∼13位算是多的。由於國際大賽的評審者必須有國際水準與聲望,要求這些音樂家撥出將近一個月的時間,每天聽這累人的評審工作,真的很困難,然而蕭邦鋼琴大賽參賽者從1980年起大都超過130人,評審委員20至30位。(第四屆只有54位參賽者,居然請來28位評審。)從2005年起先於比賽當年四月舉行Preliminary Stage,以2015年為例,於2015年4月13日至24日舉行,每個參賽者上台彈奏30分鐘內之指定選曲,由13名評審,每天8小時,並經由YouTube現場線上直播。正式比賽有17名評審,他們聘請評審的原則,首先必須是要名實俱在的卓越的鋼琴家,其次必須是卓越的鋼琴教育者或音樂評論者而且必須對蕭邦藝術有深切體認者。因此,從1960年以後,蕭邦鋼琴大賽的公平性不容置疑,參賽者不用擔心政治或其他方面所產生的不公平性。

計分方法最特別

早期蕭邦賽的計分方法採初賽、複賽、準決賽、總決賽四個階段計分,每一階段評審只能評最高25分,以降低每一位評審所能操控的分數,且各階段累積計分淘汰。

因此,即使最後總決賽的分數最高,如果前面幾回成績加起來太低,到手的名次也只可能拱手讓人。

從2000年起,由於評審不習慣打二十五分制(其目的是讓評審不能有太大的分數操控空間),改採100分制。不管採幾分制,蕭邦賽的每一個階段賽都重要,因為每一個階段演奏蕭邦不同類型的樂曲,所以必須完整的表現蕭邦的各個層面。不像其他的國際賽,最後總決賽決定名次,前面幾回賽只要擠進入圍就行。(筆者補充:從2015年評審結果看來,第一~三輪評審團仍維持「25分制」,決賽則採取「55分制」,下方將提出進一步說明與解釋只辦鋼琴比賽,比賽曲目只有蕭邦的作品

純粹只辦國際鋼琴比賽的不是沒有,但知名度高的,只有華沙蕭邦鋼琴比賽。其他如比利時的伊麗莎白、莫斯科的柴科夫斯基比賽包括小提琴、大提琴、聲樂等。比賽曲目包含的各個不同樂派、不同作曲家的作品。蕭邦賽的指定曲則清一色為蕭邦的鋼琴作品,歷屆比賽的指定曲目,除了馬厝卡舞曲外,都大同小異,他們也不擔心比賽曲目會被先練習。因 除了馬厝卡舞曲外,都大同小異,他為蕭邦的音樂並不是彈得久、練得多就會贏,而是各種不同類型的樂曲需要有不同的領悟。例如,每一屆的馬厝卡和波蘭舞曲特別獎,不一定是第一名的人獲得呢!如傅聰只得第三名,卻得到馬厝卡舞曲特別獎。而且,如果不是那塊料,即使練了一百年,把蕭邦的所有作品背得滾瓜爛熟,也不見得會得到第一名。

蕭邦鋼琴大賽曲目及其音樂

蕭邦鋼琴大賽從每一階段的曲目要求參賽者做出不同要求,第一輪通常是一首夜曲──看音色的控制、音樂的細膩性,兩首練習曲──看手指的靈活、技巧。一首詼諧曲──看困難的技巧如何與音樂結合。第二輪的曲目中要從敘事曲、船歌、或幻想曲看抒情性質的音樂與技巧的結合。連續六首的前奏曲看曲目連續的組織概念,圓舞曲看才氣。波蘭舞曲通常規定自較有莊重、魄力的Op.22,Op.44,Op.53,Op.61四首中選一首。

第三輪即興曲一首、一整組馬厝卡舞曲以及一首奏鳴曲。通常到了這個階段結束後,在評審委員的心目中優勝劣敗已經有數,就等最後一回的協奏曲,看看參賽者是否有能力在和樂團、指揮排練一次就上台作好演出,來判斷是未來是否有成為獨當一面真正鋼琴家之可能。如果不行,第一名就會從缺。

第四輪為總決賽,近三屆參賽者除了蕭邦的兩首協奏曲任選一首外,還加上一首鋼琴與管弦樂的小品。2015年第十七屆又回復蕭邦兩首協奏曲中擇一。

從上述的指定曲目範圍中,參賽者必須長時間做準備,才能充分詮釋各種不同類型的演奏曲目。

我們從蕭邦協會所推薦的兩套蕭邦全集錄音,聽出佔了每次比賽三分之一的評審委員們所演奏的音樂,他們所注重的是蕭邦的「詩意」。「詩」是文學中最簡潔、最高意境的表達,蕭邦之所以被稱為「鋼琴詩人」,就是因為即使在最簡單的音符中,都有深刻的意境,比賽就是考驗參賽者是否有此意境。音樂的「詩意」實在很難用文詞表達,唯有通過音樂解釋音樂,才是正途。

以往要想聽蕭邦鋼琴大賽的比賽實況,大概僅能靠錄音;1980年有CD後,比賽完第二天大概可以在比賽現場買到前一天的比賽現場CD。也有波蘭muza唱片公司,從波蘭蕭邦協會保存的歷屆比賽實況錄音中,整理出八張精選,把歷屆第一名精彩部份集合成四張CD,另外還有歷屆獲得波蘭舞曲、馬厝卡舞曲特別獎的現場各集成一張CD,共六張CD。另美國洛杉磯的LASERLIGHT唱片公司也於1992年發行一套五張的Great Chopin Performers,內容也是各屆第一名的精彩錄音。另外Technics 也於1995年發行六張1995年第十三屆蕭邦鋼琴大賽得獎者的現場部份錄音,若拿來與過去幾屆第一名做一比較,這些年輕參賽者的演奏,的確不如前幾屆的才氣煥發的演奏,例如曾獲得范.克萊本鋼琴大賽第一名的俄國蘇塔諾夫(Alexe Sultanov)的演奏,實在過份地誇張而帶著傲性,不符合評審們「耳」中的蕭邦風格。如果與前幾屆第一名來對比印證,第一名從缺,確實有其道理。這些都是最好的研究蕭邦音樂共通特質的資料,如果配合蕭邦協會的兩套錄音,多聽幾次後,蕭邦音樂的一般要求共通特質,就會自然浮現在腦海中,無論是欣賞、學習或教學都能對於蕭邦的音樂有一清晰的輪廓。

俄國鋼琴家蘇塔諾夫(Alexe Sultanov)的決賽演奏

https://youtu.be/GQWgPyvXVdg?list=PLFn0Mh0jSllpT5mr_RLdnrrsFGm968ayc&t=2875

1995年蕭邦鋼琴大賽公布名次之後,銀牌獎得主蘇塔諾夫(范克萊本鋼琴大賽金牌獎得主)因為首獎從缺只得到二獎,與法國鋼琴家Philippe Giusiano共享銀牌。蘇塔諾夫因此拒絕領獎且拒彈得獎者音樂會,後來他同意彈奏得獎者音樂會,卻在音樂會以瘋狂而粗糙的演奏,似乎是不甘示弱地向評審抗議...更是大賽沸騰話題。可惜這位天才型演奏者,之後嚴重中風,於2005年6月30日,逝世於德州Fort Worth,結束了短暫的35年生命。

蘇塔諾夫中風後,在妻子Dace Abele Sultanov 陪伴下彈奏鋼琴



再不然,只拿歷屆的馬厝卡舞曲特別獎的錄音,與蕭邦協會史黛芳絲卡的錄音聽過以後,自然會發現他們所稱的「詩意」到底是怎麼一回事,這些沒有透過音樂是不可能理解的,再多的文字也無法描寫出音樂中的詩意。

得獎者音樂生涯發展概況

蕭邦鋼琴大賽1980年以前各屆獲得第一名者,大都在世界樂壇佔有頗為知名的地位,能獲得前六名者,也有許多成為不錯的演奏家或名師。但若要成為大師,還得繼續拓展蕭邦以外之大作曲家,尤其是貝多芬的作品下功夫,否則僅能成為「蕭邦專家」──如1955年的哈拉賽維契,得獎後還是繼續在單純的蕭邦曲目,雖然錄製了第一套蕭邦鋼琴作品全集,但所獲得評價並不高,至今雖然多屆蕭邦鋼琴比賽評審皆有其名,但世界鋼琴界知其名者並不多。而第二名的阿胥肯納吉學習快速,錄製鋼琴作品包括貝多芬奏鳴曲、協奏曲全集,蕭邦鋼琴作品全集及其他許多作曲家的作品,成為錄音最多的鋼琴家。1960年第一名的波里尼(Maurizio Pollini,1942∼)得獎後曾沈寂近十年,復出後在貝多芬的鋼琴奏鳴曲令人刮目相看,尤其最後三首奏鳴曲。1975年的齊瑪曼,得獎後,除了蕭邦作品,對於莫札特、貝多芬、布拉姆斯的作品亦有深入研究與傑出演奏表現,奠定大師的身份。

從1970年起之蕭邦鋼琴大賽,因歷經七屆得獎者在國際樂壇所展現的成果,蕭邦鋼琴大賽的評審團至少有三分之一是經過蕭邦鋼琴大賽評審得過前六名,而在國際樂壇佔有一席之地者,以2015年第十七屆為例,17名評審中蕭邦賽得名者佔5位,李雲迪也在列。

結論

由於蕭邦的鋼琴音樂要求音質、音色的微妙變化來傳達其「詩性」,這些變化需透過微妙的彈奏方法與觸鍵,但其彈奏沒有絕對的方法。如今拜科技進步之賜,可以透過這些得獎者之實際演奏錄像,觀察其演奏方法。如比賽時採用較圓弧形狀的觸鍵得獎者,往後朝德奧系統作曲家的作品發展可能性較大,如波里尼、齊瑪曼。

精彩歷史與演奏

 


評審制度

閒磕牙.話題十足🌟

讓我們以2015年蕭邦鋼琴大賽評分表,一起看許多評審制度與現象:

17位評審團成員與縮寫:

Dmitri Alexeev(DA)
Martha Argerich(MA)

Dang Thai Son(TD)
Akiko Ebi(AE)
Philippe Entremont(PE)
Nelson Goerner(NG)
Adam Harasiewicz(AH)
Andrzej Jasiński(AJ)
Garrick Ohlsson(GO)
Janusz Olejniczak(JO)
Piotr Paleczny(PP)
Ewa Pobłocka(EP)
Katarzyna Popowa-Zydroń(KP)
John Rink(JR)
Wojciech Świtała(WS)
Dina Yoffe(DY)
Yundi Li(Y)

 

2015年第一輪評審給分表:

 

從上方表格我們可得知,第一~三輪給分方式評審團以「兩種系統」對第一、第二和第三輪的比賽參與者進行評分:

25分制」+「Yes/No制」。

在這兩個系統中,陪審員都不會對自己「學生」的表現進行評分,而只是在評分卡上參與者姓名旁邊的符號「S」。

25分制」評分系統可以從 1分 到 25分(1 為最低,25 為最高)的整數給/評分;而在「Yes/No制」系統中,每位評審可表達他/她對每一位參賽者進入下一輪的意見。


2015年第四輪決賽 評審給分表:

評審規則「55分制」

  • 在決賽的演出結束後,評審可從從「 1」 到「 10」 的範圍內對參與者進行整數評分(1 為最低,10 為最高)。
  • 與前幾輪一樣,評審不可對自己的“學生”進行評分。
  • 每位評審只能給一個人最高分。
  • 給分總分不能超過55分。

 

筆者解說:55分是怎麼來的?

這是個以數學評比出順序的簡單方法:從「1」加到「10」,得到的數字結果即為「55」。

除了可以抑制評審連續給予多位選手最高分,也能使評審在給分時,理性思考計算自己所給予的總分,如果恰巧打出「1-10分」的順序,就能間接先初步選出心中的名次~可以說是理性感性兼備的完美設計👍🏻

 

入選決賽的十位選手分數表

因為有了「55分制度」,可以算出所有選手的平均分數:

(筆者:而且此計分制度不容易陷入同燈同分的尷尬狀況...XD)

1) Cho 143 / 17 = 8.41

2) Hamelin 138 / 17 = 8.12

3) Kate Liu 120 / 16 = 7.50

4) Eric Lu 103 / 16 = 6.44

5) Yang 73 / 16 = 4.56

6) Shishkin 75 / 17 = 4.41

7) Kobayashi 74 / 17 = 4.35

8) Osokins 61 / 17 = 3.59

9) Nehring 58 / 17 = 3.41

10) Jurinic 50 / 17 = 2.94

 


八卦時間

國外網站的八卦時間XD

 

問題來了...萬一遇到這種奇特狀況怎麼辦

天才也會遇到反對黨...

2015年首獎得主趙成珍,總決賽同時拿到評審群的最高分與最低分。

你以為只有你人生中會遇見不公平的事情...,其實不然,「不公平」真的可能發生在任何人身上。

但...有能力的人,能夠讓大多數的人對他公平。

2015年首獎得主趙成珍,總決賽同時拿到評審群的最高分與最低分。

 


韓國人對這樣的分數氣死了,但是他們並未進行鄉民式的抗議,而是紮紮實實在韓國國家研究院的支持之下,由學者們做了一篇學術論文,以精密的數學算式,計算出優秀選手有無可能在蕭邦鋼琴大賽總決賽「55分制」之下,被某位評審的「個人好惡」給做掉呢?

節錄部分論文頁面如下:

 

實在話,筆者是「文科男」,看到這些算式與圖表之後,我的表情是這樣的「😵😵🤯🤯」,我只能看懂結論而已,在此把這些算式內容留給更厲害的高手吧~😁

 

 

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義大利作曲家貝里尼改編自劇作家亞歷山大·蘇美於1831 演出的同名歌劇《諾瑪》(Norma),敘述女祭司悲劇式的愛情,其中的詠嘆調〈聖潔的女神〉(Casta Diva)更是膾炙人口。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始介紹,再解析劇中詠嘆調之寫作,讓您深入了解《諾瑪》的豐富內涵。

  • 第三堂|威爾第:《遊唱詩人》

威爾第《遊唱詩人》(Il trovatore)是改編自Antonio García Gutiérrez的西班牙文話劇《El Trobador》的四幕著名歌劇,更是威爾第創作生涯中期的三部劇作之一(另兩部為《弄臣》與《茶花女》)。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景為始,帶您欣賞精彩詠嘆與戲劇性十足之劇情,保證讓您大呼過癮。

  • 第四堂|華格納:《崔斯坦與伊索德》

《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde)的故事情節,來源於凱爾特人故事集,關於阿圖斯國王與崔斯坦的傳說。除了寫實題材之外,更被視為是華格納和馬蒂爾德·維森東克的戀情寫照。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景,深入介紹「崔斯坦和弦」、〈愛之夜〉與〈愛之死〉,讓您一窺被視為古典-浪漫音樂的終結、新音樂的開山之作。

  • 第五堂|普契尼:《瑪儂雷斯考》

普契尼的成名作《瑪儂.雷斯考》是他步入寫實主義創作開端,其「主導動機」的寫作方式,連華格納之子齊格菲都讚譽有加。改編自普弗神父鼎鼎大名的同名小說《瑪儂.雷斯考》,普契尼雖更加聚焦於男女情愛,但音樂之細膩卻才是他成功的真正要素~在本堂課中,林仁斌老師將為您從原著小說談到劇中的精彩音樂,您不可錯過。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


 

 

威爾第 歌劇作品整理

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

奧貝爾托(1839)
一日君王(1840)
納布科(1842)
倫巴第人在第一次十字軍中(1843)
埃爾納尼(1844)
兩個福斯卡羅(1844)
聖女貞德(1845)
阿爾齊拉(1845)
阿提拉(1846)
馬克白(1847)
強盜(1847)
海盜(1848)
萊尼亞諾戰役(1849)
路易莎·米勒(1849)
史帝費利奧(1850)
弄臣(1851)
遊唱詩人(1853)
茶花女(1853)
西西里晚禱(1855)
西蒙·波卡涅拉(1857)
假面舞會(1859)
命運之力(1862)
唐·卡洛(1867)
阿依達(1871)
奧泰羅(1887)
法斯塔夫(1893)

 

歌劇概說

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

遊唱詩人》(Il trovatore)是一部四幕的著名歌劇,由朱塞佩·威爾第作曲,義大利文劇本是由巴達爾(Leone Emanuele Bardare)及卡瑪拉諾Salvatore Cammarano)編寫,歌劇劇本改編自Antonio García Gutiérrez的西班牙文話劇《El Trobador》。

 

圖. 《遊唱詩人》 劇本

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關於首演

《遊唱詩人》於1853年1月19日在羅馬阿波羅歌劇院首次演出。

 

圖. 《遊唱詩人》 1871年米蘭版 樂譜封面(上面也印刷出1853年1月19日之首演資訊)

圖. 《遊唱詩人》 1871年米蘭版樂譜封面
圖. 《遊唱詩人》 1871年米蘭版樂譜封面

 

 

圖. 1857年《遊唱詩人》於威尼斯鳳凰歌劇院演出之歷史海報

 

圖. 畫家 Alfredo Edel Colorno 繪製,1883年義大利 LA SCALA 歌劇院製作之男主角 Manrico 舞台服飾。

Alfredo Edel Colorno's sketch of Manrico's costume for production at La Scala in 1883

好文分享

《遊唱詩人》一威爾第的中期傑作

文.劉詩嶸(文章取自 威爾第一《遊唱詩人》一書,世界文物出版社出版)

人們常常認為,威爾第中期的三部次第上演的歌劇 ―《弄臣》(Rigoletto)、《遊唱詩人》和《茶花女》(Latraviata)―一顯示了他的創作思想和技巧已日益成熟,因此這三部作品不僅在上演的當時獲得了充分的肯定,而且至今仍然是義大利歌劇中的代表作品,在世界各地久演不衰。

主這三部作品中,首先是《弄臣》在屢經檢查機關的刁難之後,於1851年3月1日在威尼斯的鳳凰劇院進行了首演,當時的評論盡管未必都能領略威爾第在音樂上的創新和劇本深刻的社會意義,但是劇中尖銳的戲劇矛盾沖突、性格鮮明的人物以及流暢生動的音樂卻深深地打動了所有前來觀劇的人們。此後,《弄臣》很快就在義大利其他城市以及歐洲許多城市上演,僅在巴黎的首輪演出就有一百多場,威爾第很快就成了歐洲歌劇界的名人,藝術上的成功帶來了較豐厚穩定的經濟收入,使他不會像以前在寫《納布科》(Nabucco)的時期那樣要向劇院經理梅雷利借錢來付房租,也不必像前些年那樣為了完成劇院的合同,好似搖槳船的奴隸那樣疲於奔命地趕寫作品了;可是,威爾第於此時仍然有他的煩惱與痛苦。首先,是他摯愛的母親的逝世;然後,又是由於他與緋聞對象 斯特雷波尼(Strepponi)的關係一度受到了布塞托市民的冷眼和他的已故妻子的父親、培養他成才的巴雷齊(Barezzi)的反對。這些保守的人們認為威爾第的這位紅顏知己以往感情生活經歷曲折而不同意兩人結合,卻不理解過去所發生事情的主要責任在於社會,而不在於斯特雷波尼本人,更何況她脫離舞台之後一直潔身自好,在巴黎開辦了一所歌唱學校授課為生,後來來到了布塞托閉門幽居。因此,威爾第給巴雷齊寫了一封信闡明自己的觀點,表示絕不向世俗的偏見妥協,不久以後巴雷齊也就與威爾第和解了,但是這個波折也導致了他們二人直到1859年才正式成婚。那一時期籠罩在威爾第與斯特雷波尼頭上的虛僞影,反而增加了他在寫《茶花女》時對社會偏見的感性認識。

和《茶花女》幾乎是同時交錯著進行創作的《遊唱詩人》是根據西班牙浪漫主義作家古鐵雷斯(Gutierez)的同名話劇改編的。這是一部以中世紀西班牙内戰時期的歷史為背景,具有強烈的反封建色彩的悲劇。古鐵雷斯和有里瓦斯公爵稱號的薩韋德拉(Saavedra)都是西班牙浪漫主義戲劇的代表人物,後者的戲劇《唐阿爾瓦羅或命運之力》(Don Alvaro, o La fuerza del sino)後來也經威爾第改編為歌劇。根據歌劇劇本應儘量簡約的要求,威爾第和卡馬拉諾(Cam-marano)將原劇作了壓縮,削減了一些人物和情節;例如原劇中女角萊奥諾拉有一位兄長,以門不當戶不對為由極力反對她與的愛情,在改編歌劇時便刪除了。但是在劇本中又將吉普賽婦女阿祖切娜的戲大大加強,讓她們母女兩代人的悲慘遭遇成為歐洲封建制度對對百姓壓迫的見證,讓她在作孝女和作慈母之間的心理矛盾更加突出。可以說威爾第再一次地屏棄了歌劇必須以窈窕淑女和英俊小生為主角的慣例,繼《納布科》、《馬克白》(Macbeth)和《弄臣》以男中音為主角之後,又空前地在這部戲中加強了女中音角色的作用。連奥諾拉與曼里科的愛情戲也是圍繞著她的復仇而展開的。在劇本即將完成之際,卡馬拉諾突然病故,終年才五十一歲,對一位作家說正當盛年,餘下的部分便由年輕而有才華的巴爾達雷(Bardare)來完成。重友情的威爾第對於卡馬拉諾的逝世非常悲痛,立刻從豐將稿費付給了他的遺孀以示慰問之意。

《遊唱詩人》於1853年1月19日於羅馬的阿波羅劇院首演,取得了巨大的成功。阿波羅劇院是一座並不十分豪華的劇院,當時威爾第可以在它以及威尼斯的鳳凰劇院這兩家劇院之中選擇,儘管後者的名氣和規模超過前者,但是威爾第認為前者的演員陣容更適合這部歌劇的要求,因此便選定了羅馬作為他這部戲的首演地。演出的效果,從英國音樂史家托伊(Toye)的《威爾第的生平及創作》(Verdi-His Life and Works)中轉引當時羅馬的《音樂雜誌》的評論便可以看出來:「昨晚《遊唱詩人》於觀衆爆滿的劇場内演出,音樂將我們送入了天堂,因為毫不誇張地講,這音樂就是天上的音樂。作曲家創作了具有卡斯蒂利亞特點的新型音樂,因此他理所當然獲得了勝利。觀眾們以宗教的虔誠,安靜地聆聽著每一段音樂,然後在每一段的間歇都爆發出喝采。第三幕的結尾和整個第四幕掀起了如此地熱情以致被要求再來一次。我認為威爾第在他的總譜中將音樂學識和真正的義大利熱情結合得非常好,尤其是第四幕簡直是無儔的。」

的確,威爾第這部歌劇的音樂是非常精彩的,既具有強烈的戲劇性,又十分精確地描繪出了每個重要人物的性格。它的管弦樂配器儘管在今天看來已經算不得多麽新穎,但是仍然頗富舞台效果;而它的聲樂部分,無論是獨唱還是合唱至今仍有不可抗拒的魅力,就如同他後來在《阿依達》(Aida)的音樂中「創造」了自己的埃及風格那樣,他在這部歌劇中也「創造」了自己的「吉普賽」風格,例如打鐵的合唱、阿祖切娜的幾段獨唱一尤其是她敘述自己母親的不幸遭遇的〈火焰在跳躍〉,都是性格鮮明令人過耳難忘。而劇中另外幾位主要角色的獨唱,如萊奧諾拉的〈靜夜裡萬籟無聲〉、曼里科的〈我孤獨地在世上抗争殘酷的命運〉和〈火刑台上的熊熊烈火〉、甚至盧納伯爵傾訴他對於萊奥諾拉愛情的〈她微笑的光輝燦爛勝過星辰〉⋯⋯,都是既富於歌唱性又有生動的戲劇效果,而且能夠很好地展示演員的功力,因此有人說《遊唱詩人》是「演員的歌劇」,信然也!

威爾第中期的這三部歌劇,也可以與稍前的《露易莎·米勒》(Luisa Miller)相連繋,都是表達了他對社會上受壓迫的工低下的小人物的強烈同情。表面看來,似乎比他早期的藉古喻今反映義大利人民争取民族獨立感情的歌劇在題材上有些後退,實際上卻是從社會和人性上挖掘得更深了;因此,威爾第早期的那些在當時非常受歡迎的歌劇-如《納布科》、《十字軍中的倫巴第人》(Lom-bardi alla prima crociata)等一現今已很少上演,而《弄臣》、《遊唱詩人》和《茶花女》等這三部歌劇卻至今仍是世界歌劇院常演出的作品。

 

補充
①歌劇《遊唱詩人》(Il trovatore)一般均譯為《遊唱詩人》,從字面上看也是對的。但是在七0年一次關於音樂史的研討會上,張洪島教授提出了他的看法,他認為劇中曼里科一方面是一名遊唱詩人,用他歌唱的憂傷情歌贏得了萊奥諾拉的心,但同時他又是一名英勇的武士,不僅在比武中獲勝,而且也是盧納伯爵的政敵烏格爾麾下的一名軍官,曾將盧納的軍隊打得一敗塗地,但最後又在戰争中被盧納俘虜⋯⋯因此,他是兼詩人和武士二者於一身,最好譯為《遊吟武士》早在四〇年代末翻譯出版的《西洋歌劇故事集》(科貝 [Gustav Kobbe])就是這樣翻譯的。

②梅雷利(BartolomeMerll1794〜1879):義大利的劇院經理、腳本作家,曾學過法律和音樂。在他擔任米蘭史卡拉歌劇院的經理時,鼓勵因妻子和幼兒相繼去世而頹喪萬分的威爾第堅持完成《納布科》的創作,從此奠定了威爾第在歌劇界的地位。是一位經營有方、擅於發現人才的藝術經理人。

 

《遊唱詩人》

《劇中主要人物》

蕾奧諾拉 Leonora (阿拉貢公爵夫人的女官) ………Soprano
曼里科 Manrico (遊唱詩人) ………………………‥…Tenore
魯納伯爵 Conte di Luna (阿拉貢的年輕貴族)    …………Baritone
阿祖切娜 Azucena (老女巫之女,吉卜賽老婦)……Mezzo Soprano
費蘭多 Ferrando (魯納伯爵的警衛長)…………………Bass
伊奈絲 (蕾奧諾拉的侍女)  ……………………………Mezzo Soprano
路易茲 (曼利可的部下)  ………………………………Tenore
老吉卜賽人 ……………………………………………Basso
使者 ……………………………………………………Tenore

萊奧諾拉的女伴們、修女們、僕人和衛兵們、吉普賽人們、曼里科的隨從們。

 

分幕設定

演奏時間 

第一幕:26分 第二幕:40分 

第三幕:20分 第四幕:38分

十五世紀初葉。西班牙的阿拉貢和比斯開畢斯開里亞

 

分幕劇情

時間,1409年,西班牙。
地點:比斯開和阿拉貢

 

第一幕 

第一場 在阿利亞菲里亞宮的門前。

深夜,盧納伯爵的衛兵們在這裡守衛,他們圍著篝火取暖,用閒聊驅散困倦。他們說起了伯爵非常鍾情於宮廷女官萊奧諾拉,然而萊奧諾拉卻被每夜來此唱情歌的無名遊唱詩人所吸引,因此伯爵妒火中燒激動不安。侍衛長費蘭多又講起了多年以前在這兒發生的一樁慘劇:在伯爵的兒童時代,一個吉普賽老婦人溜進了他的幼弟的卧室,說是要為向在襁褓中的嬰兒祝福,被老伯爵當作巫婆抓了起來送上火刑台燒死了。老婦人的女兒阿祖切娜當時也有一個在懷抱中的兒子,為了替母親報仇,她潛入伯爵的府邸偷出了那個嬰兒也將他投入火中燒死,如今繼承了爵位的盧納還在設法通緝那當年燒死自己弟弟的吉普賽婦人呢。其實,阿祖切娜當年在激動和慌亂中燒死的是自己的孩子,而伯爵的幼兒的啼哭聲又喚起了她的母性,於是她便將這貴族的後代當作自己的孩子帶走並撫養成人。

第二場 王宮的花園。

萊奥諾拉和女伴伊内絲於深夜仍在徘徊,渴望能見到那向她唱出動人情歌的不知名武士。正當她透過一首熱情激盪的詠嘆調來發抒自己對那吟遊武士的懷念時,盧納在護衛下悄悄走來,他激動地向萊奥諾拉求愛;而在夜色裡萊奥諾拉由於看不清來者,錯把他當作了曼里科,正待接受他的愛情表白時,隱藏在樹叢中的曼里科按捺不住地跳出來亮出了自己的身份,原來他就是伯爵的政敵、烏格爾伯爵麾下的軍官,在前一段的戰争中經在戰場上交過鋒,如今二人既是政敵又是情敵,相見之下用決鬥來分輸贏。萊奧諾拉見此立刻昏倒了。


 

第二幕

第一場 吉普賽人的營地。

在晨光裡吉普賽人們唱起了豪放的〈打鐵之歌〉,然後逐漸散開去從事各自的營生,舞台上只留下了阿祖切娜和曼里科母子二人。曼里科在前階段的戰争中受了重傷,是阿祖切娜從戰場上將他救回並且精心治療,使他已經接近痊癒了。母、子二人在篝火邊談話,阿祖切娜又回憶起了她母親被老伯爵燒死時的悲慘、可怖情景,也說起了當時錯燒了自己的孩子,這引起了曼里科對自己身世的懷疑,但是隨後他又被這許多年來他與阿祖切娜的母子深情所說服。阿祖切娜問曼里科:「在上次的決鬥中你已經將伯爵擊倒在地了,為何不進一步將他刺死?」曼里科說?下次再和他相遇時一定不能放過他。」


這時,魯茲傳來命令:卡斯泰洛要塞已經攻下,命曼里科前往鎭守,同時他還傳來另一個消息說:萊奧諾拉由於聽信了曼里科已經陣亡的謠言,決心到修道院去隱修,儀式馬上就要舉行。曼里科一聽焦急分,他不顧阿祖的勸阻,騎馬向修道院飛奔而去!

第二場 在卡斯泰洛附近的修道院庭裡,時已深夜。

盧納伯爵帶著費蘭多等悄悄埋伏在這裡,打算趁萊奥諾拉即將進入修道院劫持她,使她和自己一同走上婚禮的聖壇。萊奥諾拉在伊內絲等女性同伴們的陪同下來了,她向女件們告別並安慰她們,當她正準備從修道院長手中接過象徵隱修的頭巾時。先是盧納伯爵衝上前去打算劫持,緊接著曼里科也趕來阻攔,萊奧諾拉一見曼里科竟然健在,便驚喜地投入了他的懷抱。盧納見自己和侍衛們勢孤力單,又是在對方占領軍的勢力範圍内,只好眼看著曼里科及其軍士們擁簇著萊奥諾拉呼嘯而去!

 

第三幕

第一場 盧納伯爵軍隊的營地,可望見遠處卡斯泰洛要塞的尖頂。

兵士們準備次日就要去攻打卡斯泰洛,現在正在休息。盧納伯爵走出帳篷望著遠方的要塞,心想著萊奥諾拉此刻正和曼里科在一起,不禁切齒痛恨;下決心一定要捉住曼里科,將萊奧諾拉奪回到自己的手中。衛兵來報告說發現一名吉普賽老婦在營房周圍徘徊,他們懷疑她是對方的間諜便將她捉來了。費蘭多認出了她就是當年被老伯爵燒死的吉普賽「巫婆」的女兒阿祖切娜,就是她將老伯爵的小兒子偷走並且投入了篝火的。阿祖切娜在被伯爵拷問時痛陳了吉普賽人饑寒交迫的流浪生涯,斥責盧納比他的父親還殘暴,並呼喚兒子曼里科快來救自己。盧納一聽她是曼里科的母親不禁大喜,便設計將阿祖切娜作為誘餌來引曼里科上鉤,從而一舉消滅這個政敵和情敵。

第二場 卡斯泰洛要塞的大廳。

曼里科和萊奧諾拉正準備去教堂舉行婚禮,管風琴已經奏響,兩人正憧憬著將來的幸福,但是魯茲沖進來報告說阿祖切娜被伯爵的士兵捉去了,很快也將和她的母親當年一樣被送上火刑台燒死!曼里科一聽焦急萬分,馬上召集了部下的士兵飛馳前去營救母親!

第四幕 

第一場 阿利亞菲里亞宮的庭院的一角,遠處是關押囚犯的高塔,高塔牆上的窗戶裝有鐵柵欄。

盧納伯爵的軍隊重新占領了卡斯泰洛要塞,曼里科不僅未能救出阿祖切娜,自己反而戰敗作了俘虞。魯茲帶著萊奧諾拉悄悄地走來,將關押曼里科的囚室的窗戶指給她看,然後便退下,只留萊奥諾拉一人在舞台上。背景後面傳出來修士們的合唱〈求主憐憫〉的聲音,這是為即將處死刑的囚犯們的祈禱,加上萊奥諾拉對自己不幸的嘆息、囚室裡傳出的曼里諾拉訣別的悲歌,三方面的音樂共同創造出十分淒美的戲劇氛圍。當盧納伯爵走來,萊奥諾拉向他提出以自己的身體為代價來換取曼里科的自由,喜出望外的盧納伯爵同意了,他不知道萊奧諾拉就在此刻已經暗地裡吞下了藏在戒指裡面的毒藥,並且暗暗地自語:「你將得到的,只有我冰冷的屍體!」

第二場 塔内關押阿祖切娜和曼里科的囚室。

曼里科正竭力安慰著由於對悲慘往事的回憶而精神幾乎失常的阿祖切娜,當她昏昏入睡了之後,萊奧諾拉悄悄地來到,對曼里科說:「你自由了,趕快逃走吧!」曼里科始而驚喜,但是由於萊奧諾拉表示自己卻將留下,便對她產生了懷疑和誤會,斥責她「無恥」、「變節」,不肯接受她的好意。在二人争論的時刻,由於藥性發作萊奧諾拉昏倒了,她用最後的力氣向曼里科說明了既營救他又保持自己純潔的苦心,使曼里科痛悔。


但是一切都已經晚了,隨後趕到的伯爵下令立刻將曼斷頭台,然後將阿祖切娜用火刑燒死!目睹了曼里科的死刑的阿祖切娜向伯爵狂呼:「他是你的弟弟,你殺死了你的親弟弟!母親啊~妳的仇終於報了!」然後斷氣倒地。


只留伯爵戰慄地自語:「殘酷的命運!」


歌劇在極度戲劇的悲壯音樂中,幕落。

 

完整歌劇欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=SEXRIZWKO2Y

 

延伸閱讀

【BON音樂】十首最出色的歌劇大合唱(Best Opera Choruses)

https://bonart.com.tw/top-10-opera-choruses/

 


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【BON音樂】淺談拉羅:《西班牙交響曲》 - Lalo: Symphonie espagnole

【BON音樂】拉羅:《西班牙交響曲》 - Lalo: Symphonie Espagnole
About Lalo: Symphonie Espagnole

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法國作曲家:愛德華.拉羅

 

ㄧ、作曲家簡介

《西班牙交響曲》是法國作曲家愛德華・拉羅(Édouard Lalo)最知名、最常被演奏的作品。
愛德華・拉羅出生於 1823 年,逝世於 1892 年。是一位近代傑出的法國作曲家,作品融合了浪漫主義的情感深度和鮮明的民族風格;知名作品雖然不多,但音樂非常精彩~其中《西班牙交響曲》更是他最為知名之作:

生平經歷

  • 愛德華・拉羅於 1823 年 1 月 27 日出生在法國的里爾他出生於一個具有西班牙血統的小官員家庭
  • 童年時代,他有幸接受了里爾音樂學院小提琴教授指導,以及一位曾在貝多芬指揮過的樂團中大提琴手之嚴格訓練,因此最初對室內樂產生了濃厚的興趣
  • 16 歲時,他因渴望以音樂為專業而得不到父親的諒解,毅然從家裡出走,考入巴黎音樂學院學習作曲
  • 20 歲到 25 歲時,他的主要興趣依然是室內樂,寫過重奏曲與教篇沙龍音樂之歌曲,並未取得很大成功
  • 身為音樂家,他的收入主要依靠教課,以及在 1853 年創建的阿米戈 — 雅卡爾四重奏團中演奏小提琴或中提琴為生
  • 1867 年,他根據席勒的主題著手創作歌劇《費斯柯》,但未獲獎也未得到演出機會,後來利用其中一些素材改寫出了其他作品
  • 1871 年,普法戰爭激起了愛國熱情,他與聖桑等人一同成立了旨在復興法國音樂文化的法國民族音樂協會,成為協會委員之一
  • 1873 年,他創作了代表作《西班牙交響曲》,此後還創作了《挪威狂想曲》、《g 小調交響曲》等作品
  • 1875 年至 1887 年期間,他歷時十三年完成了歌劇《伊斯城王》,該作品在 1888 年演出成功並獲獎
  • 1892 年 4 月 22 日,拉羅因心臟病突發在巴黎辭世(69歲)

 

主要作品

  • 《西班牙交響曲》:這是他最著名的作品之一,實質上是一首小提琴與管弦樂團的五樂章協奏曲。作品以其華麗的外表效果、迷人的情調以及深刻的內涵而受到廣泛歡迎,至今仍是音樂會上的常演曲目。全曲共有五個樂章,各樂章在旋律、節奏和情感表達上各具特色,充分展示了西班牙的音樂文化魅力
  • 《大提琴協奏曲》:也是他的經典之作,拉羅對大提琴這一容易被樂團淹沒的樂器進行了精心安排和巧妙處理,使獨奏與樂團彼此銜接得非常貼切,並達到了最佳的平衡效果。此曲成為大提琴作品中的珍品,也是拉羅所有作品中,演出率僅次於《西班牙交響曲》之作。
  • 歌剧《伊斯城王》:歷經十三年完成,該作品在創作上融合了他的浪漫主義風格以及對戲劇性的深刻理解,具有相當高的藝術價值,演出後亦獲得了成功
  • 芭蕾舞剧《纳木那》:展現了他在舞蹈音樂創作方面的才能,其中的音樂片段具有強烈的畫面感和節奏感,為舞蹈表演增添了豐富的色彩和活力
  • 《g 小調交响曲》:這部交響曲具有典型的拉羅創作風格,旋律優美、和聲豐富、配器精細,充分展現他在交響樂創作領域的深厚功底

 

二、創作背景
  1. 文化交流的產物
    • 19 世紀的歐洲,文化交流日益頻繁。法國和西班牙在地緣上接近,兩國的文化相互滲透。拉羅在這樣的文化氛圍中,接觸到了豐富多彩的西班牙音樂,包括西班牙民間舞蹈、歌謠等。他被西班牙音樂中那種熱情奔放、節奏明快的特點所吸引。
    • 西班牙的吉他音樂、佛朗明哥舞蹈等元素都成為了他創作的靈感源泉。他試圖在交響曲的形式中展現西班牙音樂的魅力,於是著手創作《西班牙交響曲》。
  2. 浪漫主義思潮的影響
    • 當時的浪漫主義音樂思潮強調音樂的情感表達和個性化。拉羅也受到了這一思潮的深刻影響,他希望通過音樂表達出自己對西班牙文化的理解和感受。在《西班牙交響曲》中,他運用了浪漫主義的作曲手法,如豐富的旋律線條、多彩的和聲以及戲劇性的音樂發展,來呈現西班牙的風土人情和浪漫情懷。

 

三、音樂特點
  1. 旋律
    • 旋律具有濃郁的西班牙風味。其中融入了西班牙民間音樂常見的音階和旋律模式,例如包含了西班牙民間音樂特有的增二度音程。這些旋律線條通常是婉轉曲折的,有的旋律片段仿佛是在模仿西班牙歌手悠揚的歌聲,具有很強的歌唱性。
    • 而且旋律的節奏變化多端,既有快速而激昂的段落,如同西班牙的快節奏舞蹈,又有抒情而悠緩的部分,像是在訴說一段浪漫的故事。比如在交響曲的某些慢板樂段中,旋律如同涓涓細流,以其婉約的姿態展現出西班牙的柔情一面。
  2. 節奏
    • 節奏是《西班牙交響曲》的最大特色之一。它大量運用了西班牙舞蹈音樂的典型節奏,如哈巴涅拉(Habanera)和塞吉迪亞(Sevillana)等舞蹈的節奏型。哈巴涅拉的節奏特點是節奏緩慢、具有附點音符和切分音,給人以慵懶而迷人的感覺。塞吉迪亞的節奏則更加明快,強拍和弱拍的交替富有活力。
    • 拉羅巧妙地將這些節奏型相互穿插、組合,使整部交響曲的節奏充滿了活力和變化。在交響曲的快板樂段中,節奏的律動感極強,仿佛能讓人看到西班牙舞者在舞池中飛旋的身影。
  3. 和聲
    • 和聲運用豐富多彩。拉羅在和聲上既有傳統古典音樂和聲的嚴謹性,又融入了浪漫主義色彩的和聲手法。他使用了一些非傳統的和聲進行,如遠關係轉調,來增加音樂的色彩變化。
    • 在一些段落中,和聲的色彩性非常突出,例如利用增三和弦等特殊和弦來營造出神秘、奇幻的音樂氛圍,就像在描繪西班牙古老城堡中隱藏的傳奇故事。和聲的變化也常常跟旋律和節奏相配合,共同推動音樂的發展。
  4. 配器
    • 配器手法精細而巧妙。拉羅充分發揮了管弦樂團的各種音色特點。在描繪西班牙的盛大場景時,他會使用全體樂器的齊奏,如銅管樂器的嘹亮音色和弦樂器的宏大音響相融合,產生一種輝煌的效果。
    • 而在表現抒情的部分,他可能會突出木管樂器的柔和音色,比如長笛的清澈的音質、雙簧管的甜美音色,用來表現西班牙的寧靜夜晚或者浪漫的戀人絮語。在模仿西班牙民間樂器方面,他也頗有心得,例如利用弦樂器的撥弦來模擬西班牙吉他的音色。

 

四、演奏形式和版本
  1. 演奏編制
    • 《西班牙交響曲》是一部小提琴獨奏+管弦樂團之協奏作品。管弦樂團完整編制包括:弦樂五部(小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴)、木管組(長笛、雙簧管、單簧管、大管)、銅管組(法國號、小號、長號、低音號)和打擊樂器(定音鼓等)。
  2. 版本差異
    • 不同的指揮家和樂團在演奏《西班牙交響曲》時,會有不同的詮釋。有些指揮家可能更注重作品的舞蹈性元素,演奏速度稍快,強調節奏的律動感;而有些指揮家可能更傾向於帶出作品的抒情性,在慢板樂段放慢速度,突出旋律的婉轉和和聲的細膩。例如,某些知名樂團的演奏版本在音色的平衡上更加精細,而一些小型樂團的演奏可能更加注重音樂的活力和直接的情感表達。

 

五、影響力
  1. 在音樂史上的地位
    • 《西班牙交響曲》在交響樂的發展歷史上佔有重要地位。它展示了拉羅作為作曲家的高超技巧,也代表了 19 世紀浪漫主義時期民族主義音樂的一種典型風格。它是法國作曲家吸收和融合外民族音樂文化的成功範例,也為後來許多國民樂派的作曲家們,在音樂結合民族音樂融合方面,提供了非常成功的方式。
  2. 對其他作曲家的影響
    • 它的成功激勵了其他作曲家在作品中融入民族音樂元素。比如拉赫曼尼諾夫等作曲家在其作品中也受到了《西班牙交響曲》的啟發,在旋律、節奏或者和聲等方面,也借鑑了拉羅的手法,來表現不同民族特色之音樂。而且在管弦樂的配器和音樂表現手法上,也為後世作曲家提供了寶貴的經驗。
  3. 在文化交流方面的作用
    • 從文化角度看,這首作品完美地融合了法國和西班牙音樂各自的特色。它使得西班牙文化中的音樂元素以交響樂的形式在更廣泛的範圍內傳播。世界各地的聽眾透過欣賞《西班牙交響曲》,能更加深入地了解西班牙的音樂特色,也同時感受法國作曲家纖細的和聲,以及對於炫技曲目之呈現。

 

 

拉羅的《西班牙交響曲》表達了豐富多元的情感,主要包括以下幾個面向:

熱情豪放:

作品中融入了西班牙音樂的典型元素,如哈巴涅拉、塞吉迪亞等舞蹈節奏,這些節奏充滿活力與動感,生動展現了西班牙人熱情豪放的性格特徵。

第一樂章中,小提琴奏出的主題自由瀟灑,充滿激情,展現出一種勇往直前、無所畏懼的熱情,將西班牙民族的豪放氣質表現得淋漓盡致

 

歡快明朗:

整部作品洋溢著歡快的情緒,尤其是第五樂章迴旋曲快板,節奏明快,旋律輕盈跳躍,小提琴的華麗技巧在此樂章中得到充分發揮,彷彿是一場盛大的西班牙狂歡,充滿了生命的活力與喜悅之情,讓聽眾感受到西班牙人民樂觀向上的生活態度

 

抒情柔美:

第二樂章和第四樂章則著重於抒情性的表達。在第二樂章中,小提琴在有節奏的樂團伴奏下,唱出如歌般柔美的旋律,充滿了詩意與浪漫情懷;第四樂章行板,主奏小提琴奏起感傷味十足的主題,隨後又出現民謠般甜美的主題,這種情感的細膩變化,使作品在豪放熱情之外,又增添了一份柔情與深沉,展現出西班牙民族性格中溫柔細膩的一面.

 

憂傷哀愁:

儘管作品整體氛圍較為歡快熱情,但其中也隱含著淡淡的憂傷。如第四樂章開頭管弦樂奏出的帶有哀愁味的沉重序奏,以及主奏小提琴所奏出的感傷主題,都流露出一種內心深處的黯然神傷,這或許反映了西班牙歷史、文化或人民生活中的某些苦難與滄桑,使作品更具情感深度和內涵

 

對西班牙文化的熱愛與讚美:

拉羅本人具有西班牙血統,他在作品中融入了自己對西班牙文化的深刻理解與熱愛。透過對西班牙音樂風格、節奏、旋律等元素的巧妙運用,他成功地描繪出了西班牙的風土人情和民族精神,表達了對西班牙這片土地及其文化的讚美與嚮往之情

 

曲式架構解析

樂譜版本欣賞

00:00 1. Allegro non troppo (D minor)

07:38 2. Scherzando: Allegro molto (G major)

11:50 3. Intermezzo: Allegro non troppo (A minor)

17:40 4. Andante (D minor)

23:52 5. Rondo: Allegro (D major)

https://www.youtube.com/watch?v=lEeaFZkpLH4

 

拉羅的《西班牙交響曲》雖名為交響曲,實則是一首小提琴協奏曲,其曲式結構如下:

第一樂章:不太快的快板,d 小調,2/2 拍子,奏鳴曲式.

https://www.youtube.com/watch?v=lEeaFZkpLH4

 

前奏:

第1-4 小節,由樂團齊奏開始,帶此樂章的主題動機,鮮明的三連音和上行五度跳進表現了西班牙舞曲風格,而從第5 小節開始,小提琴以ff 的力度再次奏出動機,為整部作品奠定出熱情、激昂、有活力的西班牙舞曲基調.

 

呈示部:

第 41-121 小節,由四個部分組成.

 

主題:

第 41-64 小節,d 小調,兩個樂句分別將動機一和動機二進行擴展填充,強調主題.

 

連接部:

第65-88 小節,首先將主部的第二句以低八度演奏一遍,將三連音充分運用到旋律中,然後通過一連串的音階和琶音推動發展,既承接了主題,又為接下來的音樂出現做了鋪墊.

 

副題:

第 89-113 小節,轉入到主部的近關係調 bB 大調,速度轉慢,節奏舒緩,與主部主題形成鮮明的對比.

 

結束部:

第 114-121 小節,轉到與副題同主音的 bb 小調作為呈示部的結束,速度逐漸加快,增強律動,也為發展部的發展做準備.

 

發展部:

第 122-176 小節,總共轉了三個調性。

首先是bB 大調,主奏樂器主要透過一連串的高音和大跳來承接呈示部,樂隊伴奏則奏出主部主題,烘托氛圍;之後轉到a 小調,小提琴延續著前面的快弓和分解和弦,樂團伴奏也演繹著緊張感;最後轉到bD 大調,採用小三連音的分解和弦,旋律波動起伏且強弱對比明顯,將整個樂章推至最高潮.

 

再現部:

第 177-253 小節,進行了變化再現,同樣由四個部分組成。其中主部、連接部和副部完全重複呈示部,僅改變了調式調性,主部仍為 d 小調,連接部轉到 F 大調,副題轉到 D 大調。而結束部在再現部中對副題進行了發展延續,持續著 D 大調,使用八個小節十六分音符進行了擴充.

尾聲:

第 254-272 小節,回到全樂章的主調 d 小調,回顧總結。再次採用動機一、動機二的節奏型和大跳,這是對主題的呼應,不斷加深人們印象,恢宏且有氣勢.

 

音樂風格

熱情豪放:一開始以熱情奔放的西班牙鬥牛士音樂形象呈現,透過強烈的節奏和激昂的旋律,展現出西班牙民族的熱情與豪放,如前奏部分的演奏,力度較強,節奏鮮明,一下子就能抓住聽眾的心.

節奏明快:

樂章中融入了西班牙音樂典型的節奏元素,如三連音等,使整個樂章充滿活力與動感,生動地體現了西班牙音樂的特色,讓聽眾彷彿置身於西班牙的熱鬧場景之中.

色彩豐富:

和聲運用大膽,具有鮮明的色彩變化,增強了音樂的表現力和感染力,使音樂更富有情感層次,從激昂的高潮到抒情的段落,和聲的變化都起到了很好的烘托作用.

 

演奏技巧

小提琴技巧:

在演奏中,小提琴需要運用多種高難度技巧,如快速的音階、琶音、大跳以及各種變化音等,充分展現出小提琴的表現力和技巧性,尤其是在發展部,小提琴的炫技段落更是將技巧與音樂情感完美結合,給演奏者帶來了很大的發揮空間,也讓聽眾感受到了強烈的音樂衝擊.

樂團合作:

樂團與小提琴之間的協作緊密而默契,樂團的伴奏不僅為小提琴提供了堅實的和聲基礎,還透過豐富的織體和力度變化,與小提琴相互呼應、相互襯托,共同營造出宏大而富有層次的音樂效果,如在前奏部分,樂團渾厚有力的伴奏與小提琴的動機演奏相得益彰,為整個樂章奠定了堅實的基礎

 

第二樂章:詼諧曲,很快的快板,g 大調,3/8 拍子,三段體.

https://www.youtube.com/watch?v=lEeaFZkpLH4&t=458s

樂曲在快速與慢速不斷交替中發展,小提琴則悠然自得地歌唱。開頭在有節奏樂團伴奏之下,小提琴如歌般的獨奏柔美富於抒情性,經過一段樂團撥奏出的西班牙波麗路舞曲後,樂團與獨奏的旋律交替,相當富於戲劇性,最後以三段體,回到第一部份,並且結束於一片寧靜之中.

 

拉羅《西班牙交響曲》的第二樂章特色:

節奏明快與多變:

樂章採用 3/8 拍子,整體節奏輕快,給人以活潑、靈動之感,如樂章開頭弦樂器撥奏出的輕快旋律,為全曲奠定了明快的基調.

節奏變化豐富:快速與慢速不斷交替,三連音等節奏型的頻繁使用,增加了旋律的律動感和活力,使音樂更具西班牙風格特色,也讓聽眾彷彿置身於西班牙熱情歡快的舞蹈場景之中.

調式運用巧妙:樂章採用 G 大調,大調式的運用使旋律色彩明亮,與樂章整體歡快的氛圍相契合,給人以愉悅、舒暢的聽覺感受

 

主題旋律對比鮮明:

第一主題:

具有濃鬱的西班牙民謠風格,由獨奏小提琴奏出,旋律優美動聽、華麗絢爛,且悠然自得,富有歌唱性,充分展現了西班牙音樂的獨特魅力,在弦樂器撥奏的輕快背景襯托下,更顯活潑與熱情.

中段第二主題:轉入c 小調,速度轉換頻繁,旋律抒情而甜美,類似小夜曲風格,但感情較為陰暗,與第一主題形成鮮明對比,為樂章增添了情感的層次和變化,這種明暗對比讓整個樂章更具戲劇性和魅力.

 

旋律發展富有邏輯:

從開頭的西班牙民謠風格主題,到中段的抒情甜美主題,再到最後基本主題的再現,旋律的發展自然流暢,邏輯清晰,透過不同主題的呈現和變化,展現了豐富的音樂情感和內容,使整個樂章結構嚴謹、層次分明.

樂章中也透過小提琴的各種演奏技巧,如旋轉式音型、上行音階等,對旋律進行發展和裝飾,進一步豐富了旋律的表現力,讓聽眾在欣賞過程中能夠感受到音樂的不斷變化和推進.

結尾處理獨特:樂章以獨奏小提琴持續不斷的顫音演奏與弦樂器平靜的撥奏作為結束,給人以餘音繞樑之感,在一片寧靜祥和的氛圍中為第二樂章畫上句號,與樂章中熱烈歡快的部分形成對比,也為整部作品增添了一份優雅與內斂

 

第三樂章:間奏曲,不太快的稍快板,a 小調,2/4 拍子,三段體.

https://www.youtube.com/watch?v=lEeaFZkpLH4&t=710s

管弦樂部分展示出西班牙風味十足的序奏後,主奏小提琴奏起 「半拖半拉而前進」的主題,本主題也帶有先前序奏很有個性之節奏。中段由主奏小提琴奏出奔放的主題,這個主題技巧性的快速音群熱烈、華麗地發展,達到了樂曲高峰

 

拉羅《西班牙交響曲》的第三樂章特色:

曲式結構:第三樂章為間奏曲,採用不太快的稍快板,a 小調,2/4 拍子,三段體架構.

第一段:

開頭由管弦樂奏出具有西班牙風味的序奏,隨後小提琴奏起帶有獨特節奏的主題,該主題在節奏上有「半拖半拉而前進」的感覺,在情緒上承繼了第一樂章的沉鬱陰暗色彩,之後逐漸變得奔放開朗.

第二段:

中段主奏小提琴奏出奔放的主題,這個主題透過技巧性的快速音群熱烈、華麗地發展,將音樂推向頂點,展現出強烈的情感和活力,與第一段形成鮮明對比.

第三段:

基本上是第一段的重複,但在情感表達和音樂細節上可能會有一些變化和發展,以起到回顧和總結的作用,使整個樂章在結構上更加完整統一。

 

旋律特點:

節奏鮮明:

樂章中運用了富有西班牙特色的節奏型,如序奏部分的節奏就帶有濃鬱的西班牙風情,為整個樂章奠定了獨特的風格基礎。而小提琴主題中的節奏則增強了旋律的律動感和前進感,使音樂更具活力和吸引力,讓聽眾彷彿能感受到西班牙舞蹈的熱烈氛圍.

情感豐富:

從開頭略帶沉鬱陰暗的色彩,到中段的奔放熱情,再到結尾的情感收束,旋律在情感表達上呈現出豐富的變化和層次,生動地描繪了各種不同的情感畫面,使聽眾能夠深刻地感受到音樂所傳達的情感內涵.

演奏技巧:

雖然此樂章中小提琴沒有特別複雜的技法安排,但許多演奏家會頻繁使用揉音,透過揉音技巧來增強音樂的表現力,營造出一種火熱的情感氛圍,同時也與其他樂章中更華麗複雜的技巧形成對比,展現出該樂章獨特的音樂性格.

音樂風格:

整個樂章充滿了濃厚的西班牙情調,將西班牙的音樂元素與浪漫主義音樂風格結合。透過獨特的節奏、豐富的旋律以及富有表現力的演奏,生動地展現了西班牙的風土人情和文化特色,使聽眾彷彿置身於西班牙的街頭巷尾,感受到西班牙民族開朗、明快的性格特點.

樂章地位與作用:

第三樂章在全曲中扮演了承先啟後的過渡角色。它既延續了前兩個樂章中所展現的西班牙風格和情感氛圍,也為後續的第四樂章和第五樂章在情感和音樂發展上做了鋪墊。儘管在一些演奏版本中常被省略,但它本身俱有獨特的音樂價值和藝術魅力,對於完整地理解和欣賞《西班牙交響曲》這部作品有著重要的意義

 

第四樂章:行板,d 小調,3/4 拍子,三段體.

https://www.youtube.com/watch?v=lEeaFZkpLH4&t=1060s

管弦樂奏出帶有哀愁味的沉重序奏,主奏小提琴奏起了感傷味十足的主題。不久,又出現新的民謠般甜美的主題,最後樂章以簡單的尾奏輕輕地結束.

 

拉羅《西班牙交響曲》的第四樂章採用行板,d 小調,3/4 拍子,為三段體結構,以下是具體分析 :

第一段

序奏:樂章開始由管弦樂奏出帶有哀愁味的沉重序奏,為整個樂章奠定了情感基調,營造出一種深沉、憂鬱的氛圍。

主題呈現:主奏小提琴接著奏起了感傷味十足的主題,旋律線條優美​​但情感內斂,充滿了抒情性與詩意,展現出細膩而復雜的情感,如思念、惆悵等,小提琴的音色在此時更凸顯了這種情感的深度。

第二段

主題對比:隨後,像是 「撥雲見日」 一般,出現了新的民謠般甜美的主題。這個主題與第一段的感傷主題形成鮮明對比,給人以豁然開朗之感,彷彿從陰霾中走出,迎來了溫暖與希望,其旋律具有較強的歌唱性,節奏也相對更加明快,充滿了生機與活力。

第三段

結尾:最後,樂章以簡單的尾奏輕輕地結束,給人留下了餘韻悠長的感覺,讓聽眾沉浸在音樂所營造的情感氛圍中,久久不能忘懷,使整個樂章在寧靜、平和的氛圍中畫上句點。

這種三段體的曲式結構,透過不同主題的對比與發展,使樂章的情感表達更加豐富、細膩,層次分明,聽眾在欣賞過程中,能深刻感受到音樂的變化與魅力。

 

第五樂章:迴旋曲快板,d 大調,6/8 拍子,七部單式迴旋曲式.

https://www.youtube.com/watch?v=lEeaFZkpLH4&t=1432s

 

拉羅《西班牙交響曲》的第五樂章具有以下特色:

曲式結構

此樂章採用七段迴旋曲式,第一主題再現兩次,包含四個不同的插入段落,附屬結構有前奏和尾聲.

主奏小提琴,先奏出了輕快的迴旋曲主題,並經過多次發展變化,最後由全體樂器以最強音在d 大調主和弦上結束樂曲

第一主題輕快,具有鮮明的節奏特點和舞蹈性,為樂章奠定了歡快的基調 。四段插入部在旋律、節奏、調性等方面與主題形成對比,豐富了樂章的音樂內容和情感變化。樂曲中有的插入部則更具抒情性,有的則更加活潑跳躍,豐富整首樂曲的風格。

 

旋律特點

節奏明快:

樂章整體節奏輕快明朗, 6/8 拍子,使音樂具有強烈的律動感,彷彿西班牙的舞蹈節奏,充滿活力與激情,讓聽眾能夠深切感受到西班牙音樂的熱情奔放.

主題鮮明:

主奏小提琴奏起的迴旋曲主題輕快而富有活力,非常容易欣賞,經過多次發展變化,展現出豐富的音樂形象和情感內涵,如歡樂、喜悅、興奮等,更充分表達了西班牙民族開朗、明快的音樂性格特質

 

演奏技巧

第五樂章是小提琴演奏技巧的重中之重,小提琴的華麗技巧也在此做出了最大的發揮,如在技巧性樂段間的G 弦和A 弦上的三連音旋律主題的處理,需要演奏者俱備高超的技巧和精準的節奏感,以確保快速而清晰地演奏出這些音符,使音樂更加生動和富有表現力.

 

音樂風格:

第五樂章充分展現了西班牙音樂濃郁之特色,將西班牙民間舞曲素材與浪漫主義音樂風格相結合,透過獨特的節奏、旋律以及豐富的和聲,營造出熱烈歡快的音樂氛圍,使聽眾彷彿置身於西班牙的節日慶典之中,感受到西班牙獨特的文化魅力和民族風情.

 

情感表達:
樂章整體傳達出歡快、洋洋自得的情緒,充滿了樂觀向上的情感,讓人們在欣賞音樂的過程中能夠忘卻煩惱,沉浸在愉悅的氛圍之中,是全曲情感的高潮部分,給人留下深刻而美好的印象.

 

樂章地位與作用

第五樂章作為整部交響曲的結尾樂章,總結並昇華全曲。以燦爛的音樂效果和歡快熱烈的情感表達,為全曲畫上了最美的句點,總使得聽眾在欣賞完所有樂章的情感起伏和音樂變化後,在這個最終華麗樂章中得到情感的釋放和滿足,同時也讓人們對西班牙的音樂文化有了更深刻的體驗與認識

 

00:28 I. Allegro non troppo

08:50 II. Scherzando; Allegro molto

13:35 V. Rondo; Allegro

https://www.youtube.com/watch?v=vBs0gKu6vFs

 

 

0:01 - I. Allegro non troppo

08:05 - II. Scherzando

12:44 - III. Intermezzo

19:10 - IV. Andante

25:44 - V. Rondo : Allegro

https://www.youtube.com/watch?v=SypF8TzPxLk

 


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:華格納生平與重要音樂巡禮

【BON音樂】【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:華格納生平與重要音樂巡禮
All about Richard Wagner

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


豐富人生 X 音樂天地/第251場

 林仁斌 (旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長​)

 樂劇創始者.現代電影配樂創意家 華格納與他獨步全球的《尼貝龍根指環》

 2024年11月27日(三)晚上19:00-21:00

 上海銀行大樓二樓多功能廳(臺北市中山區民權東路一段2號)

 02-2531-6111 分機 104 楊小姐

 

講座介紹

超人氣音樂導聆林仁斌老師將以華格納 - 從主導動機到《尼貝龍根指環四聯劇》為題,為您帶來華格納的生平與《尼貝龍根指環》四聯劇~從創作源起到劇情解析、主導動機的運用及《指環》帶給後世的創作意義等精彩內容,歡迎您一同來探索他的歷史影響力!

講者簡介​

林仁斌,知名長笛演奏、指揮、撰文與音樂攝影之全方位音樂家,也以文字與攝影見長,現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長,活躍於國際音樂節與國內外音樂廳,策畫多場音樂講座、年演講場次超過200場,公認超人氣音樂欣賞名家,亦出版過多張演奏專輯,如:《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》等。

交通資訊

捷運-淡水線民權西路站7號出口或中和蘆洲線中山國小站2號出口

公車-
▪ 民權中山路口站:211、225、225區間、226、227、227區間、26、261、280、41、520、617、617副、63、638、801、803、811、紅29、紅31、民權幹線

注意事項

本場次未開放網路直播。座位席次有限,採網路預約報名,若預約名額已滿,不再受理報名。
★ 活動當天18:30開始報到,已報名者敬請盡早報到入座,確保席次開放現場候補後,晚到者不一定會有座位。
★ 活動當天18:45開放現場候補,但不一定會有座位,請自行評估是否前往現場排隊候補。
​★ 為尊重著作權,本場次活動進行期間,禁止攝錄影、音。
★ 為尊重講者與現場民眾的聽講權益,講座進行中,並請將電子設備調整為靜音或震動,以及會場內禁止飲食,維持良好的活動品質
主辦單位保有修改、變更或暫停講座之權利。

 

主講人:林仁斌老師

 


“先具備想像力,才能創造真實” — 華格納

德國歌劇作曲家華格納(1813-1883)

 

偉大的德國歌劇作曲家華格納(1813-1883),一生為音樂史締造許多傳奇。

 

整體藝術

華格納心中的最高藝術表演標準:「整體藝術」(Gesamtkunstwerk),這項改革除了呼應百年前歌劇界的「音樂與文字之爭」,更將歌劇音樂的表現推向與劇場的融合,也就是接近「完全的藝術形式」,也就是我們現代人最愛的~電影。

 

因此我們能夠說:「 華格納是現代電影配樂與劇場音樂之創始者。」

 

精彩曲目

女武神的騎行

⟨女武神的騎行⟩是《指環》四部曲第二部《女武神》中第三幕最重要的一段音樂。

透過具有節奏感的設計,豐沛具有爆發力的管絃樂團表現,華格納描畫出神話故事中驍勇善戰的女武神,我們彷彿看見騎著具有長翅神馬,女武神們翱翔天際的颯爽英姿

https://www.youtube.com/watch?v=O36QbZdQ8vM

https://www.youtube.com/watch?v=kkjAN3R55tM

 

19世紀中期法國大歌劇麥亞白爾式歌劇序曲

https://www.youtube.com/watch?v=sTouhk4PveM

 

電影《現代啟示錄》

大導演柯波拉神來一筆,在描寫戰爭的場景中,加入華格納音樂,讓電影更加真實身歷其境,並成為了影史經典:

https://www.youtube.com/watch?v=nZ_zNUmr8fM

 

代表作品一覽

《華格納作品目錄(Wagner-Werk-Verzeichnis)》(WWV)中,一共收錄的他的作品共有113件,其中包括未完成的以及計劃中的作品,如果將未譜曲劇本、構思及失蹤的作品除去,剩下82部;如果再細數真正完成的歌劇作品,一共10部。(若指環四聯劇拆開計算為13部)

*資料取自維基百科,並附上超連結方便檢索。

中文名稱 原文名稱 首演年份
仙女 Die Feen 創作於1833-34,首演於1888年
禁戀 Das Liebesverbot 創作於1834-36,首演於1836年
黎恩濟 Rienzi 1837
漂泊的荷蘭人 Der Fliegende Holländer 1843
唐懷瑟 Tannhäuser 1845
羅恩格林 Lohengrin 1848
崔斯坦與伊索德 Tristan und Isolde 1859
紐倫堡的名歌手 Die Meistersinger Von Nürnberg 1867
尼貝龍根的指環

I.萊茵的黃金
II.女武神
III.齊格菲
IV.諸神的黃昏

Der Ring des Nibelungen

I.Das Rheingold
II.Die Walküre
III.Siegfried
IV.Götterdämmerung

I.萊茵的黃金(1854)
II.女武神(1856)
III.齊格菲(1871)
IV.諸神的黃昏(1874)
帕西法爾 Parsifal 1882

 

他首將歌劇中音樂的地位提升,將劇情、歌詞與音樂更縝密融合,過往的歌劇在他改革下,變成格局更弘大的「樂劇」(德:Muzikdrama)(英:Music Drama)。而在這樣的理念中,華格納將「樂劇」置為最高位階,認為從音樂譜曲、詩歌文字到戲劇、舞蹈、舞台、服裝等所有元素,皆應融合為一,為整體戲劇呈現服務,這就是「整體藝術」(德:Gesamtkunstwerk)(英:Total work of Art)。

 

華格納的豆知識

https://www.youtube.com/watch?v=BegxnvzvNqo

 

戲劇第一,音樂其次

這項改革呼應了百年前的「音樂與文字之爭」,但是將歌劇音樂的表現,更加地推向與劇場的融合,也就是接近更加完全的藝術形式,或者是我們現代人最愛的~電影。

華格納因此打響了名聲,作品也打破過往義大利、法國歌劇專美於前的局勢,讓德國歌劇在樂史上擁有不可動搖的地位。

華格納在50歲前因揮霍成性始終窮困潦倒,在私人感情上也讓人不敢恭維,但仿若受到幸運之神眷顧,在巴伐利亞國王路德維希二世的崇拜與大力支持後,生活從此一帆風順,不僅能專心創作,橫跨數十年完成例如《尼貝龍根的指環》,也就是我們常說的「指環四部曲」這般全長15小時的鉅作,

他甚至能夠猶如實現夢想般地,打造出只演出自己樂劇作品,完全實踐心中表演理念的拜魯特劇院,華格納創立拜魯特音樂節,演出自己的作品。

這般成就與人生的確非凡人所能及,莫怪後世音樂家在仰望這位音樂巨人時,無不肅然起敬。

 

華格納生平簡述

*生平取自「知識百科

1813年5月22日出生於德國萊比錫,父親是當地警察局書記員,在華格納六個月大時因傷寒過世。母親在1814年改嫁與丈夫一位具有演員、作家及畫家等多重身份的好友蓋耶爾。

華格納的母親改嫁後隨蓋耶爾遷居德勒斯登,蓋耶爾對華格納非常仁慈,但是在華格納七歲時,他也不幸去世了。1822年華格納進入教會學校就讀,除了在文學和哲學上比較出色曾經得到學校詩作比賽的優勝外,其他科目都是一蹋糊塗,高中他讀的還是「後段班」,自尊心曾經大受打擊;華格納十四歲就顯現出不凡的戲劇才華,他撰寫了生平第一部劇本「萊巴德與阿德萊達」。 同時華格納也開始學鋼琴,但那時候他對音樂的熱情並不如文學那么強烈,而且也懶於練琴,所以終其一生鋼琴彈得都不是很好。

1827年華格納全家遷回萊比錫,1828年15歲的華格納欣賞了貝多芬的第七號交響樂,心靈受到巨大的震撼,從此他下定決心要成為一位偉大的作曲家,母親為了幫助愛子完成計畫,為他請了一位音樂教授Theidir Weinlig,在他的指導下,沒上過音樂院的華格納突飛猛進,終成一代大師!

1831年華格納進入萊比錫大學選修哲學,沒多久即因為生活過於放縱而遭退學。此時他對音樂仍有很大興趣,就追隨湯瑪斯教會的合唱指揮溫利格學習作曲,並且和溫利格一同工作了半年,使他獲益良多。

1832年華格納完成一首C大調交響曲,他將此曲帶往維也納希望能得到演出機會,但卻遭到冷落失敗而返。回程途中在布拉格寫下歌劇『婚禮』的劇本,返抵萊比錫後著手為該劇譜曲,這齣歌劇雖然並沒有完成,但已為華格納往後自己寫劇本並且譜曲開了先例。

1833年華格納應伍茲堡歌劇院邀請出任合唱指揮,使他有更多的機會實地接觸歌劇演出,並從中學習創作歌劇技法。隔年就完成了第一部歌劇作品『仙女』,1836年春天寫出『愛的禁令』,不過這兩部歌劇都沒有得到正式演出的機會。

由於接連兩齣歌劇都無法上演,華格納的經濟非常困窘,為了增加收入,他轉到馬德堡的一個小歌劇團當指揮,並於1836年11月與歌劇團中女演員敏娜結婚。

1837年夏天,華格納與妻子前往俄國里加,擔任當地歌劇院指揮,並開始著手創作歌劇『黎恩濟』。由於華格納收入不豐又不知節儉,家庭經濟更加惡化。1839年3月為了躲避債主追討,與妻子搭船逃往英國。在航行途中遇到暴風雨,促成兩年後華格納寫作歌劇『漂泊的荷蘭人』。1839年9月華格納從英國前往巴黎發展,然而巴黎樂界對這位沒沒無聞的新人並不感興趣。

雖然於1840年完成了『黎恩濟』,1841年又推出『飛行的荷蘭人』,但是這兩齣歌劇在巴黎也都得不到上演機會,在巴黎的三年間生活極端貧困,甚至因欠債而兩度下獄。這一段困苦的日子使得華格納原本就談不上高貴的個性,變得更加自私而無情,對於一切倫理道德的規範,也都採取敵對的態度。

1842年『黎恩濟』終於獲得在德勒斯登上演的機會,『黎恩濟』的演出是華格納生命中的轉捩點,它的成功使華格納得到了德勒斯登歌劇院指揮的職務。1843年『漂泊的荷蘭人』也在德勒斯登推出,雖然它不及『黎恩濟』成功,但又使華格納獲得了薩克森宮廷音樂監督的工作。

1845年華格納完成『唐懷瑟』,觀眾的反應卻頗為冷淡。1848年華格納又創作了『羅恩格林』,這部歌劇直到兩年後才得到演出的機會,由李斯特在威瑪舉行首演。

1849年德勒斯登爆發革命,華格納因參與革命活動被通緝。最先逃到威瑪在李斯特家中暫避風頭,之後在李斯特協助下逃往瑞士,並且以政治犯身分在蘇黎士定居。在瑞士的前幾年華格納暫停音樂創作而埋首於理論著述,完成了多本重要著作,其中在『歌劇與戲劇』一書里,首次發表了他的歌劇原則,他預言未來的歌劇必將捨棄過去慣用的詠嘆調和宣敘調,音樂與劇本會更緊密配合,而且也會加入其它藝術而成為一種統一的藝術作品,他並稱這種新的戲劇型式為『樂劇』。

完成了理論著述後,在蘇黎士的一些朋友熱心贊助下,華格納開始恢復音樂創作。在這些新朋友中,富商威森東克不但以金錢援助華格納,更提供華格納舒適的住宅,然而華格納後來竟與威森東克的妻子瑪黛德談戀愛。儘管華格納有道德上的缺失,但他與瑪黛德之間的這段戀情也成了他創作的動力,使得此後數年成為華格納一生中創作最豐富的時期。

1852年華格納寫了『女武神』,1853年完成『萊茵河的黃金』,連同他在德勒斯登時期即已寫成的『諸神的黃昏』和『齊格菲』兩部劇本, 尼貝龍根的指環劇本至此都已完成。1853年至1857年間華格納便埋首於這套聯篇樂劇的譜曲工作,然而由於這套樂劇太過龐大,再加上忙於其他事務,於是譜曲工作在未完成前已先暫告段落。

1857年8月華格納開始譜寫『崑斯坦與伊索德』,也於此時妻子敏娜發現他與瑪黛德間之戀情,為了挽回婚姻,敏娜佯稱心臟有毛病必須到威尼斯休養,華格納不得已只好搬出威森東克提供給他的居所隨妻子一同到威尼斯

1859年8月華格納在威尼斯完成了『崔斯坦與伊索德』這齣隱含著他與瑪黛德間戀情的樂劇。1860年德國政府赦免了華格納參與革命的罪行,使他終得以返回祖國。回國後華格納以指揮家的身份巡迴各地演出,他除了介紹自己的作品外,也演奏貝多芬及其他作曲家的曲子,華格納成了一位著名的指揮家。

1862年敏娜無法再忍受丈夫的風流因此分居。1864年華格納遇到了他一生中最重要的貴人巴伐利亞年輕的國王路德維希二世。路德威二世延聘華格納到慕尼黑,提供他一切生活及音樂上的需要,讓他可以安心創作。從1864年起到1883年去世為止,華格納過著他一生中最優渥的生活。

有良好條件的配合,華格納便進一步著手實現自己的音樂理想。首先他請了當時著名的鋼琴家、指揮家、李斯特的女婿畢羅到宮廷劇院來擔任指揮,自己則專心創作。畢羅對華格納相當崇拜與尊敬,他成了華格納的得力助手,也總是不遺餘力地推廣華格納的作品,然而華格納卻與畢羅的妻子柯西瑪暗通款曲。

1865年柯西瑪為華格納生了一個女兒,取名為伊索德,但畢羅卻仍然被蒙在鼓裡,一年後柯西瑪又為華格納生了一個女兒,至此華格納決定將柯西瑪據為已有,1866年秋天他們兩人一起到瑞士。李斯特知道這件事情後非常震怒,許多年都不肯原諒柯西瑪和華格納,而畢羅更是傷心至極。

不過李斯特和畢羅都沒有因華格納的不義而影響他們對華格納的藝術評價,他們仍然努力推介華格納的作品,也顯示出他們為了藝術而展現寬大與無私的胸懷。

1866年華格納原配敏娜去世。

1868年華格納推出『紐倫堡名歌手』,完成該劇後,他便著手繼續譜寫已擱置了十二年的『尼貝龍根的指環』。1869年柯西瑪為華格納生了一個兒子,取名為齊格菲。1870年初畢羅與柯西瑪完成離婚,年中華格納即與柯西瑪正式結婚。

華格納多年以來一直希望建造一座符合自己理想的劇院,專門上演自己的作品,這個心愿因路德威二世的支持,以及華格納四處募款並復出旅行演奏而於 1873 年付諸實現。該劇院建造於巴伐利亞境內的古城拜魯特,興建過程中華格納不但親自監造,還將自己許多關於劇場設計的理論運用於劇院中。劇院於1876年落成,並於同年8月舉辦首屆拜魯特音樂節,演出全本『尼貝龍根的指環』。

之後華格納並未停止創作,他又花了六年時間寫了最後的一部樂劇『帕西法爾』,於1882在拜魯特首演。不久後華格納心臟病發作,於1883年2月13日病逝於威尼斯,家人將遺體運回拜魯特,在舉行了盛大喪禮後將他葬在自家華宅「瓦溫弗里德」(Wahnfried)的庭院內。

直到生命的最後幾年之前,華格納的生活似乎都以政治流放、動蕩的愛情、貧困和一再逃避債務為人所知。近幾十年來,他關於音樂、戲劇和政治的有爭議的作品引起了廣泛的各種評論,尤其是他表達反猶太情緒的思想。

在整個 20 世紀的許多藝術中,都可以追溯到華格納思想所帶來的影響;從作曲、指揮、哲學、文學、視覺藝術和戲劇演出,甚至電影。

 

3分鐘認識華格納.介紹影片

https://www.youtube.com/watch?v=YiPGE0JjCkQ

 

"真正的喜悅不存在於物質,而是由心所發" - 華格納

 

華格納「主導動機」簡說

https://www.youtube.com/watch?v=I8r4Y34L60Q&list=PLWdiHKZju2RenZEU53A5PC44ZoUqTWz1Q&index=2

 

「主題」與「主導動機」之異同

https://www.youtube.com/watch?v=qVlsIhbQ2qM&list=PLWdiHKZju2RenZEU53A5PC44ZoUqTWz1Q&index=3

 

這首是華格納早期的作品,創作於1840年,受到德國浪漫主義詩人海涅(Heinrich Heine)的著作《施納貝勒沃普斯基的回憶錄》(Aus den Memoiren des Herren von Schnabelewopski)啟發,講述的是受到詛咒、在海上漂流多年的荷蘭人(Der Hollander)船長和他的船員,每七年上岸尋找真心愛他的人以尋求救贖,最終他遇到了一位挪威船長的女兒珊塔(Senta),因著她誓死不移的愛,結局以殉情解除了荷蘭人的魔咒。

https://www.youtube.com/watch?v=r6BJvway4b8

 

《唐懷瑟》序曲

《唐懷瑟》採根據德國中世紀傳說而寫,劇本1843年完成,總譜1845年完成在Dresden宮廷劇院親自首演。

華格納於1861年巴黎演出時,順應法國人的喜好加上了芭蕾舞與維納斯堡音樂,因此德勒斯登版較嚴謹,巴黎版則較優美討喜。

華格納的《唐懷瑟》與《羅安格林》屬於被上演次數多高的兩部歌劇,他的寫作方式逐漸脫離義大利歌劇跑馬詠嘆調的影響,逐漸進入整部音樂主題設計的完整化,是他所提倡的「樂劇」逐漸落實的過程。

主角人物唐懷瑟、伊莉莎白、維納斯、沃夫倫、郡主等,每一位角色均具有鮮明性格,也因此讓歌劇戲劇性更強化。

遊唱騎士唐懷瑟因為沉溺在愛神維納斯的肉慾中,甚至在歌唱比賽高歌讚美維納斯而墮入不被允許的靈慾深淵;郡主的姪女,同時也是愛慕著唐懷瑟的伊莉莎白公主,選擇以摯愛的純潔生命拯救唐懷瑟執迷不悟的靈魂,甚至願意替他的罪行贖罪。

《唐懷瑟》序曲,為三段體曲式,以朝聖者的緩步虔誠合唱開端,接入懺悔動機等主題,再逐漸進入樂曲高潮,再接著描寫維納斯堡的誘惑與維納斯愛慾音樂,呈現當代世人無法理解之縱慾恣情,再之後回到朝聖者合唱主題再度出現,鐵杖開花~唐懷瑟靈魂終得救贖。

 

總譜版本

https://www.youtube.com/watch?v=X50NPwUYaLk&t=299s

 

精彩神級日劇《白色巨塔》第一集,財前的隔空手術手勢,哼唱的音樂即為《唐懷瑟》序曲朝聖者主題(用電腦播放)

https://www.youtube.com/watch?v=5rf8uXLJMQk

 

《唐懷瑟》主導動機集(播放清單)

https://www.youtube.com/watch?v=MjANkcX_U3A&list=PL78TsyiiZjhE7wjL8aOJWuDQx0zL8jKks

 

管弦樂團演奏版本

https://www.youtube.com/watch?v=mU4RVrJ-SRg

 

主導動機是什麼?

電影用音樂說故事的四種方法


拜魯特音樂節與華格納之舞台

華格納年代的拜魯特劇院繪圖

 

迷人的穹頂.輝煌的過往歷史

 

今日的觀眾席視角:完全看不到樂團,純然的沈浸式觀劇體驗

 

換個角度繼續觀察,果然完全看不見樂池:

 

拜魯特音樂節官方網站

 

演出劇目

歷年演出劇目總整理


拜魯特音樂節 近期新聞

拜魯特將於2026年首度推出《黎恩濟》

出處:MUZIK古典月刊

為紀念拜魯特音樂節150週年,主辦單位計劃於2026年首度搬演不在華格納「最後十部歌劇」——也就是被執掌該節的華格納家族認定為所謂「成熟」作品——之列的《黎恩濟》(Rienzi)。

華格納曾孫女、該節現任總監Katharina Wagner在日前的視訊會議上透露,他們將於2026年把華格納完成的第三部歌劇《黎恩濟》與其它十部歌劇一起推上舞臺。2024節目主軸會是新製作的《崔斯坦與伊索德》,由Thorleifur Örn Arnarsson執導、Semyon Bychkov指揮,Andreas Schager、Camilla Nylund等演出;Philippe Jordan還將指揮Valentin Schwarz 2022年製作的《尼貝龍指環》再度登場。2025則送上Matthias Davids執導、Daniele Gatti指揮,Georg Zeppenfeld、Michael Spyres等演出的新製《紐倫堡的名歌手》。

 

 


 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/wagners-tristan-und-isolde/

 

英國BBC華格納紀錄片欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=wOJ3r0OqItw&t=976s

 

兩小時不間斷的華格納精彩音樂XDD

1) 0:00 A Valquíria: Cavalgada das Valquírias (Die Walküre: Ride of the Valkyries)

2) 5:39 Rienzi: Abertura em ré maior (Overture to Rienzi)

3) 17:30 Lohengrin: Preludio do Terceiro At (Lohengrin: Prelude to Act III)

4) 21:04 O Idílio de Siegfried (Siegfried Idyll)

5) 39:21 Abertura de O Navio Fantasma (Overture to The Flying Dutchman)

6) 50:16 Abertura de Tannhäuser (Overture to Tannhäuser)

7) 1:05:34 Os Mestres Cantores de Nuremberg Abertura (Overture to the Mastersingers of Nuremberg; however, the introduction is missing)

8) 1:14:50 Tristão e Isolda: Prelúdio (Tristan und Isolde: Prelude)

9) 1:23:08 Tannhäuser: Bacanal (Tannhäuser: Bacchanale)

10) 1:35:28 Lohengrin: Prelúdio (Lohengrin: Prelude to Act I)

11) 1:45:23 O Ouro de Reno Entrada dos Deuses no Valhalla (Das Rheingold: Entry of the Gods into Valhalla)

https://www.youtube.com/watch?v=0EUHnu48DmQ&t=841s

 


"指環資料區"

【指環故事】

華格納構思與創作長達26年的《尼伯龍根指環》四部曲,集音樂、文學、哲學、神話、傳奇之大成,代表著十九世紀歐洲藝術的最高成就,從歌劇走向樂劇,不但劇本獨立完成,連音樂也是,而連續四天,演出總時需長達17個小時之久,更是創下前人難以企及之輝煌紀錄。

維基百科網頁《尼伯龍根的指環》

 

 

好文閱讀

華格納歌劇《尼伯龍根的指環》

 

主導動機譜例

https://www.youtube.com/playlist?list=PL78TsyiiZjhGNl-civwjVsk_7tn6XG3wh

 

https://www.youtube.com/watch?v=wvA54D2Gz3E&list=PLWdiHKZju2RenZEU53A5PC44ZoUqTWz1Q&index=6

 

華格納號的示範

https://www.youtube.com/watch?v=BNcajRV4sfc


超市裡的女武神

https://www.youtube.com/watch?v=n9EcmI9cCes

 

女武神飛行之主導動機

https://www.youtube.com/watch?v=qSVv1uk57Jo&list=PLFn0Mh0jSllr-woZGbRxmhcsEGhxsxt_L&index=26

 

女武神呼喊之主導動機

https://www.youtube.com/watch?v=DLlR-sx2G9M&list=PLFn0Mh0jSllr-woZGbRxmhcsEGhxsxt_L&index=27

 

1. 02:05 Intro 

2. 18:10 洪丁歸來 

3. 24:50 父親遺失 瓦哈拉 

4. 41:00 寶劍 

5. 48:50 寶劍由來 

6. 51:55 春之歌 

7. 01:01:30 正名 

https://www.youtube.com/watch?v=TrzllppakO8

 

1. 0:28 序奏

2. 02:35 女武神呼喊

3. 03:35 佛莉卡來吵架 

4. 22:27 佛旦失望 吵輸

6. 54:08 山腳下 兄妹

8. 01:02:45 瘋了 

9. 01:05:25 女武神 命運和死亡

10. 01:28:30 齊格蒙聽到號角聲去應戰

11. 01:31:25 戰鬥 超精彩

12. 01:33:40 告密鬼去死

https://www.youtube.com/watch?v=iubJA8l3jQk

 

1. 00:38 序奏 女武神的騎行

2. 08:00 找姐妹求救

3. 13:10 得知自己懷孕

4. 15:40 肚子裡的齊格飛

5. 16:45 愛的救贖

6. 18:12 生氣的佛旦來了

7. 24:47 開除

8. 27:10 公佈懲罰內容

9. 29:20 趕走其他女武神

10. 32:40 最後一場 女武神獨白開始

12. 35:50 提到芙莉卡

13. 40:30 佛旦啞口無言

14. 47:50 最後定案 至少不要凡人

15. 50:15 佛旦不保護齊格琳

16. 53:04 真英雄

17. 59:00 送去睡

18. 01:03:55 魔術睡眠

https://www.youtube.com/watch?v=jP0hj_PB_E4

 

https://www.youtube.com/watch?v=3QRcbPVEbe8&t=398s

 

https://www.youtube.com/watch?v=BlL-MY-kAyI

 

https://www.youtube.com/watch?v=O-DFlCgeb4w&t=3909s

 

好書推薦

《優雅的時光》華格納樂劇22年全記錄

 

*以下文字出自《優雅的時光》華格納樂劇22年全記錄(楊世彭著,2017)

華格納(Wilheim Richard Wagner)是十九世紀最偉大的歌劇作家之一,1813年生於德國萊比錫,1883年死在義大利的威尼斯,享年69歲。

華格納是浪漫主義時代出色的音樂家,他在作曲、撰文、編劇、指揮、導演,甚至...論戰方面都有相當的成就,但後世最追念他的,乃是他留下的十部歌劇。

本書是作者楊世彭長達22年不斷從美國、香港等地前往拜羅伊特戲劇節(德國),每次至少出國十天,聆賞七部以上的樂劇演出,如此非常的專業堅持與長年寫作而成。拜羅伊特劇場是德國一座小城,由華格納親自督工建造完成的完美劇場就座落城中,劇場條件及周圍環境就是為了專業演出,來此除了座無虛席,一票難求,得排隊多年。但專業人士趨之若鶩,欣賞表演時更是如癡如醉,每年7月底至8月底,整整一個月,來自世界各地的樂迷,盛裝出席,演出有時長達五小時,下午開始,結束都已經夜晚10點以後,喜愛之人視之為心靈盛宴,真乃人生中最優雅的時光。
 
華格納留下的十齣歌劇。這些歌劇他叫作  Das Musikdrama (music-drama,中譯「樂劇」),都由他自己編寫劇本,因此他也是音樂史上難得的兼擅作曲編劇的創作者。十九世紀某一知名評論家,好像是尼采吧,稱讚他「綜合了莎士比亞與貝多芬的偉大」,雖略過譽,也是因爲他在作曲及編劇上都有很大的貢獻。
       
紐約大都會歌劇院網站簡介華格納有這樣的説法:他創作的「樂劇」在當時充滿爭議,但在今天絕對是歌劇作品中佔中心地位的傑作。在創作上他深具革命性,對劇場演出的每一部分都有獨到的見解。他堅持歌辭及音樂在他的作品中具有相等的地位,樂隊與歌手也同等重要;這種想法深合他重要的「綜合藝術」觀點(the Gesamtkunstwerk, or “total work of art”),融合音樂、詩句、舞蹈、建築、繪畫以及其他創作元素於一爐,這個觀點對藝術創作的影響,遠遠超越歌劇這個領域。
西方歌劇的起源是在歐洲文藝復興時代的末期。當時的義大利佛羅倫斯城,有群人文學者成立了一個「同好社」或「藝術集團」,叫做the Florentine Camerata,他們的研究重點就是希臘悲劇,認爲那些公元前五世紀的戲劇演出很可能是吟唱的,至少其中的「吟唱隊」部分(the choral passages),肯定是唱的。爲了顯示這點,這「同好社」裡的音樂家雅各布•佩利 (Jacopo Peri) 與一位詩人同好就寫作了史上第一齣吟唱的戲劇作品《達芙尼》(Dafne, 1597),次年隆重公演,得到極好的回響。可惜這部作品早就湮沒,衹有佩利的另一部作品《尤麗狄茜》(Euridici, 1600’s) 尚存,是爲歌劇史上最早留存的作品。
       
這種起自義大利的「吟唱演出」逐漸自宮廷流傳到民間劇場,有了個新的名稱opera(opere作爲複數),源自拉丁文opus,原意「作品」。這個新的演出方式以音樂及歌唱爲主,陳述一個簡單的故事,取自神話或英雄傳説。Opera在宮廷搬演時,由於預算充裕,不免在佈景、燈光、服裝、舞蹈上投注財力,歌唱方面也精益求精,出現了一群極富才華的歌唱明星,漸漸形成今日歌劇演出上依舊存在的特點,那就是以演唱技巧爲主,音樂動聽為副,加上華美堂皇的佈景服裝燈光效果,配以合唱隊及偶有的舞蹈撐起較大的場面,而故事的鋪陳,劇情的發展,角色的營造,在這種演出中倒變成相當次要的原素了。
       
義大利歌劇的發展到了十八世紀的古典主義年代,形成一種不變的形式,那就是用華美動聽的詠嘆調(aria)提供歌手展示演唱技巧的機會,以簡單伴奏的宣敘調 (recitative) 鋪敘劇情,加上一個序曲 (overture) 及每幕開始或結束前的音樂間奏,一些對唱 (duet)、三重唱 (trio)、四重唱 (quartet)、大合唱 (chorus),再加上常有或不一定有的舞蹈片段,形成一個至今還見到的演出模式,這種模式在十八世紀莫扎特、韓德爾的作品中達到很高的藝術層次。那些作品有一個共有的現象,就是在演出中凸顯歌手(尤其是明星歌手)的獨唱片段,而劇情的鋪陳與發展,卻被這些詠嘆調與宣敘調切割成二三十個勉强連接的斷斷續續了。

在這種演出模式中,作曲家必須為男女主角在每幕安排一到兩首獨唱及一個對唱,另外三四個主要配角也都需要安排一兩首獨唱或對唱,再加上他們之間該有的三重唱、四重唱,劇情的發展至少會被切割二十幾次,最好的劇作家也無法交代一個動人而比較複雜的故事,而角色的營造,在這種演出裡更屬奢求了。這是西洋歌劇最大的「死穴」,觀衆在觀賞歌劇時絕非追尋故事或要求角色的深度,他們僅求動人的歌唱及美妙的音樂。
       
到了十九世紀初期,以「美聲唱法」(bel canto) 著稱的歌劇作家若貝里尼(Bellini)、多尼采蒂 (Donizetti)、羅西尼 (Rossini),以及世紀後期浪漫主義歌劇作家若威爾第 (Verdi)、普契尼 (Puccini) 等,他們的作品雖比古典主義時代進步很多,裡面宣敘調的影子也逐漸消失,但劇中詠嘆調作爲凸顯明星歌手的早年傳統依舊存在,在十九世紀二十世紀,甚至現今的演出中,這些作品仍有明顯的環節,在一曲終了時讓劇情中斷音樂停止,給觀衆機會鼓掌叫好,甚至讓明星歌手把那精彩片段再唱一次。這是歌劇演出的高潮,也是歌手與觀衆同感過癮的時刻。
       
在這些方面,就可以看出華格納樂劇與一般歌劇,無論是十八世紀古典主義歌劇或十九世紀美聲唱法歌劇,甚至十九世紀末葉浪漫時代的歌劇,最大的不同之處了。
       
華格納的歌劇作品深具革命性及爭議性。他的歌劇,以他自己的話說,應是一種「整體的藝術品」(Gesamtkunstwerk or “complete work of art”),把音樂、詩句、美術這些要素融合在一起。他擴大了樂隊的編制,在樂譜中冲淡詠嘆調的特顯地位,把宣敘調去除,使他的歌劇作品形成一個個「無隙縫無休止的音調鋪陳」,從每一幕的開始直到那幕的結束,其中絕無空間容許觀衆鼓掌叫好,而現代的華格納樂劇演出,觀衆也都是在一幕結束之後才鼓掌,甚至根本不鼓掌;譬如說,《帕西法爾》第一幕結束通常不鼓掌,因爲此劇宗教意味甚濃,與耶穌受難日有關。
       
這些作品,華格納自己稱作「樂劇」(music drama),以示與一般歌劇不同,而他與其他作曲家最大不同之處,就是他也自己編寫劇本唱詞,這些劇本取材自日耳曼民族的傳説,凱爾特民族傳說,或亞瑟王傳説 (Germanic,Celtic, Arthurian legends),使得他的劇本題材往往具備某種哲理,無怪乎他的崇拜者稱揚他為「集貝多芬與莎士比亞之大成」,雖略過譽,但在音樂史上也真找不出另一位能寫精彩劇本,也能譜極好音樂的創作天才了。

 

讀後心得

本書作者做楊世彭旅居美國多年,為科羅拉多大學戲劇與舞蹈學系教授榮退。由於在劇場界與執導莎翁戲劇的國際聲譽,歷年皆為拜魯特音樂節正式邀請觀賞全套作品之唯一華人貴賓:在1995至2016年間,共觀賞68場樂劇,這些輝煌的經驗,已成歷史,不可能再被超越。

光是閱讀楊博士的觀劇經驗已讓我「獻上膝蓋」、「內牛滿面」,因為這些無法被複製的觀劇體驗,是如此珍貴的第一手資訊,更是對於拜魯特音樂節的入門磚。作者不同於許多樂評或音樂人,觀劇總習慣以音樂或歌唱為主之方向,更偏向導演構思以及舞台劇場演出細節之觀察,更是讓總浸淫於音樂中的我,獲得截然不同面向的新知;光是閱讀其中文字,便已經感同身受並深深佩服。(蹦藝術/林仁斌)


蹦藝術Podcast「華格納專題」EP77-88

 

 

 

【附錄】華格納重要大事年表

1813年5月22日 理察·華格納出生於萊比錫。

1814年8月23月 華格納的母親再嫁演員丶詩人路德維希·蓋爾。之後舉家遷往德勒斯登

1822—1827年 就讀於德勒斯登十字學校。

1828—1830年 就讀於萊比錫尼可萊學校。

1830年 就讀於萊比錫托馬斯學校。

1831年 於在萊比錫大學註冊為音樂學院學生,師從克望斯蒂安·西奧多·魏因利格

1833年 擔任符茲堡合唱團指揮。

1834—1836年 擔任馬格德堡劇院樂團指揮。

1836年11月24日 與米娜·普拉納結婚,在昆尼希堡附近的特拉海姆舉行婚禮。

1837年4月1日 出任昆尼希堡劇院樂團指揮。之後,華格納前往里加,擔任劇院樂團指揮直至1839年初。

1839年9月 華格納夫婦在倫敦短暫逗留後,抵達巴黎。

1842年4月 華格納夫婦返回德國德勒斯登。10月20日,歌劇《黎恩濟》在德勒斯登宮廷劇院首演。

1843年1月2日,歌劇《漂泊的荷蘭人》在德勒斯登宮廷劇院首演。2月2日,華格納被任命為皇家薩克森宮廷樂長。

1845年10月19日,歌劇《唐懷瑟》在德勒斯登首演。

1849年5月 參加德勒斯登革命,華格納遭通緝,流亡到瑞士。

1850年8月28日 歌劇《羅安格林》在威瑪宮廷劇院首演,由李斯特指揮。

1852年 華格納結識奧托·魏森東克一家。夏季在義大利北部旅行。

1853年5月18、20、22日 華格納在蘇黎世舉行著名的五月音樂會。

7月2日·李斯特到達蘇黎世。

1855年 華格納在倫敦指揮八場音樂會。

1857年4月28日 華格納搬入魏森東克一家在蘇黎世郊區別墅旁的「庇護所」。

1862年8月11日-18日 受到薩克森國王赦,華格納返回德國,在美茵茲、畢伯利希、卡爾斯魯厄丶德勒斯登和維也納逗留。

1864年5月4日 路德維希二世召見華格納,兩人在巴伐利亞(慕尼黑)官邸第一次會面。

1865年6月10日 《崔斯坦與伊索德》在慕尼黑宮廷劇院首演。

1866年1月25日 米娜·華格納在德勒斯登去世。4月15日 華格納搬往琉森的特里布申。

1868年6月21日 《紐倫堡的名歌手》在慕尼黑宮廷劇院首演。11月8日,華格納在萊比錫結識尼采。

1869年6月6日 華格納與柯西瑪所生的第一個孩子:齊格菲·華格納在特里布申出生。9月22日 《萊茵的黃金》在慕尼黑首演。

1870年6月26日 《女武神》在慕尼黑首演。8月25日·在路德維希二世生日的這一天,華格納與柯西瑪結婚。

1871年4月 華格納第一次來到拜魯特。5月3日·在柏林受到俾斯麥接見。

1872年4月22日 華格納離開特里布申,遷往拜魯特。5月22日,在華格納59歲生日這一天·拜魯特音樂節劇院舉行奠基典禮。

1873年2月 返回拜魯特。

1874年4月28日 華格納一家七口,遷入位於拜魯特的瓦溫弗里德別墅(Wahnfried)。

1876年8月13日一17日 拜魯特音樂節劇院揭幕。首次上演華格納的《尼伯龍根的指環》四聯劇,德國皇帝威廉一世出席。10月底,在索倫托最後一次與尼采會面。

1877年5月17日 英國女皇維多利亞在溫莎宮接見華格納。

1882年7月26日 《帕西法爾》在拜魯特音樂節劇院首演。9月14日 華格納與家人前往威尼斯。

1883年2月13日 華格納去世於威尼斯溫德拉米宮飯店去世。

2月18日,華格納遺體運回瓦溫弗里德別墅花園,依其遺願長眠葬於此處。

 


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【BON音樂】鋼琴巨星:郎朗 2024年台北國家音樂廳獨奏會 - 音樂會導聆(林仁斌)

【BON音樂】鋼琴巨星:郎朗 2024年台北國家音樂廳獨奏會 - 音樂會導聆(林仁斌)
Lang Lang's Piano concert in Taipei, 2024

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今之巨星 - 郎朗

「當今古典星球最受推崇的藝術家,全世界觀眾的最愛」—《紐約時報》

 

1994年,十二歲的郎朗第一次在世界舞台上嶄露頭角。2024年,郎朗已是國際知名鋼琴家,聲名遠播於樂壇之外:於今年四月成為第一位在好萊塢星光大道留下手印的亞洲鋼琴家。他與維也納愛樂、柏林愛樂、紐約愛樂及美國五大交響樂團多次合作,甚至曾出任聯合國兒童基金會親善大使。

 

記錄影片

https://www.youtube.com/watch?v=CHVCHLyPA6o

 

導聆人:林仁斌

 

從小被認為是「鋼琴神童」、「明日之星」的郎朗,早已成為全球知名的鋼琴家,他發行的專輯總能登上各大古典音樂專輯銷售熱榜,音樂會場場完售,各大交響樂團邀約合作,頂級指揮家讚不絕口,他的音樂演奏會也在全世界受到各國樂迷的歡迎~為何郎朗在古典音樂界如此受人關注?

這位「頂級鋼琴家」究竟是怎樣煉成的?

 

郎朗被《紐約時報》譽為「古典音樂星球上最炙手可熱的藝術家」,他在世界各地的音樂會均全場爆滿。他與賽門拉圖爵士、杜達美、巴倫波因和艾森巴赫等指揮大師合作無間,並與世界各地的頂尖樂團攜手演出。

普羅高菲夫:第三號鋼琴協奏曲(選粹)

郎朗與與賽門拉圖爵士 | 柏林愛樂

https://www.youtube.com/watch?v=qolErqwzPnk

 

郎朗的演奏以廣泛、創意思維聞名,並經常涉足不同的音樂領域。他多次在葛萊美獎頒獎典禮上與 Metallica、Pharrell Williams ,或傳奇爵士樂手 Herbie Hancock 等人同台演出,藉由網路社全傳播,影響力無遠弗屆。

 

Lang Lang performs in Celebration Gala at Berlin Philharmonie in November 2018

https://www.youtube.com/watch?v=4FJUwETc7Rg

 

提攜後進.成立郎朗國際音樂基金會

這十幾年間,郎朗在功成名就之於,更在世界各地積極投入音樂教育。

他於2008年成立了郎朗國際音樂基金會,旨在培養鋼琴明日之星、倡導著重技術的音樂教育,並透過現場音樂體驗培育年輕聽眾。2013年,郎朗獲聯合國秘書長任命為和平使者,推動全球教育。

 

郎朗國際音樂基金會

 

找到人生的「愛麗絲」❤️

家庭幸福.事業成功

郎朗宣布結婚之後,美麗老婆吉娜愛麗絲(Gina Alice Redlinger)姣好的身材與超高顏值,更是讓兩人總登上網路熱搜榜

 

絕美婚紗照

 

拉回正軌,現在讓我們開始介紹今晚音樂會曲目

【今晚音樂會曲目】

佛瑞:升F小調《孔雀舞曲》,作品50
Gabriel Fauré: Pavane in F-sharp minor, Op. 50

舒曼:《克萊斯勒魂》,作品16
Robert Alexander Schumann: Kreisleriana, Op. 16

蕭邦:《馬厝卡舞曲》作品 Op. 7-3, 17-1,2,4 24-2,4 30-3,4 33-3,4,2 59-3
Frédéric Chopin: Mazurkas

蕭邦:升F小調《波蘭舞曲》,作品44
Frédéric Chopin:  Polonaise in F-sharp minor, Op. 44

 

佛瑞:升F小調《孔雀舞曲》,作品50

《Pavane》由法國作曲家佛瑞(Gabriel Fauré)寫作於 1887 年,創作靈感部分源自 16 世紀的宮廷舞蹈「帕凡舞」(Pavane)。

這種舞蹈在當時的歐洲宮廷中盛行,其舞步莊重、緩慢,具有獨特的風格特點。佛瑞以這種傳統舞蹈為基礎,將其重新演繹,創作出了《Pavane》這首經典之作。而《Pavane》 4/4 拍,節奏舒緩、平穩,具有穩定而從容的特質,讓聽眾能夠充分沉浸在其營造的優雅氛圍之中。

 

管弦樂團版本

https://www.youtube.com/watch?v=HhiVuIRw4tM

 

郎朗演奏版本

https://www.youtube.com/watch?v=-JGjHUEDWxU

 

舒曼:《克萊斯勒魂》,作品16

舒曼簡介

作曲家:舒曼(Robert Schumann, 1810年6月8日—1856年7月29日)

 

"我最喜愛的作品" - 舒曼

克萊斯勒魂概說

初版樂譜(1839)封面

 

從樂譜封面,我們可以看到除了標題「Kreisleriana」之外,還加註了「幻想曲」(Fantasien),顯現出此曲在舒曼心中的特性,是屬於幻想曲非只是組曲。

而寫作鋼琴曲《克萊斯勒魂》的年代(1838),同樣是舒曼與克拉拉熱戀,背著父親維克互通情意的期間。

其實除了《兒時情景》之外,《克萊斯勒魂》還有另一套《大衛同盟》舞曲,都是舒曼因為愛慕著克拉拉,靈感迸發而陸續創作的鋼琴作品。

另外最值得一提的是,雖然此曲的靈感來自克拉拉,但舒曼卻將樂曲題獻給了認識且仰慕的鋼琴家:蕭邦。

 

根據資料,舒曼於1838年的4月,由於跟克拉拉不能時常見面,因此舒曼經常透過音樂創作作為情書,與克拉拉交換心中的想法,心中熱切的他,只花了大約四天時間,就完成了這首結合文學與音樂的幻想曲集。後來舒曼再於1850年對此曲作出修訂,故有1850年修訂版。

而此曲標題《克萊斯勒魂》(Kreisleriana, op.16),其實是來自德國浪漫主義文學代表人物~E. T. A.霍夫曼(Ernst Theodor Wilhelm Hoffmann, 1776 - 1822);在小說中,這位約翰尼斯.克萊斯勒(Johannes Kreisler)是一位瘋狂、古怪、狂野而充滿機智的指揮家。

舒曼其實從創立「新音樂雜誌」起,便喜愛使用筆名,化為各種角色,觀念看法時有不同,例如舒曼自己的「弗洛雷斯坦」和「尤西比烏斯」,可以互相對話,這某種程度來說,與E. T. A.霍夫曼能夠創寫文學作品,已有相當程度的異曲同工之妙。因此舒曼以著對於克拉拉的豐沛感情,加上佳人不在身邊的日日思念情感,都讓舒曼化為創作動力,以極短時間便能完成此套《克萊斯勒魂》幻想曲。

 

雙重人格特質.入樂

舒曼作品 《克萊斯勒魂》 共包含八首不同風格之特性小品。

舒曼從撰稿雜誌期刊時,便習慣以兩種不同性格之角色,相互對話、發表言論,最常使用之兩個筆名為「弗羅倫斯坦」(Florestan)與「奧澤比烏斯」(Eusebius)。

「弗羅倫斯坦」通常代表著積極、外放、正向的角色。

「奧澤比烏斯」則相反,內向、內斂而深層保守。

當您注意欣賞《克萊斯勒魂》的8個段落,便會發現另一個奇妙的巧合:一、三、五、七首,舒曼以「弗羅倫斯坦」性格寫作,樂曲普遍為「快速」、「積極」、具有表現力,並以小調寫作。

而二、四、六、八則為「奧澤比烏斯」性格,樂曲速度和緩、錯落有致,溫暖抒情,並以大調寫作。

 

在1839年出版後不久後,舒曼曾在一封信中,稱《克萊斯勒魂》為「我最喜歡的作品❤️」,顯見此曲深得其心。

而《克萊斯勒魂》共由8首段落構成,分別是:

《克萊斯勒魂》全8曲列表

 
Title  標題 Key 調性
1. 激烈而快速的 (Äußerst bewegt 

ABA架構

從音樂弱起拍樂句中開始,帶有交錯性的節奏,兩個主要部分與抒情中間部分,全曲主要以十六分音符寫成。

2/4拍,d小調
2.很親密而不要太快 (Sehr innig und nicht zu rasch)

ABACA 架構

A部分具有柔軟、鐘聲音型的對位,間奏曲則是內聲部活躍的豐富線條。

3/4拍,降B大調
3.很激動的 (Sehr aufgeregt

ABA 架構

A 部分以黑暗中帶著緊張的感覺為特色,而B部分則是深具有舒曼的心碎又華麗風格,對位法亦深具表現力。

2/4拍,g小調
4.很緩慢的 (Sehr langsam

ABA 架構

本段落帶著令人驚訝的晚期貝多芬式的溫柔和真誠。

4/4拍,降B大調
5.很活潑的 (Sehr lebhaft)

ABACABA 架構

情緒和質感劇烈波動。A段彷彿開玩笑,又像惡作劇般的效果,如同E.T.A. 霍夫曼的文學作品般,舒曼音樂中的戲劇效果同樣非常突出。

3/4拍,g小調
6.很緩慢的 (Sehr langsam)

A(B)ACA 架構

由非常單純而緩慢的旋律開啟本段音樂,5個小節後進入帶有32分音符的戲劇化節奏結構,而如同敘事般,引領我們進入幻想的感受中。

12/8拍,降B大調
7.很急促 (Sehr rasch

ABAC 架構

本段音樂有著神似巴洛克音樂的複音風格,音樂卻更加迅速而狂熱,似乎我們感受到了舒曼那無比狂熱的情緒。

2/4拍,c小調-降E大調
8.迅速而戲耍似的(Schnell und spielend )

ABACA 架構

A 段右手部分,似乎在鋼琴上躡手躡腳地偷偷跳躍著,感覺像趣味卡通人物的形象。而B段落非常抒情而豐富。 C段落則為音樂注入了一陣深刻的悲傷。(舒曼在再現A樂譜上寫著“Mit aller Kraft”,意即「用你所有的力量」);第一主題後來舒曼運用在第一號交響曲《春》。

6/8拍,g小調

 

音樂如夢如詩,炫技又耐聽。

 

舒曼❤️克拉拉:「克拉拉主題」(0:42 起)(下行五度音)

https://youtu.be/jtFRVM60170?t=43

 

舒曼為了展現對克拉拉的愛,將她的名字(Clara)入樂,成為了知名的「克拉拉音型」。

「克拉拉音型」的第一種變化,為簡單的「C-B-A-A」。

但如以實際音型來看,字母 「C、A、A」 可以轉譯為音高音名,而「l」 與 「r」 字母轉化成音名「B 」與「G」,故「Clara」=「C-bB-A-G-A」。

但我們可以看到下方譜例中,「克拉拉音型」最後一音的最後一音,佐以下方小三度的「#F」,因此,「克拉拉音型」也被舒曼寫為「下降五音音型」。

 

 

 

之名音樂學者 Roger Fiske 於1964年定義「克拉拉音型」:「起始為『E』,或是含有『E』或『E』的半音之五音以上的下行音階,就是舒曼心中的克拉拉」

 

在舒曼與克拉拉相戀,卻被克拉拉之父維克被迫分開的那幾年(1836-1840),舒曼基於對克拉拉的思念與愛,更是經常於作品中寫出「克拉拉音型」。

舒曼於1838年創作的鋼琴套曲《克萊斯勒魂》,正是兩人被迫分開的時光,因此舒曼更加頻繁地使用「克拉拉音型」,以音樂抒發那心中滿滿的思念,更將他的愛寄託在隱藏的音符之中,希望克拉拉能夠看見~

仔細觀察,「克拉拉音型」在《克萊斯勒魂》的八段音樂中都有出現,時以正向,時而反向,也有雙手同時出現。出現頻率以右手外聲部(旋律)與左手低音聲部最為頻繁,成為了現在欣賞舒曼音樂時的一大樂趣~

 

席夫的開示:下行五度音程=克拉拉

https://www.youtube.com/watch?v=_4ag16YqXrI

樂譜版本欣賞

Slåttebrekk:

00:00 – No.1*

02:41 – No.2

12:14 – No.3*

16:48 – No.4

20:57 – No.5*

23:53 – No.6

28:13 – No.7

30:25 – No.8

Endres:

33:34 – No.1

36:24 – No.2*

45:35 – No.3

49:59 – No.4

54:08 – No.5

57:28 – No.6

1:02:03 – No.7*

1:04:12 – No.8*

https://www.youtube.com/watch?v=WrZn9HyIwEU


蕭邦:《馬厝卡舞曲》作品 Op. 7-3, 17-1,2,4 24-2,4 30-3,4 33-3,4,2 59-3

Op. 7-3

https://www.youtube.com/watch?v=U30lBC8xDyQ

 

Op.17-1,2,4

珠玉般精緻的蕭邦馬厝卡舞曲

https://www.youtube.com/watch?v=uXG7cru2qgI

 

https://www.youtube.com/watch?v=RHvZM34JNJ8

 

https://www.youtube.com/watch?v=TG2E-IIF9XU

 

https://www.youtube.com/watch?v=vmLvpJySb50

 

蕭邦:升F小調《波蘭舞曲》,作品44

Frédéric Chopin:  Polonaise in F-sharp minor, Op. 44

A:充滿熱力的波蘭舞曲風格(第一與第二主題)

https://www.youtube.com/watch?v=kpsTOg1_nhU

 

B:對比的 夢幻中段(4:06

https://www.youtube.com/watch?v=kpsTOg1_nhU&t=246s

 

A':主題再現(6:54

https://youtu.be/kpsTOg1_nhU?t=414

 


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【BON音樂】實戰 ChatGPT:德國十大管弦樂團(趣味評比)

【BON音樂】實戰 ChatGPT:德國十大管弦樂團(趣味評比)
ChatGPT: The best German Orchestras

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興之所至,詢問 ChatGPT:德國十大管弦樂團(2024.11.24.查詢)

 

除查詢之外,也同步要ChatGPT附上各團特色與理由,得到如下之結果(不記排名)~

請蹦友們觀賞,並印證與你心中的「德國十大」有無異同?

 

柏林愛樂管弦樂團Berliner Philharmoniker

 

  • 歷史傳承與發展:成立於 1882 年,雖歷史不及一些古老樂團,但在歷任傑出指揮家的帶領下,發展迅猛,成為世界首屈一指的交響樂團之一 。
  • 指揮家的影響:尼基什、福特萬格勒、卡拉揚等指揮大師都曾執棒該樂團,他們憑藉卓越才華與獨特見解,極大地提升了樂團的演奏水平和藝術聲譽,也豐富了樂團的演奏曲目。
  • 演奏實力與風格:樂團成員技藝精湛,合奏技能出色,能夠精準地詮釋各種風格的作品,從古典到現代,展現出極高的藝術水準和適應能力,其演奏以音色優美、音響豐滿、層次豐富而著稱。
  • 演出與錄音活動:頻繁參與世界各地的演出和錄音,其錄製的大量唱片在音樂界具有重要地位,許多經典錄音成為了音樂愛好者收藏的珍品,也為古典音樂的傳播做出了重要貢獻。

 

賽門拉圖告別柏林愛樂音樂會(2018年6月)

馬勒第六號交響曲

 

 

德勒斯登國立管弦樂團Staatskapelle Dresden

 

  • 悠久歷史與傳統:創立於 1548 年,是世界上最古老的交響樂團之一,擁有近五個世紀的歷史,見證了古典音樂的發展歷程,承載著豐富的音樂文化傳統,被譽為 “古典音樂界的活化石”。
  • 歌劇演奏專長:以演奏歌劇聞名於世,曾首演眾多著名歌劇作品,如韋伯、華格納、理查・史特勞斯等作曲家的作品,在歌劇領域有著深厚的造詣和獨特的藝術風格。
  • 傑出指揮傳承:歷經舒茨、哈賽、韋伯、華格納、理查・史特勞斯以及阿道夫・布什、弗里茲・萊納、卡爾・貝姆等一批優秀指揮家的錘煉,這些指揮家為樂團的發展注入了強大動力,塑造了樂團的藝術風格和演奏特色。
  • 獨特音響風格:樂評家推崇樂團的高雅格調和各聲部平衡,其演奏能夠展現出獨特的音響效果,不同聲部之間相互呼應、配合默契,營造出和諧而富有層次的音樂氛圍,所演奏的德奧古典音樂格調高雅、音響豐滿,具有美妙的德國古老傳統色彩。

 

 

巴伐利亞廣播交響樂團Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

 

  • 實力基礎雄厚:1949 年由約胡姆創建,建團初期就邀請了一批傑出的器樂獨奏家和室內樂高手作為樂團各個聲部的首席,為樂團能夠高水準演出奠定了堅實基礎,使其迅速達到世界水平。
  • 曲目豐富多樣:曲目範圍涵蓋從 18 世紀至當代的眾多經典之作,並且根據不同的音樂會主題,安排特色演出,如以《莊嚴彌撒》作為高潮的貝多芬交響樂作品巡迴演出、“從帕勒斯特里那到史特拉汶斯基 — 教堂音樂巡禮” 等,展現了樂團對不同風格作品的駕馭能力。
  • 獨特音色風格:約胡姆創立了柔軟而透明的樂團音響,這種獨特的音色風格成為了樂團的典型傳統音色,使聽眾能夠在欣賞音樂時獲得獨特的聽覺享受。
  • 客座指揮眾多:曾有理查・史特勞斯、貝姆、克倫培勒等眾多知名指揮家客串,這些客座指揮帶來了不同的音樂風格和詮釋方式,豐富了樂團的藝術表現力,也提升了樂團的國際知名度。

 

2018年 BRSO 除夕音樂會

揚頌斯+郎朗

 

【中英双字】BRSO紀錄片 | 懷念揚頌斯

 

 

萊比錫布商大廈管弦樂團Gewandhausorchester Leipzig

 

  • 歷史底蘊深厚:創立於 1743 年,是世界上最古老的交響樂團之一,擁有近 300 年的歷史,見證了古典音樂的發展歷程,其歷史底蘊深厚,承載著豐富的音樂文化傳統。
  • 演奏實力強大:現有 175 名全職樂手,是當今全世界人數最多的專業管弦樂團之一,眾多優秀的演奏家匯聚於此,他們具備紮實的演奏技巧和豐富的舞台經驗,能夠呈現出宏大而震撼的音樂效果。
  • 合作名家眾多:歷史上曾與眾多著名作曲家和指揮家合作,如孟德爾頌等,這些合作不僅豐富了樂團的演出曲目,也提升了樂團的藝術水準和國際影響力,使其在音樂史上留下了濃墨重彩的一筆。
  • 適應時代發展:在不同的歷史時期都能夠不斷適應時代的變化和音樂發展的潮流,積極拓展演出市場,推出了許多令人讚嘆的唱片錄音,為古典音樂的傳播和推廣做出了重要貢獻。

 

 

北德廣播易北愛樂交響樂團NDR Elbphilharmonie Orchester

 

  • 歷史悠久:具有較長的歷史,在德國音樂界有著重要地位。其發展歷程中經歷了多次變革與發展,逐漸形成了自己獨特的藝術風格和演奏傳統。
  • 演奏風格多樣:能夠演奏多種風格的音樂作品,從巴洛克時期的作品到現代派作品都有所涉獵,並且在不同風格的演繹上都有較高的水準。尤其擅長演奏德奧作曲家的作品,能夠準確地把握作品的風格特點和情感內涵,展現出濃郁的德國音樂風格。
  • 指揮與樂團配合默契:樂團與眾多優秀的指揮家合作,指揮家們能夠充分發揮樂團的優勢,挖掘出樂團的潛力,同時樂團也能夠很好地理解和詮釋指揮家的意圖,二者配合默契,共同呈現出精彩的音樂表演。
  • 積極參與文化交流:經常參與國內外的演出和文化交流活動,將德國的古典音樂文化傳播到世界各地,同時也吸收了不同國家和地區的音樂元素,豐富了自身的藝術表現力。

 

 

慕尼黑愛樂樂團Münchner Philharmoniker

 

  • 城市文化底蘊的滋養:位於德國文化藝術名城慕尼黑,這座城市豐富的文化底蘊和藝術氛圍為樂團的發展提供了良好的環境。樂團深受當地文化的熏陶,形成了獨特的藝術風格,既具有德國傳統音樂的嚴謹與深沉,又融合了慕尼黑的熱情與活力。
  • 演奏水平高超:樂團成員均為技藝精湛的專業演奏家,他們在各自的樂器領域有著深厚的造詣,能夠以高超的技巧和細膩的情感詮釋各種經典作品。樂團的整體演奏水平在德國乃至世界範圍內都備受讚譽,其弦樂部分音色優美、富有表現力,管樂部分則氣勢磅礡、張力十足。
  • 藝術創新與探索:在傳承經典的基礎上,慕尼黑愛樂樂團也積極探索音樂藝術的創新與發展。他們勇於嘗試演奏新作品,與當代作曲家合作,推動音樂的邊界不斷拓展。同時,樂團也在演出形式和音樂教育等方面進行創新,舉辦各種形式多樣的音樂會,吸引了更多觀眾走進古典音樂的世界。
  • 國際影響力:憑藉其卓越的演奏實力和獨特的藝術魅力,慕尼黑愛樂樂團在國際上享有很高的聲譽,經常受邀到世界各地進行巡迴演出,與國際知名的指揮家和獨奏家合作,為德國音樂文化的傳播和交流做出了重要貢獻。

 

 

科隆西德廣播交響樂團WDR Sinfonieorchester Köln

 

  • 廣播與樂團的結合:作為廣播交響樂團,它與廣播媒體緊密結合,通過廣播節目將古典音樂傳播到更廣泛的聽眾群體中,為推廣古典音樂文化發揮了重要作用。這種結合也使得樂團在演奏風格上更加注重音響效果的呈現,以適應廣播媒體的傳播特點。
  • 現代作品的演繹:樂團在現代音樂作品的演繹方面具有較高的聲譽,積極推廣和演奏當代作曲家的作品,為現代音樂的發展提供了重要的舞台。他們敢於嘗試新的音樂語言和表現形式,與許多現代派作曲家保持著密切的合作關係,其演奏的現代作品常常具有獨特的見解和深刻的詮釋。
  • 國際化的藝術視野:科隆西德廣播交響樂團具有國際化的藝術視野,經常邀請來自世界各地的指揮家和獨奏家合作演出,吸收不同文化背景下的音樂元素和表演風格,不斷豐富自身的藝術內涵。同時,樂團也積極參與國際音樂交流活動,與其他國家的優秀樂團相互學習、共同進步。
  • 音樂教育與普及:樂團重視音樂教育和普及工作,通過舉辦音樂會、音樂講座、青少年音樂培訓等活動,培養了眾多音樂愛好者,提高了公眾對古典音樂的認知和欣賞水平。他們致力於將古典音樂帶給更廣泛的社會群體,為音樂文化的傳承和發展奠定了堅實的基礎。

 

 

斯圖加特廣播交響樂團Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR

 

  • 藝術創新與實驗精神:以其勇於創新和實驗的精神而聞名,樂團經常嘗試演奏一些具有挑戰性和創新性的作品,探索不同的音樂風格和表現形式。他們與當代作曲家緊密合作,首演了許多新作品,為音樂藝術的發展注入了新的活力,推動了古典音樂在當代的創新與變革。
  • 高水平的演奏家團隊:擁有一支高水平的演奏家團隊,這些演奏家具備紮實的專業技能和豐富的舞台經驗,能夠準確地把握各種風格作品的演奏要求。無論是在演奏傳統經典作品還是現代創新作品時,都能夠展現出極高的藝術水準,以精湛的技藝和飽滿的熱情為觀眾帶來精彩的音樂表演。
  • 多樣化的音樂節目:斯圖加特廣播交響樂團的音樂節目豐富多樣,涵蓋了從巴洛克時期到現代的各個音樂歷史時期的作品。他們不僅擅長演奏德奧經典作品,還對其他國家和地區的音樂作品有著廣泛的涉獵和深入的研究,能夠為觀眾呈現出多元化的音樂盛宴,滿足不同觀眾的音樂欣賞需求。
  • 教育與文化傳播使命:樂團積極履行教育與文化傳播的使命,通過舉辦各種音樂教育活動,如音樂學校、大師班、工作坊等,培養和啟發年輕一代的音樂人才,提高公眾對音樂藝術的理解和欣賞能力。同時,他們也通過廣播、電視等媒體平台,將音樂傳播到更廣泛的地區,促進了音樂文化的交流與傳承。

 

 

柏林德意志交響樂團Deutsches Symphonie-Orchester Berlin

 

  • 柏林的音樂中心地位:位於德國首都柏林,這座城市作為德國的文化和藝術中心,為樂團提供了豐富的資源和廣闊的發展空間。柏林德意志交響樂團充分利用這一優勢,積極參與各種重要的音樂活動,與國內外眾多優秀的音樂家和藝術機構合作,不斷提升自身的藝術水平和國際影響力。
  • 演奏風格的多樣性:樂團的演奏風格多樣,能夠駕馭各種不同風格和體裁的音樂作品。從古典主義時期的莫扎特、貝多芬,到浪漫主義時期的布拉姆斯、柴可夫斯基,再到現代主義時期的史特拉汶斯基、荀白克等作曲家的作品,他們都能夠以精準的詮釋和獨特的理解展現出作品的藝術魅力,展現出了極高的藝術適應性和表現力。
  • 傑出的指揮與獨奏家合作:與眾多傑出的指揮家和獨奏家保持著長期而密切的合作關係。這些指揮家和獨奏家的加入為樂團帶來了不同的藝術理念和表演風格,激發了樂團的演奏活力,共同創造出了許多令人難忘的音樂瞬間。通過與一流藝術家的合作,樂團不斷提升自己在國際音樂界的地位和聲譽。
  • 音樂教育與社會貢獻:注重音樂教育和社會貢獻,積極開展各種音樂教育項目和公益活動,為培養年輕一代的音樂人才和提高公眾的音樂素養做出了積極努力。他們舉辦音樂會、音樂講座、青少年音樂營等活動,讓更多的人有機會接觸和了解古典音樂,推動了音樂文化在社會中的普及和發展。

 

 

法蘭克福廣播交響樂團hr-Sinfonieorchester

 

  • 音樂傳統與現代融合:法蘭克福廣播交響樂團在傳承德國古典音樂傳統的基礎上,積極融合現代音樂元素,形成了獨特的音樂風格。他們既能夠以嚴謹、細膩的方式演繹巴赫、莫扎特、貝多芬等古典大師的作品,又能夠大膽地嘗試和演奏現代派作品,展現出了對不同音樂風格的包容和創新精神。
  • 卓越的演奏實力:樂團匯聚了一批優秀的演奏家,他們具備高超的演奏技巧和豐富的藝術表現力。無論是在弦樂、管樂還是打擊樂等各個聲部,都有著出色的演奏家能夠勝任各種高難度的曲目要求。樂團整體的演奏配合默契,音響效果和諧統一,能夠為觀眾帶來震撼人心的音樂體驗。
  • 國際化的演出與合作:積極開展國際化的演出活動,與世界各地的著名音樂廳、音樂節以及優秀的音樂家合作,將德國的音樂文化傳播到全球各地。同時,他們也邀請國際知名的指揮家和獨奏家來團合作演出,不斷吸收和借鑒不同國家和地區的音樂文化精華,豐富自身的藝術內涵,提升了在國際音樂界的知名度和影響力。
  • 音樂推廣與教育普及:致力於音樂的推廣和教育普及工作,通過舉辦各種形式的音樂會、音樂講座、音樂培訓等活動,讓更多的人了解和喜愛古典音樂。他們還積極參與社區文化建設,為當地居民提供豐富多彩的音樂文化活動,促進了音樂與社會的融合與發展。

 

 

我的遺珠之憾:

 

樂團介紹影片

 

2021.3.18 班貝格交響樂團成立75周年紀念音樂會

貝多芬小提琴協奏曲

 

【延伸話題ㄧ】:德國管弦樂團列表

下方資訊取自維基百科「德國管弦樂團列表」網頁(2024.11.24.)

德國管弦樂團列表

 

【延伸話題二】:德國樂團資訊

下方資訊取自「林老師:德國樂團分類」網頁(2012年資訊)

德國音樂工作環境簡介:

德國是世界古典音樂重鎮. 擁有83座歌劇院和173個交響樂團, 是全世界職業樂團數最多的國家.音樂工作者在這裡可得到相對好的待遇和機會.

德國人嚴謹的民族性眾所皆知,他們對樂團工作者有著一套清晰的規劃法. 他們共三大系統:

1. TVK系統: 此系統依據樂團的人員編制分成ABCD的薪水等級,最高是A級樂團,至少要有一百位團員.剛進去的TUTTI小提琴手稅前薪水約是5000歐元 (20萬台幣).

2. 廣播樂團系統:如西北德廣播、德國廣播等,他們自己有自己的薪水分級制度,他們工作的條約是各自訂定的,薪水和TVK A級差不多.

3. 特殊樂團,譬如說柏林愛樂、萊比鍚布商大廈等, 薪水約比前二個系統的多出10 ~ 20%不等.

每年劇院和樂團也都會向各音樂學院的學生開放許多實習的機會, 實習生通常一個月只有15個任務(Dienst)排演和演出各算一個任務.月薪未稅約700~900歐不等.

在德國,每個樂團都有自己的工會,基本上只要你進了樂團,不管是正職兼職或實習生, 都會受到公會的保護. 當與樂團有糾紛時,可以請工會幫忙解決. 沒有人可以隨便解雇你! 考上正式的職位之後則有半年至一年的試用期,大部分樂團會有兩次的團員投票,第一次是和你同聲部的同事們投票,再來就是其它的團員和指揮投票,一旦有3/4的同事投你, 即可成為正式團員, 享有終生合約, 一年約六週有薪年假和至少13個月的月薪保證.整個規定可謂相當完善且有法可尋.

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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 華麗聚焦:五大寫實主義歌劇巡禮(二)貝里尼:《諾瑪》

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 華麗聚焦:五大寫實主義歌劇巡禮(二)貝里尼:《諾瑪》

All about Bellini's opera "Norma"

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古典音樂是你的生活必需品?
希望有機會能拓展對古典樂的了解?
跟著林仁斌老師一起認識偉大的音樂藝術!

《大人社團》與蹦藝術攜手開設古典音樂鑑賞課程,林仁斌老師帶領學員欣賞每首的獨特之處,讓您徜徉在樂曲中,更貼近音樂家的心血結晶,聽出更多況味與樂趣!

《延伸閱讀》大人的音樂欣賞線上直播課程好嗎?學員真實回饋分享

《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋,看他們用音樂為生活注入繽紛

 

蹦藝術音樂美食藝文之旅 行程總覽~

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11/14、11/21、11/28、12/5、12/12,共5堂

【俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮】
12/19、12/26、1/9、1/16、2/6,共5堂 

【迎接2025馬勒音樂節:精選馬勒五大交響曲】
 2/13、2/20、2/27、3/6、3/20,共5堂


主講人:林仁斌老師

 

你對古典音樂深深著迷,期待聽懂更多內容嗎?

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跟著林仁斌老師一起揭開這層有趣又精彩的音樂面紗~

透過課程你會對音樂領域有更深一層的認識,林仁斌老師將帶領同學們從生平故事,去探究創作背景與作品的演奏,以及樂譜到創作技法解析、樂曲欣賞版本比較,細細感受各種精彩的詮釋,聽出更多音樂的世界樂趣!

 

系列一|華麗聚焦~寫實主義歌劇:五大寫實主義歌劇巡禮

寫實主義(Verismo)歌劇,在浪漫後期蔚為風潮,從市井小民到民間冤屈,甚至血腥復仇,深深牽動著觀賞者的心情;這系列「聚焦寫實主義歌劇」課程,將為您精選先經典五大歌劇,並將帶領你從古典樂的角度看歌劇。

 

  • 第一堂|比才:《卡門》

1875年首演於巴黎的《卡門》,由作曲家比才改編自作家梅里美的同名小說,敘述煙草工場美女卡門放蕩不羈的愛情觀念與最後的死亡悲劇,可說是歷史上最知名的歌劇作品。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始解析,再搭配劇中數不盡的精彩優美旋律,讓您深度品嚐卡門的愛與愁,麗與美~

  • 第二堂|貝里尼:《諾瑪》

義大利作曲家貝里尼改編自劇作家亞歷山大·蘇美於1831 演出的同名歌劇《諾瑪》(Norma),敘述女祭司悲劇式的愛情,其中的詠嘆調〈聖潔的女神〉(Casta Diva)更是膾炙人口。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始介紹,再解析劇中詠嘆調之寫作,讓您深入了解《諾瑪》的豐富內涵。

  • 第三堂|威爾第:《遊唱詩人》

威爾第《遊唱詩人》(Il trovatore)是改編自Antonio García Gutiérrez的西班牙文話劇《El Trobador》的四幕著名歌劇,更是威爾第創作生涯中期的三部劇作之一(另兩部為《弄臣》與《茶花女》)。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景為始,帶您欣賞精彩詠嘆與戲劇性十足之劇情,保證讓您大呼過癮。

  • 第四堂|華格納:《崔斯坦與伊索德》

《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde)的故事情節,來源於凱爾特人故事集,關於阿圖斯國王與崔斯坦的傳說。除了寫實題材之外,更被視為是華格納和馬蒂爾德·維森東克的戀情寫照。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景,深入介紹「崔斯坦和弦」、〈愛之夜〉與〈愛之死〉,讓您一窺被視為古典-浪漫音樂的終結、新音樂的開山之作。

  • 第五堂|普契尼:《瑪儂雷斯考》

普契尼的成名作《瑪儂.雷斯考》是他步入寫實主義創作開端,其「主導動機」的寫作方式,連華格納之子齊格菲都讚譽有加。改編自普弗神父鼎鼎大名的同名小說《瑪儂.雷斯考》,普契尼雖更加聚焦於男女情愛,但音樂之細膩卻才是他成功的真正要素~在本堂課中,林仁斌老師將為您從原著小說談到劇中的精彩音樂,您不可錯過。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。



 

從作曲家談起

貝里尼(Vincenzo Bellini)是義大利歌劇史上極為重要的作曲家:

文琴佐··貝利尼(Vincenzo Bellini, 1801年11月3日—1835年9月23日)義大利作曲家。
纖巧細緻的作曲家~貝里尼與他的歌劇

十九世紀前葉的義大利歌劇正值美聲唱法 (Bel Canto) 成熟輝煌之際,又融入了浪漫樂派的抒情樂潮,因此綻開了義大利歌劇質與量的燦爛年代。而三位最具代表性的作曲家,羅西尼 (G. Rossini)、董尼采悌 (G. Donizetti) 和貝里尼 (Vincenzo Bellini) 不但領導著一代的風騷,而且還影響著巴黎,共同締造著法國大歌劇 (Grand Opera) 的風采。也因有這三位「先輩」的經營,才有年輕的威爾第 (Giuseppe Verdi) 來集其大成,才有該世紀末及二十世紀初的普契尼 (Giacomo Puccini) 等人的寫實歌劇,具備了薪火相傳的莊嚴意義。

義大利歌劇作曲家雖各具獨特的風格,但以歌樂為主的本質一直是他們遵循的傳統。其中則以貝里尼的纖巧細緻,無人能出其右。大概由於他的追求絕對純美,容不了雜質,以致他的思想行儀和音樂,趨於十分的敏銳,而他亦以三十四歲的英年早逝 (1801-1835)。貝里尼的音樂優雅細緻,而且具有很濃厚的詩意,有人稱他為歌劇音樂的蕭邦。

貝里尼出生於義大利西西里島東部的卡塔尼亞城。早年在拿坡里的聖.西巴斯蒂恩音樂院就讀。拿坡里的歌謠有如陽光普照的地中海波浪,是十八世紀前期拿坡里樂派發軔的泉源。貝里尼在這個南義大利的歌樂天地接受薰陶,又有史卡拉第 (A. Scarlatti) 等大師遺留下來的風範,讓他創作了不少歷史上不朽的作品。例如「諾瑪」、「卡布列第與蒙特奇家族 (羅密歐與茱麗葉)」、「海盜」、「清教徒」,等皆為各地歌劇院經常上演的戲碼。尤其以本齣「夢遊女」最為唯美細緻,是一部令人神怡的浪漫歌劇。貝里尼以三十四歲的年華,縱橫與義、法樂壇,足見其才華之高。一八三五年九月二十三日,貝里尼逝世於巴黎近郊的比蕯 (Puteaux) 小鎮。(文.曾道雄)

生平

  • 貝里尼出生於 1801 年 11 月 3 日,西西里島的卡塔尼亞,出身於音樂世家,祖父是宗教音樂和歌劇作曲家,父親是合唱指揮兼管風琴手。
  • 18 歲時進入那不勒斯的皇家音樂學院,學習了六年,期間受到了前輩羅西尼等作曲家的影響。
  • 1825 年,他為同學們創作了《阿代爾松與薩爾維娜》。次年,其第二部歌劇《比安卡與費爾南多》在那不勒斯的聖卡洛劇院上演。
  • 1827 年,歌劇《海盜》在米蘭拉斯卡拉歌劇院的成功演出,使他一躍成為義大利一流的作曲家。
  • 此後他陸續創作了多部歌劇,如 1830 年的《凱普萊特與蒙太鳩》(羅密歐與茱麗葉)、1831 年的《夢遊女》以及 1835 年的《清教徒》等。
  • 1835 年 9 月 23 日,貝里尼在旅居法國期間,因病去世於巴黎近郊,年僅 34 歲。

 

藝術風格

  • 旋律優美:貝里尼以其長線條、流暢且富有情感的旋律而著稱,被譽為 “卡塔尼亞的天鵝”。他的旋律常常具有一種內在的動力和情感張力,能夠深刻地表達出人物的情感和內心世界,如在歌劇《諾瑪》中的《聖潔的女神》唱段,旋律優美動人、婉轉起伏,充分展現了貝利尼旋律創作的高超技藝。
  • 浪漫主義色彩濃郁:作為浪漫主義時期的代表作曲家之一,貝里尼的作品充滿了浪漫主義的情感和夢幻般的意境。他注重對人物內心世界的刻畫,通過音樂來表達愛情、悲傷、絕望等各種複雜的情感,使聽眾能夠深入感受到作品中所蘊含的浪漫主義情懷。
  • 美聲唱法的典範:貝里尼的歌劇是美聲唱法的重要教材,其作品中的唱段對演唱者的聲樂技巧要求極高,常常包含有大量的花腔和高音部分,需要演唱者具備精湛的發聲、呼吸和控制技巧。同時,他又能將這些高難度的技巧與優美的旋律完美地結合在一起,使演唱者能夠在展現技巧的同時,也能夠充分表達出歌曲的情感內涵。

 

主要作品

  • 《海盜》:這部歌劇於 1827 年在米蘭拉斯卡拉歌劇院上演,講述了海盜首領古列爾莫與被劫持的貴族女子伊莫金之間的愛情故事。劇中的音樂充滿了激情和活力,如古列爾莫的詠歎調《在那大海的波濤上》,旋律激昂,展現了海盜的英勇和豪放。
  • 《凱普萊特與蒙太鳩》:創作於 1830 年,以莎士比亞的《羅密歐與朱麗葉》為藍本,但對故事進行了一定的改編。歌劇中的音樂與劇情緊密結合,透過旋律和和聲的變化來推動劇情的發展,如羅密歐與朱麗葉的二重唱《啊,我願生活在這夢幻中》,旋律優美,情感真摯,表達了兩人對愛情的嚮往和無奈。
  • 《夢遊女》:1831 年在米蘭首演,劇情圍繞著農村姑娘阿米娜夢遊的故事展開,展現了她與未婚夫埃爾維諾之間的愛情波折。歌劇中的音樂充滿了詩意和浪漫情懷,如阿米娜的詠歎調《啊,滿園鮮花凋零》,旋律婉轉,如泣如訴,生動地表現了阿米娜在夢遊中的迷茫和痛苦。
  • 《諾瑪》:被認為是貝里尼最傑出的作品之一,於 1831 年在米蘭史卡拉歌劇院首演。該劇以高盧時期為背景,講述了女祭司諾爾瑪與羅馬總督波利翁之間的愛情悲劇。歌劇中的音樂氣勢恢宏,旋律優美,特別是諾瑪的詠歎調《聖潔的女神》,以其莊嚴、崇高的旋律和深刻的情感表達,成為了歌劇史上的經典唱段之一。
  • 《清教徒》:是貝里尼的最後一部歌劇,創作於 1835 年,在巴黎首演後獲得了巨大的成功。這部歌劇以英國清教徒革命為背景,講述了貴族女子埃爾維拉與騎士阿圖羅之間的愛情故事。歌劇中的音樂風格多樣,既有激昂的合唱,又有抒情的詠歎調,如埃爾維拉的詠歎調《我是一個可憐的少女》,旋律優美,情感細膩,充分展現了貝里尼的音樂才華。

 

後世影響

  • 對同時代作曲家的影響:貝里尼的音樂風格和創作手法對同時代的許多作曲家產生了重要影響,如威爾第就曾讚揚他的旋律,蕭邦和李斯特也都對他的作品推崇備至,蕭邦更是將歌劇的花腔唱法融入到鋼琴寫作中,創造出了獨特的蕭邦式夜曲華彩。
  • 在歌劇發展史上的地位:貝里尼是義大利美聲歌劇的重要代表人物之一,他的作品為義大利歌劇的發展做出了重要貢獻,推動了歌劇藝術在浪漫主義時期的發展和演變。他的歌劇不僅在義大利國內廣受歡迎,而且在歐洲其他國家也產生了廣泛的影響,為後來的歌劇創作提供了重要的借鑒和啟示。

 

貝里尼歌劇的藝術風格:

浪漫主義色彩濃郁

  • 情感表達深刻:貝利尼的歌劇注重對人物內心情感的細膩刻畫,通過音樂將愛情、悲傷、絕望、希望等各種複雜情感展現得淋漓盡致,使聽眾能夠深切感受到作品中所蘊含的浪漫主義情懷。比如在《夢遊女》中,通過阿米娜的夢遊情節,展現了她在愛情中的迷茫與痛苦,其詠歎調《啊,滿園鮮花凋零》旋律婉轉,如泣如訴,深刻地表達了人物的內心情感。
  • 夢幻般的意境營造:他善於運用音樂來創造夢幻般的意境,讓聽眾彷彿置身於一個充滿詩意和幻想的世界之中。在《諾爾瑪》的序曲中,通過不同樂器的演奏和旋律的變化,營造出了一種神秘而莊嚴的氛圍,為整個歌劇奠定了浪漫主義的基調。
  • 長線條與流暢性:其旋律以長線條、流暢自然而著稱,具有很強的歌唱性和感染力,能夠深深地打動聽眾的心弦。如《清教徒》中埃爾維拉的詠歎調《我是一個可憐的少女》,旋律優美且連貫,讓演唱者能夠充分發揮美聲唱法的優勢,也讓聽眾沉浸在美妙的音樂之中。
  • 內在動力與情感張力:貝利尼的旋律並非單純的優美,還蘊含著一種內在的動力和情感張力,能夠推動劇情的發展和人物情感的變化。在《海盜》中,古列爾莫的詠歎調《在那大海的波濤上》,旋律激昂,展現了海盜的英勇和豪放,同時也推動了劇情的發展。

 

美聲唱法的典範

  • 高難度技巧與情感表達的結合:貝利尼的歌劇作品對演唱者的聲樂技巧要求極高,常常包含有大量的花腔和高音部分,需要演唱者具備精湛的發聲、呼吸和控制技巧。但他又能將這些高難度的技巧與優美的旋律以及深刻的情感表達完美地結合在一起,使演唱者在展現技巧的同時,也能夠充分傳達出歌曲的情感內涵。例如《諾瑪》中的《聖潔的女神》唱段,不僅有高音和花腔的挑戰,更通過旋律和歌詞深刻地表達了諾瑪的情感和內心矛盾。
  • 聲樂主導與管弦樂配合:在歌劇中,貝利尼通常將聲樂放在主導地位,讓管弦樂作為陪襯來突出聲樂的表現力,對管弦樂的運用也並非簡單的伴奏,而是通過巧妙的編曲和和聲變化來增強音樂的整體效果,使聲樂與管弦樂相互輝映,共同營造出豐富的音樂層次和強烈的藝術感染力。

 

悲劇色彩鮮明

  • 人物命運的悲劇性:貝里尼的許多歌劇作品都以悲劇結局,展現了人物在命運的捉弄下所遭受的苦難和無奈,從而引發觀眾的同情和共鳴。如《諾瑪》中,女祭司諾瑪與羅馬總督波霖內之間的愛情悲劇,以及《凱普萊特與蒙太鳩》中羅密歐與朱麗葉的愛情悲劇等,都深刻地反映了人性的弱點和命運的無常。
  • 音樂氛圍的烘托:他通過音樂的旋律、和聲、節奏等元素來烘托悲劇氛圍,增強作品的感染力。在悲劇情節出現時,常常運用低沉、緩慢的旋律和暗淡的和聲來營造出悲傷、絕望的氛圍,讓觀眾更深刻地感受到悲劇的力量。

 

關於歌劇《諾瑪》

創作背景

  • 腳本來源:《諾瑪》的腳本由費利斯・羅曼尼根據亞歷山大・蘇梅的悲劇《諾瑪,或弒嬰者》改編而成。
  • 創作過程:1830 年 4 月至 5 月,貝利尼與斯卡拉歌劇院和威尼斯鳳凰歌劇院簽訂了兩部歌劇的合同,其中為斯卡拉歌劇院 1831 年 12 月創作的歌劇便是《諾瑪》。當時,朱迪塔・帕斯塔在《夢遊女》中成功塑造了阿米娜一角,展現出了出色的聲樂和戲劇表演能力,隨後便被斯卡拉歌劇院邀請出演下一季的歌劇,而貝利尼和羅曼尼也開始考慮為其創作新歌劇的主題。他們選定了當時正在巴黎上演的蘇梅的戲劇,並以此為藍本進行創作。1831 年 9 月,貝利尼開始投入到《諾瑪》的作曲工作中。

 

角色

  • 諾瑪:作為歌劇的核心人物,她是一位身份尊貴、內心複雜的高盧女祭司。她深愛著波利翁,卻遭到背叛,其內心經歷了從痛苦、憤怒到絕望,再到最終的釋然與犧牲的巨大轉變。這一角色要求演唱者具備高超的聲樂技巧和出色的表演能力,能夠準確地傳達出角色豐富的情感變化和內心掙扎。
  • 波利翁:羅馬總督波利翁是一個典型的矛盾人物,他一方面愛著諾瑪,另一方面又被阿達爾吉薩的美貌所吸引,陷入了情感的糾葛之中。他的角色展現了人性中的弱點和欲望,其演唱部分也具有一定的難度,需要演唱者在表現其情感矛盾的同時,展現出角色的身份和性格特點。
  • 阿達爾吉莎:年輕的女祭司阿達爾吉莎善良、純真,她在不知情的情況下愛上了波利翁,當得知真相後,她陷入了痛苦和自責之中。她的音樂形象相對較為溫柔、抒情,與諾瑪形成了鮮明的對比,為歌劇增添了另一種情感色彩。

 

劇情解說(取自維基百科《諾爾瑪》網頁)

紀元前五十年,羅馬共和政體末期,高盧

  • 第一幕森林深處,德魯伊教徒正聚集在他們神的地方,神聖的 Irminsul 的神殿中,聖壇中聖潔的火熊熊燃燒,教主奧洛維索(Oroveso,男低音)正帶領眾人祈禱,他們祈求神保護他們打敗那些羅馬征服者。奧洛維索宣布,當時機到來,由他的女兒諾瑪(Norma,女高音)向大家發信號。附近,波霖內(Pollione,男高音),羅馬任命的總督,他正與自己的副官散步,一路上兩人談起了諾瑪,波霖內坦言道自己已經不再愛女祭司長諾瑪,現在他正熱戀著一個年輕美麗的女祭司阿達爾吉莎(Adalgisa,次女高音)。破壞誓言令人痛苦,可是愛情的甜蜜卻叫人無法放棄。這時他們聽到德魯伊教徒集會的聲音,記起諾瑪曾警告他們不要踏入神殿周圍,兩人離開。神殿內,諾瑪正向月亮女神祈求和平,她勸阻那些激動的教眾不得貿然行動,並且預言羅馬人將從內部分裂。在諾瑪的心裡實際上非常苦惱,她偷偷的與羅馬來的總督相戀,還生下了兩個孩子,這種行為無疑等於背叛,因為無論如何她不願意自己的情人受到傷害。如果面前的事情能夠和平的解決,那麼她和她的孩子就還有希望。當眾人散去,阿達爾吉莎悄悄的走近聖壇,她祈禱神賜予她力量能夠抗拒波霖內

    一方面她是那麼的愛著波霖內,一方面她感到了深深的恐懼,她的國家被羅馬人占領,為此她應該離開波霖內。這時波霖內從牆後走出,他請求阿達爾吉莎原諒自己所帶給她的苦難,並要她第二天隨自己一同逃離高盧去羅馬過新的生活。終於,阿達爾吉莎被說服了。

    諾瑪的房間幽暗而溫暖,兩個孩子正熟睡,諾瑪在與她的侍女及密友克洛蒂爾德(Clotilde,女高音)聊天,她說著自己的擔憂。她害怕波霖內回國時會拋棄她和她的孩子,並且有可能是為了一個女人,是誰她不知道。聽到有人過來,諾瑪吩咐侍女把孩子抱走。

    來者是阿達爾吉莎,她來懺悔自己的罪,她坦白自己與一個羅馬人相戀,那個人要帶她去羅馬,可是這麼一來就背叛了自己的信仰,現在只有求神寬恕。聽著阿達爾吉莎的告解,諾瑪想起了自己的戀情,她很同情這個與自己有著相像命運的人,她願意解開阿達爾吉莎曾在神前立下的誓言。就在這時,波霖內進來,當實情揭露,他就是阿達爾吉莎的愛人時,諾瑪憤怒的要發瘋,諾瑪大聲斥責波霖內背信棄義。波霖內無言以對,他只求帶走阿達爾吉莎,而阿達爾吉莎臉色蒼白,她表示寧願死也不會跟他離開。

 

  • 第二幕深夜,對愛情感到絕望的諾瑪手持短劍站在孩子的床邊,她想殺死一段孽緣生下的兩個兒子然後自殺,但當她注視著他們的時候心中不忍。這一對孩子睡得很熟,他們看起來多麼天真可愛,她下不了手。遲疑中諾瑪叫來了阿達爾吉莎,把兩個孩子託付給她,要她去交給總督,並讓她隨他一道離開。阿達爾吉莎拒絕了,她怎麼能夠偷走諾瑪的愛人,她發誓要把波霖內還給諾瑪,還鼓勵她帶著孩子與波霖內重新開始。諾瑪感動了,兩個人流著眼淚互相擁抱。阿達爾吉莎立刻動身去找波霖內,請求他回到諾瑪的身邊。奧洛維索招集了教眾在聖殿中,他向人們宣布說羅馬派來一位新的總督代替波霖內,那個人更加殘酷。底下,被奴役的人群憤怒的咒罵著羅馬人的罪行,他們激動的要求諾瑪表明態度,他們要求戰爭。奧洛維索抬手示意眾人平靜下來,他要求大家為了最終的勝利暫時保持低調的態度,接著請諾瑪主持祈福儀式,神將選定戰爭的時間。諾瑪離開父親來到神廟深處等待阿達爾吉莎,當她得知波霖內拒絕了阿達爾吉莎的請求後心中充滿了恨意,愛情居然如此強烈,她的身體一陣一陣的顫抖。無法控制自己感情的諾瑪,在愛恨交加中痛苦異常,她走到祭壇前公布神的旨意,即刻向羅馬宣戰,奧洛維索要求選出一名犧牲獻給神。這個時候波霖內被拖進來,人們發現他鬼鬼祟祟的在神殿附近徘徊,他是來帶阿達爾吉莎私奔的。諾瑪喝退眾人,走到波霖內面前,她問他是否願意跟阿達爾吉莎斷絕關係,波霖內拒絕,她又問他對自己還有否愛情,他回答沒有,諾瑪安靜的笑起來。她對父親跪下,說已有了犧牲,又一個女祭師背叛了自己的信仰與敵人私通,眾人問她是誰褻瀆了神背叛了祖國?這時諾瑪看向波霖內阿達爾吉莎,這兩個人臉色蒼白,但神情鎮定。奧洛維索高聲問女兒是誰,出乎意料的,諾瑪說:「就是我!」

    她轉身對波霖內說:「你雖然背棄了這顆心,但你不再能離開我,你這冷酷的羅馬人!比你更有力量的神,已經把我們結合在一起,不論是活的日子,或是死後在黃泉下。」

    面對如此深愛自己的諾瑪波霖內感到痛苦,他顫抖的站起來要求分擔對於諾瑪的懲罰,眼淚落下,對於她,他似乎從來沒有好好的去理解,現在只能祈求寬恕。諾瑪將孩子交付給仍處於驚嚇中的父親,願自己的罪過不要連累孩子。拉著愛人的手一起走向熊熊的烈火,她的臉上閃耀著聖潔霞光,像一位真正高貴的女神。不忍心目睹的人們跪下來,他們知道這一次的犧牲必能潔淨祭壇與聖殿,祈禱的歌聲傳向遠方。(劇終)


 

音樂特點

  • 旋律優美:貝利尼以其擅長的優美旋律著稱,在《諾瑪》中,旋律線條悠長、婉轉,極具歌唱性和感染力。如第一幕中的詠歎調《聖潔女神》,旋律流暢自然,音域寬廣,通過細膩的旋律變化,深刻地表達了諾瑪在情感上的掙扎與對愛情的祈求,成為了歌劇中的經典唱段之一。
  • 情感表達豐富:歌劇充分展現了貝利尼對人物內心情感的細膩刻畫能力,通過音樂將愛情、嫉妒、憤怒、絕望、母愛等多種複雜情感展現得淋漓盡致。在不同的場景和情節中,運用不同的音樂元素和表現手法,使觀眾能夠深切感受到劇中人物的情感起伏和內心世界的變化。
  • 和聲與配器的巧妙運用:和聲的運用豐富多變,為旋律增添了濃厚的情感色彩和戲劇性效果。在緊張的情節或激烈的情感衝突中,通過不和諧和聲的運用來增強音樂的張力;而在抒情的段落,則採用和諧、溫暖的和聲來營造出浪漫的氛圍。配器方面,管弦樂與聲樂相互配合,相得益彰。管弦樂在烘托氣氛、推動劇情發展等方面發揮了重要作用,既增強了音樂的整體表現力,又為聲樂演唱提供了有力的支撐。

 

演出歷史與影響

  • 首演情況:《諾瑪》於 1831 年 12 月 26 日在米蘭斯卡拉歌劇院首演,但首演並不成功,原因包括女主角朱迪塔・帕斯塔身體不適,以及劇院中存在反對貝利尼和帕斯塔的捧場者等因素。
  • 著名演唱版本:儘管首演受挫,但《諾瑪》憑藉其自身的藝術價值,在後來的演出中逐漸獲得了廣泛的認可和讚譽。20 世紀上半葉,羅莎・龐塞爾等著名歌唱家曾演唱過該劇;戰後,瑪麗亞・卡拉斯、萊拉・根瑟、瓊・薩瑟蘭、蒙特塞拉特・卡芭葉等傑出的女高音都曾成功詮釋過諾瑪這一角色,她們各具特色的演唱風格,為這部歌劇注入了新的活力,也使其在世界範圍內得到了更廣泛的傳播和喜愛。
  • 對歌劇發展的影響:《諾瑪》作為美聲歌劇的經典之作,對後世歌劇的發展產生了深遠的影響。它不僅在聲樂演唱技巧和音樂表現形式上為後來的作曲家和歌唱家提供了寶貴的借鑒和範例,也在人物塑造、情感表達、戲劇衝突等方面為歌劇創作樹立了標杆,推動了歌劇藝術的不斷發展和創新。

諾瑪大PK

一代經典:卡拉絲

卡拉絲曾說:「所有詠嘆調之中,最高難度的就是《諾瑪》中的 ⟨聖潔女神⟩ 」。

https://www.youtube.com/watch?v=s-TwMfgaDC8

 

西班牙的榮光:卡芭葉

https://www.youtube.com/watch?v=wvBuCLjByaE

 

美國傳奇:弗萊明

https://www.youtube.com/watch?v=Rg4L5tcxFcA

 

國際大賽實力外貌兼具:Aida Garifullina

https://www.youtube.com/watch?v=rK6GsRUl4WI

 

歌劇完整版本欣賞

2017年大都會歌劇院製作版本

 

【延伸欣賞】

李斯特: S. 394《諾瑪的回憶》
F. Liszt: Réminiscences de Norma, S.394

《諾瑪的回憶》是李斯特受貝里尼歌劇《諾瑪》啟發而寫的一首大幻想曲,該劇主要講述族群女領袖與羅馬官的生死之愛的故事,充滿著愛情、仇恨與寬恕、極具戲劇張力。李斯特以他無與倫比的創作才華與熱情,創作了這部大幻想曲,曲目技巧艱深、結構磅礡宏偉,是一部充滿戲劇性色彩豐富的作品,詮釋者須賦予令人驚豔的鮮活色彩並將其戲劇性彈奏出來。

0:00 Sinfonia

2:38 Introduzione

4:19 Dell'aura tua profetica

7:53 Deh non volerli vittime

9:03 Qual cor tradisti

11:48 Commosso è già

13:23 Guerra guerra

15:15 Mashup between Dell'aura tua profetica (4:19) and Commosso è già (11:48)

https://www.youtube.com/watch?v=XEkDsUrmFC4

 


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【BON音樂】淺談蕭頌:《詩曲》 - E. Chausson: Poème, Op. 25

【BON音樂】淺談蕭頌:《詩曲》op.25
About E. Chausson: Poème, Op. 25

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法國作曲家:蕭頌

蕭頌(Amédée-Ernest Chausson, 1855 – 1899)

 

ㄧ、生平

(一)出生背景與早期教育

蕭頌(Amédée-Ernest Chausson)於 1855 年出生在巴黎,父親是一位富裕的承包商,母親的具體情況在現有資料中未詳細提及。1876 年,肖松獲得了法律學位,但他真正熱愛的是音樂。這表明他在早年接受了良好的教育,具備一定的學術素養,同時也展現出他對音樂的執著追求。後來他進入巴黎音樂學院學習,先師從馬斯奈,後又跟隨法蘭克學習音樂。

(二)音樂之旅與藝術影響

在 1879 年至 1883 年間,肖松多次前往拜魯特,在那裡他成為了一名熱情的華格納主義者。這段經歷對他的音樂創作產生了深遠的影響,他的作品中開始融入華格納的音樂元素。1886 年,他擔任了法國國家音樂協會的秘書,直至去世。在這個職位上,他積極推動法國音樂的發展,與眾多藝術家建立了密切的聯繫。蕭頌和他的妻子珍妮維持著一個活躍的沙龍,吸引了許多來自各個藝術領域的傑出人物,其中他與年輕的克洛德・德彪西建立了尤為親密的關係。

(三)家庭生活與創作困境

蕭頌的家庭生活幸福,他和妻子共育有五個孩子,生活環境舒適。然而,作為一名作曲家,他卻備受自我懷疑的困擾。他一直努力以盡可能多的情感真誠和令人滿意的藝術性來表達自己的感受,但總是覺得自己「在看到我所能做的與我想做的、與我似乎在腦海中聽到的相差如此之遠時,會憤怒地爆發」(引自 1884 年的一封信)。朋友們將他音樂中的憂鬱歸因於他對「更好」的執著追求,這種追求被文森特・丹第稱為對他人痛苦的深刻同情,以及對批評家可能僅僅將他視為模仿弗蘭克和瓦格納的富有業餘愛好者的深深擔憂。事實上,許多批評家確實如此評價他。盡管存在這些不安全因素,肖松仍然創作了許多傑出的室內樂和管弦樂作品、大量的藝術歌曲以及一部歌劇《亞瑟王》。

二、音樂風格與創作特點

(一)風格演變與時期劃分

在法國音樂史上,肖松的作品在塞薩爾・弗蘭克的後期浪漫主義和克洛德・德彪西的早期印象主義之間起到了連接作用。關於肖松創作遺產的時期劃分,有學者進行了深入研究。可以將他的創作分為三個時期:早期(1877 - 1886),這個時期受到朱爾斯・馬斯內、塞薩爾・弗蘭克和理查德・瓦格納的後期浪漫主義影響明顯;中期(1886 - 1889),為混合時期,呈現出後期浪漫主義和印象主義特徵的相互作用;最後是(1889 - 1899)的末期,這個階段作曲家形成了自己的個人風格。這樣的時期劃分有助於更清晰地理解肖松的創作演變,也有助於音樂表演者更好地理解他的作品。

(二)作品特點與影響因素

肖松的作品以其旋律和主題的創新性而著稱。他的音樂在歷史和風格上巧妙地介於法蘭克和德布西之間,盡管他的本意是完全擺脫他們以及丹第的影響,回歸到貝多芬的音樂風格。這種追求促使他的音樂在創作上進行了根本性的簡化,並遵循傳統形式。例如,他在創作弦樂四重奏(1899)時,在他意外去世後,丹第為最後一個樂章添加了一個小尾聲。這部作品體現了他在旋律和主題創作方面的卓越才能。

三、歷史地位與評價

(一)同代人評價

蕭頌的學生古斯塔夫・薩馬澤伊寫道,肖松「將在法國音樂史上佔據顯赫地位,這是對他一生致力於美好、工作和理想的公正回報」。皮埃爾・路易在給蕭頌夫人的慰問信中也高度評價了蕭頌,稱「從來沒有一個更優秀的人…… 每次我都被他…… 每一個姿態中散發出來的令人欽佩的善意所打動。在他生命的每一刻,他都覺得有必要給人們帶來幸福。每個人都愛他」。

(二)後世影響

雖然蕭頌可能不如德布西那樣聞名於整個世界,但他對法國音樂的貢獻功不可沒。他既承擔了傳承和紐帶的角色,又大大推進了法國音樂風格和潮流的發展。從法蘭克到德布西這近一百年的法國音樂歷史中,蕭頌的作品在法國音樂史上具有重要地位。

 

好文分享

《完美詩曲的掌聲》

文.Zoe 佐依子

今年是俄羅斯作家屠格涅夫兩百年(Ivan Turgeney, 1818 - 1883)的冥誕,這位與托爾斯泰同一時期的文豪,長時間地為愛情走天涯,幾乎大半輩子都住在巴黎(他在巴黎近郊過世)。他二十七歲那年,就因為聽到一個無法忘懷的歌聲,他找到了一生的最愛,他們的戀愛故事到現在仍像文學小說般的朦朧夢幻。還好他們是生在那個特別的時代與城市,出生在不用擔憂經濟的家庭,與各自活躍在自己的藝術專長領域裡。

屠格涅夫有著傲人的著作,然而,他個人的戀愛故事也讓音樂家為他寫下了一首在音樂史裡被稱為最完美的曲子:給小提琴的詩曲(Poeme)。這位作曲家是屠格涅夫與情人的好友,他的父親是負責當時巴黎都市更新的建商,富有到不行,然而這位獨生子卻只想作曲,全身的細胞都是天才,但是個性內向,又慢工出細活,這首詩曲在他四十二歲時在巴黎首演,是他一生中作品得到最多掌聲的一次。過了兩年,他在一次腳踏車意外過世,他的名字叫蕭頌(Ernest Chausson, 1855 - 1899)。

蕭頌在大學學的是法律,他也擔任當時剛成立沒多久的法國音樂協會秘書。他作品很少,跟好友德布西比起來常讓他信心缺缺,但他從未停止作曲,只是速度很慢。

他喜歡穿梭在幾個巴黎特定的藝文沙龍,當時最著名的莫過於女中音菲亞多(Pauline Viardot, 1921 - 1911)為主人的聚會。

菲亞多夫人就是讓屠格涅夫愛一輩子的女性,不但是女中音也是作曲家,她最好的朋友是作家喬治桑(George Sand, 1804 - 1876),與蕭邦(Frederic Chopin, 1810 - 1849),還有德國的克拉拉舒曼(Clara Schumann, 1819 - 1896)。每次克拉拉到巴黎表演,她倆就像是一對姊妹般有著說不完的話,蕭邦寫的歌曲都是為菲亞多夫人量身訂做的,可以想像菲亞多夫人在當時是一位人人敬佩的音樂家。她未婚時,有許多人追求她,但一位比他年長二十二歲的劇場經理兼小說家娶了她,讓她可以毫無後顧之憂地去發展她的音樂事業,她的名聲不是只有歐洲,在俄羅斯也是極受歡迎,屠格涅夫就是這樣被她迷上,甚至將他以前跟家中女傭生的女兒送到巴黎讓菲亞多夫人來教養。有一天,當這位小女孩中學畢業時,屠格涅夫到學校去看她,她彈了一首貝多芬奏鳴曲給父親聽,屠格涅夫都流淚了,他沒想到菲亞多將她教育得這麼好。

但別忘了,菲亞多夫人已婚而且有小孩,有趣也令我們難以想像的是:菲亞多先生並不介意屠格涅夫與自己太太的戀情,反而說:

「不如你就住跟我們一起好了。」所以這種「三人行」的戀情讓屠格涅夫寫了一部小小說:《勝利的愛情詩曲》。

故事發生在文藝復興時期的翡冷翠,住了一位畫家與音樂家,他倆人是無話不說的好友,他們同時都愛上了一位美麗的女孩,但女孩最後選了畫家,音樂家默默地離開到東方去流浪。過了四年之後,女孩與畫家都膝下無子,然而音樂家回來了,帶來了東方的稀世珍寶還有一把小提琴。

在歡迎會的晚上音樂家以這把琴演奏了一首極有異國情調的熱情樂曲,這首樂曲的旋律似乎能將人弄得意亂情迷,晚上不停地做夢。這樣連續了幾天,音樂家覺得打擾太久必須離開,但他的琴聲卻已經在這對好友夫妻身上似乎下了咒語,於是畫家與音樂家差點爭執出了事,但是最後還好相安無事。音樂家離開了,而美麗的女孩腦海裡還是那首揮之不去的詩曲,而且也發現,她的身體裡起了變化…

這篇小小說讓蕭頌想起到菲亞多夫人家時看到的種種畫面,其實那時還有一位年輕作曲家也是因為三角戀愛而受到挫折,那就是佛瑞(Gabriel Faure, 1845 - 1924),他當時愛上了菲亞多夫人的女兒,然而五年的戀情竟然愛人移情別戀,這也是蕭頌親自目睹的戀愛故事。於是文學加上兩段活生生的三角戀愛,讓蕭頌醞釀出這樣一首像排山倒海般的驚人之作。

這首小提琴曲一開始是非常弱的小提琴獨奏,樂團加進來之後像是戀人對話一般,漸漸地天雷勾動地火,燃燒到最高點,最後回到原點... 全曲就像一首敘事詩真摯又人,難怪被稱為最完美的樂曲。

但別忘了,這首完美的詩曲是來自這群多情種子開的花朵,只是化成音符的花朵,將永不凋謝…(本文作者為比利時國際伊莉莎白聲樂大賽得獎者、美國茱莉亞音樂學院碩士)
屠格涅夫(Ivan Turgeney, 1818 - 1883)

 

蕭頌:詩曲介紹

蕭頌寫作《詩曲》,是應小提琴演奏家尤金‧易沙意(Eugène Ysaÿe)之小提琴協奏曲委託請求而寫。

開始構思之後,蕭頌覺得自己無法勝任協奏曲的譜寫,於是他寫信給易沙意:「我幾乎不知道從哪裡開始創作協奏曲,這是一項艱鉅的任務,是魔鬼自己的任務,但我可以應付較短的作品...」(I hardly know where to begin with a concerto, which is a huge undertaking, the devil's own task. But I can cope with a shorter work. It will be in very free form with several passages in which the violin plays alone)

接下來,蕭頌於 1896 年 4 月份開始寫作這首詩曲,並於 6 月 29 日於義意大利佛羅倫斯度假時終於完成。

前前後後,《詩曲》共有寫了三個不同版本的:與管弦樂團合作版本;鋼琴伴奏版本(後來由其他人重寫);後來發現的小提琴、弦樂四重奏和鋼琴版本,是他於1892年為鋼琴、小提琴和弦樂四重奏音樂會之同時期作品(1892)。

這些版本的小提琴獨奏部分,除了一個小細節外都是相同的(維基百科)。

《詩曲》主要架構為降E大調,曲長約16分鐘。

最終樂曲題獻給尤金‧易沙意,而易沙意也在樂曲完成後演出此曲。

 

重要段落與主題介紹

三段體結構

  1. Lento e misterioso
  2. Animato
  3. Finale

1:40 violin 1st entrance

3:42 violin 2nd entrance

https://www.youtube.com/watch?v=hthuKnNMbbE

 

重要音樂動機分析:

序奏(0:00)

 

 

第一主題(1:41)

 

 

第二主題(5:41)

 

 

第三主題(6:49)

 

 

Animato(8:40)

 

 

Poco lento(10:18)

 

 

Allegro(12:51)

 

 

Finale(15:06起)


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【BON音樂】專題演講:藝起來推動藝術 - 《談電影.說電影.看電影》~聊電影配樂之功能

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Music Lecture of Movie Music

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講座簡介:

《談電影.說電影.看電影》將由台灣蹦藝術協會理事長林仁斌老師從電影配樂為主題,為您解說電影配樂的作曲方法與角色呼應的方式;而現代配樂技巧更可與古典音樂中的作曲家華格納「主導動機」遙遙相望,透過林老師的精彩解析,讓您深入了解電影配樂創作之脈絡與手法,從此晉身為電影鑑賞家。

 

主講人:林仁斌老師

電影音樂的三大類型:

原創音樂(Original Music)

非原創音樂(Non Original Music)

來源音樂(Source Music)

 

電影《電影配樂傳奇》(Score)海報

 

 

在我們的心中 一切都有配樂!

回想我們每日的生活點滴,快樂時你唱些什麼旋律?憂傷時你想奢什麼音樂?面對每一種情緒,幾乎我們心中都有著屬於自己的配樂,只是需要時間與自己相處,慢慢衝新發覺這些美好的內心聲音~

 

快樂泉源 來自腦部

音樂的面向極其廣闊,也間接影響我們腦部活動很大。(26'44")

不同的音樂刺激腦部不同的地方:例如旋律類型的音樂,或是節奏速度相關類型的音樂,又會由不同的中樞系統接收;我們的身體則會對這些音樂做出反應(例如雞皮疙瘩等等身體自然反應)。而最有趣的是我們腦袋中名為「腹側紋狀體」以及「伏隔核」的地方,以功能上來說是人體的「獎賞中樞」。平常我們做出讓身體愉悅的事情(例如吃巧克力,或是性方面的愉悅)時,大腦的「獎賞中樞」會產生反應,分泌出「多巴胺」,給予人們愉快的感受。而相同的大腦反應,也會在我們聽音樂時出現~奇妙吧!

 

不一定每個人欣賞電影的過程中,都會百分百留意每一段音樂的出現與配樂者的處理;但不約而同地,我們幾乎都會對電影中的震撼場景、最感人之處留下深刻印象,其實...這往往是音樂在我們大腦裡所埋下的種子。(27'55")

 

你的眼球動得快嗎?

我們看一部90分鐘的電影,(30'52"),眼睛大約會動兩萬一千次,或甚至更多。

儘管我們以為自己可以控制要看什麼地方,但根據許多眼睛研究專家的研究顯示,其實我們觀賞影片時,眼睛經常看著螢幕上相同固定的地方。眼睛則需要被引導,才會開始看向畫面不同的地方,而這些「正確的引導」,音樂更是與影像相互合作,發揮了極大的作用。

 

舉例:上升的畫面,搭配上行音階之音樂;下降的畫面,搭配下行音階音樂。

 

談電影音樂三大類型:

ㄧ、原創音樂(Original Music)

電影《天外奇蹟》(UP)

 

當聽覺藝術與視覺藝術完美結合時,就是電影那一刻永遠停留的心跳聲。(30'52")                 

https://youtu.be/KrtoqIpQXkY


二、非原創音樂(Non Original Music)

在電影《第六感生死戀》中,引用了「正義兄弟合唱團」(The Righteous Brothers)1965年全美排行第4名的抒情經典歌曲《奔放的旋律》(Unchained Melody),詮釋男女主角跨越人鬼的戀情,當時讓者首老歌重新造成轟動。

https://youtu.be/soP0r6N7_2g

 

《遠離非洲》

(電影解說整理自網路與維基百科,並附超連結方便檢索)

遠離非洲》(英語:Out of Africa)是1985年出品的美國電影,導演是薛尼·波勒,主演勞勃·瑞福梅莉·史翠普和Klaus Maria Brandauer。

該片先後獲得過28個電影獎,其中包括奧斯卡金像獎的七項獎。

《遠離非洲》電影根據丹麥女作家凱倫畢斯的小說改編,故事的時空背景是1920年代的東非,故事的重心在於她在非洲的愛情遭遇與生活。曾經於非洲居住短暫的歲月中,有兩個男人對她影響很大,一個是她丈夫波爾,一個是她的情人丹尼斯。

波爾給了她承諾卻根本不想遵守,她從丈夫身上獲得的只是一紙婚姻證書、男爵夫人的名號以及差點要她命的梅毒;丹尼斯從不給她任何承諾,但是卻給了真愛、自由以及如何以更寬廣的眼光來看這個世界。

 

遠離非洲-Out of Africa

內容描寫文字非常動人,取自張晚Youtube影片

丹麥優渥家庭出身的凱倫,
操煩即將晉升為大齡剩女,

決意完成一場財富與名銜的交易婚姻,
下嫁予同溫層友朋瑞典布列克森男爵。

兩人連袂遠赴非洲
開拓新事業與新生活。

不過,她顯然缺乏管理長才,

她的丈夫則更樂於追逐其他異性或是動物,

經營婚姻與經營咖啡園
都注定將付之一炬以失敗告終。

唯一留下記憶的只有那塊
廣袤、無垠的沉睡大陸

以及在土地上奔疾馳聘的一個身影。

他叫丹尼斯,熱愛打獵和莫札特,

他曾允諾:總有一天要帶她比翼飛行。

那個允諾,很快便實現⋯⋯

而關於這一段翱翔的往事,
將由我用贅筆再謄寫一遍。

雙翼飛機像隻炫耀的大黃蜂,
嗡嗡嘈嘈地降落。

彷彿孩子發現隱匿的禮物,
她忍不住興奮地打聽:
『你在哪買下了它?』
『蒙巴沙!』

他扶她登機,
她又質疑地轉身詢問:
『你幾時學會了飛行?』
『昨天!』
簡單的答案,
讓她來不及回神地吃驚。

唯在起飛的瞬間,
她因涉險而害怕的表情,

迅即為好奇的快樂取代。

大黃蜂鬧哄哄地冉冉上昇,

由單簧管鄭重而神秘的低音
為他們的巡禮揭開序曲。

溯流前往,兩岸蔥蘢羅列的
是向大自然致敬的植被隊伍。

塔納河猶如巨蠎蜿蜒,
緩緩蠕動的碧鱗在烈日下光燦閃耀。

他們穿越山顛,遙見瀑布水從天來。

那是太白『飛流直下三千尺,
疑是銀河落九天。』的寫照。

他們滑入荒野,俯瞰草原一望無際。

那是謫仙『山隨平野盡,
江入大荒流。』的境界。

他們不懂,只能在背景裡
用聖樂般的和弦讚美造物。

他們在東非大地塹的懸崖邊緣翻騰嬉戲,

在阿伯德爾草原上,
依循動物遷徙的路線,
他們與萬蹄撼動的羚羊長跑。

繞過背蔭的幽谷。

在納古魯湖心,
探訪水鳥生養的棲所,
他們與千羽幻化的火鶴共舞。

終於,早已蓄勢待發的眾聲齊鳴,
雍容、優雅的主旋律響徹晴空。

他們面迎驕陽,
他們直上凌霄。

在天地悠悠之間,
澎湃、洶湧的心情讓她泫然欲泣。

她把手揚起,託付給他,

她要他緊緊地握住,
在死生契闊之間。

穿透亂雲堆雪的層層迷障,

此際,樂曲停歇,大音希聲。
唯獨恍若天籟的風吹相送。

他們正無念無悔地飛向
自己的天堂。

在電影中,

他迷上她
天馬行空的奇幻故事,
也害怕講述故事的她之需索羈絆;

她戀上他,
豹隱淡泊的直覺本能,
也恐懼如許本能的他之自由來去。

結局是:答應替凱倫送行的丹尼斯
用飛機失事做了永別。

這樣地安排
其實蠻好!

酷嗜狩獵的他,
埋骨高坡,獅子一般俯視著他的莽莽草原;

愛說故事的她,
賦歸原鄉,青鳥似地詠嘆著她的文學篇章。

https://youtu.be/qHByIVrrkDo

 

莫札特《豎笛協奏曲》

https://youtu.be/8muh5tvnCC0

 

隨著莫札特的音樂起飛.空瞰非洲之壯麗

片中最浪漫感人的一幕是丹尼斯駕著飛機載著凱倫在非洲大草原上翱翔,這場戲不僅是《遠離非洲》電影最浪漫之橋段,亦讓觀眾帶著浪漫愉悅的心情欣賞非洲草原遼闊的自然美景。

https://youtu.be/sPIAtkd3Wpk

 

而約翰貝瑞的配樂裡,除了自己的創作之外,中協調地引用了莫札特的《單簧管協奏曲》的慢板部分,古今結合,深情悠遠,烘托出影片再現女主角陳年往事的懷舊氣氛。《遠離非洲》的配樂音樂2005年被列入《AFI百年百大電影配樂》,被譽為美國電影音樂作品的經典。

https://youtu.be/zTzZiqv4vw0

 

火紅韓劇《魷魚遊戲》配樂

起床音樂:海頓降E大調小號協奏曲第三樂章

https://youtu.be/aT_ZPsoSRXc

 

集合音樂:小約翰.史特勞斯:《藍色多瑙河》

https://youtu.be/3c27hYHxCaQ

 


 

三、來源音樂(Source Music)

「來源音樂」(Source Music)用在劇情中出現真正聲音來源,必須取信於觀眾時。因此主要為寫實,聲音均出自電影演員或現場。

電影《海上鋼琴師》(1900)中的錄音片段,既是「原創音樂」,也是「來源音樂」,因此份外動人:

https://youtu.be/MUIgReYNMac

 

電影《海上鋼琴師》(1900)經典的海上鬥琴片段:

https://www.youtube.com/watch?v=5USKFpk2E3Y&t=64s

 

電影《第五元素》

藍色橡皮外星人登場,看似突兀,但一開口就是美聲:歌曲前半段詠嘆調,改編自由義大利美聲歌劇作家董尼采第(Gaetano Donizetti)原創的美聲歌劇《拉美默的露琪亞》(Lucia di Lammermoor)第 3 幕第 2 場 之「瘋狂場景」:《艾德卡爾多!那柔和的聲音》(Oh, giusto cielo!…Il dolce suono),後半段則以誇張不可思議之音域,重現人類不可能達到之「夢幻花腔」,堪稱影史經典:

https://youtu.be/a7Dh5QoXv2c

 

電影《英倫情人》(The English Patient)

茱麗葉畢諾許發現了一架廢墟裡的斷腳鋼琴,但她開心地彈起巴赫《郭德堡變奏曲》中的音樂,讓我們對於電影中的實境有了鮮明的感受,更加融入劇中的人物情境與劇情:

https://youtu.be/JP2qaeja6bM

 


20世紀精彩的電影配樂,多數都是主導動機思維之下所創作的精彩音樂

《哈利波特》電影主題

威翰威廉斯指揮維也納愛樂 | 慕特小提琴獨奏

 

永恆經典.星戰主題

 

約翰.威廉斯「借來」的音樂動機XD~

https://www.youtube.com/watch?v=JtRU8cMp0Nk

 

冒險英雄.印第安納瓊斯

 

哈里遜福特致詞讚美約翰威廉斯

 

大導演史帝芬史匹伯(Steven Allan Spielberg, b. 1946)曾經說過:「音樂是電影的一半。」,這句話完全深深打動我。

 

電影《辛德勒的名單》最後片段

眾人為了感念辛德勒為拯救猶太人所做的一切,用僅存的資源(連假牙的黃金都挖出來了)打造了一枚戒指感謝他。而自知戰後可能背負戰亂罪行的辛德勒,不得不離開,與眾人依依不捨前地離別。臨行前,已經從事太多善舉的他,仍然想著自己做得不夠,讓許多人紅了眼眶…

 

各位想想,如果再回頭讓大家看沒有聲音的畫面,您會有多少感動呢?


 

隨著電影工業進入21世紀,電腦特效越來越強和,觀眾也期待越來越精彩好看的電影,甚至是出類拔萃的聲光體驗效果,我們一起看看現代的電影配樂,到底如何進化?

神鬼奇航 - 電影精彩片段

https://www.youtube.com/watch?v=U6sxWegTa9Y

 

現代多層次配樂之最佳示範

https://www.youtube.com/watch?v=wTxntXjM4oE

 

改編為管弦樂團版本 配樂欣賞

https://www.youtube.com/watch?v=jtGUQFky0KI

 

這位現代電音天才,是誰呢?

電影配樂作曲家.漢斯季默

 

→漢斯·季默

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

漢斯·季默(Hans Zimmer)1957年9月12日出生於德國法蘭克福,音樂家、電影配樂家、作曲家,擅長電影配樂作曲與音樂製作,熱愛電子吉他。

三歲時開始學習小提琴。六歲時,父親去世,漢斯季默在音樂中找到寄託,並立志成為一名作曲家。

共獲得8次奧斯卡獎提名、1次獲獎,6次葛萊美獎提名、3次獲獎,8次金球獎提名、2次獲獎、2次安妮獎提名及一座全美音樂獎和一座東尼獎。

漢斯季默早年的職業生涯都在英國發展,他也曾經是夢工廠負責人之一,他擅長融合電子音樂和傳統恢宏的交響樂,讓管弦樂團與電子音樂效果混合,利用重新編曲,結合成各種全新音色

 

【補充資料】

漢斯季默自述心路歷程

https://youtu.be/V9ssA3Hj_4k

 

「從六歲開始,音樂就成為了我的精神避難所。」

後來,漢斯·季默隨全家移居到了英國倫敦,他在那裡度過了自己的青少年時期,並沒有接受過正規音樂教育的他憑藉興趣與天賦,在16歲那一年成為了一名電子音樂工程師。

 

​80年代開始,漢斯·季默結束了為樂團混音的工作,也結束了在歐洲四處輾轉的生活,開始正式涉足電影配樂的領域,與當時著名的古典配樂前輩斯坦利梅爾斯合作,迸發了將現代電子音樂與古典交響樂結合的想法。

 

漢斯季默擅長高節奏性、高戲劇張力的配樂,擁有非常多的電影樂迷,在好萊塢也有一定的影響力,並多次獲獎。

 

漢斯·季默,以這種打破常規的嘗試改變了好萊塢傳統的電影配樂模式,他以自己標誌性的風格迅速在好萊塢站穩了腳跟——恢宏的交響樂、張弛有度的節奏、細膩豐富的曲式以及對聽眾心理的揣摩,這都是他金字招牌下的獨門利器。

自1988年的《雨人》首次入圍奧斯卡最佳電影配樂獎,之後再以《愛在心裡口難開》、《紅色警戒》、《埃及王子》、以及《神鬼戰士》等作品多次入圍奧斯卡與金球獎,並在1995年以動畫電影《獅子王》獲得最佳電影配樂獎。

 

自此開始,他邁入第一流金獎配樂作曲家。

 

後續至今精彩配樂作品還有:《蝙蝠俠大戰超人:正義黎明》、《超人:鋼鐵之軀》、《大偵探福爾摩斯 》、《蝙蝠俠:黑暗騎士》、 《加勒比海盜:世界的盡頭》、《超凡蜘蛛俠2》、《功夫熊貓3》、《神力女超人》、《神力女超人 1984》等等,可說是一人之力撐起好萊塢電影半邊天。

 

 

【神力女超人】電影出場配樂

https://www.youtube.com/watch?v=F9VfmuDnOXU

 

主題樂譜分享

蹦藝術林仁斌製譜

 

【蝙蝠俠:黑暗騎士】配樂欣賞

https://youtu.be/EPFNS95nWI0

 

蝙蝠俠配樂製作特色(4'35"

https://youtu.be/EaycnGC811w?t=277

 

全面啟動》(電影介紹

 

星際效應》(電影介紹

https://www.youtube.com/watch?v=Qo7DfB-mj98

 

為什麼《星際效應》的配樂,你一聽就想哭?

https://www.youtube.com/watch?v=aN53Va60sY8


《捍衛戰士:獨行俠》配樂

這配樂一下去,既懷舊又新潮,實在太銷魂

https://www.youtube.com/watch?v=5zq7ujKwuRY

 

《捍衛戰士:獨行俠》從片頭聽配樂與影像的結合

SR-72 Darkstar hypersonic aircraft flying Maverick Opening scene(Top Gun Maverick 2022 IMAX 4k 6CH)

https://www.youtube.com/watch?v=NRD0DWhSYlY

 

錄音場景重現

https://www.youtube.com/watch?v=vxakLNOWzgI

 

《捍衛戰士:獨行俠》4K最佳場景


《沙丘》❤️❤️❤️

也許在未來,我們不會有正規節拍

也許我們人類會終於有所進化

讓我們不需要迪斯可節奏就可以自得其樂

可能會是某種各先進的東西...

-  漢斯季默

 

《沙丘》獨特的聲音來源

自製鼓聲、壓縮人聲、異國風格、合成樂器

「我的挑戰是,不要當個成年人!」

https://www.youtube.com/watch?v=cZIQWts438o

 

漢斯季默 - 《沙丘》配樂現場Live'

https://www.youtube.com/watch?v=_j5GgGdSwjE

 

超人氣《沙丘》第二部 作曲家全解析

https://www.youtube.com/watch?v=CNrGLae-xdI

 

https://www.youtube.com/watch?v=seNRaMbMEl8


丹尼爾克雷格 - 最後的007

在漢斯季默筆下,龐德成為了孤單而高貴的情報員

https://www.youtube.com/watch?v=r8KXfWmeYCU


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【BON旅行】遊記:世界最美舞台:世界最美舞台~湖、山、天,完美融為一體的布雷根茨歌劇體驗

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A Music lecture of Bregenzer Festspiele

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蹦藝術X緣點旅行社 = 「Bon Voyage」❤️

本次重點行程

 

主講人:林仁斌老師

林仁斌 - 長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家

旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過兩百場;為國家交響樂團、長榮交響樂團、台北市立交響樂團與國家兩廳院、衛武營國家藝術文化中心、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

 

每年夏日的奧地利布雷根茨音樂節(Bregenzer Festspiele),由於博登湖畔的「Seebühne」浮動的特殊設計,成為暑全球歌劇演出的「最夢幻舞台」~舞台設計除了要美、能吸引全世界觀眾們慕名前來,更要能抗日曬雨淋,經得起各種天候考驗。

今年的全新劇目,是開創德語浪漫歌劇的 - 韋伯《魔彈射手》,導演菲利普.史托澤爾(Philipp Stölzl)要如何將歌劇裡的狼谷森林搬至湖上舞台?令人倍感期待

蹦藝術林仁斌老師為所有朋友們帶來之精彩實況報導,一起見識湖上歌劇夢幻場景~您不可錯過~

 

2024《魔彈射手》形象影片

https://www.youtube.com/watch?v=stdh0MH3A8E

 

2023年的《蝴蝶夫人》報導

 

《蝴蝶夫人》精美劇照

2022年,Seebühne上演義大利歌劇大師普契尼(Giacomo Puccini)名作《蝴蝶夫人》,佈景設計師Michael Levine以一幅巨大、古老的日式捲軸,為這齣首度在布雷根茨上演的經典歌劇,打造貼合其情節故事的震撼舞台。

 

https://www.youtube.com/watch?v=ozIiwpe5LpA

 

2021年《弄臣》

https://www.youtube.com/watch?v=1jvNwrdtD1s


最新出爐之音樂節現場觀眾回饋影片


【蹦藝術精彩萬分又曲折的後台導覽】

我們特別與布列根茨音樂節預約了專屬的後台導覽,在下午午餐後,我們來到場館,大家都興奮得不得了~

 

開始我們的舞台導覽

 

進入舞台區解說今年舞台佈景的特色

 

講著講著,突然間「春天後母心」(原來在奧地利,夏天也是後母心),下起了超級誇張的龐陀大雨,甚至打雷,因此我們五法上舞台實際去走狼谷森林,哭哭...

 

[補上雷雨影片]

 

博登湖夕陽.美景處處

我們結束白天的舞台後台參訪,漫步在布列根茨街頭,悠閒舒適,到處都有《魔彈射手》的旗幟飛揚著~

 

 

來張街頭散步帥照,是必須的

 

結果...遇見比我還帥100倍的猛男XD,騎著腳踏車迎面而來,直接把我K.O.

 

結束在附近的餐廳晚餐之後,迎著夕陽,慢慢走回到歌劇音樂節現場,路途間的博登湖,實在太美,大家紛紛在此拍照留念

 

 

 

夕陽西下.抵達布列根茨

回到音樂節現場,準備入場,現場人潮洶湧~

 

用慢快門拍攝入口流動的人潮

 

 

歌劇入場票券位置各有不同(A,B,C,D,E,F,G...)

 

歌劇入場前的節目單販售處

 

印製精美的節目單、明信片與紀念品等等

 

來到我們的中央座位區,準備入場囉~

 

看到現場導引座位的可愛奧地利妹妹,當然要一起合照囉~

 

在我後方的,便是這次的主舞台~狼谷森林與純樸村莊的夢幻場景

 

歌劇準備開場前的觀眾入場,一萬多人的觀眾席,真的需要時間慢慢消化

 

隨著天色漸漸變晚,座位區也全部滿座,幾乎全場都在用手機拍照,記錄這一刻雀躍的心情

 

雖然大家都坐在同一區域,在要聯合拍照真的很難,只能個別發揮創意了

 

 


迷人的水上歌劇~世界最美舞台

湖畔距離音樂節場館不遠處的咖啡廳,也是絕美景點

 

 

男服務生版本

 

美麗女生版本

 

2024-2025專屬劇碼《魔彈射手》

今年的全新劇目,是開創德語浪漫歌劇的 - 韋伯《魔彈射手》,導演菲利普.史托澤爾(Philipp Stölzl)將歌劇裡的狼谷森林、純樸農民聚落搬至湖上舞台~

https://www.youtube.com/watch?v=stdh0MH3A8E

 

舞台與觀眾距離再次拉近(歷年最近),讓所有現場觀眾在觀劇時,充分體驗世界最美歌劇舞台魅力!(拍攝於下午龐陀大雨中,所以一人獨享整個布列根茨絕美舞台...)


現場坐在觀眾席的絕美體驗

布列根茨 - 世界最美歌劇舞台,當之無愧

 

先從欣賞過後的感想談起:

這張照片是晚間20:58,開演前夕陽西下,我坐在觀眾席位置,用相機拍下30張照片後,再用電腦後製「拼圖」而成的全景照

湖、山、天,此時顏色融為一體,每隔幾分鐘的色彩、光影也都不同現場看真的美極了😘

依傍著博登湖(Bodensee),有著戶外寬闊優勢與絕佳天然美景的布列根茨湖上歌劇音樂節,昨晚全場的滿座再次征服了現場滿足的超過一萬名觀眾(共11735席!!!)

導演兼舞台設計史托澤(Philippe Stözl)前幾年於此設計的威爾第《弄臣》歌劇大獲好評之後,今年更加大膽的將《魔彈射手》舞台場景降低高度並拉近到觀眾眼前;他將故事的純樸鄉村與魔幻狼谷,透過燈光、煙霧、水景、音效、投影等等出神入化的變化,充分運用廣闊場地的優勢,將舞台景深上至高台,中至森林小屋,下至水底,完全將歌劇欣賞提升為與劇場體驗完美結合的絕妙現場感受

看歌劇=「欣賞歌劇=聽懂音樂+看懂製作」

歌劇,就是「唱歌加戲劇」,也是「歌唱與劇場完整結合之後」而呈現的最高藝術,昨晚觀賞之後的滿足心靈感受,就是最好的證明~

欣賞完歌劇回到飯店,剛好午夜12點~經過一夜速速好眠,昨晚感受依舊鮮明

今年的音樂節僅剩下最後三場演出,也是場場完售全滿

我想,絕對會有越來越多愛好者,願意千里迢迢來到此地,追求全新的歌劇欣賞體驗~(寫於2024.8.15.凌晨)

布列根茨歌劇節地緣關係一覽:

 

縮小地圖,看鄰近大城與國家

 

 

進入魔彈射手的世界~

三分鐘認識歌劇《魔彈射手》

歌劇基本資料

作曲 卡爾‧馬利亞‧馮‧韋伯(1786-1826)
劇本 弗里德里希‧金德(1768-1843)
原著 奧古斯特‧阿貝爾(1771-1816)
出處 德國鬼故事集《幽靈之書》(Gespensterbuch)第一卷第一個故事(1810年出版)
首演 柏林皇家戲劇院(Königliches Schauspielhaus)1919年改稱普魯士國家劇院(Preußisches Staatstheater),1984年起改稱柏林音樂廳(Konzerthaus Berlin)

 

2023年5.30. 筆者到此一遊,剛好留下柏林音樂廳又正在整修中的見證~

 

對了~1990年代柏林愛樂廳重新整修時,此廳亦曾是柏林愛樂的駐廳。也因此1992年傑利畢達克應邀回到柏林愛樂指揮的布魯克納第七號交響曲,最經典的紀錄片,便是在此音樂廳演出/錄製。

 

【BON音樂】歷史一刻!《傑利畢達克光榮凱旋指揮柏林愛樂紀錄片》介紹

https://bonart.com.tw/sergiu-celibidache/


 

德國浪漫主義歌劇首部曲

過去時代的魔鬼、魔法、迷信.苦樂參半而令人心碎的浪漫故事

在莫札特《魔笛》(1791)與貝多芬《費黛里奧》(1814)兩部德語歌劇鉅作之後,時任德勒斯登宮廷樂長的作曲家韋伯耗費三年時間細細創作,終在1820年完成歌劇《魔彈射手》。

 

三大早期德語歌劇比較圖表:

  莫札特《魔笛》 貝多芬《費黛里奧》 韋伯《魔彈射手》
語言 德語歌唱劇 德語歌劇
具有歌唱劇特徵
德語歌唱劇
年份 1791 1814 1820
幕景設計 兩幕19景 首演時為三幕

後改為兩幕

三幕16景

 

在長期強勢的義大利歌劇、法國歌劇高壓夾擊下,韋伯《魔彈射手》於1821年柏林首演問世,一時間大受歡迎。

1821年6月18日在柏林首演之後,一年間《魔彈射手》連續上演超過50場,緊接其後於維也納、德勒斯登、萊比錫、漢堡、慕尼黑、布拉格、拉脫維亞里加、丹麥哥本哈根等主要城市連續不斷演出,獲得極大的迴響,更在1824年至1825年間陸續迎來倫敦、巴黎及美國等地的首演,是韋伯生平最重要的歌劇創作,更是浪漫初期最具代表性且無與倫比的歌劇作品。

在《魔彈射手》中,韋伯寫出許多經典名曲,並且以精彩的管弦樂法生動地描繪出舞台上不可思議的魔幻世界:

自然生態的農民淳樸,以法國號代表,而不可思議的超自然元素,則以出神入化的半音階展現,讓觀眾們在觀劇時體驗到這兩大元素的對比之美。

同時,這所有德國人最熟悉的故事集,女主角阿嘉特是否會死在心愛之人因貪念所獲取的魔彈之下?該如何呈現會轉彎、百發百中的魔彈?魔鬼薩米爾只是單純的說書人?還是具有通天本領的撒旦?

這些都是觀賞本劇時的觀察重點。

 

劃時代的歷史地位

《魔彈射手》的序曲非常知名,經常在音樂會中單獨演奏,最大特色有二:

 

其一,單純中央C.最美

歌劇幕起,《魔彈射手》序曲將響起韋伯最單純樸實的「C」長音,這單純中央C,似乎揭示了浪漫主義的年代自此最單純的音符而終於開啟而綻放;韋伯的「C長音」歌劇序曲與貝多芬的「C大調」第一號交響曲似乎所見相同,都具備著劃時代的意義。

《魔彈射手》的大獲成功,讓德國歌劇活躍於歐洲各大歌劇院,象徵著德語歌劇正超義趕法,自成一家之言而傲然於世;而首演之日正逢「滑鐵盧戰役」(1815)六週年(兩事件恰巧皆為6月18日),更讓這部德意志民族歌劇,無懼於當代義大利美聲與法國大歌劇之雄雄威勢,正式以三強之姿鼎立於歐洲歌劇院。

 

其二,韋伯才是真正的主導動機始祖

「主導動機」(Leitmotiv)一詞最初於德國,出現是當代德國音樂學者弗里德里希‧威廉‧詹斯(Friedrich Wilhelm Jaehns, 1809-1888)用來描述韋伯音樂的創作手法時所使用的專有名詞。詹斯是韋伯作品編年目錄最重要研究學者,對於韋伯隱伏使用歌劇中的角色動機與劇情暗示,是他創作音樂的拿手好戲,更是「主導動機」真正在歷史上使用的濫觴;未來崇拜韋伯的作曲家華格納,將在韋伯建立的基礎之上,更加發揚光大「主導動機」的創作改念,並提出「整體藝術」(Gesamtkunstwerk),終將德語歌劇提升至結合所有藝術總合之最高境界。

音樂學者們更一致認同韋伯《魔彈射手》的成功,除代表著德國「歌唱劇」(Singspiel)最成熟作品之外,更是史上第一部浪漫主義歌劇,其重要性與代表性,不言而喻。

所有的一切,都是如此單純而美好。

對了,前面我有提到,韋伯與莫札特是姻親嗎?

除了德勒斯登宮廷樂長的崇高身份之外,他還是莫札特之妻康斯坦茲‧韋伯 (Constanze Weber)的叔叔喔~

 

七顆子彈.一個詛咒

被魔鬼詛咒的最後一顆子彈,將飛往何處?誰又將殞命?

《魔彈射手》故事共有三幕,以德國民間流傳數世紀的百發百中的神奇魔彈與獵人故事作為主軸:

從序曲開始,韋伯以C大調長音最澄澈透明的音響效果,帶我們一步一步進入德國鬼故事集《幽靈之書》那帶有懸疑超自然色彩的故事世界~此時韋伯以四部法國號象徵主角獵人生活,也以民歌風格也勾勒出故事的所在地:純樸的波西米亞鄉村。

當邪惡魔鬼薩米耶(Samiel,口白者)主題出現時,弦樂的顫弓與小調的神秘色彩更讓音樂呈現出緊張未知之感;單簧管優美地呈現馬克斯(Max,男高音)與阿嘉特(Agathe,女高音)的愛情,在一連串象徵主角們受到的壓迫劇情後,音樂再次以亮麗的C大調象徵邪惡終於無法戰勝正義的基本信念,相信這除了當時民眾特別有感,對現代的觀眾們亦深有感觸。也因序曲本身架構完整,主題豐富且與歌劇劇情緊扣,經常由管弦樂團單獨於音樂會中安排演出,其來有自。

 

《魔彈射手》歌劇序曲

0:00 Adagio (C major)

3:41 Molto vivace (C minor)

https://www.youtube.com/watch?v=txAtjngr6dE

 

七顆子彈.一個詛咒

Costume designs by Stürmer for the roles of Samiel and Caspar in the opera Der Freischütz by Carl Maria von Weber, as presented in the original 1821 production at the Schauspielhaus, Berlin. (Wiki "Der Freischütz")

 

→中文維基《魔彈射手》網頁

 

六顆百發百中.第七顆將被愚弄...

被魔鬼詛咒的最後一顆子彈,將飛往何處?誰又將殞命?

 

歌劇登場人物

角色與相關訊息
聲音類型 首演:1821年6月18日
指揮: Carl Maria von Weber
奧多卡爾(領主/王子)

Ottokar, a sovereign prince

男中音

baritone

Gottlieb Rebenstein
庫諾(看林人)

Kuno, a hereditary forester

男低音

bass

Carl Wauer
阿嘉特(庫諾之女)

Agathe, his daughter

女高音

soprano

Caroline Seidler
安琴(阿嘉特的侍女/親戚)

Ännchen, a young relative

女高音

soprano

Johanna Eunike[b]
加斯巴(年輕獵人)

Caspar, first assistant forester

bass Heinrich Blume
馬克斯(年輕獵人/阿嘉特的未婚夫)

Max, second assistant forester

男高音

tenor

Heinrich Stümer[15]
薩米爾(魔鬼)

Samiel, the 'Black Huntsman'

口白演出

spoken

Joseph Hillebrand
隱士(受尊敬的長者)

Hermit

男低音

bass

Johann Georg Gern
基利安(富有的農夫)

Kilian, a wealthy peasant

男中音

baritone

August Wiedemann
四位伴娘

Four bridesmaids

女高音

soprano

Henriette Reinwald etc.
合唱團與演員:獵人、農夫、農女精靈、女侍者、等(Hunters, peasants, spirits, attendants)

 

基本資料

*本段分幕劇情取自維基百科《魔彈射手

在德國民間傳說裡面,魔彈射手指的是擁有神奇的魔彈、能夠百發百中的射手;這個類型的故事有著古老的起源,其講述的內容甚至可以回溯至人類伊始[1]。本劇共分三幕,實際的故事背景是三十年戰爭後,波西米亞某莊園主的領地。

 

《魔彈射手》完整歌劇與分幕段落影片🎵

 

本次舞台設計理念:三十年戰爭後的冬季困苦期

導演菲利普·斯托爾茨爾(Philipp Stölzl),也是本次舞台設計者,他的設計理念是將本次故事情節轉移到一個以三十年戰爭為標誌的村莊的荒涼、破碎、貧困和道德殘酷的冬季世界,而整個舞台更是一道完美的移動風景:

 

官方劇照

Fotorobe „Der Freischütz“
Bregenzer Festspiele
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第一幕

射擊比賽的首一輪賽事甫告結束,村民們在森林中的一間酒店為獲勝者慶祝,而不幸落敗的馬克斯(Max,男高音)背對著他們,沮喪地獨坐一旁。在狩獵活動仍然重要的社會中,獵人的射擊能力關乎一切,而奧圖卡(Ottokar)王子已許諾,傑出的獵人將得到「森林守護官」(德語:Erbförster)這個稱號。馬克斯今日的成績相當一般,甚至遜於鎮上名喚基利安(Kilian,即獲勝者)的普通小子,如果無法在明天的新一輪賽事中取勝,馬克斯不但與守護官稱號無緣,更將無法迎娶現任守護官庫諾(Kuno,男低音)的女兒阿加特(Agathe,女高音)。

 

酒店角落裡的另一個獵人卡斯帕(Kaspar,男中音)將馬克斯這晚的患得患失都看在眼裡──卡斯帕是一個將靈魂賣給魔鬼的壞獵人,事實上今日稍早正就是卡斯帕從中作梗,影響了馬克斯的發揮。卡斯帕和魔鬼薩米爾(Samiel,口白)的交易是有代價的,為了換回自己的陽壽,現在他正在尋找替死鬼,馬克斯的絕望正是絕好的機會。

 

庫諾及其他獵人都鼓勵馬克斯,但他的心中仍充滿了恐懼,他是那麼害怕第二天的到來。身後的人們歡欣熱鬧的跳舞唱歌,馬克斯卻沉溺於對往昔的回憶,曾經那一片從森林到森林的廣闊草原便是他的天地,當他的自由巡遊結束後,可愛的阿加特會滿面笑容的迎接他,而現在,他將失去這一切。此時,卡斯帕不懷好意地欺近來,一邊勸他喝酒,一邊向他講述一個有關「狼谷」(Wolfsschlucht)的傳說:

據說,薩米爾擁有一種能百發百中的魔彈。卡斯帕表示只要拿到魔彈,那明天的比賽將易如反掌,接著說今天晚上沒有月亮,正好適合打造魔彈,並約定午夜十二點的時候同去「狼谷」。起先馬克斯有點猶豫,但看到卡斯帕所展示的一顆魔彈神奇力量後,囿於絕望的馬克斯被說服了。

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第二幕

另一邊,阿加特與表妹安琴(Ännchen,女高音)正在家中,牆上的一幅老祖先的畫像突然落下來,碰傷了阿加特的前額。把這視為不祥徵兆的阿加特悶悶不樂,但快樂的安琴勸她勿要自尋煩惱。其實,阿加特的心中確有煩惱,今天森林中的一個隱士(男低音)告訴她,在她的身上將要發生可怕的事情,並送她一枝白色的薔薇花作為護身符,她只希望草原上那輕柔的微風能夠將她的祈禱吹上天,求神保佑。這時,馬克斯來了,他表示馬上要離開,並藉口說是要去「狼谷」獵一頭雄鹿。阿加特與安琴都阻止他,因為「狼谷」是傳說中的鬼魅出沒的地方,尤其是深夜。但馬克斯決意前往,可能失去愛人的恐懼令他軟弱、不相信自己的力量,他所有的希望都落在那神奇的魔彈上,他必須去。

 

場景一變,這晚外頭沒有月光,陰森荒涼的「狼谷」死氣沉沉,不知名的靈體四下喃喃。卡斯帕走進一片黑森林,他呼喚起魔鬼薩米爾的名字,要求用馬克斯的靈魂換回自己的,還要求七顆魔彈。薩米爾應允了六顆,興高采烈的卡斯帕奮力打造起魔彈來。然而,第七顆魔彈的去向是凡人無法控制的,它將會聽從魔鬼的操弄:這愚弄的報應若不是落在馬克斯身上,便是落在卡斯帕身上。

Klavierhauptprobe „Der Freischütz“
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馬克斯朝著狼谷出發,一路上他的心裡非常矛盾,恍惚間,他似乎看見了母親的亡魂來阻止他,但一想到第二天的比賽和阿加特,他又堅定的向前走去。馬克斯找到卡斯帕,卡斯帕正在對煉造魔彈的熊熊火焰祝福,妖魅的火光映在他的臉上十分可怕。隨著一顆顆魔彈從火中誕生,周圍就會發生不同的變化,忽而狂風暴雨、雷電交加,忽而妖魔鬼怪、磷光幽幽。最後,所有的魔彈造好了,卡斯帕瘋狂的笑起來,他一顆一顆數著,突然,魔鬼薩米爾出現(取走了因驚嚇過度而昏倒的馬克斯的靈魂)。

 

與魔鬼交易的鑄造魔彈場景

韋伯運用半音階、和聲之增減音程,每顆鑄彈動機與音樂都不同,創造出前所未見的陰森狼谷

 

製作魔彈場景.歌劇片段

https://youtu.be/rdUdnDpnqFQ?t=635

 

第三幕

第二天清晨,房間內的阿加特已經穿上新娘禮服,正哼唱著為馬克斯祈禱,她相信馬克斯一定能夠獲勝。雖然如此,她的內心深處還是感到不安,因為昨天晚上她做了一個惡夢,夢見她自己變成了一隻白鴿,被馬克斯的槍射中;醒轉後,阿加特的腳邊竟真的有一隻受傷的大鳥,她擔心這是一個不祥的預兆。安琴進來,看到阿加特愁容滿面便安慰她,說在新娘的臉上不需要憂傷的眼神,便給她唱了一首詼諧的歌曲。這時,一群村姑帶來了阿加特的花冠,並向她祝福。阿加特打開裝花冠的盒子,裡面裝的卻是一頂葬禮用的白色花冠,阿加特尖叫著將它扔在地上,周圍的姑娘也震驚的呆立著。一會兒後,阿加特恢復了鎮定,取出前晚神秘隱士送給她的白色薔薇花,安琴取來絲帶,將花編製成一頂新的花冠。阿加特帶上花冠,希望真的可以憑此度過一劫。

 

莊園內的林場,獵人們興致高昂的在等待比賽開始,對他們來講,這世上的事情要數打獵最快樂。馬克斯的六發子彈都已發射,結果百發百中。奧圖卡王子先是許諾了兩人的婚事,並頒布命令:馬克斯必須將剩餘的彈藥用盡,作為自己就職「守護官」的見證,而餘下的正是那第七顆彈藥──魔鬼的遊戲。孰料接下來的一切竟跟阿加特的夢境一模一樣:一隻白鴿飛過,馬克斯擎起槍瞄準,阿加特大聲呼叫阻止他。馬克斯的手一顫抖,子彈射向了躲藏在樹後的阿加特。在一片驚訝聲中,馬克斯急忙趕去照看阿加特,人們都以為馬克斯殺死了自己的新娘,為這悲慘的意外而哀悼。但不久,阿加特睜開了眼睛,她身上沒有一點傷痕,那是因為她頭上的花冠救了她一命。

卡斯帕在斷氣前發出詛咒的聲音──他詛咒魔鬼將自己惡意玩弄。

 

王子命屬下打理現場,而後轉向馬克斯,馬克斯道出了自己與魔鬼間的交易,王子憤怒地要將馬克斯驅逐。隱士突然出現,並說服了王子給馬克斯一年的時間改過自新,此外將彈藥用盡的「傳統」也就此廢去。王子同意了,馬克斯緊緊握住阿加特的手流著眼淚感謝上蒼,他發誓永遠不再背棄正義。(全劇終)

 

看歌劇 =「欣賞歌劇=聽懂音樂+看懂製作」

《魔彈射手》故事寓意

德國音樂與故事往往有具備很強的哲理性,《魔彈射手》也不例外。

歌劇故事,看似與世無爭的世外桃源

但藉由超自然現象與魔法的世界,反映了世間所有事情的偶然性與必然性的關係。

魔鬼薩米爾,代表了投機主義、賭運,與追求機率的偶然性

而最後上帝化身的隱士,代表了正義、與道德的必然性

男主角馬克斯,看似左右搖擺

但卻是年輕世代,具體反映了這對一切的矛盾

戲劇與抒情女高音.競相比美

《魔彈射手》不僅只是獵人們的射擊比賽故事而已,除了七位主要男性角色之外,本劇中的兩朵女高音之花:阿嘉特(Agathe,戲劇女高音)與安(Ännchen,抒情女高音)各有精采詠嘆調呈現,更是本劇一大特色。

在第二幕中阿嘉特與安的精彩二重唱〈倒楣鬼!老實待著…〉(Schelm, halt’ fest!…)中,我們可立即辨識出兩位女高音的聲音表現截然不同。而亞嘉特充滿戲劇與音色變化的宣敘調與詠嘆調〈我怎麼能夠入睡…輕輕地…〉(Wie nahte mir der Schlummer…Leise, leise, fromme Weise…)與第三幕深情的詠嘆調〈即使烏雲遮蔽了天空〉(Und ob die Wolke sie verhülle)都是本劇必聽的極其優美之作;

第二女主角年輕表妹安 (Ännchen) 身為此劇抒情女高音擔當,她的兩首詠嘆調,第二幕第一場中最知名,逗笑亞嘉特的〈一個年輕的小伙子走過來〉(Kommt ein schlanker Bursch gegangen),以波蘭舞曲節奏特性充分展現抒情花腔女高音在音域轉換的悠遊自在;第三幕中的浪漫戲劇宣敘調與華麗詠嘆〈我曾夢見過世的表姐〉(Einst träumte meiner sel'gen Base)則以懇切的語氣,說著令人噴笑的恐怖故事,反萌差極大,您聽過一定會喜愛。

 

精彩的管弦樂配器.呼應舞台與故事

在本劇的音樂設定中,韋伯除以大調與小調代表角色的善與惡,無論是代表兩位女高音以大調音樂所象徵的美好或者象徵邪惡角色獵人卡斯巴(Kaspar,男中音)及魔鬼薩米爾,劇情與音樂調性都有著環環相扣的精彩呈現。在描繪劇中最黑暗的場景:煉製魔彈的「狼谷」(Wolfsschlucht)時,除了以c小調暴風雨音樂描繪出黑暗魔法世界之外,更充分以管弦樂樂器的不同音色豐富的故事場景,進行多樣化的組合:不論是舞台上的幽靈、不可知的怪獸、雷電閃光到鬼火到對黑暗世界的恐懼,都能在韋伯的筆下感受到明顯的戲劇氛圍~也正因如此,《魔彈射手》在歌劇音樂的先驅展現,毫無疑問地是最具有代表性的首部浪漫主義德語歌劇!


你相信有魔鬼嗎?

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【後記】普契尼逝世百年音樂節

普契尼與托雷德拉戈的歷史

1891 年,33 歲的普契尼來到距離故鄉 Lucca 僅半小時車程的托雷德拉戈,就是為了尋找一處風景如畫且安靜的地方,能讓他專心作曲,享受靜謐;

當第一次來到這湖畔小鎮,他立即被美麗湖泊與村莊氛圍所吸引,房屋倒映在馬薩丘科利河(Massaciuccoli river)的時而清澈靛藍,時而神秘灰藍的河水中,相映成趣~

普契尼買下了原本為當地瞭望塔的建築,並經歷好幾年的溝通與相建造與當地的溝通(與貴族溝通使用權、蓋別墅、造馬路、建花園...等等)

托雷德拉戈有美麗的景緻、充足的日照、涼爽的松林、陽光燦爛的海灘、永遠安靜的湖泊,還有那最純粹的大自然,都讓普契尼愛極了此處

普契尼找到/完成了他心中的伊甸園~這裡能滿足他最愛的兩大嗜好:音樂和狩獵

人生精華30年都居住於此的普契尼,也在此陸續完成最重要的歌劇創作:包括《波希米亞人》(1896)於建造別墅期間完成,《托斯卡》(1900)、《蝴蝶夫人》(1904)、《黃金西部女郎》(1910 )、《燕子》(1917)和《外套》(1918)等等...(1921年起他搬至 Viareggio,至1924年去世為止)

托雷德拉戈所有居民更以普契尼曾長居於此為榮,全村村民投票將本地正式更名為「托雷德爾拉戈普契尼」(Torre del Lago Puccini),足見所有居民們對於普契尼的熱愛與尊敬~

70年前,托雷德拉戈開始嘗試舉辦以普契尼為名與主題的歌劇音樂節,今年是盛大慶祝的70週年,戶外欣賞歌劇的美好(還有挑戰),我們都將一起完整體驗

昨晚終於來到現場,無限感動在心

我們此行集滿四大歌劇:《波希米亞人》、《杜蘭朵公主》、《托斯卡》與《蝴蝶夫人》120 週年製作版本,完美地結束本次的普契尼的四大歌劇藝術極致之旅❤️

 

精彩旅途.To be Continue❤️

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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 華麗聚焦:五大寫實主義歌劇巡禮(一)比才:《卡門》

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 華麗聚焦:五大寫實主義歌劇巡禮(一)比才:《卡門》

All about Bizet's opera "Carmen"

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【華麗聚焦~寫實主義歌劇:五大寫實主義歌劇巡禮】
11/14、11/21、11/28、12/5、12/12,共5堂

【俄羅斯憂鬱旋律天王:柴可夫斯基交響曲巡禮】
12/19、12/26、1/9、1/16、2/6,共5堂 

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主講人:林仁斌老師

 

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透過課程你會對音樂領域有更深一層的認識,林仁斌老師將帶領同學們從生平故事,去探究創作背景與作品的演奏,以及樂譜到創作技法解析、樂曲欣賞版本比較,細細感受各種精彩的詮釋,聽出更多音樂的世界樂趣!

 

系列一|華麗聚焦~寫實主義歌劇:五大寫實主義歌劇巡禮

寫實主義(Verismo)歌劇,在浪漫後期蔚為風潮,從市井小民到民間冤屈,甚至血腥復仇,深深牽動著觀賞者的心情;這系列「聚焦寫實主義歌劇」課程,將為您精選先經典五大歌劇,並將帶領你從古典樂的角度看歌劇。

 

  • 第一堂|比才:《卡門》

1875年首演於巴黎的《卡門》,由作曲家比才改編自作家梅里美的同名小說,敘述煙草工場美女卡門放蕩不羈的愛情觀念與最後的死亡悲劇,可說是歷史上最知名的歌劇作品。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始解析,再搭配劇中數不盡的精彩優美旋律,讓您深度品嚐卡門的愛與愁,麗與美~

  • 第二堂|貝里尼:《諾瑪》

義大利作曲家貝里尼改編自劇作家亞歷山大·蘇美於1831 演出的同名歌劇《諾瑪》(Norma),敘述女祭司悲劇式的愛情,其中的詠嘆調〈聖潔的女神〉(asta Diva)更是膾炙人口。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景開始介紹,再解析劇中詠嘆調之寫作,讓您深入了解《諾瑪》的豐富內涵。

  • 第三堂|威爾第:《遊唱詩人》

威爾第《遊唱詩人》(Il trovatore)是改編自Antonio García Gutiérrez的西班牙文話劇《El Trobador》的四幕著名歌劇,更是威爾第創作生涯中期的三部劇作之一(另兩部為《弄臣》與《茶花女》)。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景為始,帶您欣賞精彩詠嘆與戲劇性十足之劇情,保證讓您大呼過癮。

  • 第四堂|華格納:《崔斯坦與伊索德》

《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde)的故事情節,來源於凱爾特人故事集,關於阿圖斯國王與崔斯坦的傳說。除了寫實題材之外,更被視為是華格納和馬蒂爾德·維森東克的戀情寫照。在本堂課中,林仁斌老師將為您從創作背景,深入介紹「崔斯坦和弦」、〈愛之夜〉與〈愛之死〉,讓您一窺被視為古典-浪漫音樂的終結、新音樂的開山之作。

  • 第五堂|普契尼:《瑪儂雷斯考》

普契尼的成名作《瑪儂.雷斯考》是他步入寫實主義創作開端,其「主導動機」的寫作方式,連華格納之子齊格菲都讚譽有加。改編自普弗神父鼎鼎大名的同名小說《瑪儂.雷斯考》,普契尼雖更加聚焦於男女情愛,但音樂之細膩卻才是他成功的真正要素~在本堂課中,林仁斌老師將為您從原著小說談到劇中的精彩音樂,您不可錯過。

※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


比才四幕歌劇-《卡門》(Carmen)

時間:1820-30年前後

地點:西班牙 塞維里亞(Seville)

原著: 梅里美(Prosper Mérimée, 1803-1870)
劇本: 亨利.梅拉(Henri Meilhac)、路德維克.哈勒維(Ludovic Halévy)

1875 年 3 月 3 日法國巴黎喜歌劇院首演

 

主要登場角色與音域

卡 門 / Carmen 吉普賽女郎,煙廠女工 / 次女高音
唐賀塞 / Don Jose 騎兵隊下士/ 男高音
蜜卡耶拉 / Micaela 唐賀塞的未婚妻 / 女高音
艾斯卡密羅 / Escamillo 鬥牛士 / 男中低音
丹凱羅 / Dancairo 走私客 / 男中音
雷門達多/ Remendado 走私客 /男高音
弗拉絲基塔 / Frasquita 吉普賽女郎,
卡門的女伴 / 女高音麥賽德絲/ Mercedes
吉普賽女郎,卡門的女伴 / 女高音
祖尼卡 / Zuniga 騎兵隊隊長 / 男低音

其他角色:
煙草廠女工、騎兵隊官士兵、走私客...等

 

〈劇情介紹〉(四幕)

歌劇《卡門》原是法國作家梅里美(Prosper Mérimée, 1803-1870)的小說,故事發生在 1820-30 年的西班牙塞維里亞(Seville)地區。當地駐軍伍長唐賀塞(Don Jose)在值勤時, 遇到在菸草廠工作的吉普賽女郎卡門西塔(Carmencita,後稱卡門),雖然是處理工廠女工之流血暴亂事件,但唐賀塞卻馬上為卡門驕悍而狂放的性格與美麗外表所深深吸引而不可自拔,私放卡門逃脫而坐牢,後來更為她逃離軍營,並一同加入吉普賽人搶劫走私集團。

然而,在感情態度上兩人卻完全不同調:唐賀塞癡情而死忠,愛上了卡門便完全無法自拔,而卡門卻是多情狂放而不願受到拘束,後來當極具男性氣概的鬥牛士艾斯卡密羅(Escamillo)出現時,卡門不假思索立即移情別戀。

唐賀塞眼見自己為愛人逃兵,但愛人卻無法專情於他,於是在氣憤填膺,怒急攻心之下,在鬥牛場外將卡門刺死,故事以悲劇收場。

 

華麗聚焦:《卡門》雙長笛演奏專輯

長笛:林仁斌
長笛:周欣穎
鋼琴:陳育志

https://youtu.be/ucJD2YSHvV8

 

歌劇觀點

當今全世界歌劇作品中,最讓人耳熟能詳且上演率最高的作品,應該會有百分之九十以上會回答是:「《卡門》」!

確實,《卡門》在全球各大歌劇院的上演率遠遠高於其他作品,但這真的令人難以想像在1875年首演時居然是失敗收場,讓作曲家比才(Georges Bizet, 1838-1875)深受打擊,雖然後來仍持續加演的45場,但是到了第33場6月3日時,便抑鬱而終,享年僅僅37歲…。

在《卡門》原著中,作家梅里美以相當驚世駭俗的手法,描寫了這位美麗、充滿魅力,但卻不受任何宗教規法約束,在戀愛自主權上高度提倡自由的女主角~卡門.西塔(Carmencita),在小說中,卡門的言行雖然都比起歌劇放浪形骸許多,但是追求「自由」的信念,則是觀看此劇時大家應該注意的焦點之一。(文/ 林仁斌)

【影片】五分鐘聽完卡門所有名曲❤️

00:00 Prelude

00:14 Chorus of Street-boys

00:22 Habanera

01:11 Seguidilla

01:36 Gypsy song

02:32 Toreador song

03:41 Entr'acte

04:15 March and Chorus

https://www.youtube.com/watch?v=TwD1VB6xkCc

 

完整《卡門》歌劇欣賞 - 1

Intro 0:00

Act 1 4:30

Act 2 53:00

Act 3 1:35:00

Act 4 2:11:30

https://www.youtube.com/watch?v=u_VkfIthWHo&t=16s

 

完整《卡門》歌劇欣賞 - 2

00:00:00 Intro

00:03:42 Act I

01:00:08 Act II

01:48:57 Act III

02:28:51 Act IV

https://www.youtube.com/watch?v=5B_JvFm4IxE


第四幕間奏曲:阿拉岡舞曲(1:23起

熱情奔放的三拍子西班牙風格阿拉岡舞曲,為第四幕之間奏曲。此舞曲同為比才為此劇設計的精采段落,也是經常被演奏的著名段落~這首有豐富西班牙色彩的樂曲,原曲在打擊樂器刻出的鮮明節奏裡,管弦樂全體奏出序奏,然後雙簧管提出帶有哀愁的旋律,之後短笛與單簧管在鈴鼓伴奏上,演奏舞蹈似的旋律。而雙長笛則巧妙地相互串連,營造出比擬原曲之氛圍。

https://youtu.be/a7mTxkga-Ng?t=84

 

拉拉拉之歌

因為縱放卡門而被關禁閉的唐賀塞,終於被釋放並且「依約」來到酒店想要與卡門再次見面,而這位帥氣的「龍騎兵」出現時,讓卡門心中仍是一陣雀躍。

唐賀塞進門後,卡門:「你終於來了!」

唐賀塞:「卡門!」

卡門:「現在我要為你跳舞,只為你一個人跳。」

兩人進房。

卡門:「謹表敬意,我為你跳舞,敬請觀賞。我自己伴奏自己的舞。賀塞,你坐這兒,我要開始跳了。La la la la la la la la la la la la …」

這就是我們錄音裡聽到,伴隨著響板清脆節奏的動人曲調

https://youtu.be/QdDvINmiAaI

 

塞吉迪亞舞曲:在塞維里亞城牆附近

唱完了甜蜜二重唱之後,工廠裡傳來一陣尖叫與騷動,原來是發生了流血事件;女工們分成兩群,紛紛向軍官控訴:「快來啊,打架了!」唐賀塞奉令查明吵架經過,卡門被舉報用小刀把對方往臉上劃了兩刀。

後來卡門被抓到軍官面前,卻還蠻不在乎。
就在被裁決關入監獄,即將被押入囚房時,卡門使出媚功,引誘唐賀塞鬆綁:她唱到:「在塞維里亞城牆附近,我朋友開了家店,我常到那兒喝曼扎尼拉酒,跳著塞吉迪亞舞曲…。不過一個人太無聊,兩個人才有趣。我需要個伴,要帶情人去…。

我的情人,是個大壞蛋。昨天我已經把他甩掉了…。我寂寞的心恢復得快,我的心像空氣那麼自由,帥哥多得很,但我不見得會喜歡…。這個週末,有人愛我,我就愛他吧。如要我的心,拿去吧…。你來得正是時候,我沒時間等待,我要跟新的情人,到我朋友的店喝酒跳舞。」

就在一曲塞吉迪亞舞曲唱完之後,唐賀塞已然成為卡門的群下之臣,完全拜倒在她的熱情與魅力中…。

https://youtu.be/sHjnVz7Ayyw

 

經典.雋永的潔西諾曼錄音實況

https://youtu.be/DkADJFzJW28

 

哈巴奈拉舞曲-愛情是不羈的小鳥

在眾多煙草女工陸續登場之後,萬人迷女主角卡門登場了。
她環視了現場多位愛慕者,無視於他們發出的求愛搭訕,驕傲地說道:「什麼時候會愛上你?我可不知道,或許很久,或許明天,至少…不會是今天!」。

然後她唱出了著名的哈巴奈拉舞曲。(哈巴奈拉舞曲為西班牙傳統節奏舞曲,比才非常用心地考究西班牙傳統舞曲,並出色地運用在歌劇之中)
以下為《卡門》著名詠嘆調「哈巴奈拉」(Habanera)舞曲之中文歌詞,讓我們細細品味:

翻譯:周欣穎
「愛情像一個倔強的鳥兒,誰也不能夠馴服它,
沒有人能夠捉住它,要拒絕你就沒辦法;
威脅沒有用祈求不行,一個溫柔、一個嘆息,
但我愛的是那個人兒,他的眼睛會說話;

愛情~愛情~愛情~愛情~

那愛情是個流浪兒,永遠自由飛翔;
你不愛我,我倒要愛你,
我愛上你,你可要當心!
像只鳥兒樣捉住它,可它抖起翅膀卻飛去了,

你要尋找它,它就躲避;
你不要它,它又飛回來;
它在你周圍迅速飛過,
它飛來飛去,又飛回,
你要捉住它,它就飛過,
你不要它,它卻來捉你;

愛情~愛情~愛情~愛情!」

「哈巴奈拉」舞曲之歌詞由比才親自填寫,在他筆下也可見到作曲家本人對於卡門訴求自由的鮮明個性,由此看來~或許稱《卡門》為現代女權主義的先驅者,似乎也不為過?

https://youtu.be/KJ_HHRJf0xg

 

當紅女中音 Elina Garanca 歌劇版本

https://youtu.be/K2snTkaD64U

 

永遠的卡拉絲

https://youtu.be/EseMHr6VEM0

 

吉普賽之歌:叮噹作響的棍棒

象徵吉普賽民族能歌善舞的特性,舞曲從輕巧的三拍子舞曲節奏開始,緩緩一段一段帶入熱烈活潑的西班牙熱情節奏:

卡門:「樂音響起,吉普賽的女人們配合這異國音樂起舞。鈴鼓刻劃節奏,吉他重複彈奏同一首歌,同一節。Tra la la…。」「銅與銀的手鐲在暗色的皮膚上發亮,橙色與紅色的衣裙隨風飄動。舞與歌合為一體,先是輕盈,隨後就活潑高揚!

Tra la la…。」「吉普賽人們使力彈奏樂器,吉普賽的女人蠱惑於其狂放!女人們隨音樂的節奏激情瘋狂,如癡如醉!Tra la la…。」

隨著音樂速度越來越快,也益發熱情,最終結束在眾人的驚呼之中,可說是第二幕開頭的一大精采高潮樂曲。

https://youtu.be/yZlUEo-L6qQ

 

【延伸話題】認識知名的《卡門幻想曲》

薩拉沙泰《卡門幻想曲》創作背景

1883 年,薩拉沙泰觀賞完比才歌劇《卡門》之後,靈感泉湧。他開始構思一首集結歌劇《卡門》中最動聽之旋律,以及具有自己國家西班牙特色和吉普賽風情的樂段,再改編成充滿小提琴炫技技巧,並包含戲劇化效果的樂曲。

最終他完成了這首「依歌劇《卡門》主題動機而作的演奏會用幻想曲」(Fantaisie de Concert sur des Motifs de l'Opera Carmen)op.25。而這首作品與歌劇不同命運之處,就是自首演之後,就一直廣受各界喜愛並不斷地被演奏至今,更全世界小提琴家們最喜愛演奏的音樂會與唱片錄音炫技名曲。

 

卡門幻想曲結構表

薩拉沙泰《卡門幻想曲》

比才《卡門》歌劇

前奏
Allegro Moderato

阿拉貢舞曲(第四幕間奏曲)
Aragonaise

第一樂章
Moderato

哈巴奈拉舞曲(第一幕第五首)
Habanera

第二樂章
Lento Assai

拉拉拉小曲(第一幕第九首
Tra la la...

第三樂章
Allegro Moderato

賽桂帝拉舞曲(第一幕第十首
Seguidilla

第四樂章
Moderato

吉普賽之歌(第二幕第十二首
Gypsy Song

 

 

 

《卡門幻想曲》

樂譜版本欣賞(帕爾曼)

https://youtu.be/Smhysz3yOwc

 

希拉蕊.韓精彩現場Live'

Allegro moderato: 00:00 - 3:23

Moderato: 3:23 - 7:02

Lento Assai: 7:02 - 9:41

Allegro moderato ||: 9:41 - 11:53

Moderato ||: 11:53 - 14:42

https://www.youtube.com/watch?v=nNjDTf6iXUA

 

永遠的卡門❤️

 

Final Scene

https://youtu.be/M8DiKP4k3Ik

 

卡門組曲第一、二號

Carmen Suite No.1 & 2 The two orchestral suites were arranged after Bizet's death by Ernest Guiraud (26 June 1837 — 6 May 1892) after Bizet's orchestration of the original operatic score.

Carmen Suite No.1
1. Prélude Act I, Prélude (bars 121–48)
2. Intermezzo (
3:29) Entr'acte before Act III
3. Séguedille (
6:09) Act I, No.10. "Près des remparts de Séville" (bars 1–81, 162–82, rescored)
4. Les Dragons d'Alcala (
8:00) Entr'acte before Act II
5. Final (Les Toréadors) (
9:30) Act I, Prélude (bars 1-119)

Carmen Suite No. 2
1. Marche des Contrebandiers (
11:47) Act III, Chorus: Écoutes, écoutes, compagnon!
2. Habanera (
15:49) Act I, Aria (Carmen): L'amour est un oiseau rebelle
3. Nocturne (
17:58) Act III, Aria (Michela): Je dis que rien ne m'épourante
4. Chanson du Toréador (
23:40) Act II, Introduction and aria (Escamillo): Votre toast, je peux vous le rendre
5. La Garde Montante (
26:28) Act I: Avec la garde montante, nous arrivons, nous violá!
6. Danse Bohème (
30:08) Act II, Gypsy Dance: Les tringles des sistres tintaient

The Royal Philharmonic Orchestra conducted by Mark Ermler.

https://youtu.be/ez059nk2TTw

 

 


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【BON音樂】韋伯音樂劇三部曲 PART 1 :《歌劇魅影》 大師的傳奇序幕

【BON音樂】蹦藝術X大人社團 大師音樂劇線上直播課:韋伯《歌劇魅影》"Phantom of the opera"
All about the Musical "Phantom of the opera"

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11/10 (日) 14:30 - 16:30 【雅痞書店 音樂講座】韋伯音樂劇三部曲 PART 1

《歌劇魅影》~大師的傳奇序幕❤️

時間:2024/11/10 (日) 下午 14:30
主講人:林仁斌(蹦藝術執行長.超人氣音樂欣賞名家)
報名連結:
本講座3大重點:
★韋伯與莎拉布萊曼戀愛量身定制名作
安德魯·洛伊·韋伯與莎拉·布萊曼的戀情,是《歌劇魅影》創作的靈感源泉之一。韋伯為她量身定制了「克莉斯汀」這個角色,將她天籟般的聲音和魅影的愛戀完美結合,讓這部音樂劇在浪漫和情感層面上達到極致,成為永恆經典。
★《歌劇魅影》精彩歌曲全解析
從「The Music of the Night」到「All I Ask of You」,《歌劇魅影》的每首歌曲都帶著獨特的情感故事。這些歌曲展現了角色內心的掙扎與愛戀,也讓觀眾沉浸在音樂的魅力中。講座將帶你深入解析這些經典曲目,感受其背後的音樂美學與劇情連結。
★1986年首演經典版籌備過程資料大公開
《歌劇魅影》1986年倫敦首演的背後,有著艱辛的籌備過程。從設計夢幻的場景,到選角、排練和技術支援,每一步都經過了精心策劃。講座將揭開這部傳奇音樂劇的幕後故事,帶你走進它如何從構想到全球巡演的不朽之路。

 

主講人 林仁斌

蹦藝術執行長.超人氣音樂欣賞名家

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這部以巴黎歌劇院為主要舞台,結合了幽靈、詭秘、音樂劇中劇與美妙歌曲的音樂劇,可以說是每位劇迷都不容錯過的絕對經典之作!

時間回到1986年,《歌劇魅影》在倫敦的女王陛下劇院登場首演,揭開了傳奇序幕:1988年七座東尼獎獲獎、屢屢打破連續演出場次紀錄、2004年電影版問世,巡迴演出至今熱度不衰,「幾乎人人都看過」,更是音樂劇的奇蹟之劇!

 

 

  • 韋伯:《歌劇魅影》

 

韋伯重要作品列表

整理自維基百科網頁,附上連結以供參考

  • 1967年:與提姆·萊斯(Tim Rice)合作,完成處女作約瑟夫的神奇彩衣
  • 1971年:他23歲時以搖滾音樂劇耶穌基督超級巨星》(Jesus Christ Superstar)作曲成名
  • 1978年:《艾薇塔》(Evita,另譯貝隆夫人)作曲
  • 1981年:《》(Cats)作曲
  • 1986年:《歌劇魅影》(The Phantom Of The Opera,又譯歌劇院的幽靈)作曲
  • 1993年:《日落大道》(Sunset Boulevard)作曲
  • 1998年:《微風輕哨》(whistle down the wind)作曲
  • 2005年:《白衣女人》(the woman in white)以英國小說家威爾基·科林斯Wilkie Collins的小說 The Woman In White(白衣女人)為劇情作曲
  • 2010年:《歌劇魅影:愛無止盡》(Love Never Dies)與Marius de VriesMatt RobertsonAndy Bradfield,等人合作。
  • 2013年: 《史蒂芬·沃德》(Stephen Ward)以英國1963(scandal that shocked the world)年發生的著名的醜聞為題材作曲
  • 2015年:《搖滾教室》對 2003年的同名電影重新譜曲。

 

音樂劇基本資料

(資料取自維基百科,附連結以供參考)

《歌劇魅影》(英語:The Phantom of the Opera),又譯《歌聲魅影》、《(歌)劇院魅影》,是一部知名的音樂劇,由安德魯·洛伊·韋伯作曲,劇本根據法國偵探小說家卡斯頓·勒胡所撰著的愛情驚悚小說《歌劇魅影》改編。音樂劇的歌詞和對白由Richard Stilgoe創作。1986年首演,1988年登陸百老匯[2],並於1988年獲得七項托尼獎,是史上最成功的音樂劇之一。另外,於2004年,這部音樂劇被搬上銀幕。由於歌劇魅影受到2019冠狀病毒病疫情影響,歌劇魅影一度停演19個月。2021年10月22日,歌劇魅影重新公演[3]。不過重新公演後上座率依然無法達到盈利水平,2023年2月18日,歌劇魅影進行最後一次演出後將不再演出[4]

1986年10月9日,《歌劇魅影》在倫敦的女王陛下劇院首演,是英國其中一部最長壽的音樂劇,一直到2020年才因2019冠狀病毒而暫停演出。1988年1月26日,首演時的主要角色,如飾演魅影的邁克爾·克勞福德,飾演克莉絲汀的莎拉·布萊曼,飾演勞爾的史蒂夫·巴頓,把《歌劇魅影》帶到了曼哈頓的美琪劇院,這齣音樂劇從此開始在百老匯上演,並持續上演中。金牌製作人卡麥隆·麥金托什製作的幾部音樂劇,包括《》《西貢小姐》《悲慘世界》,均在百老匯取得了巨大的成功。《歌劇魅影》成為在百老匯上演最長壽的一部音樂劇,它打破了音樂劇《貓》在2006年1月9日創下的7486場演出的紀錄。主題曲自1986年上映以來流傳至今,仍然被傳唱。

 

《歌劇魅影》簡介影片

 

創作起源紀錄片(Behind the mask)

 

本劇主題曲《歌劇魅影》莎拉.布萊曼版本

https://www.youtube.com/watch?v=oZDcSrODALQ

 

調性安排

解析韋伯的超猛半音轉調法!

d小調 - g小調 - e小調 - bA大調 - d小調 - #F大調 - bA大調 - bB大調   

https://www.youtube.com/watch?v=sGQLEmQwxsA

 

《歌劇魅影》25週年音樂會 特別橋段

莎拉.布萊曼V.S. 歷史上著名的四位魅影

https://www.youtube.com/watch?v=Ddrlhgy59fQ

 

四首超級Live' 精選曲目

00:00 Angel Of Music

02:35 All I Ask Of You

06:33 The Phantom Of The Opera

12:08 The Music Of The Night

https://www.youtube.com/watch?v=WkST3So0bEk

 

劇中劇.誰是漢尼拔?

漢尼拔:為北非和義大利的自由而對抗羅馬的軍事天才


詳細劇情簡介

介紹取自百度百科,附上連結以供參考

在巴黎的一家歌劇院裏,怪事頻繁地發生,原來的首席女主角險些被砸死,劇院出現一個令人毛骨悚然的虛幻男聲。這個聲音來自住在劇院地下迷宮的“幽靈”,他愛上了女演員克莉絲汀,暗中教她唱歌,幫她獲得女主角的位置,而克莉斯汀卻愛着劇院資助人拉烏爾,由此引起了嫉妒、追逐、謀殺等一系列情節。而最終“幽靈”發現自己對克莉斯汀的愛已經超過了個人的佔有慾,於是解脱了克莉絲汀,留下披風和麪具,獨自消失在昏暗的地下迷宮裏。

該劇的音樂寫的極為成功,神秘而優美。剛開始的一首:“Think of Me” 就會緊緊抓住你的心,而隨後 “The Phantom of Opera” 以及 “The Music of the Night”,更已經成了音樂劇的超級經典名曲。

《歌劇魅影》劇取材於法國作家加斯東.勒胡的同名小説,原作雖算不上精彩,但它神秘浪漫的情節,驚險懸疑的氣氛卻給了不少藝術家以靈感。韋伯在此劇中套進了歌劇的成份,(故事發生在歌劇院裏)大量採用古典音樂如維爾第、奧芬巴赫的歌劇旋律,劇中舞台燈光、佈景及服飾也是極盡豪華之能事,頗有法國大歌劇的風味。男女主角麥克.克勞福德和莎拉.布萊特曼的合作更是成為冠絕一時經典。韋伯也將原著中很多無關緊要的情節(例如地下的玻璃鋼鐵森林和酷刑室等)和人物(例如達洛迦和菲利普伯爵等)祛除,使得歌劇的劇情更緊湊。從1986年上演以來,《歌劇院的幽靈》全球總票房27億美元,共有12個國家85個城市演出了該劇,在倫敦,只要上演此劇,就會座無虛席。 

序幕

故事開始在1919年,年邁的貴族勞爾·夏尼子爵(又譯拉烏爾)正在巴黎歌劇院參加一場拍賣會。拍賣師拍到一個音樂盒。在競拍過程中,參與競價的梅格見拉烏爾想要這個音樂盒,就放棄了。拉烏爾如願拍賣得到音樂盒。隨後,拍賣師又提到了下一個拍品:在著名的魅影事件中摔得支離破碎的大吊燈(Chandelier)。為了讓大家都能看清楚修復後的吊燈,拍賣師開啓了吊燈上新安裝的電燈,一時燈火通明,此時歌劇魅影的主題音樂響起,舞台上的大吊燈也隨之升起。(時空轉換)

第一幕

舞台燈光恢復正常,而時間已回到了49年前。那是巴黎歌劇院的舞台上,藝術總監雷耶爾先生正幫助首席女高音卡爾洛塔和首席男高音皮爾吉(卡爾洛塔的情夫)排歌劇《漢尼拔》。而吉莉夫人也正在指導伴唱伴舞的女孩們進行練習。這時,即將退休的老經理帶來了兩位客人費爾明和安德烈,他們兩位即將接任歌劇院經理的位置。正當卡爾洛塔在為兩位新領導獻上一首當晚準備演出的 "Think of Me" 時,突然舞台天幕上掉下來的一塊佈景引起了騷亂,大家紛紛猜測是歌劇院的幽靈(Phantom of the Opera)幹的。卡爾洛塔耍起小脾氣不肯繼續排練,並離場聲稱不再參加歌劇院的演出。正在焦急的時候,吉莉夫人向大家推薦克莉絲汀,費爾明問克里斯汀是誰教會她這麼美妙的歌喉,克莉絲汀卻説不知道,於是大家抱着無可奈何的心態試聽。結果,在排練場和當晚的演出中,克莉絲汀的歌喉征服了所有人,包括當晚到場觀看演出的年輕的貴族拉烏爾,他也是歌劇院的資助人。

正在這時,拉烏爾專門來拜訪了,原來拉烏爾認出了台上的克莉絲汀就是他兒時的同伴。拉烏爾準備邀請克莉絲汀共進晚餐,於是就出門去取放在外面的帽子。這時,房間裏又出現了魅影的聲音。魅影憤恨地責備拉烏爾企圖引誘克莉絲汀離開音樂的王國。克莉絲汀被魅影的聲音震懾並迷惑,透過魅影設置在穿衣鏡上的機關,克莉絲汀跟隨魅影走入鏡子背後的暗道。等拉烏爾回到屋內,已經空無一人。

魅影用歌聲引誘克莉絲汀來到他居住的地下湖心的屋內。在這裏,他繼續用 "Music of the Night" 引誘克莉絲汀的心智以及表達自己的愛意。最後,克莉絲汀在看到魅影做的穿戴婚紗的自己的蠟像後,在魅影的美妙的歌聲中暈厥過去。魅影讓克莉絲汀躺在牀上休息,自己則埋頭進行新的歌劇的創作。

第二天,克莉絲汀慢慢醒來,先發現了身邊的一個小音樂盒(就是拉烏爾後來拍得的那個),漸漸又回憶起昨晚是如何跟隨魅影下到這裏的。好奇心驅使她壯膽趁魅影不備而摘下了魅影的面具。被摘除面具的魅影驚恐萬狀,惡毒地詛咒克莉絲汀的好奇心,説再也不會讓克莉絲汀自由,轉念又勸克莉絲汀不要害怕,相信隨着對他的瞭解,恐懼終究會轉成愛意。並告訴克莉絲汀他準備送她回去。

當魅影通過他自己設計的暗門突然出現在後台時,正好碰到舞台工人約瑟夫·布蓋在演示給劇院的女孩子們如何通過高舉雙手保護自己不被旁遮普套索套住。布蓋所言所行一切都被魅影看在眼裏。路過並目睹一切的吉莉夫人警告布蓋不要把這件事情告訴任何人,否則將會遭致魅影的可怕報復。

魅影把克莉絲汀帶走後,劇院裏着實忙亂了起來。經理人費爾明和安德烈看着演出門票飛快地售出,心裏又高興又着急,高興的是自己的業務不錯,着急的是卡爾洛塔使性子不肯來,克莉絲汀雖然出人意料地成功,但是又突然失蹤。正在忙亂時,他們各自收到了寫在信紙上署名O.G.的命令,要求趕快補發積欠他的工資,空出自己的5號包廂,並且將克莉絲汀取代卡爾洛塔,原來字條上威脅説如果誰想把克莉絲汀佔為己有,就再也不要想看到她了。三人正琢磨着呢,卡爾洛塔突然出現在劇院,出示了又一張寫着威脅她不許阻攔克莉絲汀的錦繡前程的字條,並且不聽解釋指責拉烏爾在背後操縱一切,就是為了捧紅克莉絲汀。正在亂的不可開交的時候,吉莉夫人帶着梅格前來告訴大家克莉絲汀已經回來,只是因為很疲憊所以誰也不能見,並且帶來了一張字條,上面大意是:今晚演出的歌劇《啞僕》必須由克里斯汀來演主角伯爵夫人,卡爾洛塔只能演一個不出聲的傳令僕從,而且劇院的5號包廂必須給魅影空出,好讓他像以往那樣前來觀賞。如果這些命令沒有被遵守,一場無法預料的災難將會降臨到歌劇院的頭上。

卡爾洛塔自然無法接受這種安排,她歇斯底里地咒罵着,嚇壞了兩位經理,於是費爾明和安德烈連忙用一曲 "Prima Donna" 來安慰卡爾洛塔,總算讓卡爾洛塔安靜了下來。而且安德烈不顧吉莉夫人的勸阻,公開宣佈克莉絲汀出演傳令僕從,卡爾洛塔出演主角伯爵夫人。神通廣大的魅影果然聽到了,並且發誓要讓他們知道自己的厲害。

當晚,演出開始了,為了幫助安德烈他們阻撓魅影的計劃,拉烏爾坐入5號包廂。魅影被他們的輕蔑激怒了,先是將舞台上傲慢的卡爾洛塔的嗓音變成了蛤蟆叫,導致演出的中斷,後來又在芭蕾表演的時候把已經被旁遮普套索絞死的布蓋的屍體從舞台天幕上吊下來,引起了觀眾們的慌亂。克莉絲汀和拉烏爾趁着大家的驚慌,逃到了屋頂上。在那裏,她向拉烏爾訴説了自己的遭遇,拉烏爾一面安慰她説這一切都是夢境,一面向克里斯汀表示了埋藏已久的愛意,兩人合唱了一曲 "All I Ask of You" 互表心意。然而這一切還是沒有逃出躲藏在暗處的魅影的監視。在拉烏爾和克莉絲汀相擁離開屋頂後,魅影痛苦於拉烏爾對克莉絲汀的迷惑以及克莉絲汀的背叛,決定詛咒他們。在《啞僕》演出結束演員謝幕時,劇院的大吊燈墜下砸在克莉絲汀跟前,毫無疑問,這就是魅影的憤怒所示!(第一幕完)

第二幕

幕間曲過後,舞台上出現的是戴着面具的費爾明和安德烈,時間已經是繼吊燈墜下後大概6個月了。已經是新的一年。期間,魅影沒有再來打擾任何人,新的吊燈也安裝好了,於是人們在劇院裏舉辦了一次化妝舞會("Masquerade")來慶祝這新的生活。已經秘密訂婚的克莉絲汀和拉烏爾也在人羣中攜手共舞。雖然拉烏爾很希望公開這個秘密,但是克莉絲汀依然害怕魅影會知道後威脅他們的生活,要求拉烏爾繼續保密,並把拉烏爾給的訂婚戒指串在項鍊上,而不是戴在手上。拉烏爾雖然不是心甘情願,但也無可奈何。

正在歡樂進行到高潮的時候,突然出現一個戴着紅色死神面具的客人,大家都被這奇異嚇人的裝束震住了。來者正是銷聲匿跡許久的魅影。他帶來了剛剛寫就的一出歌劇《唐璜的勝利》(Don Juan Triumphant)要求劇院上演。並且,在再度消失前,他從克莉絲汀脖子上奪走那枚戒指,告訴她他還沒有放棄她。

舞會不歡而散,拉烏爾見吉莉夫人心事重重,就上前詢問她是否知道魅影的底細。吉莉夫人在拉烏爾的苦苦勸説下,這才道出魅影的來歷。原來幾十年前,巴黎來過一個江湖馬戲團,除了表演雜耍,他們還展出一些畸形人供大家娛樂,其中有一個被關在籠子裏的怪臉人,卻是一個知識淵博的建築師,也是音樂家。後來,這個怪臉人逃出了籠子帶着吉莉夫人逃走了,大家遍尋不着,都以為他已經死在某個角落。而吉莉夫人則清楚意識到,真正魅影是誰。拉烏爾聽到這一切,心中飄過一絲寒意。

兩位經理對着新的總譜一籌莫展,説實話,他們不想聽從魅影的命令,但是實在害怕再來一次意外。這時,他們又收到了魅影發來的字條,上面對歌劇院的人事安排等做出了一系列的指示。接着,卡爾洛塔和皮爾吉又闖了進來,大呼小叫,原來魅影給卡爾洛塔在戲中安排的是一個只有合唱的小配角角色。卡爾洛塔無法接受,説這是對她的侮辱。拉烏爾帶着前來詢問兩位經理到底有無決斷,是否讓克莉絲汀出演主角。而吉莉夫人又帶着另一張字條匆匆趕來。魅影在這張最後指示中聲明他的要求必須都得到滿足,否則,更大的災難將會等着他們。大家一時沒了主意

拉烏爾突然覺得這是一個很好的機會,便跟兩位經理商議一切按照魅影的意思辦,但是另外他們將佈置崗哨,誘捕魅影。吉莉夫人聽了十分驚慌,極力勸説他們,但是三人不聽,克莉絲汀雖然百般懇求他們不要讓她陷於其中,但是經不起拉烏爾的規勸,遂答應了他。當然,魅影也在暗中聽到了這些談話。

於是乎,一切都開始行動,雷耶爾先生開始給大家排練新的歌劇,在嘈雜的排練房裏,正當人們忙碌而且緊張到了極點的時候,突然放置一旁的鋼琴在沒有人彈奏得情況下自己彈出了排練曲目。驚惶失措的克莉絲汀奪路逃出,來到了父親的墓地前,向墓碑上的父親塑像訴説着自己的憂慮和恐慌,唱着 "Wish You Were Somehow Here Again" ,希望能得到他的幫助。突然,魅影又出現在了她面前。魅影告訴她自己就是他父親説的" Angel of Music" ,就是來引導和保護她的。被過度驚嚇的克莉絲汀再次被魅影迷惑住。這時拉烏爾也聞訊趕到了墓地,力勸克莉絲汀不要相信魅影的話。魅影企圖挑逗拉烏爾上前跟他決鬥,但是拉烏爾被克莉絲汀制止並一起逃離了墓地。魅影憤怒之餘,發誓要報復他們兩個人。

地點回到劇院,拉烏爾和兩位經理正在緊急安排警察佈哨佈崗,準備在《唐璜的勝利》的首演式上,在5號包廂抓住魅影。不過這一切都沒有逃過魅影的耳目,魅影的聲音在劇院各個角落響起,嘲笑他們的狂妄,並且挑戰他們説如果真想抓他,就儘快開演《唐璜的勝利》。拉烏爾也決定破釜沉舟,和魅影做最後一次較量。

演出在合唱中開始了,按照劇情。皮爾吉扮演的唐璜和其僕從為了設計引誘由克莉絲汀扮演的女主人公,進入舞台上的隔間換上僕從的服裝。但是魅影早已設計好了在隔間內用旁遮普套索吊死了皮爾吉,然後換上了劇情中的斗篷,遮住自己的臉,出來和克莉絲汀一起演唱了劇中一段優美的詠歎調 "The Point of No Return" 。演出中,克莉絲汀偶然觸碰到了魅影的面部,發現對方並不是皮爾吉,就掀開了斗篷,一時間大家被舞台上的突變嚇住,而拉烏爾為了不傷害克莉絲汀,也阻止了士兵開槍。魅影按捺不住內心的渴望,用柔和的嗓音,向克莉絲汀表明愛意,而克莉絲汀也勇敢地揭下了魅影的面具,讓觀眾們都看到了魅影的扭曲的相貌。在一片驚呼聲中,魅影帶上克莉絲汀,再次消失在眾目睽睽之前,讓拉烏爾精心佈置的陷阱落了空。同時,舞台上的人們也發現了早已死在佈景後面的皮爾吉。

拉烏爾一時沒了主意,但是吉莉夫人提醒他趕快跟着她去地下室,並囑咐他一定要記住將胳臂舉過頭頂,以防魅影再次使用旁遮普套索襲擊他們。同時,幾乎所有的人都出動,一邊高喊抓住兇手,一邊到處查找魅影的蹤影。

魅影果然又帶着克莉絲汀來到地下室,他正沉浸在小小獲勝的喜悦中,突然又被遠遠傳來的人們的叫喊聲攪亂心情。他質問克莉絲汀,為什麼這個世界會對他這麼不公平,僅僅因為他長了一副令人可怕,連他的母親都不忍正眼以對的面容。克莉絲汀告訴他,之所以覺得世界對他不公,不是世人的錯誤,而是因為他自己囚禁了自己的靈魂,並且與世人為敵,為了達到目的而不惜殺人或者奪取他人所愛。所以,她對他的感情,已經從同情轉為憎恨,而沒有絲毫的愛。

正在這時,拉烏爾已經趕到地下室,但是被阻隔在鐵欄之外。他哀求魅影可以對他做任何事,但是一定放過克莉絲汀。魅影被他的打攪激怒,趁他不防,用旁遮普套索套住了拉烏爾,並且逼迫克里斯汀做出選擇:

(1)要麼用拉烏爾的生命換取她的自由;

(2)或者披上魅影準備的婚紗,換取拉烏爾的生命。

儘管拉烏爾表示自己可以為愛犧牲生命而在所不惜,但是克莉絲汀不忍愛人的犧牲。她最終鼓起勇氣,告訴魅影,她將告訴他,愛的力量,會有多麼強大,上帝終究會拯救魅影的靈魂。然後,給了魅影一個長吻……


尾聲

一個意味深長的吻,如同天上的造物主的光輝,照亮了魅影的封閉的心靈。魅影被克莉絲汀的堅定的愛的力量徹底折服。他鬆開了拉烏爾脖子上的旁遮普吊索,對克莉絲汀和拉烏爾揮了揮手,讓他們趕快離開,並且不要再回來也不要跟旁人提起這裏的一切。

克莉絲汀和拉烏爾相依走到門口,突然克莉絲汀回頭跑到魅影身邊,將魅影之前給她戴上的戒指摘下,還給魅影。魅影強捺悲哀,目送克莉絲汀離去。然後悲哀地唱出 “It's over now, the music of the night...” ,然後慢慢地走向舞台一角的王座。

正在此時,梅格帶着警官們也找到了地下室這裏,在她們進到地下室之前,魅影鑽入綢布內,他的寶座上,只留下魅影的一隻面具。

時間又回到了1919年,那時克莉絲汀(1854-1917)已經去世了,在拉烏爾去墓地祭拜她的時候,發現墓上有一支綁有黑絲帶的玫瑰花。(劇終) 

首演之後.佳評如潮

經歷無數不斷調整與風風雨雨的工作過程,耗資超過兩百萬英鎊的音樂劇《歌劇魅影》寫下歷史!

連韋伯多年之後都說:「我知道我人生中,再也無法創作如此喊動人心的作品,這樣的時刻不會再重現...」

 

黛安娜王妃也出席了首演之夜

 

民眾漏夜排隊搶購買《歌劇魅影》的票券,也有些人看完了劇,直接留下來排隊再買隔天的票,音樂劇營造出猶如搖滾音樂會的狂熱氛圍,真的非常瘋狂~


歌劇魅影25週年音樂會(中文字幕)

 

歌劇魅影30週年特別音樂會

 

【最新】2021年倫敦西區最新製作預告片

https://www.youtube.com/watch?v=ExCFhXqU5XI

 

《歌劇魅影》宣布停演新聞

https://www.youtube.com/watch?v=seLuyoMvg1I

 

歷代魅影《Music of the night》大PK

 

https://www.youtube.com/watch?v=BCyHpWFvXvo

 

https://www.youtube.com/watch?v=BCyHpWFvXvo

 

十大知名克莉絲汀

https://www.youtube.com/watch?v=AqeUPGqbDp4

不過癮!?二十大知名克莉絲汀

https://www.youtube.com/watch?v=Cay1cCvdaEo

 

誰的克莉絲汀高音最棒呢?(E6)

https://www.youtube.com/watch?v=6V8nyY5pSq4

 

電影版分享

 

 

誰是韋伯心中的21世紀最佳「克莉絲汀」?

 

聽聽 Sierra Boggess 的這段 'Wishing You Were Somehow Here Again',情感起承轉合,先從懷念父親,之後轉為堅信自己的信念,舞臺上簡直就是克莉絲汀本人情緒大爆發。

Sierra Boggess 也是韋伯本人認證,21世紀最佳克莉絲汀~

https://www.youtube.com/watch?v=_T0ME2xrP2g

 


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【BON音樂】2024年蔚藍人文堂全球雲端公益演講第274場:世界級古典音樂饗宴~ 談瑞士琉森音樂節

【BON音樂】2024年蔚藍人文堂全球雲端公益演講第274場:世界級古典音樂饗宴~ 談瑞士琉森音樂節
Music lecture of LUCERNE FESTIVAL

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蹦藝術 | BONART


 

主講人:林仁斌老師

林仁斌 - 長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家

旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與 Podcast 古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過兩百場;為國家交響樂團、長榮交響樂團、台北市立交響樂團與國家兩廳院、衛武營國家藝術文化中心、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

 

《世界級古典音樂饗宴~蹦藝術林仁斌談瑞士琉森音樂節經驗》

談起瑞士琉森音樂節,是每年歐洲與全世界的古典音樂盛事。

琉森音樂節,最初希望能讓瑞士音樂家們擁有活躍舞台之發想為起始,在歷經數十年的發展與起落盛譽之下,已擴大成為每年暑假期間全球音樂家們最熱衷演出之國際舞台之一。

無論集結全世界明星集交響樂團演奏家聯合之全明星「琉森節慶管弦樂團」,或者柏林愛樂與各大交響樂團之來訪,都讓琉森湖畔在暑期,全日洋溢著動人昂揚之交響樂音。

11月份請聽蹦藝術林仁斌為所有蔚藍人文堂的朋友們帶來之瑞士琉森音樂節精彩影音報導~從歷史起源到現今榮景,再從管弦之神的卡拉揚到王者阿巴多之琉森傳奇,您不可錯過。


2024年琉森音樂節.全團都超高滿意的音樂之旅

 

琉森音樂節.起源

《從托斯卡尼尼到阿巴多》琉森音樂節 歷史介紹影片

最初琉森音樂節的成立目的,當然就是讓瑞士籍音樂家有能夠發揮的舞台並振興觀光~隨著音樂節一點一點的發展,站穩世界舞台並持續邀約國際級樂團與音樂家來訪,豐富音樂節。

從托斯卡尼尼到安塞美,再到卡拉揚時期而至鼎盛;晚年的阿巴多在卸任柏林愛樂音樂總監之前,更是以全套馬勒交響曲計畫打響琉森音樂節名聲,「琉森節慶管弦樂團」更因為阿巴多登高一呼,雲集世界獨奏家級別人物與各大樂團首席,成為了「超級全明星管弦樂團」,演出水準之高,全世界翹楚是也。

https://www.youtube.com/watch?v=p_4bvVETpQM

 

卡拉揚的最愛 - 文華東方

自從1950年代起,琉森音樂節就非常依賴「卡拉揚與柏林愛樂」,或「卡拉揚與維也納愛樂」在音樂節的壓軸演出,票房與熱力,都是一絕!

「每當卡拉揚率領樂團離開音樂節時,感覺那年的琉森音樂節就結束了...」音樂總監受訪時這樣說

卡拉揚在琉森的最愛住宿是~文華東方皇宮酒店(Mandarin Oriental Palace, Luzern)(下圖)

 

當他想搭車時前往琉森音樂廳時,就會有警察開道

 

有時他興之所至,也喜歡直接開船穿過琉森湖,直達音樂廳

 

舊琉森音樂廳後台

 

而我們這次從開幕之夜起參與琉森音樂節的連續四個晚上,就是入住這家擁有百年歷史的琉森東方文華皇宮酒店,保留了法國「美好年代」(Belle Époque)的建築藝術風格,有著可望向阿爾卑斯山美景的無敵視野,戶外風景如詩如畫,歷經三年的重新裝修的五星最高等級~文華東方

 

音樂節主場館 - KKL, Luzern(琉森文化和會議中心

琉森文化和會議中心Kultur- und Kongresszentrum Luzern)位於瑞士琉森,是一個多功能的建築,其音樂廳具有高質量的聲學效果,由此被評價為世界百大音樂廳院之一。該建築由法國建築師讓·努維爾(Jean Nouvel, b.1945)設計,並於1998年落成,首場演出為柏林愛樂樂團,由義大利指揮家克勞迪奧·阿巴多指揮(本段介紹取自維基百科)

 

法國建築師:尚·努維爾Jean Nouvel)

 

位於琉森湖畔的KKL

 

KKL場館介紹

https://www.youtube.com/watch?v=1uzTwqj62i0

 

從室內俯瞰美麗的琉森湖與市區景致

 

遠方鳥瞰 KKL 與瑞士天然山水美景

 

回顧 KKL 精彩25年影片

https://www.youtube.com/watch?v=1_oHk6a5GwA

 

住在文華東方的我.當然也要「氣質」一下XD

拍攝於全體團員抵達瑞士琉森當天,三天連宿都傳奇文華東方皇宮🌟

 

琉森湖景房要價不菲,也一定要多拍幾張~從房間眺望對岸的 KKL

 

音樂會前的下午時光.享受琉森燦爛的暖陽

 

2024.8.16.瑞士琉森音樂節 Day.1

【影片】琉森音樂開幕儀式與首場音樂會欣賞

 

帶領蹦藝術藝旅團的全體團員至KKL,我們從18:30的開幕式起全程參與。

 

2024/8/16 開幕音樂會
夏伊+琉森節慶管弦樂團

開幕演奏(世界首演樂曲)
Lisa Streich (*1985)
Reigen for small orchestra | world premiere

主席與執行長 開幕祝賀儀式/致歡迎詞

上半場:沃夫剛.黎姆 | Auszüge aus ernster Gesang

下半場:馬勒第七號交響曲 | G. Mahler: Symphony No.7

 

第一段節目的重點,是由音樂節主席與執行長線上開幕祝賀儀式/致歡迎詞

並緬懷過去的總監:阿巴多(Claudio Abbado, 1933-2014)

然後邀請作曲家 Lisa Streich(b.1985)(圖中)上台致詞,並由專門演奏當代音樂琉森室內樂團,演奏她的世界首演現代樂曲《圓舞》:

Lisa Streich (*1985):for small orchestra | world premiere

 

琉森音樂節對於當代的創新音樂,推廣不遺餘力

 

音樂總監夏伊(Riccardo Chailly)在音樂會演奏之前致詞時更說:「演奏當代音樂不僅只是追求現代,而是為了連結過去...」,一語道進當代音樂對於「過去、現在、未來」的重要性

 

接下來,音樂會由輓歌般作品開場:

沃夫剛.黎姆:Auszüge aus ernster Gesang

 

稍作休息之後,樂團滿編全部上舞台,演出今晚的重頭戲:馬勒第七號交響曲

來自全球各地的琉森節慶管弦樂團團員,昨晚給出了超級、超級、超級迷人的現場馬勒演奏

 

 

其實,馬勒第七號屬於不容易被理解的作品:

音樂中那股夜的氛圍,加上無法預測的旋律感,還有歐洲度過世紀末哀愁與不確定之後,猶太人那股「身處逸樂,卻憂心災難」的大時代不安感,許多轉瞬即換的美好與憂愁,都真實地出現在馬勒的音樂之中

音樂彷彿身處黑暗中的交響巨人,出發、倒下,又再次站立起來,迎向最終的光明與勝利

歷經四個樂章,最終正式綻放的燦爛第五樂章,樂團團員們在夏伊的強勢帶領下,更讓KKL廳音響幾乎直接爆棚,聽得我血脈噴張,心花也跟著朵朵開

謝幕時,全場觀眾更是起立鼓掌致敬,掌聲歷久不歇

 

音樂會後.遇見作曲家 Lisa Streich

音樂會結束,我馬上遇見作曲家 Lisa Streich,告訴她我們一行人來自台灣,我很喜歡她在作品中嘗試的新聲音,弦樂的顫弓、滑音等技巧,在觀眾席都能清晰感受到這些音色的不同。

 

關於音樂導聆.我們最重視的一環

為了讓所有團員在每一場音樂會前,能有最深刻的理解與對於即將欣賞作品、音樂家的認識,我們連續三天包下文華東方的會議室,作為每天上午的音樂導聆專屬場地~經過仔細導聆介紹,全團同學們在晚間音樂會現場聽過後,樂不可支,也有人感動落淚~在隔天早上的第二場音樂導聆時,更紛紛表達出對馬勒音樂的理解與喜愛;我想~這就是推廣音樂的過程中,身為授課老師最大的喜悅

 

 

 

 

 

 

 

我常說,關於馬勒音樂的欣賞,世界上只有兩種人:「喜歡馬勒的,跟沒有聽過馬勒的😊」

曾有學員告訴我:「老師,還有第三種:『正在慢慢喜歡馬勒的~』」

不曉得,你又是哪一種呢?😘

 

2024.8.17. 瑞士琉森音樂節 Day.2

- 麥凱萊指揮琉森節慶管弦樂團

鋼琴獨奏.安斯涅(Leif Ove Andsnes)

 

曲目:
孟德爾頌:《芬加爾洞窟》序曲
葛利格:a小調鋼琴協奏曲
舒曼:第二號交響曲

 

經過上午導聆,下午各自精彩的行程排後,晚間全體團員再次入場KKL,欣賞當今樂壇當紅天之嬌子,帥到人神共憤、天理不容的超人氣指揮家~麥凱萊(Klaus Mäkelä)

這場好久之前就全場 Sold out 的指揮琉森節慶管弦樂團音樂會

這場音樂的曲目共同點是「十九世紀浪漫」與「萊比錫」

麥凱萊今晚全程不用指揮棒,只用雙手帶領樂團(以 EX王羽佳 協奏影片示意):

 

他的手勢本來就非常美,在他指示進入音樂後,故事性與音樂方向實在漂亮~每一曲完畢,都受到現場觀眾們熱烈的掌聲;

 

我們近距離地欣賞(今晚坐第八排),更能感受到來自世界各地的管弦樂團音樂家們,對他顯現出的喜愛與尊敬(才28歲!!!)

 

《芬加爾洞窟》作為今晚開場,音樂性非常悠揚,力度對比之間明確而優雅,頗有搭船徜徉在海中之感(示意影片)

https://www.youtube.com/watch?v=3Qbt0J3PMXg

 

葛利格鋼琴協奏曲是安斯涅的「戰馬」,音色精緻絕美自不多說,許多精彩的「彈性速度」處理與「歌唱感」,讓這首協奏曲有了更豐富的生命力,而且如詩篇般的意境,優美極了

 

安斯涅演奏葛利格示意影片:

https://www.youtube.com/watch?v=liFdIN2vUr4&t=49s

 

精彩的謝幕時刻

 

 

下半場的舒曼第二號,是麥凱萊的招牌曲目,全程背譜指揮

一直很重視指揮過程中「不干擾樂團」的他,時不時上演「拍點消失術」,將音樂主控權交給團員們發揮,全體團員更賣力地演奏與互動,真的非常有音樂節才有的歡樂感

曲畢,全場熱烈掌聲更是連綿不絕,充分感受到這位票房長紅、備受觀眾與樂手喜愛的28歲年輕指揮家不凡的魅力

 

 

欣賞麥凱萊的音樂會,還有一點很有趣~就是出場時他總是梳著整齊的油頭,帥氣非凡;但經過一整場音樂會的摧殘,每每終場時已經變成一頭散髮,看得哥哥姊姊們好心疼,因此掌聲更加熱烈了~

 

音樂會的票券...真的不便宜

 

散場時,我偷偷問場邊工作人員:「你能不能告訴我,巴倫波因明天會出現嗎?XD」

他笑著回答:「哈哈~我什麼都不知道喔XD~」

我說:「你一定知道為什麼我會這樣問你?XD」(巴倫波因近年身體不佳,常常取消音樂會)

他笑得更高興:「我知道~~~」

我們相視而笑,然後我與現場兩位工作人員合影留念,告訴他們我們全團來自台灣,他們超高興~

 

今晚大家帶著歡樂、滿足與姨母微笑,回到飯店休息

已經開始期待明晚巴倫波因與慕特將攜手帶來的布拉姆斯小提琴協奏曲~

 

2024.8.18.瑞士琉森音樂節 Day.3

巴倫波因指揮東西聯合交響樂團

小提琴獨奏:慕特

昨晚是蹦藝術藝旅團的KKL第三場音樂會

活躍音樂舞台超過一甲子的巴倫波因,之前因為身體不適而經常取消音樂會,昨晚音樂會如期舉行,已經是我們最大的幸運

 

聽一場、少一場

親眼看到大師的時候,就能夠理解還能現場欣賞到他的音樂會,是多麼的珍貴,也感受到人生健康的重要

慕特在布拉姆斯的小提琴協奏曲中,展現了她淋漓盡致的琴藝與領導能力~她甚至彌補了巴倫波因動作遲緩帶領樂團能量不足之處,直接在舞台上直接扛起獨奏者兼領奏者的任務,非常佩服

 

 

 

下半場的音樂因為巴倫波因的健康因素,由荀白克的《貝利亞與梅利桑德》改為貝多芬第七號交響曲

東西聯合管弦樂團主要以阿拉伯人與以色列人所組成,成立迄今為第25年,是樂團重要的年份;也展現出透過音樂,人類可以跨越紛爭,政治,甚至超越戰爭,而能夠彼此和平的對話(這也是之後慕特跟我聊天的時候一直提到的重點)

謝幕時,全場觀眾起立鼓掌致敬,掌聲歷久不歇,彷彿向大師過去的榮耀致敬,也獻上最真摯的祝福

不是最滿意的一場音樂會,但卻是這系列刻骨銘心、最傳奇的一場

 

縱橫樂壇超過一甲子的夕陽餘暉 - 巴倫波因

 

音樂會畢,全團互相擁抱,更是見證音樂高於政治與種族分岐的動人一刻

 

結束連續三天於琉森音樂節的音樂會快樂時光

 

 

仁斌老師於文華東方的奇遇

美好的一天,從遇見慕特開始❤️

早餐遇見大明星😘😘

一早在飯店餐廳裡,我正在跟服務生討論要坐哪桌的時候,看到慕特優雅地往我這邊慢慢走過來😘

我的老天鵝🦢啊,太驚喜了🌟

趁著她還獨自一人,我湊過來與她聊天:告訴她,非常非常喜歡她的音樂❤️(也告訴她今年她來台灣演奏時,我也在)

她提到巴倫波因成立的東西聯合交響樂團,是一個超越種族,超越政治,非常獨特的管弦樂團,能夠與他們合作是非常大的喜悅(樂團有以色列與阿拉伯人、歐洲,與亞洲人,超越了一切戰爭與種族的議題,大家以音樂團結在一起)

昨晚她與巴倫波因的合作,除了是音樂家們多年的友誼見證;雖然大師夕陽🌇,即將落幕,但更顯出這將會是傳奇的一場音樂會🎵

然後我有告訴他我們是蹦藝術的藝旅團,特別從來台灣來到瑞士琉森欣賞她的音樂會😉🎵

有圖有真相,一定要合照留念💕(太快樂了,一定要放三張照片才能表達,對吧~)

 

 

 

後來我跟飯店的工作人員聊天,她們說慕特每次只要來琉森,就會入住文華東方;我想她一定是一位相當戀舊的人,對於習慣的飯店,會不斷回訪。(想要遇見慕特的同學們,一定有都聽懂我說的意思吼~對吧😉)

 

慕特在琉森,也有音樂座談會活動

 

琉森.還能怎麼玩?

Part.1 華格納博物館 - 與柯西瑪的避居之地

8月拍攝於琉森華格納博物館的照片💕

在華格納與柯西瑪曾經居住過的故居,看著一幅幅的照片與資料,還寫下了給華格納便利貼~

身處真實環境之中,遙想當年他們在此居住的生活場景,真讓人心生無限感動

 

 

 

齊格飛牧歌

E大調小型管弦樂團交響詩,WWV 103(寫於 1870年)

Tribschen,華格納與柯希瑪的避世田園小屋

 

撞臉華格納.Kuso一下

 

與幾位團員,在自由行時造訪華格納博物館

 

華格納居住於此時之油畫(左為科西瑪,右為李斯特)

 

 

 

除了歌劇之外,華格納還創作了少量管弦作品。主要原因是他不願意創作不屬於戲劇神聖性、或者他不符合他思想根本的音樂(亦即符合他創作的純粹性)。

 

《齊格飛牧歌》首演的樓梯間

 

華格納的《齊格飛牧歌》(Siegfried Idyll)原稿的完整標題是:「特里布森田園詩,帶有 Fidi 鳥歌與橙色日出,由理查送給他的科西瑪的交響生日祝福, 1870年。」(直譯)(Tribschen-Idyll, with Fidi-Birdsong and Orange Sunrise, presented as a symphonic birthday greeting to his Cosima by her Richard, 1870.)

而標題中的「齊格飛(Siegfried )」其實不是指環四部曲中的英雄人物:齊格飛。反而是指他與柯西馬所生的小兒子「齊格飛」,他的小名是「菲迪」(Fidi)。

「橘色日出」則是指科西瑪臥房壁紙的顏色,它總是明亮地反射著晨光。

儘管有時會欣賞到由完整編制的管弦樂團所演奏之版本,但華格納最初是寫給為 15 位演奏者的小合奏團編制。

溫馨的首演故事是這樣的:

1870 年聖誕節早晨,華格納在秘密準備和排練《齊格飛牧歌》後,在住家的樓梯間召集了他預先約好的15人小型管弦樂團,並用實際演奏,喚醒了正在睡覺的科西瑪(科西瑪的生日是 12 月24 日;華格納一家人總是一起慶祝這一天和聖誕節假期)。

科西瑪被如此美妙的音樂驚醒,又驚又喜;在這場迷你首演後,華格納向科西瑪與孩子們展示了樂譜。

《齊格飛牧歌》是一部非常具有親密感的作品,因為這一年華格納和科西瑪相戀多年,也誕下了三個小孩,他們終於等到 1866 年科西瑪離開她的第一任丈夫、指揮家漢斯·馮·畢洛,華格納也終於等到了前妻敏娜離世,兩人經歷了許多充滿壓力的歲月,這年~其實只是他們結婚的第一年。

https://www.youtube.com/watch?v=Ry59vzTUL24

 

科西瑪在生日當天收到這麼美的樂曲作為禮物,當天不斷地哼唱,開心地飄上了天

 

據說原本華格納不打算出版這部作品,但迫於財務問題,他後來於 1877 年授予出版商出版。

 

《齊格飛牧歌》完整版本

https://www.youtube.com/watch?v=ci8uNw-LzSE

 

Part.2 「Senar」拉赫曼尼諾夫的長居之所

1932年,拉赫曼尼諾夫在瑞士買下一棟別墅,取名為「Senar」,並在此創作了受人注目的樂曲,著名的《帕格尼尼主題狂想曲》(Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43, 1934),以及《第三號交響曲》(Symphony No.3 in a minor, Op. 44, 1935-6, rev. 1938)。

《帕格尼尼主題狂想曲》再一次讓拉赫曼尼諾夫重拾偉大作曲家的名譽,而俄羅斯芭蕾舞家福金(Mikhail Mikhailovich Fokine, 1880-1942)更依據他的指示,將其編成芭蕾舞劇。

 

琉森音樂節音樂總監夏伊的介紹影片

https://www.youtube.com/watch?v=ZpkHWS1NGwM

 

1939 年,二次世界大戰在歐洲所引起的動亂,讓拉赫曼尼諾夫決定離開。回到美國後,他創作了最後一首著名的《交響舞曲》(Symphonic Dances, Op. 45, 1940), 本來也有意請福金編成芭蕾舞劇,但隨著福金的去世,計畫也無法實施。

 

1940年左右,拉赫曼尼諾夫指揮樂團的身影

 

https://www.youtube.com/watch?v=DsCowtIGK_4

 

1942至1943年是拉赫曼尼諾夫最後的巡迴演出樂季,因為他想退休,回到比佛利山莊的家,在家好好休養。

1943年2月17日,在諾斯維爾(Knoxville)舉行最後一場獨奏會之後,不久便證實他因身體不適被診斷罹患末期癌症,雖然莫斯科傳來慶祝他七十歲生日的計畫,但他從未知曉;同年3月28日病逝於美國加州的比佛利山莊,享年七十歲,之後遺體被移往紐約州,葬在一所俄國東正教的墓園裡。

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

諾斯維爾為拉赫曼尼諾夫所製作的「最後音樂會雕像」

 

最後的浪漫

拉赫曼尼諾夫受浪漫時期的音樂前輩很深,特別是蕭邦、李斯特 (Franz Liszt, 1811-1886)以及柴可夫斯基。他尤其喜愛蕭邦、李斯特那種如歌式的旋律以及豐富音響的音樂架構。

在拉赫曼尼諾夫的求學期間(1882-1892),柴可夫斯基在樂壇中的地位已無人可及。他對年輕一代的拉赫曼尼諾夫十分賞識,在拉赫曼尼諾夫剛成為職業音樂家時,也給予他許多親切的幫助,可惜不久後卻撒手人寰。柴可夫斯基的早逝使莫斯科的音樂界領導人出現斷層,雖是如此,卻也讓後繼的新生代有嶄露頭角的機會。最明顯的是拉赫曼尼諾夫及史克里亞賓(A. Skryabin, 1872-1915),前者致力於承續傳統,後者則致力於開創新風格。

在史特拉汶斯基(Igor Stravinsky, 1882-1971)於巴黎發表了《春之祭》(The Rite of Spring)後, 保守派的作曲家由於已無超越的創新之作,而陷於困境的泥沼之中。在這樣的大環境之下,當時的拉赫曼尼諾夫仍堅持用傳統的方式訴說他的音樂理念,在紛亂、 求新求變的 19 世紀末的俄國,帶來一襲令人得以喘息的復古清流。

1909年作的「死之島」(The Isle of the Dead Op. 29),以及晚期的鋼琴作品和歌曲中。然而這些早期與後期作品比起來,雖然較缺少結構上的變化,但卻充滿前輩柴可夫斯基的影子:例如龐大的管絃樂配器方式、強烈的音樂情感與旋律~以及那多愁善感的俄羅斯音樂風格。

拉赫瑪尼諾夫在1892至1910年間,爲鋼琴寫了二十四首前奏曲, 分別是 op.3 No.3的升c小調(一首)、Op. 23(十首)、Op. 32, (十三首)。這些樂曲風格有內省的、熱情的以及表現技巧;但無論是哪一種風格,這些音樂都是鋼琴作品中的珍品。

拉赫瑪尼諾夫的音樂是以悠長寬廣、而又充滿無止盡憂鬱的旋律,表現出獨樹ㄧ幟的才華。因為本身也是ㄧ位傑出的鋼琴家,所以 常開發出鋼琴屬於鍵盤樂特有的效果:大跳的八度音、大音程距離的 琶音、以及雙音的音型等,都完全充分反映出他的鋼琴風格。

 

當拉赫曼尼諾夫獲知自己罹患癌症末期時,他曾說出這句話:「My dear hands. Farewell, my poor hands.」。這句話存在非官方紀錄,但我們卻能想像這位音樂家是多麽愛著自己的雙手…

 

深情款款.詩意盎然之雙鋼琴

The Night…The Love…”,靈感來自拜倫的詩歌

枝頭傳夜鶯響聲鳴唱

這是戀人絮語中盡顯甜蜜誓言的時刻

煦煦和風與流水淌淌溫柔為伴

為孤獨雙耳奏出陪伴之樂....

"It is the hour when from the boughs The nightingale’s high note is heard, It is the hour when lovers’ vows Seem sweet in every whisper’d word, And gentle winds and waters near, Make music to the lonely ear....."

https://www.youtube.com/watch?v=S5orgRFM_Ow

 

Part.3 市區美景連連

琉森 - 處處皆美

隨手一拍就是無敵美景😘

走在羅伊斯河畔,卡貝爾橋(卡貝爾橋 Kapellbrücke)旁,以手機拍攝60張照片,拼圖的全景照

卡貝爾橋(Chapel Bridge)是盧森的地標之一,位於車站旁、羅伊斯河畔接近盧森湖的出口處;橋的北岸有一座聖彼德教堂(St. Peters-Kirche),因此也常被稱為「教堂橋」。

 

Part.4 美麗的城市與旅客

擁有如此美麗湖岸的城市,自然少不了浪漫的遊客是如詩如畫的市區風光,用我拍攝照片說明~

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Part.5 美食無數

比起講美食,我比較擅長吃美食...XD

瑞士消費水準頗高,在此的食衣住行,端看個人想法;蹦藝術所規劃的藝旅團,絕不在飲食上馬虎,總是給團員們最精緻的美味料理

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

...等等,十幾天下來,美食無數

 

秘密景點:華格納經常用餐的餐廳

現在改裝為相當美味的中餐館,相當好吃喔~

 

【隱藏式玩法】包船暢遊琉森湖

團員盧大哥,玩遍全世界,他提出包遊艇搭船出航琉森湖,馬上一票粉絲搶著搭船😘😘😘

這些就是我們的精彩照片選集


阿巴多與琉森音樂節

馬勒第一號交響曲

https://www.youtube.com/watch?v=4XbHLFkg_Mw&t=304s

 

馬勒第二號交響曲《復活》

https://www.youtube.com/watch?v=4MPuoOj5TIw

 

馬勒第三號交響曲

https://www.youtube.com/watch?v=9Yr720ftjaA&t=4415s

 

馬勒第四號交響曲

https://www.youtube.com/watch?v=YnfhInZLmUQ&t=2721s

 

馬勒第五號交響曲

https://www.youtube.com/watch?v=vOvXhyldUko

 

馬勒第六號交響曲

https://www.youtube.com/watch?v=YsEo1PsSmbg

 

馬勒第七號交響曲

https://www.youtube.com/watch?v=QdxvC7NNSLQ&t=1422s

 

馬勒第八號交響曲《千人》

夏伊指揮琉森節慶管弦樂團 Live'

https://www.youtube.com/watch?v=Wjc-0nqVZqs

 

馬勒第九號交響曲

回到創作最初

讓我們從交響曲的最終段落(Adagissimo)談起。

甚慢板,幾乎沒有速度感~配器只剩下弦樂演奏,全部上弱音器,音色更是幾近虛無,在現場聆聽時,您會體驗到幾乎窒息,無法呼吸的狀態...

https://youtu.be/ah3mcaRpc9Q?t=4625

 

Adagissimo譜例

 

最後段落,音樂極其緩慢、似乎融合了痛苦最大的聲音:哀莫大於心死

在這一刻,聲音與沈默、生存與死亡之間的距離,幾乎全部消失。

生與死,真的那麼重要?

最後一個小節,力度甚至被標記為 Pianississimo(pppp),且停頓非常長的時間

馬勒寫下了——「Ersterbend」(逝去),彷彿他怕我們從音樂中仍然無法清楚得知他要傳遞的訊息...

這真的是馬勒的最後一部完整的交響曲:在他目睹了女兒的死亡,當他意識到自己的生命將因不可逆的心臟病而縮短,妻子的外遇、家庭的可能破碎...

所有聲音的逝去,伴隨著1910年的大時代,馬勒藉由這首作品,在這最後的幾分鐘,發出了微弱的信號。

這段音樂甚至預示著一位偉大的藝術家,作為當代歐洲文化英雄形象的垂死掙扎。

第九號交響曲的最終幾分鐘,就如同歷經燦爛、洗盡鉛華的真實自我,面對即將來臨的虛無飄渺,或許可能是人生的下一段旅程,面對逐漸逝去的生命、無以為繼的凋零...

而我們能做的,可能只剩下深深地嘆息

伯恩斯說,馬勒的音樂,最後都化作了虛無。

我認為——當馬勒的音樂變得更慢、更安靜、更空無一物,但在聲音和內容上變得更令人驚嘆、令人驚嘆的精神化:Less is more

這種音樂,代表的只有唯一情緒:死亡。

要欣賞這首交響曲,您別無選擇,只能穿越這一層層紗,在理解馬勒生平之餘,試圖感受這位音樂家的思想。

 

阿巴多2010年於琉森音樂節指揮馬勒第九號:最後五分鐘的動人演奏

https://www.youtube.com/watch?v=81AFdWXLNCU

 

2014年 琉森音樂節阿巴多紀念音樂會

第三號交響曲第六樂章最後的演奏

尼爾森指揮琉森節慶管弦樂團

2014年阿巴多去世之後,尼爾森接下這場琉森音樂節第三號交響曲的指揮任務,圓滿完成之餘,全體團員在舞台上汗淚俱下,無法開心地慶賀音樂會演出成功,音樂…阿巴多已經永遠地離開了大家…

 


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 從鍵盤到交響,李斯特的鋼琴魔性(五)淨化.昇華與沈潛:談李斯特晚年的音樂創作

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All about Liszt - 5

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  • 課程內容

    風靡全歐的鋼琴之神—李斯特

  • 第一堂|鋼琴之神.音樂偶像始祖:談李斯特的生平

拉生於匈牙利,學於維也納,成名於巴黎,席捲全歐洲的鋼琴之神李斯特,他的音樂承襲深厚技術根基,影響深遠。「只要彈過李斯特的作品,幾乎沒有不能演奏的作品了」,可說是全世界鋼琴家的共識,這也代表著他的音樂中,包含著無與倫比的深厚技術根基,而他的音樂是如何形成?李斯特旋風又是如何席捲當時的歐洲呢?林仁斌老師將帶領學員們解析李斯特音樂背後的奧秘,探索他在當時歐洲的影響力。

  • 第二堂|炫技王者:談李斯特的魔幻改編名曲

這堂課程,林仁斌老師將以李斯特充滿魔性而狂放的改編作品,為您解析李斯特音樂中的艱難與腦洞大開的演奏技巧。

解說曲目:《魔王》、《弄臣》、《唐懷瑟》、《夢遊女》...等精彩作品

  • 第三堂|交響詩創始者:談李斯特的主題與變形

李斯特於19世紀後半創新的「交響詩」(Symphonic poem)曲風,突破了傳統交響曲框架,著重音樂中的敘事性與主題發展,達到「以音樂說故事」的全新思維模式,是在白遼士首創《幻想交響曲》之後的管弦全新篇章。

本課程將解析其音樂設計,並與白遼士《幻想交響曲》相比,深入探討李斯特的音樂的「狂放」特色。

  • 第四堂|協奏交響曲之輝煌年代:談李斯特的兩首鋼琴協奏曲

李斯特的兩首鋼琴協奏曲,尤其是第一號,四樂章連貫;而第二號鋼琴協奏曲同樣是「交響協奏曲」之最佳典範,更是每位鋼琴家於浪漫時期所必須淬鍊而後才能綻自我之試金石。在課堂上,林仁斌老師將透過樂譜解讀,深入品評這兩首重要的作品。

  • 第五堂|淨化.昇華與沈潛:談李斯特晚年的音樂創作

李斯特晚年對宗教極感興趣,音樂中流露濃郁宗教色彩。自1877年後,他對荒涼、絕望和死亡產生深刻思考,反映在音樂及信件中。在課堂上,林仁斌老師將從李斯特從早年的鋒芒畢露,到晚年的昇華沈寂,帶大家以音樂創作,探索李斯特生命中的巔峰與低谷。

  • ※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


炫技鋼琴家代表.李斯特

Portrait of Franz Liszt (1811-1886), composer and pianist, 1839. Artist Henri Lehmann. (Photo by Heritage Art/Heritage Images via Getty Images)

 

李斯特的雙親

父親 亞當.李斯特(1776-1827)

李斯特之父:Adam Liszt

 

母親 Anna Liszt 

李斯特之母:Anna Liszt

 

李斯特生平年表


    • 第五堂|淨化.昇華與沈潛:談李斯特晚年的音樂創作

    李斯特晚年對宗教極感興趣,音樂中流露濃郁宗教色彩。自1877年後,他對荒涼、絕望和死亡產生深刻思考,反映在音樂及信件中。在課堂上,林仁斌老師將從李斯特從早年的鋒芒畢露,到晚年的昇華沈寂,帶大家以音樂創作,探索李斯特生命中的巔峰與低谷。

 

1886年 李斯特最後的照片

 

承上方年表,李斯特在威瑪時期之後,漸漸進入了人生的晚年時期。

而李斯特在晚期的音樂創作中也受到了當時浪漫時期的時代精神影響,他在演奏與作曲技法上進行了新的探索,例如:

運用全音音階、五聲音階、不預備和不解決的九和弦、四度疊加和弦、半音化和聲、三度循環構成的終止式...等等。

 

〈李斯特的先知運動──從後期樂派中尋找共鳴〉陳光群,2016

關於李斯特於晚期創作,對於後世的影響與特色,在此引用「陳光群,2016,〈李斯特的先知運動──從後期樂派中尋找共鳴〉,《南藝學報》」一文中精闢說明之文字,以清晰段落標示,與蹦友們分享:

從李斯特的作品我們可以發現,他與許多的現代樂派作品共同採用的作曲元素包括平行音階、全音階、三全音、無調性和絃(non-functional Harmonies)、增和絃、模糊調性、不和諧音,而其中李斯特運用增和絃的方法在和聲樂理歷史中占了重要的地位。

晚年的李斯特有某種程度上的抑鬱症,而這反應在他的音樂中是更為脫離現實、縹緲無界的意境,正與印象派藝術理念所追求的抽象和神秘有著不謀而合的機緣。

因此李斯特的「印象派」 理念也被世人認為他擁有一個不可思議的預知。

1860 年後李斯特一連串的人為事件,導致他從擔任德國魏瑪宮廷指揮的輝煌時期逐漸走下坡。41861 年李斯特輾轉移居到羅馬,性格由理性逐漸轉向迷信,篤行神秘與超自然──宗教鬼神,往後十年中他喜愛採用宗教為題材並傾向於鋼琴形式的作品,曲風上也轉變為自由、簡單與不和諧。自由的創作是後浪漫派主義藝術家極盡努力追求的理念,而晚年的李斯特在作曲方面處處可讓人體現不受拘束、思想奔放、找尋新靈感和新事物的特質,這種突破性的思想完全呈現了印象派主義者追求的藝術概念。


ㄧ、李斯特對印象派之影響

印象派主義崇尚神秘與未知的世界,8而李斯特早已與德布西一樣懂得靈活運用音樂以外的元素(extra-musical sources)來強調與整體藝術性的連結,例如表達色彩、節奏、氣韻和空間感的豐富變化,這些元素使外在的形象昇華至最純粹的本質。9在德布西的作品中可以發現許多傳統樂理的運用,值得一提的是,他發揮李斯特的炫耀式技巧,用不平凡的方法來操作,例如七度,九度和十一度和絃,沒有固定形式的走向,拋棄大調、小調,靈活運用增和絃與全音階。另外一個作曲特點就是在和絃中大三度和小三度音程的任意變換,使音樂能不受限制地轉調。整體來說,德布西在處理調式、和聲、技巧和節奏上變化多端,將光線、色彩、陰影和律動表現極為豐富,讓他的音樂擁有聽覺與視覺相互交錯的美感,因此成為印象派革命性的代表。這些音樂元素中,已經出現在李斯特的音樂作品中,並且絕大部分被印象派音樂家所採用。

浪漫派主義藝術家極力追求的自由不受拘束、思想奔放、找尋新靈感和新事物的理念,在二十世紀轉換為巴洛克與古典主義的復甦結合,主張音樂應該精簡、文雅且機靈。浪漫派主義所期許沉重和聲以及高修飾度旋律感在印象派時期變得精煉澄澈。李斯特雖然不屬於印象派,但某些音樂元素及運用方法已經呈現上述的印象派理念。從下一段落的探索讓我們瞭解為何李斯特作品中的和聲與音色讓他被稱為印象派音樂的先驅。


二、李斯特對於現代樂派之影響

如同貝多芬的音樂對當代及後進作曲家的深遠影響,十九世紀至二十世紀初的西歐洲音樂亦深受華格納(Wilhelm Richard Wagner﹐1813-1883)的魔咒籠罩,11直到德布西的出現才解除。華格納歌劇中神秘、奇幻和靈活運用主導動機(leitmotiv)的方式讓印象派

人士迷戀不已,也讓德布西為之著迷。然而 1859 年華格納寫給鋼琴家畢羅(Hans Von Bulow﹐1830-1894)的一封信中,提到他坦然承認自從了解李斯特的作品後,他便成為了一個「截然不同的和聲家(harmonist)。」12李斯特不僅在和聲學上讓華格納煥然一新,李斯特對主導動機的使用方法也讓他欽佩不已,華格納對李斯特的《交響曲詩歌 S.95-107》(Symphonic Poems)癡迷,特別是其中的《前奏曲 S.97》 (Les préludes) 和 《奧菲斯 S.98》(Orpheus),他認為李斯特雖採用簡約配器卻能讓動機以及旋律所產生的作用極具創新力。

繼印象派之後,李斯特繼續對二十世紀初作曲家例如巴托克(Béla Bartók﹐1881-1945)、史特拉文斯基(Igor Stravinsky﹐1882-1971)的曲風有深遠的影響。13巴托克被稱為是匈牙利樂曲之父。在作曲歷程中,他把李斯特作為重要的學習模範,有學者甚至認為巴托克是李斯特匈牙利樂曲的傳承人。141921 年巴托克在他的自傳寫到,從 1903 年開始他以李斯特的交響曲為主要學習動機,並且繼續把匈牙利民間音樂推廣至全世界。不論是巴托克的 《第一號狂想曲 Sz.86》 (Rhapsody No.1)還是 《第一號交響樂組曲 Sz.31》 (Orchestral Suite No.1),都能讓樂迷感受到李斯特的身影。李斯特給予音樂無邊的想像力,因為他的音樂裡沒有時空的限制,造就了作品中的元素與二十世紀音樂產生共鳴。

 

李斯特:管風琴曲《幻想曲和複格》S.259 (Ad nos, ad salutarem undam)

https://www.youtube.com/watch?v=cbhyFVJP0wA

 

德布西:《帆》(Voiles)~選自《前奏曲》

https://www.youtube.com/watch?v=FVV0jkZC4jI


李斯特:《巡禮之年:第二年 - 義大利》 II S.161 第一首:〈婚禮〉 

Sposalizio S.161 No. 1

https://www.youtube.com/watch?v=nfGSDF_L-GA

 

https://www.youtube.com/watch?v=Yh36PaE-Pf0


〈艾斯特莊園的噴泉〉(Les jeux d'eaux á la Villa d'Este)

https://www.youtube.com/watch?v=-w5l9KkbN70

 

拉威爾:《水之嬉戲》(Ravel - Jeux d'eau)

https://www.youtube.com/watch?v=jnKFIp7CahY


李斯特:《灰色的雲》S.1991881

https://www.youtube.com/watch?v=tYKl41e_hoU

 

德布西《雲》~選自《三首夜曲》

https://www.youtube.com/watch?v=s9rp2owmY7E


李斯特:《凶兆.災難》 S.208

https://www.youtube.com/watch?v=eDikkrszlI0

 

李斯特〈但丁詩篇讀後感-奏鳴曲風幻想曲〉

Liszt: Dante Sonata / Fantasia Quasi Sonata 

李斯特〈但丁詩篇讀後感-奏鳴曲風幻想曲〉係閱讀作家雨果(Victor–Marie Hugo, 1802–1885)之著名詩篇《但丁詩篇讀後感》而得到之靈感,其中的「主題」與「變形」,以及高超技巧與對於作品之想像,更是超凡~

 

雨果:《但丁詩篇讀後感》朗讀版

https://www.youtube.com/watch?app=desktop&v=aS7CzWNjRcw

 

神曲》由〈地獄篇〉 、 〈煉獄篇〉 、 〈天堂篇〉 三個詩篇(cantica)組成,每個詩篇分為若干長短不一的章(cantos),每章由數個三行一組的節(stanza)構成,除了地獄篇為三十三章加序詩一章為三十四章外,煉獄篇和天堂篇各由三十三章組成,三篇合為一百章。除了工整嚴謹的架構外,數字「三」與「百」都有宗教上的含意:「三」為對應於聖父、聖子、聖靈的「三位一體」;「百」是完全、完善之數「十」的十次,喻指完全中的完全、完善中的完善。(劉會梁譯,2006,頁 13)。
在〈地獄篇〉與〈煉獄篇〉中,維吉爾受碧垂絲的指示為但丁作嚮導,〈天堂篇〉 中則由碧垂絲親自帶領遊歷。此二人在《神曲》中代表著二個重要的象徵:維吉爾代表人的智慧、碧垂絲代表神的恩寵,連接二者,是但丁的靈魂。整部作品從黑暗的森林到地獄、淨界,最後登至天堂的旅程,正代表人類由懵懂、掙扎,到救贖的心路歷程。(劉會梁譯,2006,頁 42)。
Theme I: 2:11. An agonising chromatic lament.

Transformation 1: 5:53

Transformation 2: 7:21

Transformation 3: 8:14 (an intricate and shimmering passage)

Transformation 4: 8:52 (here the chromaticism is removed, leaving a scalar reduction)

Transformation 5: 12:02 (Although the focus is on the LH tritone motif)

Transformation 6: 13:10

Transformation 7: 15:53 (a variation on transformation 3)

Transformation 8: 16:12 (a variation on transformation 4, played beautifully and with a rather unconventional texturing)

Transformation 9: 16:29 (a recapitulation of sorts)

"INTRODUCTION"

0:06 Andante maestoso. Introductory motif 1.

Tritones open the piece (Int1/Tri), evoking something in the vein of "abandon hope, all ye who enter here". Answered by a series of diminished triads at

0:18, before resolving to Ab. Repeated a minor third higher at 0:36.

1:04 Più mosso. Tri is developed (and transformed into 4ths/5ths/6ths, Tri*) over a descending bass line, which climaxes at

1:19 before reaching a cadence in G minor.

1:37 Introductory motif 2 (Int2), a rising harmonic minor scale and falling diminished 7th arpeggio in triplets.

1:46 Introductory motif 3 (Int3/Chr), a chromatic scale in the bass that foreshadows and transitions into the next section.

"A SECTION"

2:09 Presto agitato assai.

Int3/Chr is presented in octaves in both hands (note that it's present in the bass line), marked lamentoso (as if to convey the wailing/moaning of souls in Hell).

2:44 A brief fortissimo outburst, with a modified version of Int2 making an appearance in the LH.

2:48 Int3/Chr is repeated an octave higher, now marked disperato. Brief digression to F# minor at 3:10. Int1/Tri reappears at

3:21, followed by Int3/Chr.

3:30 Int2 again, this time modified to fit a chromatically ascending bass line. Repeated in the RH at 3:36.

3:44 A series of diminished 7th arpeggios and chromatic scales in octaves, sweeping up and down the keyboard.

3:57 Repeated octaves (a bit reminiscent of the first Mephisto Waltz), surrounding what's possibly a modification of the response to the tritones at the beginning of the piece. Ascends in minor thirds, before reaching...

4:06 ...Int1/Tri, transformed into 4ths/5ths again. Eventually fixates on a C# major triad, the dominant of F# major.

4:23 A massive climax, presenting a "less chromatic" modification of Int3/Chr (let's call it Chr*) accompanied by cascading octaves. Note the striking use of the E major triad, which briefly gives the theme a bit of a Mixolydian color! Modulates to Bb major, then C# major.

"B SECTION"

4:59 Tempo I (Andante). Int1/Tri repeated in G minor, then Bb minor.

5:40 Andante (quasi improvisato). Int3/Chr in F# major, completely recontextualized into something much more musically intimate.

6:39 Andante. Chr* again, in F# major. Maybe this theme is a representation of Beatrice? In any case, it modulates to Bb major, then D major.

7:14 Int3/Chr in G minor, retaining the accompaniment immediately preceding it.

7:54 Recitativo. A short transition to the next passage.

8:12 Int3/Chr in F# major, now presented off the beat over a rather luminous accompaniment. Briefly modulates to Ab major, then C major.

8:52 Back to F# major. Chr**, yet another "de-chromaticized" transformation of Int3/Chr. Repeated three times, climaxing on the third repetition with a quasi cadenza arpeggio.

9:30 The Recitativo theme is repeated three times, marked appassionato assai this time. Tritone harmony returns at 9:48.

"C SECTION"

9:58 Allegro moderato. The tritones in the bass are repeated, joined by Int1/Tri at 10:01. Tri* then appears at 10:12.

10:26 Tritones return again, along with a tremolando in the RH. Int2 reappears at 10:31, alternating with Int1/Tri twice.

10:54 Int3/Chr appears in the LH, ascending sequentially and climaxing at 11:11.

11:12 Int2 transitions into the next passage.

11:16 Più mosso. Tri* alternates with Int2 in Ab major, B major, and D major.

11:44 Climax. Major triads descending in whole tones, over chromatic octaves in the bass. After reaching Ab major, Tri* is restated at 11:57.

12:01 Chromatic octaves in the RH, combining Int2 and Int3/Chr, while the LH plays Tri/Tri* repeatedly.

12:19 Tri\*\*, now outlining a B major triad with the same rhythm as Tri. This becomes a restatement of Chr\* in B major at

12:24, with the LH crossed over the RH.

12:33 Chr* in G major.

12:44 The relative stability of this passage is disrupted by the augmented triad in the LH. Polychord of Gaugm7/Bb at 12:53.

13:01 Int2 all by itself (much like the introduction).

13:09 Tempo rubato e molto ritenuto. Int3/Chr again, presented in the same way that it began the B section.

13:54 Tri*, leading to a half-cadence in D major.

"D SECTION"

14:11 Andante. Chr* in D major, then F# major, accompanied by tremolos in the RH, then LH (crossed under).

14:49 Più mosso. Another transitional passage full of octaves.

15:03 Allegro. Chr*, presented much more triumphantly (much like the way it first appeared) in D major.

15:31 Chr* is interrupted by Int1/Tri.

CODA

15:52 Allegro vivace. Int3/Chr in the same form that it was found in the B section, now in D major and with a tremolo-like effect.

16:13 Presto. Chr** in D major, now with lots of annoying leaps!!!

16:29 Int3/Chr in the LH, climaxing at 16:41 with a series of chords descending in whole tones.

16:54 Tempo I (Andante). Tri*, followed by a decisive plagal cadence (vi-IV-ii-I) and one last statement of Tri* in D major.

https://www.youtube.com/watch?v=qRcyL333MbE


「神父」李斯特時期之主要創作:(Abbé Liszt,1861-1868)

 

李斯特的母親:安娜(Anna Lagager, 1788-1866)對宗教信仰十分虔誠。自小受到母親影響的李斯特,一生中也將宗教與信仰視為重要的課題。

1861 年,李斯特與波蘭公主卡洛琳的婚禮因為受到前夫的阻撓,未能得到教會的認可。而此期間又遇上長子與長女先後的辭世,在多重打擊之下,李斯特心靈沉潛,選擇循離塵世以求心靈的平靜。

1865 年,他於「聖方濟修道院」(位於歐洲東南部-克羅埃西亞)取得神父頭銜(Abbé Liszt),是正式的神職工作。

故李斯特此時期的鋼琴作品,從年輕時的狂熱與激進,轉而呈現出虔誠莊嚴、深度內化的宗教意象,如《巡禮之年-第三年》( Années de pèlerinage, Troisième année) 和〈傳奇曲〉(Légendes) 等,皆是最佳例證。

而如更進一步探索李斯特音樂上與宗教更趨近之的特質,他依據巴哈清唱劇主題所譜寫之 〈巴赫動機變奏曲〉 (Variations über das Motive von Bach),則同屬此時期之重要作品。

表格視覺化:

樂曲名稱 創作年份
〈巴赫動機變奏曲〉(Variations über das Motive von Bach) 1862
〈傳奇曲〉(Légendes) 1863
《巡禮之年-第三年》(Années de pèlerinage, Troisième Année) 1867-1877

 

https://www.youtube.com/watch?v=ulmhgxXFgsE

 

前奏曲「哭泣、哀悼、憂慮、恐懼」S.179(1859)

https://www.youtube.com/watch?v=VC1Za9z65Ds

 

李斯特:兩首《傳奇曲》

00:00 – 阿西西的聖方濟各向鳥兒佈道(St Francis of Assisi Preaching to the Birds)

10:08 – 保拉的聖方濟各在海浪上行走(St Francis of Paola Walking on the Waves)

https://www.youtube.com/watch?v=NX2XZ34ZelY

 

阿西西的聖方濟各向鳥兒佈道

 

保拉的聖方濟各在海浪上行走

 

李斯特:《巡禮之年-第三年》

Années de pèlerinage, Troisième Année

https://www.youtube.com/watch?v=bGYSPcHO0TI&t=1530s

 

 

【附錄影片】李斯特紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=ue8tSuatbFY

 

 

【附錄】李斯特創作總整理

*整理自維基百科「List of compositions by Franz Liszt」條目

編碼說明:


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【BON音樂】淺談葛利格:a小調鋼琴協奏曲

【BON音樂】淺談葛利格:a小調鋼琴協奏曲
About Grieg's Piano Concerto

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葛利格(Edvard Grieg)是挪威最著名的作曲家。

 

一、早年生活(1843 - 1862)
  1. 出生背景
    • 葛利格出生於 1843 年 6 月 15 日,在挪威卑爾根。他的母親是葛西爾・哈格魯普(Gesine Hagerup),父親是亞歷山大・葛利格(Alexander Grieg)。母親是一位音樂愛好者,有良好的音樂素養,是在葛利格幼年時音樂啟蒙的重要推手。
  2. 早期音樂教育

    • 葛利格6歲時,母親開始教他彈鋼琴。9歲時嘗試作曲,展現出了很高的音樂天賦。1858 年,15 歲的葛利格進入萊比錫音樂學院學習。在學院裡,他師從莫謝萊斯(Ignaz Moscheles)等著名音樂家。在這裡,他系統地學習了鋼琴演奏和作曲技巧,接觸到了當時德國主流的音樂傳統,包括古典主義和浪漫主義初期的作品,這對他日後的音樂風格形成,產生了深遠的影響。
    • 例如,在萊比錫音樂學院的學習使他精通了古典音樂的曲式結構,如奏鳴曲式等。他的早期作品也可以看到對古典作曲技法的運用,但是他也在不斷探索如何融入挪威民族音樂元素。

 

二、中期生涯(1862 - 1890)
  1. 民族音樂的探索
    • 葛利格在 1862 年回到挪威,此時他深受挪威民族主義思潮的影響。挪威在當時正處於十九世紀浪漫時期,全面的文化覺醒時期,人們強烈希望展現自我民族的文化特色。於是葛利格積極投入到挪威民族音樂的收集和研究中。他進一步挪威的民間音樂家交流,收集了大量的挪威民歌和民間舞蹈音樂。
    • 他把挪威民間音樂的旋律、節奏等元素融入到自己的作品中。比如他的《挪威民間生活素描》(Slåtter),這部作品以挪威民間音樂為素材,以交響樂的形式展現了挪威的民間生活和自然風光。其中的旋律具有典型的挪威民族音樂特色,比如其使用了挪威民間音樂中常見的五聲音階,使作品具有濃郁的民族風味。
  2. 國際聲譽的建立
    • 接下來,葛利格的作品逐漸受到國際的關注。他的鋼琴協奏曲在歐洲各地演出,受到了很高的評價。1868 年,他創作了《a 小調鋼琴協奏曲》,這部作品是他的人生代表作之一:既有著浪漫主義音樂的抒情性,又巧妙地融入了挪威民族音樂的特色。其第一樂章以宏大的氣勢開場,鋼琴的主題旋律富有激情且具有挪威民間音樂的靈活性;第二樂章則是優美抒情的慢板,展現出挪威壯美的自然景色在作曲家心中留下的深刻印象;第三樂章是活潑的快板,有著挪威民間舞蹈的節奏特點。
    • 葛利格和當時很多著名的音樂家交往密切。他和德國作曲家布拉姆斯(Johannes Brahms)等互相交流作品和音樂理念。布拉姆斯對葛利格的作品也非常欣賞,這也使得葛利格在歐洲音樂界的地位不斷提高。
  3. 創作的多樣性
    • 除了器樂作品,葛利格也創作了大量的聲樂作品。例如他為易卜生(Henrik Ibsen)的戲劇《皮爾・金》(Peer Gynt)所作的配樂,使他的名聲更卓著。《皮爾・金》配樂包含了多首組曲,如《清晨》。《清晨》的旋律非常優美,描繪了日出時的壯麗景象,其旋律線條如同朝陽升起時的光線,由弱到強,和諧而明亮。在配器上,他巧妙地運用了管弦樂的音色,如弦樂的柔美、管樂的明亮,完美地呈現了自然之美,也反映了挪威的自然景觀特色。

 

三、晚期生涯(1890 - 1907)

 

  1. 健康狀況與創作
    • 葛利格晚年身體狀況不佳,但他仍然堅持創作。他的音樂風格在晚期更加成熟和內斂。他把更多的精力放在小型作品的創作上,如鋼琴小品和歌曲。他的晚期作品在情感表達上更加深沉,在技巧運用上更加精煉。
  2. 音樂成就的影響
    • 葛利格被視為挪威民族音樂的先驅,他的音樂作品激發了挪威後代音樂家的民族自豪感和創作熱情。在國際上,他的作品也被廣泛演奏和研究,帶動了挪威浪漫主義音樂的發展。他把民族音樂元素和浪漫主義音樂完美融合的方式,為後世作曲家提供了很好的範例。
  3. 逝世及遺產
    • 葛利格於 1907 年 9 月 4 日在卑爾根逝世。他留下的音樂作品,尤其是那些具有挪威民族特色的作品,至今仍然是世界音樂寶庫中的珍貴財富。他的故居現在也成為挪威的重要文化景點之一,吸引著眾多音樂愛好者和遊客前往懷念這位偉大的作曲家。

葛利格生平紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=1AI1_oinF4E

 

(文字整理轉載自作家 毆頭 撰文之「北國的蕭邦 - 挪威作曲家葛利格一文)

知名挪威作曲家愛德華葛利格(Edvard Grieg,1843-1907)於1843年6月15日,出生在挪威傳統古城卑爾根(Bergen),他在這裡度過了童年,以及成年的大部分時間。葛利格的父系與母系在貝爾根都頗具地位。父系,他的曾祖父亞歷山大(Alexander Greig,1739-1803),擔任英國駐貝爾根大使,十八世紀中從蘇格蘭移居到貝爾根,娶挪威女子,並且從事海產品貿易而致富成功。父親跟曾祖父同名(Alexander Greig,1806-1875),經營家族事業同樣被任命為英國駐貝爾根大使。

外祖父擔任過貝爾根愛樂學會首任音樂總監,母親格西娜‧茱蒂斯‧哈格魯普(Gesine Judith Hagerup,1814-1875),是貝爾根在地望族,曾經留學德國漢堡,是位詩人兼音樂家,也是葛利格音樂啟蒙的關鍵人物。

葛利格很小的時候就透露出作曲的強烈傾向,要他彈別人的音樂,他還寧願彈自己所寫的。他九歲開始作曲,浸淫在母親的詩文與音樂的教養,挪威無比的大自然風光之下,他的想像力毫無邊際的馳騁。不過當時他的作品結構略顯鬆散,直到去過德國訓練後才有明顯改善。葛利格日後也寫了許多鋼琴曲,因此被稱為「北國的蕭邦」。

葛利格為了音樂離開家鄉到萊比錫,同樣也是為了音樂回到家鄉。1858年,有「北國的帕格尼尼」之稱的挪威小提琴家奧利‧布爾(Ole Bull),推薦他到德國萊比錫學習。當時到德國學音樂是一種時尚,對於音樂表現傑出的學生來說也是一種必須。

1863年春天又前往丹麥首都哥本哈根尋求發展,當時的哥本哈根是北歐的文化藝術重鎮,葛利格在那裡度過了愉快的3年,與他在萊比錫的生活形成鮮明的對比。他在哥本哈根遇到了小他兩歲的表妹,同時也是歌唱家的妮娜(Nina Hagerup),兩人墜入情網並結婚,妮娜對於葛利格給予完全的鼓勵和支持,這也成為他日後成功的重要因素。

1863年在丹麥,作曲家蓋德(Niele Vilhelm Gade)經常給年輕的葛利格不少協助和鼓勵,葛利格因此開始對交響曲、鋼琴奏鳴曲、小提琴奏鳴曲等結構性樂曲的創作開始有了興趣與信心。另一位丹麥作曲家哈特曼(Johann Peter Emilius),他對北歐古代傳說的高度興趣,以及音樂中所呈現的簡潔曲風,也直接影響葛利格。

二十歲以前,葛利格的作品都是以鋼琴為主,之後認識了表妹妮娜開始寫一些獨唱曲,一生寫過兩百多首歌曲,其中非常喜歡採用挪威文學家、詩人的詞,他的歌曲大多採用挪威文、丹麥文、或是德文。

葛利格對於挪威土地的情愫早在他15歲離開家鄉前就早已萌芽,當時他的父親帶他去爬山旅行,挪威大自然的景觀留給他很深的印象,甚至讓他想成為畫家。他曾在美國傳記作家Finck的信中提到,「挪威人傳統的生活方式,挪威的傳說和歷史以及自然景觀,從早年起就在我的創作想像中留下烙印。」如今,這些美麗的挪威畫面都留在他的音樂中,他不僅是挪威國民樂派掌門人,更是第一個將大自然融入樂思的作曲家。

為了推動北歐音樂發展,葛利格與諾德拉克以及丹麥作曲家馬蒂生‧韓森、溫定、霍涅曼等人共同組成一個名為「優特培」(Euterpe,希神話中掌管音樂及抒情詩之女神,旨在演奏當代的斯堪地那維亞音樂。)的音樂組織。優特培主要目標是協助年輕的北歐作曲家得到演出自己作品的機會,強調創作民族音樂的宗旨,葛利格自己的「c小調交響曲」、「e小調鋼琴奏鳴曲」、「F大調小提琴奏鳴曲」、「幽默曲」都是在「優特培」的音樂會上完成首演。

1883年四十歲的葛利格,領了國家的供養金將近十年、事業家庭都相當圓滿的葛利格,持續地在他的挪威音樂路上前進著,這一年他又再度前往華格納的拜魯特音樂節欣賞華格納的最後樂劇「帕西法爾」。

在葛利格六十歲生日時,曾演講表達對故鄉的感念,「我的素材取自貝爾根以及周圍的一切,這裡的自然美景、人民生活、市政成就、以及各種活動都給予我靈感。我嗅著北海碼頭上令人興奮的氣味,我確信我的音樂蘊含著鱈魚風味。」

葛利格的音樂影響了柴可夫斯基、西貝流士、德布西等人,當然也影響了挪威自己的當代作曲家。當年他過世時,享年64歲的他,9月9日挪威為他舉行國葬,當送葬隊伍通過的街道時,沿途的房子都披上黑紗悼念,挪威人民懷念他,因為他使得挪威的情感與挪威的生命,存在世界上每一個有音樂的地方。

一起參訪挪威的葛利格博物館

Troldhaugen是挪威作曲家愛德華·葛利格(Edvard Grieg)及其妻子尼娜(Nina Grieg)生前之故居。Troldhaugen位於挪威卑爾根,是一座典型的挪威19世紀獨棟住宅,擁有全景陽台。葛利格的作曲家小屋剛好俯瞰著諾達斯湖,悠閒的居住品質為他帶來穩定的作曲創意。因為在都市裡的繁忙生活時,葛利格完全無法作曲,他一定需要回到這樣靜謐的郊區環境,才能產生作曲的動力與靈感。

 

葛利格的作曲小屋

 

 

觀光客到此參訪,整體來說就是參觀由葛利格博物館,葛利格居住的獨棟別墅,創作音樂小屋以及他和他妻子的墓地,近一步認識了解這位作曲家生前的主要活動範圍。

https://www.youtube.com/watch?v=Ysju4n8FNlk

 

葛利格:純正的挪威精神

https://www.youtube.com/watch?v=BkE8hs_9a6Q

 

葛利格博物館外觀

 

博物館的小表演廳

 

關於「Troldhaugen」,最有名的還有這首歌曲:

《Toldhaugen的婚禮日》(Wedding Day at Troldhaugen)是葛利格的鋼琴曲,出自他的抒情曲第八冊中的第六首,作品編號op.65。這首知名的抒情鋼琴小品為三段體曲式,令人開朗而感到振奮的舞曲節奏開啟了樂曲,抒情充滿情意的第二段落讓人感到時光的靜止,沈浸在迷人氛圍裡,像極了愛情~而作為第三段反覆的段落,讓我們再次沈浸於婚禮日的愉悅氣氛之中,忍不住想要一聽再聽。

這首《Toldhaugen的婚禮日》非常知名,也被廣泛地改編為各種演奏版本,更讓葛利格位於Toldhaugen的家,隨著音樂一同永垂不朽。

https://www.youtube.com/watch?v=PDnDFvEl0Mc

 

葛利格本人的演奏

https://www.youtube.com/watch?v=J_Ztjt7JuUY

 

筆者非常喜愛的長笛+管弦樂團改編版本

瑞典長笛家Göran Marcusson是一位多才多藝的長笛演奏家,在24歲決定走向職業音樂之路前,他曾當過砌房磚瓦工和電車司機。在1987年贏得了美國全國長笛協會青年藝術家比賽(NFA Young Artist)開始首次獲得國際聲譽。後來Göran Marcusson在芬蘭克魯塞爾獲獎,1991年在博登湖音樂大賽中獲獎。之後以各大樂團演奏與獨奏家身份活躍。

一起聽聽這首亮麗的長笛改編版本:

https://www.youtube.com/watch?v=u1t7K1WJ0LI

 

《蘇爾薇格之歌》

樂譜版本

https://www.youtube.com/watch?v=eM5-Y3Bv8qU

 

筆者非常喜愛的歌唱版本

《皮爾.金》全劇最美的旋律 ⟨蘇爾薇格之歌⟩,由來自葛利格故鄉貝爾根的跨界女高音西絲兒·凱嘉波(Sissel Kyrkjebø, 1969-)所演唱,她的聲音清純自然,以這樣的音色唱著一生深愛著皮爾金衷心不渝的蘇爾維格,聽起來真是令人動容~

 

⟨蘇爾薇格之歌⟩ 中文譯詞如下: 

冬天不久留,春天要離開,春天要離開。 

夏天花會枯,冬天葉要衰,冬天葉要衰。 

任時間無情,我相信你會來,我相信你會來。 

我始終不渝,朝朝暮暮,忠誠地等待。 

啊 ... 

每天早禱時,我祝你平安,我祝你平安, 

每夜晚禱時,我祝你康健,我祝你康健。 

黑暗過去,光明總會出現,光明總會出現, 

我死心塌地,總希望早日,你總有歸來的一天。 

啊 ...

 


蘇爾薇格自始至終愛著皮爾金,並於劇中以完美的愛情拯救了皮爾金,成為了他最終的救贖。

https://www.youtube.com/watch?v=OMO-E4dSuoE

 

葛利格旋律中的「挪威DNA」

⟨蘇爾薇格之歌⟩

 

a小調鋼琴協奏曲

第一樂章 第一主題(0:01):

 

第二樂章 主題(14:00)

 

a小調鋼琴協奏曲 音樂欣賞

Piano Concerto in A minor, Op. 16, written in 1868.

00:00 - I. Allegro molto moderato

11:59 - II. Adagio - attacca

18:04 - III. Allegro moderato molto e marcato

https://youtu.be/Ozn4C3AmEi0?si=CrdUmKiB1rSbUnxw

 

現場音樂會演奏欣賞

法蘭克福廣播交響樂團 | 揚·利謝茨基 鋼琴獨奏

hr-Sinfonieorchester – Frankfurt Radio Symphony ∙ Jan Lisiecki, Klavier · Alain Altinoglu, Dirigent ∙

I. Allegro molto moderato 00.00

II. Adagio 13:26

III. Allegro moderato molto e marcato 19:35

https://www.youtube.com/watch?v=pZtKXXrm-Xs&t=1373s

 

舒曼:a小調鋼琴協奏曲

00:00 -- Mvt I, Allegro affettuoso

12:53 -- Mvt II, Intermezzo

17:36 -- Mvt III, Allegro Vivace

https://www.youtube.com/watch?v=4RQoJjhFv2s

 

拉赫曼尼諾夫:第一號鋼琴協奏曲

00:00 - No. 1: Vivace

12:20 - No. 2: Andante

18:55 - No. 3: Allegro vivace

https://www.youtube.com/watch?v=F7a9K4lvVn8&t=56s


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【BON音樂】2024.10.19. 長榮交響樂團【ESO指揮專場】舒馬富斯——馬勒第四號交響曲 導聆

【BON音樂】2024.10.19. 長榮交響樂團【ESO指揮專場】舒馬富斯——馬勒第四號交響曲 導聆
Evergreen Symphony Orchestra 20241019

– 資訊整理共享於網路,一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


今天介紹的主題,是蹦藝術執行長林仁斌老師將於10月19日(六)於國家音樂廳導聆的長榮交響樂團音樂會 【ESO指揮專場】舒馬富斯——馬勒第四號交響曲

以下是音樂會海報:

 

音樂會導聆人

蹦藝術網站執行長 林仁斌老師簡介

 

會後補充音樂會現場與導聆照片


音樂會詳細資訊:

【ESO指揮專場】舒馬富斯——馬勒第四號交響曲
演出時間:2024年10月19日(六) 19:30/Sat, 19 Oct 2024 19:30

演出地點:國家音樂廳/National Concert Hall

指揮:葛諾.舒馬富斯/Gernot Schmalfuss, conductor

海頓:D大調第101號交響曲「時鐘」               

J. Haydn: Symphony No. 101 in D Major, Hob. I:101 “The Clock”

第一樂章:慢板–急板(Adagio - Presto)

第二樂章:行板(Andante)

第三樂章:小步舞曲,稍快板(Menuetto: Allegretto)

第四樂章:終章,有活力的(Finale: Vivace)

馬勒:G大調第四號交響曲                              

G. Mahler: Symphony No. 4 in G Major    

第一樂章:從容地、不匆忙(Bedächtig, nicht eilen)

第二樂章:悠閒地速度,不太急促(In gemächlicher Bewegung, ohne Hast)

第三樂章:寧靜地,稍慢(Ruhevoll, poco Adagio)

第四樂章:舒適滿足地(Sehr behaglich)

女高音:林慈音/Grace Lin, soprano
音樂會導聆訊息/Pre-Concert Talk
時間10月19日(六)/Sat, 19 Oct 2024
導聆:林仁斌老師/Jen-Pin Lin, speaker
地點:國家音樂廳1樓大廳/National Concert Hall 1F Foyer
注意事項:18:30開放1號門進場,18:40導聆開始

The Gate 1 opens at 18:30. Pre-concert talk begins at 18:40.

 

 

40分鐘音樂會求生指南

音樂會概念解說:
海頓知名「倫敦交響曲」《時鐘馬勒最具代表性的自然交響曲

樂曲解說

海頓:D大調第101號交響曲「時鐘」(27:00
J. Haydn: Symphony No. 101 in D Major, Hob. I:101 “The Clock”

 

關於創作軼事

關於海頓第101號交響曲《時鐘》的創作軼事,可以提到海頓晚年的倫敦之行:

海頓於1791年首次前往倫敦演出,取得了巨大成功,受到英國人的熱烈歡迎;三年後的1794年,他再次經紀人、出版商約翰·彼得·所羅門的邀請,再次前往倫敦,《時鐘》就是他第二次到倫敦旅行,第一年所完成的三首交響曲(1793-1794,這三首交響曲為第99-101號)

 

【BON話題】海頓的「倫敦交響曲」,其實不只是一首交響曲喔~

倫敦交響曲,有時又被稱為所羅門交響曲,是約瑟夫·海頓受倫敦的音樂會經紀人所羅門邀請,於1791年至1795年間創作的12首交響曲的總稱。倫敦交響曲可分為兩套,海頓第一次訪問倫敦時創作的第93~98號交響曲,和於維也納和他第二次訪問倫敦時創作的第99~104號交響曲。(取自維基百科

D大調第93交響曲(1791)

G大調第94交響曲,「驚愕」(1791)

c小調第95交響曲(1791)

D大調第96交響曲,「奇蹟」(1791)

C大調第97交響曲(1792)

降B大調第98交響曲(1792)

降E大調第99交響曲(1793)

G大調第100交響曲,「軍隊」(1793~1794)

D大調第101交響曲,「時鐘」(1793~1794)

降B大調第102交響曲(1794)

降E大調第103交響曲,「擂鼓」(1795)

D大調第104交響曲,「倫敦」(1795)


第一樂章:慢板–急板(Adagio - Presto)

https://youtu.be/fAfs5Ic0Uwc?si=O082Iyx7ruEaFWSd

 

急板(1:28

https://youtu.be/fAfs5Ic0Uwc?t=88

 

第二樂章:行板(Andante)(08:01

「時鐘節奏」的靈感來源推測:

關於第二樂章中類似時鐘鐘擺的節奏,最被廣泛認可的說法是「源於海頓對生活中時鐘聲音的敏銳觀察和巧妙轉化,而形成了獨特的『時鐘』節奏風格。」

不過這當然只是一種推測,畢竟海頓本人從未留下明確記錄,提及節奏的具體靈感來源。(8:01

https://www.youtube.com/watch?v=fAfs5Ic0Uwc&t=481s

 

首演的反應與加演:

《時鐘》與海頓其他稍早的交響曲相比,在樂器的運用、節奏的變化以及旋律的創作上,都顯得更加成熟與複雜。而1794的首演音樂會,海頓受到熱烈歡迎,這當然是對海頓極大的鼓勵與高度的認可。

 

第三樂章:小步舞曲,稍快板(Menuetto: Allegretto)(14:25

https://youtu.be/fAfs5Ic0Uwc?t=866

 

第四樂章:終章,有活力的(Finale: Vivace)(22:02

https://www.youtube.com/watch?v=fAfs5Ic0Uwc&t=1322s

 

第四樂章.對比對落(22:53

https://youtu.be/fAfs5Ic0Uwc?t=1373

 

《時鐘》的命名:

這首交響曲究竟海頓有沒有直接給予《時鐘》這個標題?抑或是後人根據其第二樂章的獨特節奏,而加上了《時鐘》這個具有象徵意義的標題(例如貝多芬之《命運》),我們不得而知。

但由後人(或出版商)賦予樂曲標題名稱,在音樂史上其實並不罕見,標題也反映出後人對作品特徵的理解與想像。


馬勒:G大調第四號交響曲
G. Mahler: Symphony No. 4 in G Major

人世之歌.喜悲哀歡

馬勒,可能是擁有全世界最多「瘋狂樂迷」的古典作曲家。每一位作曲家都有他的音樂特色,但要像馬勒這樣,同時擁有最大聲的Fortissimo、最小聲的Pianissimo,最長的樂曲長度,最大型的管弦樂編制、最深層的生死議題探討、最特殊的多樣樂器使用,幾乎是音樂史上絕無僅有的…

 

第一樂章:從容地、不匆忙(Bedächtig, nicht eilen)

第二樂章:悠閒地速度,不太急促(In gemächlicher Bewegung, ohne Hast)

第三樂章:寧靜地,稍慢(Ruhevoll, poco Adagio)

第四樂章:舒適滿足地(Sehr behaglich)

女高音:林慈音/Grace Lin, soprano

 

馬勒第四號交響曲

G大調第4號交響曲馬勒創作於1899年至1901年間創作的四樂章交響曲。最後樂章加入女高音獨唱,而歌詞選自詩集《少年魔號》中的 ⟨天堂的生活⟩(Das himmlische Leben)。

 

「馬勒的音樂表現了當時的問題性和時代性。同時也展現了他個人的內在。在他的音樂裡反映了十九世紀末的頹廢風氣與當時世界的淒苦,也飄散著奧地利帝國夕陽的氣氛。他的音樂是他內在糾葛的表現,展現它與外在世界之爭鬥。」

- 殷巴爾(Elinhu Inbal, b. 1936)

 

第四號.自然交響曲

根據馬勒與弟子布魯諾.華爾特的談話記錄,我們知曉馬勒認可了他交響曲的「三大創作階段」:

第一階段

自然時期:讚賞永恆的事物

第二階段

全然的音樂成形

第三階段

一切皆是新穎的、未知的

第一號

第二號

第三號

第四號

第五號

第六號

第七號

《大地之歌》

第八號《千人》

第九號

第十號
(僅完成第一樂章與五樂章架構)

 

布魯諾.華爾特於1910年6月,首次與馬勒在信件中提到馬勒作品的前兩個創作時期:

「您的歌曲作品中,第一個階段包含《少年魔號》(Des Knaben Wdehom)詩集譜曲之作品,第二階段則包含為呂克特(Friedrich Rickert, 1788 - 1866)之詩詞譜曲創作。而您的交響曲正好依據與歌曲相同之階段創作:第一階段包含您的《第一號交響曲》到《第四號交響曲》;第二階段包含《第五號交響曲》到第八號響曲》。前面四首交響曲讚賞永恆的事物,一部分藉由文字表達,一部分將文字隱藏起來,轉為絕對音樂形式。之後的《第五交響曲》、《第六交響曲》與《第七號交響曲》,則完全未受何隱蔽文字之影響,而全然以音樂成形。《第八號交響曲》的所有一切都是新穎的,最後關於神秘教義之音樂,則由文字提供。」

 

照片:馬勒(左)與布魯諾.華爾特(右)

馬勒(左)與布魯諾.華爾特(右)

 

亦即,在第四號交響曲結束後,馬勒的創作結束了「描繪自然創作期」,而從第五號開始,開啟了馬勒「絕對音樂」之第二創作時期,意味著從這首交響曲開始,馬勒的交響曲思維亦開啟了不同的內涵。

在筆者聆聽馬勒的感受中,第三號與第四號非常適合連續欣賞,作為「上、下兩部分」之完整交響曲。

 

原因:

第三號交響曲全曲共分為六樂章,如下:

 

第一部分:

I.「牧神甦醒,夏季就來臨了」(Pan erwacht. Der Sommer marschiert ein)

 

第二部分:

II. 「草地上花兒如是說」(Was mir die Blumen auf der Wiese erzählen)

III. 「林中鳥獸如是說」(Was mir die Tiere im Walde erzählen)

IV. 「人們如是說」(Was mir der Mensch erzählt)

V. 「天使對我說」(Was mir die Engel erzählen)

VI. 「愛情如是說」(Was mir die Liebe erzählt)

 

原本尚有第七樂章「上帝如是說」,但由於第三號整體篇幅過過長,馬勒將之改至第四號交響曲之最後樂章。

 

第4號交響曲全曲共4個樂章:

  1. 精緻、從容地—非常閒適地(Bedächtig. Nicht eilen—Recht gemächlich
  2. 悠閒地速度,不緊不慢(In gemächlicher Bewegung; ohne Hast
  3. 平緩,略似柔板(Ruhevoll, poco Adagio
  4. 非常滿足地(Sehr behaglich)搭配女高音獨唱(選自藝術歌曲 ⟨天堂的生活⟩ )

 

因此,如我們將第四號視為第三號之續作,兩者完整敘述了「自然時期的馬勒」,是最完滿的欣賞方式。


現在,讓我們再次回到對馬勒音樂認識最深的音樂家:布魯諾.華爾特,對馬勒第四號交響曲所提出的見解與說明文字:(下方「華爾特的解說」文字取自弗洛羅斯著《馬勒交響曲》一書)

 

華爾特的解說

音樂學家希德麥爾於 1901 年請求馬勒為他解釋第四號的基本思想。華爾特受馬勒請託,於1901年12月5日寫了封信給希德麥爾,提供了他想要的詳細解說。這份解說和娜塔莉的記載相當一致。

關於作品的誕生,華爾特寫道:「馬勒數年前譜寫了歌曲 ⟨天堂的生活⟩ ,他受這天堂生活愉快童真的描繪啟發,覺得自己進入了某種極為開朗、遙遠又特殊的領域,於是將這源於自身內心世界的內心素材進行交響化的處理。這無疑是個自我的世界,他活在這世界中,可能還沒有其他人呼吸過這裡的空氣,也因此其音樂結晶帶來許多新穎與驚奇。」

針對作品的主題,華爾特解釋如下:

「這或許有點太詳細,但請讓我告訴您第四號交響曲的前三個樂章會怎麼描繪天堂生活:

想像人們在第一樂章認識了天堂生活;這裡有聞所未聞的開朗、非屬人間的歡樂,既誘人又嚇人,有不可思議的光、不可思議的快樂,當然也不缺人性化且動人的聲音。

―― 第二樂章或可稱為『死神跳起舞來』;死神極怪異地拉著提琴,把我們拉上天堂去。再次提醒:這只是諸多可能名稱的其中一種。

――『聖吳甦樂自己也笑了』,可以是第三樂章的名稱,連最嚴肅的聖女都笑了,可見這領域是多麼開朗;其實她只是微笑,馬勒告訴我,她的微笑就像古代騎士或主教的紀念像,步入古老教堂時會看見他們雙手交疊胸前,帶著長眠者那太過寧靜幸福、幾乎看不出來的平和微笑;莊重的幸福寧靜,嚴肅、温和的開朗是此樂章的性格,但也有深刻悲痛的對比(您若想要,也可以是人間生活的回憶),開朗有時也會變得熱烈。

――此時若有人驚訝問道,這一切有何意義,一名孩童以最後的第四樂章作為答覆:這就是『天堂生活』。」

馬勒第四號交響曲整體來說,明朗、溫暖又亮麗而旋律化,加上第三樂章美的不得了的慢板以及第四樂章由女高音獨唱的「天國的生活」,一直被認為是最容易親近的馬勒交響曲之一。

 

第一樂章:精緻、從容地—非常閒適地(Bedächtig. Nicht eilen—Recht gemächlich

第一樂章.樂譜版本

"在第一樂章中,樂曲猶如一位沉思的智者,緩步而行,不急不躁,彷彿在思考著生命的奧秘。管弦樂團扮演著探索真理的角色,它們的音符在空氣中輕輕搖擺,彷彿在追尋著一束微弱的光芒,那是智慧的燈塔。每一個音符都像是一顆閃爍的星星,照亮著前進的道路,引領我們進入內心的深處。"

 

【BON話題】趣味梗:

原來在第四號交響曲中,馬勒已經敲敲「劇透」,告訴全部人第五號交響曲的主題啦~(10:18

https://www.youtube.com/watch?v=pCuHCMitaoQ&t=618s

 

還有~第一樂章第229小節(3:58),小號出現「三短一長」動機:

https://youtu.be/-rueKJDf9f0?t=238

 

1899年馬勒完成了他的聯篇歌曲《少年魔法號角》(Des Knaben Wunderhorn),並將其中一首〈天堂之歌〉(Das himmlische Leben)抽出,拿來當成第四號交響曲的最終樂章。〈天堂之歌〉以一種天真無邪的視角描繪了天堂的情景,而前三個樂章則彷彿是一段漫長的引子,圍繞著終樂章而展開,帶領聽眾一起經歷悠長豐富的旅程。最後,在平靜和滿足中,隨著串鈴聲響起,人們將沈浸在那個純真又充滿歡樂的世界。”(文/陳佩珊)

 

第一樂章:開頭特殊樂器特寫(0:03

 

先認識樂器:

串鈴/雪鈴(Sleigh Bells)

https://youtu.be/f1IACEDRTss?t=12

 

琉森音樂節 現場演奏(0:03

https://www.youtube.com/watch?v=YnfhInZLmUQ&t=2899s

 

第一步:貫穿第四號交響曲全曲之重要動機認識!

馬勒第四號交響曲的循環動機❤️

https://www.youtube.com/watch?v=-rueKJDf9f0&t=84s

 

 

第二樂章:「死之舞」

悠閒地速度,不緊不慢(In gemächlicher Bewegung; ohne Hast

"第二樂章宛如一位悠閒的遊客漫步在田園般的風景中。樂曲的旋律輕盈優雅,像是一幅優美的畫卷,描繪著大自然的寧靜和美麗。弦樂器和木管樂器彷彿是草地上婉轉的風聲和鳥兒的啁啾,它們輕輕低語,吟唱著大地的恬靜,帶給我們心靈的寧靜與舒適。而整個樂章,似乎被魔鬼窺伺著..."

 

詼諧曲:悠閒地舞動「死之舞」(16:20

*演奏第二樂章前,通常會為樂團首席準備另一把調音的小提琴(本樂章馬勒有特別指示:每根弦均調高一個全音:G-D-A-E --> A-E-B-#F),以令演奏者能快速轉換音準,直接演奏出第二樂章「死之舞」(與魔鬼共舞)之弔詭音樂(16:20

 

關於「死之舞」,華爾特曾說:「第二樂章或可稱為『死神跳起舞來』,死神怪異地拉著提琴,把我們拉上天堂去...」

https://youtu.be/YnfhInZLmUQ?t=978

 

第三樂章:平緩,略似柔板(Ruhevoll, poco Adagio)(27:33 

這是「母親深陷悲傷,含淚帶笑的面容」- 馬勒

"第三樂章讓人感受到一種莊嚴的氛圍,彷彿是一場虔誠的宗教儀式。樂曲中的音符彷彿教堂鐘聲,在空中迴盪,喚起內心的敬畏和虔誠。管弦樂團扮演神聖的儀仗隊,他們莊嚴而恭敬地演奏著,帶領我們穿越時空,來到心靈的聖殿,與神靈相會。"

https://www.youtube.com/watch?v=pCuHCMitaoQ&t=1653s

 

繼續下去,讓我們欣賞第四號交響曲最美的第三樂章慢板與最後樂章 ⟨天堂的生活⟩ 相接段落,猶如「天堂之門開啟」的金光閃耀,是如此震攝人心的大場面: 

0:11 - Symphony #1

4:22 - Symphony #2

8:08 - Symphony #3

11:24 - Symphony #4

16:20 - Symphony #5

20:09 - Symphony #6

23:22 - Symphony #7

26:01 - Symphony #8

28:26 - Symphony #9

https://www.youtube.com/watch?v=ylfWo2DoFyo

 

第四樂章:非常滿足地(Sehr behaglich

feat. 女高音獨唱(選自藝術歌曲 ⟨天堂的生活⟩ )

"最後樂章就像是一場歡樂的聚會,歡笑和笑語在空中迴盪。樂曲的節奏明快,旋律歡快輕快,像是一群歡樂的孩子在花園裡奔跑嬉戲。管弦樂團彷彿是一群熱情洋溢的朋友,他們共同演奏著,分享彼此的喜悅和快樂,讓我們沉浸在音樂的海洋中,盡情享受生命的美好。"

 

為何馬勒眼中的天國生活,是這樣的呢?(見下方歌詞)

歌詞(取自維基百科

Das himmlische Leben
(aus Des Knaben Wunderhorn)

Wir genießen die himmlischen Freuden,
D'rum tun wir das Irdische meiden.
Kein weltlich' Getümmel
Hört man nicht im Himmel!
Lebt alles in sanftester Ruh'.
Wir führen ein englisches Leben,
Sind dennoch ganz lustig daneben;
Wir tanzen und springen,
Wir hüpfen und singen,
Sankt Peter im Himmel sieht zu.

Johannes das Lämmlein auslasset,
Der Metzger Herodes d'rauf passet.
Wir führen ein geduldig's,
Unschuldig's, geduldig's,
Ein liebliches Lämmlein zu Tod.
Sankt Lucas den Ochsen tät schlachten
Ohn' einig's Bedenken und Achten.
Der Wein kost' kein Heller
Im himmlischen Keller;
Die Englein, die backen das Brot.

Gut' Kräuter von allerhand Arten,
Die wachsen im himmlischen Garten,
Gut' Spargel, Fisolen
Und was wir nur wollen.
Ganze Schüsseln voll sind uns bereit!
Gut' Äpfel, gut' Birn' und gut' Trauben;
Die Gärtner, die alles erlauben.
Willst Rehbock, willst Hasen,
Auf offener Straßen
Sie laufen herbei!

Sollt' ein Fasttag etwa kommen,
Alle Fische gleich mit Freuden angeschwommen!
Dort läuft schon Sanct Peter
Mit Netz und mit Köder
Zum himmlischen Weiher hinein.
Sankt Martha die Köchin muß sein.

Kein' Musik ist ja nicht auf Erden,
Die unsrer verglichen kann werden.
Elftausend Jungfrauen
Zu tanzen sich trauen.
Sankt Ursula selbst dazu lacht.

Kein' Musik ist ja nicht auf Erden,
Die unsrer verglichen kann werden.
Cäcilia mit ihren Verwandten
Sind treffliche Hofmusikanten!
Die englischen Stimmen
Ermuntern die Sinnen,
Daß alles für Freuden erwacht.

天國的生活
(選自《少年魔號》)

我們享受著天國的喜樂,
與人間大不相同;
世間的喧囂和吵鬧,
在天國中杳無蹤影。
人人都和睦安寧,
生活如天使一般,
度過歡樂的時光。
我們舞蹈、跑動,
我們又跳又唱。
天上的聖彼得在看著。

約翰把小羊放出來,
屠夫希律眈眈等候。
我們把一隻溫柔
馴服而善良的
小羊羔處以死刑。
聖路加宰了牛,
一點也不必擔憂。
在天國的酒窖里,
美酒不用付價錢。
天使們則烘烤麵包。

每一種美味的蔬菜,
都在天國的菜園中生長,
有上好的萵苣和豆子,
所有我們想要的東西。
滿滿的盤子都為我們而備!
優質的蘋果、梨和葡萄,
園丁讓我們隨心所欲。
如果你想要獐和野兔,
他們立刻跑到街上,
帶上許多趕回來。

如果是齋戒的日子,
魚兒又開始高興地遊動。
看那聖彼得帶著
他的漁網和魚餌,
跑到天國的池塘邊。
聖瑪莎一定要掌廚。

世間的一切音樂,
都不能與我們的相比,
當那一萬一千個少女
開始翩翩起舞時,
聖烏蘇拉也露出笑顏。

世間的一切音樂,
都不能與我們的相比。
西西莉婭和她的親友們
都是絕佳的樂手。
天使的美妙歌聲,
使我們感到滿足,
讓我們醒來就歡樂。

重點提示:喜樂=肉類+美酒+麵包+蔬菜+水果+海鮮+跳舞+唱歌+音樂=滿足 XD

 

【DG古典】伯恩斯坦論馬勒音樂之猶太性與音樂(19"33)

藝術歌曲《少年魔法號角》中的〈人間之歌〉(Das irdische Leben)

《Das irdische Leben》 〈人間之歌〉

„Mutter, ach Mutter, es hungert mich!

Gib mir Brot, sonst sterbe ich!“


„Warte nur! Warte nur, mein liebes Kind!

Morgen wollen wir ernten geschwind!“

 

Und als das Korn geerntet war

rief das Kind noch immerdar:

„Mutter, ach Mutter, es hungert mich!

Gib mir Brot, sonst sterbe ich!“

 

„Warte nur! Warte nur, mein liebes Kind!

Morgen wollen wir dreschen geschwind!“

 

Und als das Korn gedroschen war

rief das Kind noch immerdar:

„Mutter, ach Mutter, es hungert mich!

Gib mir Brot, sonst sterbe ich!“


„Warte nur! Warte nur, mein liebes Kind!

Morgen wollen wir backen geschwind!“

 

Und als das Brot gebacken war

lag das Kind auf der toten Bahr!

「母親,啊母親,我餓了!

給我麵包,否則我會餓死!」


「等一下!等一下,我親愛的孩子!

明天我們就快收割了!」

 

當小麥收割完畢,

孩子仍然不停地喊著:

「母親,啊母親,我餓了!

給我麵包,否則我會餓死!」

 

「等一下!等一下,我親愛的孩子!

明天我們就快打穀(脫粒)了!」

 

當小麥打完穀,

孩子仍然不停地喊著:

「母親,啊母親,我餓了!

給我麵包,否則我會餓死!」


「等一下!等一下,我親愛的孩子!

明天我們就快烘烤了!」

 

當麵包烘烤完畢,

孩子卻死了,躺在靈床上!

 


第四樂章 ⟨天堂的生活⟩ 精彩影音欣賞(樂章長度:8:35)

 

關於第四樂章之詮釋觀念

馬勒在第四樂章的樂譜中,針對獨唱的部分給予了特別的註解:「帶著童趣、愉快無憂的聲音來演唱」(Singstimme mit kindlich heiterem Ausdruck)。這個註解清楚地表明了馬勒對音樂的期望,希望透過天真無邪的視角來表達對生命的喜悅及天堂的憧憬。

本次擔任演唱的女高音林慈音,活躍於國內外歌劇、神劇、藝術歌曲等演唱領域,音色自然澄淨,尤其在宗教歌曲上多有涉獵,她的演唱也將成為欣賞這部作品的焦點之一。被問及如何演繹帶有純真、童趣的聲音,她表示:「我不會用聲音的角度來看這件事情,我也不會故意模仿小孩的聲音。其實這是一個很單純的狀態,我認為這需要的是比較簡單的詮釋,必須要唱得非常乾淨,而且完全按照樂譜上的指示,絕不能有太多像歌劇中的那種滑音。」(本段文字取自「【MUSICO特別報導】音樂中的天堂:馬勒第四號交響曲——舒馬富斯×林慈音×長榮交響樂團」)

 

第四樂章 樂譜版本(48:25

https://youtu.be/pCuHCMitaoQ?t=2905

 

 

完整文章延伸閱讀

【MUSICO特別報導】音樂中的天堂:馬勒第四號交響曲——舒馬富斯×林慈音×長榮交響樂團

2024.09.27|採訪‧文/陳佩珊

初秋,充滿詩意的季節,大自然的樂章在耳邊悄然奏響。成軍23年的長榮交響樂團將在首席藝術顧問兼桂冠指揮——葛諾・舒馬富斯(Prof. Gernot Schmalfuss)的領軍下,於10月19日週六晚間在國家音樂廳和樂迷共享一場交響盛會。音樂會將演出海頓的第101號交響曲《時鐘》,那規律的節奏就如同大自然的心跳;下半場將呈現馬勒的第四號交響曲,宛如獻給秋天的讚歌,頌揚著生命的美好。第四樂章特別邀請到女高音林慈音擔任獨唱,透過她純淨的嗓音,為《天堂之歌》中的童趣與歡愉注入深刻而動人的詮釋。

上半場所演出的海頓的第101號交響曲,因第二樂章中弦樂規則的斷奏有如鐘擺左右擺動而得名「時鐘」。這部作品充分展現古典樂派對稱性與平衡感的精髓,並融入了海頓獨具匠心的幽默與巧思,創造出這部既詼諧生動,又饒富趣味與藝術價值的經典之作,成為古典音樂史上名副其實的「交響曲101」。

延續海頓交響曲中那充滿童稚純真的氛圍,下半場登場的則是馬勒的第四號交響曲。雖然馬勒的音樂一向以其深刻的情感表現、龐大而複雜的編制聞名,給予聽眾一種對生命與宇宙的壯麗與矛盾感。然而,在這部第四號交響曲中,馬勒卻一反常態,展現了他音樂創作中輕盈、明亮的一面,顛覆了大家的既有印象。1899年馬勒完成了他的聯篇歌曲《少年魔法號角》(Des Knaben Wunderhorn),並將其中一首〈天堂之歌〉(Das himmlische Leben)抽出,拿來當成第四號交響曲的最終樂章。〈天堂之歌〉以一種天真無邪的視角描繪了天堂的情景,而前三個樂章則彷彿是一段漫長的引子,圍繞著終樂章而展開,帶領聽眾一起經歷悠長豐富的旅程。最後,在平靜和滿足中,隨著串鈴聲響起,人們將沈浸在那個純真又充滿歡樂的世界。

馬勒在第四樂章的樂譜中,針對獨唱的部分給予了特別的註解:「帶著童趣、愉快無憂的聲音來演唱」(Singstimme mit kindlich heiterem Ausdruck)。這個註解清楚地表明了馬勒對音樂的期望,希望透過天真無邪的視角來表達對生命的喜悅及天堂的憧憬。本次擔任演唱的女高音林慈音,活躍於國內外歌劇、神劇、藝術歌曲等演唱領域,音色自然澄淨,尤其在宗教歌曲上多有涉獵,她的演唱也將成為欣賞這部作品的焦點之一。被問及如何演繹帶有純真、童趣的聲音,她表示:「我不會用聲音的角度來看這件事情,我也不會故意模仿小孩的聲音。其實這是一個很單純的狀態,我認為這需要的是比較簡單的詮釋,必須要唱得非常乾淨,而且完全按照樂譜上的指示,絕不能有太多像歌劇中的那種滑音。」


▲女高音林慈音(圖|長榮交響樂團 提供)

在詩詞中所描述的天堂畫面,充滿了音樂、歡樂、舞蹈、食物,熱鬧歡愉的氣息無所不在,林慈音更進一步描繪了歌曲中的情境,她說:「這個音樂給我歡樂的感覺比較像遊戲,通常我們想像天堂都會覺得是比較平和、安寧的,但在這個樂章中,它全部都是玩耍,包括聖徒們、煮飯、跳舞都是非常動態的,只有到最後才回復到平靜的狀態。它讓大家感覺到在天堂是非常自由的,沒有任何的限制。」

林慈音將這個天堂情景比喻成一個宴會慶典。她不單是一位敘事者,更希望將自己融入其中,因此能更投入地去感受各種不同的情緒,她說:「雖然都是快樂的情緒,沒有太悲傷的東西,但仍有各種不同的層次。想像我自己在這個宴會中有一個角色,同時是一位旁觀者,也是敘事者,這樣能更深刻地感受並詮釋歌詞中細膩的情感,透過成熟且技巧精湛的歌聲,將字裡行間的意境做更完美的呈現。」

〈天堂之歌〉的詩詞取自布倫塔諾(Clemens Brentano)和阿爾尼姆(Ludwig Achim von Arnim)所編纂的《少年魔法號角》。這部詩集收錄了500多首德國民間詩歌,內容包羅萬象,涵蓋了自然、愛情、戰爭、死亡和日常生活等,這些來自口頭流傳的民間故事與傳說,文字質樸簡潔,情感表達直率真摯,與馬勒的藝術理念不謀而合。對馬勒而言,無需過度修飾的華麗詞藻,反而是這些貼近人心、純粹自然的表達,更能觸動音樂中的深層情感。

當被問及演唱這部作品最大的挑戰時,林慈音表示:「作為一位歌手,必須把歌詞唱得非常清楚,這首曲子不僅速度很快,同時還有許多快中有慢、慢中有快的段落,這些都需要精準的掌握。」〈天堂之歌〉詩中描繪了孩童眼中的天堂,融合了物質與精神兩個層面,使得天堂不僅僅是抽象的靈性境地,亦是一個充滿美食與享樂的世俗世界。馬勒將生命中的無常和痛苦化為對超越的渴望,在他眼中,天堂也許不僅僅是靈性的歸宿,更是人類對幸福和精神救贖的終極追求。


▲長榮交響樂團與首席藝術顧問兼桂冠指揮葛諾‧舒馬富斯(圖|長榮交響樂團 提供)

馬勒曾如此描述他的交響曲:「神聖般的寧靜,卻又深深地悲傷,只能讓你同時歡笑和哭泣」。他在1899年開始創作,世紀末的歐洲社會正經歷著巨大的轉變,在那個充滿著矛盾的時代,人們因為工業革命的巨大進步對未來充滿樂觀,另一方面,社會的變革也瀰漫著不安的氛圍。這部第四號交響曲即便充滿樂觀的情緒,但死亡的陰影也無處不在,完美的定義了馬勒心目中那個二元論、矛盾對立與複雜的世界觀。《少年魔法號角》中的〈人間之歌〉(Das irdische Leben),是〈天堂之歌〉的另一極端,它描述著一個貧窮飢餓的小孩因等不及母親帶回的麵包而活生生餓死,悲慘寫實的殘酷景象,這不也是馬勒尋找生命意義時的另一種答案嗎?

馬勒在第一、二個樂章創造出天堂的寧靜與死神的幽默,並在第三樂章帶我們走進了永恆,在死亡的凝視中時間不復存在,彷彿是一次靈魂的思考,超凡脫俗的美令人屏息,林慈音說:「我最喜歡第三樂章,它就像在生命的盡頭,雖然沈重但很平靜。而在樂章快結束時,忽然整個天空打開,如同走過死亡的幽谷後迎向光明,非常特別。」最後馬勒將主題昇華到一個更高的境界,為我們揭開了天堂的生活樣貌。然而我們都知道,這並非只是表面的歡樂,當人生經歷過苦痛,才能體會隱含其中那個對死亡與來世的深思。

10月19日晚間,讓我們期待這場由長榮交響樂團主辦的《舒馬富斯——馬勒第四號交響曲》音樂會帶大家一同在純淨的樂音中,感受心靈的昇華,聽見天堂!

 

祝福大家音樂會欣賞愉快.擁有美好的一天


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【BON音樂】蹦藝術X大人社團 - 從鍵盤到交響,李斯特的鋼琴魔性(四)協奏交響曲之輝煌年代:談李斯特的兩首鋼琴協奏曲

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All about Liszt - 4

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"體驗李斯特的音樂魔法,從炫技的鍵盤到深情的交響。這位鋼琴之神將帶大家從音樂的天堂翱翔至地獄的深淵,感受音樂帶來的震撼與美妙❤️"

  • 課程內容

    風靡全歐的鋼琴之神—李斯特

  • 第一堂|鋼琴之神.音樂偶像始祖:談李斯特的生平

拉生於匈牙利,學於維也納,成名於巴黎,席捲全歐洲的鋼琴之神李斯特,他的音樂承襲深厚技術根基,影響深遠。「只要彈過李斯特的作品,幾乎沒有不能演奏的作品了」,可說是全世界鋼琴家的共識,這也代表著他的音樂中,包含著無與倫比的深厚技術根基,而他的音樂是如何形成?李斯特旋風又是如何席捲當時的歐洲呢?林仁斌老師將帶領學員們解析李斯特音樂背後的奧秘,探索他在當時歐洲的影響力。

  • 第二堂|炫技王者:談李斯特的魔幻改編名曲

這堂課程,林仁斌老師將以李斯特充滿魔性而狂放的改編作品,為您解析李斯特音樂中的艱難與腦洞大開的演奏技巧。

解說曲目:《魔王》、《弄臣》、《唐懷瑟》、《夢遊女》...等精彩作品

  • 第三堂|交響詩創始者:談李斯特的主題與變形

李斯特於19世紀後半創新的「交響詩」(Symphonic poem)曲風,突破了傳統交響曲框架,著重音樂中的敘事性與主題發展,達到「以音樂說故事」的全新思維模式,是在白遼士首創《幻想交響曲》之後的管弦全新篇章。

本課程將解析其音樂設計,並與白遼士《幻想交響曲》相比,深入探討李斯特的音樂的「狂放」特色。

  • 第四堂|協奏交響曲之輝煌年代:談李斯特的兩首鋼琴協奏曲

李斯特的兩首鋼琴協奏曲,尤其是第一號,四樂章連貫;而第二號鋼琴協奏曲同樣是「交響協奏曲」之最佳典範,更是每位鋼琴家於浪漫時期所必須淬鍊而後才能綻自我之試金石。在課堂上,林仁斌老師將透過樂譜解讀,深入品評這兩首重要的作品。

  • 第五堂|淨化.昇華與沈潛:談李斯特晚年的音樂創作

李斯特晚年對宗教極感興趣,音樂中流露濃郁宗教色彩。自1877年後,他對荒涼、絕望和死亡產生深刻思考,反映在音樂及信件中。在課堂上,林仁斌老師將從李斯特從早年的鋒芒畢露,到晚年的昇華沈寂,帶大家以音樂創作,探索李斯特生命中的巔峰與低谷。

  • ※本課程大綱僅供參考,授課老師將視班級學員學習進度有所調整。


炫技鋼琴家代表.李斯特

Portrait of Franz Liszt (1811-1886), composer and pianist, 1839. Artist Henri Lehmann. (Photo by Heritage Art/Heritage Images via Getty Images)

 

李斯特的雙親

父親 亞當.李斯特(1776-1827)

李斯特之父:Adam Liszt

 

母親 Anna Liszt 

李斯特之母:Anna Liszt

 

李斯特生平年表


  • 第四堂|協奏交響曲之輝煌年代:談李斯特的兩首鋼琴協奏曲

李斯特的年代,正是迎向炫技、狂放的浪漫時期,他的各項音樂作品和演奏風格對當時及後世都產生了極為深遠的影響。

 

1855年的李斯特照片

 

李斯特的鋼琴演奏特色

李斯特的鋼琴演奏風格具有以下幾個鮮明的特點:

技巧精湛

  • 炫技性:李斯特是當代的鋼琴演奏技巧大師,他將鋼琴各種技巧發揮到了極致:他擅長極快的音階和琶音,手指在鍵盤上飛速移動,猶如閃電般敏捷,展現出令人驚嘆的技巧。雙音技巧(三度、六度、八度)也非常出色,能夠清晰、準確地演奏出複雜的雙音組合,使音樂更加豐富多彩。
  • 力度變化:李斯特在演奏中能極其自如地控制力度,從極輕柔的弱音到極強有力的強音都能精準呈現。他的音樂可以突然從輕柔的細語般的聲音,轉變為轟鳴般的強音,這種強烈的力度對比,為音樂增添了強大的張力和感染力。

 

情感充沛

  • 浪漫主義情感表達:作為浪漫主義時期的代表人物,他的演奏充滿了各種強烈的情感。李斯特用音樂表達出深沉的愛、悲傷的痛苦、狂熱的喜悅...等。演奏愛情主題的作品時,他能使音樂充滿了柔情蜜意;而在表達悲傷時,又能讓聽眾感受到如泣如訴的痛苦。
  • 情感渲染力:李斯特的音樂具有極強的情感渲染能力,不僅演奏者能沉浸在音樂的情感之中,還能把這種情感傳遞給聽眾,使聽眾的心隨之振動,仿佛與音樂家一同經歷了音樂中的喜怒哀樂。

 

創新性

  • 背譜演奏:李斯特首創了背譜演奏的方式,這在當時是一種全新的演奏理念。背譜演奏使他在舞台上更加自由奔放地演奏,也展現出對作品的深刻理解和熟練掌握,這樣的表演方式後來被更多鋼琴家所效仿,也成為演奏者必備的演奏標準。
  • 演奏形式:李斯特也在演奏形式上進行創新,常常在音樂會中加入一些即興演奏的部分,他根據現場的氣氛和自己的感受對作品進行即興發揮,使每一次演奏都具有獨一無二的特色。

 

融合多元元素

  • 民族元素融合:他在演奏中常常融入匈牙利民族元素,如匈牙利舞曲的節奏和旋律特點。他把匈牙利民間音樂的特色融入到演奏中,使他的音樂不但具有古典音樂的高雅,又具備有民族音樂的特色,展現出獨特的風格。
  • 與其他藝術形式融合:李斯特的作品,也經常與其他藝術形式相融合:例融入文學作品的意境,或者繪畫作品的色彩與意境相互呼應,甚至是旅遊閱歷,使他的音樂具有更豐富的文化內涵和藝術感染力。

第一鋼琴協奏曲.創作過程

《降 E 大調第一鋼琴協奏曲》的創作過程頗為漫長且複雜:主題起草於1830年,樂曲定稿完成於1849年,後於1853年再進行修改。

李斯特於 1830 年,年未及 20 歲時,便開始了第一號鋼琴協奏曲的創作。

在這階段,初步構思了作品的主題等核心元素。

1839 年至 1840 年期間,李斯特為樂曲增添了新素材:在多年演奏歷練與不斷的探索和嘗試中,這首樂曲逐漸豐富內容,初具規模。

到了 1849 年,初稿完成。李斯特到威瑪任職,對管弦樂團有了實質認識,他透過不斷地指揮管弦樂團,修改自己的作曲內容,因此協奏曲擱置了四年;在這四年間,對作品進行了深入的思考和醞釀。

1853 年,李斯特重新動手修訂這部作品。他仔細斟酌每一個細節,對樂曲的結構、和聲、旋律等方面都進行了精心的調整和改進。

兩年後,1855年2月17日,終於在威瑪進行了第一號鋼琴協奏曲的首演。

在首演之後,1856年,李斯特又作了進一步的修訂,以確保作品的最佳姿態。

即使在總譜付印之前,他依然在不斷完善,直至最終出版。

在跨越26年的創作歷程中,李斯特面臨了許多挑戰和抉擇:既要保持作品的獨特性和創新性,又要使其符合音樂的基本規律和審美要求。他最終讓這首第一號鋼琴協奏曲成爲了浪漫時期最具意義的鋼琴協奏曲,以新奇的結構、輝煌的技巧以及無可抵擋的氣勢,在音樂史上留下了濃墨厚彩的一筆,並深受演奏者和聽眾的喜愛。

 

第一號鋼琴協奏曲 手稿

 

【延伸閱讀】第一號鋼琴協奏曲曲析

Liszt: Piano Concerto No. 1 Masterclass


第一號:協奏交響曲之代表作

I. 莊嚴的快板(Allegro maestoso) (0:00)

https://www.youtube.com/watch?v=xm_m4pBxxk8

 

II. 近似於慢板(Quasi adagio) (5:25)

https://youtu.be/xm_m4pBxxk8?t=326

 

III. 稍快板-生動的快板(Allegretto vivace – Allegro animato) (10:19)

*第三樂章由於三角鐵被巧妙的使用,因此常被暱稱為「三角鐵協奏曲」XD

https://youtu.be/xm_m4pBxxk8?t=620

 

生氣蓬勃、行進曲般的快板(Allegro marziale animato) (14:22)

https://youtu.be/xm_m4pBxxk8?t=863


第二鋼琴協奏曲.創作過程

《李斯特A大調第二號鋼琴協奏曲》也是一首非常具有魅力的鋼琴協奏曲作品,創作過程也經歷了許多年(1839-1861)。

構思期

李斯特於1839年,音樂生涯的演奏成熟階段開始醞釀第二號鋼琴協奏曲。累積了多年的演奏和創作經驗基礎上,他對鋼琴協奏曲的形式和表達形式有了新的看法思考和探索,希望在作品中突破傳統的限制,融入更多的音樂理念和情感表達方式。

 

創作歷程

  • 初稿階段:他大約於1839年開始動筆,勾勒出作品大致框架。在初稿中,他確定了基本的主題元素和曲式結構。
  • 修改完善:初稿完成後,李斯特並未停止作品的創作。他花費了大量的時間和精力對作品進行修改完善,仔細地斟酌每一個音符、每一段旋律、每一種和聲的搭配,力求使作品更加完美。在這段過程中,隨時根據新的靈感,對初稿中的一些部分進行大幅修改,甚至重新構思某些段落。
  • 音樂融合:李斯特在修改過程中,不斷地融入各種元素。他將自己對不同音樂文化的理解、對各種情感的表達需求以及對演奏技巧的考量都融入到作品中。他可能會引入一些匈牙利民族元素,以展示自己的民族身份和文化根源;也會加入一些浪漫主義色彩濃厚的情感表達手法,使作品更富有感染力。

 

最終定型

經過長時間的反覆修改和完善,《第二號鋼琴協奏曲》最終定型。它以其獨特的結構、豐富的情感表達和高難度的演奏技巧,成為了鋼琴協奏曲中的經典之作。

作品呈現出的各種特色,都是李斯特在創作過程中精心設計的結果。例如,本曲為不間斷演奏,由一個長樂章組成,樂章內有若干不規則段落之樂章結構,有鋼琴家將之分為四樂章,亦有人分為五大段落;這深具變化的旋律走向,樂團與鋼琴間精妙的配合,都展示了李斯特在音樂創作上的高超技藝和獨特理念。

 

I. 綿延的慢板(Adagio sostenuto) [00:00]

https://www.youtube.com/watch?v=AfT5Ypuo7xI&t=905s

 

II. 中等的快板(Allegro moderato)[06:37]

https://youtu.be/AfT5Ypuo7xI?t=398

 

III. 果決的快板(Allegro deciso)[12:16]

https://youtu.be/AfT5Ypuo7xI?t=736

 

IV. 生動活潑的快板(Allegro animato)[18:49]

https://youtu.be/AfT5Ypuo7xI?t=1130

 

*[爭議段落] (15:08起)

軍事進行曲風格的段落。

這裡與先前的溫柔開場主題截然不同,是對比性的轉變。

這段落也總是被攻擊爲粗俗,與先前的音樂不相合。但也有學者提出不同的意見:美國音樂學家羅伯特・溫特(Robert Winter),便稱此進行曲風格段落爲「展示主題轉變的全部情感範圍的傑作」(取自維基百科),包含了在轉調後,重新回到 A 大調調性所需的音樂力量和重量感。

https://youtu.be/AfT5Ypuo7xI?t=908

 


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【BON音樂】淺談貝多芬:第四號鋼琴協奏曲

【BON音樂】淺談貝多芬:第四號鋼琴協奏曲
About Beethoven's route Piano Concert

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1804-1805年之貝多芬畫像

*畫家 Joseph Willibrord Mahler 繪製

Ludwig van Beethoven, 1804-1805 is a painting by Joseph Willibrord Mahler

 

貝多芬的五首鋼琴協奏曲

貝多芬一生共創作了五首有編號的鋼琴協奏曲,其寫作年份與創作背景如下:

 

1. 《C 大調第一號鋼琴協奏曲》,Op.15:

創作年份:約於 1795 年,完稿於 1798 年,後於1801 年 3 月出版。

創作背景:第一號鋼琴協奏曲是貝多芬早期的作品,當時他受到維也納古典樂派的影響,尤其是莫札特的音樂風格對他影響較大。

此曲是為了展現自己作為鋼琴獨奏家的演奏技巧和即興能力而作,作品整體形象亦接近他的第一號交響曲。

這時期的貝多芬仍處於風格的探索階段,作品在某種程度上遵循了維也納之協奏曲的創作傳統,但也開始展現他獨特的音樂才華。

https://www.youtube.com/watch?v=MY7PKtpistE&t=173s

 

2. 《降 B 大調第二號鋼琴協奏曲》,Op.19:

創作年份:約在 1794—1795 年寫成並演奏,1798 年修改。

創作背景:第二號鋼琴協奏曲的創作時間其實早於《C 大調第一號鋼琴協奏曲》,但出版時間晚於第一號,故編列為第二號。

為了讓這這協奏曲能由自己擔任鋼琴獨奏者,貝多芬延遲出版,且一直等到最後抄寫樂團分譜時,才把獨奏部分全部寫出來。

當時的聽眾對作品中某些偏離傳統的特點感到困惑,但樂曲中所表現出的有節制的情感爆發以及強烈的對比,給予聽眾們頗有創新之感。

https://www.youtube.com/watch?v=MxXtsRkTj-I

 

3. 《C 小調第三號鋼琴協奏曲》,Op.37:

創作年份:作於 1800 年,首演 1803 年 4 月 5 日。

創作背景:當時處於法國大革命的背景下,貝多芬接觸到了資產階級革命下的法國音樂,深刻感受到法國人民思想的進步與生活鬥爭的決心。這部作品是貝多芬創作趨於成熟時期的標誌,他開始加強鋼琴作為主奏樂器之重要性,使鋼琴的角色亦發重要,結構更為恢宏。此曲體現了貝多芬的英雄性、社會性、奮鬥性於一體的創作特點,也為他之後的作品奠定了更宏大、更嚴格、更規則的風格基礎。

https://www.youtube.com/watch?v=6zocO3Uoa_Y&t=230s

 

4. 《G 大調第四號鋼琴協奏曲》,Op.58:

創作年份:作於 1805—1806 年間,1808 年 12 月在維也納首演。

創作背景:貝多芬當時為其弟卡爾及喬安娜之婚姻問題感到困擾。心灰意冷之下,他寄情於第四號鋼琴協奏曲之作曲,除了這首鋼琴協奏曲,還寫下了第四號交響曲、拉祖莫夫斯基弦樂四重奏、32 首鋼琴變奏曲及小提琴協奏曲等等作品。

第四號協奏曲開創了一個全新的鋼琴協奏曲形式,開篇即由鋼琴獨奏出第一主題,並且是一部異常柔美的作品。

https://www.youtube.com/watch?v=4FxT-llXZfI&t=23s

 

5. 《降 E 大調第五號鋼琴協奏曲》,Op.73(《皇帝》協奏曲):

創作年份:貝多芬自 1808 年起構思創作,於 1809 年完成。首演於 1811 年 11 月 28 日在德國萊比錫。

創作背景:《皇帝》鋼琴協奏曲創作期間,拿破崙軍隊佔領維也納,導致作品未能及時首演。在這動盪的環境中,貝多芬完成了這部作品,並將其獻給了奧地利的魯道夫大主教。這部作品以其精湛的作曲技巧和豐富的創新思維著稱,在當時被視為「協奏曲之王」,展現了貝多芬爐火純青的作曲技巧,其第一樂章以連續三大樂句鋼琴華彩演奏開場,給人留下深刻印象。

https://www.youtube.com/watch?v=2Y5YTNkiCrw


貝多芬:G大調第4號鋼琴協奏曲,作品58
L. v. Beethoven: Piano Concerto No.4 in G Major, Op.58

 

貝多芬之手稿封面

 

樂曲特色

貝多芬《G 大調第四號鋼琴協奏曲》Op.58 ,具有諸多鮮明特色:

1. 結構創新:

獨特的開場方式:

與過去之傳統鋼琴協奏曲中,通常由樂團先奏出呈示部主題,再引出獨奏不同,第四號鋼琴協奏曲之開篇即由鋼琴在主調G 大調上寧靜地奏出第一主題,這種創新的結構設計,使聽眾的注意力立刻被鋼琴獨奏所吸引,彷彿是鋼琴在向聽眾展開親切的敘述,給人一種新穎的聽覺體驗。

隨後樂團才進入,並在主調上方大三度的 B 大調上展開,這種調式的轉換在開篇就營造出一種獨特的音樂氛圍和色彩變化。

樂章間的獨特銜接:三個樂章之間的過渡自然且富有邏輯,在音樂情緒和主題發展上相互呼應,使整部作品具有極強的連貫性和整體性。

例如:第一樂章結尾的音樂情緒自然地引導出第二樂章的抒情氛圍,而第二樂章的結束又為第三樂章的歡快活潑做出了極佳鋪陳。

2. 進化後的貝多芬音樂風格:

清新柔和的浪漫曲調:

整部作品的風格清新、浪漫,充滿了柔和的情感。與貝多芬其他充滿激情和宏大氣勢的作品相比,《第四號鋼琴協奏曲》充分展現了他內心細膩、溫柔的一面;音樂中旋律優美動人,和聲豐富和諧,給人極美的至高享受。

強烈的對比與衝突:

在柔和的浪漫風格中,又蘊含著強烈的對比與衝突。

例如在第二樂章中,弦樂部分的強力齊奏表現得相當嚴峻,而加上弱音踏板的鋼琴則以百轉千迴的和聲回應,兩者形成了鮮明的對比,這種對比不僅增加了音樂的戲劇性,也使音樂的情感表達更加豐富和深刻。(容後細敘)

3. 樂團與鋼琴的配合:

鋼琴的主導:在第四號鋼琴協奏曲中,鋼琴的獨奏地位非常突出,不僅是作為與樂團相互呼應的獨奏樂器,更很多時候具備引領樂團的作用。

獨奏鋼琴的演奏技巧和表現力得到了充分的發揮,與樂團的配合更是相得益彰,可說是共同推動音樂的發展,為未來的「交響協奏曲」提供出完美的雛形。

樂團編製的獨特性:本首協奏曲的樂團編制相當特別:包括一部長笛、兩部雙簧管、兩部單簧管、兩部低音管、兩部法國號、兩部小號、定音鼓組和弦樂五部等;

但在不同的樂章中,樂器的使用又有所不同:例如在第二樂章只使用了弦樂部分。

這樣的管弦樂法選擇和運用方式,為音樂營造出了不同的音響效果和氛圍,使音樂更加豐富多彩。

4. 主題與旋律:

主題之多樣性與發展性:

第四號中的音樂主題豐富多樣,每個主題都具有獨特的性格與情感內涵。

這些主題在音樂的發展過程中不斷地改變、發展和融合,使得音樂具有強烈的邏輯性和層次感。

例如第一樂章中,主題的素材經過不斷的演變和發展,逐漸形成了強大的音樂動力,推動音樂向前發展。

旋律的歌唱性:

貝多芬的旋律具有強烈的歌唱性,易於被聽眾記頌與接受。

無論是鋼琴的獨奏旋律還是樂團的旋律,都充滿了美妙的情感與表現力,這使聽眾們更能夠深刻地感受到貝多芬在音樂中所表達的情感和思想。


貝多芬G 大調第四號鋼琴協奏曲的整體結構

第四鋼琴協奏曲在曲式結構上具備獨特性與創新性:

整體樂曲之各項設計:

第一樂章由三個主要部分組成:呈現部、發展部與再現部。

在呈現部中,鋼琴以獨奏,作為前導之獨特方式演奏出主題旋律,並與樂團形成對話。

第一主題旋律優美抒情,充滿了浪漫主義的色彩。

鋼琴的旋律線條清晰,與樂團的和聲相互呼應,營造出豐富的音樂氛圍

在開頭部分,鋼琴以輕柔的音符引出主題,隨後樂團逐漸加入,並一同展開音樂的敘事。

發展部是作品中最充滿戲劇性和變化的部分:在發展部,主題旋律被進行各種變形和變化,和聲也更加複雜多變;貝多芬透過巧妙的音樂處理,讓展開部充滿了緊張感與衝突感、故事性。

例如,節奏加快、力度增強,轉調處理,都增加了音樂的張力。

再現部則是呈示部主題的回歸,但卻並非簡單的重複:

貝多芬保持了主題旋律的原始樣貌,並進行了變化與發展。

再現部通常會給人一種回歸和穩定的感覺,同時也展示了貝多芬在音樂旋律設計與結構上的嚴謹和邏輯性。

00:00 - Mvt 1

18:32 - Mvt 2

23:22 - Mvt 3

https://www.youtube.com/watch?v=4FxT-llXZfI&t=23s

 

演奏段落分析:

There have been volumes written about the opening of this concerto, but it’s just one of the most moving things ever written. It’s not just that the piano opens with that intimate, improvised meditation (is there a more terrifying opening to a piano concerto? None really springs to mind) – it’s also how the orchestra enters immediately after in the key of B, not so much having modulated as colouring the piano melody with a kind of otherworldly harmonic brightness (you can even hear the orchestral entry as implying a Gmaj7♯5 kind of sound, which is wild).

The whole first movement is packed full of incredible passages – the soaring lyricism of the 3rd theme, the magical entry of the piano, the rapt excursions of the development (7:39; 9:09), the hair-raising trill that ends the 1st movement cadenza (16:39).

Structurally, it’s also very efficiently put together (another late-Beethoven trait); the opening’s 4-note pulse bookends the 1st movement, which is littered with almost unnoticeable callbacks to earlier material (compare 7:39 and 3:12). And then, of course, you have lots of fun textural stuff (the dissonances at 4:45) and harmonic innovation (the theme at 1:11 deceives at every turn).

The 2nd movement is the probably most emotionally concentrated movement in all Beethoven’s piano concerti – only 3 pages long, but a tight knot of despair tightly wedged between two luminous movements. It doesn’t really have a structure to speak of – instead, it’s really a series of dialogues between piano and strings (the rest of the orchestra remains silent throughout), with the piano and orchestra gradually converging on a kind of common language of grief. The agonizing trills in this movement will be re-purposed in the last movement to exhilarating effect.

The last movement opens with a deft trick – the theme enters with a repeated C chord that’s quickly established (when the F♯ arrives) to really be the IV of G in m.6. But when the piano enters, it introduces an F♮, confirming that we really are in C, before immediately modulating to G. This use of IV colour plays a big part in giving this movement its sunny lyricism – there’s also something a little funny in how often Beethoven builds into these massive G7 passages (25:17; 32:47) in order to prepare for the theme’s entry in C, only to immediately modulate away once C is reached. The first episode in this movement (24:29) is also pretty striking – it’s in two-part counterpoint, but the voices are spaced very far apart (another late-Beethovenism), and float above a cello pedal on D. There is also some lovely colouration with a ♭6, giving the passage a mystic breadth – plus the whole thing is followed up by some beautifully warm counterpoint in the orchestra, especially the woodwinds.


第四號.與前作之異同之處

貝多芬第四號鋼琴協奏曲來說,有三個與之前協奏曲創作相當不一樣之處:

 

一、協奏曲以鋼琴主奏直接揭示主題,一反過去傳統會先由管弦樂慢慢鋪陳第一主題與第二主題,再銜接給主奏樂器。

 

 

樂譜音樂檔

https://youtu.be/4FxT-llXZfI?si=-dlaPYGSa3A0QSiQ

 

二、第二樂章僅72小節,但呈現出令人難忘的戲劇化效果,尤其管弦樂與鋼琴獨奏的對話,充滿故事性,也成為此曲最被聽眾喜愛的元素。

https://youtu.be/ljdMU_vJ7ao

 

三、第二樂章結束銜接第三樂章時,透過第二樂章最後一個音的延長,音樂不間斷地直接進入終樂章,也是貝多芬寫協奏曲的創新手法。這樣的樂章連貫寫作手法,也深深影響到後來的舒伯特、孟德爾頌、舒曼與李斯特。


*欣賞 第二樂章 完整雙鋼琴版本譜例:

 


從上方譜例裡我們可以見到,一開始管弦樂團之弦樂群以強烈的附點音符節奏,強勢地開始第二樂章。

而接續在管弦樂團之後,鋼琴給予非常溫柔的旋律回應。隨著音樂一次又一次的強烈(弦樂)與溫柔(鋼琴獨奏)交替出現,情緒逐漸降溫,音樂也漸趨緩和,終至靜謐無聲...

 

第二樂章之曲式段落:

段落 小節 和聲
A 1-5 , 6-13

I

A’ 14-18 , 19-26

I

B 26-32 , 33-38

V

B‘ 39-44 , 45-64

I

Coda 64-72

I

 


關於第二樂章的故事

作曲家李斯特(Franz Liszt, 1811-1886)曾提出他的見解:他將這個樂章比喻成希臘神話裡奧菲歐斯(Orpheus)在地獄之門馴服復仇女神(Furies)的故事。

 

音樂範例:

https://www.youtube.com/watch?v=86THwNZGI4A

 

奧菲歐斯是太陽神阿波羅(Apollo)的兒子,也是希臘神話中藝術與詩人的代表。由於奧菲歐斯善樂懂唱,當他彈琴歌詠時天地萬物都會感動不已。

奧菲歐斯的妻子尤莉迪絲(Eurydice)因為被毒蛇咬而喪失生命。終日哭泣的奧菲歐斯終於打動眾神,而同意他赴冥界救回妻子,但條件是在妻子成功返回之前,他不得看妻子一眼。

奧菲歐斯為了從地獄救回妻子尤莉迪絲(Eurydice),以他的音樂絕活迷惑復仇女神這隻怪獸,一次又一次地,復仇女神終於屈服答應了奧菲歐斯。

奧菲歐斯帶著妻子尤莉迪絲離開冥界

 

「為何不看我一眼?」「難道你不再愛我了嗎??」 奧菲歐斯無法抗拒妻子尤莉迪絲的質疑

 

李斯特對這個樂章的描述,在1859年 Adolf Bernhard Marx(A.B. Marx)的貝多芬傳記中首次被提到。

對於這個樂章的演奏感受,而貝多芬的學生徹爾尼(Carl Czerny, 1791-1857),也在他的文章中,曾經提過:

「在此樂章中,我們情不自禁地想起古希臘悲劇場景。獨奏者必須感受強烈地、悲憫地音樂表情,在管弦樂團強力且嚴厲樂句之後形成對比,並逐漸地靜謐下來。」

 “In this movement…one cannot help thinking of an antique tragic scene, and the player must feel with what intense, pathetic expression this solo is performed, in order to contrast with the powerful and austere orchestral passages, which are, as it were, gradually withdrawn.”

齊瑪曼經典版本

Allegro moderato, 00:47

Andante con moto, 20:15

Rondo vivace, 26:05

https://www.youtube.com/watch?v=CTPhTQVzp9I

 

樂譜版本欣賞

https://youtu.be/ljdMU_vJ7ao

 

第一樂章精彩時刻

由鋼琴展開協奏曲之先例(0'54"起

https://youtu.be/CTPhTQVzp9I?t=56

 

左右手精彩節奏變化(6'50"-7'10"

https://youtu.be/CTPhTQVzp9I?t=411

 

發展部(8'40" - 10'15"

https://youtu.be/CTPhTQVzp9I?t=520

 

 


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【苗北講堂】2024下半年系列:普契尼逝世百年致敬~四大寫實歌劇巡禮(四)普契尼最後高峰~談《杜蘭朵公主》裡的音樂動機與愛情

【苗北講堂】2024下半年系列:普契尼逝世百年致敬~四大寫實歌劇巡禮(四)普契尼最後高峰~談《杜蘭朵公主》裡的音樂動機與愛情
Miaobei Art Center X BONART 2024-2-4

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


課程主軸:

「普契尼逝世百年致敬~四大寫實歌劇巡禮」系列課程✨

 

《托斯卡》
《波希米亞人》
《蝴蝶夫人》
《杜蘭朵公主》

在全世界十大上演率最高歌劇裡,普契尼的四大歌劇永遠是最受觀眾歡迎的劇目。

愛情,是歌劇史上出現最多,也最歷久彌新的主題,更也是義大利寫實主義歌劇作家普契尼作品中的核心元素
他筆下細膩的愛情與詠嘆,流淌下無盡的哀愁

從《波希米亞人》藝術靈魂的雋永、《托斯卡》淒美壯烈的真實、《蝴蝶夫人》深情等待的不悔,再到遺作《杜蘭朵公主》的霸氣公主與柳兒的嬌柔,普契尼的每部歌劇都蕩氣回腸且賺人熱淚…

2024年適逢普契尼逝世一百週年,是極其重要的年份;在這系列專題演講中,台灣蹦藝術理事長林仁斌老師將以獨家精彩資料與影音欣賞,將帶領您深入了解作曲家的創作精髓與音樂人生...

 

苗北藝術學苑 - 課程詳細資訊

113-2苗北講堂 

時間 _ 2024-09-08~2024-10-13
地點 _ 視聽中心
費用 _ 150
指導單位 _ 苗栗縣政府
主辦單位 _ 苗栗縣苗北藝文中心
協辦單位 _ 苗栗縣政府文化觀光局
※ 單堂報名:$ 150
※ 套票4堂 :$ 420

授課教師 _ 林仁斌(超人氣古典音樂欣賞名家、蹦藝術執行長)

一、因應現行防疫規範,學員上課均需全程配戴口罩;並遵守本中心防疫措施相關規定,違反規定將無法入場上課。

二、課程相關事宜洽詢:活動企劃部曾小姐037-612669轉511/cctseng@miaobeiac.org

主講人|林仁斌

蹦藝術 | BONART 執行長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

 

報名資訊與報名方式

繳費資訊

◎線上報名,點選上方「馬上報名」,填寫完google表單後,完成繳費。
◎臨櫃報名,至苗北藝文中心服務台填寫報名表,並完成繳費。
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◎ 現場繳費:請攜帶報名表至苗北藝文中心服務台
◎線上匯款:
戶名:苗栗縣苗北藝文中心
銀行:臺灣土地銀行頭份分行(0050212)
帳號:021-051-051-316

 

注意事項

1、退款規定:課程進入報名行政流程繳費後,因故不克參加者,需配合規定,於活動開始前14個工作天提出申請(票券效期開始日期起算),退票將酌收票價10%的行政手續費用,逾期恕不受理。

2、活動延期:若因天災等不可抗力因素(如:颱風),主辦單位將告知補辦日期或退款事宜。並保留修改活動內容,以及終止課程之權力。

3、講座以收費報名辦理,每堂未達上限人數,將告知退款事宜。並保留修改活動內容,以及終止課程之權力。

4.因應疫情配合政府措施,學員需全程佩戴口罩、禁止飲食。

課程形式配合中央防疫指揮中心指示滾動式修正,如採線上課程,將以「Google Meet」軟體上課;敬請各位學員一同共學、共好!藝起做好防疫措施,提供一個安心、安全的場域,迎接藝文生活。

竭誠歡迎您的參與~一起享受音樂與藝術之美💕


向普契尼致敬

- 2024年8月攝於義大利 Lucca,普契尼出生之故居廣場。(背後磚紅色三樓即為普契尼出生地,現為普契尼博物館)

 

普契尼最後高峰~談《杜蘭朵公主》裡的音樂動機與愛情

PUCCINI: “Turandot”

113/10/13(日) 10:00

在古老遙遠的東方中國裡,有一位美麗卻殘暴的公主杜蘭朵,為了報復先人所遭受的苦難,設下了三道謎題;凡是答對者,就能迎娶她,但凡答錯者,則在月初時斬首,迎向只有一條的死路...

本堂課程中,讓蹦藝術林仁斌老師以豐富的資料,帶您深入領略歌劇《杜蘭朵公主》的古風世界


 

歌劇創作

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

1920年時普契尼著手開始創作歌劇「杜蘭朵公主」,1924年秋天,普契尼因為長年喉部不適,經常感到喉嚨疼痛以及聲音沙啞而前往佛羅倫斯治療,檢查出罹患了喉癌,在當時根治此症的惟一方法只有動手術將癌細胞切除。 11月初普契尼由兒子陪同一起到比利時首都布魯塞爾動手術,手術進行相當順利,普契尼看似已渡過難關,但術後第二天卻因流血不止導致心臟病發,延至於1924年11月29日逝世,享年66歲。

普契尼留下了「杜蘭朵」的最後一幕未能完成,只寫到第三幕「柳兒自盡」。

後來由他的學生弗朗哥‧阿法諾(Franco Alfano, 1876 – 1954)將歌劇終曲補述完成。

 1926年4月26日,這部歌劇遺作由普契尼生前好友托斯卡尼尼(Arturo Toscanini, 1867 – 1957))於米蘭拉斯卡拉大劇院指揮首演,此時普契尼已去世一年半,杜蘭朵的大獲成功,也為普契尼的一生劃下一個輝煌燦爛的句點。

據說首演之日,托斯卡尼尼只指揮到「柳兒之死」,也就是普契尼完成的最後部分,托斯卡尼尼停止管弦樂隊的演奏,然後轉身對觀眾說:「大師在這裡放下了他的筆」,並停止了首演。

普契尼一生共留下十二部歌劇作品,全都與愛情有關,被公認是繼威爾第(Giuseppe Verdi, 1813 – 1901)之後最偉大的義大利歌劇作曲家。

在歌劇中,普契尼為求顯著東方色彩,更採用了中國民歌茉莉花〉的曲調,更使音樂充滿東方風情。

 

劇名「杜蘭朵」

「杜蘭朵」來自義大利文的「Turandot」的音譯,而此詞本身就來自波斯語的「Turandokht」,由「Turan」(圖蘭,地名,是波斯語中對中亞的稱呼)和「dokht」(女兒)兩個字組成,意即「圖蘭之女」。

 

伊朗(古代波斯)與圖蘭地理位置圖


故事起源探討

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

國內外有許多的學者對《杜蘭朵》故事來源進行論述。例如孟昭毅的〈“杜蘭鐸”的影響與 接受〉一文中,將「杜蘭朵」的主題上溯至波斯詩人菲爾多西(Hakīm Abol-Qāsem Ferdowsī Tūsī,935-1020)的作品《列王紀》(Shāhnāmé)。爾後又被波斯詩人內札米.甘伽維(Nizami Ganjavi,1141-1209)繼承改編為敘事詩《七美人》(Seven Princesses),詩中提到俄羅斯公主用猜謎的方式徵婚的故事。此與波斯童話《一千零一日》 中的〈杜蘭鐸的三個謎〉故事大致相同:只是由俄羅斯公主變為中國公主。

 

內札米.甘伽維:敘事詩《七美人》

波斯詩人內札米.甘伽維(Nizami Ganjavi,1141-1209)所著的敘事詩《七美人》(The Haft Paykar: A Medieval Persian Romance),詩中記載波斯帝國薩桑尼王朝(Sassanid Empire, 226-651)別赫拉姆五世(Bahrâm V Gûr,420-438)的傳說。這首敘事詩是國王的第四個妻子蘇格拉伯公主給他講的故事,詩中一篇〈被城堡守衛的公主〉 (The Tale of the Princess Guarded in the Castle),提到斯洛維尼亞(Slovenija)公主精通魔法,便在城堡中設置了重重的符咒,有能力破解符咒進入城堡的人便可娶她為妻,如果不能順利解除便會被機關的箭刺死。有位王子從智者那學習符咒破解之法, 便快速的通過城堡符咒的防守,但仍需解決公主出的四道題目才能得到最終的勝利。王子運用智慧成功的回答難題,如願娶回了公主。但此故事雖具備「公主出題答對就結婚」的主題,卻還沒有「未完成難題就殺頭的懲罰條件」, 但從「去追求公主是極具危險而可能喪命的」,因此目前學界認為此故事與「杜蘭朵」 的關係密切。

 

波斯詩人菲爾多西:《列王紀》

但內札米.甘伽維的《七美人》是改寫自 10 世紀波斯詩人菲爾多西(Hakīm Abol-Qāsem Ferdowsī Tūsī,935-1020)的《列王紀》(Shāhnāmé Book of Kings), 它講述了古代波斯的故事,從開創神話為始,到公元7世紀阿拉伯入侵為止,這本書可說是伊朗民族史詩。書中內容與〈被城堡守衛的公主〉最相似的就是〈扎爾向羅迪荷公主求愛〉(Zal woos Princess Rudabeh),故事內容大致是王子扎爾聽說被保護於城堡中的公主羅迪荷美若天仙,而公主也耳聞王子的英勇事蹟,但雙方對於彼此的身世之謎都有所顧慮,克服疑惑和重重考驗之後,他們決定要見對方一面,羅迪荷於是垂下繩子使扎爾能夠進入城堡,兩人見面後一見鍾情希望能結為連理,國王也同意他們的婚事,便舉行了盛大的婚禮。此故事和〈被城堡守衛的公主〉都具有王子克服難關追求公主的內容,但兩者仍然存在很大的區別,這些故事是融合了許多波斯的民間故事而寫成,因此確切的源頭很難考證, 只能推出大概是從〈扎爾向羅迪荷公主求愛〉而來的,後來寫成〈被城堡守衛的公主〉的故事,收錄於《七美人》之中流傳下來。但因〈扎爾向羅迪荷公主求愛〉 的故事與「杜蘭朵」之間存在的關繫較低,因此將〈被城堡守衛的公主〉視為「杜蘭朵」的濫觴。

 

德拉克洛瓦《一千零一日》故事集

〈被城堡守衛的公主〉寫成後仍不斷在民間流傳,直到18世紀初,「杜蘭朵」才為漸漸進入歐洲世界,以法國為首的歐洲國家對「東方文學」感到濃烈的興趣, 出現以東方為主題的文學作品,如《一千零一日》(Les mille et un jours)與《一千零一夜》(Les mille et une nuits),此兩者架構相似,都是故事套故事的框架式結構,且其中有七個故事主題在兩部書中皆有出現,它們之間存有明顯的影響關係;但《一千零一夜》是以男性為中心,以「黑夜」為主的故事;而《一千零一日》則是以「女性」為中心的「白天」故事,兩書在本質上有了差別。法國作家德拉克洛瓦(François Pétis de la Croix,1653-1713)所寫的《一千零一日》 或是譯為《天方日譚》的波斯童話又出現了「杜蘭朵」。

《一千零一日》究竟是根據何者而來的呢?學者羅湉在〈圖蘭朵之法國源流考〉認為:「目前法國學界基本認定《一千零一日》中的故事出自一本名為《憂愁後的歡樂》的土耳其故事集。」 故事《憂愁後的歡樂》(Ou La joie après l’affliction)是土耳其故事,被翻譯成波斯文後傳入法國,被德拉克洛瓦當作是波斯的童話,因而他參考《一千零一夜》故事結構,不僅轉譯,同時引用《憂愁後的歡樂》中的故事,以法文創作自以為的波斯童話《一千零一日》,因此將東方童話的故事帶進西方世界。

此書中的第二卷〈卡拉富王子與中國公主的故事〉(Prince Calaf and the Princess of China)「中國公主」的形象在這一階段才具體出現,《一千零一日》 中,終於出現了以Turandot為名的公主。

根據學者羅基敏《杜蘭朵的蛻變》研究:
Turandot是由「Turan」和「dot」合成,「Turan」即是我們說的土耳其斯坦,在波斯的史詩及傳說中可以看到,這個字係根據其建國國王「Tur」命名,表示其統治之地,指的是土耳其和中國;「dot」 來自「dukht」,有女兒、處女的意思,也含能幹、力量等用意。 因之,在波斯文裡,「Turandot」一字正是「中國公主」的意思。

因此由題名便知「Turandot」就是指中國的公主,而「Turandot」也是在此時被定下為中國的故事基礎。故事分為兩個部分,前段先描述波斯王子卡拉富文武雙全,是天之驕子,不幸國家遭到入侵,開始逃難的生涯,因遭強盜搶劫後不得不乞討和做苦工維生;下半部是落難王子隻身前往中國尋夢,這個故事已具備了《杜蘭朵》故事的原型,有猜謎招親、王子要求公主猜自己出身、侍女自殺等,經過多翻的波折,終能如願娶得中國公主,王子不但贏得美嬌娘,並且藉此得以復國。在德拉克洛瓦的故事已經具備《杜蘭朵》故事的大致架構,因此可視〈卡拉富王子與中國公主的故事〉為《杜蘭朵》的前身。

但與普契尼《杜蘭朵》不同的是, 王子回答的三道題答案為「太陽」、「海洋」、「」(貼心提醒:千萬不要硬背答案去考試,否則可能引來殺身之禍)。並加入侍女阿德瑪(Adelma)從中做梗的情節:杜蘭朵身邊的侍女,原是某可汗之女,其國被中國征服,方淪落侍奉杜蘭朵。
她告知卡拉富,杜蘭朵計畫命人於次日清晨謀殺他,以解決杜蘭朵要面對的問題。卡拉富吃驚之餘,喊出自己和父親的名字,慨嘆命運多舛。女子請卡拉富和她一同逃到親戚之國,卻被拒絕。......在宮殿裡,杜蘭朵解了他的謎,亦立刻承認自己已愛上王子,並願嫁給他,並且承認謎底是她的侍女告訴她的。侍女見破壞兩人好事之計策不成,自己又復國無望,於是出面承認自己的計謀後,自殺而死。杜蘭朵傷心的喊出侍女的名字:阿德瑪。

在後半段的故事中,原鄰國公主阿德瑪的復仇計畫則成為重點,她串聯了整個故事,也使原本單純的徵婚故事,更增添情節的波折。但在之後的改寫中,阿德瑪則逐漸被弱化,甚至被轉化為王子的宮女。而此故事雖然在寫的是中國的故事,卻顯少有關於中國的描寫。但這樣的情況在之後雷沙居的喜歌劇《中國公主》中被改變。

 

杜蘭朵這個中國公主的藝術形象卻被世界許多文學藝術家所鍾愛,並且出現了很多變異和再生。

在這些演變和演出後,中國公主的形象一再的受到質疑。而作者認為,考察普契尼歌劇中對中國文化了解的深淺與否並不重要,重要的是劇本對於故事的內涵開掘的是否深廣,理解得是否合乎人情,至於劇中情境寫得像不像中國倒是無關宏旨。

孟昭毅更指出《杜蘭朵》的演出成功也不在於她是否為中國公主,而是表現出真善美和深度的愛情主題。

將愛情視為至高無上的精神,和通過讚譽〈茉莉花〉而生動含蓄地表達青年男女愛情的樂曲,融合的天衣無縫。普契尼只闡發童話傳說中的美學內涵和文化底蘊,而不去深究歷史的真實和人物的典型,才使他的歌劇成為藝術珍品。

(上文出處:葉芳欣:《杜蘭朵》歌劇與戲曲四版本探析)


典型普契尼:

異國情調.女人.愛情.折磨.殘酷與死亡

 

劇情解說

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

在古中國,政府下令,欲娶公主杜蘭朵(Turandot)者,須猜對公主的三個謎語;但如有猜錯,便要處死。

有一位波斯王子蒞臨求婚,但猜謎失敗,將於月出之時斬首。流亡中國的韃靼王子卡拉富(Calaf)與父親帖木兒(Timur)、侍女柳兒(Liù)在北京城重逢後,即看到波斯王子遭處決,及杜蘭朵在場親自監斬。卡拉富王子被杜蘭朵公主的美貌吸引,不顧父親、柳兒和三位大臣平(Ping)、龐(Pang)、彭(Pong)的反對來應婚,答對了所有問題:這三道謎題的答案分別是「希望」、「熱情」和「杜蘭朵」。

但杜蘭朵拒絕認輸,向父皇撒賴,不願嫁給卡拉富王子,於是王子自己出了一道謎題,只要公主若在天亮前得知他的名字,卡拉富不但不娶公主,還願意被處死,公主捉到了王子的父親帖木兒和丫鬟柳兒,並且嚴刑逼供。柳兒自盡以示保守秘密。帖木兒此指責杜蘭朵十分無情。天亮時,公主尚未知道王子之名,但王子的強融化了她冰般冷漠的心,而王子也把真名告訴了公主。公主也沒公布王子的真名,反而公告天下下嫁王子,並說王子的名字叫:「Amore」,在義大利文中即「愛」。

 

第一幕

宮殿前

傳令官宣讀法令:「任何要想娶杜蘭朵公主的王子必須正確地回答她的三個謎語。如果回答錯誤,一律斬首示眾。而在月亮升起時,波斯王子將被斬首。」 大家聽到消息後,民眾湧向宮門,侍衛粗暴地推開他們,一個瞎眼的老翁被推倒在地上,老翁的女僕柳兒為了救老翁喊叫起來。

一個年青人聽到她的呼叫聲馬上過來幫忙,並且認出那位老翁就是他失蹤已久的父親。

老翁是流亡在中國的韃靼國王帖木兒,那個年輕人也就是韃靼王子卡拉富。

卡拉富見到父親仍活著,他非常高興。王子要求父親不要透露他的名字,因為害怕征服多國的中國統治者知道。

國王帖木兒告訴王子說,韃靼國宮廷裡的僕人中只有柳兒對國王仍舊忠心耿耿。王子問柳兒為什麼還是那樣忠心,她回答說,因為很久以前,王子曾向她微笑...... 月亮昇起了,民眾看到年輕英俊的波斯王子將要被斬首了,民眾請求杜蘭朵公主能夠饒恕波斯王子。

可是公主仍堅持並下令斬首。

杜蘭朵公主的出現引起了韃靼王子對公主的愛慕。當卡拉富王子情不自禁地呼叫公主名字的時候,波斯王子被斬首了,民眾則在恐慌中尖叫著。 韃靼王子被公主的美貌深深打動。他決定要向公主求婚,當他走向銅鑼並要敲打三下表示要娶杜蘭朵公主的時候,三位中國大臣平、龐、彭挖苦他說:「你還是好好保住你的人頭,趁早回到你的國家去吧。皇家墳墓已滿,我們不要再有笨笨的外邦人了。」韃靼國王帖木兒也勸告兒子打消這個念頭。暗戀著王子的女僕柳兒也認為王子不該去冒回答公主謎語的風險。 對柳兒的忠心王子很感動,王子對柳兒說:如果他不能答對公主的謎語而被斬首,希望柳兒繼續效忠父親,減少流亡的痛苦。

雖然三位大臣、帖木兒、柳兒多次勸告王子,但是王子已經下定心,任何人都勸說不了。 王子三次大叫公主杜蘭朵的名字。他衝向宮殿門前的銅鑼,敲響了三下,宣布了向公主求婚。 音樂壯麗隆重,在宮殿陽臺上觀看的杜蘭朵公主接受了王子的挑戰。

 

第二幕

第一景:宮中涼亭。日出前。

三位大臣(平、龐、彭)對自己的工作作出抱怨:每天要閱讀很多文書,主持無數宮廷內的各種儀式,還要籌備盛大婚宴或者喪事。大臣平突然想念他在湖南的自然風景:他家旁邊有湖,湖週圍長滿竹子。大臣彭想念他家鄉的果園。大臣龐回憶他老家的花園。

雖然三位大臣可以懷念他們的家鄉,但是他們必須回到冷漠無情殘酷的現實當中。他們不得不執行一些年青人的死刑,他們永遠記得這些年青人的恐怖命運。宮廷裡的樂器響起,表示皇帝將駕臨,三位大臣旋即作好迎接準備。

 

第二幕

第二景:宮廷。白天。

皇帝阿兒頓,杜蘭朵公主的父親,坐在御座上。他力勸那位求婚的王子撤回他的求婚決定,可是王子還是一意孤行。杜蘭朵出來對眾人自述她對於先人的不幸所感到的仇恨,說:她的祖先羅玉鈴太后抵抗男人的霸道,把國家治理得很好,人民老百姓過著安居樂業的生活,直到有一天有一個入侵的外國王子強暴她,並且殺死她。

長大後的杜蘭朵公主發誓要為祖先報仇,她憎恨所有向她求婚的男人。杜蘭朵公主勸告王子收回決定,但是王子對公主的愛意已定,無法收回。

於是杜蘭朵公主講出了第一個謎語:「什麼東西在晚上出生,而在黎明死去?」王子正確回答:「希望。」

公主感到很驚訝地講出了第二個謎語:「什麼東西紅如火,暖如火,又非火?」王子想了一會兒說:「熱情。」

公主聽後更加震驚了,民眾對王子的聰明自信喝彩,更加激怒了公主。

公主接著講出了第三個謎語:「什麼東西冷如冰,燒起來熱如火?」 正當王子思考的時候,公主很得意地逗弄著王子,以為王子肯定回答不了而被斬首,王子突然大聲說:「就是妳~杜蘭朵公主!」

民眾立即歡騰起來呼喚著王子的勝利,公主隨即跪在皇帝面前,哀求父王不要把她嫁出去。皇帝卻堅持誓約是「神聖不可侵犯」,認為公主一定要按照誓約嫁給王子。正當公主悲痛萬分之時,王子向公主提出了一個謎語:「如果在日出前杜蘭朵能說出王子的名字,妳就可以處死我。」杜蘭朵公主接受這個猜謎提議。皇帝也向眾人宣告希望王子在天亮時能成為他的駙馬。

 

第三幕

第一景:宮中花園。晚上。

在遠處,宮廷中的傳令官宣讀杜蘭朵公主的命令:今晚北京城內所有人都不能入睡,如果在天亮前仍然不知道王子的名字,那麼全城的人都要被處死。

三位中國大臣又再去見王子,他們說只要王子能放棄娶杜蘭朵公主,他們就會給王子錢財和女人。但王子仍然回絕。

接著,一群士兵拖出王子之父帖木兒和女僕柳兒。企圖從他們的口中得知王子的名字,因為有人看見他們和王子說話。 杜蘭朵公主命令帖木兒和柳兒說出王子的名字。王子假裝說他們不會知道。柳兒卻宣稱只有她才知道王子的名字,但是她不會透露的。大臣平用盡各種方法想從柳兒口中得知王子的名字,她堅持不說,於是受到拷打。

柳兒始終守口如瓶不肯透露,她的行為打動了杜蘭朵公主,杜蘭朵公主就問柳兒「什麼力量驅使你如此堅強?」柳兒回答「是愛。」。 杜蘭朵公主再次命令大臣平逼供出王子名字,大臣平便加重刑罰。柳兒沒有被屈服反而對杜蘭朵公主說:「層層冰霜將你圍住,一定會有火來熔化,你早晚會愛上他的!」 說完後,柳兒從一個士兵的腰帶拔出短劍,向自己猛刺,當她邁步走向王子眼前的時候,眾人喊著要她說出王子的名字,可她卻倒地而死了。

由於帖木兒眼睛瞎了,起初不知道柳兒已死,經過旁人告訴他,他知道後在極度的痛苦中大哭起來。 帖木兒警告說這種罪行會觸怒上天。眾人聽後帶著羞恥和害怕的心情安靜下來。

柳兒的屍體被抬走,悲痛的帖木兒和眾人跟在後面走。當所有人都離開之後,剩下王子和杜蘭朵。

王子責備杜蘭朵公主的殘酷後把她抱在懷裡並且強吻了她。 王子決定以真摯的愛情去打動杜蘭朵公主冷酷無情的心,他的一個吻點燃了公主心中的愛情之火,她希望王子帶著這個神秘的愛離開,再不要提出什麼問題,但是王子最終卻把自己的真名「卡拉富」告訴了公主,他的命運已掌握在公主的手中,可以隨時被處死。

黎明時分已到,杜蘭朵公主卻和卡拉富王子一同走到皇帝面前,杜蘭朵公主宣布她知道王子的名字,王子的名字就叫「愛!」(Amore,在義大利文中即「愛」) 於是,眾人齊聲向這對新人歡呼鼓掌。

(劇情解說整理自「維基百科」)

 


愛情的幾種樣貌

霸女 - 杜蘭朵公主

杜蘭朵公主因爲女性先祖被異族男性擄掠殘害,心懷憤恨而成了男性的復仇者;多年來故意出謎題刁難絡繹不絕的求婚者,當對方猜錯即令劊子手斬首伺候,已經有一長串首級掛在城牆上,心中瀰漫著復仇之火焰。

 

聖女 - 柳兒

柳兒是韃靼王子的僕婢,在故鄉時就傾心王子,難忘他友善的笑容。這位看似不起眼的奴婢,居然能為了公主完全不瞭解的「愛」,願意犧牲寶貴的生命,以自己的死成全王子姓名秘密。是劇中最令人動容的悲劇角色。

 

大贏家 - 卡拉富

韃靼王子卡拉富,對中國公主一見傾心,無論如何都要敲響報名猜謎提親之鐘。才智過人的他連續猜對三題,終於闖關成功得到皇帝的認可,雖杜蘭朵悔婚,但卻反要杜蘭朵猜出他的名字,更願意以死相殉,可見其決心與對愛情之堅持。劇情最後,柳兒雖然犧牲,但他不僅成功擄獲杜蘭朵之心,更代表他即將結束流亡,從韃靼王子身份搖身一變成為中國駙馬... 復國之路大成功(XD)


著名詠嘆調

  • 別傷悲,柳兒!〝Non piangere,Liù〞 —— 看到真心勸阻自己卡拉富,對柳兒的忠心很感動,他對柳兒說:萬一不能答對公主的謎語而被斬首,希望柳兒繼續效忠父親,減少流亡的痛苦。

https://youtu.be/KJsrxwl3bcc

 

https://youtu.be/L4TFqVSaoB0

 

  • 祖先的屈辱〝In questa Reggia〞——公主自述對於先人的不幸所感到的仇恨。

https://youtu.be/Sf35abbE48c

 

https://youtu.be/RihDKMlN_80

 

  • 主啊! 聽吾言〝Signore ascolta〞——柳兒苦勸王子不該去冒回答公主謎語的風險。

https://youtu.be/sjCbV0XS7iA

 

Signore, ascolta - Leona Mitchell (Liu, Turandot)

https://youtu.be/lDMEmYuDmFE

 

 

  • 公主徹夜未眠〝Nessun dorma〞——王子表達對於公主猜不出自己姓名的信心,並穿插著北京城百姓對於公主的命令之心聲。

(帕華洛帝於主演的電影《Yes, Giorgio》中,真實扮演男高音的角色,於電影中演唱歌劇《杜蘭朵公主》)

https://youtu.be/Q_hLh4qCqpg

 

Puccini: Nessun Dorma from 'Turandot' - BBC Proms

https://youtu.be/suj-2sbSFKs

 

Luciano Pavarotti sings "Nessun dorma" from Turandot (The Three Tenors in Concert 1994)

https://youtu.be/cWc7vYjgnTs

 

 

  • 冰霜將妳重重包圍〝Tu che di gel sei cinta〞——柳兒受公主虐待但卻堅決不說出王子姓名,決意自殺殉身前所演唱之詠嘆調。

https://youtu.be/g-1MjfmixrI

 

歌詞翻譯(林仁斌翻譯)

義大利文歌詞 中文歌詞
TURANDOT: Chi pose tanta forza nel tuo cuore?
LIÙ: Principessa, l’amore!
T.: L’amore?Liù affronta la glaciale principessa con quest’aria:Tu che di gel sei cinta
da tanta fiamma vinta
L’amerai anche tu!
Prima di quest’aurora
io chiudo stanca gli occhi
perché egli vinca ancora…
egli vinca ancora…
per non, per non vederlo più!
Prima di quest’aurora, di quest’aurora
io chiudo stanca gli occhi
per non vederlo più!
杜蘭朵:誰在你心裡注入如此大的力量?
柳:公主,是愛情!
杜蘭朵:愛?柳兒用這樣的神情面對冰冷的公主:被層層冰霜包圍的你
一旦被如此多的火焰征服
你也會愛上他的!
在這黎明之前
我會閉上疲憊的雙眼
這樣他仍然可以獲勝
他或許還能贏…
不再,不再見到他!
在這黎明之前,在這黎明之前
我會閉上這疲憊的雙眼
再也見不到他了!

 

歌劇裡欣賞不到的版本

猜得到為什麼嗎?

Anna Netrebko - Turandot: "Tu, che di gel sei cinta" - Puccini

https://youtu.be/g4dlATlrf0E

 

 

冷知識

貫穿全劇的 <茉莉花>,共出現8次

感謝陸生輝老師的Youtube頻道整理

 《茉莉花》於歌劇『杜蘭朵』中的第1次出現
1.  Lá, Sui monti dell'est (在遙遠的東方山上)
因波斯王子要被處斬,皇室安排僧侶為他超渡亡魂。


《茉莉花》於歌劇『杜蘭朵』中的第2次出現
2.  Principessa (公主開恩)
百姓請求公主對波斯王子開恩,免他一死。


《茉莉花》於歌劇『杜蘭朵』中的第3次出現

3 . Turandot (杜蘭朵)
正當王子卡拉夫唱著要娶得杜蘭朵公主,準備敲鑼時

4. La fossa già scaviam per te (我們已經為你挖墳墓)
卡拉夫王子不接受眾人的勸阻,決意參加公主的猜謎招親

5.  Dal deserto al mar (從沙漠到海洋)
公主杜蘭朵隨著茉莉花的旋律,進入皇宮的大殿。

6. Mi vuoi nelle tue braccia a forza
     (你要我屈服於你的懷裡嗎?)

7.  Principessa divina! (至尊的公主!)
總管大臣抓到兩名曾與王子來往的外邦人

8.  Singnor, non parlerò (主人,我不會說出來的。)
柳兒向卡拉富承諾,絕不透露他的名字。

 

 

全劇欣賞

北京紫禁城版本(祖賓梅塔指揮.張藝謀導演)

https://youtu.be/Jb0ORutNhBo

 

 

2002年薩爾茨堡音樂節版本(日語字幕)

https://www.youtube.com/watch?v=5vlgV3688q4

 

 

補充資料

 

 

讚嘆阿湯哥,拍出這麼棒的電影作品🌹

https://youtu.be/jU2TU--E6OE

 

Bonus 《Nessun Dorma》快閃演唱

https://youtu.be/t8_sH8Kh9s4


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【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」公益講座:最後的浪漫~談拉赫曼尼諾夫的四首鋼琴協奏曲

【BON音樂】蹦藝術X上海商業儲蓄銀行「豐富人生 X 音樂天地」最後的浪漫~談拉赫曼尼諾夫的四首鋼琴協奏曲
Bonart Public welfare lecture - Rachmaninoff

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「豐富人生 X 音樂天地」公益講座

🎊喜愛音樂、歌劇、音樂劇、交響樂的樂迷們有福了!慶祝上海商業儲蓄銀行總行新大樓落成,文教基金會自7月起,順勢推出全新的系列講座-「豐富人生X音樂天地」,將由知名長笛演奏、指揮、撰文與音樂攝影,全方位超人氣音樂欣賞名家,也是 #台灣蹦藝術協會 (蹦藝術 | BONART)理事長-林仁斌先生,精心策畫賞析西洋音樂名家、歌劇人物的主題,以美好音樂陪您經營豐富人生~

 

拉赫曼尼諾夫是20世紀俄羅斯最偉大的音樂家之一,身兼鋼琴家、作曲家與指揮家,集所有音樂才華於一身,他的作品甚富俄國色彩,充滿激情、旋律優美,其鋼琴作品更是以難度見稱。且聽蹦藝術林仁斌老師細細解說赫曼尼諾夫音樂背後的奧秘,串聯他的生平與四首鋼琴協奏曲,一同來探索他的歷史影響力!

這將是一場您不容錯過的精彩音樂主題演講~🕺💃

 

🎧「豐富人生 X 音樂天地」第249場

🤵🏻 主講|林仁斌 (旅法長笛演奏名家、樂團指揮、台灣蹦藝術協會理事長)

🎫 講題|最後的浪漫~談拉赫曼尼諾夫的四首鋼琴協奏曲

📆活動時間|2024年10月09日(三)晚上19:00-21:00

🏢 活動地點|上海銀行大樓2樓演藝廳(臺北市中山區民權東路一段2號)


主講人:林仁斌老師

 

【2024.10.09. 活動照片】

 

 


作曲家 拉赫曼尼諾夫


 

成長背景

拉赫曼尼諾夫(Sergei Rachmaninoff, 1873-1943)身兼作曲家、鋼琴家與指揮家,集所有音樂才華於一身,是公認全方位的音樂家。

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

作曲家簡介

拉赫曼尼諾夫(俄文原名серге́й васи́льевич рахма́нинов),生於 1873 年 4 月 1 日,卒於 1943 年 3 月 28 日。他是俄國傑出的作曲家、鋼琴家、指揮家,1943 年正式入籍美國,成為美國公民。

拉赫曼尼諾夫出生於俄國一個古老的貴族家庭,其家族歷史可追溯至 15 世紀。他的音樂天賦源於父輩,祖父阿卡迪・亞力克山德羅維奇・拉赫曼尼諾夫是業餘鋼琴家與作曲家,曾師從約翰・菲爾德;父親瓦西里・阿卡德耶維奇・拉赫曼尼諾夫創作過沙龍浪漫曲和即興演奏曲。他自幼接受良好的音樂教育,4 歲便開始學琴。先後就讀於聖彼得堡音樂學院、莫斯科音樂學院,師從茲維遼夫、吉洛蒂、塔涅耶夫、阿連斯基等。

拉赫曼尼諾夫的音樂創作涵蓋多種體裁,包括歌劇、管弦樂、鋼琴與管弦樂、室內樂、鋼琴曲、歌曲等。

其風格繼承了俄羅斯民族樂派的傳統和晚期浪漫主義的餘風。他的代表作品眾多,如四部鋼琴協奏曲,其中《d 小調第三鋼琴協奏曲》以艱深的難度被譽為鋼琴演奏曲目中的 “最難”;還有二十四首前奏曲、《帕格尼尼主題狂想曲》、歌劇《阿列科》、管弦樂《死之島》、《鐘》等。

拉赫曼尼諾夫的音樂具有強大的感染力,他善於在作品中表達深刻的情感。其音樂時常帶有幻想和悲劇性的哀傷等因素,也有磅礴的力量去讚歌幸福、描繪祖國大自然風貌。他的旋律美妙動人,與俄羅斯民歌中的悠緩歌曲保有密切聯繫,且以和聲語言和複調手法之豐富見長。

在二十世紀的古典音樂界,拉赫曼尼諾夫佔有舉足輕重的地位,他的作品至今仍廣受世人的喜愛和讚譽,對後世的音樂發展產生了深遠的影響。


拉赫曼尼諾夫的音樂風格概述

家庭環境與音樂啟蒙 

家族音樂傳統:拉赫曼尼諾夫出生於俄國一個古老的貴族家庭,祖父是業餘鋼琴家和作曲家,曾師從約翰・菲爾德;父親也創作過沙龍浪漫曲和即興演奏曲。這樣的家庭背景使他自幼便沉浸在音樂氛圍中,為其音樂風格的形成奠定了基礎。家庭的音樂傳統給予他最初的音樂薰陶,讓他對音樂創作和演奏有著天然的親近感和敏銳的感知力。

母親的啟蒙教育:

他的母親在發現他的音樂才能後,對他的音樂教育大力支持。在拉赫曼尼諾夫 4 歲時,母親便讓他開始學琴,並且後來還為他找來畢業於聖彼得堡音樂學院的鋼琴教師對他進行系統的音樂教育。母親的引導和支持在他音樂道路的起點起到了至關重要的作用,培養了他對音樂的興趣和扎實的音樂基礎。

 

教育經歷與師承影響

學院派的系統訓練:

拉赫曼尼諾夫先後就讀於聖彼得堡音樂學院、莫斯科音樂學院,在這兩所著名的音樂學府中,他接受了正規、系統且嚴格的專業教育。跟隨亞歷山大・濟洛季學習鋼琴,向著名作曲家謝爾蓋・塔涅耶夫學習對位法,跟隨安東・阿連斯基學習和聲學等,這些全面的音樂學習使他在作曲技法、音樂理論以及演奏技巧等方面都得到了深入的錘煉和提升。

大師的啟發與影響:

在學習過程中,他接觸到了彼得・柴可夫斯基和安東・魯賓斯坦等音樂大師。柴可夫斯基的俄羅斯傳統音樂風格以及對旋律的深情表達對拉赫曼尼諾夫產生了深遠的影響,他繼承了柴可夫斯基寬廣、抒情的旋律特點。而魯賓斯坦的浪漫主義演奏風格和創作理念也在一定程度上影響了拉赫曼尼諾夫,使他的音樂兼具浪漫主義的激情與細膩。

 

俄羅斯民族音樂傳統

民間音樂元素的吸收:

俄羅斯豐富的民間音樂為拉赫曼尼諾夫提供了大量的創作素材和靈感源泉。俄羅斯民間音樂中獨特的調式、節奏以及情感表達方式,都深深融入到了他的音樂創作中。他的作品常常帶有俄羅斯民族音樂的特色,如寬廣的旋律線條、強烈的情感表達等,展現出俄羅斯民族的精神氣質和文化內涵。
宗教音樂的影響:俄羅斯東正教的宗教音樂對拉赫曼尼諾夫的音樂風格也產生了重要影響。兒時的拉赫曼尼諾夫常被外祖母帶到附近的教堂和修道院中做祈禱,教堂裡鐘聲的鳴響以及宗教聖歌的旋律給他留下了深刻的印象,成為他創作靈感的重要來源。例如在他的一些作品中,常常能聽到類似鐘聲的音響效果,以及具有宗教音樂特色的和聲與旋律進行。


個人經歷與情感體驗

生活的挫折與困境:

1897 年,拉赫曼尼諾夫的《d 小調第一交響曲》首演失敗,這使他深受打擊,並陷入了持續三年的抑鬱症,在此期間幾乎停止了創作。這段痛苦的經歷對他的音樂風格產生了一定的影響,使他的作品在之後的創作中往往帶有一種深沉的、壓抑的悲劇性情緒

背井離鄉的經歷:1917 年俄國爆發革命後,拉赫曼尼諾夫離開了祖國,流亡他鄉。這種背井離鄉的痛苦和對祖國的思念之情也反映在他的音樂創作中,使他的音樂更加充滿了深情和憂鬱,同時也增添了對過去生活的懷念和對祖國的眷戀。


早年與學習 1873-1892 年時期

1873年4月2日出生於蘇聯的奧尼格(Oneg)莊園,位於俄國北方鄰近古老諾夫哥羅德(Nevgorod)的鄉村,從四歲起,母親便開始教導他彈琴。

拉赫曼尼諾夫從小就嶄露對音樂的愛好以及天賦。

6 歲時,父母聘請聖彼得堡音樂院畢業的年輕鋼琴教師安娜‧奧娜茲卡亞(Anna Ornatskaya)來教他彈琴。1882年,拉赫曼尼諾夫一家搬到聖彼得堡後,在音樂教師安娜的推薦下,拉赫曼尼諾夫獲得聖彼得堡音樂院的獎學金,進入音樂院就讀。

10歲時的拉赫曼尼諾夫

 

但因從小父母親離異對他的影響很大,他除了鋼琴課程之外,其他幾乎都放牛吃草,甚至逃學,致使學習的步伐相當緩慢,在音樂院的成績表現得不甚理想,差點被退學。外婆為了鼓勵他,於是在靠近諾夫哥羅德的波里弗蘇(Borivoso)買下一座小農莊,於是拉赫瑪尼諾夫也經常陪祖母去東正教的教堂作禮拜,唱詩班的歌聲和教堂的鐘聲在他腦海裡留下深刻的印象,並度過許多快樂時光。

於是在鋼琴家表哥席洛悌(Alexander Siloti, 1863-1945)的建議下,拉赫曼尼諾夫轉入莫斯科音樂院就讀,拜師尼古拉•慈威雷夫(Nikolai Zverev, 1832-1893)門下學習。

慈威雷夫在莫斯科是出了名嚴格的老師,許多達官貴族的富子弟們願意付出大筆的學費,希望進入他的門下,以至於他收入不斐。

但是當他收到有天份的學生時,卻不會收取任何費用,可是必須遵從他的指令跟要求的作息。拉赫曼尼諾夫在這樣的環境與老師高度要求下,建立起影響他一輩子的能力:克服了懶惰的陋習,也養成了對音樂的良好品味。

慈威雷夫認為學習音樂應該是從欣賞的品味建立起,所以他不會一開始就要求學生學習樂理和和聲,而是聽大量的音樂會跟歌劇。

此外,他也會安排知名的鋼琴家與學生練習四手聯彈,並且在聚會時,讓學生上場演奏, 接受其他偉大音樂家的評論。

但師生關係拉赫曼尼諾夫轉頭注意力於作曲上時正式引爆衝突,因為他發現自己對作曲有極大的興趣,在將柴可夫斯基的交響曲《曼弗雷德》(Manfred)改編成鋼琴二重奏並受到柴可夫斯基本人極高的讚美嘉許之後,更加燃起他想成為作曲家的夢想。

想專心作曲的拉赫曼尼諾夫希望能有一間專屬於自己的琴房,但他專制的恩師認為,有鋼琴天賦的人不應該把才能浪費在創作上,再加上年輕氣盛的拉赫瑪尼諾夫溝通時用詞上不夠尊重,師生關係因此正式決裂。

在音樂院的鋼琴老師因此更換為同在音樂院任教的表哥席洛悌。

表哥席洛悌(左)與拉赫曼尼諾夫(右)

 

到了他音樂院的最後一年,因表哥席洛悌和校長失和而離職,拉赫曼尼諾夫在不想再次更換適應新老師的情況下,選擇提前一年參加鋼琴畢業考,卻意外地拿下優秀的成績。

而隔年的作曲班畢業考試,拉赫曼尼諾夫以普希金(Aleksandr Sergeyevich Pushkin, 1799-1837)的詩篇《吉普賽人》 (Tsïganï )所創作的歌劇《阿雷可》(Aleko, 1892),也獲得極高的分數。評分的教授群,包括柴可夫斯基等一致推薦他獲得金牌獎,該獎項音樂學院有史以來只頒發過兩次, 分別只頒給塔涅耶夫(Sergey Ivanovich Taneyev, 1856-1915)及柯雷申可(Arseny Koreshchenko)

這一年,音樂院刻著優秀前人塔涅耶夫與柯雷申可(Koreschenko)名字的石碑上,也加上了拉赫曼尼諾夫之名,宣告著光榮畢業以及俄國即將出現另一位優秀的職業音樂家。

 

展翅飛翔 1892-1901 年時期

畢業之後開始成為自由藝術家的拉赫瑪尼曼夫,先靠著學生時期的作品,以及最著名的《升c小調鋼琴前奏曲》op.3等作品創作獲得一些收入,但他很快地意識到,這並不足以維持他的生活。

https://youtu.be/YOx710drHnw

 

https://youtu.be/SCm9O2KNEX4

 

魯崗斯基談拉赫曼尼諾夫的「鐘聲效果」

 

https://www.youtube.com/watch?v=qnEfzOHdOXM

 

他開始收鋼琴學生、指揮自己的歌劇、擔任學校的音樂老師,但這對於他的創作速度影響不小,無疑是雪上加霜。值得慶幸的是,他在離開學校後,仍然受到許多大師的鼓舞與協助,其中包含柴可夫斯基和林姆斯基-高沙可夫(Nadezhda Nikolayevna Rimskaya-Korsakova, 1848-1919)

1893 年,兩位影響他最深的老師(慈威雷夫和柴科夫斯基)相繼過世,使他失去了精神的依靠。

 

至情至性的悲歌,令人聞之落淚

《悲歌》是拉赫曼尼諾夫創作於1892年的一套五首鋼琴獨奏曲,這套作品題獻給他在音樂學院的和聲老師~安東‧阿倫斯基(Anton Arensky)也有一說本曲是為紀念柴可夫斯基過世而寫的曲子。

從樂譜中,我們可以讀見年輕的拉赫曼尼諾夫已經具備非常成熟的音樂語法與鍵盤和聲,甚至他愛用了一輩子的「半音級進」,進而產生的各種變化和聲

https://www.youtube.com/watch?v=nFcuZK_Xu7c

 

1895 年,他開始了《第一號交響曲》的創作,此曲在 1897年 3月,由葛拉祖諾夫(Aleksandr Konstantinovich Glazunov, 1865-1936)指揮首演,但由於當時排練情況不佳,致使演出的情況十分不理想(據說是葛拉祖諾夫於演出前飲酒...),以致受到了聖彼得堡的音樂界無情的批評,也深深地打擊了拉赫曼尼諾夫的信心。

由於《第一號交響曲》遭受到樂評家們給予不客氣的的批評,尤其是以庫宜(César Cui, 1835-1918)帶頭的攻擊最為致命,因此在d小調第一號交響曲首演失敗後,拉赫曼尼諾夫憂鬱不已整整沉寂了三年。

 

長達三年的時間,拉赫曼尼諾夫不再提筆創作。而生活困難之際,救星出現:億萬富翁馬蒙托夫(Savva Ivanovich Mamontov, 1841-1918),提供了歌劇院的指揮一職,恰巧開啟了拉赫曼尼諾夫的第三項職業專長:「指揮家」。

其中值得注意的是,他認識了偉大的男低音夏禮亞賓(Fedor Lvanovich Chaliaplin, 1873-1938)。

1899 年,拉赫曼尼諾夫受到英國指揮樂團的邀請到英國訪問、演奏。倫敦的皇家愛樂協會提出邀約,希望創作一首新的鋼琴協奏曲。

但拉赫曼尼諾夫持續處在創作低潮期,他一回到俄國,精神衰弱毛病再犯,任誰都激勵不了,後經朋友再三鼓吹,在眾人的鼓勵下,接受了達爾醫生(Nikolai Vladimirovich Dahl, 1860-1939)醫生的催眠治療。

 

 

達爾醫生得知拉赫曼尼諾夫即將寫作一首鋼琴協奏曲後,便以催眠法不斷暗示他,將會順利完成這首樂曲,而且該曲的評價將會相當高。

經過治療,拉赫曼尼諾夫順利恢復自信,終於在隔年(1901年)跨出第一步,成功完成創作。

事後拉赫曼尼諾夫對於這段療程表示:雖然它聽起來也許不可思議,但這療程真的幫助了我,在夏天開始時,我再度開始創作。靈感大量湧出,新的音樂想法開始在我心中激盪~這對於我的全新協奏曲來說,已經足夠。

先完成的是《第二號鋼琴協奏曲》的第二與第三樂章,拉赫曼尼諾夫本人擔任鋼琴獨奏家,成功地1900年於12月2日於莫斯科公開上演,獲得了各界熱烈的歡迎;帶第一樂章完成之後,1901年拉赫曼尼諾夫再次擔任獨奏家於1901年11月9日演出全曲,全曲終於完成。

1901 年更在表哥席洛悌擔任鋼琴獨奏與尼基許(Arthur Nikisch)的指揮下,於聖彼得堡演出,再度獲得當地的歡迎與肯定,越來越成功;日後 1904 年時,《第二號鋼琴協奏曲》讓拉赫曼尼諾夫獲得了俄羅斯作曲屆大獎:葛令卡獎,獎金500盧布,這更是繼催眠療法成功後,作曲家走出憂鬱邁向成功的第二步。

 

音樂欣賞

Ivan Bessonov(2022年拉赫曼尼諾夫鋼琴大賽首獎得主)

https://www.youtube.com/watch?v=e9620-wKPvA

 

https://www.youtube.com/watch?v=SZgwY2WTOy4

 

1901年的拉赫曼尼諾夫

 

1901-1918 年時期

隨著《第二號鋼琴協奏曲》的成功,拉赫曼尼諾夫終於重拾信心。

1902 年時,拉赫瑪尼諾夫在接受表哥席洛悌的資助下恢復了自信心與經濟能力,並向表妹娜塔利亞‧薩亭娜(Natalya Satina, 1877-1951)求婚。而緊接著的喜訊, 則是他和表的婚事終於嶄露曙光。1902年初,他與表妹結婚,地點在莫斯科郊區的軍事教堂。他們蜜月的地點從威尼斯到維也納,決定蜜月地點的關鍵,完全取決於旅途中要聽那些音樂。

拉赫曼尼諾夫與妻子 - 表妹娜塔利亞‧薩亭娜

 

此後的 10 年,伴隨著兩個女兒伊雷娜(Irina)與泰緹雅娜(Tatiana)的出生,以及指揮、創作事業的成功,這時期幾乎是拉赫瑪尼諾夫一生中最幸福快樂的時光。

 

與兩位女兒Irina與Tatiana合照:

 

回到莫斯科後,拉赫曼尼諾夫開始他的歌劇創作《吝嗇騎士》(The Miserly Knight, Op. 24, 1906)。1904年的春天,他完成該作品,同時接受了國家歌劇院的指揮一職。

而這段期間,拉赫曼尼諾夫和夏禮亞賓的合作關係變得更為密切。1906 年,劇院中的紛紛擾擾,讓拉赫瑪尼諾夫感到不悅,雖然他指揮的音樂會,讓所有人刮目相看,但他毅然決然地結束合約,另一方面也是因為當時俄羅斯國內的政治動亂。女兒的生病,更讓他們舉家搬往德勒斯登,而這也讓他的創作從新回到正軌。

 

在德勒斯登的三年間,他完成了《第二號交響曲》、《第一號鋼琴奏鳴曲》(Sonata No.1 in d minor, Op. 28, 1907)、交響詩《死之島》(The Isle of the Dead, Op. 29, 1909)。 並且迎接他第二個女兒的到來。

1909 年,拉赫曼尼諾夫接受了美國的邀約,赴美巡迴演奏。在他離開之前,波士頓交響樂團希望他接下指揮一職,但是這意味著他必須放棄在莫斯科的一切, 以及家人生活起居的問題,這明顯的困擾著拉赫曼尼諾夫,所以他斷然地拒絕所有的合約。拉赫曼尼諾夫在這段旅程中,寫下了《d 小調第三號鋼琴協奏曲》(Piano Concerto No. 3 in d minor, Op. 30, 1909),學界一般公認這是技巧最艱深也最為華麗的一首鋼琴協奏曲。

https://youtu.be/D5mxU_7BTRA

 


延伸閱讀

【BON音樂】您數過拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲的音符數量嗎?


 

回到俄國之後,拉赫曼尼諾夫的名望可說是如日中天,從歐洲寄來的邀約不斷。

可喜的是,在這般繁忙的演出中,他仍創作了許多經典的作品,包含大型合唱管弦作品《鐘聲》(The Bells, Op. 35, 1913)、宗教合唱作品《聖約翰•克里索斯 通的禮拜儀式》(Liturgy of St John Chrysostom, Op. 31, 1910)、以及《晚禱曲》 (All-night Vigil, Op. 37, 1915)等重要作品。1915 年,革命的烈焰焚燒了整個國家,全體俄羅斯人民獻於水深火熱之中:作曲家塔涅耶夫以及好友斯克里亞賓(Alexander Scriabin, 1872-1915)相繼與此時間點離開人世。


延伸閱讀

拉赫曼尼諾夫大型合唱管弦作品《鐘聲》(The Bells, Op. 35, 1913)


1916年底俄國內政混亂,整個社會非常動盪不安,不久即於1917 年十月發生俄羅斯革命,整個國內情勢讓所有音樂活動都停擺,也讓拉赫瑪尼諾夫的三項事業宣告停止。

 

這次的離開導致拉赫瑪尼諾夫從此離開俄國,從此遠離他的祖國俄羅斯,一輩子再也沒有回到祖國。

 

1918年起舉家定居美國;他明白若要維持一家人的家計,最快的方法便是演奏,於是他將大部分的時間轉為在鋼琴演奏上,並錄製了許多唱片。

 

與費城管弦樂團指揮尤金.奧曼第之音樂合作

 

https://www.youtube.com/watch?v=zt_gcYP6QEk

 

1918-1943 年時期

在這次的逃難過程當中,拉赫曼尼諾夫失去了所有財產。但幸好藉由大量的音樂會演出酬勞,還清了債務。此時他體悟到,為了照顧家庭,他需要穩定的收入。因此下了非常重要的決定:決定選擇鋼琴家為主要事業。因為想要身兼作曲家與鋼琴家,合約經常受限,且作曲的收入較不固定。到了四十五歲的年紀,這其實是項重大的決定,他必須重新仔細練習鋼琴演奏技巧,並擴展新的音樂會曲目。

 

拉赫曼尼諾夫的十種和聲技巧

https://www.youtube.com/watch?v=HsyqaqMDKLo

 

https://www.youtube.com/watch?v=exVFgbGRN-Q

 

https://www.youtube.com/watch?v=IaQ9OtmGv9Y

 

1918年來自美國的邀約不斷,但都被拉赫曼尼諾夫拒絕,主因是合約中的演出場次太過繁重,但他最終仍決定攜家帶眷至美國發展,因他發現美國源源不絕的演出機會,可以帶來更多的收入,解決他一直煩惱的財務問題。在紐約,他受到熱烈的歡迎,並且接受了史坦威公司的巡演合約,也合作錄製了唱片。

 

1925 年,拉赫曼尼諾夫替女兒創立了出版社《泰爾》(Tair),出版一些未出版,但是具有價值的俄國作品,以及許多自己的音樂作品,而這也逐漸成為拉赫曼尼諾夫音樂的主要出版商,主要出版晚期的作品以及鋼琴改編曲。1926 年,拉赫瑪尼諾夫決定讓自己休息一整年。而實際上,這樣的休息只有一個目的,他準備創作《第四號鋼琴協奏曲》(Piano Concerto No.4 in g minor, Op. 40, 1926, rev. 1941),1926年於德勒斯登(Dresden)完成。

隔年的首演,彷彿歷史的記憶再次被掀開,評論家們都不認為這是一部好的作品。喬其諾夫在《紐約世界報》(New York World)發表:...然而隨著樂章的進行,藝術性的張力開始緩慢而鬆散。連結的部分沒有達到自然融合,新的素材呈現時,沒有音樂上的必要性的認可。

失望之餘,拉赫曼尼諾夫的創作又再次停擺。

1931 年,拉赫瑪尼諾夫和朋友所簽屬的一份對抗泰戈爾(Rabindranath Tagore, 1861-1941)讚美蘇維埃政府在公立教育成就言論的聲明稿,被發表在《紐約時報》 (New York Times)。他的作品因此被他的祖國禁聲了兩年,但他本人對於這場抵制並沒有做出評論。

隔年,拉赫曼尼諾夫在瑞士買下一棟別墅,取名為「Senar」,並在此創作了受人注目的樂曲,著名的《帕格尼尼主題狂想曲》(Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43, 1934),以及《第三號交響曲》(Symphony No.3 in a minor, Op. 44, 1935-6, rev. 1938)。

《帕格尼尼主題狂想曲》再一次讓拉赫曼尼諾夫重拾偉大作曲家的名譽,而俄羅斯芭蕾舞家福金(Mikhail Mikhailovich Fokine, 1880-1942)更依據他的指示,將其編成芭蕾舞劇。

 

1939 年,二次世界大戰在歐洲所引起的動亂,讓拉赫曼尼諾夫決定離開。回到美國後,他創作了最後一首著名的《交響舞曲》(Symphonic Dances, Op. 45, 1940), 本來也有意請福金編成芭蕾舞劇,但隨著福金的去世,計畫也無法實施。

 

https://www.youtube.com/watch?v=aejZf3Y75JM

 

1940年左右,拉赫曼尼諾夫指揮樂團的身影

 

https://www.youtube.com/watch?v=DsCowtIGK_4

 

1942至1943年是拉赫曼尼諾夫最後的巡迴演出樂季,因為他想退休,回到比佛利山莊的家,在家好好休養。

1943年2月17日,在諾斯維爾(Knoxville)舉行最後一場獨奏會之後,不久便證實他因身體不適被診斷罹患末期癌症,雖然莫斯科傳來慶祝他七十歲生日的計畫,但他從未知曉;同年3月28日病逝於美國加州的比佛利山莊,享年七十歲,之後遺體被移往紐約州,葬在一所俄國東正教的墓園裡。

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

諾斯維爾為拉赫曼尼諾夫所製作的「最後音樂會雕像」

 

最後的浪漫

拉赫曼尼諾夫受浪漫時期的音樂前輩很深,特別是蕭邦、李斯特 (Franz Liszt, 1811-1886)以及柴可夫斯基。他尤其喜愛蕭邦、李斯特那種如歌式的旋律以及豐富音響的音樂架構。

在拉赫曼尼諾夫的求學期間(1882-1892),柴可夫斯基在樂壇中的地位已無人可及。他對年輕一代的拉赫曼尼諾夫十分賞識,在拉赫曼尼諾夫剛成為職業音樂家時,也給予他許多親切的幫助,可惜不久後卻撒手人寰。柴可夫斯基的早逝使莫斯科的音樂界領導人出現斷層,雖是如此,卻也讓後繼的新生代有嶄露頭角的機會。最明顯的是拉赫曼尼諾夫及史克里亞賓(A. Skryabin, 1872-1915),前者致力於承續傳統,後者則致力於開創新風格。

在史特拉汶斯基(Igor Stravinsky, 1882-1971)於巴黎發表了《春之祭》(The Rite of Spring)後, 保守派的作曲家由於已無超越的創新之作,而陷於困境的泥沼之中。在這樣的大環境之下,當時的拉赫曼尼諾夫仍堅持用傳統的方式訴說他的音樂理念,在紛亂、 求新求變的 19 世紀末的俄國,帶來一襲令人得以喘息的復古清流。

1909年作的「死之島」(The Isle of the Dead Op. 29),以及晚期的鋼琴作品和歌曲中。然而這些早期與後期作品比起來,雖然較缺少結構上的變化,但卻充滿前輩柴可夫斯基的影子:例如龐大的管絃樂配器方式、強烈的音樂情感與旋律~以及那多愁善感的俄羅斯音樂風格。

拉赫瑪尼諾夫在1892至1910年間,爲鋼琴寫了二十四首前奏曲, 分別是 op.3 No.3的升c小調(一首)、Op. 23(十首)、Op. 32, (十三首)。這些樂曲風格有內省的、熱情的以及表現技巧;但無論是哪一種風格,這些音樂都是鋼琴作品中的珍品。

拉赫瑪尼諾夫的音樂是以悠長寬廣、而又充滿無止盡憂鬱的旋律,表現出獨樹ㄧ幟的才華。因為本身也是ㄧ位傑出的鋼琴家,所以 常開發出鋼琴屬於鍵盤樂特有的效果:大跳的八度音、大音程距離的 琶音、以及雙音的音型等,都完全充分反映出他的鋼琴風格。

 

當拉赫曼尼諾夫獲知自己罹患癌症末期時,他曾說出這句話:「My dear hands. Farewell, my poor hands.」。這句話存在非官方紀錄,但我們卻能想像這位音樂家是多麽愛著自己的雙手…

 

深情款款.詩意盎然之雙鋼琴

The Night…The Love…”,靈感來自拜倫的詩歌

枝頭傳夜鶯響聲鳴唱

這是戀人絮語中盡顯甜蜜誓言的時刻

煦煦和風與流水淌淌溫柔為伴

為孤獨雙耳奏出陪伴之樂....

"It is the hour when from the boughs The nightingale’s high note is heard, It is the hour when lovers’ vows Seem sweet in every whisper’d word, And gentle winds and waters near, Make music to the lonely ear....."

https://www.youtube.com/watch?v=S5orgRFM_Ow


對後世的深刻影響

拉赫曼尼諾夫的音樂風格,對後世產生了多方面的深遠影響:

在音樂創作方面

悠長抒情的旋律:

拉赫曼尼諾夫擅長創作悠長、抒情且極具歌唱性的旋律,這種旋律風格為後世許多作曲家提供了極大靈感。

許多的音樂家在創作中借鑒了他對旋律線條的精心雕琢和延展,使音樂具有更強的情感表現力和感染力。

拉赫曼尼諾夫抒情的旋律風格在電影配樂領域也被廣泛應用,很多電影音樂為了營造出動人的氛圍,會採用類似拉赫曼尼諾夫式的抒情旋律,能夠深深觸動觀眾的心靈。

俄羅斯民間音樂旋律的運用與發展:

拉赫曼尼諾夫善於將俄羅斯民間音樂的元素融入到自己的旋律創作中,這使得俄羅斯民間音樂得到了更廣泛的傳遞和發展。

後世的俄羅斯作曲家們深受其影響,更加注重對本土民間音樂的挖掘和運用,如史特拉汶斯基在其一些作品中也融入了俄羅斯民間音樂元素,但在風格和表現手法上與拉赫瑪尼諾夫有所不同,兩人在二十世紀共同推動了俄羅斯民族音樂的發展。

同時,對民族音樂元素的重視也影響了其他國家的作曲家,促使他們關注並挖掘自己國家的民間音樂,為民族音樂在世界音樂舞台上的發展起到了推動作用。

 

和聲與復調手法.豐富的和聲色彩:

拉赫曼尼諾夫的和聲運用非常豐富且具有獨特的個性,他常常使用複雜的和弦結構和不尋常的和聲進行,為音樂增添了神秘、深沉的色彩。這種和聲手法影響了後來的一些現代派作曲家,他們在和聲的探索上更加大膽和創新。

 

複調技法的傳承:

拉赫曼尼諾夫的作品中複調技法運用嫺熟,多條旋律線相互交織、相互呼應,形成了複雜而又美妙的音樂結構。這種複調手法對後世的嚴肅音樂創作產生了重要影響,許多作曲家在創作中更加注重複調的運用,使音樂的層次感和立體感更強。

巴赫的複調音樂在巴洛克時期達到了高峰,一路經過許多偉大的作曲家們,即使是俄羅斯的拉赫曼尼諾夫,他對複調的傳承和發展,都讓複調音樂在 20 世紀仍然保持著強大的生命力。

 

鋼琴演奏領域.技術力與美之結合:

超高的技術挑戰:

拉赫曼尼諾夫的鋼琴作品以其極高的技術難度而聞名,對鋼琴演奏者的技術提出了巨大的挑戰。

他的作品中常常包含複雜的節奏、快速的音階、琶音以及大跨度的和弦等技術難點,這促使後世的鋼琴演奏者不斷努力提高自己的技術水平,以能夠完美地演繹他的作品。

許多鋼琴家將演奏拉赫曼尼諾夫的作品視為對自己技術能力的一種考驗和證明,例如霍洛維茲、范・克萊本、阿格麗希、齊瑪曼、趙成珍、王羽佳...等世界諸多鋼琴家們,皆以精彩的演繹詮釋過拉赫曼尼諾夫的鋼琴作品。

 

情感表達的深度:

除了技術要求,拉赫曼尼諾夫的鋼琴作品更強調情感的表達。

他的音樂中蘊含著深厚的情感,需要演奏者具備細膩的情感感知和表達能力。這種對情感表達的重視影響了後世的鋼琴演奏觀念,使鋼琴演奏不再僅僅追求技術的完美,更注重將技術與情感相結合,以達到更高的藝術境界。

 

演奏風格的影響

力量與激情的演繹風格:

拉赫曼尼諾夫的演奏風格充滿力量和激情,他的音樂具有強烈的感染力,能夠讓聽眾深深地沉浸其中。這種演奏風格對後來的鋼琴家產生了深遠的影響,許多鋼琴家在演奏中追求類似的力量感和激情,使鋼琴演奏更加富有表現力和張力。例如俄羅斯鋼琴家蘇可洛夫、紀辛、魯岡斯基,他們的演奏風格中就帶有一定的拉赫曼尼諾夫的影子,在演奏時能夠將音樂的力量和情感充分地展現出來。

對音色的獨特追求:

拉赫曼尼諾夫非常注重鋼琴的音色變化,他透過不同的觸鍵方式和力度控制,創造出豐富多樣的音色效果。

這種對音色的追求影響了後世的鋼琴演奏者,使他們更加注重對鋼琴音色的發掘和運用,通過細膩的音色變化來豐富音樂的表現力。

 

悲劇性與史詩性的審美風格:

悲劇性的情感共鳴:

拉赫曼尼諾夫的音樂中常常帶有一種深沉的悲劇性,這種悲劇性情感能夠引起聽眾的強烈共鳴。

他的作品讓人們感受到了人生的苦難、命運的無常以及人類在困境中的掙扎,使聽眾在欣賞音樂的過程中得到了情感的宣洩和心靈的慰藉。這種悲劇性的審美風格對後世的音樂創作產生了影響,許多作曲家在作品中也會表達類似的悲劇性情感,以觸動聽眾的心靈。

史詩性的音樂氣質:

拉赫曼尼諾夫的音樂具有宏大的敘事性和史詩般的氣魄,仿佛在講述一個個波瀾壯闊的故事。這種史詩性的音樂氣質為後世的音樂創作提供了一種新的審美觀,許多作曲家在創作大型作品時會借鑒他的這種風格,追求音樂的宏大敘事和深遠意境。

對浪漫主義音樂的延續與發展:

拉赫曼尼諾夫生活在 20 世紀,但他的音樂風格仍然保留了濃厚的浪漫主義色彩,是浪漫主義音樂在 20 世紀的重要代表人物。他的作品讓浪漫主義音樂在 20 世紀得以延續和發展,為浪漫主義音樂注入了新的活力。他的音樂讓人們重新認識到浪漫主義音樂的魅力和價值,也為後來的音樂家在浪漫主義音樂的創作上提供了新的思維與未來之路。


【BON話題】獨步全球.超大雙手

大家最津津樂道的,莫過於那雙能輕鬆駕馭鋼琴的大手,據說能夠輕鬆掌握 12 度的音程。許多看過或曾經聽過拉赫曼尼諾夫演奏的樂評說:「他以無與倫比的準確狠狠地緊抓出和音而造出如交響樂般的音響效果。」

 

延伸閱讀

【BON音樂】拉赫曼尼諾夫的無敵大手

 

 

 

【趣味話題 2】票選世界百大鋼琴家

https://www.ranker.com/list/best-pianists-in-the-world/ranker-music

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節慶長笛樂團由知名音樂家林仁斌擔任團長與樂團指揮,周欣穎老師擔任音樂總監。樂團藉由舉辦各式音樂會與文化藝術交流活動、邀請國內外音樂家參與,以多元化及各式長笛音樂與精采活動互相結合,宗旨在於發揚各式音樂、培養優秀音樂人才、推動國內外音樂活動、促進國內外音樂文化交流。

 

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【BON音樂】交響至尊:談貝多芬的交響人生與九大交響曲創作歷程

【BON音樂】交響至尊:談貝多芬的交響人生與九大交響曲創作歷程
The symphonies of Beethoven

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


交響轉捩點:談貝多芬建構的九座高峰與現象

 

主講人|林仁斌

台灣蹦藝術協會理事長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、衛武營文化藝術中心、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。


 

  • 課程重點:貝多芬之精彩交響人生 

貝多芬的一生充滿了戲劇性,從年輕時的雄心抱負,到不得不正視耳聾的多舛命運,雖然挫折接踵而至,但對音樂滿懷使命的他,仍留下了許多人類永恆遺產的珍貴作品:他的九大交響曲每首都是經典、32首鋼琴奏鳴曲被譽為「鋼琴的新約聖經」、弦樂四重奏更寫出前無古人的里程碑。被稱為「樂聖」的他,也讓我們看見了超越生命中種種磨難的韌性,用音樂永遠留在世人心中。

 

貝多芬九大交響曲簡說

表格取自維基百科「貝多芬交響曲」條目

貝多芬九大交響曲簡說
編號 標題、調性 作曲時間 首演 初版 題獻
黑斯編號(Hess)第298號 C小調交響曲(sinfonia) 18世紀八零年代末
C大調交響曲 1795–97年間(約略)
作品21 C大調第1號交響曲 1799年–1800年 1800年4月2日,維也納城堡劇院 1801年12月,維也納:霍夫邁斯特(Hoffmeister) 斯維頓男爵(Freiherr Gottfried van Swieten)
作品36 D大調第2號交響曲 1801年–1802年 1803年4月5日,維也納河畔劇院 1804年3月,維也納:藝術與工業局(Kunst u. Industrie Kontor) 里希諾夫斯基親王(Fürst Karl von Lichnowsky)
作品55 E♭大調第3號交響曲《英雄》(Eroica 1803年–1804年 1805年4月7日,維也納河畔劇院 1806年10月,維也納:藝術與工業局 洛布科維茨親王(Fürst Franz Joseph von Lobkowitz)
作品60 B♭大調第4號交響曲 1806年 1807年3月7日,洛布科維茨宮 1808年,維也納:藝術與工業局 歐珀斯多夫伯爵(Graf Franz von Oppersdorff)
作品67 C小調第5號交響曲 草稿:1804年–1805年
寫作:1807年–1808年
1808年12月22日,維也納河畔劇院 1809年3月,萊比錫:布賴特科普夫與黑特爾(Breitkopf & Härtel) 洛布科維茨親王、拉祖莫夫斯基伯爵(Graf Andreas von Rasumovsky)
作品68 F大調第6號交響曲《田園》(Pastoral 草稿:1807年
寫作:1808年
1808年12月22日,維也納河畔劇院 1809年3月,萊比錫:布賴特科普夫與黑特爾 洛布科維茨親王、拉祖莫夫斯基伯爵
作品92 A大調第7號交響曲 1811年–1812年 1813年12月8日,大學禮堂(Universitätsaula) 1816年11月,維也納:史坦納(Steiner) 弗里斯伯爵(Graf Moritz von Fries)
作品93 F大調第8號交響曲 1812年 1814年2月27日,瑞杜坦廳(Großer Redoutensaal) 1817年,維也納:史坦納
作品125 D小調第9號交響曲 草稿:1812年–1822年
寫作:1823年–1824年
1824年5月7日,凱恩特門劇院(Kärntnertortheater) 1826年8月,美因茲:碩特 普魯士國王威廉一世

 

 

貝多芬閉目畫像(Carl Schorn 繪製)

照片取自「Beethoven-Haus Bonn, B 2600」

 

貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770年12月16日-1827年3月26日),1770年出生於萊茵河畔的德國波昂,他的祖父、父親都曾經在當地的宮廷下擔任歌手,祖父更在1761年升任為樂長,在貝多芬三歲的時候去世。

血統

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

路德維希·范·貝多芬原籍南尼德蘭(今比利時梅赫倫鎮的法蘭德斯族人。曾祖父Michael van Beethoven是梅赫倫鎮的法蘭德斯人,曾祖母Marie Louise Stuyckers是南尼德蘭(今比利時)另一族瓦隆族人,兩人之子(即貝多芬祖父)Ludovicus van Beethoven生於梅赫倫。外祖父Johann Heinrich Keverich與外祖母Anna Clara Westorff都生於神聖羅馬帝國的特里爾選侯國(今屬德國萊因蘭地理大區)的科布倫茨。貝多芬本人生於神聖羅馬帝國的科隆選侯國首府波昂(今德國萊因蘭地理大區)。血統而言,貝多芬是75%日耳曼人,18.75%比利時法蘭德斯人,6.25%比利時瓦隆人。
貝多芬的祖父,也同名路德維希·范·貝多芬,20歲時遷居波昂,在科隆選帝侯宮廷內當一位樂隊長。父親約翰則是一位唱詩班男高音。母親瑪麗亞·馬達琳娜·凱維利希(Maria Magdalena Keverich)是宮廷御廚的女兒,在嫁給約翰之前曾結過一次婚並有一子,但前夫與兒子皆早逝。她與貝多芬之父約翰婚後曾在1769年8月2日產下一子,名路德維希·瑪麗亞·范·貝多芬(Ludwig Maria van Beethoven)。

 

貝多芬在很小的時候就顯露出他的音樂天分,當時莫札特因為「音樂神童」稱號紅便了全歐洲,所以貝多芬的父親想要效法莫札特的父親,也將貝多芬訓練成「音樂神童」,如此一來他不但能向別人炫耀一番,又能同時增加收入;因此在貝多芬五歲的時候就教他拉小提琴,並且請樂團指揮奈弗(Christian Gottlob Neefe, 1748-1798)來教授貝多芬鋼琴,但11歲時,貝多芬因為父親財力不濟而被迫從學校輟學。

奈弗不但傳授巴赫的平均律鋼琴曲給他,也協助貝多芬發表自己的鋼琴作品。

1783 年,奈弗曾寫道:「他應該在藝術修養方面得到更多的幫助,如果他能堅持不懈,一定會成為莫札特第二。」

貝多芬14歲〈1784年〉時, 奈弗更引薦貝多芬成為宮廷的助理管風琴師和中提琴手,一年後擔任宮廷演奏管風琴。我們可以說這位音樂老師在貝多芬音樂生涯的早期,對於他的幫助是最大的。

 

年少時期的貝多芬畫像

神童識英雄

1787 年,貝多芬獨自前往維也納拜訪莫札特。據說莫札特給了貝多芬一個主題, 讓他即興作曲演奏,貝多芬的演奏無疑打動了莫札特,莫札特說道:「注意這年輕人,日後他會揚名天下。」

 

19世紀繪畫:貝多芬於1787年於維也納為莫札特演奏情景圖(畫家 August Borckmann 繪製)

最可惜的是,貝多芬因為母親的病危消息必須返回波昂,而與莫札特道別。此一別已是天人永隔,兩人再也無法見面,因此我們更惋惜這兩位天才再也沒有能相互激盪之可能。

母親逝世之後,父親酗酒越發變本加厲,貝多芬必須在教堂和劇院的樂隊擔任中提琴手,以賺取家庭年生活費,照顧爸爸及2位年幼的弟弟。

以下將貝多芬生平簡單分為三大時期:

傳統承襲時期(1792-1803年)、創作成熟期(1803-1813年)與生涯晚期(1813-1827年)。

 

傳統承襲時期(1792-1803年)

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

1803年的貝多芬

 

1792 年,貝多芬決定離開故鄉波昂,正式定居於維也納,開始發展音樂事業。他先後曾與海頓(Franz Joseph Haydn 1732-1809)、約翰.賢克(Johann Schenk, 1753-1836)、阿布雷茲貝格(Johann Georg Albrechtsberger, 1736-1809)與沙利耶里(Antonio Salieri, 1750-1825)等大師學習作曲。(沒錯~沙利耶里就是電影《阿瑪迪斯》裡面那位沙利耶里XD)

之後貝多芬在洛布科維茲公爵(Prince Joseph Franz Maximilian Lobkowitz, 1772-1816)、魯道夫大公(Archduke Rudolph, 1788-1831)、 卡爾.范.李奇諾夫斯基親王(Karl Von Lichnowski, 1756-1814)等貴族的贊助下, 以獨立音樂家之姿逐漸在維也納尊定了名聲。貝多芬出色之鋼琴演奏與即興能力讓他快速地得到所有人的認識。之後,藉由布勞寧夫人的推薦,貝多芬認識了華德斯坦伯爵,華德斯坦很欣賞貝多芬的音樂和才華,所以他就成為貝多芬的第一位贊助人,給了貝多芬相當多的鼓勵和幫助,使得貝多芬有機會接觸到各種音樂,對往後的創作有相當大的幫助。

 

第一號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=L8HEN7JZ4r4

 

 

交響曲誕生與「海利根施塔德遺書」 (Heiligenstädter Testament)

30歲時,貝多芬寫出第一首交響曲;1802年,貝多芬再完成第二號交響曲。

此時期他已遭耳疾之苦,因此寫下著名的「海利根斯塔特遺書」(Heiligenstadt Testament),內容淒切動人。

 我決心掃除一切障礙,我相信命運不會拋棄我,我恐怕需要充分估量自己的力量,我要扼住命運的咽喉。

 

 

「海利根斯塔特遺書」中文翻譯:

「啊,世人!你們認為我或者說我對懷著敬意,脾氣古怪,是一個厭世者,這對我是何等地不公平!你們不瞭解隱藏在外表下的原因。從童年時代起,我就有著一副心腸,來感受出於善意的溫情,甚至我還懷著要做一番偉大事業的心願。但是,請想想,六年來我處在何等絕望的境地。庸醫的治療使我的病情更為惡化,我年復一年懷著好轉的希望,但都落了空⋯我畢竟不能對人大聲說:喂,請說大聲點!你得向我叫喊,因為我是個聾子!啊,我怎能承認,我身上的一種感官出了毛病。這種感官在我理應比別人完美。這感官在我身上曾經是高度完美的,完美的程度過去或現在我的同行中很少有人能與之比擬。哦!我可不能承認。所以,你們如果看到我這個一向愛和你們一起相處的人躲開你們,就必須請你們原諒。要是我在這時候被人誤解,我的不幸就使我倍加痛苦。我已得不到與人交往的樂趣,已不再能與人進行深入而微妙的交談,已不再能與人互吐衷腸。幾乎完全孤獨!⋯⋯我像一個流放者那樣生活著。一旦接近人群,我就感到萬分害怕,惟恐我的疾病有被人發現的危險。

我瀕於絕望,差一點我只用自殺來收場。是藝術,只是藝術留住了我。啊!在我尚未感到把我的使命全部完成之前,我覺得我是不能離開這個世界的。」

延伸閱讀:貝多芬的遺書

 

第二號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=Qd2JkdUSVEc

 

創作成熟期(1803-1813年)

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

18、19世紀之交,法國大革命震動著歐洲大陸,本就搖搖欲墜的神聖羅馬帝國更是因此而走向歷史的終點,德意志民族在等待統一的時機。此時登上歷史舞台的拿破崙,首先以維護共和、捍衛革命的面目出現,一時間成為很多青年心目中的「普羅米修斯」,是革命的代表和革命原理的傳播者。據說早在1798年,法國駐維也納大使貝爾納多特將軍曾建議貝多芬為拿破崙寫上一曲,但貝多芬並未為之全力以赴,而是先在1802年(一說1800到1801年)創作了芭蕾舞音樂《普羅米修斯的創造》(作品43),有應和這種波拿巴熱的意味。但是,其編舞者維加諾卻讓貝多芬失望了,普羅米修斯的英雄氣概在舞台上並未得到充分表現。於是,有共和、民主和自由追求的貝多芬就要用自己的雙手,告訴世人,甚至是拿破崙本人,他心目中的英雄是何等形象;為此誕生的,正是E♭大調第三號交響曲

 

第三號交響曲封面

 

第三號交響曲完成於1804年,在此,貝多芬的作曲動機與之前的海頓、莫札特相當不同:其作品不再是應某位有錢的侯爵,或為一個上流社會的小群體而寫,此時的貝多芬乃是出自個人的心聲、願望、激情和世界觀去創作,獻給的是「永恆(的世界)」和「人類」。相比起以前,其作品在大眾面前被奏響,而作曲者自己則退居幕後,這樣的創作高度是前所未見的。在這樣的脈絡下,第三號交響曲的篇幅也是無比宏大,其演奏時間達45分鐘左右,正是因為當中包含了比以往命題作曲更多的精神內涵,不但是當代音樂史、交響曲發展史上最宏大的器樂作品,更是貝多芬自己創作史上的轉折點。

 

第三號交響曲紀錄片

https://www.youtube.com/watch?v=J5zFitBASEw&t=4s

 

第三號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=XQ4wIL_g5dc&t=879s

 

接下來的創作時期中,貝多芬陸續寫出了多首不朽作品:第四與第五號交響曲《命運》op.67(1807)、歌劇《費岱里奧》op.72(Fidelio, 1805)、第六號交響曲《田園》op.68(1808)、第七號交響曲op.92(1811-12)、 第八號交響曲 op.93(1811-12)、鋼琴奏鳴曲《熱情》op.57(1804)第五號鋼琴協奏曲 op.73(1809)、D大調小提琴協奏曲op.61(1806)等等,作品,貝多芬已經完全奠定了其作曲家之偉大名聲。

 

第四號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=jjUOy-OTVvU

 

第五號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=7ujEAN2s27s

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/all-about-beethoven-symphony-no-5-2-2/

 

生涯晚期(1813-1827年)

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

1813年起,貝多芬逐漸進入了嶄新的創作領域,也就是他一生中的第三階段

 

這幅是德國畫家史蒂勒(Joseph Karl Stieler)於1820年創作之貝多芬肖像,據說作曲家自己非常滿意,也同時是全世界流傳最廣之貝多芬畫像:

 

第六號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=JX87Ie8Fphw

 

第七號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=XhRMdXAtUAo

 

第七號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=XhRMdXAtUAo

 

第八號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=e-vb4AaFMQA

 

延伸閱讀

不聽聽貝多芬第八號?

在第三時期起,貝多芬的耳聾讓他逐漸進入自我的世界裡,他的創作更富於實驗性,音樂中也含有更深的思想與哲理。他的學生,知名鋼琴家與教育家徹爾尼(Carl Czerny, 1791-1857)曾說:「貝多芬的第三種風格起始於他逐漸耳聾的時期,這導致他最後三首鋼琴奏鳴曲的獨特風格,出現了許多不協調的和聲音。」

1818年,貝多芬寫下了《漢馬克拉維/槌鍵鋼琴奏鳴曲》op.106,這首奏鳴曲標誌著新一輪創作靈感的開始;此後的貝多芬,似乎在精神面上起了變化,此後的作品不但外在規模宏大,形式難以預測,情感則反而愈發內向、深邃。

 

貝多芬《漢馬克拉維/槌鍵鋼琴奏鳴曲》op.106與出版商往返之樂譜校訂手稿:

 

但從貝多芬《合唱交響曲》、《莊嚴彌撒》等作品中,我們可發現他心中那偉大而崇高的意境,可以說是以達音樂至高至美的境界。

1819 年,貝多芬已經完全失聰。

人生行至最後階段,雖然享有成功的作曲家盛名。據說當他行走在維也納街上,不斷地有行人會與他行禮致意,但貝多芬的家庭生活卻是一團混亂:耳疾使他變得暴躁易怒、難以溝通;為了爭奪姪子監護權的問題, 他與弟媳鬧上法庭;一生搬了80次家,據說他的脾氣愈來愈暴躁多疑,也和出版商的關係時有衝突,甚至到了劍拔弩張的地步。

貝多芬一輩子的創作眾多,也都被視為將古典時期音樂風格推向浪漫時期的指標人物:

九首交響曲,被譽為九座高山之巔;32首編號鋼琴奏鳴曲,後世稱為鋼琴的「新約全書」(「舊約全書」為巴赫的《平均律鋼琴曲集》);弦樂四重奏曲式在他手中達致巔峰...等等音樂上無數豐功偉業,都是他超凡入聖之主要原因。

 

第九號交響曲解析

https://www.youtube.com/watch?v=uEPZjCueTTY

 

延伸閱讀

https://bonart.com.tw/beethoven_symphony_no-9/


總結

貝多芬的交響曲在音樂史上具有極其崇高的地位和重大的意義:
  1. 承上啟下的橋樑作用
    • 連接古典與浪漫
      貝多芬是古典主義音樂的集大成者,同時也是浪漫主義音樂的先驅。在古典主義音樂的框架內,他將交響曲的形式和結構發展到了近乎完美的程度,如對奏鳴曲式的運用和發展,使其在交響曲中達到了高度的邏輯性和嚴謹性。同時,他的音樂又充滿了強烈的情感表達、個人主義色彩和對自由的追求,這些都是浪漫主義音樂的核心特徵。他的創作風格和理念為後來浪漫主義音樂家們提供了重要的啟示和借鑒,架起了從古典主義向浪漫主義過渡的橋樑。
  2. 音樂形式與結構的創新
    • 樂章結構的突破
      貝多芬對交響曲的樂章結構進行了大膽的創新和突破。例如,他將詼諧曲引入交響曲,取代了傳統的小步舞曲,使交響曲的第三樂章變得更加活潑、靈動,富有戲劇性和衝突感。這種創新不僅改變了交響曲的傳統風格,也為音樂的發展帶來了新的可能性。
    • 發展部的深化
      貝多芬極大地擴展了交響曲中發展部的規模和深度,使音樂的發展更加具有邏輯性和連貫性。發展部成為了他表達情感、展現主題和發展音樂的重要部分,充滿了內在的矛盾、緊張的動力和戲劇性的衝突,為交響曲賦予了更強大的表現力和感染力。
  3. 情感表達的深度與廣度
    • 強烈的個人情感表達
      貝多芬的交響曲具有極其強烈的個人情感表達。
      他將自己對生活的熱愛、對命運的抗爭、對自由的追求等情感融入到音樂中,使聽眾能夠深刻地感受到他的內心世界。這種情感的表達打破了以往古典主義音樂中較為含蓄和內斂的情感表達方式,為音樂的情感表達開闢了新的道路。
    • 對人類精神的廣泛關注
      貝多芬的音樂不僅僅是個人情感的抒發,還涉及到對人類命運、社會現實、自然世界等廣泛主題的關注和思考。例如,《第五交響曲 “命運”》表達了對命運的抗爭和不屈不撓的精神;《第六交響曲 “田園”》描繪了大自然的美麗和寧靜,以及人與自然的和諧共處;《第九交響曲 “合唱”》則表達了對人類和平、友愛和團結的嚮往。
  4. 對後世音樂發展的深遠影響
    • 對作曲家的啟發
      貝多芬的交響曲對後世眾多作曲家產生了深遠的影響。許多作曲家在創作中借鑒了他的音樂風格、創作手法和精神內涵,如勃拉姆斯、馬勒、柴可夫斯基等。他的交響曲成為了後世作曲家學習和研究的經典範例,激勵著他們不斷探索和創新。
    • 推動音樂演出的發展
      貝多芬的交響曲對音樂表演藝術的發展也起到了重要的推動作用。為了更好地演繹他的作品,指揮家、演奏家們不斷提高自己的技藝和表現力,推動了音樂表演水平的不斷提高。同時,他的交響曲也成為了音樂會中的重要曲目,深受觀眾的喜愛和追捧,促進了音樂演出環境的繁榮。
  5. 音樂文化價值的體現
    • 文化遺產的重要組成部分
      貝多芬的交響曲是世界音樂文化遺產中的瑰寶,具有極高的藝術價值和歷史價值。它們代表了人類音樂文化的傑出成就,反映了不同歷史時期的社會風貌和人們的精神追求,對於研究音樂史、文化史和人類文明的發展具有重要的意義。
    • 精神力量的象徵:貝多芬的交響曲所傳達的精神力量,如勇敢、堅強、樂觀、追求自由等,對人們的精神世界產生了積極的影響。它們激勵著人們在面對困難和挑戰時不屈不撓,勇往直前,成為了人類精神文化的重要組成部分。

偉大...出自?

英國文豪莎士比亞(William Shakespeare)曾說過:「有人天生注定偉大,有人經過奮鬥而偉大,有人被迫成偉大。」(Some are born great, some achieve greatness, and some have greatness thrust upon them.)

貝多芬的偉大,有一半是自我奮鬥而來的,另一半則可能是被環境逼出來的。

 

貝多芬指揮樂團?

貝多芬到底如何指揮呢?對此有許多不同的說法。

牛津大學音樂教授藤布里奇曾在接受BBC訪問時說,有一種說法是雖然貝多芬站在指揮台上指揮,但實際上還有另外一位音樂指揮協助他。

下方為示意圖:

 

1826年間,貝多芬染上風寒而轉成肺炎,身體狀況不斷下降,最後到了1827年,引起多重並發症狀與世長辭。

臥榻於病床上的貝多芬最後身影
臥榻於病床上的貝多芬最後身影

 

當年貝多芬的葬禮備極哀榮,有兩萬五千名仰慕者在街道為他送行(據說作曲家舒伯特也在其中);當天維也納各學校也停課一天,以表示對他的崇敬。

下圖為貝多芬的葬禮行進隊伍圖,圖片左方為貝多芬之棺木:

 

貝多芬之墓

貝多芬位於維也納中央公墓(Wiener Zentralfriedhof)之墓。維也納中央公墓是維也納最大,也是全歐洲第二大公墓,共有墓穴33萬座。公墓中因安葬莫扎特、貝多芬、舒伯特、布拉姆斯和史特勞斯父子多位世界著名的音樂家、作曲家而成為許多觀光客造訪之處。

 

貝多芬生平年表

 

 

【BON話題】延伸閱讀 趣味新聞

貝多芬頭號遺作大功告成 AI執筆譜《第十號交響曲》

 

貝多芬的頭髮?

延伸閱讀

蹦藝術文章《【BON音樂】就科學結果,論貝多芬之死因~》

1996年,頭髮被轉到美國的化學顯微鏡專家 華爾特.麥克隆
並取出貝多芬部分頭髮進行最頂尖的科學化驗…
我們知道,貝多芬生前飽受各種疾病折磨
除了耳聾之外,還有風濕症、重眼炎、肺炎、肝炎、腹痛、結節炎、腹部腫脹、黃疸、背痛…
而檢驗頭髮之後的對照結果
發現貝多芬頭髮樣本中的鉛含量超出一般樣本「42倍」之多
這項證據顯示貝多芬在臨死前鉛中毒已深
並且可能中毒有數十年之久(推測)

再值得一提要為貝多芬平反的一點:
有人曾懷疑貝多芬身染梅毒
但頭髮中完全沒有「汞」成分
間接地還了貝多芬一個清白
因為當時的醫學界是以汞作為梅毒的治療劑
故至少在有無感染梅毒這一點上,
貝多芬不需受到後世無謂的推測懷疑

 

延伸閱讀

《在波昂重新認識貝多芬》(文字、攝影:林育立)

貝多芬在世時最早製作的石膏面具,後來成了19世紀所有貝多芬畫像和塑像的範本。(林育立攝影)

 

附錄.貝多芬創作列表

 

【紀錄片】沒有貝多芬的世界!?

https://www.youtube.com/watch?v=Ls5XWu4PhSs


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【苗北講堂】2024下半年系列:普契尼逝世百年致敬~四大寫實歌劇巡禮(三)一生等待永不悔~談《蝴蝶夫人》裡的執著與傷悲

【苗北講堂】2024下半年系列:普契尼逝世百年致敬~四大寫實歌劇巡禮(三)一生等待永不悔~談《蝴蝶夫人》裡的執著與傷悲
Miaobei Art Center X BONART 2024-2-3

– 資訊整理共享於網路,欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART


課程主軸:

「普契尼逝世百年致敬~四大寫實歌劇巡禮」系列課程

《托斯卡》
《波希米亞人》
《蝴蝶夫人》
《杜蘭朵公主》

在全世界十大上演率最高歌劇裡,普契尼的四大歌劇永遠是最受觀眾歡迎的劇目。

愛情,是歌劇史上出現最多,也最歷久彌新的主題,更也是義大利寫實主義歌劇作家普契尼作品中的核心元素
他筆下細膩的愛情與詠嘆,流淌下無盡的哀愁

從《波希米亞人》藝術靈魂的雋永、《托斯卡》淒美壯烈的真實、《蝴蝶夫人》深情等待的不悔,再到遺作《杜蘭朵公主》的霸氣公主與柳兒的嬌柔,普契尼的每部歌劇都蕩氣回腸且賺人熱淚…

2024年適逢普契尼逝世一百週年,是極其重要的年份;在這系列專題演講中,台灣蹦藝術理事長林仁斌老師將以獨家精彩資料與影音欣賞,將帶領您深入了解作曲家的創作精髓與音樂人生...

 

苗北藝術學苑 - 課程詳細資訊

113-2苗北講堂 

時間 _ 2024-09-08~2024-10-13
地點 _ 視聽中心
費用 _ 150
指導單位 _ 苗栗縣政府
主辦單位 _ 苗栗縣苗北藝文中心
協辦單位 _ 苗栗縣政府文化觀光局
※ 單堂報名:$ 150
※ 套票4堂 :$ 420

授課教師 _ 林仁斌(超人氣古典音樂欣賞名家、蹦藝術執行長)

一、因應現行防疫規範,學員上課均需全程配戴口罩;並遵守本中心防疫措施相關規定,違反規定將無法入場上課。

二、課程相關事宜洽詢:活動企劃部曾小姐037-612669轉511/cctseng@miaobeiac.org

主講人|林仁斌

蹦藝術 | BONART 執行長

知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院(École Normale Supérieure de paris)學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人,深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、台北市立交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

 

報名資訊與報名方式

繳費資訊

◎線上報名,點選上方「馬上報名」,填寫完google表單後,完成繳費。
◎臨櫃報名,至苗北藝文中心服務台填寫報名表,並完成繳費。
◎郵寄報名,填妥報名表(請自本頁面下方下載),並且完成繳費,將報名表郵寄至苗栗縣竹南鎮公園路206號苗北藝文中心(信封請註明:113-2苗北講堂)。
◎電子郵件報名,填妥報名表(請自本頁面下方下載)並完成繳費,將報名表寄至:cctseng@miaobeiac.org,主旨:113-2苗北講堂,即完成報名。

◎ 現場繳費:請攜帶報名表至苗北藝文中心服務台
◎線上匯款:
戶名:苗栗縣苗北藝文中心
銀行:臺灣土地銀行頭份分行(0050212)
帳號:021-051-051-316

 

注意事項

1、退款規定:課程進入報名行政流程繳費後,因故不克參加者,需配合規定,於活動開始前14個工作天提出申請(票券效期開始日期起算),退票將酌收票價10%的行政手續費用,逾期恕不受理。

2、活動延期:若因天災等不可抗力因素(如:颱風),主辦單位將告知補辦日期或退款事宜。並保留修改活動內容,以及終止課程之權力。

3、講座以收費報名辦理,每堂未達上限人數,將告知退款事宜。並保留修改活動內容,以及終止課程之權力。

4.因應疫情配合政府措施,學員需全程佩戴口罩、禁止飲食。

課程形式配合中央防疫指揮中心指示滾動式修正,如採線上課程,將以「Google Meet」軟體上課;敬請各位學員一同共學、共好!藝起做好防疫措施,提供一個安心、安全的場域,迎接藝文生活。

竭誠歡迎您的參與~一起享受音樂與藝術之美💕


向普契尼致敬

- 2024年8月攝於義大利 Lucca,普契尼出生之故居廣場。(背後磚紅色三樓即為普契尼出生地,現為普契尼博物館)

 

一生等待永不悔~談《蝴蝶夫人》裡的執著與傷悲

PUCCINI: “Madame Butterfly”

113/10/6(日) 10:00

《蝴蝶夫人》故事以二十世紀初日本明治時代的九州海岸城市長崎港區為背景。一段大時代異國的婚姻悲劇,洗鍊出東方女性愛情的堅貞與動人~普契尼此部歌劇歌頌日本大和民族女子的忠貞,日本人特別喜歡與感動,一直將這齣歌劇視為國寶。

本堂課程中,讓蹦藝術林仁斌老師以豐富的資料,帶您深入領略歌劇《蝴蝶夫人》的悲劇世界

 

筆者以 2017年 Royal Opera House 與 1904年 首演 ⟪蝴蝶夫人⟫ 海報融合之再製照片:

筆者以 2017年 Royal Opera House 與 1904年 首演 ⟪蝴蝶夫人⟫ 海報融合之再製照片

 

普契尼 寫實歌劇頂峰

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

義大利歌劇大師 普契尼Giacomo Puccini, 1858-1924)是眾所公認的音樂史歌劇大師。寫實主義歌劇到他手中,完全昇華至令人聲淚俱下、肝腸寸斷的境界;而他所譜寫出的美妙旋律,更是聽過難忘,巧妙地與歌劇劇情與角色緊緊相扣,深植於全球歌劇音樂愛好者的心中。

蝴蝶夫人(Madama Butterfly)是 普契尼 歌劇三大名作之一,另外兩部作品是是 波希米亞人La Boheme)和 托斯卡Tosca)。

喜愛普契尼作品的人,並不會只聽這三部歌劇;不過在聽過其他普氏的歌劇之後,您也一定夠明白這三部為何總是獨佔鰲頭,甚至是全球歌劇上演率最高的前幾名。



《蝴蝶夫人》 故事源起

(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

蝴蝶夫人》(Madama Butterfly歌劇劇本由 雷基·伊利卡 及 喬賽普·賈科薩 兩位劇作家根據美國作家 約翰·路瑟·朗(John Luther Long, 1861-1927的 1897年同名短篇小說《蝴蝶夫人》作為藍本。據說 普契尼亦參考了法國小說家並曾任海軍軍官的 皮耶·洛蒂(Pierre Loti, 1850-1923)的 1887年於法國出版之小說《菊夫人》(Madame Chrysanthème)編寫而成。

 

這兩部小說與歌劇之年份關係分別是:

法國小說:皮耶·洛蒂菊夫人Madame Chrysanthème, 1887年

美國小說:約翰·路瑟·朗蝴蝶夫人Madama Butterfly, 1897年

義大利歌劇: 普契尼  蝴蝶夫人Madama Butterfly, 1904年

 

法國軍官作家皮埃爾·洛蒂之小說《菊夫人》(Madame Chrysanthème)故事:

菊夫人(Madame Chrysanthème)是 皮耶·洛蒂 以海軍軍官之自傳形式出版的一部小說。他以這名海軍上尉軍官在日本長崎駐紮時,短期與一名日本婦女結婚之故事為藍本,時間地點設定在 1885年的日本長崎十善寺(Jūzenji)與十人町(Jūninmachi)地區。菊夫人最初以法文撰寫並於 1887年出版,出版當時獲得非常大的成功,並在出版的前五年內已經發行了 25個版本,翻譯成包括英語在內的多種語言。在20世紀之交,菊夫人》小說也被認為是塑造西方對日本態度的關鍵文本之一。

編按:皮耶·洛蒂本人就是在海軍服役時,曾到過近東遠東,這些經驗,為他的作品提供了豐富的資源。他的作品因為自身經驗,對西方人而言極富異國情調,在當代非常受到歡迎。1900年 八國聯軍進佔北京時,他軍銜是海軍上尉,也曾來到北京,並記述當時來京見聞,寫作成《在北京最後的日子Les derniers jours de Pékin一書。

 

《蝴蝶夫人》劇情簡介

蝴蝶夫人》故事以二十世紀初日本明治時代的九州海岸城市長崎港區為背景。

美國海軍軍官平克頓經婚姻掮客五郎介紹,娶了年僅 15歲的日本年輕藝妓秋秋桑(即蝴蝶夫人)為妻。但這位短期駐紮的美國軍人,因為享有美軍軍事於當地所帶來的各項特權,對此樁婚事其實僅只抱持嚐鮮的遊戲態度,因此在與秋秋桑新婚不久後便即隨艦隊返回美國,將她留在日本長崎。 

雖然丈夫離開身邊的而獨立生活的秋秋桑,有著東方女性對愛情從一而終的美德與堅韌不拔的性格,不改初衷而終日癡心等待。日復一日臨海遙望,就這樣過了三年,她與平克頓婚姻當時所生的孩子,也慢慢長大。 

終於等到三年後,遠遠望見平克頓之美軍船艦駛回日本時,蝴蝶夫人開心雀躍極了:她堅信自己的好日子終於來臨...沒想到平克頓此行帶來了他的美國妻子,並且要求帶走與蝴蝶夫人所生的小孩...。

心痛並知道事已無可轉圜的蝴蝶夫人,也只能在極度痛心的狀況下,以生命來「應允」她心中的唯一的天,也就是丈夫平克頓的請求。在與孩子做了最後永別之後,她選擇了以自殺的方式,結束了這場大時代異國婚姻悲劇...

 

歌劇主要角色

蝴蝶夫人(女高音) 秋秋桑
鈴木(次女高音)蝴蝶夫人的女僕
平克頓 B. F. Pinkerton(男高音)美國海軍上尉
夏普勒斯 Sharpless(男中音美國駐長崎領事
五郎(男高音)婚姻掮客
山鳥(男中音)蝴蝶夫人的求婚者
和尚(男低音)蝴蝶夫人的叔父

其他登場角色 
蝴蝶夫人的母親、嬸母、表姐妹、親戚、蝴蝶夫人的兒子「小苦惱兒(Sorrow)、皇家事務官,登記官等等。

首演與分幕

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《蝴蝶夫人》首演於 1904年 2月 17日,義大利米蘭市的史卡拉歌劇院,原始設定為兩幕歌劇。可惜首演卻未能成功。

然而,首演失敗的 普契尼並沒有氣餒,反而大幅修改劇本,將較為長的第二幕分作兩幕。

重新改編完成的新版本之後於 1904年 5月 28日由烏克蘭著名女高音 索羅米亞·庫舒尼卡於小鎮布雷西亞 演出,最終獲得空前成功。其後該《蝴蝶夫人》再於 1907年以火熱姿態登陸美國紐約市的大都會歌劇院演出。

因此最初於義大利的《蝴蝶夫人》首演有兩幕,經 普契尼修改後在美國演出的版本則有三幕(將原本冗長的第二幕再細分為兩幕)。

最具代表性的蝴蝶,共有兩位:《蝴蝶夫人》首演的演唱者,由 羅西娜·史托爾齊歐(Rosina Storchio, 1872-1945)飾演;上世紀著名的日本女高音 三浦環(Tamaki Miura)以真正的東方女性扮演蝴蝶夫人,一直以來被認為最經典,並獲得作曲家普契尼本人的讚賞,稱之為「永遠的蝴蝶」。

 

歷史上第一位蝴蝶夫人

首演者 - 羅西娜·史托爾齊歐 Rosina Storchio

【珍貴照片】

《蝴蝶夫人》首演者:羅西娜·史托爾齊歐(Rosina Storchio, 1872-1945)

 

《蝴蝶夫人》首演者:羅西娜·史托爾齊歐(Rosina Storchio, 1872-1945)

歌劇史上 東方第一位蝴蝶夫人

永遠的蝴蝶 - 三浦環 Tamaki Miura

【珍貴照片】

歷史上第一位飾演《蝴蝶夫人》的東方人是日本女高音 三浦環(Tamaki Miura, 1884-1946)。

三浦環 畢生共在舞台上演唱《蝴蝶夫人》達 2000場次以上,也是作曲家本人最愛的「永遠的蝴蝶」。

歷史上第一位飾演《蝴蝶夫人》的東方人:日本女高音 三浦環(Tamaki Miura, 1884-1946)與 作曲家普契尼合照

 

因為普契尼偉大的歌劇《蝴蝶夫人》歌劇歌頌表揚日本大和民族女子的忠貞,日本人特別喜歡和感動,一直將這齣歌劇視為國寶。今日,日本政府已經在長崎當年歌劇故事設定發生的日本長崎縣長崎市南山手町地區,修建了「格洛弗花園」(Glover Garden),供世界遊客來訪遊旅參觀。

在「格洛弗花園」內建有西式洋樓一座,樓腳下有一堵用長方形石磚建成的牆壁,牆壁上安裝彩燈和看不見的喇叭,24小時不停歇地播放蝴蝶夫人的詠嘆調 ⟨美好的一日⟩ "Un bel dì vedremo..."。牆壁前屹立着蝴蝶夫人和她孩子的雕像;而這蝴蝶夫人雕像的造型就是以東方第一位蝴蝶夫人 - 三浦環 為藍本而造成。

蝴蝶夫人雕像旁,還屹立着另一個雕像,就是歌劇的作者 普契尼~普契尼的名字,將在此永遠被日本人與來訪的遊客們紀念。

 

格洛弗花園」簡介:(基本資料整理於網路與維基百科,並附上超連結方便檢索)

格洛弗花園」| 哥拉巴園日文グラバー園)是位於日本長崎縣長崎市南山手町地區的一個旅遊景點,為1859年長崎開放外國通商後,英國商人湯瑪士.布雷克.哥拉巴弗雷德裡克.林格與 William J. Alt在此的住所。現被列為世界遺產九州、山口的近代化工業遺產群

為木造平房,建築面積510.8平方公尺,附屬建築也是木造平屋,建築面積129.2平方公尺。為英國商人湯瑪士·布雷克·哥拉巴(Thomas Blake Glover, 1838年 - 1911年)的住所,現發現有1861年的借地記錄,以及在修理建築時發現有1863年的文件資料,現被認定為日本現存最古老的木造西式建築。

(日文網頁→) 哥拉巴園官方網頁

 

今日,從「格洛弗花園」眺望長崎港之風景:

今日,從「格洛弗花園」眺望長崎港之風景

 

長崎「格洛弗花園」內蝴蝶夫人雕像:

長崎「格洛弗花園」內 蝴蝶夫人(三浦環)雕像

 

日本長崎「格洛弗花園」的普契尼雕像:

日本長崎「格洛弗花園」內 普契尼的雕像

 

日本女高音三浦環演唱的《蝴蝶夫人》⟨美好的一日⟩  詠嘆調:

https://www.youtube.com/watch?v=0-2RkcOlhfo&feature=youtu.be

 

日本女高音三浦環榮登美國《浮華世界》雜誌名人堂。( 1915年9月份,第44頁

日本女高音 三浦環 榮登 美國《浮華世界》雜誌名人堂。( 1915年9月份,第44頁)

《蝴蝶夫人》劇情解說:

(基本資料整理於網路與維基百科)

第一幕

場景是十九世紀末的日本長崎海港。

幕啟時,為長崎近郊的小山上,遠處可望到長崎海灣,左邊為美國海軍上尉平克頓的新居。平克頓因為要在長崎停留數年之久,於是便想找一位日本妻子。由日本婚姻掮客五郎,介紹與秋秋桑會面認識,說明這件婚姻的有效期間,以男方同意與女方同居為限,分離之後女方仍可再嫁。因平克頓一有調遣命令,即須歸國,由婚姻掮客看定的秋秋桑作為臨時夫人,也不過逢場作戲聊以消遣。

這一天,五郎帶著即將新婚的美國海軍軍官平克頓走上山丘,前來觀看新房,小小的木屋加上精緻的花園,幽雅大方,美麗而有趣。五郎平克頓解說日本式平房隔間的奧妙,並介紹未來服侍新人的傭人們。不久,美國駐日本領事夏普勒斯揮汗如雨、一步步走上山來,平克頓上前熱情迎接,便將這件事說給他聽:「我們美國佬浪跡天涯,四處為家,不斷尋找歡樂與滿足,擄獲各地美女芳心。」

夏普勒斯覺得平克頓態度有些輕佻,他便很鄭重地這位年輕的海軍軍官,說:「此事不可當兒戲,千萬不能傷了日本姑娘的心,則將會是件大罪過。」倆人展開一段二重唱:《戀愛與遊戲》音韻和藹而帶有輕視和玩笑的意味!

在倆人舉杯慶祝,談笑風生時,遙見一群女子結隊而來,此時,五郎趕來稟報:「新娘隊伍來了!」

一陣美麗的女聲合唱,遠遠地從山坡下傳上山頭,新娘秋秋桑在親友的陪伴下,緩步蓮移,拾階而上,沿途還歌頌著大自然的美景與夢幻般的愛情。

平克頓憐惜地上前慰問一路辛苦的秋秋桑夏普勒斯則是詢問起秋秋桑的家世;秋秋桑回答說:「她原本是長崎當地世家,後來父親逝世,與母親相依為命。家道中落,她早早就學著做一名賣唱獻舞的藝妓,以此謀生。她忍受著痛苦和人們的恥笑。她講述的時候,神情是那樣真摯,讓人不由得產生深深的憐愛。五郎大概是曾經吹噓過秋秋桑的家庭,他怕這傻乎乎的姑娘說漏了嘴,在一旁插話說:「她的母親是一位高貴的太太。」可是秋秋桑歎息道:「她是多麼命苦,貧窮永遠在折磨著她。」

領事夏普勒斯關切地問她:「你的父親在哪裡?」「他死了。」秋秋桑顯得很不安,女友們也都低下了頭,為了打破這尷尬的局面,領事夏普勒斯又問道:「你今年多大了」

秋秋桑俏皮地要兩位美國紳士先猜一猜;平克頓夏普勒斯猜了幾回後,秋秋桑則公佈了正確答案:她今年已經十五歲,算很老了!領事不由得歎了口氣:在美國,這還是無憂無慮的童年呢!還正是玩耍的年紀,眼前這位日本女孩竟然說這樣已經很老了,他們覺得實在不可思議!

隨後日本天皇特使與婚姻公證人駕到。秋秋桑率眾人行跪禮,平克頓在眾人面前簽了婚約,簽過字又照例交出 100元日幣作為禮金。這時候秋秋桑打扮得體,亭亭玉立與美國新娘一般。照例,新娘初次見面,必有禮物贈給新郎,秋秋桑便從大袖口內取出贈品:一條絲巾,一支煙斗,一粒銀鈕,一柄小扇,一瓶香水,最後很慎重地取出來一支匕首鞘。平克頓看見匕首鞘,覺得有些不解,便問五郎五郎含含糊糊地說,匕首鞘是日本天皇賜給秋秋桑父親自盡的紀念品。

平克頓又問:「她父親怎麼啦?」

「光榮地死去。」五郎說完就走了。

秋秋桑不願意繼續這個話題,她又從衣袖裡拿出了幾個小雕像,告訴平克頓,這是她的祖先。然後她懷著敬意講述道:「我要告訴你一件秘密。昨天我一個人走進了教堂。這事誰都不知道,連我的和尚叔父也不知道。我要相信我丈夫的上帝,因為我要把我的一切都交給你。」

秋秋桑忠誠的表情使平克頓的內心震動了,但他其實並不懂得改變信仰對秋秋桑以及對一個日本人,在當時是件多麼嚴重的事。而且,他對這樁婚姻也遠沒有秋秋桑的那種神聖感婚禮舉行後,正當秋秋桑平克頓接受眾人道賀時,忽然傳來一陣怒吼聲,原來是秋秋桑和尚叔父來了。

和尚叔父憤怒地指著秋秋桑對大家說:「諸位聽著,她已經背叛了我們,背叛了自己的祖先。她相信了別人的神!」

這些句話著實讓大家吃了一驚。他們轉過頭去,生氣地對著瑟瑟發抖的新娘秋秋桑發出噓聲。和尚喊著日本神的名字,繼續大聲詛咒秋秋桑道:「你已經背叛了我們,就讓魔鬼把你捉去吧!」平克頓忍不住了,他對這和尚說:「不准在這裡吵鬧!」和尚狠狠地瞪了這美國人一眼,嘴裡繼續罵著。平克頓火了,他大聲命令道:「馬上給我滾出去!我是這裡的主人,不准任何人在這裡瞎喊亂叫!」眾人聞言,紛紛離去,只留下被遺棄的秋秋桑獨自飲泣。

望著可憐的小新娘,平克頓心裡充滿了憐愛,他溫柔地摟住秋秋桑的肩膀,勸慰說:「你們日本的宗教和所有的親戚朋友,都不值得我美麗的姑娘心中難受。我一定