【BON音樂】日本獲獎無數小說改編音樂電影《蜜蜂與遠雷》介紹

【BON音樂】日本獲獎無數小說改編音樂電影《蜜蜂與遠雷》介紹
Listen to the Universe - The movie

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電影預告

https://youtu.be/cfiDY-NOyHM

 

真實與幻想交錯的音樂領域

電影《蜜蜂與遠雷》透過四位主角:亞夜、馬薩爾、風間塵、明石四位角色在日本國際鋼琴大賽中的互相競爭與合作,探討音樂的真正本質與其對人的代表意義

『蜜蜂と遠雷』 ©2019映画「蜜蜂與遠雷」製作委員会 イラスト/二ノ宮知子

 

原著 暢銷作家恩田陸

  出生於宮城縣仙台市,畢業於早稻田大學,有「懷舊的魔術師」「被故事之神眷顧的小女兒」等稱號,也是日本少數同時具備文學性與市場性的作家。

  由於父親喜歡古典音樂,家中收藏了許多唱片,又因童年時經常搬家,書和音樂便成了她的生活良伴,即使到現在,她仍說自己「最喜歡的就是欣賞鋼琴演奏」。在大學時期,還加入早稻田大學的High Society Orchestra,演奏中音薩克斯風。

  大學畢業後雖然在一般公司上班,但後來因過勞而住院。出院後除了工作,也開始創作小說。出道作為1992年出版的《第六個小夜子》,並自1997年起成為專職作家。

  擅長描寫鄉愁,作品類型也十分廣泛,涵蓋科幻、懸疑、冒險、恐怖、青春和音樂小說等範疇,目前已出版近60部作品,其中《夜間遠足》獲得第26屆吉川英治文學新人獎和第2屆本屋大賞第1名、《中庭發生的事》獲得第20屆山本周五郎獎,而《蜜蜂與遠雷》一書更在2017年同獲第156屆直木賞和第14屆本屋大賞第1名,是史上第一部同獲兩項文壇大獎的小說,而恩田陸也以本書成為史上第一位兩次奪下本屋大賞第1名的作家。

 

作家恩田陸 本人的致詞

https://youtu.be/NtJYUWMnVoE

 

構思12年,取材11年,執筆7年

榮獲日本直木賞+本屋大賞雙料大獎 

 

不知從哪兒傳來蜜蜂的振翅聲……

那是祝福世界的聲音,也是拚命蒐集生命光輝的聲音。

每三年舉行一次的芳江國際鋼琴大賽已然成為年輕音樂家踏進專業領域的叩門磚,並屢屢發掘出樂壇新秀,因此越來越受到矚目。第六屆比賽也依然集結許多極具個人特色、富有魅力的參賽者:

宛如璞玉般純真,卻引發眾人種種不可思議反應的「天然」少年;

過去曾被捧為「天才」,但在母親去世後突然逃離舞臺的少女;

一度放棄音樂家之夢,直到孩子出生,才再次挑戰比賽的平凡上班族;

以及從外表到琴藝無不完美,有自信能讓所有聽眾傾心於他的青年。

 

以這四人為首,近百名懷抱夢想、經過多年苦練,甚至不乏「天才」稱號的參賽者們聚集於此。比起體力上的極大負荷,因比賽而浮現的自我懷疑和怯懦退縮或許更令人煎熬;但唯有不斷克服難關與考驗,才能舉步向前,看見自己想看見的音樂風景、成為自己想成為的樣子。

經過重重關卡,最後受得到音樂之神眷顧的會是誰?藉由這次比賽,這四個人又將為彼此的人生帶來什麼樣的火花?

 

音樂之神會眷顧誰呢?

 

國際鋼琴大賽是殘酷的:我們從電影中評審的對話,其實就知道除了音樂是否能夠感動人,參賽者的「背景」在現實世界真的經常是評審的是另一層考量~這是人性,你不可不知的人性。

電影中虛構了號稱「鋼琴之神」的音樂家霍夫曼,寫給評審們的推薦信中那句:「要將他視為禮物或災難,由你們決定。」,某方面來說也告訴我們,評審除了各自選出心中最佳選手之外,「會議」是必須的。

至於會議內容說些什麼,擔任過評審的人當然知道,千奇百怪什麼都有可能討論。

當然考量背景並非絕對,但最終評估優勝者時,「音樂是否突出?」「這個獎適合頒給他/她嗎?」

光是這幾個問題,每一位評審就心中各自為政,心有千千結了。

 

這也是電影中,在劇末看似最成功接近夢想的亞夜,最終只獲得第二獎;而名門出身的馬薩爾,當然是第一獎的劇情鋪陳主因。

對於比賽結果只以黑底白字,幾秒鐘的畫面帶過,這當然是間接告訴我們:比賽結果不重要,過程才是最珍貴的。

 

 

傾聽宇宙的聲音

傾聽宇宙的聲音」(Listen to the universe )是本片英文片名,作者其實想藉由國際音樂大賽的殘酷,另外點出最終音樂是大於競賽,跟世界宇宙的聲音是一樣的;有時候我們為了贏得比賽,這些刻意被製造出來的美妙又精確的聲音,是否就真的是最動人的音樂呢?

 

對亞夜來說,或許與媽媽小時候的即興隨彈,才是這輩子體驗過的最美樂音。

對風間塵來說,木頭鍵盤聽不見任何音樂,但天才洋溢的他卻能在裡面幻想出自己的宇宙。

馬薩爾對於音樂有著超凡的感受,一直過不去的普羅高菲夫第二號協奏曲拍點門檻,也在賽前因亞夜無私地協助伴奏而終於貫通,更是突顯出電影裡「從音樂中尋找自己心中真正的聲音」之目的,強化了四人之間因為音樂結緣,共同努力的情感羈絆。

這是人性的光輝,因為許多賽場,選手彼此競爭,往往是保持距離的,更何況要協助對方。

明石的角色雖然最早出局,但他在指定曲《春と修羅》即興段落裡,融合自身感動以及與太太孩子嬉戲間說的「為我取魚來」,平實溫暖的樂音,在賽場不但暖了家人的心,更激發出亞夜與風間塵對於即興樂段的全新感受。

照片取自松岡茉優IG
照片取自松岡茉優IG

 

動人的《月光主題》四手聯彈

明石的溫暖,也體現在賽後主動協助亞夜找到練琴的鋼琴工廠,間接讓尾隨而來的風間塵,能與亞夜來了一段即興鋼琴四手聯彈。

 

就在電影這一幕,明石帶動了亞夜與風間塵兩人想立即彈琴的心情,在鋼琴工廠裡這段以「月光」為主題的四手聯彈。

從德布西《月光》出發,再進入 Nat King Cole 《It's Only a Paper Moon》,再帶到貝多芬《月光》,連續三首都與月亮相關~更是讓人感受到音樂編曲的用心,拍攝更是以Low key極弱光線照亮兩位主角,我覺得這段攝影美極了,尤其是光的運用。

https://youtu.be/7197M4qTiSk

 

如同小說裡提到的蜜蜂振翅聲音,我們能否能通過樂音聽見來自世間萬物的鳴響?

 

原作也佩服的編導

《蜜蜂與遠雷》把六百多頁的原作小說,濃縮進短短兩個小時的電影,身兼導演、編劇與編輯的石川慶,選擇捨棄掉原著小說裡多數由風間塵為主的劇情,改以聚焦天才少女榮傳亞夜從13歲到20歲的轉變與領悟做主軸,是一個非常聰明的選擇,畢竟電影不是影集,如果沒有明確的主線,那麼觀眾觀感對於四條主線勢必混亂,進而影響電影評價。

 

松岡茉優受注目

飾演天才少女榮傳亞夜的女星松岡茉優,2018年以日本知名電影《小偷家族》(是枝裕和導演,本片獲獎無數)走紅,在2019年新作《蜜蜂與遠雷》中更因為飾演鋼琴天才少女的精湛演出,不只讓她入圍《報知電影獎》最佳女主角,更於《日刊Sports映畫大賞》奪下影后。

松岡茉優,在新作《蜜蜂與遠雷》中飾演鋼琴天才少女亞夜

 

她說:「我出道十年,就如電影中的角色一樣曾經沉寂,但我相信只要夠努力奮鬥,總有一天觀眾會看到的。」

照片取自松岡茉優IG

 

《春と修羅》指定曲細膩創作

電影『蜜蜂與遠雷』裡的音樂主軸,指定曲現代新創《春と修羅》,《春天與阿修羅》是日本國民詩人宮澤賢治生前唯一一部詩集。作為昭和時期不甚出名的作家,隨著歲月的沉澱,宮澤賢治的詩越陳越香,深深影響許多日本人,也在跨國翻譯的浪潮裡,被越來越多人讀閱而感動~是昭和詩人中最獨特的的一位,也是影響日本最大的詩人之一,被選為日本千年來最偉大的作家第四位。

 

電影中的指定曲《春と修羅》,由日本知名現代音樂作曲家:​​​​​「藤倉大」創作。

他說:「創作作品的他38歲,再42年之後他就80歲了,這是他寫給80歲的自己的音樂。」

下方照片再節選他的網頁說明:

除了很高興電影非常暢銷之外,他很很高興自己的作品能實際參與於電影中。

另外他在文章中也提到《春と修羅》音樂中對於小說中的描繪,以及他心中“現代音樂”的真實含義:這是現代的“現代音樂”。

 

「春と修羅」

 

日本國民詩人

宮澤賢治(1896.8.27-1933.9.21)

宮澤賢治出生在日本昭和時代的東北岩手縣花卷町,幼時家境富有,但一生艱辛潦倒,37歲便因肺病撒手塵寰,身後遺下大批手稿。他在艱難歲月以及病床上寫下的短歌、詩作與童話作品,在離世後才逐漸引起世人關注,終致廣為流傳。

日本動畫大師宮崎駿曾在訪談中多次提及他希望在作品中體現宮澤賢治的精神。

詩人、童話作家、農業家、教育家、作詞家,也是虔誠的佛教徒與社會運動者。出生日本岩手縣花卷町。家中經營當鋪與二手和服販售,富裕為地方望族。

大正七年以論文《腐植質的無機成分對植物的價值》取得優異成績,從盛岡高等農林學校畢業。而後在花卷農學校擔任教師,並於此時期,出版詩集《春天與修羅》。

四年教學時光,宮澤賢治在與學生們的互動交流裡,深刻感受到岩手縣這片土地上農民百姓的艱辛,故於大正十五年(1926)辭去教職,設置免費為農民診視土壤、肥料指導的「羅須地人協會」,同年並寫下以第四次元科學理論並結合藝術的〈農民藝術概論〉。在這期間,不斷利用文字將其自身所見到、感覺到的世間萬物以「心象素描」為稱,創作了〈銀河鐵道之夜〉、〈風之又三郎〉等文學作品。為了提升農民的生活,宮澤賢治鎮日付出,他白天耕種,夜晚為農民上課,講解農業知識、教外語、講故事、舉辦音樂會,最終,因為過度勞心勞力而罹患肺病,於昭和八年(1933)辭世,享年三十七歲。

宮澤賢治的詩集《春天與阿修羅》(春と修羅),於1924年4月由詩人自費出版,初版僅發行一千本,當時只得到草野心平等少數詩人的重視。隨著時間的流逝,宮澤賢治的許多詩歌和他的童話一樣,成為日本文學史上不朽的名篇,如今依然擁有歷久彌新的魅力。

 

不畏風雨.我想成為這樣的人

《不畏風雨》.宮澤賢治
不畏雨 不畏風
也不畏冬雪
和酷暑

保有結實的身體 無欲無求
絕不發怒 總是平靜微笑

一日食四合糙米 
以及味噌和少許蔬菜
對所有事情 不考慮自己的好處

多聽多看多了解 
然後洞察銘記
居住在野地松林蔭下 
小小的茅草屋

東邊如果有生病的孩子
就去看護照顧

西邊有母親勞累
就去幫她扛起稻束

南邊有人垂危
就去告訴他莫要害怕

北邊有爭吵或衝突
就去告訴他們別再為無聊的事爭執

乾旱時流下眼淚
在寒冷的夏日不安的踱步

大家喊我木頭 
不被讚美 也不給人添麻煩
我想成為 
這樣的人

 

*這首《不畏風雨》其實在宮澤賢治畢生的作品之中,不算特別有名。因為這首詩與其說是詩,倒不如像說是他寫的一段短短的話語:以一個很精簡、很直白的方法,說出自己的內心的想法,說出自己做人的志向,甚至可以說是他做人的座右銘。

 

311大地震後,為了振奮日本人民,電影明星渡邊謙帶著沉重的心情朗讀了宮澤賢治的詩《不畏風雨》,獻給並鼓勵所有面對災後重建的朋友:

https://youtu.be/YqvRjYS01y0

 

延伸閱讀

【東京鐵男見聞】短暫而悲壯的一生—宮澤賢治的故鄉巡禮

 


《春と修羅》的影音朗讀(朗読:木村多江)

https://youtu.be/u22uI6mxCJY

 

 

《春と修羅》混聲合唱版本
作曲:信長貴富 作詩:宮澤賢治

https://youtu.be/vroOmW7VYo4

 

作曲家藤倉大 分享於網路之演奏版本

電影中的明石版 -《荻原麻美:鋼琴》

composed by Dai Fujikura - music written for the movie "LISTEN TO THE UNIVERSE" 
映画「蜜蜂と遠雷」のために書かれた「春と修羅」 
映画:https://mitsubachi-enrai-movie.jp  
Mami Hagiwara (piano) Live Recording ライヴ レコーディング 
録音:2019年09月28日 (土) 東京芸術劇場コンサートホール 
(permission from Mami Hagiwara, Tokyo Metropolitan Theatre, Toho Music) 
SCORE available from デジタル
楽譜好評発売中: https://www.daifujikura.com/un/shop.html

https://youtu.be/uuh0i9nE6rE


《春と修羅》的樂譜出版

映画『蜜蜂と遠雷』の中での重要な現代音楽「春と修羅」(作曲/​​​​​藤倉大)の楽譜。左(カワイ出版)は、登場人物4人のカデンツァを含む「春と修羅」のフルスコアが、右(ヤマハミュージックメディア)は、明石の「春と修羅」のフルスコア、亜夜、マサル、塵のカデンツァ譜。他に亜夜と塵の印象的な連弾「ムーン・メロディ」を収録。

蜜蜂と遠雷 音楽集CD

日本出版雙CD《蜜蜂と遠雷》故事音楽集
https://tinyurl.com/y76dq92s

DISC-1 第一次預賽~第三次預賽

《第1次》

1. 蕭邦: F大調第二號敘事曲 OP38 – 高島明石

2. 李斯特: 梅菲斯特圓舞曲第一號鄉村酒館之舞 – 馬薩爾

3. 巴赫: 平均律鍵盤曲集 第一卷第一首C大調 – 風間塵

4. 巴拉基雷夫: 伊拉斯美 – 風間塵

5. 貝多芬: 降E大調第26號鋼琴奏鳴曲 告別 – 榮傳亞夜

《第2次》

6. 蕭邦: 黑鍵練習曲 OP10-5 –高島明石

7. 拉赫曼尼諾夫: 音畫練習曲OP39-6快板 – 馬薩爾

8. 李斯特: 兩首傳奇曲之一 向鳥兒佈道的聖方濟 – 風間塵

9. 拉威爾: 小奏鳴曲 – 榮傳亞夜

《第3次》

10. 巴爾托克: 鋼琴奏鳴曲Sz80 – 馬薩爾

11. 薩提: 我渴望你 – 風間塵

12. 孟德爾頌: 無言歌集 春之歌 A大調 OP62-6 – 風間塵

13. 德布西: 快樂島 – 榮傳亞夜

DISC-2《決賽》

1. 拉赫曼尼諾夫: 第三號鋼琴協奏曲 OP30 第一樂章 – 金秀勳

2. 蕭邦: 第一號鋼琴協奏曲 OP11 第二樂章 – 夫雷德力克・多米

3. 普羅柯菲夫: 第三號鋼琴協奏曲 OP26 第一樂章 – 馬薩爾

4. 拉赫曼尼諾夫: 第二號鋼琴協奏曲 OP18 第二樂章 – 趙漢山

5.巴爾托克: 第三號鋼琴協奏曲 BB 127/Sz. 119 第一樂章 – 風間塵

6.普羅柯菲夫: 第二號鋼琴協奏曲Op. 16 第四樂章 – 榮傳亞夜

 

Spotify可聽見全部音樂

 

Apple Music上也有完整專輯

藍光與DVD豪華版

這麼厲害的電影,當然影音豪華版是一定要發行der

 

延伸閱讀

新聞.蜜蜂與遠雷沒說完的故事 恩田陸6個番外回應讀者

 

 

各類合作提案,聯繫方式:

*手機:0917.670.518 
*Line:https://line.me/ti/p/LB1ro0P0AU
*E-mail:jenpin888@gmail.com

 

 

 

 


【BON音樂】大人社團音樂大師系列之二《蕭邦》Frédéric Chopin

【BON音樂】大人社團音樂大師系列之二《蕭邦》Frédéric Chopin
All about Frédéric Chopin

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音樂大師系列,那些你熟悉的旋律,都是他們人生中的豐沛情感

  • 第2堂:「鋼琴詩人」蕭邦的動人心弦(Chopin) 

課程重點:蕭邦生平、作品介紹與音樂欣賞 

「鋼琴詩人」蕭邦畢生創作幾乎以鋼琴曲為主,雖然他不少作品技巧艱深,但音樂卻從不以炫技為最終目的,樂曲中特有的詩意和細膩的情感、浪漫的和弦與精緻的音符,為他博得「鋼琴詩人」的雅稱,也是最為後世喜愛的作曲家之一。每隔五年於蕭邦故鄉舉辦之波蘭國際蕭邦鋼琴大賽,更是純粹以蕭邦音樂由初賽演奏至最後一輪的國際大賽,本次課程讓我們深入了解這位浪漫時期的著名作曲家。 

 

延伸閱讀 林仁斌老師專訪:

 

https://bit.ly/3klE7Ze

>大人的音樂欣賞課-電影音樂 (12/15、12/22、12/29、1/5)

>大人的音樂欣賞課-大師音樂  (1/12、1/19、1/26、2/2)

>大人的音樂欣賞課-經典歌劇 (3/2、3/9、3/16、3/23)


鋼琴詩人 - 蕭邦

「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)一生創作之作品,多以鋼琴曲為主,並且在鋼琴技巧演進史上佔有極重要的地位,故得名「鋼琴詩人」。

照片為1849年,蕭邦於人世間最後一張照片:

「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)
「鋼琴詩人」蕭邦(Frédéric François Chopin, 1810-1849)

 

 蕭邦在鋼琴樂曲中有著多樣性的創作能力,並對於許多曲式的創作,有著劃時代的創新突破與重要地位。

 

「音樂神童」莫札特死後之第19年,蕭邦出生於波蘭

蕭邦出生的年代,波蘭已被俄羅斯帝國普魯士哈布斯堡帝國瓜分,不復為統一主權國家(參見瓜分波蘭)。

 

圖解.三國瓜分波蘭示意圖:

綠色為奧地利得到的領土
青色為普魯士得到的領土
紅色為俄國得到的領土;

由深到淺依次為第一、二、三次瓜分。

 

蕭邦的母親是波蘭人,父親尼古拉·蕭邦(1771年—1844年)是波蘭籍法國人,原本居住在洛林的一座從父輩繼承下來的葡萄園,1787年移居波蘭並加入波蘭籍,參加過 1792年的俄波戰爭和 1794年的科希丘什科起義。蕭邦的父親也得到了在中學教授法語的工作。一家人於 1810年搬到華沙。

蕭邦在波蘭被視為神童,1816年 6歲的時候開始學習鋼琴,相繼由他的姐姐和母親教授鋼琴演奏技巧。蕭邦 7歲便能作曲,與莫札特相同,從小就展現出驚人的音樂天賦:他的第一首作品 B大調和 g小調波蘭舞曲創作於 1817年(7歲),在華沙他被獲譽為「莫札特的繼承人」、「莫札特第二」。

1818年,8歲的蕭邦在一次慈善音樂會上演奏了阿達爾伯特·吉羅維茨的作品,這是蕭邦的第一次登台演奏,從此躋身波蘭貴族的沙龍

 

學生時期

畫家 Eliza Radziwiłłówna 繪製 1826年正在彈鋼琴之蕭邦
Fryderyk Chopin at the piano, 1826

畫家 Eliza_Radziwiłłówna 繪製 1826年正在彈鋼琴之蕭邦(Fryderyk Chopin at the piano, 1826)
圖解:畫家 Eliza Radziwiłłówna 繪製 1826年正在彈鋼琴之蕭邦(Fryderyk Chopin at the piano, 1826)

 

 

四個創作階段
一般常依蕭邦的生命歷程,將他的創作分為四個時期:
第一時期:少年時期至離開波蘭(1810-1830)
第二時期:維也納時期(1830-1831)
第三時期:巴黎生活時期(1831-1839)
第四時期:人生後期(1839-1849)

蕭邦的青春演奏記錄

蕭邦 1826年(16歲)秋天進入華沙音樂學院就讀,追隨波蘭著名作曲家~也是音樂院院長 約瑟夫. 艾爾斯納(Jozef Elsner, 1769 – 1854)學習音樂理論與作曲,艾爾斯納非常欣賞這名年青的學生,在他的評鑑欄上寫下「非凡的天賦」和「音樂奇才」等評語,據說艾爾斯納從不要求或指示蕭邦該如何作曲,只是順其自然讓蕭邦擁有自由發揮的空間,華沙音樂學院後來被併入華沙大學,蕭邦也就變成華沙大學最傑出的校友之一。

 

華沙大學波蘭語Uniwersytet Warszawski),波蘭最大的大學,被《泰晤士高等教育》於2006年評為世界500強大學之一,2007年被波蘭報紙評為波蘭最好的高校。2016年英國泰晤士大學排名將華沙大學列為「歐洲最好的100所大學」中,並將其列為第61位。

19世紀的華沙大學

 

1828年 9月,蕭邦也因為其父執輩友人:動物暨昆蟲學家 賈洛基(Feliks Jarocki, 1790 -1865)來訪而大大地拓展了他的眼界。

賈洛基當時欲前去柏林參加一場科學研討會,因此與他同行的蕭邦也得到一個難得的旅遊經驗:他觀賞了由著名義大利指揮家史邦提尼(Gaspare Spontini)所指揮演出的歌劇以及數場音樂會的機會,也在德國見到音樂家柴爾德(Carl Friedrich Zelter, 德國作曲家)與知名作曲家孟德爾頌等樂壇菁英。

結束行程返回華沙途中,蕭邦旅途之中認識了當時波滋南大公國(Grand Duchy of Poznan)的統治者瑞德滋威爾王子(Prince Antoni Radziwill),瑞德滋威爾王子同時亦是位頗有才華的作曲家和大提琴演奏者,相當愛好音樂。

蕭邦傑出的音樂才華讓同為音樂家的王子非常喜愛,後來 1829年 5月,瑞德滋威爾王子慷慨地支付蕭邦全家至華沙旅遊的旅費。並於 10月份再次邀請蕭邦至王子於 Antonin的別墅作客並舉行音樂會演出。為了回報王子的慷慨,蕭邦創作了一首 C 大調大提琴與鋼琴波蘭舞曲(Polonaise for Cello and Piano, in C major, Op.3),獻給王子與其擅長演奏大提琴的女兒 汪達(Wanda)作為回報。

下方畫作,即為波蘭畫家 Hendrik Siemiradzki 於 1887年繪製,重現了 1829年 蕭邦於瑞德滋威爾王子皇宮中演奏之記錄:(Chopin Playing the Piano in Prince Radziwill’s Salon)

1829, Chopin Playing the Piano in Prince Radziwill’s Salon | Hendrik Siemiradzki Oil painting 1887

 

蕭邦:C大調前奏與華麗大波蘭舞曲(馬友友演奏)
Introduction and Polonaise brillante in C major, Op. 3

https://youtu.be/0MDiqS63b94


年輕鋼琴演奏家.誕生

1829 年夏天,蕭邦自華沙音樂學院畢業,便以鋼琴家身份首度於維也納風光登臺舉辦了二場鋼琴音樂會,獲得如潮的佳評。

結束演出後,9月份回到華沙後,由於當時鋼琴演奏家普遍於音樂會上彈奏自己創作的協奏曲,於是蕭邦決定立即著手創作鋼琴協奏曲。

1829年年底,蕭邦在寫給友人的信中曾提到:「非常可悲的,我似乎發現了我的理想對象。這半年來我雖然幾乎每晚都夢見她,卻從未曾和她說過一句話。我就是在想念她的這段期間,寫下了此闋協奏曲的慢板樂章(甚緩板Larghetto)。」由此可見這個樂章充滿著蕭邦對初戀情人的思慕,這位夢中情人就是就讀華沙音樂院聲樂科的學生 康絲丹采‧葛拉德可夫絲卡(Konstancja Gladkowska, 1810-1889)

 

第二號鋼琴協奏曲

獻給初戀情人的鋼琴協奏曲

蕭邦與暗戀對象 康絲丹采

 

1829年12月,蕭邦於華沙鉅商俱樂部(Warsaw Merchant’s Club)首演他所作的第二號 f小調鋼琴協奏曲(Piano Concerto No.2, in F minor, Op.21)。之後再於 1830年 3月 17日,在華沙國家劇院由蕭邦擔任鋼琴主奏再次演出。

 

蕭邦 f小調第二號鋼琴協奏曲 作品21
Chopin Piano Concerto No.2 in F Minor,Op.21

第一樂章 I. Maestoso 莊嚴的

簡說

第一樂章和e小調第一號相同,都是承襲自古典協奏曲的奏鳴曲形式,但在曲思上則較第一號來得簡潔。曲子一開始由弦樂呈示情感豐富的第一主題,再由合奏加強力度,樂曲由樂團完整呈示第一主題開始,接著雙簧管吹出優美的降A大調第二主題,在此以 f小調的關係小調所寫的主題將情緒稍作緩和,然後由長笛、弦樂接續。鋼琴主奏此時拉開序奏,在呈示第一主題後,接著經過一連串華麗豐富的經過句,再彈出第二主題,深度與明暗對比則更為豐富和纖細。發展部中僅以第一主題為材料,蕭邦以三段落做出由獨奏鋼琴與樂團熱情的對話,並展現了身為一流鋼琴獨奏家繁複和華麗的技巧,在自由的再現部之後,以第一主題所構成短小的尾奏結束此樂章。

樂曲架構

段落 主題分段 小節數
呈示部 樂團前奏 1-70
獨奏呈示主題 71-180
樂團過門 181-205
 發展部

 

發展部第一段 205-224
發展部第二段 225-256
發展部第三段 257-269
再現部 269-336
尾奏 337-348

 

 

第二樂章 II. Larghetto  甚緩板

簡說

第二樂章以降A大調寫成,而這個樂章的寫作動機則來自蕭邦的初戀情人,一位年輕的華沙音樂院聲樂科學生康絲丹采‧葛拉德可夫絲卡(Konstancja Gladkowska, 1810-1889),一如蕭邦對他的友人所說「不幸的是我似乎已找到了我的理想,對她我已是全心對待,雖然六個月來我每晚都夢見她,但並未和她說過半句話,這首協奏曲的慢板樂章題獻給對她的所有回憶。」此樂章的演奏形態以類似夜曲的形式,在簡單、搖曳式的伴奏下唱出如詩般充滿情感的旋律,展現出蕭邦初戀的美麗情緒,而這如夢般寧靜的氣氛,在中段的戲劇化轉折,展現出更強烈的氛圍,不久再趨平靜,最後結束在平靜尾奏之中。

 

樂曲架構

段落 小節數
前奏 1-6
A段 7-25
A’段 25-45
B段 45-74
A 74-89
尾奏Coda 89-95

 

 

齊瑪曼動人而深情之第二樂章錄音:
Krystian ZIMERMAN,Pianist and conductor (1999)

 

第三樂章 III. Allegro Vivace 活潑的快板

簡說

第三樂章活潑的快板再度回到 f小調,首先由鋼琴呈示如波蘭舞曲般具鮮明節奏的第一主題,再經由管弦樂的齊奏後,接續呈現經裝飾後的第一主題,之後在木管樂器的陪襯下進行快速而華麗的三連音音群。此樂章不斷流洩的華麗音樂,具有蕭邦青年時期絢爛熱情的特質。接著鋼琴呈示降A大調的第二主題,這個更接近舞曲的強烈節奏,增加了此樂章的活躍與華麗感;再經過如炙熱而精彩的發展部和再現部後,在法國號的獨奏引導下進入終段,此時再度出現輕巧快速的三連音音群而以華麗的尾奏一路奔向結尾段,精彩結束本首協奏曲。

樂曲架構

段落 主題分段 小節數
 

呈示部

 

 

主題A結束段

過門

主題B

結束段

 

1-197

 

發展部

 

 

第一段落197-213第二段落213-260

第三段落261-284

第四段落285-309

結束段落309-324

 

197-324

 再現部

 

主題A結束段  325-404
 結尾段

Coda

 

鋼琴三連音段落12小節
琶音+三連音+顫音琶音+三連音 尾奏
 405-414

 

 

音樂欣賞

2015’蕭邦鋼琴大賽首獎 趙成珍 2018年現場  Live’
Chopin Piano Concerto No.2 in F minor Op. 21
2018.08.14 Concert in Konzerthaus, Berlin European Union Youth Orchestra
Conductor: Gianandrea Noseda

 

2005’蕭邦鋼琴大賽首獎 Rafał Blechacz 2013-05-03 Live’ 演奏
Conductor: John Storgårds

Detroit Symphony Orchestra Orchestra
Hall at the Max M. Fisher Music Center (Detroit, USA) 

0:32 1. Maestoso
14:37 2. Larghetto
23:38 3. Allegro vivace


蕭邦全部協奏作品整理

筆者將蕭邦所有與管弦樂團協奏作品,依作品編號列出:

蕭邦:莫札特歌劇《唐‧喬望尼》「讓我們手牽著手」主題變奏 op.2
蕭邦:e小調第一號鋼琴協奏曲 op.11
蕭邦:波蘭民謠大幻想曲 op.13
蕭邦:克拉科維亞克舞曲 op.14
蕭邦:f小調第二號鋼琴協奏曲 op.21 
蕭邦:流暢的行板與華麗大波蘭舞曲 op.22

蕭邦第一號鋼琴協奏曲

e小調第一號鋼琴協奏曲(Piano Concerto No.1, in E minor, Op.11)則於之後的 1830年 10月11日在華沙市政廳首演,同場音樂也邀請到他所愛慕的 康絲丹采‧葛拉德可夫絲卡擔任其他節目的演唱。而蕭邦自始自終,都無法說出他對康絲丹采的愛慕,直至他後來離開波蘭為止。在此時期蕭邦也開始譜寫他的第一套鋼琴練習曲 op.10(Etudes op.10, 1829 – 32)。

 

練習曲 op.10 No.3《離別曲》

https://youtu.be/bwXvroy1FS0

 

練習曲 op.10 No.12《革命》

https://youtu.be/7VWHBHeNrg4

 

 

蕭邦共創作了兩首鋼琴協奏曲,第一號 e小調與第二號 f小調。

有趣的是,這兩首作品之完成時間正好與編號相反,原因其實是出版時間之緣故:

曲名 寫作完成年份 出版年份
第一號鋼琴協奏曲 1830 1833
第二號鋼琴協奏曲 1829 1836

 

由上表可見:第一號完成時間為 1830年,出版年份為 1833年,第二號完成時間為 1829年,出版年份為 1836年。雖然第二號之創作時間較第一號早,但因出版年份關係而有了新順序。多年來學界雖已考據清楚,但尊重此一既定結果,不要重新更改順序。(音樂史上亦有許多作曲家有創作與出版年份之順序之問題,例如:貝多芬、孟德爾頌等等)

 

e小調第一號鋼琴協奏曲雖名為「第一號」,但實際上是蕭邦寫過的鋼琴與管弦樂團作品中最晚創作的一首。

此曲題獻給當時他所崇拜的當代法國鋼琴家卡克布蘭納(Frèdèric Kalkbrenner, 1785- 1849),首演由蕭邦之老師 – 華沙音樂學院院長艾爾斯納指揮,蕭邦自己擔任鋼琴主奏部份。

寫作第一號鋼琴協奏曲時蕭邦才19-20歲,剛從華沙音樂院畢業,因此這首協奏曲在各方面,都有著古典時期協奏曲的傳統特色有許多相似之處。 由於此曲的技巧艱困而華麗,多年來始終被譽為蕭邦最為光輝燦爛的大型音樂創作之一。

 

第一號鋼琴協奏曲 特色解說

三樂章曲式分別為:I. 奏鳴曲快板曲式(Concerto – Sonata form)、II. 二段體型式(Binary form)與 III. 輪旋曲式(Rondo), 依循古典時期相同之 快-慢-快 三樂章架構
三樂章 拍號為 3/4、4/4、2/4,為傳統節奏設定型態,未多做出更多變化。
協奏曲之管弦樂團編制採古典時期常用之兩管編制:除獨奏鋼琴外,長笛、雙簧管、單簧管,低音管等木管樂器各兩部。四部法國號、兩部小號、一部低音號、定音鼓、弦樂五部。
三樂章調性為 e小調、E大調、E大調。 樂章之間採取「平行大小調」設定,屬於傳統用法。

 

當年蕭邦於波蘭華沙市政廳首演此曲時(1830 年 10 月 11 日),也是他告別祖國的最後演出~離開波蘭之後,蕭邦就不曾再寫作大型與管弦樂團之協奏作品,因此第一號鋼琴協奏曲是蕭邦離開波蘭前的最後大型作品。

結束第一號鋼琴協奏曲首演音樂會後,蕭邦便整理行囊,離開故鄉波蘭,出發前往維也納。

蕭邦於 1830年底離開波蘭,在抵達巴黎之前,於維也納住了幾個月(1830年11月~1831年9月)。但當時社會背景波蘭正面臨與俄羅斯戰爭之緊張態勢,而奧地利政治採親俄立場而敵視波蘭與波蘭人,故蕭邦在短期居住之後,決定前往巴黎發展。

另,蕭邦著名的《流暢的行板與華麗大波蘭舞曲》op.22,則創作於維也納,時間約為 1831年 7月間完成,也是他人生中最後一首為鋼琴與管弦樂團創作之大型音樂作品。

 

在 1831年 9月,蕭邦終於來到了巴黎。

19世紀的巴黎,在法國大革命後的開明思潮影響下,吸引許多的文學家、畫家及音樂家都在此聚集,藝術領域一片欣欣向榮,人文薈萃。蕭邦也於巴黎認識許多音樂家與文學家、藝術家等等:例如白遼士(Hector Berlioz, 1803-1869)、 李斯特(Franz Liszt, 1811-1886)、孟德爾頌(Felix Mendelssohn Bartholdy, 1809-1847)、 塔爾貝格(Sigismond Thalberg, 1812-1871)、費迪南•希勒(Ferdinand Hiller, 1811-1885), 文學家繆塞(Alfred de Musset, 1810-1857)、巴爾扎克(Honoré de Balzac, 1799-1850)、 海涅(Christian Johann Heinrich Heine, 1797-1856)、喬治•桑(George Sand, 1804-1876) 和畫家德拉克洛瓦(Eugène Delacroix, 1798-1863)等等,豐富了他的人生與音樂生命。

父親也同為法國人的蕭邦,很快就適應巴黎的生活。 他曾於友人的信件中說到:「巴黎是世界上最美麗的城市,這裡讓我覺得心曠神怡,這裡有全世界最好的音樂家和一流的歌劇院。

 

第一樂章

簡說

本協奏曲第一樂章為「奏鳴曲快板曲式」(Sonata form)設定,也就是具備「呈示部」、「發展部」與「再現部」。

其中「呈示部」於前奏部分,蕭邦沿用了古典時期常使用的「雙重的呈示部」(Double exposition)。

所謂「雙重呈示部」,即管弦樂團完整演奏「第一主題」與「第二主題」。將兩段主題完整演奏後,鋼琴獨奏者進來再將兩個主題完整演奏後,才完成整個呈示部。

「第一主題」譜例:

e小調,果決而精神抖擻地第一主題設定,雄偉地開啟協奏曲。

 

 

「第二主題」譜例:

轉為E大調,如歌似的,也更增添旋律與歌唱性。

 

樂曲架構

段落 主題區與過門 調性 小節數
呈示部 主題 1-1+1-2 E 1-60
主題 2 E 61-138
主題 1-1+1-2 E 139-178
過門 1 E 179-221
主題 2 E 222-282
過門 2 E 283-332
 發展部 主題 1-1 片段 e-C 333-384
主題 1-2 C-a(V)-e 385-485
再現部 主題 1-1 E 486-509
主題 1-2 E 510-533
過門 3
(相當於過門 1)
e-G 534-572
主題 2 G-e 573-620
尾奏 前半 E 621-670
後半 E 671-689

 

第一樂章 譜例音樂欣賞:


第二樂章

簡說

第二樂章標題為「浪漫曲」(Romance),形式為「二段體型式」(Binary form),也是 19世紀浪漫主義音樂時期 (Romanticism period) 鋼琴獨奏曲大多採用或作為擴充之曲式。

在蕭邦於 1830年 6月所寫的信件中,曾提到他對第二樂章之感受:「…這首 E大調的慢板樂章具有浪漫、寧靜、有點憂鬱的情緒在其中,好像正在凝視著某一處般,咀嚼許多幸福的回憶;有點像在春天的夜色中,沐浴在月光下的冥想與沉思……這正是弦樂加上弱音器的最好時機。

而樂團前奏結束後,獨奏鋼琴之寫作方式,蕭邦就以類似「夜曲」的主旋律+分解和弦,創作出他心中「在春天的夜色中,沐浴在月光下的冥想與沉思」的鮮明感受。

 

第二樂章 鋼琴第一樂句譜例:

 

樂曲架構

主題/段落 調性/和聲 小節數
第 一 段 落A 管弦樂導奏 E 1- 12
樂句 a I 13- 22
樂句 b1 V 23- 30
樂句 b2 V 31- 45
小尾奏 —– 46- 53
第 二 段 落B 樂句 a’ E( I ) 54- 63
樂句 c c#( i ) 64- 71
樂句 b1’ c#( v ) 72- 79
樂句 b2’ C#( V ) 80- 94
小尾奏 —- 95- 100
第 三 段 落A’ 裝飾奏 —- 101- 104
樂句 a’’ E( I ) 105- 113
尾奏 I 114- 126

 

第二樂章 譜例音樂欣賞:


第三樂章

簡說

第三樂章的標題為「輪旋曲」(Rondo)。我們由下方架構表最左段落分析中可以見到,蕭邦的安排是「A- B- A’- B’- 尾奏」,並非傳統「輪旋曲」之「A- B- A- C- A- 尾奏 」寫作方式。

 

第三樂章 樂團序奏與鋼琴主題 A 譜例:

 

 

第三樂章 鋼琴主題 B 譜例:

 

 

第三樂章 尾奏譜例:

 

樂曲架構

段落 主題區 調性與和聲 小節數
管弦樂團序奏 V/ vi— V— I 1- 17
段落 A 主題 1
(樂句 a- a- b – a’- 插句- a’’)
E major(I) 17- 100
管弦樂團間奏 100- 120
過門 1 vi—V/IV 121- 168
段落 B 主題 2 A major ( IV ) 169- 212
過門 2 IV—V—b I 212- 280
段落 A’ 主題 1
(樂句 a’- 插句- a’’)
E major ( I ) 280- 328
管弦樂團間奏 329- 340
過門 3 vi—V/V 340- 412
段落 B’ 主題 2 V 412- 455
尾奏 I 456- 520

 

第三樂章 譜例音樂欣賞:


版本欣賞

蕭邦第一號是每一位鋼琴家幾乎必彈的曲目,因此版本實在太多,僅於此文最後挑選一些筆者喜愛之版本與大家一同分享

阿格麗希 2010年 Live' 現場版
Jacek Kaspszyk, conductor 
Martha Argerich, piano 
Sinfonia Varsovia Orchestra 
Chopin - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11

00:43 - Allegro Maestoso 
21:08 - Romanze 
30:57 Rondo 
40:46 Chopin: Mazurka in C major, Op. 24 No. 2 
43:40 - Schumann: Traumes Wirren, Op. 12


齊瑪曼獨奏/指揮 DG版

Piano&Conductor: Krystian Zimerman
Orchestra:Polish Festival Orchestra


流暢的行板與華麗大波蘭舞曲

蕭邦著名的《流暢的行板與華麗大波蘭舞曲》op.22,其中《華麗大波蘭舞曲》創作於停留維也納時期,時間約為 1831年 7月間完~這也是他人生中最後一首為鋼琴與管弦樂團創作之大型音樂作品。

此曲序奏部分之《流暢的行板》則是之後蕭邦於 1834 年在巴黎完成。

1836 年蕭邦將《流暢的行板》與《華麗的大波蘭舞曲》合併出版。而且蕭邦更在 1835 年 4 月 26 日,由巴黎音樂家 François Habeneck 安排下,於巴黎指揮音樂院管弦樂團舉行首演,這也是蕭邦人生中唯一親自演出此曲。

體力與彈奏力度不適合大型音樂會的蕭邦,更加能夠在屬於朋友之間親密的沙龍音樂會上表現自已,也因為他個性不喜歡面對售票大型音樂會之壓力,故人生中其實鮮少真正舉辦大型公開演出。

 

精彩版本欣賞
齊瑪曼於 1975年蕭邦鋼琴大賽現場演奏 Live’ 版本

李雲迪於 2000年蕭邦鋼琴大賽現場 Live’版本

 

特里弗諾夫於 2010年蕭邦鋼琴大賽 現場實況 Live’
Daniil Trifonov – Chopin Conpetition Live’ (second stage, 2010)


音樂欣賞

電影 ⟪戰地琴人⟫(Pianist)之片尾,採用了蕭邦鋼琴與管弦樂團樂曲音樂會實況,
這首令人振奮的音樂,就是 bE 大調 流暢行板與華麗大波蘭舞曲。

 


淺說波蘭舞曲

「波蘭舞曲」(Polonaise)原本就是是一個法語單詞,意思是波蘭語(Polish)。早期是盛行於波蘭貴族之間的舞蹈,後來有傳至民間而有了許多發展與變化。 17世紀時,波蘭民族舞蹈更在整個歐洲傳播,而法國人將所有常見之波蘭舞蹈(Chodzony舞曲, 波蘭快步舞、Chmielowy、Hops dance 等等)全部稱之為歸於「波蘭舞曲」(Polonaise)。 許多的波蘭傳統舞蹈均可再追溯至 16世紀或甚至更早。

蕭邦更是為歷來所有作曲家中最知名的波蘭舞曲作家,他所出生的年代波蘭已經為俄國與奧國所併吞侵略,國家不復存在。因此愛國心強烈的他,將對於祖國的熱愛灌注在波蘭舞曲曲式中,畢生共寫作 18首波蘭舞曲:其中 ⟪序奏與華麗波蘭舞曲 op.3⟫ 是寫給大提琴與鋼琴,獻給當時波滋南大公國(Grand Duchy of Poznan)的統治者 瑞德滋威爾王子(Prince Antoni Radziwill)、 ⟪流暢的行板與華麗的大波蘭舞曲 op.22⟫ 則是寫給鋼琴獨奏與管弦樂團,其餘 16首波蘭舞曲均為鋼琴獨奏曲。敏感纖細的蕭邦,更加他對波蘭歷史過去的光榮、現況無奈與悲哀及對時局未來的憂鬱,巧妙地融入了波蘭舞曲中,因此更使波蘭舞曲之名發揚光大,進而成為光輝璀璨的音樂作品傳世至今。

 

音樂欣賞

蕭邦最著名之 《降A大調 英雄波蘭舞曲》op.53(1842)
Chopin: Polonaise “Heroic” op.53 in A flat major
Rafał Blechacz 2005年 蕭邦鋼琴大賽現場 Live’ 版本

 

早期關於波蘭舞蹈之畫作(畫家 Władysław Łoziński, 1843-1914)於 1907年繪。

Korneli Szlegel – source: Władysław Łoziński (1843-1914), “Życie polskie w dawnych wiekach” (“Life in Poland in old times”), 1907, fifth edition, Warsaw 1934

 

波蘭舞曲常見節奏

波蘭舞曲常見節奏

創作波蘭舞曲之作曲家

在古典音樂領域中,除了最著名的波蘭舞曲作曲家蕭邦之外,其實曾經以波蘭舞曲為名寫作音樂作品題材之作曲家還有:

-巴哈(J.S. Bach),舞曲組曲與管弦樂組曲中均可見。
-泰勒曼(G. Ph. Telemann)
-韋伯(C. M. von Weber)
-莫札特(W.A. Mozart)
-貝多芬(L. van Beethoven)
-舒伯特(F. Schubert)
-舒曼(R. Schumann)
-李斯特(F. Liszt)
-柴可夫斯基(P. I. Tchaikovsky)
..等等作曲家 

 

曾經寫過波蘭舞曲之著名作曲家李斯特曾如此形容波蘭舞曲:「當我們聽波蘭舞曲時好像跟前浮現出一些波蘭史冊上所描寫的古代波蘭人形象:結實的體格、開豁的頭腦、深刻而動人的虔誠、豪邁的心胸與騎士精神相結合在波蘭人身上,剛勇的性格早就和情人的矢誠相愛結合在一起…」

 

波蘭舞曲主要特徵

源自十六世紀士兵於列隊行進間所使用的音樂曾用於法國亨利三世(Henri III, 1551-1589)登基為波蘭王之加冕典禮為所有波蘭傳統舞曲節奏中最知名的舞蹈屬於速度中等之 3/4拍慢速舞蹈與源自瑞典之同樣 3/4拍舞蹈「Polska (dance)」相近。常應用於公眾儀式、婚禮或慶典活動上,男女對跳波蘭成年禮舞蹈之一活潑具有特色的節奏(請見↓下方節奏譜例)

波蘭舞曲欣賞:

具有歷史傳承之波蘭舞曲

 

 

蕭邦 - 迷人的夜曲

巴黎的最初幾年,蕭邦多半寫作一些如夜曲、圓舞曲及馬祖卡舞曲等具有沙龍性質的音樂,相當受到人們喜愛,可是當蕭邦的名望日盛一日時,他也漸漸失去舉行公開演奏會的興趣。1835 年後,蕭邦只有在 1841 年、1842 年、1848 年舉辦過演奏會,大多數時候他只喜歡在社交場合為朋友們彈奏。

https://youtu.be/1dFlgGAyB-g

 

最知名的《幻想即興曲》

https://youtu.be/Gy5UHK4EeM8

 

 

與喬治·桑的戀情

蕭邦交友廣泛,他的好友包括詩人繆塞巴爾扎克海涅亞當·密茨凱維奇,畫家德拉克羅瓦,音樂家李斯特費迪南·希勒,以及女作家喬治·桑。蕭邦在李斯特家第一次見到了身著男裝、抽著煙的喬治·桑,剛開始並對她無好感,甚至當面問旁人說:「她真的是個女人嗎?」,但隨著喬治·桑對他的追求,蕭邦開始對她傾心。

 

蕭邦與喬治桑的經典肖像畫,畫家德拉克羅瓦繪於1838年

 

1837年蕭邦因為與18歲的瑪利亞·伍德岑斯卡(Maria Wodzińska)一段不幸的戀情,陷入了生活危機,正在這時,他邂逅了比他大6歲的喬治·桑,這使得他又重拾了精神上的信心。

第一眼見到喬治·桑,蕭邦就感受到了她與瑪利亞的截然不同,瑪利亞是個典型的大家閨秀,而詩人喬治·桑看上去卻是十分高傲和極具自我意識。但是蕭邦與喬治·桑的戀情卻是具有傳奇色彩的,一方面,喬治·桑是一個熱情似火的女人,受到許多年輕才俊的男性追求,另一方面,喬治·桑後來銷毀了大部分寄給她的信件,使得人們無法確定蕭邦同她之間的真正關係。

1838年11月喬治·桑帶著她的兩個孩子莫里斯和索朗熱(Solange)移居西班牙馬略卡島。而蕭邦也一同搬到了馬略卡,蕭邦一生患有肺結核,他也希望溫暖的氣候能夠緩解他的病痛,但是事與願違,莫里斯的病情有了明顯好轉,而蕭邦的肺結核卻因為房間條件差,加上糟糕的天氣,發展成了肺炎。98天後蕭邦和喬治·桑離開了馬略卡,這段旅程雖短,但是對蕭邦和喬治·桑都印象深刻,喬治·桑將這段經歷記錄在了她的小說《馬略卡島上的冬天》中。

1839年到1843年的夏天,蕭邦都是在喬治·桑位於家鄉諾昂的莊園裡度過的。這是一些寧靜的日子,蕭邦在此期間創作了大量的作品,其中包括著名的波蘭舞曲《英雄》。

蕭邦和喬治·桑的戀情在1847年畫上了句號,兩人都沒有公開分手的原因。當時喬治·桑的女兒索朗熱愛上了貧困潦倒的雕刻家August Clésinger,這引發了喬治·桑一家的家庭矛盾,喬治·桑變得非常好戰,當蕭邦得知索朗熱和August Clésinger秘密訂婚的消息後,非但沒有反對,還表現出來贊同,這使得喬治·桑大為惱火。

 

人生中最後一場演出

1848 年 2 月,蕭邦在巴黎舉行最後一場音樂會後接受學生 珍.史特琳(Jane Stirling, 1804-1859)邀請,短暫訪問英格蘭和蘇格蘭但是結束了英國巡迴演出的倫敦音樂會後,其肺結核病情急遽惡化,因此倫敦音樂會也就成為蕭邦最後正式一場演出。抱病回到巴黎的蕭邦,體力大幅度衰退,已經無法繼續授課和創作。1849 年一整年幾乎無法維持正常教學與演奏,後於 10 月 17 日在位於巴黎凡登廣場之公寓去世,葬於法國拉榭茲神父墓園(Cimetière du Père Lachaise),享年 39 歲。

Chopin’s grave at Père-Lachaise cemetery, Paris

 

最後居住地

蕭邦生前居住之巴黎一區凡登廣場 12號 2樓(12, Place Vendôme),點按↓地圖可進入 Google Map:

蕭邦生前居住之巴黎一區凡登廣場 12號 2樓(12, Place Vendôme) 
 

 

最終畫像

病榻臨終前的蕭邦畫像 1849年,蕭邦病重去世前的最後幾週,他生前蘇格蘭籍的學生以及摯友 Jane Stirling 請波蘭畫家 Teofil Kwiatkowski 繪製的油畫。描繪蕭邦生前於病榻的模樣。當時居住的地點是在巴黎一區凡登廣場 12號 2樓(Place Vendôme),一個擁有 7間房的公寓。當時經濟狀況貧困的蕭邦其實無法支付這樣的居住條件,因此當時公寓是 Jane Stirling 承租下來供蕭邦使用。

圖中左二托腮女子為蕭邦的姊姊 Ludwika Jędrzejewicz(Louisa, 1807-1855) 。

Chopin on His Deathbed, by Teofil Kwiatkowski, 1849, commissioned by Jane Stirling. Chopin sits in bed, in the presence of (from left) Aleksander Jełowicki, Chopin’s sister Ludwika Jędrzejewicz, Marcelina Czartoryska, Wojciech Grzymała and Kwiatkowski himself.

最後的石膏像

 

 

蕭邦之心.波蘭聖十字教堂

蕭邦最後遺言是:「我死後,請把我的心臟帶回去,我要長眠在祖國的地下。」因此,據說姊姊於蕭邦逝世前,從華沙趕到法國,聘用醫生把死後的蕭邦心臟放置於水晶杯裡,以酒密封保存,再秘密躲過俄國衛兵駐守的波蘭邊境(當時波蘭受俄國統治)帶回華沙,藏在地下20多年。後來,終於取得俄國人的同意,放置蕭邦心臟於波蘭聖十字教堂的樑柱中。

 

波蘭聖十字教堂 外觀

 

波蘭聖十字教堂 內部樣貌

 

蕭邦心臟長眠於此柱中

 

 

 

1841-44年間的蕭邦鉛筆畫像

 

 

蕭邦死因.肺結核併發症

蕭邦在1849年10月於巴黎逝世,遺體被葬在拉雪茲神父公墓,這裡也是作家普魯斯特、王爾德和吉姆‧莫里森的安息之地。

當研究人員檢視裝有蕭邦心臟的密封罐時,他們注意到心臟表面覆蓋著一層白色纖維。此外,清晰可見的細微病變跡象,表明蕭邦飽受嚴重的肺結核併發症摧殘。

 

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瓶中之心:蕭邦早逝原因終於發現

 

 

補充資料

 

 

原來.是大帥哥

趣味分享以現代3D技術重建蕭邦畫像

 


 

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【BON音樂】巴黎《美好年代》的歷史、文化與藝文 La Belle Époque

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「美好年代」法語Belle Époque)是歐洲社會史上的一段時期,大約從19世紀末1880年開始,至第一次世界大戰爆發而結束。

「美好年代」是後人對此一時代的回顧,這個時期被上流階級認為是一個「黃金時代」,此時的歐洲處於一個相對和平的時期,隨著資本主義第二次工業革命的發展,科學技術日新月異,歐洲的文化、藝術及生活方式等都在這個時期發展日臻成熟。

 

在19世紀的最後四分之一個世紀中,由於各國勢力均衡帶來的止戰和平,工業革命與電力的發明,以及各種社會需求隻進化,導致各類富人與窮人的財富與生活方式,在西歐開始急遽的拉大:

便宜的煤炭與勞力,讓人類文明達到歷史以來的最高點:

溫室種植蔬果的技術更加完美,人們飲食開始更加講究;香檳酒與各類酒釀品質在此時期達到巔峰;羽毛或皮草等高等級時裝haute couture)的現代化體系開始在巴黎出現風潮;各類型宴會與慶祝Party文化更普及到上流階級,除了在家舉辦之外,富人們更注重餐廳所聽宮的各項服務:例如巴黎美心餐廳,成為富人炫耀之處。

鐵路建構成熟,開始連接歐洲各大城市之交通,縮短了城市間往返的時間;車廂開始分類為頭等艙及二等艙,講究付費享受~超富階級更開始使用私人列車:不同財力,得到不同享受。

 

俄羅斯 Youtuber - Denis Shiryaev,根據許多美好年代時期之網路影片,將其畫質提升並添加色彩,以全然生動的的方式,給了我們對於1890年的巴黎生活,有更多的想像空間:

https://youtu.be/fo_eZuOTBNc

 

關於他重新製作彩色歷史之想法與更多內容

https://youtu.be/YZuP41ALx_Q

 

在巴黎,各類型的文藝與生活方式更是多樣化:

波希米亞主義的浪漫隨興生活方式,則在蒙馬特之丘中得到不同的魅力印證。(從電影《紅磨坊》裡的情節我們亦可窺見一二)

 

維也納作家艾騰伯格(Peter Altenberg)所留下之經典名言:「我不在咖啡館,就是在往咖啡館的路上」,更是成為文人騷客的最佳寫照:巴爾札克(Honoré de Balzac)對咖啡的依賴,更是經典知名「咖啡,不只是我的精神食糧,也是身體亟需的補給品。」

在《論現代興奮劑》一書中,巴爾札克跟大家詳談近代五種令人難以抗拒的興奮劑︰酒、糖、茶、煙,當然還有咖啡。「咖啡能使人血液暢通,激發出思考的動力,是一種可以促進消化、提神、使大腦運作更加持久的興奮劑」,在書中巴爾札克少談茶與糖,加上自己並非酒與煙的「教徒」,自然而然地,《論現代興奮劑》成了巴爾札克的「咖啡經」。(據說巴爾札克每日幾乎要喝五十杯咖啡才能驅走睡意...,伏爾泰每天則喝四十杯咖啡...XD)

 

花神咖啡與雙叟咖啡

「雙叟咖啡」(Les Deux Magots)與「花神咖啡」(Café de Flore)皆位於巴黎聖日耳曼區(St-Germain-des-Prés) ,兩間咖啡店的歷史皆在19世紀,但「雙叟」較「花神」早了75年,坐落位置也非常相近...等一下看地圖就知道距離。

 

 

雙叟咖啡 Les Deux Magots
創立年份:1812年
名稱來源: “Les Deux Magots” (Two Chinese figurines),其實最初就是開店時,咖啡廳柱上兩個中國買辦的木製雕像,因此得名。後來 St-Germain-des-Prés 教堂於1873年擴建,裝飾咖啡館的兩個雕像更是那個時代之見證。1885年,這家商店讓給了另一家同名的販售酒類與咖啡館之店家
最早的咖啡館之一:咖啡館開始在巴黎的文化生活中發揮重要作用,曾經擁有巴黎文學和知識精英聚集地的聲譽。這聲譽來自於來此光顧的超現實主義藝術家,西蒙·波娃薩特等知識分子,和歐內斯特·海明威等年輕作家。加繆畢卡索也是這裡的常客。
最近地鐵站:巴黎地鐵 4 號線「聖日耳曼德佩站」

 

花神咖啡 Café de Flore
創立年分:1887 年
名稱來源:源自於林蔭大道旁的一尊雕像:羅馬神話的春之母「芙蘿拉」,花朵和花園的女神
花神文學獎:由弗雷德里克·貝格伯德 Frederic Beigbeder 於 1994 年設立花神大獎賽 Prix de Flore,每年於花神咖啡館舉行
最近地鐵站:巴黎地鐵 4 號線「聖日耳曼德佩站」

 

攝影師眼中的花神

攝影師:Léon Herschtritt (French, born 1936)

 

看一下地圖,其實兩家咖啡館...根本就在隔壁XD

 

 

第二次工業革命(取自維基百科)

1895年的德國鐵路 | A German railway in 1895

 

第二次工業革命,也稱第二次科技革命,是指1870年至1914年的工業革命。其中西歐(包括英國德國法國低地國家丹麥)和美國以及1870年後的日本工業得到飛速發展。第二次工業革命緊跟著18世紀末的第一次工業革命,並且從英國向西歐和北美蔓延。第二次工業革命以電力的大規模應用為代表,電燈的發明為標誌。

工業中心的人口迅速增長。鋼鐵廠,鐵路煤炭紡織工廠等起著推動性作用。工業與科技的迅速發展刺激了更多產業的發展。到了1900年,美國占全球工業生產的24%,之後是英國(19%),德國(13%),俄國(9%)以及法國(7%)。歐洲共占62%。

在第二次工業革命中,新技術的重要性,特別是電力內燃發動機,新材料與物質,包括合金化學品,以及如電報無線電通信技術。煉鋼的關鍵發明,比如「貝塞麥轉爐煉鋼法」和「西門子平爐」,都在1871年的前十年間出現。生產鋼鐵變得更便宜,使得蒸汽機運輸更加便宜和快捷。這次革命集中圍繞著鋼鐵、鐵路、電力和化學品的發展。

化學電器石油生產鋼鐵行業等領域都有巨大的創新。具體的成就包括燃油蒸汽渦輪機和內燃驅動的船的出現,飛機的發展,汽車的實際商業化,消費品大量生產機械製冷和其他保鮮技術以及電話的發明

合成纖維(19世紀20年代以前稱作「人造絲」)花了許多年來降低它們的價格和提高其質量。這是由專業科學家的貢獻才得以實現,通常體現在1914年以前個人的成就以及之後的商業研究實驗室。

美國的鍍金時代是以重工業為基礎的。1869年「第一條貫穿大陸的鐵路」開通為標記,從美國東海岸舊金山連續6天的服務 。在鍍金時代,美國的製造業生產超過英國,成為世界領先強國。1880年的鐵路長度跟1860年相比,增加了三倍,到了1920年又增加了三倍,在商業農業開拓了新領域,建造真正的全國市場並且使煤炭開採和鋼鐵生產繁盛。鐵路雄厚資本促進了華爾街金融市場整合。

美國在應用科學方面處於世界領先地位。從1860年至1890年,500,000件發明是過去70年的10倍。喬治·威斯汀豪斯發明鐵路空氣制動(使其更快更安全) 。威斯汀豪斯幫助尼古拉·特斯拉研發交流電的遠距離傳輸。西奧多·韋爾 建立了美國電話電報公司托馬斯·愛迪生發明了電燈(有爭議),他建立了奇異公司約翰·戴維森·洛克菲勒建立了標準石油公司來合併石油工廠—— 在汽車需求石油之前,其一直生產煤油。

1900年,德意志帝國的化工業靠染料主導全球市場。當時三個大公司:巴斯夫拜耳赫斯特公司Hoechst AG)和五個較小的企業生產出了上百種染料。在1913年,這八間公司幾乎擁有全球90%的染料供應,且其80%主要銷往國外。這三家大公司還集成生產基本原料並且往化學其他領域擴展市場,比如醫藥農業化學電化學。其高層由受薪專業經理人作管理。德國染料公司被稱為世界第一間專業管理的工業企業[15]。當時的研究還有許多分支,比如從化學研究引伸出的製藥業。

 

文學.繪畫.音樂齊揚

美好年代的起始年代約在1871年普法戰爭巴黎公社事件正式結束後,以德國法國的對峙與明爭暗鬥為主軸,歐洲各國間紛紛以政治與軍事協約與具有共同利害關係的他國結成盟友,以制衡敵對的國家,此種以互相制衡為目的的複雜政治局勢,保證了歐洲近四十三年的時間裡在歐洲大陸上沒有大規模的實質戰爭爆發。長時間的表面和平以及工業革命的持續進行,加上歐洲國家對世界其他地區的殖民掠奪,促成了歐洲的空前繁榮,但同時也為日後的第一次世界大戰埋下種子。

對於歐洲及世界來說,美好年代都是一個科技突飛猛進的時代。許多發明在這個時代出現,並開始變得普及。馬車在這個時代末逐漸被汽車所取代、電話加入電報的行列,成為快速傳播的媒介、以及電燈開始取代煤氣燈留聲機電影放映機開始普及,至於飛機則仍然只是令人著迷的實驗。

馬克斯·普朗克阿爾伯特·愛因斯坦尼古拉·特斯拉尼爾斯·波耳等人為現代物理奠定了基礎。為了表揚這個時代偉大的科學貢獻,諾貝爾獎在1901年開始頒發,獎項包括物理、化學以及生理學和醫學。

印象派在1860年代被認為是前衛的藝術,並沒有得到廣泛的認同,直到第一次世界大戰後。美好年代的學院寫實繪畫風格由威廉·阿道夫·布格羅約翰·威廉·沃特豪斯弗雷德里克·雷頓等所代表。巴比松派則採用了外光畫法的風格。新藝術運動 (Art Nouveau) 在1890年代中期成為歐洲主流的裝飾設計風格。許多成功的作品,建築於法國、德國、比利時、西班牙、奧地利 (維也納分離派)、匈牙利、波希米亞及拉脫維亞,並很快擴散到美國及墨西哥。

歐洲文學在美好年代經歷了一個巨大的轉變。現實主義自然主義文學達到新的高峰,有名的作家包括:貝尼托·貝雷茲·加爾多士斯台奧多爾·馮塔納居伊·德·莫泊桑埃米爾·左拉等。現實主義逐漸發展為現代主義文學,現代主義文學在1890年代出現,並在美好年代晚期以及戰間期成為歐洲文學主流。現代主義的著名作家有:安德烈·別雷約瑟夫·康拉德詹姆斯·喬伊斯弗朗茨·卡夫卡D. H. 勞倫斯托馬斯·曼羅伯特·穆齊爾馬塞爾·普魯斯特亞瑟·史尼茲勒羅伯特·瓦爾澤以及威廉·巴特勒·葉慈等。

 

那關於美好年代的一切

在巴黎街頭的舊書攤經常可見以美好年代時期的廣告海報為主題的明信片,這些印刷精美的明信片記載著巴黎昔日的輝煌,讓來到巴黎的旅人得以一窺當時這個「19世紀世界的中心」繁華的社會人文風貌。

 

紅磨坊」夜總會

 

 

「巴黎賭場」夜總會

 

 

康康舞

 

 

流行音樂香頌歌手

 

 

上流美食代表.美心餐廳

 

 

黑貓夜總會(Le Chat Noir)

「美好年代」 的黑貓夜總會,於1881年11月18日在Rouchechouart大道84號開幕,是19世紀巴黎著名的卡巴萊夜總會(卡巴萊起源於1880年代的法國,其後又有同類表演在德國柏林進行。卡巴萊是一種簡單及直接的表演方式,以簡單的布景服裝,純以歌曲把故事向觀眾表演。有喜劇歌曲舞蹈話劇等元素的綜合娛樂表演),位於波希米亞風格的蒙馬特區。

 

 

巴黎歌劇院假面舞會

 

 

巴黎歌劇院的嘉年華

 

 

女神遊樂廳

 

 

奧林匹亞酒館餐廳

 

 

萬國博覽會

 

 

1900奧運在巴黎

 

 

1900奧運之網球女子單打比賽照片

 

奧恩的巴諾拉的水療浴

 

 

蒙地卡羅, 摩納哥的旅遊廣告

 

 

法國活力酒廣告(可口可樂創意來源)

當時這款葡萄酒調製飲品,因為含微量古柯鹼,廣告聲稱它將恢復健康,力量,能量和活力。

 

餅乾廣告

香檳廣告

 

 

啤酒廣告

 

 

捲煙紙廣告

 

 

扭轉歷史.音樂家輩出

在《美好年代》期間,巴黎作曲家對歐洲音樂產生了重大影響,使其從浪漫主義轉向音樂和現代主義的印象派。

 

卡米爾.聖桑(Camille Saint-Saens,1835 ∼1921)出生於十九世紀中葉的巴黎,當時作曲家與音樂蕭邦、李斯特、白遼士皆曾活躍於此;文學家波特萊爾 (Charles Baudelaire, 1821-1867)巴爾札克(Honore de Balzac, 1799-1850)、雨果(Victor Hugo, 1802-1885),大仲馬(Alexandre Dumas, 1802-1870)與小仲馬(Alexandre Dumas fils, 1824-1895)父子等名家皆前後薈萃於這充滿藝術氣息的迷人城市。聖桑在這樣藝文起飛的環境下誕生。

 

1835年的巴黎地圖:


1835年 巴黎協和廣場一景

1835年 凡多姆廣場一景(蕭邦曾居住於此)

 

繼莫札特之後的神童

我們常說的神童:「 一歲會走、二歲拿筆、三歲寫文、四歲作詩」(閩南語)如果套用在聖桑身上,簡直是再適合不過了

聖桑是位神童,2歲時在姨媽的啟蒙下開始學習鋼琴,不僅能夠準確的識譜,更對音樂有驚人的理解力;年僅3歲半就創作了個人第一首小曲,這首創作至今仍被保存在法國的國家圖書館中。

聖桑曾於巴黎各教堂中以演奏管風琴為生。1857年,他更取代了 Lefébure-Wely 這位傑出管風琴師的地位,於 Église de la Madeleine 任職二十年,他以每週音樂即興演奏吸引了無數巴黎大眾,1866年李斯特更稱聖桑為世界上最偉大的管風琴家。

 

聖桑演奏管風琴照片(1905-1910)

 

Église de la Madeleine 大教堂外貌

 

Église de la Madeleine 教堂內部

 

 

聖桑多才多藝,早年曾涉獵地質學、考古學、植物學及昆蟲學,他亦是一位數學專家。

除了作曲、演奏及撰寫音樂評論外,他還與歐洲知名的科學家進行討論,以及撰寫關於聲學、巫術科學、羅馬劇院裝修及古老樂器的學術文章。

聖桑亦是法國天文學會的成員;他舉辦關於海市蜃樓的講座,又懂得按自己的要求製作望遠鏡,以及按如日食般的天文現象來計劃演奏會。

1870年,聖桑參與了國家防衛軍,並參加了普法戰爭。1871年普法戰爭後,為激勵法國作曲家的創作與發揚法國新音樂精神,而創立「國家音樂協會」(Société Nationale de Musique)。聖桑以組織主席身分,公開首演社團成員的作品,包括佛瑞、法朗克、拉羅及他本人的作品,逐漸地他成為塑造法國音樂將來的重要人物。

提攜後輩的不遺餘力,對當代法國音樂發展有著影響卓著的貢獻。聖賞的學生包括19世紀末20世紀初法國最重要的兩位作曲家:拉威爾(Maurice Ravel)與佛瑞(GabrielFauré)

在聖桑86年的生命歷程中所創作的作品類型、數量皆眾多,他還是第一位寫作電影音樂的著名作曲家,1908年他為電影《暗殺吉斯大公》配樂。除了兩次羅馬大獎的失利,在作曲和演奏的事業上可謂相當順遂。

聖桑表示自己作曲就像蘋果樹結果般的自然,一生共創作了五首交響曲,四首管弦音詩、十三部歌劇、五首鋼琴、兩首大提琴和三首小提琴協奏曲,以及許多的鋼琴、聲樂、室內樂曲等。

 

比才

比才(Georges Bizet,1838-1875年)生於巴黎,本名Alexandre César Léopold Bizet。九歲就進入巴黎音樂學院。1857年他獲得羅馬獎金,後到羅馬進修三年。1863年比才完成了他的第一部歌劇《採珍珠者》,是知名的音樂神童。

比才最著名的作品《卡門》創作於1873年;該劇取材於法國作家梅里美的同名小說;寫出身農家的龍騎兵士官唐賀賽,在吉卜賽菸草女工卡門的誘惑下,墮入情網,成為走私販,最後在情場角逐中手刃卡門的故事。該劇由於題材等因素,最初的首演尚未演完就受到一些觀眾的非理性抗議,導致演出惡評。

《卡門》首演失敗,神童著稱的比才,受不了打擊,一病不起,三個月後逝世。但諷刺的是,《卡門》後來重演,從此成為世界歌劇之一,當天就是比才出殯的日子。聖桑柴科夫斯基德布西等人都給予該劇很高的評價。尼采甚至以此部歌劇來對華格納的作品進行抨擊。現時《卡門》已成為最著名的歌劇作品之一,也是歌劇史上演出最多的作品。


巴黎當時具有影響力的作曲家,當推寫作出歌劇《瑪儂》、《泰綺思》的作曲家馬斯奈(Jules Émile Frédéric Massenet1842-1912)。

 

馬斯奈法國作曲家,音樂教育家。他的歌劇作品是最知名的經典,上演最頻繁的兩個是瑪儂(Manon)(1884)和維特(Werther)(1892)。還寫了清唱劇芭蕾舞管弦樂作品,偶然寫一些鋼琴曲,歌曲和其他音樂。

馬斯奈生於羅亞爾省附近的小城鎮,父親是高級工程師。他從小顯露出在音樂上的天賦,11歲時進入巴黎音樂學院。師從於昂布魯瓦·托馬斯。在1863年畢業時贏得了羅馬大獎(Prix de Rome)之後,很快地以他的歌劇聞名於世:從歌劇院到古典神話,浪漫喜劇,抒情劇,以及清唱劇和芭蕾舞劇。他在19世紀末和20世紀初的美好年代時為法國歌劇的主要作曲家。

1878年到1896年馬斯奈特成為巴黎音樂學院的教授。他的學生包括古斯塔夫·夏邦提耶歐內斯特·蕭頌雷納爾多·韓加布里埃爾·皮爾納。1878年被選為法蘭西學院院士,1899年榮獲國家二級勛位。


佛瑞

佛瑞Gabriel Urbain Fauré,1845年5月12日-1924年11月4日),法國作曲家、管風琴家、鋼琴家以及音樂教育家。佛瑞前承聖桑,後繼者則有拉威爾德彪西;早期與聖桑一同為法國國民樂派奠基,後期在巴黎音樂學院任內力行改革,提拔後進,對於法國近代音樂發展起了軸承的作用。佛瑞的音樂作品以聲樂與室內樂聞名,在和聲與旋律的語法上也影響了他的後輩。

佛瑞作品的特點是擁有許多線條優美的旋律,;而他所創作出來的甜美歌曲也為代代世人所青睞。他的和弦及器樂法相對於古典樂曲來說並沒有太大的變革,然而他所擁有的和弦協調性及高超的和聲技巧,使他的大提琴奏鳴曲、小提琴奏鳴曲、鋼琴奏鳴曲以至於藝術歌曲等等,樂曲內所蘊含的獨創性動機,情感表達的內涵之豐富,大大展現了法國人內心世界的最高之作,倍受世人的高度讚賞。


古斯塔夫·夏邦提耶

 


雷納爾多·漢恩

雷納多·漢恩(Reynaldo Hahn, 1874-1947)| painting by Lucie Lambert, 1907

雷納多·漢恩Reynaldo Hahn, 1874-1947),委內瑞拉法國作曲家。

雷納多·漢恩出生委內瑞拉,南美軍事主政國家,政治社會極為動盪不安,人民失業率高,貧窮無生機。漢恩3歲時舉家遷至巴黎,在這充滿藝術的都市裡展開了全然不同的人生:8歲時,漢恩已能開始創作歌曲;10歲進入巴黎音樂院,曾隨法國作曲家 古諾(Charles Gounod, 1818 - 1893)及 馬斯奈(Jules Massenet, 1842 - 1912), 聖賞(Camille Saint-Saëns, 1835-1921)學習,並與曾為蕭邦最後一批學生之一的鋼琴家 埃米爾·德孔布(Émile Decombes, 1829 - 1912 )學習。而在世紀末的「美好年代」(La Belle Époque)裡,漢恩於巴黎同時代結交的音樂與藝術好友更是不計其數。

台灣翻譯 Reynaldo Hahn 的姓氏為 "阿恩"(Hahn),主因是在法文發音中"H"是不發音的,如以他所居住的法國巴黎,的確翻譯為 "雷納多.阿恩" 是貼切於法文發音。 如果改以德文發音,也是"漢恩"。但畢竟 "雷納多.漢恩" 是委內瑞拉人,為求國際通用,本文中筆者仍選用以 "漢恩" 為翻譯名稱,也與維基百科裡翻譯一致。

 

延伸閱讀

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歐內斯特·蕭頌

 

1893年,年輕的德布西於蕭頌家中沙龍演奏,坐立彈琴者為德布西,站立翻譜者為蕭頌:

 

德布西

德布西(Claude Debussy, 1862-1918)是19世紀末20世紀初法國最有影響力的作曲家之一,其實在創作初期的非常崇拜華格納,但也在兩度造訪拜魯特聆聽華格納音樂之後,轉變為反對其厚重的管弦樂法以及連續四晚才能看完的樂劇,更是法國音樂家反對華格納的一個鮮明例子。

1889年,巴黎舉行世界博覽會,那一年是巴黎艾菲爾鐵塔建立的重要年份。在博覽會上,德布西更聽到了來自爪哇甘美朗的演奏,對十二平均律五聲調式印象深刻,加上全音音階,對其日後創作有著至關重要的影響。

代表作品有管弦樂交響詩《》和開啟印象樂派的管弦樂大作《牧神午後前奏曲》,鋼琴組曲《貝加馬斯克組曲》、《印象》、《版畫》等;而創作最高峰則是法語歌劇《佩利亞與梅麗桑

 

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【BON音樂】德布西逝世百年專題 I《音樂作品總整理》


薩提(Éric Satie, 1866-1925)

 

薩提Éric Alfred Leslie Satie,1866年5月17日-1925年7月1日),後來自己改名為Erik Satie法國作曲家。他被法國音樂團體「六人團」尊為導師,是二十世紀法國前衛音樂的先聲。

薩提除了反對華格納式的厚重音響效果與管弦樂法之外,更是極力倡導音樂應該回歸到本質的古典主義精神。

受到他的啟發,當時的幾位巴黎音樂院畢業的高材生,後來活躍於巴黎市蒙帕那斯(Montparnasse)區的幾位重要音樂家,紛紛不斷地以音樂創作、沙龍演奏與聚集討論(口水多過茶?),來提出對於音樂的想法以力圖提振法國當代音樂的風氣~

 

當時的作曲家與音樂評論家亨利.柯雷(Henri Collet, 1885-1951),在其1920年的音樂評論文章中提出了新名詞「Les six」。

 

他的用意是以將這幾位共同理想的年輕音樂家們比照「俄羅斯五人組」(The Five),而給了這些年輕新秀們一個全新名稱:「法國六人組」(Les six)~

 

當時他的文章標題為:「”Les cinq Russes, les six Français et M. Satie”」

亦即「俄羅斯五人組、法國六人組與薩提先生」(哼哼,你們有五人組,我們也有六人組+1~人數就是壓過你XD)。

雖然他在作曲界不甚知名,但這歷史性的一評,反倒使他「名留青史」~

 

這幾位法國著名的音樂家,一共有六人,分別是:

奧里克(Georges Auric, 1899-1983)、路易.杜雷(Louis Durey, 1888-1979、奧乃格(Arthur Honegger, 1892-1955)、米堯(Darius Milhaud, 1892-1974)、浦浪克(Francis Poulenc, 1899-1963)、潔曼妮.泰葉菲 (Germaine Tailleferre, 1892-1983)更是「六人組」裡唯一的女性喔~

 

「六人組」與作曲家浦朗克於1957年的珍貴合照

由左至右分別為:

Arthur Honegger(前排左一側臉)

Jean Cocteau(前排左二正臉)

Darius Milhaud(前排左三正臉)

Francis Poulenc(後排左一半側臉)

Germaine Tailleferre(後排左二半側臉)

Georges Auric(後排右二正臉)

Louis Durey(後排右一)

 

不過後來六人組真正的活躍年代,則要等到第一次世界大戰之後了。


史特拉汶斯基的芭蕾

史特拉汶斯基原為法律系學生,後拜知名作曲家林姆斯基.高沙可夫為師,學習作曲,於1903-1908年間追隨林姆斯基.高沙可夫上課,也是他真正入門作曲之關鍵時期。

史特拉汶斯基與作曲老師:林姆斯基.高沙可夫
史特拉汶斯基與作曲老師:林姆斯基.高沙可夫

 

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第一次世界大戰

第一次世界大戰主戰場在歐洲,也終結了「美好年代」。由於主要戰場於歐洲大陸,故此20世紀早期的中文文獻經常稱為「歐戰」。

從1914年7月28日爆發到1918年11月11日德國投降結束,歷時4年多,先後卷入戰爭的國家有30多個,總人口超過15億,約佔當時世界人口的75%。

這場戰爭是歐洲歷史上破壞性最強的戰爭之一,約6,500萬人參戰,約2,000萬人受傷,超過1,600萬人喪生(約900萬士兵和700萬平民),造成嚴重的人口及經濟損失,估計損失約1,700億美元(當時幣值),除美洲與亞洲外,歐洲各國均受到重創,特別是戰敗國如德國、奧匈帝國、鄂圖曼帝國等等還要面對巨額賠款,埋下第二次世界大戰的種子。

 

轉載中央社「WW1 數字看一次世界大戰」

第一次世界大戰開戰後,世界列強被一道道複雜的同盟條約綁在一起,一個個捲入戰場,形成協約國與同盟國兩大陣營。(中央社製圖)

 

 

補充影片

關於美好年代的紀錄片

https://youtu.be/pdv0_TupOuE

 

 

閱讀蹦藝術.品味美好時光

 

各類合作提案,聯繫方式: 

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【BON音樂】大人社團音樂大師系列之ㄧ《貝多芬》Ludwig Van Beethoven

【BON音樂】大人社團音樂大師系列之ㄧ《貝多芬》Ludwig Van Beethoven
All about Ludwig Van Beethoven

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音樂大師系列,那些你熟悉的旋律,都是他們人生中的豐沛情感

  • 第1堂:「樂聖」貝多芬的超凡入聖(Beethoven) 

課程重點:貝多芬生平、作品介紹與音樂欣賞 

貝多芬的一生充滿了戲劇性,從年輕時的雄心抱負,到不得不正視耳聾的多舛命運,雖然挫折接踵而至,但對音樂滿懷使命的他,仍留下了許多人類永恆遺產的珍貴作品:他的九大交響曲每首都是經典、32首鋼琴奏鳴曲被譽為「鋼琴的新約聖經」、弦樂四重奏更寫出前無古人的里程碑。被稱為「樂聖」的他,也讓我們看見了超越生命中種種磨難的韌性,用音樂永遠留在世人心中。

 

延伸閱讀 林仁斌老師專訪:

 

https://bit.ly/3klE7Ze

>大人的音樂欣賞課-電影音樂 (12/15、12/22、12/29、1/5)

>大人的音樂欣賞課-大師音樂  (1/12、1/19、1/26、2/2)

>大人的音樂欣賞課-經典歌劇 (3/2、3/9、3/16、3/23)

貝多芬閉目畫像(Carl Schorn 繪製)

照片取自「Beethoven-Haus Bonn, B 2600」

 

貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770年12月16日-1827年3月26日),1770年出生於萊茵河畔的德國波昂,他的祖父、父親都曾經在當地的宮廷下擔任歌手,祖父更在1761年升任為樂長,在貝多芬三歲的時候去世。

血統

路德維希·范·貝多芬原籍南尼德蘭(今比利時梅赫倫鎮的法蘭德斯族人。曾祖父Michael van Beethoven是梅赫倫鎮的法蘭德斯人,曾祖母Marie Louise Stuyckers是南尼德蘭(今比利時)另一族瓦隆族人,兩人之子(即貝多芬祖父)Ludovicus van Beethoven生於梅赫倫。外祖父Johann Heinrich Keverich與外祖母Anna Clara Westorff都生於神聖羅馬帝國的特里爾選侯國(今屬德國萊因蘭地理大區)的科布倫茨。貝多芬本人生於神聖羅馬帝國的科隆選侯國首府波昂(今德國萊因蘭地理大區)。血統而言,貝多芬是75%日耳曼人,18.75%比利時法蘭德斯人,6.25%比利時瓦隆人。
貝多芬的祖父,也同名路德維希·范·貝多芬,20歲時遷居波昂,在科隆選帝侯宮廷內當一位樂隊長。父親約翰則是一位唱詩班男高音。母親瑪麗亞·馬達琳娜·凱維利希(Maria Magdalena Keverich)是宮廷御廚的女兒,在嫁給約翰之前曾結過一次婚並有一子,但前夫與兒子皆早逝。她與貝多芬之父約翰婚後曾在1769年8月2日產下一子,名路德維希·瑪麗亞·范·貝多芬(Ludwig Maria van Beethoven)。

 

貝多芬在很小的時候就顯露出他的音樂天分,當時莫札特因為「音樂神童」稱號紅便了全歐洲,所以貝多芬的父親想要效法莫札特的父親,也將貝多芬訓練成「音樂神童」,如此一來他不但能向別人炫耀一番,又能同時增加收入;因此在貝多芬五歲的時候就教他拉小提琴,並且請樂團指揮奈弗(Christian Gottlob Neefe, 1748-1798)來教授貝多芬鋼琴,但11歲時,貝多芬因為父親財力不濟而被迫從學校輟學。

奈弗不但傳授巴赫的平均律鋼琴曲給他,也協助貝多芬發表自己的鋼琴作品。

1783 年,奈弗曾寫道:「他應該在藝術修養方面得到更多的幫助,如果他能堅持不懈,一定會成為莫札特第二。」

貝多芬14歲〈1784年〉時, 奈弗更引薦貝多芬成為宮廷的助理管風琴師和中提琴手,一年後擔任宮廷演奏管風琴。我們可以說這位音樂老師在貝多芬音樂生涯的早期,對於他的幫助是最大的。

 

年少時期的貝多芬畫像

神童識英雄

1787 年,貝多芬獨自前往維也納拜訪莫札特。據說莫札特給了貝多芬一個主題, 讓他即興作曲演奏,貝多芬的演奏無疑打動了莫札特,莫札特說道:「注意這年輕人,日後他會揚名天下。」

 

19世紀繪畫:貝多芬於1787年於維也納為莫札特演奏情景圖(畫家 August Borckmann 繪製)

最可惜的是,貝多芬因為母親的病危消息必須返回波昂,而與莫札特道別。此一別已是天人永隔,兩人再也無法見面,因此我們更惋惜這兩位天才再也沒有能相互激盪之可能。

母親逝世之後,父親酗酒越發變本加厲,貝多芬必須在教堂和劇院的樂隊擔任中提琴手,以賺取家庭年生活費,照顧爸爸及2位年幼的弟弟。

以下將貝多芬生平簡單分為三大時期:

傳統承襲時期(1792-1803年)、創作成熟期(1803-1813年)與生涯晚期(1813-1827年)。

 

傳統承襲時期(1792-1803年)

1803年的貝多芬

 

1792 年,貝多芬決定離開故鄉波昂,正式定居於維也納,開始發展音樂事業。他先後曾與海頓(Franz Joseph Haydn 1732-1809)、約翰.賢克(Johann Schenk, 1753-1836)、阿布雷茲貝格(Johann Georg Albrechtsberger, 1736-1809)與沙利耶里(Antonio Salieri, 1750-1825)等大師學習作曲。(沒錯~沙利耶里就是電影《阿瑪迪斯》裡面那位沙利耶里XD)

之後貝多芬在洛布科維茲公爵(Prince Joseph Franz Maximilian Lobkowitz, 1772-1816)、魯道夫大公(Archduke Rudolph, 1788-1831)、 卡爾.范.李奇諾夫斯基親王(Karl Von Lichnowski, 1756-1814)等貴族的贊助下, 以獨立音樂家之姿逐漸在維也納尊定了名聲。貝多芬出色之鋼琴演奏與即興能力讓他快速地得到所有人的認識。之後,藉由布勞寧夫人的推薦,貝多芬認識了華德斯坦伯爵,華德斯坦很欣賞貝多芬的音樂和才華,所以他就成為貝多芬的第一位贊助人,給了貝多芬相當多的鼓勵和幫助,使得貝多芬有機會接觸到各種音樂,對往後的創作有相當大的幫助。

 

交響曲誕生與「海利根施塔德遺書」 (Heiligenstädter Testament)

30歲時,貝多芬寫出第一首交響曲;1802年,貝多芬再完成第二號交響曲。

此時期他已遭耳疾之苦,因此寫下著名的「海利根斯塔特遺書」(Heiligenstadt Testament),內容淒切動人。

 我決心掃除一切障礙,我相信命運不會拋棄我,我恐怕需要充分估量自己的力量,我要扼住命運的咽喉。

 

 

「海利根斯塔特遺書」中文翻譯:

「啊,世人!你們認為我或者說我對懷著敬意,脾氣古怪,是一個厭世者,這對我是何等地不公平!你們不瞭解隱藏在外表下的原因。從童年時代起,我就有著一副心腸,來感受出於善意的溫情,甚至我還懷著要做一番偉大事業的心願。但是,請想想,六年來我處在何等絕望的境地。庸醫的治療使我的病情更為惡化,我年復一年懷著好轉的希望,但都落了空⋯我畢竟不能對人大聲說:喂,請說大聲點!你得向我叫喊,因為我是個聾子!啊,我怎能承認,我身上的一種感官出了毛病。這種感官在我理應比別人完美。這感官在我身上曾經是高度完美的,完美的程度過去或現在我的同行中很少有人能與之比擬。哦!我可不能承認。所以,你們如果看到我這個一向愛和你們一起相處的人躲開你們,就必須請你們原諒。要是我在這時候被人誤解,我的不幸就使我倍加痛苦。我已得不到與人交往的樂趣,已不再能與人進行深入而微妙的交談,已不再能與人互吐衷腸。幾乎完全孤獨!⋯⋯我像一個流放者那樣生活著。一旦接近人群,我就感到萬分害怕,惟恐我的疾病有被人發現的危險。

我瀕於絕望,差一點我只用自殺來收場。是藝術,只是藝術留住了我。啊!在我尚未感到把我的使命全部完成之前,我覺得我是不能離開這個世界的。」

 

延伸閱讀:

貝多芬的遺書

 

創作成熟期(1803-1813年)

18、19世紀之交,法國大革命震動著歐洲大陸,本就搖搖欲墜的神聖羅馬帝國更是因此而走向歷史的終點,德意志民族在等待統一的時機。此時登上歷史舞台的拿破崙,首先以維護共和、捍衛革命的面目出現,一時間成為很多青年心目中的「普羅米修斯」,是革命的代表和革命原理的傳播者。據說早在1798年,法國駐維也納大使貝爾納多特將軍曾建議貝多芬為拿破崙寫上一曲,但貝多芬並未為之全力以赴,而是先在1802年(一說1800到1801年)創作了芭蕾舞音樂《普羅米修斯的創造》(作品43),有應和這種波拿巴熱的意味。但是,其編舞者維加諾卻讓貝多芬失望了,普羅米修斯的英雄氣概在舞台上並未得到充分表現。於是,有共和、民主和自由追求的貝多芬就要用自己的雙手,告訴世人,甚至是拿破崙本人,他心目中的英雄是何等形象;為此誕生的,正是E♭大調第三號交響曲

 

第三號交響曲封面

 

第三號交響曲完成於1804年,在此,貝多芬的作曲動機與之前的海頓、莫札特相當不同:其作品不再是應某位有錢的侯爵,或為一個上流社會的小群體而寫,此時的貝多芬乃是出自個人的心聲、願望、激情和世界觀去創作,獻給的是「永恆(的世界)」和「人類」。相比起以前,其作品在大眾面前被奏響,而作曲者自己則退居幕後,這樣的創作高度是前所未見的。在這樣的脈絡下,第三號交響曲的篇幅也是無比宏大,其演奏時間達45分鐘左右,正是因為當中包含了比以往命題作曲更多的精神內涵,不但是當代音樂史、交響曲發展史上最宏大的器樂作品,更是貝多芬自己創作史上的轉折點。

 

這個時期中,貝多芬陸續創作了多首不朽作品:第四與第五號交響曲《命運》op.67(1807)、歌劇《費岱里奧》op.72(Fidelio, 1805)、第六號交響曲《田園》op.68(1808)、第七號交響曲op.92(1811-12)、 第八號交響曲 op.93(1811-12)、鋼琴奏鳴曲《熱情》op.57(1804)第五號鋼琴協奏曲 op.73(1809)、D大調小提琴協奏曲op.61(1806)等等,作品,貝多芬已經完全奠定了其作曲家之偉大名聲。

 

 

生涯晚期(1813-1827年)

1813年起,貝多芬逐漸進入了嶄新的創作領域,也就是他一生中的第三階段

 

這幅是德國畫家史蒂勒(Joseph Karl Stieler)於1820年創作之貝多芬肖像,據說作曲家自己非常滿意,也同時是全世界流傳最廣之貝多芬畫像:

 

在第三時期起,貝多芬的耳聾讓他逐漸進入自我的世界裡,他的創作更富於實驗性,音樂中也含有更深的思想與哲理。他的學生,知名鋼琴家與教育家徹爾尼(Carl Czerny, 1791-1857)曾說:「貝多芬的第三種風格起始於他逐漸耳聾的時期,這導致他最後三首鋼琴奏鳴曲的獨特風格,出現了許多不諧調的和音。」

1818年,貝多芬寫下了《漢馬克拉維/槌鍵鋼琴奏鳴曲》op.106,這首奏鳴曲標誌著新一輪創作靈感的開始;此後的貝多芬,似乎在精神面上起了變化,此後的作品不但外在規模宏大,形式難以預測,情感則反而愈發內向、深邃。

 

貝多芬《漢馬克拉維/槌鍵鋼琴奏鳴曲》op.106與出版商往返之樂譜校訂手稿:

 

但從貝多芬《合唱交響曲》、《莊嚴彌撒》等作品中,我們可發現他心中那偉大而崇高的意境,可以說是以達音樂至高至美的境界。

1819 年,貝多芬已經完全失聰。

人生行至最後階段,雖然享有成功的作曲家盛名。據說當他行走在維也納街上,不斷地有行人會與他行禮致意,但貝多芬的家庭生活卻是一團混亂:耳疾使他變得暴躁易怒、難以溝通;為了爭奪姪子監護權的問題, 他與弟媳鬧上法庭;一生搬了80次家,據說他的脾氣愈來愈暴躁多疑,也和出版商的關係時有衝突,甚至到了劍拔弩張的地步。

貝多芬一輩子的創作眾多,也都被視為將古典時期音樂風格推向浪漫時期的指標人物:

九首交響曲,被譽為九座高山之巔;32首編號鋼琴奏鳴曲,後世稱為鋼琴的「新約全書」(「舊約全書」為巴赫的《平均律鋼琴曲集》);弦樂四重奏曲式在他手中達致巔峰...等等音樂上無數豐功偉業,都是他超凡入聖之主要原因。

 

偉大...出自?

英國文豪莎士比亞(William Shakespeare)曾說過:「有人天生注定偉大,有人經過奮鬥而偉大,有人被迫成偉大。」(Some are born great, some achieve greatness, and some have greatness thrust upon them.)

貝多芬的偉大,有一半是自我奮鬥而來的,另一半則可能是被環境逼出來的。

 

 

貝多芬指揮樂團?

貝多芬到底如何指揮呢?對此有許多不同的說法。

牛津大學音樂教授藤布里奇曾在接受BBC訪問時說,有一種說法是雖然貝多芬站在指揮台上指揮,但實際上還有另外一位音樂指揮協助他。

下方為示意圖:

 

1826年間,貝多芬染上風寒而轉成肺炎,身體狀況不斷下降,最後到了1827年,引起多重並發症狀與世長辭。

臥榻於病床上的貝多芬最後身影
臥榻於病床上的貝多芬最後身影

 

當年貝多芬的葬禮備極哀榮,有兩萬五千名仰慕者在街道為他送行(據說作曲家舒伯特也在其中);當天維也納各學校也停課一天,以表示對他的崇敬。

下圖為貝多芬的葬禮行進隊伍圖,圖片左方為貝多芬之棺木:

 

貝多芬之墓

貝多芬位於維也納中央公墓(Wiener Zentralfriedhof)之墓。維也納中央公墓是維也納最大,也是全歐洲第二大公墓,共有墓穴33萬座。公墓中因安葬莫扎特、貝多芬、舒伯特、布拉姆斯和史特勞斯父子多位世界著名的音樂家、作曲家而成為許多觀光客造訪之處。

 

 

貝多芬的頭髮?

延伸閱讀

蹦藝術文章《【BON音樂】就科學結果,論貝多芬之死因~》

1996年,頭髮被轉到美國的化學顯微鏡專家 華爾特.麥克隆
並取出貝多芬部分頭髮進行最頂尖的科學化驗…
我們知道,貝多芬生前飽受各種疾病折磨
除了耳聾之外,還有風濕症、重眼炎、肺炎、肝炎、腹痛、結節炎、腹部腫脹、黃疸、背痛…
而檢驗頭髮之後的對照結果
發現貝多芬頭髮樣本中的鉛含量超出一般樣本「42倍」之多
這項證據顯示貝多芬在臨死前鉛中毒已深
並且可能中毒有數十年之久(推測)

再值得一提要為貝多芬平反的一點:
有人曾懷疑貝多芬身染梅毒
但頭髮中完全沒有「汞」成分
間接地還了貝多芬一個清白
因為當時的醫學界是以汞作為梅毒的治療劑
故至少在有無感染梅毒這一點上,
貝多芬不需受到後世無謂的推測懷疑

 

延伸閱讀

《在波昂重新認識貝多芬》(文字、攝影:林育立)

貝多芬在世時最早製作的石膏面具,後來成了19世紀所有貝多芬畫像和塑像的範本。(林育立攝影)

附錄.貝多芬創作列表

 

 

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【BON音樂】大人社團電影音樂之四《新天堂樂園》Nuovo Cinema Paradiso

【BON音樂】大人社團電影音樂之四《新天堂樂園》Nuovo Cinema Paradiso
All about the movie "Nuovo Cinema Paradiso"

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大人音樂欣賞課

 

電影音樂系列,讓我們回到時空節點,感受音樂帶來的深刻情感與美妙瞬間。

延伸閱讀 林仁斌老師專訪:

 

https://bit.ly/3klE7Ze

>大人的音樂欣賞課-電影音樂 (12/15、12/22、12/29、1/5)

>大人的音樂欣賞課-大師音樂  (1/12、1/19、1/26、2/2)

>大人的音樂欣賞課-經典歌劇 (3/2、3/9、3/16、3/23)

 


有電影相伴的人生.最美

義大利經典電影《新天堂樂園》由導演朱賽貝·托納多雷執導、配樂家顏尼歐.莫瑞康尼作曲的真摯配樂,讓這部電影的氛圍難以忘懷,不但長踞影史上各大影 展票選「非看不可電影片單」,也同樣是電影配樂史中的至高經典。 

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1989年於坎城影展放映結束時,榮獲觀眾起立鼓掌達15分鐘之久,更榮獲坎城影展《評審團大獎》,與隔年1990年奧斯卡金像獎《最佳外語片》跟金球獎最佳外語片。

 

電影中純樸的西西里島風情、數十年電影院文化的興衰、難忘的初戀與真摯的友情、放映師艾費多與小男孩沙瓦多真摯的情感等動人的情感鋪陳,更是在多年後長大成年的沙瓦多重返西西里島送艾費多走完人生最後一程的電影放映室中,讓所有人動容落淚,因為美好的回憶永存心中。

 

導演介紹

朱塞佩·托納多雷(義大利語:Giuseppe Tornatore,1956年5月27日),義大利電影導演,生於義大利西西里奧斯卡最佳外語片獎獲獎者。

Event: (id=81495) 57^ Edizione -David Di Donatello 2013-
Location: Roma. People: Tornatore Giuseppe

早年從事攝影工作,作品曾多次參加國際比賽得獎,曾任電視台的紀錄片導演,1982年在義大利薩萊諾影展中曾以長篇紀錄片得獎。1985年編導首部劇情片《被稱為教授的男人》,此後電影作品幾乎都由自己編劇。1988年的《新天堂樂園》獲坎城影展評審團大獎和奧斯卡最佳外語片獎。1995年39歲時編導的《新天堂星探》,榮獲義大利大衛獎最佳導演獎及威尼斯影展評審團特別獎;1998年編導的史詩巨作《海上鋼琴師》(即《聲光伴我飛》),獲得義大利大衛獎最佳導演獎;2000年44歲編導了《西西里島的美麗傳說》(即《真愛伴我行》、《瑪蓮娜》)。其中《新天堂樂園》、《海上鋼琴師》和《西西里島的美麗傳說》被合稱為托納多雷的「三部曲」[1]

濃郁的浪漫主義風格是托納多雷作品的一大特點。托納多雷的影片數量並不多,影片的背景往往是他的故鄉西西里島,題材亦常偏好於少年的夢想或老年的回憶,[2]但幾乎每部都是精心錘鍊的作品。托納多雷的許多電影音樂都是與莫里康內合作的[3],《新天堂樂園》、《海上鋼琴師》的原聲音樂也受到人們的普遍讚譽[4]

重要獲獎


電影配樂作曲家

延伸閱讀:【BON音樂】義大利傳奇電影配樂作曲家 -莫利克奈 Ennio Morricone

義大利傳奇電影配樂作曲家 – 莫利克奈 Ennio Morricone

義大利傳奇電影配樂作曲家 -莫利克奈 Ennio Morricone

人若精彩,天自安排

你知道嗎?以《狂沙十萬里》、《鏢客三部曲》、《馬可波羅》、《教會》、《四海兄弟》、《新天堂樂園》及《王子復仇記》、《西西里的美麗傳說》、《海上鋼琴師》、《A Pure Formality等經典配樂享譽國際的義大利傳奇電影配樂嘉作曲家,居然等到2016年,已年屆87歲高齡,才終於憑藉與導演昆汀塔倫提諾合作的電影《八惡人》(The Hateful Eight),才終於拿下人生第一座奧斯卡原創配樂大獎。

這是多麽令人意外的科普!

曾榮獲兩次葛萊美獎,兩次金球獎,五次英國電影和電視藝術學院獎等多項音樂獎項的意大利傳奇配樂家莫利克奈(Ennio Morricone, 1928-2020),2016年終於以電影《八惡人》榮獲第88屆奧斯卡金像獎最佳原創音樂獎。莫利克奈的故事告訴我們,一輩子未必要為了「能夠得獎」與否才去努力,反而應該傾盡自己的全力,等待花開結果的時刻來臨~創作至87歲終於榮獲小金人鍍金成功~更是實至名歸!

 

阿母~偶終於拿到奧斯卡啦~~(設計旁白)

 

打敗約翰威廉斯,成功奪金的記錄瞬間,全場起立鼓掌,超級感動:

 

2007年時,莫利克奈就已榮獲奧斯卡終身成就獎,也是史上第二位獲此殊榮的作曲家。(第一位是作曲家阿萊克斯·諾斯(Alex North,電影《欲望號街車》(1951)與《第六感生死戀》(1990)配樂家作曲家)

當年從77歲的名導演兼演員克林伊斯威特(Clinton Eastwood, Jr. b.1930)手中接過奧斯卡金像獎終身成就獎,老大哥79歲的莫利克奈Ennio Morricone, 1928-2020)顯得意氣風發~

 

奧斯卡金像獎終身成就獎得獎影片:


轉眼間 《新天堂樂園》已屆25週年紀念版

https://youtu.be/SQkhCdo8spY

 

電影劇情與精彩片段:

https://youtu.be/Xdrmz_jPprQ

 

新天堂樂園》(義大利語Nuovo Cinema Paradiso)是義大利導演朱賽貝·托納多雷(Giuseppe Tornatore)所執導的一部電影,1988年首度在義大利上映。雅克·佩蘭(Jacques Perrin)、菲利普·諾瓦雷(Philippe Noiret)、萊奧波爾·多里雅斯特(Leopoldo Trieste)、馬哥·萊昂納迪(Marco Leonardi)和薩爾瓦多·卡西奧(Salvatore Cascio)皆在電影中演出。電影配樂則由顏尼歐·莫利克奈與他的兒子安德烈·莫里科內(Andrea Morricone)所創作。

劇情簡介

1980年代某一天晚上,名導演沙瓦托·狄維塔(Salvatore Di Vita)在深夜回家之後,女友睏倦地告訴他媽媽打電話過來說有一個叫做艾費多(Alfredo)的人已經去世了。這個消息讓沙瓦託回憶起他從前跟艾費多許下的承諾,並決定回到30年來皆未曾謀面的家鄉-西西里島的吉安加村(Giancaldo)。而女友問他誰是艾費多,也導致沙瓦托開始回憶起他的童年時光。

大部分的故事情節發生在二戰之後,淘氣又聰穎的沙瓦托是寡婦的兒子,他的父親死於戰爭當中。當時才六歲的多多很早就意識到他喜歡電影,於是他花費了大多數的空閒時間在當地的天堂樂園戲院(Cinema Paradiso)中,與電影院的播放師艾費多建立起如同父子般的情誼,艾費多也讓多多在投影室裡看電影,最後他也教多多如何操作放映機。後來電影院發生因膠捲(因當時的底片尚使用硝化纖維製作)起火釀成大災,在危急之中,沙瓦托救了艾費多一命,但是火苗已傷到艾費多的臉,造成他終身失明。

電影院後來由一位中了足球彩券的拿玻里人承接,重新命名為新天堂樂園戲院(Nuovo Cinema Paradiso),還是小孩子的沙瓦托擔任電影放映師的工作,因為他是全鎮上唯一會播放電影的人。

情節接著跳到十多年之後,沙瓦托已經是一位高中生,他還是天堂樂園戲院的放映師。他和失明的艾費多的交情更加堅定。艾費多經常引用經典電影台詞來教導沙瓦托人生哲理,同時沙瓦托也開始練習拍攝八釐米影片,並在這個時候認識一位年紀相當的女孩艾蓮娜(Elena),她是銀行經理的女兒。雖然沙瓦托努力贏得艾蓮娜的芳心,但是卻受到女孩父親的反對。當艾蓮娜和她家人搬離之際,沙瓦托也被徵調服兵役,他嘗試寫信、打電話給她,試圖與她保持聯繫,艾蓮娜卻從此音訊全無。

沙瓦托在退伍之後,艾費多建議他永遠離開這個地方,忠告他這個城鎮太小無法實踐他的夢想,艾費多還告訴他要全神貫注於工作,捨棄鄉愁,甚至也不要寫信回來或想念他們,這就是他們之間的承諾。

最後沙瓦托違背了他對艾費多的承諾,回到家鄉參加艾費多的喪禮。經由短暫的返鄉之旅,揭開當年他與初戀女友艾蓮娜的最後一夜之謎,也與鄉民們一同目睹天堂樂園戲院遭到拆毀。透過艾費多的遺孀,沙瓦托收到艾費多遺留給他的兩份禮物:一堆當年被神父要求剪去的吻戲膠卷、一張當年藉以墊高身量的凳子。

電影放映室中,艾費多的貼心、沙瓦托喜極而泣的回憶...讓所有人動容落淚,因為美好的回憶永存心中。

莫利克奈親自指揮《新天堂樂園》交響組曲

https://youtu.be/WSkyoyyvnAY

金馬57|永遠的新天堂樂園 by 陳鋭與台北愛樂

https://youtu.be/YK0vjuqTeZ0

 

 

《新天堂電影院》組曲:馬友友&克里斯伯堤

https://youtu.be/QiG38Wi9yuk

 

 

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【BON音樂】蹦藝術X周善祥 專題演講 - 《郭德堡變奏曲》 "Goldberg Variations"

【BON音樂】蹦藝術X周善祥 專題演講 - 《郭德堡變奏曲》 
Bonart X Kit Armstrong "Goldberg Variations"

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國際知名的「郭德堡變奏曲研究網站」(a+30+a')網站LOGO與入口圖,簡潔乾淨的極簡設計,令人非常喜歡:

雖然只畫出音符,缺少了五線譜~但只要是學音樂的人,便能自動哼唱出這舉世知名的「郭德堡主題」:

2021年 1月07日,新年新希望,蹦藝術執行長林仁斌,將與知名鋼琴家周善祥合作,舉辦專題示範解說講座:巴赫《郭德堡變奏曲》。

身為鋼琴家兼作曲家的周善祥 Kit Armstrong,除音樂方面的才華,更精通作曲、數學、科學及語言。

周善祥的演奏曲目廣泛,涵蓋多位作曲家的作品,包括巴赫、莫札特、貝多芬,以及海頓、舒伯特、蕭邦、舒曼、布拉姆斯、德布西和拉威爾的作品;他的協奏曲曲目包括巴赫、莫扎特、貝多芬、孟德爾遜、蕭邦、舒曼和巴爾托克等作品。

本場音樂專題示範解說講座中,將由蹦藝術執行長林仁斌老師主持對談,周善祥現場解說與示範,兩人將以細膩獨到的眼光,為大家精彩解釋《郭德堡主題變奏曲》這首經典重量級名曲。

演講/示範:周善祥
主持/對談:林仁斌

日期:2021.01.07.(四) 
時間:16:00-18:00
地點:史坦威鋼琴中心
地址:台北市大安區復興南路一段322號2樓

巴赫:《郭德堡變奏曲》音樂探索

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特別感謝:
鵬博藝術 Blooming Arts

協辦單位:
史坦威鋼琴中心 Steinway & Sons

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*報名表單:https://reurl.cc/d5MKNk

2020/12/31 跨年夜下午,蹦藝術與周善祥同樣於史坦威中心舉辦之示範主題講座:

《複音演奏技法 - 以巴哈與莫札特作品為例》
《莫札特、貝多芬與舒伯特之觸鍵與詮釋》

 

當天有許多精彩議題的對談,從 Kit提出的「複音音樂」並非只是多聲部音樂,其實更是現代和聲發展之濫觴。因此更加了解複音音樂之演進與技法,其實更是欣賞古典音樂之重要內功訓練。當然樂曲詮釋思維的深度與和聲色彩、音樂安排等等都是重要的思維。

 

與熱情的觀眾們現場大合照:

 


回到今日主題《郭德堡變奏曲》 

 

巴赫生平簡介:

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750), German musician and composer playing the organ, circa 1725. From a print in the British Museum.

 

他不是小溪,是大海!- 貝多芬

德文裡,「巴赫」(Bach)是小溪之意,據說當年貝多芬第一次見到巴赫作品,說出了這句話,也一語道盡他對巴赫音樂之讚嘆。

 

生平簡介(整理自維基百科與網路資料)

約翰‧賽巴斯欽‧巴赫(Johann Sebastian Bach, 1685-1750),1685 年三月二十一 日生於德國埃森那克(Eisenach),1750 年七月二十八日逝世於萊比錫(Leipzig)。

巴赫被認為是音樂史上最偉大、最傑出、最重要的作曲家之一,也是巴洛克時期的作曲家管風琴小提琴大鍵琴演奏家,更是巴洛克音樂的集大成者,廣泛地被尊稱為「音樂之父」。

巴赫出生於神聖羅馬帝國艾森納赫(位於今德國圖林根邦)的一個音樂世家,自幼即接受音樂教育。父母亡故後,巴赫遷至奧德洛夫由長兄扶養,生活清苦,15歲時即前往呂訥堡修習學業並自立更生。畢業後巴哈先後在阿恩施塔特慕豪森擔任管風琴師(1703年-1708年),往後歷任威瑪(1708年-1717年)與柯登(1717年-1723年)的宮廷樂長,以及萊比錫的教堂音樂總監(1723年-1750年)。

巴赫終生自學作曲不輟,舉凡前人至晚輩的作品,無不研究。他一生極多產,其作品以品質俱佳著稱,除了歌劇,幾乎涉獵了當時所有的曲種,包含清唱劇受難曲神劇經文歌彌撒曲聖詠、各種樂器的獨奏曲、組曲室內樂協奏曲等等。儘管巴哈沒有開創新風格,但他的創作廣納了德、義、法等國的音樂手法,並以嫻熟的複音技巧呈現,展現了巴洛克音樂風格的精華與深奧的思想。

雖然莫札特、貝多芬等大作曲家均對巴哈推崇備至,但直到浪漫主義時代,作曲家孟德爾頌於1829年在柏林改編並指揮巴哈的《馬太受難曲》,才使樂壇正視巴赫音樂的價值;浪漫早期以降的作曲家也多受巴赫影響。此後數代音樂家對他的作品進行了發掘、研究、整理和推廣,巴赫的音樂也逐漸恢復了崇高的地位。

 

初到威瑪,阿恩施塔特與慕豪森(1703年-1708年)

1705年至1706年,他在未經允許的情況下拜訪了北德著名的風琴師和作曲家布克斯特胡德(Dietrich Buxtehude),並參與他在北德呂北克聖瑪利亞教堂的音樂會。此次拜訪布克斯特胡德的旅行,來回需要各徒步約400公里,他請了30天的假,卻離職四個月,且未通知僱主,這成為他在1706年1月宗教法庭上被指控的「罪狀」之一。

這趟超過預期計劃時間的旅程,強化了布克斯特胡德對對巴赫早期風格的影響,也顯示了在巴赫心目中布克斯特胡德的重要性。從呂北克返回的巴赫還帶來了許多新奇的演奏想法,例如自由花俏的和弦與裝飾音、不定性的轉調與變奏等等,導致教友難以辨清聖詠旋律。這些時人看來「怪異」的做法引發了投訴,教會當局在1706年2月及11月給予警告,但巴赫不是很在意

 

音樂欣賞

Buxtehude, Passacaglia in D Minor, BuxWV 161

https://youtu.be/R3aOgFVybtg


威瑪(1708年-1717年)

此時期著名的作品有《d小調管風琴觸技曲與賦格》、《帕薩卡利亞》,「清唱劇」、46首聖詠前奏曲等

1714年,巴赫升為副樂長,也就是樂團首席(Konzertmeister),需每個月創作一齣清唱劇。另,此時期巴赫的管風琴曲創作量居各階段之冠,作品也臻至成熟,他成為歐洲最具代表性的管風琴演奏家兼作曲家。他演奏高妙,很快便被譽有傳奇色彩:

與巴赫同時代的人在聆聽完他在卡塞爾為皇太子(未來的腓特烈·威廉一世)的演奏後寫道:

他的雙腳彷彿長了翅膀般在腳踏板上飛馳,有力的音符如雷般響遍整個教堂,太子對巴赫的神技讚嘆不已,一曲既畢,餘音尚繞樑之際,便脫下指上所戴著的寶石戒指,送給巴赫。

在威瑪的時日,巴赫還領導一批訓練有素的歌者和樂手,這是一個小型的巴洛克式樂團,而他自己則演奏小提琴帶領整個樂團,因此在作曲之餘還能培養指揮經驗。

巴赫此時期吸收了義大利的交奏曲式(Ritornello form)與返始(Da capo)的手法,並輔以對位法特質,使他在創作時更注重主題和樂曲的簡化,屬於他自己的音樂風格正在形成

 

音樂欣賞

J.S. Bach: BWV 565 -Toccata & Fugue in D Minor

https://youtu.be/SGKfqSJbeAg

 

音樂欣賞

《歌劇魅影》電影版 序曲

https://youtu.be/5NstnB3Wnqk

 

歌劇魅影 序曲 鋼琴樂譜版

https://youtu.be/BqpwJnZiQ30

 

欣賞一下巴赫+韋伯的綜合版演奏

 

以為巴赫關風琴的影響力沒有了嗎?還有喔~

電影《神鬼奇航2》幽冥飛船號海盜船船長深海閻王(Davy Jones 主題)

真是無遠弗屆啊~(讚嘆)

https://youtu.be/L0JbaZtoKAs


柯登(1717年-1723年)

著名的作品有:《布蘭登堡協奏曲》、《法國組曲》、《英國組曲》,1722年完成《平均律鋼琴曲集》第一冊與《無伴奏大提琴組曲》、《無伴奏小提琴奏鳴曲與組曲》等重要器樂作品。

巴赫在柯登擔任宮廷樂長,即樂團指揮(Kapellmeister),這個職位備受尊敬,且薪水高達400塔勒(日耳曼各邦的貨幣購買力不盡相同,巴赫薪水在此相當於朝廷高官)。王子21歲接掌宮廷後,致力恢復宮廷裡的音樂風氣,雇用的樂師從三名增至十七名,因此巴赫上任時接管的便是一個訓練有素的樂隊。王子懂音樂且待巴赫親切有禮。巴赫遇上一群優異的音樂家和識才的東主,激盪出大量出色的樂曲,尤其是器樂。此時期是巴赫一生中較未受干擾的時期,而從創作內容來看,巴赫正逐漸邁入成熟階段

由於長子日益顯露音樂天份,巴哈寫作《給W.F. 巴赫的鍵盤小冊》即為長子而作:內容井然有序的教導年幼的孩子彈奏鍵盤樂器,從說明音譜記號開始,帶領初學者由基本曲目一路登堂入室,直到領略較高深的作品。而這本書其實也包含了部分的《平均律鍵盤曲集》和全套的《二聲部與三聲部創意曲》;全書不僅是訓練技巧,曲目的結構與聆賞性也有高度水準

 

1721年3月,他將精心創作的六首管弦樂協奏曲獻給布蘭登堡總督克里斯蒂安·路德維希,此即著名的《布蘭登堡協奏曲。巴赫在柯登時期之前沒有機會與足夠資源(完善的管弦樂團)創作協奏曲,此時正能全心發揮。在此期間巴哈也創作了著名的無伴奏小提琴奏鳴曲與組曲無伴奏大提琴組曲、《平均律鍵盤曲集》的第一部分(24首)

 

萊比錫(1723年-)

巴赫從38歲起至65歲去世為止,均擔任萊比錫聖托瑪斯教會合唱長之職。虔誠的巴赫向來認為自己的音樂天賦是上帝賦予的,因此晚年的巴赫全心致力於將最美、最崇高的音樂奉獻給上帝!《馬太受難曲》、《b小調彌撒曲》、《平均律鋼琴曲集》第二冊、《意大利協奏曲》、《郭德堡變奏曲》⋯⋯以及登峰造極的《音樂的奉獻》和《賦格的藝術》,都是晚年於萊比錫完成的經典作品。

 

巴赫在萊比錫時代使用的圖章:

設計為他的名字簡寫JSB鏡射組合而成,而圖騰最上方皇冠,則顯示其為宮廷作曲家。

此時巴赫的音樂創作傾向正在改變:他的研究和創作重心慢慢回到器樂,且開始重視出版自己的作品

 

晚年及逝世(1740年-)

在世的最後十年仍有新作品推出。1739年-1742年間出版了《平均律鍵盤曲集》的第二部;1741年-1742年間出版《郭德堡變奏曲

但他也花費更多時間在修訂及完成先前的創作上,例如清唱劇、彌撒受難曲

 

腓特烈大帝於「→無憂宮」(Schloss Sanssouci)裡的音樂會繪畫。吹笛者為腓特烈大帝,彈琴者為巴赫之子:C.P.E. Bach。

Flute concert at Frederick the Great 's court

1740年,就在普魯士腓特烈大帝即位的同年,C. P. E. 巴赫獲選為其宮廷的大鍵琴手,並負責為國王吹奏長笛時伴奏。在腓特烈的推動下,首都柏林逐漸成為當時的音樂重鎮

巴赫在1741年初赴柏林探望C.P.E. 巴赫,但稍後由於政治局勢的問題,使得巴赫幾年後才再訪。

1747年,巴赫應邀前往柏林近郊的波茲坦無憂宮聆賞皇家音樂,也試奏了國王向他展示的新樂器——古鋼琴

而巴赫素以即興演奏聞名,國王便給了他一段長而複雜的主題(Thema Regium),令他當場即興一首三聲部賦格;巴赫做到了,但國王又以六聲部賦格考驗他,巴赫告訴國王自己需要足夠的時間準備。

有了這個動機,在巴赫回到萊比錫兩個月後,便出版了以國王的主題發展的一套器樂作品,這就是著名的《音樂的奉獻

巴赫最後的傳世之作是《賦格的藝術》,是在其生命的最後十年所作,但沒有完成,直到巴赫逝世後才出版。

巴赫晚年疑似患有糖尿病,且可能在1749年中之前已一度中風。在生命的最後幾年,白內障使巴赫的視力逐漸喪失,1749年時幾乎已經全盲。1750年,英國著名的眼科庸醫約翰·泰勒("Chevalier" John Taylor,他在1758年也替韓德爾治療)剛好途經萊比錫,替巴赫的眼睛動了兩次手術,但都沒有成功。後來巴赫的視力一度奇蹟似的恢復,但十天後,也就是該年的7月28日,巴赫仍因為嚴重高燒導致的二次中風而病逝,享壽65歲。隨後在萊比錫舉行葬禮


《郭德堡變奏曲》.最高級的變奏曲

《郭德堡變奏曲》(Goldberg Variations, BWV 988)是一座雄偉的音樂建築:除了極具戲劇性的樂曲故事之外,巴赫的作曲技法、變奏技巧、音樂與架構設計,都讓此曲名列音樂史上對位法重量級鉅作。全曲32個段落、三三成組、設計精巧的華麗變奏與首尾呼應的兩段精緻極簡詠嘆,仰之彌高、望之彌堅。

 

音樂架構簡圖 解說:

淺藍色:為首尾呼應主題。

白色:第一與第二變奏,是帶有前奏之變奏。

綠色:為各組之首段變奏,包含各式舞曲、特色短曲與賦格等等(Passepied、Giga、Fughetta、Srabande、Overture)

桃紅色:為各組之第二段變奏,許多雙層鍵盤炫技變奏手法,困難技巧變奏與雙手交互彈奏技巧等,均出現在這些段落。

橘色:為三三一組之卡農變奏,由第3變奏起出現「同度卡農」、第6變奏「二度卡農」、第9變奏「三度卡農」等,不斷增加卡農音程,至第27變奏為「九度卡農」。

白色:第30段變奏,本應為「十度卡農」,但巴赫突然決定在此段落加入可愛風趣的「雜曲」(Quodlibet),為所有變奏下了一個代表家族溫馨的註解,也結束所有變奏。

最後一段音樂回到最初主題再現,經歷過完整30段變奏,再次回到主題時:「見山是山」卻「見山不是山」,面對同樣的景物,卻有更多的感觸。再次呼應全曲的完整格局與偉大壯麗。


珍貴的最初手稿

1742 年,時年 57 歲的巴赫出版了《鍵盤練習曲第四集》(Clavier-ubung IV),當時的書名寫著<為雙排手鍵盤的大鍵琴而寫的抒情調與各式變奏曲>,這本第四冊就是我們知道的《郭德堡變奏曲》。

但大眾所熟悉的「郭德堡主題」,其實存在於更早於 1725 年所出版之《安娜.瑪格達蕾娜.巴赫 鍵盤小曲集》(Anna Magdalena Bach Klavierbuchlein)樂譜中。所以我們可發現「郭德堡主題」—Aria,其實早已創作多年。

上面發現說明著,「郭德堡主題」之發行,早在《郭德堡變奏曲》完成之前的17年左右便已存在。

下方圖檔為《安娜.瑪格達蕾娜.巴赫 鍵盤小曲集》樂譜中「郭德堡主題」之手稿副本。

就是在這套大鍵琴練習曲集中,發現了包含了最原始版本的「郭德堡主題」(Goldberg-Theme)。

照片由德國的 Andreas Ahlborn 提供上傳至網路,非常感謝。
照片由德國的 Andreas Ahlborn 提供上傳至網路,非常感謝。

郭德堡故事

凱薩林伯爵(Hermann Karl von Kayserling 1696~1764)是駐德勒斯登之俄羅斯大使,早在 1733 年,巴哈為獲得「宮廷作曲家」的頭銜,將<b 小調彌撒曲> 中的<垂憐經>與<光榮頌>獻給德勒斯登宮廷領主-薩克森公爵時,為此,凱薩林伯爵曾給予幫助。

據說1736 年,凱薩林伯爵在德勒斯登的聖母院教堂聽到巴哈的管風琴演奏之後,即成為巴哈的崇拜者。

1733年,巴赫將《b小調彌撒》之<垂憐經>與<光榮頌>呈現給德勒斯登宮廷領主薩克森選帝侯 – 奧古斯都二世(Elector Friedrich August II),期待藉由此曲謀得『宮廷作曲家』頭銜。後來經由凱薩林(Kaiserling)伯爵推薦,等到 1736 年巴赫終於才得以如願成為宮廷作曲家。

這位曾經幫忙巴赫的凱薩林(Kaiserling)伯爵,曾於德勒斯登的聖母院教堂聽到巴哈的管風琴演奏的,正是所有音樂故事裡,只要提到《郭德堡變奏曲》就一定會提到的「失眠伯爵」。

而郭德堡(Johann Gottlieb Theophilus Goldberg, 1727-1756)本人又是誰呢?

 

歷史上第一位為音樂家巴赫寫傳記的作者:佛凱爾(Johann Nikolaus Forkel, 1749 –1818),在他1802年著作《約翰‧賽巴斯強‧巴赫:生活、藝術及作品》(ber Johann Sebastian Bach: Leben, Kunst und Kunstwerke)書裡,對於《郭德堡變奏曲》有這麼一段介紹:

 

郭德堡是在俄國使節凱薩林伯爵麾下服務的音樂家,伯爵認識了年輕的郭德堡,相當賞識他的才華並協助他向巴赫的長子威廉.弗利德曼.巴赫(Wilhelm Friedemann Bach 1710-84)學習音樂。凱薩林伯爵派駐萊比錫任薩克森選侯宮廷時,夜間深受失眠之苦。於是他要求郭德堡為他自己創作一首可以舒眠之樂曲。在伯爵要求之下,郭德堡也在這段期間獲得了與巴赫學習的機會。與伯爵同住的郭德堡,必須在他失眠的夜晚裡,於隔壁房裡為伯爵演奏,陪他渡過漫漫長夜。伯爵曾告訴巴赫,希望能寫給郭德堡一些鍵盤音樂,樂曲必須是柔和、生動且有性格的,能使他在睡不著覺的夜晚中,仍保有一點喜悅的感覺。巴赫認為變奏曲是能實現這個夢想的最好方法 - 以不變的和聲為基礎,採用吃力不討好的創作手法來實踐它。幾乎巴赫在此時期的作品都是藝術的典範,而在他筆下的變奏曲,也是如此。確實,此曲是在他所有的創作型式中,唯一留下的經典巨作。從那時 以後,伯爵便稱此作品為他的變奏曲。他從不厭倦於聆聽此曲;在不久之後, 伯爵再度失眠時,他便說到:「親愛的郭德堡,在我的變奏曲中,選彈一首。」 也許,巴赫從未有任何作品,像此次得到的酬勞那樣多:伯爵贈與他裝滿百枚路易金幣的黃金高腳杯。但此曲的藝術價值卻是無法用金錢來衡量的,在這令人印象深刻的變奏曲中,我們也能看到作曲者仔細修改的痕跡。
Count Keyserlingk, formerly Russian ambassador at count of the Elector of Saxony, who frequently resided in Leipzig, and brought with him Goldberg, who has been mentioned above, to have him instructed by Bach in music. The Count was often sickly, and then has sleepless nights. At theses times Goldberg, who lived in the house with him, had to pass the night in an adjoining room to play something to him when he could not sleep. The Count once said to Bach that he like to have some clavier pieces for his Goldberg , which should be of such a soft and somewhat lively character that he might be a little Cheered up by them in his sleepless nights. Bach thought he could best fulfill this wish by variations, which, on account of the constant sameness of the fundamental harmony, he had hitherto considered as an ungrateful task. But as at this time all his works were models of art, theses variations also became such under his hands. This is , indeed, the only model of the kind that he has left us. The Count thereafter called them nothing but his Variations. He was never weary of hearing them; and for a long time, when the sleepless nights came, he used to say: “Dear Goldberg, do play me one of my variations.” Bach was, perhaps, never so well rewarded for any work as for this: the Count made him a present of a golden goblet, filled with a hundred Louis d’ors. But their worth as a work of art would not have been paid if present had been a thousand times as great. It must be observed that , in the engraved copies of these variations, there are some important errata, which the author has carefully corrected in his copy.

 

雖然此曲是獻給凱薩林伯爵,但相當喜愛此曲的伯爵,時常吩咐郭德堡,在失眠的夜晚,能在鄰近的房間內為其演奏「我的變奏曲」。後世記載曲名時,卻恰恰好以這故事裡的年輕演奏家— 郭德堡之名義,將此曲流傳了下來。

請注意:1741年時的郭德堡為僅僅14歲的年輕人,生前以演奏為主,29歲壯年去世。身為大鍵琴演奏家的郭德堡,也因為傳記作家佛凱爾在著作中,將他與名作《郭德堡變奏曲》 的創作誕生劃上等號,其名聲才流傳歷史至今。

然而,佛凱爾為巴赫作傳時,巴赫已辭世52年,此段歷史究竟真相如何?我們無法得知,但後世對於這段故事之真偽,不斷存在著各種疑問~

例如:

  • 樂譜首頁或扉頁上,並未題寫出受贈者名諱與職銜,有違當時講究禮數風氣?
  • 樂曲寫作年代,年輕的郭德堡僅為14歲少年,有能力演奏這樣困難之曲目?
  • 在巴赫的遺物清點中,並未發現故事中提到的「黃金高腳杯」,真有此物?
  • 傳記寫作已時隔超過50年,佛凱爾引述之故事是否確切知有此事?

 

不過~有這樣的故事,筆者認為還是非常引人入勝,充滿神往的~


原始樂譜封面

由波蘭皇家及薩克森選帝侯宮廷音樂家, 萊比錫教堂樂師,合唱指揮,約翰‧ 賽巴斯強‧ 巴赫所作。紐倫堡:史密德 出版。

 

编者 First edition
出版者资料 Nuremberg: Balthasar Schmid, n.d.(ca.1741). Plate 16.

經典主題「Aria」樂譜

32段落=32小節?

 

前八小節低音與數字和聲

 

Aria演奏欣賞:顧爾德(1981年)

https://youtu.be/Gv94m_S3QDo


 

考古時間

《郭德堡變奏曲》的創作,是寫給當時的鍵盤樂器:大鍵琴。

 

以下用三個影片,讓大家可以清晰聽出「小鍵琴」、「大鍵琴」與「鋼琴」演奏時整體音樂表現之異同:

 

ㄧ、小鍵琴(Kintzing Clavichord)

《郭德堡變奏曲》Aria 主題,小鍵琴演奏版本

https://youtu.be/SUg6zuZNKlY

 

二、大鍵琴(Harpsichord)

《郭德堡變奏曲》Aria 主題,大鍵琴演奏。

大鍵琴又被稱為「羽管鍵琴」,雖然以撥弦發聲,無法控制大小聲音量,但每顆如同珍珠般,與小鍵琴壓抑扁平的音色相比,感覺更加圓潤又立體,音色也相對有表現力。

https://youtu.be/fmjop6fZbuo

 

三、現代鋼琴(Piano)

Aria 演奏欣賞:郎朗(2020年)

鋼琴當然是最成熟的鍵盤樂器。現代鋼琴的弦壓音色明亮、觸鍵靈活、沒有彈奏雜音、能強能弱,還必須「反應敏捷」,至少能承受「每秒12次彈跳演奏」,因此當然擁有最佳表現能力。而每位音樂家思維不同,能夠彈奏出表現也大不相同。以郎朗為例,他光是「Aria」主題,有反覆,就彈奏了5'45"秒。(1955年的顧爾德版,無反覆,僅彈奏 1'57"秒)

https://youtu.be/55hk75OgWDg


樂曲結構圖

結構圖取自黃美甄:《巴赫:郭德堡變奏曲詮釋報告》碩士論文(民92年6月,師大研究所)

 

再以顏色區分結構

 

全曲欣賞 - 大鍵琴樂譜版

https://youtu.be/BYfKWyeichE

樂曲分段

第一部分

抒情調
3/4拍 西班牙薩拉邦德舞曲
Aria: 0:35

 

第一變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏,兩聲部創意曲風。
Variation 1 -
3:10

 

第二變奏:2/4拍,G大調。音型變奏:使用單排鍵盤
以單層鍵盤演奏的三聲部作品。
Variation 2 -
5:23

 

第三變奏:12/8拍,G大調,同度卡農。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏的同度卡農曲。
Variation 3: Canone all' Unisono -
7:00

 

第四變奏:3/8拍,G大調。音型變奏:使用單排鍵盤
原為單層鍵盤演奏,高聲部的弱起拍動機採用正向及反向音型於上三聲部自由模仿。
Variation 4 -
8:06

 

第五變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用單排或雙排鍵盤
原以單層或雙層鍵盤演奏,為三聲部創意曲風格。
Variation 5 -
9:11

 

第六變奏:3/8拍,G大調,二度卡農。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏,為田園風格的二度卡農。
Variation 6: Canone all' Seconda -
10:53

 

第七變奏:6/8拍,G大調,吉格舞曲。音型變奏:使用單排或雙排鍵盤
單層或雙層鍵盤彈奏,並有吉格舞曲的速度標示,副典節奏為此段特色。
Variation 7 -
12:40

 

第八變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,為兩聲部的創意曲風,高低音聲部以反向琶音進行。
Variation 8 -
13:32

 

第九變奏:4/4拍,G大調,三度卡農。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏的三度卡農,原主題在低聲部作節奏的變化,與高音的兩聲部作出卡農式的自由對位。
Variation 9: Canone alla Terza -
15:20

 

第十變奏:2/2拍,G大調,小賦格曲(Fughetta)音型變奏:使用雙排鍵盤
單層鍵盤演奏,是沒有發展部的四聲部小賦格曲,樂曲節奏鮮明。
本曲的起音與第九變奏(三度卡農)之結束音剛好相同,樂譜上亦沒有延長記號的指示,因此可以不停頓直接連著彈奏。
Variation 10: Fughetta - 17:02

 

第十一變奏:11/12拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,兩聲部創意曲風格。動機由三連音節奏音階、分解和絃及附點長音符為主,於聲部間相互交替模仿。
Variation 11 -
18:42

 

第十二變奏:3/4拍,G大調,四度卡農。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤而寫的四度卡農曲。高、中兩聲部的卡農以反向手法進行,曲式創作較前述變奏中的同向卡農更加複雜。
Variation 12: Canone alla Quarta in moto contrario -
20:51

 

第十三變奏:3/4拍,G大調。個性音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,高音聲部猶如即興演奏般自由,長時值的低音兩聲部,為高音聲部音群之和聲形成和聲支柱。
Variation 13 -
23:35

 

第十四變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,擁有活潑、雙手互換的觸技曲(Toccata)的即興風格。
Variation 14 -
26:12

 

第十五變奏:2/4,g 小調,Andante行板。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏,為三聲部五度的反向卡農,速度標示為行板(Andante)。與第十二變奏相同:高音兩聲部形成反向卡農。
Variation 15: Canone alla Quinta in moto contrario -
28:12

 

第二部分

第十六變奏:2/2拍,G大調,Overture。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏的法國式序曲。因為巴赫將法式序曲短時值慢板特色置於全曲共 30段變奏中的第 16段變奏,似乎有意在此變奏將《郭德堡變奏曲》分為兩大部分,故許多學者也從善如流,將30個變奏於此切分為兩大部分。
Variation 16: Ouverture -
31:00

 

第十七變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,為音域重疊的兩聲部觸技曲。本變奏之主題動機以持續的三度分解音階及六度分解音階作反向模仿,重複音型與鍵盤演奏技巧的應用,活潑開朗。
Variation 17 -
33:41

 

第十八變奏:2/2拍,G大調。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏,為三聲部的六度反向卡農。
Variation 18: Canone alla Sesta -
34:38


第十九變奏:3/8拍,G大調。音型變奏:使用單排鍵盤
單層鍵盤演奏,為三聲部自由模仿的創意曲。本變奏主要三種素材有切分音、 十六分音符與八度的八分音符。與原主題的低音相繼出現於各聲部之間。
Variation 19 -
36:19

 

第二十變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,以左右手交替之上下行琶音與連續的三連音,以及原主題低音的八分音符整體展現,為技巧性的變奏樂段。
Variation 20 -
37:52

 

第二十一變奏:音型變奏:七度卡農,使用單層鍵盤
單層鍵盤演奏,為七度卡農。上兩聲部以音階及半音階上下行,為本變奏之主題素材。
Variation 21: Canone alla Settima -
39:53

 

第二十二變奏:2/2,G 大調,Alla breve,八度卡農曲,使用單層鍵盤
單層鍵盤演奏,是一首四聲部的小復格曲。由低聲部維持和聲的進行, 而上三聲部進行自由對位。
Variation 22: Alla breve -
42:24

 

第二十三變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏的炫技變奏。雙手以以音階型式的八度模仿交錯,樂曲為兩聲部快速音型,展現精彩而華麗的鍵盤技巧。
Variation 23 -
43:55

 

第二十四變奏:9/8拍,G大調。音型變奏:八度卡農曲,使用單層鍵盤
單層鍵盤演奏的樂曲,採三聲部八度同向卡農。
Variation 24: Canone all' Ottava -
46:07

 

第二十五變奏:3/4,g 小調,Adagio,個性變奏曲,唯一一首具有速度標題。
雙層鍵盤演奏,與第十三變奏相似,以低音兩聲部的和聲進行,支撐高聲聲部即興花腔式的旋律,本段變奏亦使用許多半音手法。
Variation 25 -
47:53

 

第二十六變奏:18/16拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,三聲部。前段與後段之旋律與和聲有對調安排。
Variation 26 -
52:20

 

第二十七變奏:6/8拍,G大調。音型變奏:九度卡農曲,使用雙排鍵盤
分析: 雙層鍵盤演奏,同向九度卡農創意曲形式變奏,也是全曲中唯一沒有自由對位聲部的兩聲部卡農。
Variation 27: Canone alla Nona -
54:37

 

第二十八變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用雙排鍵盤
雙層鍵盤演奏,為三聲部的炫技曲,此變奏中出現第一變奏的二度來回音型,擴充為此變奏中聲部的長震音。
Variation 28 -
55:42

 

第二十九變奏:3/4拍,G大調。音型變奏:使用單一鍵盤或雙排鍵盤
單或雙層鍵盤演奏,即興曲風的兩聲部,將第二十八變奏的長震音,改為十六分音符和絃的交替演奏。具有快速大跳音階音群。
Variation 29 -
56:50

 

第三十變奏:4/4拍,G大調。「雜曲」(Quodlibet)音型變奏:使用單一鍵盤。
單層鍵盤演奏,以對位式的「雜曲」(Quodlibet)代替應該出現的十度卡農。「雜曲」曲式含有選粹與集錦之意,是巴洛克時期風行的音樂形式。樂曲素材採用當時流行的⺠謠,作曲家有時將⺠謠旋律同時放於樂曲中,有時則依序使用。此變奏是以巴赫熟悉的德國與義大利民謠交織前行,如聚眾般的齊唱迎接,具有相當濃厚的節慶氣氛,與主題的契合程度也愈來愈高,並可見清楚的低音線條,是巴哈家族聚會時所喜愛演唱的民謠旋律,更增添此曲於最後段落的溫馨。
Variation 30: Quodlibet -
58:01

引用民謠旋律ㄧ、德國民謠

歌詞是:「我好久沒和你在一起了」(Ich bin so lang nicht bei dir gewest)

引用民謠旋律二、義大利民謠

歌詞是:「捲心菜和蘿蔔在追趕我」(Kraut und Ruben haben mich vertrieben)

完整第30變奏「雜曲」(Quodlibet)樂譜

 

抒情調(再現)3/4拍,G大調。
《郭德堡變奏曲》的主題在於左手的低音,是一種稱為Passacaglia的變奏曲,以一個下行的低音為主軸,很簡單也擁有很大的自由。後世的作曲家像是莫札特、貝多芬、舒曼等,幾乎都研究過巴赫的作品,也曾引用他的作品作為主題。在我最近所讀到一本書中就寫道,每當貝多芬不知道該怎麼做的時候,他就會看巴赫,因為巴赫是最偉大的作曲老師。貝多芬在晚期的作品中,就時常加入賦格手法,賦格裡面也常有跟巴赫有關的東西,例如在貝多芬鋼琴奏鳴曲作品一○九的變奏曲中就直接引用了郭德堡中的一個卡農變奏;後世作曲家在創作變奏曲的時候也一定會想到郭德堡,它早已是後世作曲家創作的範本及目標。(引自MUZIK 雜誌陳必先老師訪談,「最高級的變奏曲 陳必先談《郭德堡變奏曲》 2014-09,作者:王若瑜)

Aria da Capo

1:00:18

 

全曲欣賞 - 鋼琴樂譜版

https://youtu.be/15ezpwCHtJs

 

樂曲分段

0:00 Aria

5:00 Variation 1

6:57 Variation 2

9:03 Variation 3

11:00 Variation 4

12:10 Variation 5

13:44 Variation 6

15:22 Variation 7

17:35 Variation 8

19:31 Variation 9

21:38 Variation 10

23:24 Variation 11

25:33 Variation 12

27:49 Variation 13

32:04 Variation 14

34:20 Variation 15

38:54 Variation 16 "Ouverture"

42:03 Variation 17

43:47 Variation 18

45:37 Variation 19

47:03 Variation 20

49:08 Variation 21

53:02 Variation 22

54:36 Variation 23

56:55 Variation 24

59:41 Variation 25 ("Black Pearl" - slideshow)

1:09:01 Variation 26

1:11:03 Variation 27

1:12:55 Variation 28

1:15:20 Variation 29

1:17:30 Variation 30 "Quodlibet"

1:19:32 Aria da Capo


顧德爾 1981年 Live' Studio Recording

https://youtu.be/iho1yS2EPJI

 


席夫現場 Live’

https://youtu.be/aTopxwu1KUE

1.Aria 0:00

 

2.Variatio 1. a 1 Clav. 4:00

 

3.Variatio 2. a 1 Clav. 5:56

 

4.Variatio 3. Canone all’Unisono. a 1 Clav. 7:23

 

5.Variatio 4. a 1 Clav. 9:35

 

6.Variatio 5. a 1 ô vero 2 Clav. 10:40

 

7.Variatio 6. Canone alla Seconda. a 1 Clav. 12:12

 

8.Variatio 7. a 1 ô vero 2 Clav. al tempo di Giga 13:37

 

9.Variatio 8. a 2 Clav. 15:12

 

10.Variatio 9. Canone alla Terza. a 1 Clav. 17:00

 

11.Variatio 10. Fughetta. a 1 Clav. 18:32

 

12.Variatio 11. a 2 Clav. 20:21

 

13.Variatio 12 a 1 Clav. Canone alla Quarta in moto contrario 22:28

 

14.Variatio 13. a 2 Clav. 24:32

 

15.Variatio 14. a 2 Clav. 29:06

 

16.Variatio 15. Canone alla Quinta. a 1 Clav.: Andante 31:09

 

17.Variatio 16. Ouverture. a 1 Clav. 35:30

 

18.Variatio 17. a 2 Clav. 38:13

 

19.Variatio 18. Canone alla Sesta. a 1 Clav. 40:26

 

20.Variatio 19. a 1 Clav. 41:53

 

21.Variatio 20. a 2 Clav. 43:04

 

22.Variatio 21. Canone alla Settima 45:05

 

23.Variatio 22. a 1 Clav. alla breve 47:10

 

24.Variatio 23. a 2 Clav. 49:27

 

25.Variatio 24. Canone all'Ottava. a 1 Clav. 51:39

 

26.Variatio 25. a 2 Clav. Adagio 54:01

 

27.Variatio 26. a 2 Clav. 1:01:22

 

28.Variatio 27. Canone alla Nona. a 2 Clav. 1:03:32

 

29.Variatio 28. a 2 Clav. 1:05:18

 

30.Variatio 29. a 1 ô vero 2 Clav. 1:08:13

 

31.Variatio 30. a 1 Clav. Quodlibet 1:10:06

 

32.Aria da Capo 1:11:30

 


朱曉玫現場演奏版本

https://youtu.be/NbtW4MAFkek

1.Aria 0:15
2.Variatio 1. a 1 Clav. 3:16
3.Variatio 2. a 1 Clav. 4:34
4.Variatio 3. Canone all’Unisono. a 1 Clav. 5:47
5.Variatio 4. a 1 Clav. 7:05
6.Variatio 5. a 1 ô vero 2 Clav. 7:58
7.Variatio 6. Canone alla Seconda. a 1 Clav. 9:04
8.Variatio 7. a 1 ô vero 2 Clav. al tempo di Giga 10:10
9.Variatio 8. a 2 Clav. 11:51
10.Variatio 9. Canone alla Terza. a 1 Clav. 13:11
11.Variatio 10. Fughetta. a 1 Clav. 14:29
12.Variatio 11. a 2 Clav. 15:44
13.Variatio 12 a 1 Clav. Canone alla Quarta in moto contrario 17:10
14.Variatio 13. a 2 Clav. 18:48 15.Variatio 14. a 2 Clav. 21:17
16.Variatio 15. Canone alla Quinta. a 1 Clav.: Andante 22:49
17.Variatio 16. Ouverture. a 1 Clav. 25:39
18.Variatio 17. a 2 Clav. 27:16
19.Variatio 18. Canone alla Sesta. a 1 Clav. 28:58
20.Variatio 19. a 1 Clav. 30:08
21.Variatio 20. a 2 Clav. 31:26
22.Variatio 21. Canone alla Settima 32:49
22.Variatio 21. Canone alla Settima 32:49
23.Variatio 22. a 1 Clav. alla breve 34:45
24.Variatio 23. a 2 Clav. 36:02
25.Variatio 24. Canone all'Ottava. a 1 Clav. 37:33
26.Variatio 25. a 2 Clav. Adagio 38:51
27.Variatio 26. a 2 Clav. 42:23
28.Variatio 27. Canone alla Nona. a 2 Clav. 43:58
29.Variatio 28. a 2 Clav. 44:51
30.Variatio 29. a 1 ô vero 2 Clav. 46:41
31.Variatio 30. a 1 Clav. Quodlibet 48:12
32.Aria da Capo 49:57

陳必先演奏錄音版本

https://youtu.be/GqGMeZPBC_Q

0:00 : Aria

3:13 : Variatio 1 a 1 clav.
4:06 : Variatio 2 a 1 clav.
5:04 : Variatio 3 Canone all’Unisono
6:56 : Variatio 4 a 1 clav.
7:44 : Variatio 5 a 1 ovvero 2 clav.
8:33 : Variatio 6 Canone alla Seconda
10:11 : Variatio 7 a 1 ovvero 2 clav.
11:12 : Variatio 8 a 2 clav.
12:07 : Variatio 9 Canone alla Terza a 1 clav.
14:20 : Variatio 10 Fughetta a 1 clav.
15:13 : Variatio 11 a 2 clav.
16:32 : Variatio 12 Canone alla Quarta in moto contrario
18:39 : Variatio 13 a 2 clav.
20:59 : Variatio 14 a 2 clav.
22:04 : Variatio 15 Canone alla Quinta in moto contrario a 1 clav., Andante
26:59 : Variatio 16 Ouverture a 1 clav.
28:54 : Variatio 17 a 2 clav.
30:00 : Variatio 18 Canone alla Sesta a 1 clav.
31:42 : Variatio 19 a 1 clav.
32:18 : Variatio 20 a 2 clav.
33:19 : Variatio 21 Canone alla Settima
36:10 : Variatio 22 Alla breve a 1 clav.
36:54 : Variatio 23 a 2 clav.
38:04 : Variatio 24 Canone all’Ottava a 1 clav.
41:03 : Variatio 25 a 2 clav.
45:29 : Variatio 26 a 2 clav.
46:24 : Variatio 27 Canone alla Nona
48:22 : Variatio 28 a 2 clav.
49:51 : Variatio 29 a 1 ovvero 2 clav.
50:54 : Variatio 30 Quodlibet a 1 clav.
53:12 : Aria

 

轉載:

最高級的變奏曲 陳必先談《郭德堡變奏曲》
MUZIK 雜誌  2014-09  Vol. 90 / 王若瑜

《郭德堡變奏曲》是巴赫最富盛名的作品之一,更是提到變奏曲時不可能忽略的一部傑作。活躍於國際舞台的旅德鋼琴家陳必先對這首曲子的詮釋可說是她早年演奏生涯的代表作之一,不但是她獲巴赫首獎時的決賽曲,之後更曾兩次灌錄專輯;且讓我們聽聽她和讀者分享對於這首曲子的想法!

 

About...陳必先

一九五○生於台北。四歲起隨崔月梅女士學琴,五歲登台,九歲時成為國內第一位獲准以音樂天才兒童身份至德國科隆深造的學生。在學期間,曾追隨Hans-Otto Schmidt-Neuhaus等名師學習,二十一歲時獲得二十一屆慕尼黑聯合廣播公司(ARD)國際比賽首獎,一九七二年參加布魯賽爾的伊莉莎白大賽得獎,之後又陸續獲得鹿特丹的「國際荀貝格大賽」與美國首府華盛頓的「國際巴赫大賽」等國際大賽的首獎,從此一舉成名,目前旅居德國。

MUZIK(以下簡稱):

請談談您學習或接觸《郭德堡變奏曲》的故事。

陳必先(以下簡稱陳):

我在和妮可萊耶娃(Tatiana Nikolayeva)學習的期間,都從科隆搭公車到波昂去上課,當時她總是要我坐在她旁邊,對我像母親般的照顧。那年我才大約十六、七歲,她在一場音樂會中演奏了整部《賦格的藝術》,而我那時其實對這部作品並不了解,覺得它又長又難懂,我就問她能不能也演奏《郭德堡變奏曲》,她當下說沒有問題,立即在兩天後特別為我們這些學生彈了這個曲目;當然當下大家都高興、感動到不能自己,那是我第一次聽到這個曲子,一聽就愛上了。我自己彈這首作品則是在一九七九年的時候,當時我受邀演奏荀貝格的鋼琴協奏曲,在背荀貝格協奏曲的時候覺得相當辛苦,而練了《郭德堡變奏曲》當做調劑;因為彈《郭德堡變奏曲》的時候一點都不辛苦,就是非常快樂,像吃飯一樣!對當時的我來說,彈奏荀貝格是工作,而彈奏巴赫則是欣賞的享受。

M:

對於這首作品您最喜歡的原因是什麼?在詮釋上有什麼特別的想法嗎?

陳:

我喜歡是因為它擁有最多的花樣和最高級的內容!巴赫的特別之處就是在於它什麼都沒有,沒有寫大小聲、沒有太多的術語或速度標示,更從未指示你該跳著彈還是連著彈,這些都是由每一位演奏家依據自身的知識或經驗來判斷,決定他想表現的是什麼,而這也是巴赫給演奏家最高級的功課!我們有最大的自由和責任,來發展自己的理解和自身的感受。

M:

在公開演奏這首曲子的時候,是否曾有過什麼特別的記憶?

陳:

一九八○那年,我在華盛頓的巴赫大賽中獲得首獎,當時決賽的指定曲就是《郭德堡變奏曲》。在獲得首獎後的同年,我第一次在台灣演奏這首作品,當時在國父紀念館的演出,現場座無虛席有四千多人來聽;我很可能是第一位在台灣演出這首作品的鋼琴家,因為當時就算在歐洲都很少人演奏這首作品。我對我的觀眾說,這首作品全長九十分鐘,中間都不會有休息,而觀眾們也都很努力地將它聽完,讓我相當感動也印象深刻!

M:

請問愛樂者在欣賞這首作品的時候,應該從什麼角度聆聽?

陳:

我覺得聽變奏曲其實很像在吃中國菜,菜是一道一道的上來,你可以細細地品嚐,想像下一道菜是什麼味道?是持續上一道的味道還是相反的味道?變奏曲也是這樣,現在這個變奏很難過,下一變奏也許就變得很快樂的,總是充滿驚喜。我覺得在欣賞的時候,其實就只要秉持一個「無我」的態度,把心打開去聆聽就好,不要分析或想太多你以為你知道的事,因為我們不知道的事真的太多了!

M:

能否談談您所灌錄的《郭德堡變奏曲》專輯?

陳:

我曾經錄過兩次《郭德堡變奏曲》,兩次的狀況都非常倉促。第一次錄的時候是一九八五年,當時Naxos空出一個工作室讓我使用三個小時,臨時將這首作品錄了下來,沒想到他們就拿去出專輯了,事前其實並未告知我;第二次則是為一個藥廠拍攝的安眠藥廣告錄製配樂,但也是很快的

彈一次就錄下來了,後來是因為他們表示非常喜歡我的演奏,才會將它發表出來。

M:

《郭德堡變奏曲》曾有一個關於伯爵失眠的傳說,以致許多人常對這個作品有催眠曲的印象,也難怪安眠藥廠會想用它來當作配樂;您認為它真的有所謂「助眠」的效果嗎?

陳:

雖然那個故事的確有說到凱撒林格(Kaiserling)伯爵在夜裡時常失眠,但這首曲子根本就沒有安眠的意思。如果以我們現在的眼光來看,夜裡失眠可能會著急得吃藥,想趕快睡著,但在那個時代夜裡失眠,他們不會為了睡覺而吃藥,反而覺得:沒關係!既然睡不著,那我們就該找些好玩的事情來快樂地度過時間,想些方法讓夜裡不無聊,可以聽聽音樂做些好玩的事情,讓夜晚不會太漫長;並不是要讓他聽著音樂入睡,其實意思是相反的!

M:

請問您認為這首作品在音樂史上的地位?

陳:

當然是最高的地位!這是巴赫在一七三三年寫的曲子,也是他最完美的作品之一,以大調寫成。對我來說,調是一個很兩面的調,G大調是最快樂的調,而G小調卻是最難過的,例如郭德堡變奏曲中的第二十五變奏,就是這組作品中最深沈、最難過的一首。

M:

這首作品最初是寫給雙排大鍵琴演奏的,但現在普遍都用鋼琴來演奏。有某些學派的觀點認為一定要用大鍵琴演奏才能呈現出巴赫的「原意」,您對於這樣的說法有什麼看法?

陳:

巴赫生前對樂器是非常好奇的,總想把所有樂器弄到完美,他的工作也時常必須到各地考核風琴的優缺點;我相信如果巴赫是活在今天,他一定也很想嘗試用鋼琴去傳達他的作品。我喜歡用鋼琴演奏是因為我覺得用鋼琴比較好「唱」,巴赫創作了很多的聲樂曲,尤其是做禮拜用的彌撒曲;我認為我在彈鋼琴的時候,能夠用鋼琴模仿各種樂器的聲音,將大鍵琴的作品表現得更好、更豐富,我就會這樣做!我們不能因為覺得巴赫那個時代的大鍵琴不可能彈出那麼美的Legato(圓滑奏),我們就不該彈Legato;巴赫聽過小提琴的Legato,也聽過人聲的Legato,他音樂中一定是有這樣的Legato,在音樂中傳達了非常多情感的意涵。用比喻的方式來說,因為我們是活在現代的人,坐馬車也許是很好玩,但如果我可以坐火車、飛機這些更快的交通工具,我當然要坐呀!

M:

這首作品對於後世的作曲家及變奏曲式的發展有什麼影響?

陳:

《郭德堡變奏曲》的主題在於左手的低音,是一種稱為Passacaglia的變奏曲,以一個下行的低音為主軸,很簡單也擁有很大的自由;後世的作曲家像是莫札特、貝多芬、舒曼等,幾乎都研究過巴赫的作品,也曾引用他的作品作為主題。在我最近所讀到一本書中就寫道,每當貝多芬不知道該怎麼做的時候,他就會看巴赫,因為巴赫是最偉大的作曲老師。貝多芬在晚期的作品中,就時常加入賦格手法,賦格裡面也常有跟巴赫有關的東西,例如在貝多芬鋼琴奏鳴曲作品一○九的變奏曲中就直接引用了郭德堡中的一個卡農變奏;後世作曲家在創作變奏曲的時候也一定會想到郭德堡,它早已是後世作曲家創作的範本及目標!

 

 

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【BON音樂】大人社團電影音樂之三《似曾相識》Somewhere in Time

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All about the movie "Somewhere in Time"

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大人音樂欣賞課

 

電影音樂系列,讓我們回到時空節點,感受音樂帶來的深刻情感與美妙瞬間。

延伸閱讀 林仁斌老師專訪:

 

https://bit.ly/3klE7Ze

>大人的音樂欣賞課-電影音樂 (12/15、12/22、12/29、1/5)

>大人的音樂欣賞課-大師音樂  (1/12、1/19、1/26、2/2)

>大人的音樂欣賞課-經典歌劇 (3/2、3/9、3/16、3/23)

 


最美的時空穿越經典電影:《似曾相識》Somewhere in Time

一句話短評

《似曾相識》是筆者心中最美的愛情電影,沒有之一

簡介

似曾相識》(Somewhere In Time),是1980年由導演吉諾特·茲瓦克執導的浪漫奇幻電影。原著改編自理察·麥瑟森1975年小說《重返的時刻》(Bid Time Return),曾獲第53屆奧斯卡最佳服裝設計獎提名及第38屆金球獎最佳原創音樂獎提名。

本片改編自小說《重返的時刻》(Bid Time Return)作者理察·麥瑟森在小說的前序中坦言,一次他與家人的旅行途中,偶然在維吉尼亞城的一家歌劇院門口看到一張海報,那是已故美國著名女演員茉德·亞當斯的海報[1],在那一剎那,他愛上了她,而《似曾相識》中那段動人的故事也因此產生了。

 

似曾相識》原著作家與電影編劇理察·麥瑟森:

 

他回憶道:這部以自己的幻想當成主人翁而寫下了之小說《重返的時刻》,後來被導演吉諾特·茲瓦克發掘,兩人進一步合作拍成電影,也是《似曾相識》電影的緣起。

電影拍場飯店實景

https://youtu.be/EitIN9PjBR0

 

電影配樂

約翰.貝瑞 John Barry

延伸閱讀

 

電影原聲帶封面

 

原聲帶全集

https://youtu.be/paU0yFZ-l3E

 

主要角色

 

劇情簡介

https://youtu.be/5X3DNJjMtfk

 

男主角Richard Collier在1972年的大學畢業聚會上遇到一個神秘的老婦人,她走到Richard的跟前,輕聲低喃:「回到我身邊來吧!(Come back to me.)」又交給Richard一個老舊的懷錶後,便於夜色中緩緩的離開。

 

Richard對此感到困惑,但他漸漸淡忘了這回事。八年之後,已成為劇作家的Richard與女友分手後決定前往麥克金納島度假,在他下榻的Grand Hotel的歷史文物廳中掛著一幅年輕女子的相片,Richard注視著相片中那張美麗的臉,久久無法自拔,他莫名的感到似曾相識。

 

經過Richard的多方查證,原來相片上的人是已故女演員Elise McKenna,也就是八年前給他懷錶的那個老婦人,她在見到Richard的當晚在家中過世。且Richard發現,原來自己似乎曾與Elise相識相戀(?)

 

對於自己竟會和一位70年前的女子相戀,這簡直不可思議,但Richard對此深信不疑。為此廢寢忘食的Richard,得到從前就讀大學的物理學教授的幫助,他希望能透過時光倒流的方法回到過去。

 

改變房裡的擺設,穿著70多年前流行款式的西裝,躺在床上自我催眠的Richard,多次嘗試未果後,終於成功進入夢鄉回到過去。

 

在那個時空的陌生人群中四處追尋,他終於找到了Elise

https://youtu.be/8bV3lmWQ2ME

 

 

 

慢慢地,兩人對於彼此產生好感。

 

 

Elise的經紀人William卻想盡辦法要將兩人分開,因為他害怕墜入愛河的Elise會為了Richard離開她的演藝之路,然而這一切並不能阻止他們相見。

 

Elise已心有所屬,經紀人心中不滿

 

Richard與Elise相偕出遊,度過美好的一天,也加深對彼此的了解 

 

這段場景,Richard輕輕哼著最愛的拉赫曼尼諾夫《帕格尼尼主題狂想曲》「第18段變奏」旋律,引起Elise的注意,詢問是什麼曲子?當Richard不經意地回答是的拉赫曼尼諾夫作品時,沒想到Elise認識作曲家,還天真地回答:「沒聽過這首曲子」。
其實原因正是《帕格尼尼主題狂想曲》創作於1934年,在兩人相識的年代,確實拉赫曼尼諾夫尚未創作此曲;然而Richard所生活的年代,無論是唱片或是她尋找Elise人物背景線索時所聽到的音樂盒,卻又是真實存在的。
這樣快越時空的謎團與抽絲剝繭的樂趣,只是真正愛好電影與音樂的人才能細細品味(您說是不是?)

 

 

至此,兩人互相確認對彼此的感情

 

Elise感受到Richard真情追求,也被他所感動。 

 

在晚間的演出舞台上,Elise突然更改台詞,將眼神投注在台下的理查,慢慢吐露真情:

如果他真的在這裡,我想對他說的是

    原諒我,我從來不知道這種感覺

    我毫無知覺的活到現在

    那是多麼奇妙,但我卻沒認出是你

    是你帶給我這種前所未有的感覺

    有什麼方式可以告訴你,我的生命已因你轉變?

    我要怎麼形容你所帶給我的,有多麼甜蜜美好?

    我有太多的話想對你說,但我找不到適當的詞彙

    我只能說,我愛你!

 

Richard在台下聽得眼泛淚光

 

演出之後,Richard來到後台找Elise,正在拍攝照片的她,見到愛人前來,露出史上最美笑容,電暈所有人。

 

這張照片也是最初Richard初次抵達飯店時被吸引的照片。導演在此告訴我們,當年Elise就是為Richard而笑,才會如此迷人。

 

氣哺哺的Elise的經紀人William決定帶她遠遠的離開。他先私下跟Richard見面,說:「你會摧毀她。」

但Richard堅決地回應:「我也有對她十分好的動機,那就是!」

 

雖然William使技要分開兩人,但Elise不顧一切地回到飯店,與Richard再次相見。這對戀人的愛情終於讓彼此昇華。

 

就在他們愉快地談論著將來時,Richard意外地從上衣口袋裡掏出一枚1979年的硬幣,瞬間把他帶回現代。

 

 

 

 

無法再回到過去見到愛人的Richard,失魂落魄地孤獨一人

 

 

由於無法成功再次回到過去,Richard將自己反鎖在房間裡,

 

幾天後,Grand Hotel的老員工救出了昏迷的Richard,但此時的Richard因為整整一個星期沒有進食而進入彌留狀態。

 

此時的他出現了幻覺,看見年輕的Elise正向他招手,他走上前去緊握其手。

 

相隔近70年,二人終於再次團聚。

全劇在此完結。

 

配樂引用

除了約翰·貝瑞的精彩的電影配樂之外,亦引用了拉赫曼尼諾夫的《帕格尼尼主題狂想曲》第18段變奏,非常優美。

https://youtu.be/h4N1mxN5JbU

 

 

拉赫曼尼諾夫:《帕格尼尼主題狂想曲
Rachmaninoff - Rhapsody on a Theme of Paganini, Op. 43
第18變奏(15'26"

https://youtu.be/HvKTPDg0IW0?t=926

 

第18段變奏拉赫曼尼諾夫使用的作曲手法,您猜出來了嗎?

筆者貼一下在音樂講座時分析給學員的白板筆記:

 

沒錯~就是「倒影」!

利用「倒影」創造新旋律之後,作為新主題,然後接著發展,才能創造出如此美妙的旋律,真是佩服拉赫曼尼諾夫,原來看電影這麼多年,也聽了很多年倒影變奏,厲害吧~大家只能「獻上膝蓋」了吧😉~

 

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延伸閱讀 林仁斌老師專訪:

 

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《琴戀克拉拉》舒曼‧克拉拉與布拉姆斯 

 

正如《琴戀克拉拉》(Geliebte Clara /Beloved Clara)片名所述,這部電影描述了作曲家的愛情,還是十九世紀樂壇佳偶舒曼與妻子克拉拉,與布拉姆斯的「三角戀情」。

布拉姆斯與克拉拉及舒曼的關係是音樂史上最撲朔迷離的謎團之一,他們是否互相愛戀不得而知,但從會毀掉相互間的書信一事,或許可一窺其中之端倪。 

這段著名的浪漫時期作曲家情事,由布拉姆斯家族的後人,也是素有「德國新電影教母」美譽的電影導演:賀瑪桑德斯-布拉姆斯(Helma Sanders-Brahms)執導,用影片的角度再現了這段難以言喻的複雜關係。

 

賀瑪桑德斯-布拉姆斯(左)與飾演克拉拉之女演員瑪蒂娜·吉德克(Martina Gedeck),合影於2008年影片拍攝期間:

 

2010年是舒曼(Robert Schumann, 1810-1856)誕辰200週年。

或許當時導演賀瑪桑德斯-布拉姆斯想以此部電影向家族先人布拉姆斯以及其音樂之師獻上敬意,因此製作這部音樂電影。而且《琴戀克拉拉》也就這麼巧,是賀瑪桑德斯-布拉姆斯人生中最後一部電影,在2008年完成此片後,她一直未能繼續執導新作品,於2014年5月27日因癌症病逝於柏林。

 

這或許又是告訴我們,人生就是這麼無情且短促,想做什麼,一定要及時~別空留嘆噓。

 

【基本資料】

主要演員

  • Martina Gedeck: Clara Schumann
  • Pascal Greggory: Robert Schumann
  • Malik Zidi: Johannes Brahms
  • Aline Annessy: Elise Schumann
  • Brigitte Annessy: Bertha
  • Marine Annessy: Eugenie Schumann
  • Sascha Caparros: Ludwig Schumann
  • Clara Eichinger: Marie Schumann
  • Béla Fesztbaum: exchange
  • Christine Oesterlein: Henriette
  • Péter Takátsy: Wazielewski
  • Walter Theil: Dr. Richartz

 

【電影介紹】

無法抑制的三角狂戀,激撞絕美的動人樂章…
一場愛情、音樂與電影的浮世盛宴!

德國三大音樂家布拉姆斯(Johannes Brahms)、舒曼(Robert Alexander Schumann)以及舒曼的妻子克拉拉(Clara Josephine Wieck-Schumann),三人纏戀了一生的愛情。這不但是這段當年最轟動的「八卦」,首度被搬上大銀幕...

 

才華傲世的舒曼,24歲創辦音樂雜誌,身為主筆,文筆犀利又帶著幻想風格;身為作曲家,他創作出一首又一首浪漫時期代表作品

我想創作…鋼琴協奏曲

舒曼自17歲起即有鋼琴協奏曲的創作,如《f小調鋼琴協奏曲》(1827)與《e小調鋼琴協奏曲》(1827)等,但是直到完成《a小調鋼琴協奏曲》前,他並沒有真正完成完整之鋼琴協奏曲;有些僅存一部分草稿,也有僅完成鋼琴獨奏的部份而缺乏樂團之樂譜。

與克拉拉順利結婚之後,舒曼曾在1840年 11月 的日記中寫下:「我想創作一首鋼琴協奏曲和一首交響曲。」「我已經創作了夠多的歌曲了(超過一百首),但我卻是這麼難以從它們脫離。」

這一年其實就是舒曼終於順利擺脫與克拉拉父親之法律訴訟,終於與愛妻結為連理的一年,這美好的年份~1840年,後來被人們稱為舒曼的「歌曲之年」:舒曼全部藝術歌曲的一大半(並且是最好的一部分)幾乎都是在這年完成。

例如聯篇歌曲集《女人的愛情與生活》《詩人之戀》

 

果然,從1841年開始,舒曼寫出了《春天交響曲》 (Frülingssymphonie, op. 38, 1841)、 《序曲、詼諧曲與終曲》(Overture, Scherzo und finale, op. 52, 1841)與《第二號交響 曲》等精彩作品,開始了他跨越出鋼琴與藝術高曲作品之理想。

一直以來對音樂整體性之高度要求,也逐漸反應在他開始創作交響曲之後:有別於先前經常無法創作完整鋼琴協奏曲,這次因為與克拉拉婚後的心神大幅穩定,加上愛妻是當時歐洲名聞遐邇的女性鋼琴家,或許舒曼心中也亟於想創作鋼琴協奏曲給克拉拉,於是1841年《鋼琴與管絃樂的幻想曲》問世了(即為本首a小調鋼琴協奏曲第一樂章)。

據說克拉拉在1841 年8月13日,大女兒瑪莉(Marie Schumann)出生前兩週,仍親自與布商大廈管弦樂團彩排。

 

協奏曲 隱藏愛情密碼

請再看一次協奏曲開場樂段,樂團強奏後鋼琴旋即進入,是文章上方所提到的困難四小節。

 

電影開場,即可見到舒曼夫婦:克拉拉展現優秀琴藝擔任協奏,而作曲家舒曼以成功作曲家之姿,受到熱烈歡迎之音樂會場景。

 

多年後,受任為杜塞朵夫之交響樂團總監,於是帶著他美麗妻子克拉拉與家庭,前往就職,期盼在創下音樂生涯之高峰。

 

1850年時,17歲的布拉姆斯曾將自己的作品送到舒曼住處,想得到知名的舒曼的評論與教導。然而,他所得到的反應並不如預期:送過去的作品有的被退回,或甚至直接被忽視。1853年時,布拉姆斯造訪姚阿幸時,得到姚阿幸建議,到杜塞道夫造訪舒曼夫妻,並幫他寫了推薦函。也許這次他身上帶了姚阿幸的推薦信,舒曼知道後很歡迎他:1853930日,布拉姆斯到杜塞道夫造訪舒曼夫妻。

據說當天夫妻倆不在,因此布拉姆斯等到次日,也就是101日,才終於見到這對知名夫妻音樂家。

當年,布拉姆斯20歲,舒曼43歲,克拉拉34歲。

布拉姆斯這次也帶著作品登門造訪,希望能獲得舒曼的建議…。

演奏後,布拉姆斯的音樂才華當場令舒曼驚為天人,立刻請來克拉拉一同聆聽。由於十分欣賞布拉姆斯,舒曼決定留他住下…。

 

在舒曼(Robert Schumann, 1810-1856)的傳記中,女兒尤金妮‧舒曼(Eugenie Schumann) 曾對於她父親和布拉姆斯首次相見的過程中做了一番描述:

1853 年某天的中午,有位英俊且留著金色長髮的年輕人帶著自己的作品登門造訪我父親,才彈了數小節後,父親馬上打斷年輕人的彈奏並說道:「請等一下,我必須叫我的妻子來。」

等到中餐時,夫妻倆ㄧ再興奮地談論這位有天份的拜訪者,他的名字是布拉姆斯。

 

住進舒曼家的布拉姆斯,和舒曼一家人相處得十分愉快。

 

 

然而日久生情,他對「師母」克拉拉的感情,卻也從一開始的尊敬,漸漸越愛越深;當發現自己深愛克拉拉已無法自拔時,布拉姆斯只好黯然離開…。

 

然而此時的舒曼,卻為了創作耗盡心神,加上競爭對手用盡手段逼退他,終致精神出現了狀況。克拉拉為了穩住局勢,決定代夫出征,於是寫信請布拉姆斯回來照顧她的兒女。

 

然而布拉姆斯的歸來,卻重新引爆了他與克拉拉之間曖昧難解的情愫。布拉姆斯會向她坦白示愛嗎?克拉拉最後能如願發揮才華,順利接下舒曼的指揮棒嗎?而舒曼的身體又會好轉嗎?當克拉拉有了布拉姆斯的支持、又代表舒曼站上舞台時,這場三角狂戀,似乎也註定了將纏愛一生的命運…。

 

《琴戀克拉拉》劇情正是自他們三人在杜塞朵夫(Dusseldorf)的美麗邂逅展開,而這場邂逅也改變了他們一生的命運。

 

三個音樂天才、三種相愛相惜的情感,不但糾纏了他們的一生,更因此激撞他們無數動人的好作品。

 

片中不僅描述了他們之間彼此欣賞、愛慕卻又相互牽制的微妙感情,更引領觀眾直擊「萊茵交響曲」、「搖籃曲」、「匈牙利舞曲」等偉大名曲的誕生過程。

 

關於舒曼(引於維基百科)

羅伯特·亞歷山大·舒曼(德語:Robert Alexander Schumann,1810年6月8日-1856年7月29日),德國作曲家浪漫主義音樂成熟時期代表人物之一。舒曼生性熱情、感情豐沛,富有民主主義思想。夫人克拉拉是著名鋼琴家。作曲家布拉姆斯曾受其提攜。

1810年舒曼出生在德國薩克森的小鎮茨維考,他的父親開著一家書店兼營出版。童年的舒曼最大興趣是文學而不是音樂,並且熱衷於寫作小說散文。偶爾也從事一些音樂活動,12歲的時候舒曼組織了一個小型的管弦樂團。之後出於對文學的熱情,又組織了一個文學社,並開始寫作關於藝術詩歌的論文。

青年時期的舒曼被青春期的苦惱折磨著,他的父親積極的引導他向音樂方面發展,然而舒曼的母親希望兒子能學習法律,以便將來能找到一份體面的工作。1828年舒曼中學畢業,這時他的父親也去世了,他如母親的願望,去了萊比錫學習法律,第二年又到海德堡繼續學習。

1830年舒曼在海德堡附近的法蘭克福聽了一場帕格尼尼的演奏會,從此立志要成為一名鋼琴家。這一年聖誕節舒曼回到萊比錫全心投入成為鋼琴家的練習中,這時他已經20歲了。因為起步晚,舒曼強迫自己高強度長時間的練習,據說他還發明了一種機械來鍛鍊手指的肌肉。這種錯誤的練習法使他右手的中指完全麻痹,成為音樂家的唯一希望只有往作曲家的道路上走了。然而舒曼並沒有放棄鋼琴,鋼琴的創作始終是其作品中重要的一部分。

1833年,他23歲時創作了自己的第一部傑作,同一主題和十二格變奏的《交響練習曲》,之後是1834年至1835年間創作的《狂歡節》,是一部由二十一個樂章組成的鋼琴傑作,也是舒曼最成功的作品之一。

1834年舒曼創辦了一份音樂評論雜誌,並用弗羅列斯坦(Florestan)和尤斯比烏斯(Eusebius)作為自己的筆名,經由此兩人不同且性質互補的觀點,體現了舒曼本人的思辨統一。

1836年,舒曼26歲時,仍然沒有停止學習鋼琴,這時在維克教授處學習的舒曼結識了教授的女兒克拉拉,但彼此的愛慕遭到維克教授一家人的反對。經過他不懈努力,1840年終於在萊比錫郊區的小鎮舍訥費爾德(Schönefeld)與克拉拉結婚。兩人育有八名子女,但多數夭折。

1843年在萊比錫音樂學院任教,1844年赴德雷斯頓任合唱團領隊。1850年舒曼搬到杜塞道夫,擔任樂團指揮。

1854年曾一度投萊茵河自殺,幸被船夫救起。之後他被送入波恩一家精神病院,期間克拉拉一直照顧他。1856年舒曼因晚期梅毒感染死於波恩。舒曼和克拉拉的墓地均在波恩。

 


關於克拉拉(引於維基百科)

克拉拉·舒曼(德語:Clara Schumann,1819年9月13日-1896年5月20日),婚前姓維克(德語:Wieck),為著名德國鋼琴家作曲家羅伯特·舒曼之妻,也是浪漫主義最重要的鋼琴師之一。

克拉拉·舒曼的父親為佛列德‧維克,他是萊比錫有名的音樂老師,母親瑪麗安娜是萊比錫著名的演唱家,每星期固定在布商大廈表演獨唱。

父親對於克拉拉的一生無疑是影響最深的關鍵人物。

雖然克拉拉的父親強烈反對克拉拉與羅伯特‧舒曼的婚事,但是他也是位信念堅定,個性剛強的教育家。

克拉拉從小便接受父親佛列德‧維克的嚴格訓練,12歲便在布商大廈以「音樂神童」之姿首次公開演奏,之後就以天才少女鋼琴家揚名於音樂界了。

克拉拉精湛的鋼琴彈奏技巧,除了在少女時代接受指導,並奠定良好的基礎之外,還經歷了非常專業的訓練。1829年,她在帕格尼尼面前演奏自己的作品波蘭舞曲。1830年,她和父親前往德勒斯登展開巡迴演奏。1831年9月,克拉拉·舒曼前往德國各地及巴黎進行巡迴演出,並在威麥爾哥德演奏而獲贈青銅牌。

克拉拉在8歲時遇到比她年長九歲的舒曼後,由於彼此的愛慕,從此結下了不解之緣。這份感情在克拉拉的父親百般阻撓下,兩人嘗盡了相思之苦,終於在1840年有情人終成眷屬。當時因為克拉拉經常外出演奏旅行,兩人難得見面,於是藉由書信往返以維繫情誼。

舒曼的鋼琴套曲《童年情景》由十三首小品組成,《童年情景》是一部很私人化的作品,是舒曼寫給他熱戀中的情人克拉拉·維克的情書。舒曼18歲從家鄉茨維考到萊比錫大學法律系學習,同時,跟鋼琴家弗里德利希·維克學鋼琴,這時維克的女兒克拉拉只有9歲,父親的精心培養下,鋼琴已經彈得很出色。兩年以後,舒曼的母親不再阻撓他學習音樂,舒曼全身心地投入音樂,他住到老師維克先生家裡,專注於鋼琴演奏。維克對這位入室弟子視為己出,舒曼與克拉拉也結成兄妹般的友誼。

他們除了在鋼琴上四手聯彈,還做音樂遊戲,一起讀書、郊遊,舒曼給她講離奇的故事。舒曼每寫出新鋼琴小品,就由克拉拉試奏。隨著年齡的增長,克拉拉與舒曼之間的友誼變成了愛情,這時的克拉拉16歲。維克先生知道他們的關係後大怒,禁止女兒與舒曼有同學之外的任何感情,他要女兒成就為一位偉大的鋼琴家。舒曼此時已弄傷手指,他開始走上創作道路,而作曲家當時是個很沒有保障的職業。父親帶著女兒離開萊比錫,不准他們會面、通信,甚至不准克拉拉彈舒曼寫的曲子。

有一次克拉拉在德勒斯登演出,舒曼偷偷跑去與她見了一面,維克知道後警告他們,要是再敢見面,就要用手槍幹掉舒曼。這件事在當時的音樂界幾乎成了一樁醜聞,在經歷過啟蒙運動的歐洲,粗暴干涉年輕人的愛情會被認為是極不道德。維克帶克拉拉到巴黎演出時,蕭邦對此事表示了不滿,維克的好友李斯特竟宣布與之絕交進行抗議,在萊比錫的孟德爾頌也向舒曼表示同情。1835年,克拉拉在孟德爾頌和蕭邦面前彈奏舒曼的曲子,1836年,她在德勒斯登攻讀音樂理論和聲樂。

克拉拉在21歲嫁給30歲的舒曼,婚後生活雖然充實卻很辛苦。她在16年之間生了8個孩子,還要照顧患病丈夫,再加上經濟困難,1844年不得不再重新開始在俄國聖彼得堡巡迴演奏以維持家計。這時舒曼因為精神衰弱問題而無法繼續工作,於是他們全家遷至萊茵河畔的杜塞道夫。不久,20歲的布拉姆斯登門求教,三人深厚的友誼從此紮根。舒曼曾稱讚布拉姆斯為「貝多芬再世」,後來布拉姆斯也不負舒曼的期望成為浪漫樂派的巨星。布拉姆斯一直到克拉拉去世前,一有新作完成,就會先請克拉拉批評指教。

舒曼在克拉拉37歲時逝世。期間也經歷孩子生病和死亡。幸好布拉姆斯及小提琴姚阿幸等人支持她,布拉姆斯擔心克拉拉的風濕病情,曾勸她停止奔波的演奏生涯,但克拉拉卻因此受到傷害,並寄了一封信給布拉姆斯:「我一停止演奏,心情就會變得非常不好。對我來說,鋼琴演奏等於是我的生命。」她在舒曼死後首次在布商大廈舉行演奏,其後首次到訪英格蘭

1878年,她開始在法蘭克福音樂學院教授鋼琴,10月舉行音樂生涯的50週年紀念演奏會。克拉拉·舒曼在76歲因腦中風而去世。

 

Google首頁祝賀生日快樂

Google首頁也在克拉拉生日當天,以她與8個小孩的卡通繪圖,紀念這位浪漫時期重要的女性音樂家與一代鋼琴家:

 


舒曼。以文字精準評論音樂,卻以音樂作品浪漫化這個世界...
1839年給克拉拉的一封信中,舒曼提到他近來接連創作的個性小品集:
包括《兒時情景》、《幻想曲》《阿拉貝斯克》、《幽默曲》、《克萊斯勒魂》等
Communication was not a strong suit for Robert and Clara Schumann. But music surely was.

 

ROBERT AND CLARA SCHUMANN German musicians, at the keyboard Date: 1810-56,1819-96

關於布拉姆斯(引於維基百科)

 

純如白雪、亮若晶鑽

舒曼曾以「純如白雪、亮若晶鑽」形容布拉姆斯,足見這位小他23歲的年輕音樂家。

布拉姆斯是當代維也納的音樂領袖,其大部分的創作時期也是在維也納度過的(1869年後定居於此)。他筆下的曲類包括鋼琴曲、室內樂交響樂、合唱曲,以及藝術歌曲等,尤其擅長將民謠旋律輔以精緻化的筆法呈現之。此外,布拉姆斯本人的鋼琴演奏技巧亦相當傑出,他並和許多傑出的音樂家合作首演了自己的作品,與他有密切合作的音樂家包括:鋼琴演奏家克拉拉·舒曼,小提琴演奏家約瑟夫·約阿希姆等人。在創作路線上,布拉姆斯是純粹音樂的擁護者及實踐者,與當時的新音樂一派壁壘分明。

布拉姆斯以其完美主義著稱,研究顯示,未能令其滿意的創作經常遭到他本人銷毀.他未正式發表的作品也所在多有。迄今,布拉姆斯的作品已成為現代音樂會的主要曲目之一。漢斯·馮·畢羅將布拉姆斯與巴哈貝多芬並陳,稱為「三B」

布拉姆斯先是隨父親學習音樂,七歲起師從奧托·弗雷德里希·威利巴爾德·柯賽爾(Otto Friedrich Willibald Cossel,1813-1865)學習鋼琴。

1853年四月到五月,布拉姆斯作為匈牙利小提琴家賴門伊·艾代的鋼琴伴奏,一同巡迴演出。途中他在漢諾瓦遇到了同為小提琴家和作曲家的約瑟夫·約阿希姆,在魏瑪宮廷又結識了李斯特

萊茵蘭進行完演出之後,布拉姆斯坐火車到了杜塞道夫,拿著約阿希姆的引介信會見了羅伯特·舒曼。舒曼為當時僅二十歲的布拉姆斯的才華傾倒,並在當時的《新音樂雜誌》上寫了一篇名為《一條新路》的文章,向公眾介紹這位年輕人,稱其「必然會最完美地表達出這個時代」

布拉姆斯對羅伯特·舒曼的夫人、長他14歲的作曲家、鋼琴家克拉拉·舒曼產生了感情,這段激烈的情感畢其一生未曾消逝。布拉姆斯一生未婚,1859年曾與哥廷根一名教授的女兒訂了婚又取消。羅伯特·舒曼自殺未遂、進入精神病院後,布拉姆斯作為克拉拉和她丈夫之間主要的中間人,在一段時間內成了實際的一家之長。羅伯特·舒曼死後,布拉姆斯趕到杜塞道夫,在舒曼家附近的公寓裡居住,並為克拉拉而犧牲了他的事業與藝術,但兩年後他離開了克拉拉。布拉姆斯與克拉拉·舒曼的關係與貝多芬「永恆的愛人」並列為音樂史上最撲朔迷離的謎團:他們是否互相愛戀不得而知,但從他們毀掉相互間的書信一事,可以推測其中或有難言之隱

1868年布拉姆斯大型合唱作品《德意志安魂曲》的首演鞏固了作曲家在歐洲音樂界的地位。許多人認為他超越了貝多芬。這也讓布拉姆斯有信心完成一些自己長年缺少進展的作品,比如清唱劇《里納爾多》、《第一弦樂四重奏》、《第三鋼琴四重奏》,以及最有名的《第一交響曲》。儘管布拉姆斯從1860年代初就構思過交響曲的第一樂章,這部大作1876年才面世。但在1877到1885年短短的八年間,又有三部交響曲相繼誕生。1881年,布拉姆斯著名的《第二鋼琴協奏曲》在匈牙利布達佩斯首演,由作曲家本人演奏。

 

留聲機錄音先驅

1889年,美國發明家托馬斯·愛迪生的代表西奧·旺格曼來到維也納,與布拉姆斯合作錄製了一張試驗性的LP錄音。布拉姆斯在鋼琴上演奏了一小段他的第一首匈牙利舞曲。儘管錄音開頭的語音簡介清晰可辨,音樂本身卻被噪音淹沒。史丹福大學曾試圖改進過錄音質量[10]。這是最早的一張知名作曲家本人的錄音。

https://youtu.be/yRcMPxbaDAY

 

布拉姆斯許多傑作都誕生於此時直到他死去的這段時間。在讚賞邁寧根樂團的單簧管演奏家之餘,布拉姆斯創作了一系列包含單簧管的室內樂,包括《單簧管三重奏》、《單簧管五重奏》和兩首《單簧管奏鳴曲》。他也寫了一些鋼琴作品、藝術歌曲和管風琴作品。

布拉姆斯之墓
完成作品121後,布拉姆斯罹患癌症。不同來源對疾病部位或說是肝臟,或說是胰腺。他的病情漸漸惡化,在1897年4月3日逝世,享年64歲。布拉姆斯葬在維也納中央公墓。英國作曲家休伯特·帕里為他寫了一首交響音樂《為布拉姆斯所作的輓歌》。然而這部作品直到1918年帕里本人逝世後的紀念音樂會上才公之於眾。

圖文:洪允杓(Hong Yunpyo)


[附錄] 蹦藝術專訪

任教於維也納音樂與藝術大學的以色列鋼琴家:扎斯拉夫斯基今年最新出版之演奏專輯《舒曼布拉姆斯作品集》,蹦藝術越洋專訪,影片中我們聊到舒曼音樂創作融合浪漫文學思想,在內化為自己的作品,而這段音樂史上知名的三角戀情,與鍵盤音樂上創作之許多相似之處,都是鋼琴家關注之話題:

 

暢談浪漫時期的音樂思想與文學 - 扎斯拉夫斯基專訪
Interview of Pianist Roman Zaslavsky

https://youtu.be/KiP9FpyNoRM

 

 

閱讀蹦藝術.品味美好時光

 

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【BON音樂】林仁斌專題演講 - 管風琴經典名曲導聆 

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感謝「福爾摩沙管風琴演奏家」余曉怡老師規劃」安排與邀約,蹦藝術執行長林仁斌老師於2020年12月16日於敦南藝術講堂舉行《管風琴經典名曲導聆》專題演講,為愛樂朋友們介紹巴洛克時期與後期浪漫兩位重要管風琴演奏家:巴赫與聖賞,以及他們重要之管風琴作品。

本場次演講電子海報

 

故事故事故事

 

講座簡介

管風琴音樂跨越整個西洋音樂史。崇拜上帝與宗教信仰中心的教堂,是管風琴音樂的發源;除了巴洛克時期深奧的《聖詠》與《賦格》等浩瀚,管風琴與弦樂、木管、銅管等樂器及聲樂合奏的室內樂作品,同樣在歷史發展中都佔有同樣重要的地位。即使進入浪漫時期乃至現代,管風琴作品依然活躍在世界音樂舞台中央~其實您不一定知道的是,管風琴音樂作品數量之多,在鍵盤樂器中僅次於鋼琴。

「以氣發聲」、「管為音色」更是管風琴獨特的魅力所在。

本場音樂講座中,蹦藝術執行長林仁斌老師將為您精選許多管風琴精彩作品,介紹樂曲並搭配內容賞析,讓您從巴赫、聖桑等偉大作曲家的管風琴作品中,從宗教出發,深入民間,領略四百年來動人的管風琴樂音,並一同感受這項樂器璀璨豐富的世界。

 

主講人 林仁斌

 

 

策劃與主持人 管風琴家余曉怡

 

器宇非凡,是管風琴家余曉怡給人的印象。

畢業於東吳大學音樂系、台灣神學院教會音樂研究所碩士,主修管風琴演奏藝術,並在2014年獲得第一屆台灣管風琴大賽冠軍,活躍於台灣舞台外,也受邀至歐美演出。余曉怡曾於2018年與小號演奏家陳長伯合作,於艋舺教會錄製管風琴聖樂專輯《只為了祢》,獲得第三十屆傳統金曲獎最佳宗教專輯,同年年底則進一步於屏東演藝廳錄製首張個人專輯《器宇非凡》,入圍第三十屆傳藝金曲獎最佳演奏獎。

憑著對管風琴有無可比擬的熱情,近年來經常在國內外演出場合看到她的身影,勇於挑戰古典與現代音樂,不斷精進演奏水準,重新詮釋經典曲目,也樂於嘗試與其他音樂合作,擴展管風琴曲目的領域,讓音樂愛好者不斷期待她的演奏,聆賞管風琴樂曲的氣度與深度。

 

https://youtu.be/h0enMSQhNa4


科普時間:管風琴的發聲原理

https://youtu.be/QvuwW5pcq9Q

 

管風琴字源解說:

「樂器之后」管風琴 (Königin der Instrument)是一個非常獨特的樂器,它可大可小,大至七層鍵盤的巨型管風琴,小巧至可隨身攜帶。

不同型式的管風琴,除了音栓裝置各有差異,大小必視場地外,其外觀亦各有千秋:有燕巢型的,太陽型的,裝飾以無數的演奏天使型的,或毫無外殼的,而較現代化的造型,則有手的形狀、孔雀造型,甚而貌似太空船,另外亦有安裝在教堂之外的特殊管風琴。

管風琴之英文為organ,法文orgue,德文Orgel,拉丁文organum,西班牙文 organo,義大利文organo等等

字源自希臘文「öpyavov」 ( organon ),本意為工具、器具之意,含義較廣,在音樂領域可稱它為「樂器」。在早期,這個名稱其實是非常廣義的,亦可表器具,而不似今日,只是專指某一種特定的樂器。


Part.1 巴赫與他的管風琴音樂

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750), German musician and composer playing the organ, circa 1725. From a print in the British Museum.

 

他不是小溪,是大海!- 貝多芬

德文裡,「巴赫」(Bach)是小溪之意,據說當年貝多芬第一次見到巴赫作品,說出了這句話,也一語道盡他對巴赫音樂之讚嘆。

 

生平簡介(整理自維基百科與網路資料)

約翰‧賽巴斯欽‧巴赫(Johann Sebastian Bach, 1685-1750),1685 年三月二十一 日生於德國埃森那克(Eisenach),1750 年七月二十八日逝世於萊比錫(Leipzig)。

巴赫被認為是音樂史上最偉大、最傑出、最重要的作曲家之一,也是巴洛克時期的作曲家管風琴小提琴大鍵琴演奏家,更是巴洛克音樂的集大成者,廣泛地被尊稱為「音樂之父」。

巴赫出生於神聖羅馬帝國艾森納赫(位於今德國圖林根邦)的一個音樂世家,自幼即接受音樂教育。父母亡故後,巴赫遷至奧德洛夫由長兄扶養,生活清苦,15歲時即前往呂訥堡修習學業並自立更生。畢業後巴哈先後在阿恩施塔特慕豪森擔任管風琴師(1703年-1708年),往後歷任威瑪(1708年-1717年)與柯登(1717年-1723年)的宮廷樂長,以及萊比錫的教堂音樂總監(1723年-1750年)。

巴赫終生自學作曲不輟,舉凡前人至晚輩的作品,無不研究。他一生極多產,其作品以品質俱佳著稱,除了歌劇,幾乎涉獵了當時所有的曲種,包含清唱劇受難曲神劇經文歌彌撒曲聖詠、各種樂器的獨奏曲、組曲室內樂協奏曲等等。儘管巴哈沒有開創新風格,但他的創作廣納了德、義、法等國的音樂手法,並以嫻熟的複音技巧呈現,展現了巴洛克音樂風格的精華與深奧的思想。

雖然莫札特、貝多芬等大作曲家均對巴哈推崇備至,但直到浪漫主義時代,作曲家孟德爾頌於1829年在柏林改編並指揮巴哈的《馬太受難曲》,才使樂壇正視巴赫音樂的價值;浪漫早期以降的作曲家也多受巴赫影響。此後數代音樂家對他的作品進行了發掘、研究、整理和推廣,巴赫的音樂也逐漸恢復了崇高的地位。

 

初到威瑪,阿恩施塔特與慕豪森(1703年-1708年)

1705年至1706年,他在未經允許的情況下拜訪了北德著名的風琴師和作曲家布克斯特胡德(Dietrich Buxtehude),並參與他在北德呂北克聖瑪利亞教堂的音樂會。此次拜訪布克斯特胡德的旅行,來回需要各徒步約400公里,他請了30天的假,卻離職四個月,且未通知僱主,這成為他在1706年1月宗教法庭上被指控的「罪狀」之一。

這趟超過預期計劃時間的旅程,強化了布克斯特胡德對對巴赫早期風格的影響,也顯示了在巴赫心目中布克斯特胡德的重要性。從呂北克返回的巴赫還帶來了許多新奇的演奏想法,例如自由花俏的和弦與裝飾音、不定性的轉調與變奏等等,導致教友難以辨清聖詠旋律。這些時人看來「怪異」的做法引發了投訴,教會當局在1706年2月及11月給予警告,但巴赫不是很在意

 

音樂欣賞

Buxtehude, Passacaglia in D Minor, BuxWV 161

https://youtu.be/R3aOgFVybtg


威瑪(1708年-1717年)

此時期著名的作品有《d小調管風琴觸技曲與賦格》、《帕薩卡利亞》,「清唱劇」、46首聖詠前奏曲等

1714年,巴赫升為副樂長,也就是樂團首席(Konzertmeister),需每個月創作一齣清唱劇。另,此時期巴赫的管風琴曲創作量居各階段之冠,作品也臻至成熟,他成為歐洲最具代表性的管風琴演奏家兼作曲家。他演奏高妙,很快便被譽有傳奇色彩:

與巴赫同時代的人在聆聽完他在卡塞爾為皇太子(未來的腓特烈·威廉一世)的演奏後寫道:

他的雙腳彷彿長了翅膀般在腳踏板上飛馳,有力的音符如雷般響遍整個教堂,太子對巴赫的神技讚嘆不已,一曲既畢,餘音尚繞樑之際,便脫下指上所戴著的寶石戒指,送給巴赫。

在威瑪的時日,巴赫還領導一批訓練有素的歌者和樂手,這是一個小型的巴洛克式樂團,而他自己則演奏小提琴帶領整個樂團,因此在作曲之餘還能培養指揮經驗。

巴赫吸收了義大利的交奏曲式(Ritornello form)與返始(Da capo)的手法,並輔以本土的對位法特質,使他在創作時更注重主題和樂曲的簡化,屬於他自己的音樂風格正在形成

 

音樂欣賞

J.S. Bach: BWV 565 -Toccata & Fugue in D Minor

https://youtu.be/SGKfqSJbeAg

 

音樂欣賞

《歌劇魅影》電影版 序曲

https://youtu.be/5NstnB3Wnqk

 

歌劇魅影 序曲 鋼琴樂譜版

https://youtu.be/BqpwJnZiQ30

 

欣賞一下巴赫+韋伯的綜合版演奏

 

以為巴赫關風琴的影響力沒有了嗎?還有喔~

電影《神鬼奇航2》幽冥飛船號海盜船船長深海閻王(Davy Jones 主題)

真是無遠弗屆啊~(讚嘆)

https://youtu.be/L0JbaZtoKAs


柯登(1717年-1723年)

著名的作品有:《布蘭登堡協奏曲》、《法國組曲》、《英國組曲》,1722年完成《平均律鋼琴曲集》第一冊與《無伴奏大提琴組曲》、《無伴奏小提琴奏鳴曲與組曲》等重要器樂作品。

巴赫在柯登擔任宮廷樂長,即樂團指揮(Kapellmeister),這個職位備受尊敬,且薪水高達400塔勒(日耳曼各邦的貨幣購買力不盡相同,巴赫薪水在此相當於朝廷高官)。王子21歲接掌宮廷後,致力恢復宮廷裡的音樂風氣,雇用的樂師從三名增至十七名,因此巴赫上任時接管的便是一個訓練有素的樂隊。王子懂音樂且待巴赫親切有禮。巴赫遇上一群優異的音樂家和識才的東主,激盪出大量出色的樂曲,尤其是器樂。此時期是巴赫一生中較未受干擾的時期,而從創作內容來看,巴赫正逐漸邁入成熟階段

由於長子日益顯露音樂天份,巴哈寫作《給W.F. 巴赫的鍵盤小冊》即為長子而作:內容井然有序的教導年幼的孩子彈奏鍵盤樂器,從說明音譜記號開始,帶領初學者由基本曲目一路登堂入室,直到領略較高深的作品。而這本書其實也包含了部分的《平均律鍵盤曲集》和全套的《二聲部與三聲部創意曲》;全書不僅是訓練技巧,曲目的結構與聆賞性也有高度水準

 

1721年3月,他將精心創作的六首管弦樂協奏曲獻給布蘭登堡總督克里斯蒂安·路德維希,此即著名的《布蘭登堡協奏曲。巴赫在柯登時期之前沒有機會與足夠資源(完善的管弦樂團)創作協奏曲,此時正能全心發揮。在此期間巴哈也創作了著名的無伴奏小提琴奏鳴曲與組曲無伴奏大提琴組曲、《平均律鍵盤曲集》的第一部分(24首)

 

萊比錫(1723年-)

巴赫從38歲起至65歲去世為止,均擔任萊比錫聖托瑪斯教會合唱長之職。虔誠的巴赫向來認為自己的音樂天賦是上帝賦予的,因此晚年的巴赫全心致力於將最美、最崇高的音樂奉獻給上帝!《馬太受難曲》、《b小調彌撒曲》、《平均律鋼琴曲集》第二冊、《意大利協奏曲》、《郭德堡變奏曲》⋯⋯以及登峰造極的《音樂的奉獻》和《賦格的藝術》,都是晚年於萊比錫完成的經典作品。

 

巴赫在萊比錫時代使用的圖章:

設計為他的名字簡寫JSB鏡射組合而成,而圖騰最上方皇冠,則顯示其為宮廷作曲家。

此時巴赫的音樂傾向正在改變,他的研究和創作重心慢慢回到器樂,且開始重視出版自己的作品

 

晚年及逝世(1740年-)

在世的最後十年仍有新作品推出。1739年-1742年間出版了《平均律鍵盤曲集》的第二部;1741年-1742年間出版《郭德堡變奏曲》。但他花費更多時間在修訂及完成先前的創作上,例如清唱劇、彌撒受難曲

 

腓特烈大帝於「→無憂宮」(Schloss Sanssouci)裡的音樂會繪畫。吹笛者為腓特烈大帝,彈琴者為巴赫之子:C.P.E. Bach。

Flute concert at Frederick the Great 's court

1740年,就在普魯士腓特烈大帝即位的同年,C. P. E. 巴赫獲選為其宮廷的大鍵琴手,並負責為國王吹奏長笛時伴奏。在腓特烈的推動下,首都柏林逐漸成為當時的音樂重鎮

巴赫在1741年初赴柏林探望C.P.E. 巴赫,但稍後由於政治局勢的問題,使得巴赫幾年後才再訪。

1747年,巴赫應邀前往柏林近郊的波茲坦無憂宮聆賞皇家音樂,也試奏了國王向他展示的新樂器——古鋼琴

而巴赫素以即興演奏聞名,國王便給了他一段長而複雜的主題(Thema Regium),令他當場即興一首三聲部賦格;巴赫做到了,但國王又以六聲部賦格考驗他,巴赫告訴國王自己需要足夠的時間準備。

有了這個動機,在巴赫回到萊比錫兩個月後,便出版了以國王的主題發展的一套器樂作品,這就是著名的《音樂的奉獻

巴赫最後的傳世之作是《賦格的藝術》,是在其生命的最後十年所作,但沒有完成,直到巴赫逝世後才出版。

巴赫晚年疑似患有糖尿病,且可能在1749年中之前已一度中風。在生命的最後幾年,白內障使巴赫的視力逐漸喪失,1749年時幾乎已經全盲。1750年,英國著名的眼科庸醫約翰·泰勒("Chevalier" John Taylor,他在1758年也替韓德爾治療)剛好途經萊比錫,替巴赫的眼睛動了兩次手術,但都沒有成功。後來巴赫的視力一度奇蹟似的恢復,但十天後,也就是該年的7月28日,巴赫仍因為嚴重高燒導致的二次中風而病逝,享壽65歲。隨後在萊比錫舉行葬禮


管風琴作品

巴赫最早是作為一位管風琴家而聞名,早期的管風琴曲常可看到前人的影響,隨著他創作的成熟,也逐漸奠定自己的樂風。

巴赫之管風琴音樂創作時間,主要分布在「前威瑪、威瑪及萊比錫後期」。

威瑪時期與更早的創作主要是職業的因素,而萊比錫後期則是源於巴哈興趣的轉變

三重奏鳴曲其實也存在其他樂器編制,巴赫的管風琴奏鳴曲(BWV 525-530)即是以此形式譜寫的風琴曲,在1727年-1730年間組合成套。這套作品以雙手的旋律為上聲部,腳踏板為低音聲部取代數字低音。六首曲子皆採用三樂章制,當中除了 BWV 530 全曲是專為這套作品所寫的,其餘作品的部分樂章多被認為擁有早期版本。雖然難以推定這些作品的實際創作年份,但能看出巴赫已從威瑪早期的複雜風格中蛻變,寫作出旋律互動更明快、和聲更為乾淨的協奏曲風格,卻不失演奏技巧的講究。此種配器之樂曲並不是巴哈的原創,巴赫以前便有許多法國管風琴師譜寫過類似作品

巴赫的自由形式管風琴曲(BWV 531-590),多是前奏、觸技、幻想曲與賦格的組合作品,這當中較為知名的作品通常被認為創作於威瑪時期,但綜觀而言這部分的樂曲的創作時間相當不一致。

而所有組合裡以「前奏曲與賦格」最常被提及。巴赫在德語區各邦遊歷的結果,便是其管風琴曲兼採了發展主題變奏和複音音樂的技巧,與北德對旋律裝飾和變形的手法,以及他在威瑪對義大利作曲家的研究,使得其更重視旋律的流暢性,與協奏曲的交奏風格。早期的作品較強調觸技色彩,反映了青年巴哈本身精湛的琴藝;隨著時序推進,巴赫對主題的構想更為圓熟,轉調及和聲法則更為大膽,聲部之間的對話常有協奏曲的性質

此區間的重要作品分類於下:

  • 前奏曲與賦格(BWV 532, 539, 541, 543, 545, 547, 548, 552)。BWV 548 又有「楔子」之名,因為其賦格主題逐漸擴寬音程
  • 幻想曲與賦格(BWV 537, 542),後者以幻想曲的豐富和聲與賦格的複雜織體聞名;其賦格主題取自荷蘭民謠
  • 觸技曲與賦格(BWV 538, 565)後者是此區間最為人熟知的作品,全曲充滿著朝氣與激烈奔放的感情,結構也相當自由。《觸技曲、慢板與賦格》(BWV 564)是此區間作品中僅有的三樂章樂曲,形式及語法都試圖模擬協奏曲的風格,並展現了華麗的演奏效果
  • G大調幻想曲(BWV 572 )。完整豐富的踏板音色與宏觀的樂思,非常迷人。
  • 獨立的g小調賦格(BWV 578),以優美的主題和流暢的賦格為其特徵。
  • BWV 582 - 帕薩卡利亞與賦格(Passacaglia & Fugue)

 

其他形式的風琴曲,還有巴哈為數頗多的聖詠前奏曲(BWV 599-771)。

 

聖詠合唱(以下簡稱聖詠)源自德國本土,是16世紀初宗教改革家馬丁·路德為凝聚信眾所開創的一種教會音樂形式,後來才逐漸定製為四聲部合唱;由於聖詠最初是為了方便信徒記誦與歌唱,因此其旋律相對簡單。巴哈的聖詠創作大部份只是為前人所譜的旋律配上和聲;聖詠的主旋律雖然簡單,卻常被巴哈用作發想或組成複調音樂(聖詠前奏曲或聖詠清唱劇開頭的幻想合唱)的基底,也就是定旋律(cantus firmus)。

巴哈的聖詠多達400首以上,BWV 250-438 只是其中一部分的散作;更多的是充斥在清唱劇、受難曲、神劇和經文歌裡,作為總結段落的基本元素之用。

 

聖詠前奏曲是基於四聲部聖詠主題而創作,主要有兩種形式:

1. 完全引用聖詠旋律,將之重複及變形,再以對位法組合。

2. 將聖詠開頭的動機展開為新的旋律,以其發展。

 

概觀而言,巴哈的聖詠前奏曲可分為以下幾部份:

  • 《管風琴小曲集》(Orgelbüchlein,BWV 599-644),在威瑪時期所作,巴哈給予它的標題是「幫助初級管風琴手,以各種方法展開聖詠的入門曲集」。BWV 599-634 用於禮儀年的各時期,BWV 635 以後則與教義、禱詞有關
  • 《許布勒聖詠曲》(Schübler-Choräle,BWV 645-650),約在1747年-1748年間出版,曲集名來自其發行人。除了 BWV 646 以外,其餘都是來自清唱劇片段的編曲
  • 《十八首聖詠曲》(BWV 651-668),其早期版本是在威瑪時期所作,於1740年代分次修訂
  • 摘自《鍵盤練習 III》,BWV 669-689,又名《德文風琴彌撒》,於1735年-1736年間創作,1739年出版。這個區間的作品其實是聖詠前奏與聖詠賦格的組合,而且是建構在以彌撒經文、儀式為主題的聖詠上,因而得名。完整的《鍵盤練習 III》還包含《前奏曲與賦格》(BWV 552) 和《二聲部曲》(BWV 802-805)
  • BWV 690 以後的作品較為雜散,絕大部份是威瑪時期或更早的作品,但創作年份難以推定。此區間最著名的作品是《卡農變奏曲:我自天上來》(BWV 769),則是在巴哈晚年創作及出版,是卡農形式的薈萃之作

巴赫的宏偉創作風範,不但是貝多芬口中的「大海」,觀看其創作內涵,確實在是與無垠大海更相符~他對後世音樂之影響無遠弗屆,其永無止息之創作靈感,無懈可擊之複音音樂手法,豐富多彩的和聲與多元的和聲與音樂語彙,創作出諸多萬古留芳之曠世巨作。

巴赫在創作方法上,經常運用一個主題,輔以各種不同之技法、曲式彈奏;技巧超神入化,精妙絕倫,並將主題輪流出現於各個不同的聲部,時用增值、減值、逆行與倒影之技巧,主旋律時而用右手,時而用左手演奏,不時的又換到腳鍵盤彈奏,巧妙的運用模仿、卡農、賦格、變奏...等各種曲式或手法,讓人讚嘆其對於各式音樂技法運用之成熟。

馬友友曾說:「巴赫如果出生在現代,一定可以去設計飛機😆 XD」

事實上,從他在音樂技法上的各種駕馭能力,我想他絕對可以勝任現代各項精密無比的工作。(XD)

樂曲解說:

J.S. Bach: BWV 572 - Fantasia in G Major 

https://youtu.be/ukx-u-Q6Hes

 

樂曲解說:

J.S. Bach: BWV 582 - Passacaglia & Fugue

巴赫寫給管風琴的c小調帕薩卡利亞舞曲 BWV582, 是以腳鍵盤演奏的8小節頑固低音主題開場,接著在第9~168小節以此主題為基礎,連續發展出20次對位式瑰麗多變的變奏曲,再加上隨後的124小節的「賦格曲」,可說是帕薩卡利亞變奏曲的顛峰之作。

https://youtu.be/7S2pm1g70DI

 

巴赫之Passacaglia手稿

巴赫之Passacaglia手稿

這首帕薩卡利亞舞曲之分組法,各家理論紛紜。

有一說可分成十四組:第一組為主題Theme,第二組包括第1和第2變奏,第三組含第3變奏,第四組為第4變 奏,第五組是第5變奏,第六組包含第6變奏、第7變奏與第8變奏,第七組為第9變奏,第八組則含第10變奏與第11變奏,第九組是第12變奏,第十組包括第13 變奏、第14變奏與第15變奏,第十一組為第16變奏,第十二組則第17變奏,第十 三組是第18變奏,第十四組包含了第19變奏與第20變奏。

而巴赫(BACH)姓氏拼法裡, 4 個德文字母在字母中排列順序(B = 2, A = 1, C = 3, H = 8)之總和,也恰好是 14 ( 2 + 1 + 3 + 8 ),這是音樂與數學之巧妙結合,也許只是湊巧,或是巴赫之刻意安排,已無從而知。但如此巧合,實在令人讚嘆巴赫音樂之精巧與細緻,大巧不工,真是無懈可擊!

 

什麼是帕薩卡利亞舞曲?

帕薩卡利亞舞曲義大利語Passacaglia義大利語發音:[pasːaˈkaʎːa]),或譯作帕薩卡亞舞曲,是巴洛克時期晚期的一種曲式,起源於16世紀的西班牙,該字有『過道』的意思。

自十六世紀起,已漸漸發展出各種器樂樂曲的形式,帕薩卡利亞舞曲 (Passacaglia) 是其中一種。

那時常見樂曲的形式主要有:聖詠前奏曲與聖詠改編曲 (Choralbearbeitungen)、Variation und Ostinato,以頑固低音為骨架而寫作如,夏康舞曲 (Ciacona)、帕薩卡利亞舞曲 (Passacaglia) 等。也有較自由而即興式的曲式,例如:幻想曲 (Fantasie)、觸技曲(Toccata)、前奏曲 (Präludium),這些形式皆有些相似,卻又各具特色。或者以對位、 模仿手法寫作的,則有主題模仿 (Ricercar)、短歌 (Kanzone)、賦格 (Fuge)、Capriccio、Fugato...等。

另外也有 Alla breve、Pastoral、Aria、Rezitativo。也還有擷取自其他形式的,譬如三重奏鳴曲 (Triosonate)、協奏曲 (Konzert) ...等等,可說是百花齊放的年代。

帕薩卡利亞舞曲曲式常常被使用於嚴肅的樂段,且通常(但非總是)以持續低音三拍子寫成。

 

https://youtu.be/uwVPEuMuNNg


講到這裡,應該已經暈了吧😁

什麼是賦格?...你一定想知道 


賦格(Fuga)是一種用對位法風格來寫,由數個單獨聲部所組成的曲式。

「賦格」多以一個短旋律為基礎,此稱之為「主題」(Subject),也是穿梭整個樂曲中的精短樂句。

然後再由其他聲部以相同主題接續。

在主題上方五度下方四度出現的另一聲部模仿主題的樂句稱之為「答句」(Answer);

與主題的重要性與獨立性幾乎相等的情況稱為「對題」(Countersubject);


在各聲部主題或答題重疊,形成緊湊模仿的句子稱為「疊句」 (Stretto);



而各聲部中反覆出現之「動機」(Motive)。

這些皆由主題衍生而來。 


在每一個樂段中,主題於各聲部至少出現一次,此樂段就叫 「呈示部」(Exposition);

賦格曲中一個樂段如果不包含主題的陳述,則稱之為「插入句」(Episode),其作用為過渡或轉移。

一首賦格曲外觀結構是呈示部與插入句輪流出現,作品中可以有 三、四個呈示部,呈示部再由插入句分開,通常以一段「尾聲」(Coda)為結束。

一般賦格通常分為三部份:

第一部份:(通常稱之為呈示部)

主題在主、屬 調上,做出主題與答句的模仿,且主題會在各聲部皆出現一次。


第二部份:(也稱為發展部)主題以不同調性/不同手法(對位/增值/減值)呈現。


第三部份:(也稱為結束部)

主題常以疊句呈現。

而巴赫的賦格中 最大特色是疊句的作法,一般出現在第二部份,有時甚至在第一部份。

最後會有 「尾聲」出現,作為全曲之結束。

 

讓仁斌老師先來KUSO一下,我們一起聽聽 Lady GAGA的名曲《Bad Romance》以及非常有趣的賦格改編版:

https://youtu.be/qrO4YZeyl0I

 

《Bad Romance》賦格改編版:

https://youtu.be/Vu5ZE8HrTAM


影片欣賞

THE PASSACAGLIA OF BACH ON THE SILBERMANN ORGAN IN RÖTHA - XAVER VARNUS

https://youtu.be/2CxzjTJke-k

 

雷史畢基 管弦樂改編版

Bach (Transcr. Respighi): Passacaglia & Fugue in C Minor

https://youtu.be/rCJ_BQSWxJ8


跨時代的 Passacaglia - Max Reger

https://youtu.be/W6t3maOnTJE

 

誰是Max Reger?

https://youtu.be/KGv80K1-bbc

 

給有興趣朋友們繼續觀賞(德文影片)

https://youtu.be/XlK2BoOK6Co


Part.2 聖桑與他的管風琴音樂

聖桑

卡米爾.聖桑(Camille Saint-Saens,1835 ∼1921)出生於十九世紀中葉的巴黎,當時作曲家與音樂蕭邦、李斯特、白遼士皆曾活躍於此;文學家波特萊爾 (Charles Baudelaire, 1821-1867)巴爾札克(Honore de Balzac, 1799-1850)、雨果(Victor Hugo, 1802-1885),大仲馬(Alexandre Dumas, 1802-1870)與小仲馬(Alexandre Dumas fils, 1824-1895)父子等名家皆前後薈萃於這充滿藝術氣息的迷人城市。聖桑在這樣藝文起飛的環境下誕生。

 

1835年的巴黎地圖:


1835年 巴黎協和廣場一景

1835年 凡多姆廣場一景(蕭邦曾居住於此)

繼莫札特之後的神童

我們常說的神童:「 一歲會走、二歲拿筆、三歲寫文、四歲作詩」(閩南語)如果套用在聖桑身上,簡直是再適合不過了

聖桑是位神童,2歲時在姨媽的啟蒙下開始學習鋼琴,不僅能夠準確的識譜,更對音樂有驚人的理解力;年僅3歲半就創作了個人第一首小曲,這首創作至今仍被保存在法國的國家圖書館中。

聖桑曾於巴黎各教堂中以演奏管風琴為生。1857年,他更取代了 Lefébure-Wely 這位傑出管風琴師的地位,於 Église de la Madeleine 任職二十年,他以每週音樂即興演奏吸引了無數巴黎大眾,1866年李斯特更稱聖桑為世界上最偉大的管風琴家。

聖桑演奏管風琴照片(1905-1910)

 

Église de la Madeleine 大教堂外貌

 

Église de la Madeleine 教堂內部

 

 

 

延伸閱讀

 

 

法國另一重要作曲家佛瑞於Église de la Madeleine 司琴之演奏姿態:

Fauré à l'orgue de l'Eglise de la Madeleine (Revue Musica 1905)

 

Église de la Madeleine歷任管風琴演奏家


聖桑多才多藝,早年曾涉獵地質學、考古學、植物學及昆蟲學,他亦是一位數學專家。

除了作曲、演奏及撰寫音樂評論外,他還與歐洲知名的科學家進行討論,以及撰寫關於聲學、巫術科學、羅馬劇院裝修及古老樂器的學術文章。

聖桑亦是法國天文學會的成員;他舉辦關於海市蜃樓的講座,又懂得按自己的要求製作望遠鏡,以及按如日食般的天文現象來計劃演奏會。

1870年,聖桑參與了國家防衛軍,並參加了普法戰爭。1871年普法戰爭後,為激勵法國作曲家的創作與發揚法國新音樂精神,而創立國家音樂協會(National Society of Music)。聖桑以組織主席身分,公開首演社團成員的作品,包括佛瑞、法朗克、拉羅及他本人的作品,逐漸地他成為塑造法國音樂將來的重要人物。

提攜後輩的不遺餘力,對當代法國音樂發展有著影響卓著的貢獻。

在聖桑86年的生命歷程中所創作的作品類型、數量皆眾多,他還是第一位寫作電影音樂的著名作曲家,1908年他為電影《暗殺吉斯大公》配樂。除了兩次羅馬大獎的失利,在作曲和演奏的事業上可謂相當順遂。

聖桑表示自己作曲就像蘋果樹結果般的自然,一生共創作了五首交響曲,四首管弦音詩、十三部歌劇、五首鋼琴、兩首大提琴和三首小提琴協奏曲,以及許多的鋼琴、聲樂、室內樂曲等。

 

樂曲解說:

Saint-Saëns - Fantasie No.1 in E flat major (Mitchell Miller, organ)

https://youtu.be/buxQdC-nhS0

 

Saint-Saëns - Fantasie No.1 in E flat major

https://youtu.be/GOdOL5RgHD4


Saint-Saëns - Fantasie No.2

https://youtu.be/Gd2GQgB3fZc


第三號交響曲《管風琴》

獻給李斯特

第三號交響曲《管風琴》,可說是聖桑最廣為人知的交響作品,也是晚年集身作曲與演奏之大成。本曲獻給作曲家好友李斯特,雖然李斯特於當年(1886年)逝世,但樂曲構思過程兩人皆保持有交流互動。李斯特意知道聖桑將此曲題獻給自己,但因身體因素無法參與出席英國首演;首演於五月完成之後,李斯特於7月逝世,聖桑更在樂譜上註明「紀念李斯特」(A la mémoire de Franz Liszt)

 

循環曲式

聖桑利用循環曲式寫成此交響曲:本交響曲共分兩個樂章,而每一個樂章又可再分成兩個部分,因此我們也將此曲視為標準的古典交響曲的四樂章曲式,甚至許多唱片錄音也將此「兩樂章各兩部分」之段落,直接分為四軌~六軌,方便聽眾挑選欣賞。

卡拉揚1982年指揮柏林愛樂版,將此交響曲非為四段:1a、1b 與 2a、2b:

 

但若以1961年奧曼第指揮費城管弦樂團版本為例,就將本交響曲細分為六段,每個重要的速度轉換皆分軌方便欣賞:


首演資訊

樂曲完成於1886年,獻給好友作曲家李斯特。

首演於同年5月19日,英國倫敦 St. James Hall,由聖桑本人擔任指揮家,指揮皇家愛樂樂團(Royal Philharmonic Society)

聖桑指揮照

 

加入管風琴 恢宏雋永

聖桑本身也是琴藝超群的管風琴家,他人生進入成熟圓融階段創作此曲,更完美呈現管風琴氣勢恢弘、與管弦樂團融合的華麗多彩的音色。尤其第二樂章美極了,或許成為聖桑紀念與詮釋好友李斯特一生的墓誌銘,優美與超凡入聖之氛圍,非常值得一聽。

https://youtu.be/xGusMnMudos

 

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【BON音樂】大人社團電影音樂系列之一《阿瑪迪斯》- 音樂神童莫札特的樂與愁

【BON音樂】大人社團電影音樂系列之一《阿瑪迪斯》- 音樂神童莫札特的樂與愁
All about the movie "Amadeus"

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大人音樂欣賞課

 

電影音樂系列,讓我們回到時空節點,感受音樂帶來的深刻情感與美妙瞬間。

 

延伸閱讀 林仁斌老師專訪:

 

https://bit.ly/3klE7Ze

>大人的音樂欣賞課-電影音樂 (12/15、12/22、12/29、1/5)

>大人的音樂欣賞課-大師音樂  (1/12、1/19、1/26、2/2)

>大人的音樂欣賞課-經典歌劇 (3/2、3/9、3/16、3/23)

 


《阿瑪迪斯》莫札特

 

阿瑪迪斯》(英語:Amadeus,中國大陸、香港譯《莫扎特傳》)是美國導演米洛斯·福曼於1984年所執導的電影,編劇是英國劇作家彼得·謝弗爵士,改編自謝弗本人創作於1979年的舞台劇Amadeus,該舞台劇並於1981年榮獲東尼獎最佳劇本。描述音樂神童沃爾夫岡·阿瑪迪斯·莫札特傳奇的一生。

《阿瑪迪斯》於1985年獲得奧斯卡獎八項大獎,包括最佳影片獎、最佳導演獎和最佳男主角獎。1998年,美國電影學會將本片列為AFI百年百大電影中的第53位。

 

《土耳其進行曲》+《阿瑪迪斯》電影選粹


先談莫札特創作安魂曲背景
本段文章引用自莊舜旭著《莫札特安魂曲的生命教育意涵》第95-96頁,作者微調幾處用詞。

在奧斯卡名片《阿瑪迪斯》中,電影一開場就以非常戲劇化的手法,揭露薩里耶利的嫉妒心,也讓觀眾隨著劇情臆測莫札特的死因,也讓觀眾對於《安魂曲》創作背景,一步一步產生想深入了解的動機。

 

電影中,描寫忌妒莫札特的宮廷樂長作曲家薩里耶利(Antonio Salieri, 1750-1825),甚至為了製造莫須有的精神壓力,竊取莫札特的作品,戴著片中象徵莫札特父親的譴責與死亡的面具,匿名前往委託莫札特寫作一闕安魂曲。

而莫札特受到這樣的驚嚇,以為是死亡使者的催命委託, 於是在驚恐中創作此曲。

其實歷史上委託莫札特寫作此曲的人,純粹只是為了實際的需要,也就是為了親人的過世而需要安魂曲作為追思彌撒的音樂。

這個委託人據說是愛好音樂的華西格伯爵(Count Franz Walsegg zu Stuppach)。

1791 年二 月當他的夫人去世時,他找人送了一封沒有署名的委託信給莫札特,而其實目的是想要用自己的名字來發表給愛妻的安魂彌撒曲。

這和中國古時富人出錢請文人捉刀寫墓誌銘有異曲同工之妙。

然而對後來身患重病的莫札特來說,這匿名委託確實像是死神的召喚一般令他害怕。

起初莫札特因為忙於創作受到委託的兩部歌劇《狄多的仁慈》(La Clemenza di Tito)與《魔笛》(Die Zauber Flote) 而分身乏術,等到他有空回頭創作安魂曲時,身體狀況已病入膏肓,因而未能完成此曲便撒手人寰,只完成了一部分並留下了許多草稿與創作指示。

此後莫札特的遺孀康斯丹彩為了拿到另一半的酬金,先後找了當時幾位優秀的作曲家來補完此曲,最後決定由最瞭解莫札特指示的弟子蘇斯邁爾(Sussmay, 1766-1803)來完成而成為現在世人所熟悉的演出版本。

莫札特在一封以義大利文寫給他的劇本作家達彭特(Da Ponte)的信中描述 了創作安魂曲時的心理狀態:

「我整個腦子都搞亂了,無法思考,而且一直沒辦法忘記那位匿名人士的影像。我不斷看到他的影像,他求我,對我施壓,不耐煩地要我把作品給他。 我正在進行,做這件差事可比什麼都不做還輕鬆一些。此外,我也沒有什麼好怕了。依目前的狀況來看,我可以感覺到自己生命的喪鐘已經響起, 我已瀕臨死亡邊緣,在我能從自己的天分得到任何好處之前,死神就找上我了。然而生命一直如此美麗,而我的事業曾在非常好的兆頭下開始。但沒有人能改變自己的命運,人無法知道自己還剩多少日子可活,人一定要認命,神的旨意一定會貫徹的。就此擱筆。眼前攤著我的天鵝之歌,我不能沒寫完就走。」

 

上面這封信,生動地描寫著莫札特最後創作時,似乎把匿名的委託者想像成死神的使者在不斷催促,並透露因宗教信仰而產生的認命態度。雖然一些學者認為這 封信很可能是偽作而不能採信,但是莫札特確曾含著眼淚對妻子說他是在為自己譜寫這首安魂曲。

可以確定的是,莫札特在創作安魂曲的過程中,備感死亡的強烈威脅

而據說莫札特死前的最後一個動作,是試圖發出安魂曲中的鼓聲(Peggy Woodford 著,程秀堯譯,《偉大作曲家羣像──莫札特》,頁 14)


電影介紹

 

影片名稱:阿瑪迪斯(AMADEUS)
製片公司:美國華納
電影公司:1984
影片長度:161 分鐘

導演:捷克導演米洛斯福曼(MILOS FOMAN, 1932 年 2 月 18 日出生於捷克,知名作品有〈飛越杜鵑窩〉(One Flew Over the Cuckoo's Nest, 1975)
編劇:彼得謝弗(PETER SHAFFER)(5 次東尼獎得主)
製 片:索爾.沙恩茲

演員:

莫瑞‧亞伯拉罕(F.MURRAY ABRAHAM)飾 薩利耶里
湯姆‧赫斯(TOM HULCE)飾 莫札特
伊莉莎白‧貝里吉(ELIZABETH BERRIDGE)飾 康絲坦彩
傑佛瑞‧瓊斯(JEFFREY JONES)飾 約瑟夫二世

 

榮獲獎項:

獲 1984 年第 57 屆奧斯卡獎提名 12 項。最後榮獲奧斯卡金像獎最佳影片、最佳男 主角、最佳導演、最佳改編劇本、最佳電影服裝設計、最佳藝術指導、最佳場景 設計、最佳錄音等八項大獎;以及英國電影金像獎最佳攝影、錄音、剪接、化妝;法國凱撒獎最佳外語片;丹麥勞伯獎最佳外語片;義大利大衛獎最佳外語片。

 

電影故事內容

莫札特死後的32年(1823?),送進精神病院的奧地利宮廷樂師薩利耶里,居然表白他殺了音樂天才莫札特,震驚當時。

 

回憶童年時代,熱愛音樂的薩利耶里,在粗鄙的父親壓制下,根本沒有追求自己理想的機會。

 

而莫札特卻在父親的栽培下,四歲能拉得一手好琴,五歲能作曲、六歲便獲得御前演奏的榮譽,十二歳已能作曲並指揮交響樂團,成為歐洲音樂界最閃耀的一顆新星。

 

 

 

後來莫札特與薩爾茲堡大主教意見不合,只能離開故鄉前往維也納另謀生路。

 

由於莫札特聲名遠播並受到約瑟夫二世讚賞,心生嫉妒的薩利耶里遂決定報復。

 

在莫札特出現之前,薩利耶里一直是皇家宮廷唯一的音樂高手,備受禮遇。但莫札特的出現,讓他如坐針氈,因為他隱約已經感覺到,自己的遠遠不及...

 

薩利耶里的歡迎進行曲,莫札特只聽一次便全部背起來,還在演奏中指指點點,改成了「更好的版本」,變成了他在歌劇《費加洛婚禮》中的費加洛第一幕詠嘆調 <Non Piu Andrai>:

https://youtu.be/z-ekq9HK_h4

 

<Non Piu Andrai>歌劇版本欣賞:

https://youtu.be/mRNirc4fiqI

 

薩利耶里在莫札特出現之前一直受人景仰, 他從小就渴望音樂,並願意以一生的貞節來和上帝換取天賦,所寫的每首曲子全都是為了讚美祂,甘心作祂的代言人,希望能向世人歌頌祂的偉大。

 

直到這一天,他遇見的這位年紀輕輕、言語粗俗污穢、笑聲愚蠢而全然不受禮教約束的渾人-莫札特,卻似乎擁有自己所沒有的才華與天賦...,

 

但為何他總能吸引大家的目光,而他所譜寫的音樂總是那麼真實、 動聽,而且渾然天成?

 

對薩利耶里而言,這愚蠢的笑聲,一再的打擊自己的信心...

雖然莫札特看似完全沒有與薩利耶里作對為敵之意,但這一切內心的比較,讓薩利耶里開始感到信仰崩潰,一方面質疑上帝為甚麼要選這個孩子作為祂的代言人?另一方面卻又漸漸地為莫札特的音樂所折服...

 

在自己愛慕的女高音似乎也喜歡上了莫札特之後,薩利耶里內心不斷天人交戰,他下定決心背棄上帝、用盡手段要毀掉莫札特。

 

 

莫札特娶了韋伯家族的康斯丹彩為妻,沐浴在愛河中

 

他試探性地要莫札特的太太康斯丹彩獻身,才能為莫札特贏得進入宮廷的「門票」...

沒想到康斯丹彩為了丈夫居然真的願意付出一切,這更讓薩利耶里感到氣憤

 

除了暗地阻撓、出口沒好話之外,薩利耶里更派女僕臥底莫札特家中,以便了解他的一舉一動以及最新作曲動向,藉以掌握他作曲的「弱點」;

 

更甚者,他喬裝成莫札特死去的父親,以一襲全身黑衣人裝扮,付錢命他譜寫安魂曲,可憐的莫札特在喪父之痛與身心俱疲之下,內心壓力山大

 

莫札特之父親 - 雷奧帕德.莫札特

莫札特之父親 - 雷奧帕德.莫札特

 

薩利耶里所偽裝的黑衣人

 

 

面對父親一輩子的威嚴,莫札特是無力對抗的。

心中懷著對父親的歉疚,讓他心中更以為薩利耶里所偽裝的黑衣人是地獄來的使者,雖然想拒絕但又無法抗拒金錢壓力,只能憑著虛弱的意志力,勉強譜寫。

 

忙碌而貧病交加的莫札特,直到他死在床上之前仍未完成安魂曲,最後莫札特終於因為病重且精神不堪負荷而死。

 

 

然而,隨著時間的流逝,莫札特斯人已是,但他音樂卻常在人間,為人津津樂道,薩利耶里卻只能與自己作品一起凋零,光芒盡逝,漸漸地消失黑暗之中。

 

 

人生即將行至終點,薩利耶里是否仍聽見上帝,透過那愚蠢的笑聲恥笑他?


既生瑜,何生亮?

https://youtu.be/-ciFTP_KRy4

 

 

莫札特《魔笛》夜后詠嘆調: ‹復仇的怒火在我心中燃燒› 

 

《阿瑪迪斯》薩里耶里說著與莫札特的心結

 

《阿瑪迪斯》莫札特病重之際,與薩里耶里合作譜寫遺作《安魂曲》場景


故事人物簡介

莫札特之父

雷奧波德‧莫札特(Leopold Mozart, 1719-1787),莫札特之父及其唯一的老師。奧地利小提琴家、教師、作曲家,在薩爾茲堡大主教宮廷任小提琴師,後成為宮廷作曲家(1757)和歌詠隊副指揮(1762),所著《小提琴演奏的基本原則》一書,多次再版並譯成其它文字,早已成為標準教科書。作品有樂器協奏曲、交響曲等。1763 年開始成功的像歐洲展示他的兩個充滿音樂天份孩子(共生 7 個孩子, 5 個夭折):女兒瑪麗亞‧安娜(1751~1829)與沃爾夫岡‧阿瑪迪斯(1756~1791)。雖常被人批評利用兒子的天分賺錢,但一心培育兒子並使之一展長才,功不可沒,對沃爾夫岡‧阿瑪迪斯有深遠且重要的影響。

 

莫札特

莫札特,(Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, 1756~1791) 奧地利作曲家。小提琴家和作曲家利奧波德‧莫札特(1719~1787)之子,誕生於父親出版小提琴演奏法論著的當年。他與姊姊瑪麗亞‧安娜‧娜內爾(1751 ~1829)都是神童。莫札特四歲時,在無人指導的情況下演奏娜內爾的鍵盤課程。 五歲時,他開始作曲,並第一次公開演出。1762 年起,利奧波德帶著他們旅行全歐,炫耀著「上帝賜予在薩爾斯堡出生的奇蹟」。

他們在首次巡迴表演(1762~ 1769)來到法國和英國,莫札特在那裡,遇到巴赫之子 J.C. Bach,並寫下第一首交響曲(1764)。接著是義大利之旅(1769~1774),他在那裡首次見識到海頓的弦樂四重奏,並寫 下自己的第一部義大利歌劇。1775~1777 年寫出小提琴協奏曲和第一批鋼琴奏鳴曲。1777 年他遇到韋伯一家人,即未來妻子的家庭。莫札特的母親死於 1779 年,莫札特後來回到薩爾斯堡擔任大教堂的風琴師,1781 年寫出連環歌劇《克里特王伊多梅尼歐》。由於不滿大主教的統治,1781 年離職搬到韋伯家(維也納),開始他的獨立音樂家生涯。他娶康斯丹彩‧韋伯為妻,教授鋼琴課程,陸續寫下《後宮誘逃》(1782)和多首偉大的鋼琴協奏曲。1780 年代晚期成就達到顛峰,而他把弦樂四重奏獻給海頓(海頓稱莫札特是現世最偉大的作曲家),《費加洛婚禮》(1786)、《唐‧ 喬凡尼》(1787)、《女人皆如此》(1790)三部偉大的歌劇則採用達‧龐特的腳本,還有卓越的晚期交響曲。晚年他寫作歌劇《魔笛》和最偉大的《安魂曲》(未完成)。 儘管事業成功,他生活中總是為金錢所苦,必須經常向朋友借款。他在未滿36歲去世。短暫一生,卻留給後世非常豐富的音樂遺產。

 

莫札特生平簡介:為何偉大?

https://youtu.be/CN3v4fEZcQw

康斯坦彩

康斯丹彩(Constanze Weber, 1763-1842)莫札特住在維也納時房東的女兒,天生個性天真活潑,她的父親福理多林偉伯〈Fridolin Weber〉於歌劇院中擔任抄寫歌譜的職位,也是一個未成名的作曲家。康斯丹彩於1782年8月4日,19 歲時就嫁給莫札特,兩人雖然相愛,但對家事的管理可算是一竅不通。個性與莫札特的父親心中對於兒子伴侶的理想相去甚遠,公公與媳婦間的問題從未改善過,使得周旋在其中的莫札特陷入兩難,直到其父去世,莫札特仍有一種愧疚的心情。九年多的婚姻中生育六子, 僅二子及四子存活。莫札特於35歲時與世長辭,康斯坦彩年方28。18年後,46歲時,改嫁丹麥外交官,並與其夫一家人共同著作《莫札特傳》。

 

莫札特寫給妻子的情書

 

 

薩利耶里

薩利耶里(Antonio Salieri, 1750-1825)義大利作曲家。1766 年遷至維也納,並在那裡度過了他的大部分職業生涯。在加斯曼去世後,他開始在帝國的宮廷中創作和指揮義大利 歌劇,後來成為了宮廷樂長(1788)長達 36 年之久。他是 18 世紀最後二十五年裡最流行的歌劇作家,有很多重要的學生,甚至包括貝多芬、舒伯特和李斯特,除了 四十多部歌劇外,他還寫了很多世俗歌曲和聖歌。雖然他和莫札特是對手,但他毒害莫札特的傳聞是沒有證據的,而他也不太可能在臨終甚至更早的時間裡宣稱這一點。

 

薩利耶里《安魂曲》

https://youtu.be/AO7xz7qTrlI

 

約瑟夫二世

約瑟夫二世(Joseph II, 1741~1790),神聖羅馬帝國皇帝(1765~1790)。他承繼了他的父親法蘭西斯一世,開始時與他的母親瑪麗亞‧特蕾西亞(1765~1780)共同執政。母親死後,他試圖繼續她的改革工作。他是開明專制的擁護者,主張廢除農奴制,確立宗教在法律面前平等,准許出版自由,並解放猶太人。由於試圖把國家的控制強加給教會,因此與羅馬天主教會發生了衝突。一些傳統保守的國家像奧屬尼德蘭和匈牙利也反對他的改 革。他的外交政策逐漸失敗了,他試圖用奧屬尼德蘭換取巴伐利亞,但被普魯士制止了。與俄國凱薩琳二世的聯盟使奧地利軍隊捲入了與土耳其的戰爭,但約瑟夫必須回來對付在匈牙利和奧屬尼德蘭發生的革命騷亂


委託莫札特寫曲的人(資料整理於網路)

【電影】薩利耶里在莫札特音樂與生活中,發現莫扎特父親利奧波德的死亡對莫札 特的影響甚劇,因此利用對父親的內疚與對死神的畏懼心理,薩利耶里穿上父親 在參加宴會時穿的黑色披風和面具,神秘又威嚴的用金錢來利逼莫扎特寫下安魂曲。


【歷史】其實黑衣人是由一位名叫威爾塞克(Herr Count Von Walsegg)的伯爵所派的僕人,這位伯爵向來喜歡竊取名家之作,再以自己名字發表。此次也是為了在其夫人的喪禮上,炫耀《安魂曲》是自己寫的,才派僕人暗中請莫札特捉刀。


協助完成的人(資料整理於網路)

【電影】由薩利耶里Salieri輔助早已累癱在病塌上的莫札特,以聽寫方式完成。

【歷史】由莫札特的學生聽寫,但仍未能完成,臨終前莫札特還囑付弟子蘇斯梅耶要完成。後來康絲坦姿委請艾布利(海頓之友,為莫札特所器重)完成了「神震怒之日」和「羞慚無地」,而「痛哭之日」由蘇斯梅那完成。

 

關於死亡(資料整理於網路)

A.毒死說

薩利耶里逼死、毒死莫札特

【電影】晚年不斷自責,甚至因禁不起謀殺天才的內疚而發瘋、自殺,並在神父面 前坦承因嫉妒而生恨,步步設陷的去逼死莫札特。

【電影】薩利耶里 Salieri 的「心理謀殺」,假扮死神的裝束(其為莫札特 Mozart 父親 生前參加宴會的裝扮),利用父親對他的影響、壓力,迫使他不斷的工作,活在陰 影裡。另外因他的出走、婚姻與父親死亡的內疚,加上面對死神的恐懼和追討, 最終累倒於塌上。

【歷史】事實上薩利耶里否認此事,莫札特死後 30 餘年,既老且病的薩利耶里臥病在醫院時, 對貝多芬之徒莫斯立吉說:「雖然我自知將一病不起,但我還是要以我的榮譽向你保證,外間的謠傳根本是子虛烏有的事。你知道我應該把莫札特給毒死才對;不過我並沒有這麼做,所以這個謠言純粹是別人用來中傷我的把戲。請你告訴全世界行將入木的我,從未向莫札特下毒過。」

【歷史】雖然薩利耶里和莫札特是對手,但他毒害莫札特的傳聞是沒有證據的,而他也不太可能在臨終甚至更早的時間裡宣稱過這一點。

 

【歷史】關於莫札特被謀殺一事,其可能性並不高。事實上,當時薩利耶里在樂壇 的地位遠比莫札特來的高,根本沒有毒殺莫札特的必要。薩利耶里發瘋後的告白, 被後人加油添醋,成了戲劇性的故事,也成了本部電影的題材。

 

【歷史】對於音樂界「薩利耶里 Salieri 毒死莫札特 Mozart」之說並無證據或線索可從旁推敲。最初是俄羅斯文學家普希金(Alexander Puschkin 1799-1873)於 1830 年將此一流言寫成短短的兩場戲劇「莫札特與薩利耶里」。彼得謝弗(Peter Shaffer)再於 1979 年創作舞台劇,得了許多舞台劇劇本獎,於世界各地演出,最後又由捷克導演米洛斯福曼發展出薩利耶里自承害死莫札特的電影。

 

B.病死說

【歷史】根據戴維斯博士 1783 年 9 月在《皇家醫學會期刊》所發表:其實 Mozart 從小健康狀況不佳,由 Mozart 一家往返書信中他患過天花、風濕病、關節炎、傷 寒、皮膚斑、眼耳痛、黃疸、支氣管炎、血毒症......而去世那年染上了當時傳染 的熱病,由鏈球菌感染引發腎衰及邵林漢諾併發症的惡化,其外顯症狀為:發燒、 多關節炎、身體不適、四肢腫脹、嘔吐、身上出現紫斑......上述的狀況與死前隨侍在旁的小姨子蘇菲所寫的信中符合,而替 Mozart 治病的大夫克勞塞特也曾向友人證實莫札特是因病致死。
莫札特是死於下列的症狀:鏈球菌(Streptococcal infection)感染造成的腎臟衰竭...... 邵林漢諾併發症(Schonlin-Henoch syndrome)......被醫生將靜脈切開放血......大腦出血......最後死於支氣管肺炎。

1791年得病以前,莫札特已經有過鏈球菌感染的紀錄。

1791年的11月 18日,也正是傳染病再度流行的時期,莫札特參加了共濟會的聚會。此次,他又被感染了。鏈球菌的感染促使了邵林漢諾併發症的惡化和腎衰竭。顯現在外的現象是:發燒、多關節炎、身體不適、四肢腫脹、嘔吐、和身上出現紫斑。而他身上的腫脹可能是由於腎臟的衰竭造成鹽分及液體無法排出所致。醫生為他做了一次以上的靜脈切開放血,而也因此加速了他的腎衰竭,進而導致最後的死亡。 邵林漢諾併發症加速了他的血壓,使得他夜裡發生嘔吐,並且引發中風。他的半身麻痺是腦出血的後果。去世之前兩個小時,莫札特曾經因為痙攣而昏迷不省人 事。一個鐘頭之後,他努力想坐起來,並且睜開雙眼,但是徒勞無功,反而面朝 牆壁倒了下去。他的雙頰腫脹突出。這種種症狀都顯示了他已經失去了凝視的能力,面部神經亦已經麻痺。就在他去世前一天的下午,莫札特發熱,並且大量出汗,這可能是支氣管肺炎的跡象。支氣管肺炎往往是尿毒症患者,尤其是已經陷於垂死的病人立即死亡的原因。

 

關於下葬

【電影】妻子、薩利耶里、親友送至城關止步,遺體以布袋包裹投置到公墓集體墓 穴,甚至還覆蓋石灰。

【歷史】遺體由公寓送至史蒂芬大教堂,舉行祈福儀式後,因經濟窘困,依第三階級平民送至聖馬克斯公墓,無人送葬,未立墓碑。一代音樂奇才,究竟安寢何處, 至今成謎。

送葬方式與遺體處理,皆與死因有關,或有依衛生法令,不得送葬;或是康斯坦彩過度悲傷;傳說中的天候惡烈、路途遙遠、或是莫札特因罹惡疾;抑是遭人下毒,避免張揚,眾說紛耘,每一種說法皆缺乏有力的直接證據。

結論

莫札特這顆樂壇閃亮的彗星,其短暫的35年生命,充滿著令人讚嘆與神秘的色彩。

各式的傳聞、文獻到近代的舞台劇、電影中......有數不清的人想一探究竟。

電影《阿瑪迪斯》以兼具藝術和商業性的手法,完美的呈現莫札特的精彩一生。

片中也提到「庸才」與「天才」的競爭,代表「庸才」的薩利耶里縱使真的達到結束天才莫札特生命的目的,但必須在其餘生目睹自己的作品被遺忘,而莫札特的旋律卻永存人心。

電影中庸才的嫉恨、貴族的顢頇、小人的貪婪都足以令人警惕,而天才的肆意揮霍、不問世俗,暴殄上天的賜予,又使人扼腕。在音樂、電影藝術的國度裡,或許人人願做一個只須張耳享受的庸才,但現實人生中遇到困境或崇高目標時,我們又該效法傲視一切的天才,不計人言,勇往直前。

藉由文獻資料的顯現,薩利耶里非但沒有殺害莫札特;且為貝多芬、李斯特之師, 造就了不少音樂奇才,終身忠於公職和音樂,在現實人生中或許是一個懂得發掘和提攜後進的典範。

而莫札特他到底因何而死?

不論上方「病死說」或「 毒死說」皆各有證據,端看您選擇相信哪一種說法?


附錄

完整原聲帶音檔

https://youtu.be/CV_hvQGfoIc

1. 莫札特:第25號交響曲第一樂章
W.A. Mozart: Sinfonie Nr. 25 in g-moll, KV 183; 1. Satz ("Amadeus")
2. 莫札特:小夜曲/第一樂章【特別收錄】
W.A. Mozart: Eine kleine Nachtmusik (Serenade), KV 525; 1. Satz ("Amadeus")
3. 裴高雷西:聖母悼歌/阿們頌
G.B. Pergolesi: Stabat Mater; Quando corpus morietur / Amen
4. 培斯頓&莫札特:薩里耶利進行曲轉換成費加洛的婚禮詠嘆調【首次收錄電影片段】
W.A. Mozart: Salieris Marsch (Arrangement) ("Amadeus")
5. 莫札特:木管小夜曲/第三樂章
W.A. Mozart: Serenade für Bläser, KV 361; 3. Satz ("Amadeus")
6. 莫札特:後宮誘逃/近衛兵合唱/特別收錄
W.A. Mozart: Die Entführung aus dem Serail, KV 384; Chor der Janissaren - W.A. Mozart: Ein deutsches Kriegslied, KV 539
7. 莫札特:後宮誘逃/土耳其終曲
W.A. Mozart: Die Entführung aus dem Serail, KV 384; Türkisches Finale ("Amadeus")
8. 莫札特:C大調彌撒曲/慈悲經
W.A. Mozart: Messe in c-moll, KV 427; Kyrie ("Amadeus")
9. 莫札特:長笛與豎琴協奏曲/第二樂章【特別收錄】
W.A. Mozart: Konzert für Flöte und Harfe, KV 299; 2. Satz ("Amadeus")
10. 莫札特:第29號交響曲/第一樂章
W.A. Mozart: Sinfonie Nr. 29 in A-Dur, KV 201; 1. Satz ("Amadeus")
11. 莫札特:C大調慢板
W.A. Mozart: Adagio in c-moll, KV 617 ("Amadeus")
12. 莫札特:雙鋼琴協奏曲/第三樂章
W.A.Mozart: Konzert für 2 Klaviere, KV 365; 3. Satz ("Amadeus")
13. 莫札特:協奏交響曲/第一樂章
W.A. Mozart: Sinfonie Concertante, KV 364; 1. Satz ("Amadeus")
1. 莫札特:柴伊德/安靜地睡吧
W.A. Mozart: Zaide, KV 344; Ruhe sanft ("Amadeus")
2. 喬大諾:我親愛的【特別收錄】
G. Giordano: Caro mio ben ("Amadeus")
3. 莫札特:降E大調鋼琴協奏曲/第三樂章
W.A. Mozart: Klavierkonzert in Es-Dur, KV 482; 3. Satz
4. 莫札特:費加洛的婚禮/喜悅聲響起
W.A. Mozart: Die Hochzeit des Figaro, KV 492; Ecco la Marcia ("Amadeus")
5. 莫札特:費加洛的婚禮/啊!一切美好
W.A. Mozart: Die Hochzeit des Figaro, KV 492; Ah tutti contenti ("Amadeus")
6. 十八世紀初期吉普賽音樂:布巴里與匈牙利人
Zigeunermusik (frühes 18. Jh.): Bubák und Hungaricus ("Amadeus")
7. 薩里耶利:奧克/終曲【特別收錄】
A. Salieri: Axur; Finale ("Amadeus")
8. 莫札特:唐喬凡尼/石像赴宴場景
W.A. Mozart: Don Giovanni, KV 527; Commendatore scene ("Amadeus")
9. 莫札特:D小調鋼琴協奏曲/第一樂章
W.A. Mozart: Klavierkonzert in d-moll, KV 466; 1. Satz ("Amadeus")
10. 莫札特:魔笛/序曲【特別收錄】
W.A. Mozart: Die Zauberflöte, KV 620; Ouvertüre ("Amadeus")
11. 莫札特:魔笛/我心燃燒著復仇的火焰【特別收錄】
W.A. Mozart: Die Zauberflöte, KV 620; Der Hölle Rache kocht ("Amadeus")
12. 莫札特:安魂曲-進堂詠
W.A. Mozart: Requiem, KV 626; Introitus ("Amadeus")
13. 莫札特:安魂曲-神怒之日
W.A. Mozart: Requiem, KV 626; Dies irae ("Amadeus")
14. 莫札特:安魂曲-赫赫威嚴的君主
W.A. Mozart: Requiem, KV 626; Rex tremendae majestatis ("Amadeus")
15. 莫札特:安魂曲-罪人既受審判
W.A. Mozart: Requiem, KV 626; Confutatis ("Amadeus")
16. 莫札特:安魂曲-垂憐經
W.A. Mozart: Requiem, KV 626; Lacrimosa ("Amadeus")
17. 莫札特:D大調鋼琴協奏曲/第二樂章【特別收錄】
W.A. Mozart: Klavierkonzert in d-moll, KV 466; 2. Satz ("Amadeus")

 

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【BON音樂】柴可夫斯基 《斯拉夫進行曲》 Marche Slave op.31 介紹

【BON音樂】柴可夫斯基 《斯拉夫進行曲》 op.31 介紹
Tchaikovsky: Marche Slave, Op.31

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今天要介紹的柴可夫斯基 《斯拉夫進行曲》op.31是一首與 《1812序曲》、《義大利隨想曲》經常一起被安排在唱片中之熱鬧爆棚管絃樂曲。

雖然曲式只是「進行曲」,但柴可夫斯基精彩的管弦樂法,出神入化地將進行曲提升為鼓舞士氣的豪邁曲風與大格局,一直以來深受各界喜愛。

 

1875年的柴可夫斯基(照片最右),與他兩位弟弟 Modest(照片最左) 與 Anatoly(右二),以及 經濟學家 康德拉季耶夫(N.D. Kondratyev)。

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (right) with his brothers Modest and Anatoly and N.D. Kondratyev, 1875.

創作背景

歷史上長期受到土耳其帝國欺壓的塞爾維亞族,屬於南斯拉夫人的一支。

塞爾維亞族是塞爾維亞的主要民族,位於巴爾幹半島,是蒙特內哥羅波士尼亞和赫塞哥維納等公國的主要民族之一,也是克羅埃西亞馬其頓共和國斯洛維尼亞的主要少數民族之一。塞爾維亞族在羅馬尼亞匈牙利斯洛伐克阿爾巴尼亞斯洛維尼亞奧地利具有官方承認的少數民族地位。另外塞爾維亞人也大量散居於西歐和北美。

 

巴爾幹半島各國相關位置圖:

巴爾幹半島地圖

 

1876-1878年間的賽爾維亞-鄂圖曼土耳其帝國戰爭
Serbian–Turkish Wars (1876–1878)

Serbian–Turkish Wars (1876–1878)

 

賽爾維亞軍隊行軍圖

 

鄂圖曼土耳其帝國偵查隊

鄂圖曼土耳其帝國偵查隊

 

殘酷的戰爭

 

土耳其軍隊兵臨 Kujaschewatz 城下,準備進攻

土耳其軍隊兵臨 Kujaschewatz 城下,準備進攻

 

1876-1878年間的賽爾維亞-鄂圖曼土耳其帝國戰爭 雙方戰事圖
Serbian–Turkish Wars (1876–1878)

 

1877年至1878年間,俄羅斯為了取得地中海的出口通路,便出兵援助塞爾維亞(斯拉夫族友+東正教友),助其脫離鄂圖曼土耳其帝國而獨立,因此土俄戰爭再度開打。

在戰爭正式爆發前,雙方也早有衝突,有不少俄軍受傷。

於是俄羅斯帝國音樂協會委託柴可夫斯基創作「斯拉夫進行曲」(Marche Slave),1876年11月17日於莫斯科舉行一場慈善音樂會。

 

 

樂曲概說

其實在被正式定名為《斯拉夫進行曲》之前,這首曲子的原名為《賽爾維亞-俄羅斯進行曲》(Serbian-Russian March)。

作品創作靈感來自1876年發生的“塞爾維亞-土耳其戰爭”。

柴可夫斯基應師長好友尼古拉·魯賓斯坦(Nikolai Rubinstein)之要求,而以此戰爭事件為標題創作,主要目的是為了參戰之傷亡俄軍士兵,舉辦紅十字慈善音樂會而演奏。

因為戰爭之無情與殘酷,加上道德至高目標,柴可夫斯基很快地答應創作,並在相當短的時間內即完成此曲,取名為《賽爾維亞-俄羅斯進行曲》,以此絕對的標題性呼應了當時的戰事。

 

據說最初的構想是寫作「交響幻想曲」,確定為進行曲形式後,作品的第一部分描述了塞爾維亞人在土耳其占領下的苦難以及巴爾幹地區的戰爭罪行,柴可夫斯基在其中使用了兩首塞爾維亞民歌,加上帝制俄羅斯國歌《天佑沙皇》,完成了本首具有輝煌激昂個性之進行曲。

但後來選用了三首賽爾維亞民謠與愛國歌曲。

樂曲一開始,就微弱哀傷地流出使用的第一首塞爾維亞民謠:「陽光,為何不均衡普照大地」(The bright sun, you do not shine equally),這是一首充滿愁意但美麗的旋律。

 

《斯拉夫進行曲》使用賽爾維亞民謠(一)

「陽光,為何不均衡普照大地」
Bright sun, you do not shine equally

unce jarko ne sijaš jednako
Gordana Kojadinović

https://youtu.be/UXZn7DASlaU

 

樂曲實際使用於開頭主要旋律

https://youtu.be/OguvWB5B1rg

 

旋律中帶著下行音程與增二度,讓曲調優美卻帶著濃濃的傷感與巴爾幹半島之異國風情,更像是感嘆戰爭帶來的無奈與深沈之悲傷。

 

中間出現使用了第二首塞爾維亞民謠:「塞爾維亞的門口」(This is the doorstep of Serbia)以及與《1812序曲》相同的帝俄時期國歌《天佑沙皇》(God save the Tsar)交互對應。

 

 《斯拉夫進行曲》使用俄羅斯帝制時期國歌「天佑沙皇」

https://youtu.be/yWxBDwX57bE

 

樂曲中段使用「天佑沙皇」

https://youtu.be/OguvWB5B1rg?t=287

 

 

第二部分,從定音鼓擊下,開始了這段精神抖擻的音樂:塞爾維亞愛國歌曲「歡喜來作兵」(Gladly does the Serb become a soldier),歡快充滿朝氣的節奏與旋律,開始帶起全曲越來越激昂的氣氛,直到樂曲結束。

《斯拉夫進行曲》使用賽爾維亞愛國歌曲(二)

「歡喜來作兵」
Gladly does the Serb become a soldier

Rado ide Srbin u vojnike

https://youtu.be/1iDI7QdCJjI

 

樂曲第二段落使用愛國歌曲「歡喜來作兵

定音鼓擊下,開始了這段精神抖擻的音樂

https://youtu.be/OguvWB5B1rg?t=432

 

隨著音樂越來越激昂,進入樂曲尾聲高潮段落,樂團再次強力齊奏出俄羅斯國歌「天佑沙皇」,暗示著戰爭即將邁向勝利,在兩段旋律完美交織,與銅管、擊樂帶來的熱烈聲響中,逐漸進入最終樂曲高峰,速度亦一句比一句加快,在充滿慶賀與勝利的三次強奏聲響中,華麗地結束全曲。

https://youtu.be/OguvWB5B1rg?t=465

 

首演大成功

1876年11月5日,《塞爾維亞-俄羅斯進行曲》於莫斯科大劇院舉行,由指揮家尼古拉·魯賓斯坦(Nikolai Rubinstein)指揮首演演出。演奏完之後引起了轟動,群眾的激昂情緒將音樂會的氣氛演變成一種愛國事件,觀眾從椅子裡站起來較好歡呼鼓掌,迫使指揮再次演奏樂曲。

首演大獲成功的三天後,柴可夫斯基滿懷欣喜地寫信給妹妹 Aleksandra Davydova,並寫下:「上週六,我的《塞爾維亞-俄羅斯進行曲》在這裡(莫斯科)舉行,引起了一場愛國情緒風暴。」「所有的聽眾都起身,許多人跳出椅子,並且尖叫聲勇敢地歡呼。」

在此之前,柴可夫斯基雖然已被認為是一位出色的作曲家,但仍不是一個非常成功的指揮家(由於他的害羞,據說他在舞台上明顯呆板),但他此時在信中訴說,這首《塞爾維亞-俄羅斯進行曲》使他成為了名人。

 

成為戰馬的名曲

《塞爾維亞-俄羅斯進行曲》在莫斯科取得巨大成功之後,這首作品也讓他逐漸以指揮家的身份,在歐洲其他地方演出獲得巨大成功,並被納入他的固定演出曲目中。柴可夫斯基還曾在紐約卡內基音樂廳開幕式上演出。

在第一張原始印刷品中,當時標題即為《塞爾維亞-俄羅斯進行曲》。

後來出版時,出版商 Jurgenson Edition (Peter Jurgenson) 可能因為「政治考量?」或其他因素,將此曲改名為《斯拉夫進行曲》(Marche slave)。

無人確切地知道真正改名的原因為何?...也許是因為擔心歐洲聽眾的抵制?抑或當時在科索沃的塞爾維亞之戰仍在繼續?塞爾維亞正在與穆斯林恐怖分子餘戰不斷?怕阿爾巴尼亞毒品販子幫派興風作浪敗壞此曲風氣?抑或出版社偏向「大斯拉夫民族共榮」?

雖然不知真正更名原因,但《斯拉夫進行曲》的確走紅全世界,成為柴可夫斯基代表樂曲之一,也成為當時塞爾維亞民族對抗土耳其帝國,爭取自由的最佳代表音樂。

後於1878年,塞爾維亞也在土耳其帝國的正式承認之下,取得獨立。

 

伯恩斯坦指揮紐約愛樂

https://youtu.be/kVOKlJ1iMZI

 

卡拉揚指揮柏林愛樂

https://youtu.be/kaHAV_JwT_Y

 

 

柴可夫斯基延伸閱讀:

 

 

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【BON音樂】2020年12月 NSO Live’音樂講座 – 美聲系列 歲末音樂會《北國鐘聲》

【BON音樂】2020年12月 NSO Live’音樂講座 – 美聲系列 歲末音樂會《北國鐘聲》
2020 NSO Vocal Series - The Bells

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2020/21樂季歲末音樂會─《北國鐘聲》

 

NSO LIVE講座

 

 

主講人林仁斌老師簡介

 

 

 

NSO美聲系列 歲末音樂會《北國鐘聲》
2020.12.31 Thu. 19:30 國家音樂廳
【演出人員】
指揮/呂紹嘉
女高音/林玲慧
男高音/鄭皓允
男低音/羅俊穎
合唱指導/古育仲、張維君
合唱團/台北愛樂合唱團

【演出曲目】

穆梭斯基:序曲、〈波斯女奴之舞〉,選自歌劇《霍凡斯基之亂》*
Modest Musorgsky: Introduction, 'Dance of the Persian Slaves' from Khovanshchina

柴科夫斯基:連斯基的詠嘆調,選自《尤金.奧涅金》
Pyotr Ilyich Tchaikovsky: Lensky's Aria from Eugene Onegin

穆梭斯基:〈加冕場景〉、〈鮑利斯之死〉,選自歌劇《鮑利斯.戈多諾夫》
Modest Musorgsky: Coronation Scene, 'The Death of Boris' from Boris Godunov

中場休息

拉赫瑪尼諾夫:《鐘》(給女高音、男高音、男低音與合唱及管弦樂)
Sergei Rachmaninoff: The Bells, Op.35

*Khovanshchina 依照國家教育研究院翻譯為《賀萬席奇納》


節目簡介

上半場是俄羅斯作曲家穆索斯基和柴科夫斯基的歌劇詠嘆選粹。
穆梭斯基歌劇《鮑利斯‧郭多諾夫》取材俄國皇室歷史,無論是庶民觀點或皇室人物的心理描寫,在音樂上都有深切的刻劃。柴科夫斯基歌劇《尤金‧奧涅金》裡連斯基的詠嘆調,唱出對青春的感懷與愛情的渴望。

下半場演出的拉赫瑪尼諾夫《鐘》取材詩人愛倫坡同名詩作,以人聲與管絃樂團編制寫成,描寫人生從童年、長大成人、歷經塵世洗禮,又再歸於平靜的四種階段。

 

作曲家穆梭斯基

作曲家 穆梭斯基

 

簡介(取自維基百科)

莫傑斯特·彼得羅維奇·穆索斯基(俄語:Модест Петрович Мусоргский,1839年3月21日-1881年3月28日),俄羅斯作曲家。他以歌劇鮑里斯·戈東諾夫》、歌曲和鋼琴組曲《展覽會之畫》著名。他與鮑羅丁里姆斯基-科薩科夫居伊以及巴拉基列夫組成「強力集團」或稱「五人團」,被認為是19世紀典型的俄羅斯本土作曲家。穆索斯基早逝,其身後留下很多未完成或未配器的作品,由里姆斯基-科薩科夫格拉祖諾夫拉威爾等人補充完成。穆索斯基(Modest Petrovich Mussorgsky, 1839-1881)為十九世紀中葉重要的俄國國民樂派作曲家。他的作品富俄羅斯民族音樂的精神,除了特別在聲樂作品中講究俄文語法、每首作品的創作概念皆融入民族音樂的律動,加上作曲思維大膽創新、色彩鮮明,濃厚的寫實主義並帶有奔放的野性,使得他在俄國作曲家裡面突顯出個人特色,獨樹一幟。

穆索斯基是普斯科夫一富有地主最小的兒子,他自幼從母親學習鋼琴。7歲的時候穆索斯基已能演奏李斯特的小品。1852年他進入聖彼得堡軍事學院學習,當時他非常喜歡歷史和哲學。也就是這時,穆索斯基開始創作自己的音樂作品,並開始在安東·赫克底下學習鋼琴,而穆索斯基的第一部作品《陸軍准尉波爾卡》也是在赫克幫助下出版的。在他宗教老師Pater Krupski的鼓勵下,穆索斯基開始研究俄羅斯宗教音樂。

1859年的莫斯科之行使得他立志成為一位俄國人民的作曲家。1861年俄羅斯實行的農奴制改革使得他的家庭一落千丈,穆索斯基不得不回鄉,用兩年時間幫助兄弟管理家庭財務。也是出於財政上的困難,穆索斯基只得違願地到沙皇底下供職。1863年他被任命為內政部工程科的聯絡員。1866年他獲得了一次升遷,但很快在1867年5月10日就被辭退。在這段時間,他和另外四位年輕人過行甚密:巴拉基列夫鮑羅丁李姆斯基—科薩科夫。他們討論藝術,研究哲學和評議政治。五個人自稱強力集團或五人團。

除了巴拉基列夫,其他四個都是「音樂愛好者」,並非職業作曲家。但他們反對學術壟斷,提倡俄國的音樂應建立在俄國的民族之上。可惜當時的俄國民眾並未對此表現出理解和支持,以致這一理想未能遂終。

離職後,穆索斯基搬回到農村的兄弟家裡,並且開始創作管弦樂曲。名作《荒山之夜》就是出自於這時期。後來,穆索斯基又搬回到聖彼得堡,並開始著手改編普希金同名戲劇《鮑里斯·戈東諾夫》。1869年1月2日他重操舊職,這次他就職於內政部林業科。其他因素都穩定下來後,穆索斯基迅速編寫歌劇,第一稿在同年12月完成。但歌劇卻被馬林斯基劇院退回,穆索斯基只得對它作大幅的修改。修改版於1872年7月完成。這一版也沒讓穆索斯基獲得成功。但是在一次由一些歌手發起的義演中,歌劇中的三場卻獲得了很高的評價。這一成功也使得馬林斯基的經理對歌劇另眼相待。

1877年3到4月他還為阿列克賽·康斯坦丁諾維奇·托爾斯泰的詩作創作了一系列歌曲,在這些歌曲中可看到他風格技巧的轉變,抒情的曲調和朗誦的演唱結合在一起。

1874年2月8日,歌劇《鮑里斯·戈東諾夫》首演。但也正是此時,穆索斯基開始酗酒,他自己也發覺自己有痴呆的徵兆。但暫時他還能夠在公職那裡保住生計。

1874年6月穆索斯基寫下鋼琴組曲《展覽會之畫》,靈感來自於一次畫作展覽會,會上的作品是由穆索斯基一位已逝世的朋友維克托·阿里山大羅維奇·哈特曼所畫。同時他寫下了聲樂組曲《暗無天日》,這是根據高里尼舍切夫-庫圖佐夫的故事創作的。

1878年他被調到檢驗科工作。在那裡他遇上了一位仁慈的上司,讓他和列昂諾娃(Altistin Daria Leonowa)到烏克蘭克里米亞頓河還有伏爾加河那進行了三個月的音樂之旅。

1880年1月3日穆索斯基因酒癮被政府部門辭退,他有條件地獲得了100盧布離職金,條件就是他要完成歌劇《霍宛斯基黨人之亂》。但這部《霍宛斯基黨人之亂》和歌劇《索羅欽集市》最後都未能被完成。

1881年(42歲)是他人生最後一年,他與列昂諾娃一起。穆索斯基在列昂諾娃在聖彼得堡建立的音樂學校中教授音樂理論。1881年2月23日他再一次拜訪列昂諾娃,但是顯得神情絕望。當晚他癲癇發作,三天後,即2月26日被送到尼古拉耶夫斯基醫院。3月中病情有起色,但他還是在當月28日逝世了。穆索斯基被葬於聖彼得堡亞歷山大·涅夫斯基修道院

 

延伸閱讀:

【BON音樂】什麼是「俄國五人組」(The Mighty Five)?

 

穆梭斯基名作欣賞

《展覽會之畫》- 漫步

https://youtu.be/Sq7Qd9PSmR0?t=94

 

《展覽會之畫》- 基輔城門

https://youtu.be/Sq7Qd9PSmR0?t=1799

 

《荒山之夜》(穆梭斯基原版)

https://youtu.be/tu1no7hOlSs

 


穆梭斯基:序曲,選自歌劇《霍凡斯基之亂》*
Modest Musorgsky: Introduction, 'Dance of the Persian Slaves' from Khovanshchina

 

歌劇《霍凡斯基之亂》(Khovanshchina)因穆梭斯基在1881年逝世,只留下聲樂稿與一小部分管弦樂譜,成為未完成作品。穆梭斯基的好友:林姆斯基-高沙可夫將此曲補成完整的全曲版。

《霍凡斯基之亂》以17世紀後半,俄羅斯歷史上的事件為題材改編:俄國由於政治上、宗教上的複雜原因,對政府懷有不滿的射擊者部隊,在1682年5月15日攻入莫斯科,殺戮掠奪三天。這段歷史被稱為「霍宛斯基黨人之亂」。後來俄皇彼得大帝登基,執政索菲亞之失勢,射擊者部隊受彈壓。這些事件在歷史上前後其實經歷15年時間,但在歌劇裡則描述成在短時間裡發生的暴亂。

穆梭斯基經俄國評論家史塔索夫(Vladimir Vasilievich Stasov, 1824-1906)在創作上給予協助,自己編寫劇本而成的未完成歌劇。

 

序曲《莫斯科河之黎明》(Sun rise at the Moscow-river / À l'aube sur la rivière de Moscou)

此序曲有時被翻譯為「前奏曲」,但總譜上寫為「序奏」(Introduction)。由於旋律優美經常在於音樂會上單獨演奏。

樂曲以變奏曲形式,描寫河流的微波、小鳥的叫聲、河邊寺院早晨的鐘聲等美麗的莫斯科清晨。與劇中人們的激烈的政治戰爭等各項鬥爭,形成全然的對比。

 

序曲《莫斯科河之黎明》

https://youtu.be/FvcEhpWfuRE

 

第四幕

穆梭斯基:〈波斯女奴之舞〉,選自歌劇《霍凡斯基之亂》*

〈波斯女奴之舞〉出現在第4幕第1景。霍凡斯基在餐宴賓客時,令波斯女奴進來跳舞助興。旋律相當具有波斯情調。

https://youtu.be/JeLPCETf0Ic

 

穆梭斯基:序曲、〈波斯女奴之舞〉,選自歌劇《霍凡斯基之亂》*

音樂會演奏版本

https://youtu.be/q2LtkzVQ0JA


柴科夫斯基:連斯基的詠嘆調,選自《尤金.奧涅金》
Pyotr Ilyich Tchaikovsky: Lensky's Aria from Eugene Onegin

 

根據柴科夫斯基弟弟莫德斯特書信記載,柴科夫斯基將普希金的韻文小說《尤金.奧涅金》創作為歌劇,係緣於一次飯局中知名次女高音拉夫羅芙絲卡雅的建議。由於普希金原著為大部份俄語讀者所熟悉,因此柴氏本人在設計劇本時,決定擷取大量普希金原文,以求呈現原文之美,成為了「詩意場景」。

而《尤金.奧涅金》原著是俄國文豪普希金所寫的敘事詩,描寫的是出身聖彼得堡貴族的尤金.奧涅金在愛情上的遭遇。

由於普希金抒情文學的氣息濃郁,柴科夫斯基將原詩中幾個場景刪除,配上音樂與歌詞。

但《尤金.奧涅金》並非歌劇,柴科夫斯基稱之為「抒情場景」(scènes lyriques),也是本劇之副標題。

因為他的重點不是要表現戲劇性,而是要在原詩的抒情性上面,所以留下來的場景算是忠實原作,尤其是全劇最感人的「讀信樂段」。

 

歌劇創作背景與故事簡介:

西元1876年,柴可夫斯基在巴黎欣賞過比才的歌劇《卡門》之後,對於比才只用身邊的人物,就可以描寫出人類的悲劇而深深受到感動。

從此以後,柴可夫斯基也開始尋找同類的題材。

經過朋友的推薦,他開始想將俄國大文豪普希金(AlexanderPushkin,1799~1837)的十四行詩《尤金.奥涅金》寫成歌劇。

因此,在柴可夫斯基完成「第四號交響曲」後,就馬上投入歌劇《尤金.奥涅金》的創作。

這部歌劇是以十九世紀俄國仍處於農奴制度的社會的愛情故事為背景,敘述在鄉村別墅發生的一段年輕人戀情。

柴可夫斯基的歌劇《尤金.奥涅金》中,為了要表現故事裡女主角的純樸,使用了比較短小的序曲,來增加整齣歌劇的親切氣氛,讓聽眾跟著音樂來到俄國鄉村地主的花園。

 

《尤金.奥涅金》序曲

https://youtu.be/qukSg5Tdwwc

 

故事中的男主角奥涅金,因為厭倦了聖彼得堡的生活,來到他將要繼承的鄉村別墅,遇見當地名人的女兒塔姬雅娜。

塔姬雅娜是一位天真浪漫,又愛幻想的年輕姑娘,她多愁善感的個性,和妹妹奥爾加開朗活潑的個性形成對比。

有一天,妹妹奥爾加的未婚夫連斯基,帶著朋友奥涅金一起來拜訪這兩個姊妹。奥涅金的翩翩風采,深深地吸引著塔姬雅娜,於是這位天真的姑娘愛上了來自聖彼得堡的年輕少年。

這樣的邂逅,讓塔姬雅娜的心情一直無法平静,善解人意的奶媽早就發覺塔姬雅娜的心情變化,而純情的塔姬雅娜決定寫信向奥涅金表達自己的愛戀之意~也就是歌劇第二幕中由女高音所演唱的詠歎調「寫信場景』(Puskai pogibnuya,no pryezhde),這首詠歎調亦是整齣歌劇最精彩的部分。

在這段音樂中,輕輕地描繪出一位純潔少女心中的秘密,並表現出戀愛中少女的害羞與激動的心情。

整晚沒睡的塔姬雅娜,在清晨來臨時,將寫好的信交給奶媽,希望能交到愛慕的奥涅金手上,期待奥涅金也會有同樣的回應。

但是,奥涅金卻冷言冷語,指責害羞的塔姬雅娜,並且告訴她,自己不適合當她的丈夫,只能像兄長那樣地愛她,令塔姬雅娜十分的傷心與失望。

而在另一天,家裡為塔姬雅娜的生日舉辦一場盛大的舞會。

奥涅金在好友連斯基的強迫下,也來參加這場生日宴會,但是心中卻十分埋怨連斯基的好意。

為了要激怒連斯基,奥涅金在舞會中故意親近連斯基的未婚妻奥爾加,引起連斯基妒火中燒,對奥涅金破口大罵,並且邀他決鬥。

這時,奥涅金對自己的行為開始感到後悔...但是,一切都已經來不及了!

連斯基衝出門外,準備和他來個生死對決。

奥涅金自知理虧,但為了面子,也只好答應接受挑戰。

隨後,場景來到城郊的小河邊,時間是冬天清晨,連斯基和奥涅金決鬥的時刻來臨。

連斯基和他的助手先行來到。

他望著地上的白雪,若有所思地感嘆逝去的青春時光,以及對未婚妻奥爾加的愛。

這段由連斯基所演唱的《我的青春哪裡去了》』(Kuda,kuda,kuda vi udalilis),洋溢著深情動人的情感,可說是劇中最膾炙人口的詠歎調。

https://youtu.be/Deu6aM5BoOU

 

男高音溫德利希 中/德字幕演唱版本

 

 

連斯基回顧過去他與奥涅金的情誼,同時他似乎也有著預感,這次與奥涅金的生死決鬥,將是他告别人世的時刻。

不久,奥涅金在助手陪同下也出現了。

過去曾經是好朋友的奥涅金和連斯基,現在卻為了小事而反目成仇,兩個人的心裡都知道自己既無聊又愚蠢,但為了尊嚴和面子,誰也不願意低頭。

等到助手談好決鬥規則後,連斯基與奥涅金拿起槍枝,進行決鬥。

在一聲巨大的手槍聲後,連斯基應聲倒地,奥涅金從此失去了他的好友。

奥涅金親手殺了自己好友,於是將自己流放,遠走是非之地多年。

經過幾年後,人事也有了極大改變,場景來到聖彼得堡上流社會中的舞會大廳裡。

柴可夫斯基為這個場景寫下現在經常被單獨演奏的管弦樂曲「波蘭舞曲」(Polonaise),強勁的節奏和華麗的管弦樂手法,彷彿也讓聽眾來到了富麗堂皇的舞會。

https://youtu.be/iwZF0JIRFqA

 

在這場豪華宴會中,大家都期待看到傳聞中美若天仙的伯爵夫人。

這時,奥涅金發現這位美麗的伯爵夫人,居然就是當年遭到自己拒絕的塔姬雅娜!令他心中懊悔不已。

並開始對塔姬雅娜熱烈追求,雖然塔姬雅娜對於和初戀情人的重逢,也是心亂如麻,但是,經過內心掙扎後,塔姬雅娜為了保持自己的名譽,懇求奥涅金離開,並告訴奥涅金,他已經錯過機會,而且她決心留在先生的身邊。

塔姬雅娜向奥涅金說了最後一聲再見,就起身離開,留下奥涅金獨自懊悔。(劇終)


驚人的巧合

創作歌劇《尤金.奥涅金》的柴可夫斯基,在現實生活中也有著和劇情相似的巧合。

在柴可夫斯基37歲寫下歌劇《尤金奥涅金》的同一年(西元1876年),他就像劇中的奥涅金一樣,有一位音樂學院的女學生安東妮娜.米留可娃,熱烈地寫情書給自己。

不過,柴可夫斯基遇到的音樂院女學生,卻比《尤金.奥涅金》中的塔姬雅娜,採用更激烈的手段。

女學生聲稱如果柴可夫斯基不娶她,她就要自殺。

柴可夫斯基對這樣的追求非常困惑,因為他對安東妮娜米留可娃並沒有感情。

柴可夫斯基後來雖然勉為其難地娶了她,但這段失敗的婚姻只持續了一個月。

柴可夫斯基與米留可娃

 

柴可夫斯基和安東妮娜米留可娃離婚之後,在幾乎是精神崩潰的邊緣下逃離了俄國,直到獲得梅克夫人經濟和友情上的協助之後,才重新展開他的人生,並且完成歌劇《尤金.奥涅金》。

「人生如戲.戲如人生」,在歌劇《尤金.奥涅金》,各位或許可以一窺柴可夫斯基創作時所投射的內心世界。

 

普希金生平(選取自維基百科)

出生於莫斯科,從1805年到1810年他每年夏天都在他祖母處在莫斯科附近的一個村莊裡度過。他童年的這些生活經驗後來都體現在他早年的詩中。

普希金在位於皇村的帝國學院中就學六年,這是一個1811年10月19日成立的優秀學院。

今天,這個學院被稱為普希金學院。

在這段時間裡普希金經歷了1812年對抗拿破崙的戰爭。

1815年普希金的第一首愛國詩被發表。

雖然他當時還是一個學生,他被聖彼得堡的一個文學協會阿爾扎馬斯接納為會員。

這個協會反對當時盛行的保守的、硬板的語言文字,提倡俄羅斯語言。

普希金早年的詩充滿了生機。

1816年他的詩的風格突然轉變了,哀歌成為他最主要的作品。

1817年普希金畢業,他在彼得堡的外交協會任秘書。

他經常去劇院,參加阿爾扎馬斯的會議。

他還加入了一個稱為「綠燈」的文學和劇作團體。

這個團體與當時貴族中反對沙皇專制的團體有一定的聯繫。

雖然普希金沒有參加他們的政治運動,但他與這個運動中的許多人是好朋友,他寫的諷刺短詩受到了這個運動的影響。

在這段時間裡他一直在寫一部長詩《魯斯蘭與柳德米拉》,這部長詩從他還在學校裡的時候就開始了。

1820年5月他完成了這部長詩。但當時的批評界對它的評價非常糟。

1820年初,普希金的一些諷刺詩給他帶來了麻煩,在這些詩裡他嘲諷了一些當權的人,比如當時的國防部長和教育部長。

在一些有權勢的朋友的幫助下他沒有被流放到西伯利亞,但他依然不得不離開聖彼得堡。

他被下放到克里米亞。到1824年為止他在南俄不同的地方居住。

從1823年開始他開始寫長詩《尤金.奥涅金》,這部長詩他一直到1830年才完成。

他的悲劇《鮑里斯・戈都諾夫》亦昭示著他離開當時迂腐的俄羅斯詩歌,走向全新題裁的創作。

1826年沙皇尼古拉一世接見他後,他重新被允許在莫斯科和聖彼得堡居住。

但沙皇親自檢查他的創作,他的作品和他的生活都受到了嚴格的監視。

這也體現在了《尤金.奥涅金》的創作中。

普希金這段時間生活得非常不快,因為他無法按照自己想要的生活。

1831年普希金結婚,但據說結婚當晚普希金手中的蠟燭忽然熄滅,讓普希金一驚,這彷彿也預告了他不幸的將來。

婚後與夫人遷居聖彼得堡,夫人娜塔莉亞.剛察洛娃成為當時聖彼得堡社交界著名的美人,被譽為「聖彼得堡的天鵝」,美貌令其在當時的俄國宮廷中受到歡迎。

普希金夫婦因而成為宮廷活動中的常客。

然而這種上流社會的生活加重了普希金的經濟負擔,雖然因為他的名氣與其妻子與宮廷的接近,沙皇允許普希金在檔案局研究文獻,方便寫作《彼得大帝史》。

但普希金仍然非常不快,他經常與人爭執,而且往往出於無足輕重的原因。

他這段時裡的作品都出現沉重的精神壓力,直到1836年他才被允許發行一部他自己的文學雜誌。

這個時期有一名法國流亡保皇黨人喬治·丹特斯瘋狂愛上他的夫人岡察洛娃,兩人經常相約共舞。

後來普希金接到侮辱他的匿名信,信裡笑他是烏龜。

1837年2月8日,普希金忍無可忍,為了名譽,他與丹特斯進行決鬥,結果腹部受了重傷,兩天後去世。

普希金之死,當時的報紙刊載:「俄羅斯新詩的太陽殞落了...」


穆梭斯基:〈加冕場景〉、〈鮑利斯之死〉,選自歌劇《鮑利斯.戈多諾夫》
Modest Musorgsky: Coronation Scene, 'The Death of Boris' from Boris Godunov

 

延伸閱讀

夏爾克文章:
歌劇:鮑利斯‧郭多諾夫全劇的音樂與故事( Mussorgsky Boris Godunov)

 

影片欣賞〈加冕場景〉

https://youtu.be/UEBq-gsdI58

 

穆梭斯基:〈鮑利斯之死〉

https://youtu.be/T-d5wSMKR-Q


拉赫瑪尼諾夫:《鐘》女高音、男高音、男中音與合唱及管弦樂)
Sergei Rachmaninoff: The Bells, Op.35

 

拉赫瑪尼諾夫(Sergei Rachmaninoff, 1873-1943)近代俄羅斯浪漫主義作曲家。 他創作了大量的樂器和聲樂作品,是近代俄羅斯音樂創作裡不可或缺的的重要作品。

一生中他創作了兩首重要的合唱作品:

其一是天主教彌撒為背景的《徹夜禱》(Vsenoschnoye Bdeniye)或(All-Night Vigil)Op。37。

其二便是這場音樂會的《鐘》。

作曲家根據俄羅斯詩人康斯坦丁·巴爾蒙特(Konstantin Balmont)翻譯之愛倫坡(Edgar Allen Poe,1809-1849)的同名《The Bells》四聯詩集(four linked poems),創作為合唱曲《鐘》。

這是一部不朽的合唱交響曲,拉赫瑪尼諾夫將其視為他的最佳作品。

 

在接下來的文字,您將發現這一強大的作品如何受到愛倫·坡的詩歌的啟發,預示了俄羅斯在20世紀將面臨的動盪:

 

1912年夏天,莫斯科音樂學院大提琴系學生瑪麗亞·丹尼洛娃(Mariya Danilova)發現了詩人康斯坦丁·巴爾蒙特(Konstantin Balmont)俄語翻譯的埃德加·愛倫·坡(Edgar Allan Poe)的詩作《鐘》。

她立即感到這首詩是乞求被加上音樂的,而在她的腦海裡只有一位作曲家能作這首詩樂。 她製作了副本,然後將其發送給Sergei Rachmaninoff。

 

拉赫瑪尼諾夫作曲後回憶說:「我讀了瑪麗亞寄來的愛倫坡詩歌,並立即決定將其用於四個樂章中的合唱交響曲。」

 

次年,1913年冬天,他與家人一起住在羅馬,開始著手創作作品。

為了專心創作,拉赫瑪尼諾夫在羅馬知名地標「西班牙階梯」(Spanish Steps)附近租了公寓。

他特別要求希望要是「安靜、陰暗」的環境,無意中他選中了之前與柴可夫斯基創作的相同房間,因此就在與柴可夫斯基曾經作曲的相同環境之下,他完成了《鐘》這首合唱交響曲。

 

1890年代的羅馬「西班牙階梯」照片:

 

附帶一提,「西班牙階梯」後來成為超級觀光熱點,因為奧黛麗赫本的知名電影《羅馬假期》,亦在此取景:

奧黛麗·赫本 知名電影《羅馬假期》

 

她坐在階梯旁留下美麗的照片:

 

於是成為了許多觀光客與網美們熱門拍照景點:(照片取自網路)

 

「西班牙階梯」全景

「西班牙階梯」全景

關於愛倫坡《鐘》原詩與再翻譯詩

愛倫·坡Edgar Allan Poe, 1809.01.19. - 1849.10.07.),美國作家詩人編輯文學評論家,被尊崇是美國浪漫主義運動要角之一,以懸疑及驚悚小說最負盛名。愛倫·坡是美國的短篇小說先鋒之一,知名作家蕭伯納更曾說過:美國出了兩個偉大的作家——愛倫·坡馬克·吐溫

《鐘》是一套四首詩集,於1849年(作者去世不久)出版,涵蓋了生命的四個不同階段:出生,婚姻,危機和死亡。是他的幾部作品中較被大眾所遺忘的作品之一。

 

讓我們來看四樂章最初的意涵:

愛倫·坡(Edgar Allan Poe)原創的《鐘聲》(The Bells),四聯詩裡各具有不同類型的鐘聲,形成了鮮明的對比。

每個鐘有著不同的名稱,且與人類生命的階段有關。

“銀鈴”(The Silver Bells)宣誓著「初生」,

“婚禮鈴”(The Wedding Bells)裝飾著婚禮,

“警鈴”(The Alarm Bells)描繪出人生中的困擾,

“亡鈴”(The Death Bells)自然地闡釋生命之盡頭。

例如第一樂章,愛倫坡原詩:(僅翻譯大意

“Listen, hear the silver bells!

Silver bells!
How they charm our weary senses with a sweetness that
In the ringing and the singing that of deep oblivion tells. Hear them calling, calling, calling,
Rippling sounds of laughter, falling
On the icy midnight air;
And a promise they declare
That beyond illusion’s cumber,
Births and deaths beyond all number,
Waits a universal slumber-deep and sweet past all compare Hear the sledges with the bells,
Hear the silver throated bells;
See, the stars bow down to hearken, what their melody foretells, With a passion that compels,
And their dreaming is a gleaming that a perfumed air exhales And their thoughts are but a shining
And a luminous divining
Of the singing and ringing that dreamless peace foretells

“聽著,聽到銀鈴!

銀鈴!
它們如何以甜蜜的方式吸引我們疲倦的感官
在忘卻的響聲和歌聲中訴說著。
聽到他們打來的,打來的,打來的,
漣漪的笑聲,跌落 冰冷的午夜空氣;
他們宣誓的諾言 那不只是幻想的麻煩,
出生和死亡人數之多,
等待著普遍的沉睡和甜美的過去,
相比之下,聽著雪橇和鈴鐺,
聽到銀喉的鈴鐺;
看到,星辰彎下腰來聆聽,
他們的旋律預言,帶著強迫的激情,
他們的夢想是閃爍著芬芳的空氣呼嘯而過的光芒,
而他們的思緒不過是閃耀的 和發光的占卜
在夢魅以求的和平預言中
 

 

巴爾蒙特本身就是一位傑出的詩人,他並未採取「直譯」方式,而是幾乎極大地改變了愛倫坡原詩裡的語調和含義,並特別增加了他自我感知裡,對俄羅斯的內涵共鳴。

例如:巴爾蒙特卻會在這樣的詩裡,自己加入了「遺忘」與悲情的元素:

With their singing and their jingling they tell of 「oblivion」.
Oh, how clearly, clearly, clearly, like the ringing laughter of a child.

 

這樣的悲傷元素其是原詩裡沒有的

因此,巴爾蒙特版本的譯詩,無形中以他個人對於此詩的理解,卻增添了許多原本愛倫坡詩中所未具備的「憂愁」與「哀傷」。

 

上述我們提到,拉赫瑪尼諾夫以詩人康斯坦丁·巴爾蒙特(Konstantin Balmont)的翻譯本作為基礎,創作了《鐘》。

然而

巴爾蒙特翻譯的《鐘》,有著更多的哀愁與不安,或許這與當時代俄羅斯動盪的政治氛圍與不安的環境有絕大的關聯,

雖然我們可說這樣更明顯地具有俄羅斯之聲,但原詩原意卻已經遭到一定幅度之改造。

加上巴爾蒙特版本是拉赫瑪尼諾夫所接觸之唯一版本,

因此,其實我們可以直接說:巴爾蒙特版本裡的悲情俄羅斯觀點,無形中加重了拉赫瑪尼諾夫對於此曲的陰暗感,也無怪乎拉赫瑪尼諾夫使用了拉丁文《神怒之日》(Dies Irae)主題於此套《鐘》裡,為樂曲增添了陰鬱的氣氛。

談鐘聲

「鐘聲迴盪之聲」,幾乎是另一種俄羅斯音樂的重要元素。

對於《鐘》的創作,拉赫瑪尼諾夫曾說:「教堂的鐘聲深入著我曾經知道的俄羅斯所有城市-諾夫哥羅德,基輔,莫斯科。」

「鐘聲從小到大都陪伴著每個俄羅斯人,沒有作曲家能擺脫他們的影響。」

「我一生都為快樂的鈴聲和悲哀的鐘聲所帶來的不同心情和音樂而高興。而對鍾聲的熱愛在每個俄羅斯人中都是固有的情感。」

「如果我能使作品中的鈴聲隨著人的情感而振動,那是因為我一生的大部分時間都生活在莫斯科的鈴聲中……。」

「在一個羅馬的下午,我聽到了愛倫坡的詩句,我聽到了鐘聲,並試圖在紙上寫下他們可愛的音樂之聲,這些音樂表達了人類經歷的各種陰影。」

 

俄羅斯白銀時代的世界末日遠景

許多人注意到《鐘》(或俄語名稱:「Колокола」「發音:Kolokola」)中的黑暗陰沈氣氛。

11月30日在聖彼得堡舉行的首演評論寫道:「誠懇和自發性一直很接近拉赫瑪尼諾夫的繆斯女神,但在這種悲慘的悲痛背景下,無望的痛苦和絕望的濃淡陰影首次出現在《亡者之島》中 在《鐘聲》中以異常清晰的方式展現自己。 拉赫瑪尼諾夫(Rachmaninoff)的新詩用特殊的力量聽到了一顆偉大而高尚的心靈的悲觀熱情和崇高的悲劇特徵。」(Sincerity and spontaneity have always been close to Rachmaninoff’s muse, but against this tragic, sorrowing background, the concentrated shades of hopeless anguish and despair that first appeared in The Isle of the Dead reveal themselves with unusual clarity in The Bells. In Rachmaninoff’s new poem are heard with special force the pessimistic passion and sublime tragedy characteristic of a great and noble heart.)

 

即使是氣氛較為歡快的樂章中,死亡的陰影似乎仍徘徊在某些樂段裡。

這某方面來說,或可歸因於拉赫瑪尼諾夫(Rachmaninoff)作品中的憂鬱氣質,但當時的歷史背景也可能影響了這首創作。

1905年失敗的俄羅斯民主革命似乎是俄羅斯擺脫獨裁制和和平解決整個帝國不斷增長的社會動蕩的最佳機會,

但沙皇尼古拉二世阻止了這場革命,再次確立了他高壓迫性和日趨無能的統治。

閃閃發光的羅曼諾夫王朝,也即將邁入最後幾年的末日,大時代籠罩著即將來臨的厄運感。

幾乎俄羅斯人都悲觀地意識到,可怕的政治局勢是站不住腳的,但是除了等待未來期盼的真正民主自由到來前,人民是別無選擇的,只能憂傷。

 

藝術家對大環境的反應有多種方式。

世界末日論風起雲湧,象徵主義和唯心主義的退縮也是如此。

史克里亞賓的音樂就是這種令人興奮的混合體。

也有作曲家以俄羅斯史前的歷史為靈感,試圖以原始主義的震撼振興腐朽和腐朽的文明—史特拉汶斯基的《春之祭》受到了這些潮流的影響。

然而,拉赫瑪尼諾夫(Rachmaninoff)仍然以浪漫主義的傳統為基礎,著重於人類心理、記憶,與每個人的內在。

在《鐘》中,他對此時俄羅斯的沈重歷史的反應,也似乎充滿了這種對末日與悲劇無法抗拒的基調:也許由於這些原因,《鐘聲》具有明顯的悲劇基調

在他創作時的1913年冬天,後來1917年俄國革命尚未發生,但這逐漸醞釀的悲劇氛圍,似乎已經在拉赫瑪尼諾夫的作品中預示可見。

《鐘》的四章,就像以音樂描繪人生:從童年、長大成人、歷經塵世洗禮,又再歸於平靜的「起承轉合」,人的一生似乎盡在其中。


第一樂章:“銀鈴鐘聲”(The Silver Bells)- 宣誓著「初生
男高音、合唱與管絃樂團

https://youtu.be/h4b08aVZn0w

00:00 - I. Allegro ma non tanto ('The Silver Sleigh Bells')

06:47 - II. Lento ('The Mellow Wedding Bells')

17:40 - III. Presto ('The Loud Alarum Bells')

26:16 - IV. Lento lugubre ('The Mournful Iron Bells')

 

四首詩的第一首被稱為“銀鈴”(Silver Bells),描述寒冷的冬夜裡,高高興興地駕著雪橇的快樂記憶

它以出生和生命的歡樂為中心,以“聽到鐘聲的雪橇”為開頭。

這首詩中的鐘聲被描述為銀色,代表著生命的新生。

鐘聲“預言家”帶來的“歡樂世界”帶來了希望和光明。

愛倫坡坡在整首短詩中還使用擬聲詞「叮噹響,叮叮噹當,叮噹響」(tinkle, tinkle, tinkle)來延續這種希望。

這銀鈴亮麗的鐘聲,如同銀色聖誕與冬日佳節般,在人們的生活中,營造出一種奇妙、歡樂的氛圍。

 

第一樂章部分詩詞(僅翻譯大意

“聽見鍾聲的雪橇
銀鈴!
他們的旋律預言真是個多麼快樂的世界!
他們如何叮叮噹當。
在夜晚的冰冷的空氣中!
雖然星星灑得太多
整個天堂似乎都在閃爍
帶有水晶般的愉悅;
用一種符文韻律
從音樂的鐘聲到鐘聲,
從鐘聲,鐘聲,鐘聲,鐘聲 鐘聲鐘聲
從鈴鐺的叮噹聲和叮噹聲開始。”
“Hear the sledges of the bells
Silver Bells!
What a world of merriment their melody foretells!
How they tinkle, tinkle, tinkle.
In the icy air of night.While the stars that oversprinkle
All the heavens, seem to twinkle
With a crystalline delight;In a sort of runic rhyme,
To the tintinnabulation that so musically wells From the bells, bells, bells, bells
Bells, bells, bells
From the jingling and the tinkling of the bells.”

 

上述詩詞裡的「鐘聲」的是關鍵要素之一,是重複性與擬聲詞的使用。

例如,在上面的詩詞裡中,愛倫坡使用重複“鐘聲”和“閃亮”這兩個詞,以這種重複以及富有節奏的元素,在文字中模仿出鐘聲敲擊的節奏。

而拉赫瑪尼諾夫在創作時,不僅使用巨大的管弦樂團來發揮其威力,還利用其樂團豐富的色彩效果,喚起鐘聲,還激發出雪花,閃閃發光的星星以及在冬季裡雪橇加速行駛、鈴鐺噹噹響著的快樂感受~

這首詩將這一樂章的叮叮噹當的雪橇鈴鐺與孩子們的笑聲進行了比較。

男高音獨唱者唱著說,鐘聲講述了聖保羅在對哥林多人的第一封書信中所描述的複活的預言,那時“死者應被廉潔地舉起”。在此期間,死者沉睡著,等待著復活。拉赫瑪尼諾夫用歌聲,生動地喚起了這些初生的靈魂。


第二樂章:“婚禮鐘聲”(The Wedding Bells)- 裝飾著婚禮
女高音、合唱與管絃樂團

https://youtu.be/UdUThLpuBJ4?t=409

第二首詩的標題是“婚禮的鐘聲”。 它在自然界也很歡快,慶祝著人生,締結婚姻的早期里程碑。(五子登科嘛~)

*筆者註:我們常說的「五子登科」,指的是妻子、孩子、房子、銀子(存款)、車子。

 

愛倫坡的詩與中文翻譯:(僅翻譯大意

“Hear the mellow wedding bells
Golden bells!
What a world of happiness their harmony foretells! Through the balmy air of night
How they ring out their delight!

“From the molten-golden notes,
And all in tune,
What a liquid ditty floats
To the turtle-dove that listens, while she gloats On the moon!

Oh, from out the sounding cells, What a gush of euphony voluminously wells !

How it swells
How it dwells

On the Future!

how it tells Of the rapture that impels

To the swinging and the ringing Of the bells, bells, bells,

Of the bells, bells, bells, bells, bells, bells, bells

To the rhyming and the chiming of the bells!”

“聽見圓潤的婚禮鈴聲
金鈴!
他們的和諧預示著多麼幸福的世界!
通過夜晚的溫和空氣 他們如何發出喜悅!
“從熔金色的音符中,
一切順利
多麽棒的醇液
當她在月亮上歡呼時,聽著那隻斑鳩!
哦,從發聲的細胞中,大量湧出的諧音湧出! 它如何膨脹
它如何居住
在未來!它如何訴說著令人著迷的狂喜 鐘聲,鐘聲, 鐘,鐘,鐘,鐘,鐘,鐘 為了鐘聲的諧和與鐘聲的共鳴 

 

第二樂章以類似於第一節經文的方式開始。

但是,第二樂章的鐘鈴更「柔和」。

它們如同詩般,像結婚戒指一樣是金色的,雖然這首詩也充滿希望,但它卻蘊含著更加持久,熱情的喜悅。

這首詩用「狂喜」和「金色調」之類的詞來喚起如繪畫般的成熟描繪。

與第一段詩詞相同,多次重複使用「鐘聲」一詞,強調了重複性與擬聲詞。

拉赫瑪尼諾夫於音樂中使用了《神怒之日》(Dies Irae)的前四音符,並將《神怒之日》(Dies Irae)主題轉變為浪漫主題。

 

《神怒之日》(Dies Irae)(末日經)是關於末日審判的傳統中世紀頌歌,已成為音樂中的死亡象徵。

https://youtu.be/RMZPdSo2qUQ

 

Dies Irae

Day of Wrath 神怒之日

Dies irae, dies illa
solvet saeclum in favilla, teste David cum Sibylla.
Day of wrath, day that will dissolve the world into burning coals, as David bore witness with the Sibyl.
Quantus tremor est futurus, quando iudex est venturus cuncta stricte discussurus! How great a tremor is to be, when the judge is to come briskly shattering every grave.
Tuba mirum spargens sonum per sepulcra regionum,
coget omnes ante thronum.
A trumpet sounding an astonishing sound through the tombs of the region
drives all men before the throne.
Mors stupebit et natura, cum resurget creatura iudicanti responsura. Death will be stunned and so will Nature, when arises man the creature
responding to the One judging.
Liber scriptus proferetur, in quo totum continetur unde mundus iudicetur. The written book will be brought forth, in which the whole record of evidence is contained
whence the world is to be judged.

Iudex ergo cum sedebit, quicquid latet apparebit; nil inultum remanebit.

 

Therefore, when the Judge shall sit,
whatever lay hidden will appear; nothing unavenged will remain.

 

《神怒之日》(Dies Irae)(末日經)中文翻譯

取自網路,李宛蓁製作簡報。在此謹致上萬分謝忱。

 

在合唱團首次進入後不久,獨奏法國號也暗示了華格納的《崔斯坦與伊索爾德》的前奏曲主題,這齣歌劇探討了致命愛情的主題,並以著名的「愛之死」作為結尾,女主角最終死於愛情,在幸福中也似乎預示著隱隱的不安之感。

在華格納(Wagner)的樂劇中,愛情的圓滿與死亡習習相關,常被自由、救贖等等帶來的世俗主題聯繫。

在女高音獨奏家高亮的旋律線條之下,主題與《鐘聲》的文字與音樂產生共鳴。

第二樂章的節奏緩慢,作曲家描述了伴隨著金色婚禮鈴響的結婚儀式。

這首詩是對摯愛者雙眼的感性冥想,沒有直接提及死亡。

由於《神怒之日》的使用在本樂章中,伴隨著俄羅斯教堂鐘聲的獨特聲音。如您在本樂曲中將聽到的:許多不同大小的鈴鐺會同時響起,創造出作曲家心中的鐘聲,而且大型、較低的鐘,音波共鳴傳遞的速度較慢,較小、音域高的鐘聲則更傳遞快,音準也高。

所以這些大小重疊的鐘聲,可能產生複雜的節奏(3:2 or 4:3),並且鐘聲的音高,甚至可能產生中世紀時所禁忌的三度音程。


第三樂章:“警鈴”(The Alarm Bells) - 描繪出人生中的困擾

合唱與管絃樂團

https://youtu.be/UdUThLpuBJ4?t=1061

第三樂章從我們身處的現實世界,突然過渡到預言世界。

不停敲響的的鐘聲,如同末日警鐘:哭泣,哭泣,大喊,因為可怕的大火吞沒了大地。

樂章悄悄地開始了,好像激烈的火花般,迅速地燃燒開來,換成為了激烈的管弦樂團演奏。

在管弦樂團熱烈的演奏中,清楚地傳遞出俄羅斯教堂鐘聲的獨特聲音。

隨著永無止境的大火,不斷蔓延似乎預告著動人心魄的事件即將發生,音樂更是達到了令人痛苦的激昂高潮。

現在回顧當時歷史背景下,這音樂似乎預示著四年之後,1917年突然爆發的俄國革命,以及隨後的俄國內戰期間的種種戰爭與暴力。

確實,在這個動蕩的時期,拉赫瑪尼諾夫(Rachmaninoff)自己在俄羅斯鄉村的摯愛之家將被焚毀。

 

此樂章警鐘的恐怖,以及即將接續進入最終樂章,代表喪葬的鐘聲即將殘酷地響起。

 

第四樂章:“亡鈴”(The Death Bells)- 自然地闡釋生命之盡頭。

男中音、合唱與管絃樂團

https://youtu.be/UdUThLpuBJ4?t=1577

首先開場的是憂鬱的英國管獨奏。

拉赫瑪尼諾夫指出:“必要的葬禮結局是柴可夫斯基的先例,”他指的是柴可夫斯基交響曲的《悲愴》緩慢而致命的結局。

確實,拉赫瑪尼諾夫(Rachmaninoff)在男中音獨奏家和合唱團演唱的那一刻,將柴可夫斯基的首字母寫到了親筆簽名中,

“因為我們回想起閉著眼睛時,我們會抽泣,我們的心臟會保持靜止。”

拉契瑪尼諾夫傳記作家巴里·馬丁(Barrie Martyn)建議,這段話中的降序下行音階旋律改編自柴可夫斯基歌劇《黑桃皇后》第二幕,儘管柴可夫斯基在其最後幾年創作的許多旋律具有類似的降序形狀(我們可以從他的交響曲《悲愴》中來觀察這個主題) 。

當歌手們唱出了描述了聳立在教堂塔樓鐵鈴上的超自然人物的可怕笑聲時,達到了令人痛苦的高潮。

經過激烈的樂段之後,中提琴開始演奏一個簡單而遞減的人物,這是拉赫瑪尼諾夫(Rachmaninoff)多年以前第一次聽到的。

“我最喜歡的童年回憶之一是與諾夫哥羅德聖索菲亞大教堂的大鈴鐺的四個音符有關,當祖母在教堂節那天帶我到鎮上時,我經常聽到這些音符,”拉赫瑪尼諾夫回憶道。

鐘聲是藝術家。

四個音符反覆出現,四個銀色的哭泣音符,籠罩在周圍不斷變化的伴奏中。

「我總是把眼淚與他們聯繫在一起。」

拉赫瑪尼諾夫(Rachmaninoff)將這個具有四個音符的人物融合在一起,並且在獨奏家和合唱團再次演唱他們的最後一句歌詞時,再次出現在鐘聲中。

 

最後,留下管弦樂團,以溫暖的旋律為聽眾帶來希望。

https://youtu.be/h4b08aVZn0w?t=1992

 

鐘聲以教會終止完全和諧的和聲進行至結束,這代表著:「阿門,靈魂安息吧」 的傳統和聲。

 

 

《鐘》現場演出Live'版本欣賞

https://youtu.be/fvy0nN5t0Po

I. "The Silver Sleigh Bells" : 00:44

II. "The Mellow Wedding Bells" : 7:30

III. "The Loud Alarm Bells" : 18:18

IV. "The Mournful Iron Bells" : 26:50

 

 

《鐘》第一樂章之鋼琴改編版本(特里福諾夫改編)

https://youtu.be/ON_69k644Tg

 

 

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蹦藝術執行長/知名音樂導聆人林仁斌老師,每週四晚間19:00-21:10之愛樂班音樂欣賞講座:結合古典音樂理論基礎,欣賞延伸音樂各類主題、電影音樂、爵士音樂與歌劇、音樂劇與芭蕾舞劇等等,帶給愛樂同學們多元化之音樂藝術饗宴。歡迎您的加入~

 

 

講座地點

每週四晚間之演講地點於「崇友文教基金會」(台北市100公園路30號10樓A室)

鄰近捷運「台北車站」或「台大醫院站」(可點按↓地圖進入 Google Map 頁面)

 

林仁斌老師簡歷:

 

蹦藝術執行長 林仁斌
演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家。
節慶長笛樂團|團長&樂團指揮  
蹦藝術|BONART 藝術網站 執行長
https://bonart.com.tw

曾師事法國長笛大師:Philippe Bernold、Jean Ferrandis、Georges Alirol 、PatrickGallois 與 Philippe Pierlot。曾多次與巴黎師範音樂院管弦樂團協奏巡迴演出且於巴黎各地,亦曾「法國巴黎國際藝術村」(Citédes Arts de Paris)舉辦長笛獨奏會並於巴黎、西班牙等地獨奏演出。

多年來以長短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國內外音樂會,其指揮編制由長笛家族室內樂團、管樂團與交響樂團等等於台灣於國家音樂廳、國家演奏廳、新舞台、台中中興堂與各縣市文化中心等場地演出;並曾赴韓國濟州管樂節、多屆日本國際長笛年會日本東京、濱松、川崎等地音樂廳與義大利國際遊輪歌詩達維多利亞號指揮或協奏演出,國內外演出經驗豐富。

除曾與國際長笛名家Philippe Bernold、Benoît Fromanger 等大師合作音樂會演出外,多年來獲邀參與新象藝術「台灣國際長笛藝術節」演出,為台灣活躍之長笛演奏家,並創辦節慶長笛樂團,擔任團長與樂團指揮。

2010年起,林仁斌老師陸續出版長笛與吉他演奏專輯⟪夜間咖啡館⟫,專輯出版後深獲各界好評,並入圍「MUZIK 2010年唱片大賞」之⟪年度台灣出版音樂唱片⟫。歷年出版專輯另有:⟪妳的.我的⟫、⟪華麗聚焦~雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜⟫、⟪動物狂歡節⟫&⟪華麗聚焦II~卡門⟫、⟪李哲藝劇場音樂作品【室內樂篇】⟫等六張長笛演奏專輯,為台灣近年長笛演奏專輯出版數量最豐之長笛演奏家。

目前林仁斌亦擔任節慶長笛樂團團長與樂團指揮與台北市立蘭雅國中管弦樂團與管樂團指揮。

多年來林仁斌以音樂文字與攝影活躍於國內外藝文圈,撰寫文章並拍攝訪問音樂家無數,作品見於國內外音樂家演出海報、影片、部落格與雜誌,並同步於【蹦藝術|BONART】網站中刊載;林仁斌老師總場數每年超過百場之各類演講(華泰王子大飯店、各藝文單位、中心與台灣索尼SONY數位教室),其撰文與豐富音樂資料亦可見於【蹦藝術|BONART】網站。

 

報名資訊與費用
每期15堂課共3600元整(可預約報名旁聽一堂)

課程負責人:Ruby
聯絡電話:0937-067-628 (請於14:00-20:00來電)

2021年上半年講題一覽

 

本學期講座特色:

2021年 1月份 電影配樂賞析

從奧斯卡配樂大師顏尼歐.莫瑞康尼的生平與經典作品介紹,再結合日本銷售數百萬冊的《蜜蜂與遠雷》電影版,延伸探討古典音樂國際大賽之議題,讓農曆年前的講座輕鬆但卻深入

2021年上半年第一學期

開春後先從兩部經典紀錄片《帕沃賈維.揮出神曲》與《帕華洛帝.世紀男高音》,讓同學們輕鬆賞析世界一流音樂家的面面觀;接著回到柴可夫斯基專題,介紹這首獨立無編號的交響曲《曼弗雷德》與經典芭蕾舞劇《天鵝湖》。

在之後安排音樂劇《愛無止境》(歌劇魅影續集)以及音樂劇電影《魔法黑森林》讓同學們品味音樂劇帶來,結合歌詞、音樂、影像等等之不同層次美感。

最後五堂課,我們將進入作曲家專題:拉赫曼尼諾夫。

我們將介紹這位身兼鋼琴家與作曲家的一代「巨人」,他的人生故事以及最知名的第二號與第三號鋼琴協奏曲,為這學期的欣賞課程劃下完美的句點。

※今年因為新冠肺炎 COVID-19 的嚴重疫情,全世界都受到嚴重影響。講堂學員位置與上課位置,亦拉開安全距離,讓大家在欣賞音樂之餘,能夠對於上課環境更加放心。


歡樂的每週四音樂講座課堂,邀請您一同參與我們,感受音樂藝術之美~

2020917 週四愛樂欣賞班同學們於新學期開季後,拍攝於崇友藝文講堂
2020917 週四愛樂欣賞班同學們於新學期開季後,拍攝於崇友藝文講堂

 

20200611 週四愛樂欣賞班同學拍攝於崇友藝文講堂

 

林仁斌老師與每週四台北愛樂音樂講座班學員們
林仁斌老師與每週四愛樂音樂講座班學員們

 

用心的班長Ruby,每學期末還會舉辦聯誼聚餐或旅遊活動,聯繫同學們的感情

20191229 愛樂音樂講座學員與眷屬旅遊

 

20181216 音樂講座十週年盛大聚餐,滿滿96人歡慶 🎉

20181216 愛樂音樂講座十週年,滿滿96人歡慶餐會

 

20180701 愛樂音樂欣賞班班遊活動《尋古、花宴、回憶》合照

20180701 愛樂音樂欣賞班班遊活動_尋古、花宴、回憶

 

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【BON音樂】柴可夫斯基 《義大利隨想曲》 op.45 介紹

【BON音樂】柴可夫斯基 《義大利隨想曲》 op.45 介紹
Tchaikovsky: Italian Capriccio, Op.45

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關於本曲

《義大利隨想曲》是柴可夫斯基於1880年1月至2月份,於義大利羅馬創作,並於1880年5月份於在卡明卡(Kamenka)住所完成管弦樂配器之管弦樂作品。全曲洋溢著義大利熱情民謠與旋律,是一首歡樂氣氛兼具的管弦樂佳作,經常於音樂會中演出;樂曲中明顯的大動態對比與華麗管弦樂音色,亦是許多唱片發燒友口中之「最佳測試作品」之一。

 

畫家 路易·巴蒂斯特·托馬斯(Jean Louis Baptiste Thomas)繪製油畫作品《羅馬狂歡節》(1817年):

路易·巴蒂斯特·托馬斯(Jean Louis Baptiste Thomas)(1817年):“筆下之「羅馬狂歡節」

 

1880年之柴可夫斯基照片

1880年之柴可夫斯基照片

 

柴可夫斯基延伸閱讀:


關於《Caproccio》

綺想曲 V.S 隨想曲

國家教育研究院的官方解釋

 

 

筆者翻譯本曲為《義大利隨想曲》,不過亦有人翻譯為《義大利綺想曲》,原因如上。

翻譯時思索再三,例如帕格尼尼24首《隨想曲》,原文也是使用「Caprice」,因此《隨想曲》之翻譯名稱早已被大眾習慣,故並未特別針對此曲改變譯名。

 

創作背景

根據「TCHAIKOVSKY RESEARCH」網站顯示,對於本曲最早的討論信件是1880年1月 4至16號之間,作曲家與塔列耶夫( Sergey Taneyev)之通信,柴可夫斯基寫道:「我想創作一首以義大利民謠為主之組曲。」(I want to write an Italian suite on folk melodies)

再根據1880年1月份16日至24日作曲家與梅克夫人的通信,正在羅馬的柴可夫斯基,因為經常於街上聽見動人歌聲以及他親身經歷羅馬狂歡節,許多的新元素大大刺激了他的創作靈感,他此時寫道:「我已經開始以民間主題為這首『意大利幻想曲』(Italian Fantasia)創作。我嘗試以格林卡(Glinka)的西班牙幻想曲(Spanish Fantasia)創作方式寫一些東西。」

1月份至25日間的信件,柴可夫斯基在羅馬寫信給梅克夫人說:「過去的幾天裡,我已經初步完成了《義大利隨想曲》的草稿,這是以一些民間的旋律為基礎;我想,這首曲子我預測一定有著美好的未來。它之所以有很好的效果,是因為我偶然得到了一些極好的旋律。有些是從民歌集裡看到,有一部分是親耳在街上聽來的。」(All the same, I have worked successfully over the recent days, and I have already prepared in rough my Italian Fantasia on folk themes, which it seems to me, might be predicted to have a good future. It will be effective, thanks to its delightful tunes, some of which were chosen from collections, and some of which I heard myself on the streets.)

 

除了親身體驗羅馬狂歡節的熱鬧氛圍之外,《義大利隨想曲》開頭之小號演奏旋律,根據弟弟莫德斯特(Modest Tchaikovsky)之轉述,其實就是當時作曲家居住的飯店(Hôtel Constanzi)外,天天都會有騎兵團演奏之信號曲:

點按照片聽旋律

 

這段柴可夫斯基旅居羅馬天天聽的義大利小喇叭信號曲,根據弟弟的轉述,柴可夫斯基就想是個「快樂的觀光客」,天天享受著旅遊與異國風情帶給他的各種刺激,似乎充滿了靈感。

而這些民謠旋律,彷彿就伴隨著他對義大利的記憶般,回到俄國之後,旋律久久不能散去,於是入樂,成為了本曲最經典一段又一段具有代表性之旋律… 

草稿完成之後,五月份柴可夫斯基於家中將全曲配器完成。

再之後他將本曲繼續改編為雙鋼琴版本,並冠上「隨想曲」(Capriccio)的標題。

 

關於首演

《義大利隨想曲》於1880年12月,由好友尼可來.魯賓斯坦(Nikolai Rubinstein, 1835-1881)指揮,於莫斯科首演。演出後獲得觀眾全面性之好評。

Nikolai Rubinstein, 1835-1881

 

《義大利隨想曲》樂曲欣賞

Vasily Petrenko指揮之現場版本

https://youtu.be/mot51Hc5uEY

 

Antony Hermus 指揮現場版本

https://youtu.be/dyy0p90GO2w


樂曲簡析

本曲共分為兩大部分,五個速度段落。

根據柴可夫斯基寫作本曲之總譜規格,將第 1-254小節,劃分為第一段落(Part.1)

255小節開始至結束,為第二部分(Part.2)

 

而其中的五個速度變化處,分別為:

第1段 行板,稍有彈性速度(Andante un poco rubato),A大調,6/8拍。

第一段落以小號獨奏之與信號曲旋律啟開此曲。

之後低音管與銅管樂器奏出以波麗露風格,快速3連音符為主體的節奏,弦樂器奏出具有俄羅斯風格的華麗旋律。

俄羅斯風格旋律與小號信號曲旋律再現之後,雙簧管在低音弦樂的伴奏下,奏出優美的新旋律。

這段旋律來自義大利民謠《美麗的姑娘》(Bella ragazza dalle trecce bionde):

樂曲第一部分第二段主題,非常優雅動聽,採用了義大利民謠《美麗的姑娘》(Bella ragazza dalle trecce bionde)

https://youtu.be/RpnkVSGpHYo

 

樂曲實際使用:

https://youtu.be/jpvvEnJwI-s?t=220


第2段 中庸的快板(Allegro moderato),降D大調,4/4拍。

第2段落以第二小提琴與低音弦樂共同奏出輕快規律的伴奏節奏,三部長笛與第1小提琴則演奏出華麗帶著切分的主旋律,非常具有熱烈的狂歡節氛圍:


第二部分

行板(Andante)

樂曲回到先前的波麗露風格三連音伴奏音型,伴隨法國號下行之和聲,塑造出憂鬱的氛圍。弦樂演奏出深沉由具有力度變化之旋律:

 

第3段 急板(Presto),a小調,6/8拍。

在這段落中,動態範圍極大,而且打擊樂器亦獲得非常多的發揮。

本段標示之塔朗泰拉(Tarantella)義大利舞曲,亦是經常使用於古典音樂創作中的舞曲之一。基本架構是非常快速的3連音活潑舞蹈,經常記譜為 6/8拍,也就是兩大拍但是兩組三連音,因此聽起來非常快速而炫技:

塔朗泰拉(Tarantella)範例一:

https://youtu.be/rEHwN6unpIc

 

塔朗泰拉(Tarantella)範例二:

https://youtu.be/LVBsyEruUBI

 

根據維基百科「塔朗泰拉」:

民間傳說,「14世紀中葉,義大利南部城市塔蘭托城一帶出現一種奇怪的傳染病,是由名為塔蘭圖拉的毒蜘蛛咬傷所致。受傷者只有瘋狂地跳舞,直至全身大汗淋漓,才能排出體內毒素。故「塔朗泰拉」之名由此而得」。其原文也成為「跳舞病(Tarantism)」的來源。

 

而樂曲第三段塔朗泰拉舞曲(Tarantella)主題,柴可夫斯基之旋律引用自義大利民謠「Cicuzza」:

https://youtu.be/zM4TpenZBXA

 

樂曲實際使用:

https://youtu.be/jpvvEnJwI-s?t=587


第4段 中庸的快板(Allegro moderato)降B大調,3/4拍。

進入 3/4拍,銅管以三連音型伴奏,木管演奏出之前出現過之民謠《美麗的姑娘》旋律:

 

第5段 急板-更急板-最急板(Presto - Piu presto - Prestissmo)A大調-降E大調-A大調,6/8拍子-2/4拍。

進入最終段落後,速度標示為「急板」,但隨著段落前進,一次又一次速度越轉越快,直到樂曲結束為止。

有趣的是,新的速度術語不斷出籠:「急板」、「甚急板」、「最急板」等等,我們可以看見作曲家在速度上的細分,充分反映出他在異鄉義大利所感受到的熱情與瘋狂,他試圖將這樣的感動,全部細膩地放入音樂作品中,時時刻刻充滿著充滿熱情洋溢的義大利情調~兒這正是我們欣賞音樂裡最大的樂趣:

 

急板(Presto)

更急板(Più Presto)

 

最急板(Prestissimo)

隨著一段一段的速度加快,樂曲邁向最終熱烈爆棚的結尾高潮:

以此根據總譜指示以及全曲段落劃分,大致分析此曲的結構,可分為兩大部分與五大速度段落。


全曲樂譜版本欣賞:

https://youtu.be/jpvvEnJwI-s

 

閱讀蹦藝術.品味美好時光

 

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【BON活動】華泰王子大飯店音樂講座 2020第四季課程(12月-2021年2月)

【BON活動】華泰王子大飯店音樂講座 2020第四季課程(12月-2021年2月)
Music Lecture of Gloria Prince Hotel 2020-4

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蹦藝術執行長林仁斌老師於華泰王子大飯店每週一之音樂講座,除了結合台灣音樂界藝文表演節目與知名各國音樂家介紹之外,也經常邀約不同領域之達人,共同激發與音樂美好的瞬間。

2020年林仁斌老師主講之華泰王子大飯店音樂講座第四季課程,將以音樂+電影,加上紀錄片與音樂之美好結合,讓讓學員們繼上一季音樂與文學的結合之後,繼續感受音樂與影像結合之各種美感,一路快樂地欣賞音樂直到2021年農曆年前喔。

 

講座每週一舉行,包含飯店西式午餐、音樂講座與精緻下午茶點,歡迎喜愛音樂朋友們報名參與:

本期講題主軸:

魏靖儀 Live' 音樂分享講座

豐富又有內涵之電影與音樂影片

電影配樂專題討論

知名音樂家紀錄片


2020.12.07. 將邀請旭日東昇台灣之光小提琴演奏家魏靖儀蒞臨講座現場,分享音樂與演奏

William Wei - 魏靖儀(照片取自魏靖儀 Facebook)

 

2020年12月28日將邀請金曲獎演奏樂團「玩弦四度」蒞臨講座現場,為我們帶來歡樂的年末音樂Party與歡樂時光~

 

本期音樂講座精彩絕倫的影音片單,敬請期待:

 

Coco Chanel & Igor Stravinsky - The movie


(以上DVD與電影解說照片均取自網路)

 

 

講座主持師資介紹

 

蹦藝術執行長 林仁斌
演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家。
節慶長笛樂團|團長&樂團指揮  
蹦藝術|BONART 藝術網站 執行長
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曾師事法國長笛大師:Philippe Bernold、Jean Ferrandis、Georges Alirol 、PatrickGallois 與 Philippe Pierlot。曾多次與巴黎師範音樂院管弦樂團協奏巡迴演出且於巴黎各地,亦曾「法國巴黎國際藝術村」(Citédes Arts de Paris)舉辦長笛獨奏會並於巴黎、西班牙等地獨奏演出。

多年來以長短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國內外音樂會,其指揮編制由長笛家族室內樂團、管樂團與交響樂團等等於台灣於國家音樂廳、國家演奏廳、中山堂、城市舞台、新舞台、台中中興堂與各縣市文化中心等場地演出;並曾赴韓國濟州管樂節、日本國際長笛年會等於日本東京、濱松、川崎等地音樂廳與義大利國際遊輪歌詩達維多利亞號指揮與協奏演出,國內外演出經驗豐富。

除曾與國際長笛名家Philippe Bernold、Benoît Fromanger 等大師合作音樂會演出外,多年來獲邀參與新象藝術「台灣國際長笛藝術節」演出,為台灣活躍之長笛演奏家,並創辦節慶長笛樂團,擔任團長與樂團指揮。

林仁斌老師陸續出版六張長笛演奏專輯:長笛與吉他演奏專輯⟪夜間咖啡館⟫,專輯出版後深獲各界好評,並入圍「MUZIK 2010年唱片大賞」之⟪年度台灣出版音樂唱片⟫。歷年出版專輯另有:⟪妳的.我的⟫、⟪華麗聚焦~雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜⟫、⟪動物狂歡節⟫&⟪華麗聚焦II~卡門⟫、⟪李哲藝劇場音樂作品【室內樂篇】⟫等,為台灣近年演奏專輯出版數量最豐之長笛演奏家。

目前林仁斌亦擔任節慶長笛樂團團長與樂團指揮與台北市立蘭雅國中管弦樂團與管樂團指揮。

多年來林仁斌以音樂文字與攝影活躍於國內外藝文圈,撰寫文章並拍攝訪問音樂家無數,作品見於國內外音樂家演出海報、影片、部落格與雜誌,並同步於【蹦藝術|BONART】網站中刊載。

林仁斌老師每年演講場次達百場以上,於台北華泰王子大飯店、崇友文教基金會、各藝文中心、圖書館、台灣索尼音樂SONY數位教室等定期演講,每年其撰文與豐富音樂資料亦可見於【蹦藝術|BONART】網站。

 

華泰生活學堂報名資訊

親自報名:
請至華泰王子大飯店 台北市中山區林森北路369號

電話報名:
請洽華泰王子大飯店 宴會行銷 
02-7721-6688 #1551
*音樂講座可事先報名,亦可講座開課當日歡迎現場報名。
上課地點:
華泰王子大飯店(台北市中山區林森北路369號)
用餐:1樓 驢子餐廳
上課:2樓 華泰會館

 

※今年因為新冠肺炎 COVID-19 的嚴重疫情,全世界都受到嚴重影響。飯店這邊除了出入嚴格管控體溫與要求每位出入者確實以酒精消毒之外,音樂講座學員的用餐位置與上課位置,亦拉開安全距離,讓大家在欣賞音樂之餘,能夠對於上課環境更加放心。


近期精彩活動照片

林仁斌 X 台灣絃樂團首席四重奏
《極簡與極致 – 室內樂的小宇宙》II

 

與四位首席音樂家再次合作

小提琴:馮楚軒
小提琴:譚正
中提琴:張仁豪
大提琴:邱明宏

 

2020.11.23. 特別來賓小提琴演奏家林品任與巴哈靈感梁老師蒞臨講座現場

 

 

會後合照,期待下次人帥又氣質出眾的品任再次蒞臨講座,辦一場專場音樂分享會

 

 

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【BON活動】林仁斌老師於大人社團開設系列音樂欣賞課程囉~

【BON活動】林仁斌老師於大人社團開設系列音樂欣賞課程囉~ 
Music Lectures of BONART 2020

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音樂最奇妙的地方就是用旋律堆積出的情境說出聽者的心情並產生共鳴。正在聽音樂的你會不會對於讓你感動的音樂背後的故事感到好奇呢?

鳴石音樂與天下/康健雜誌的《大人社團》和《蹦藝術》合作,邀請知名導聆人、蹦藝術網站執行長林仁斌老師,為成人設計一系列音樂賞析的課程。老師將帶領您認識古典音樂,透過影音欣賞、講義解說與老師的專業導引,可以更輕鬆地與音樂產生連結,感受音樂撫慰人心的力量。

蹦藝術網站執行長 林仁斌老師(攝影 / 陳德信)

 

文章轉載:

知名音樂家、導聆人林仁斌:讀懂音樂背後的故事,換來的是更多感動

  • 作者 / 吳孟瑤、攝影 / 陳德信
  • 文章出處 / 大人社團

中場休息時間,學生們三三兩兩、一群一群地聚在一起,討論著剛剛課堂上老師放的音樂和介紹的音樂家,「我很喜歡那部電影的配樂、我下周也要去聽一場演奏會、那首曲子實在太感人了」。這是知名音樂家及導聆人林仁斌的音樂講座上,常看到的場景。

這些學生形形色色、來自各種背景,也許是某個公司的董事長或是醫生、學校老師,年齡層橫跨40年,但唯一不變的是,這些人同樣喜愛、欣賞音樂,而這也是林仁斌19年來,願意持續不斷開辦音樂講座的原因。

旅法3年、師事多位長笛大師,並出過6張長笛專輯的林仁斌,除了演奏表演、擔任樂團指揮、音樂講座教學外,還擅長音樂相關的採訪撰文跟攝影。旅法回國後,林仁斌帶過樂團,也出過專輯、在大學任教。後來願意投入音樂講座教學中,一做就是快20年。

 

他說,很多人對音樂家的想法就是,出國念書、加入樂團演奏表演、或是成為老師等等,但他卻想走一條不一樣的路。

 

「尤其我在講座上,看到學生不論是20、30歲還是70、80歲,因為了解某首音樂的設計架構或背後的故事等等,而感到興奮雀躍,我就知道自己走的路沒有錯。」林仁斌堅定地說。

 

欣賞音樂是很純粹、美好的事情 鼓勵不要畫地自限

「其實聽音樂、欣賞音樂是一件很純粹的事情,但很多人往往一開始會自我設限,」林仁斌說,學生在講座上最常有的疑問就是,「我不會看譜怎麼辦?我什麼樂器都不會也可以上課嗎?」

 

其實欣賞音樂是很放鬆、享受的事情,老師也會用一般人聽得懂的語言去引導,鼓勵大家不用太畫地自限。

 

林仁斌投入音樂講座的教學,至今已近20年,很多學生都是他的「老班底」。(照片來源:蹦藝術官方網站

20200810-華泰王子大飯店音樂講座大合照

 

邀請旅美小提琴演奏家林品任於音樂講座分享與演奏

邀請旅美小提琴演奏家林品任於音樂講座分享與演奏

 

20181216 台北愛樂音樂講座十週年,滿滿96人歡慶餐會

 

20200611 週四愛樂欣賞班同學拍攝於崇友藝文講堂

 

林仁斌舉例,像自己上到史特拉汶斯基(Igor Stravinsky)這名音樂家時,可能鮮少學生會認識,但如果帶入講他和可可香奈兒(Coco Chanel)的一段情,甚至因此催生了香奈兒的經典5號(N°5)香水,那學員自然就會覺得親切、有趣許多。

又或是像是知名的「樂聖」貝多芬,在他光明、激昂的音樂中,其實背後是一段不順遂的人生,從小被父親虐待、逼著練琴,好不容易練就一身本領卻失聰,一輩子都在暗戀、沒有結婚等,所以音樂對他來說是一種超脫和救贖。

 

「透過這樣的引導方式,大家便更能領會這些音樂作品,音樂真的沒有這麼難,懂得怎麼欣賞後反而是有更多感動。」林仁斌說。

 

林仁斌老師為國家交響樂團 NSO 演講校園Live'講座,台北市立蘭雅國中~將古典音樂推廣至喜愛音樂的學校

 

林仁斌老師為苗北藝文中心演講校園Live'講座,林仁斌X台灣弦樂團首席四重奏~新竹清華大學音樂系

 

擔任國家音樂廳音樂會導聆人(長榮交響樂團)

 

擔任樂團團長與指揮 帶領節慶長笛樂團赴日本長笛年會演出

2019年8月 節慶長笛樂團於日本福岡長笛年會全團大合照

 

印度塔布拉鼓大師Abhiman Kaushal到講座上現場示範。

 

邀請旅美優秀小提琴家黃俊文 Paul Huang 至音樂講座分享與演奏

 

從古典音樂到韓劇配樂 音樂欣賞無界線 有的是滿滿熱情

林仁斌老師的演講講題豐富多元,從古典音樂到電影音樂、韓劇配樂等,皆是同學們喜愛的流行話題(圖片為苗北藝文中心苗北講堂系列講座)

 

從古典音樂、電影配樂、歌劇,到時下最流行的韓劇配樂解析等,林仁斌的音樂講座內容十分多元,學生也來自四面八方,甚至連李前總統與其夫人,都曾是林仁斌的座上賓。

但讓林仁斌最感動的,是這些學員的熱情與堅持,「我從2001年開始投入音樂講座的教學,有很多學生就從那時候跟著我上課到現在,等於從青春少女到變媽媽阿姨,」林仁斌開玩笑說。

而且學員們也都非常自動好學,會自己組群組,在裡頭分享上課、看完音樂會的心得,甚至還有人主動當班長,幫大家整理班務、登記報名上課、管理學費等等,讓林仁斌非常感動,「這已經不單單只是一堂課,而是一個有凝聚力的團體,大家因為喜歡音樂而凝聚,這是我最感動、也願意繼續做下去的最大動力。」林仁斌感性地說。

 

 

(學員在群組裡分享上課心得。照片來源:林仁斌提供。)

 

有學生也回饋,說自己以前想看表演、聽音樂會,但拿到表演節目單時常一頭霧水,不知道該選哪個節目,只好選一些聽過、好像比較有名的表演;但上過林仁斌的課後,就懂得怎麼為自己選喜歡的表演節目,聽音樂會時也不再那麼陌生害怕。

林仁斌也分享一些聽音樂表演的小技巧:

  1. 事先做功課:不論是上網查資料、看看過去的表演影片,或是上課、聽音樂講座等,都能先幫助自己更加認識、熟悉表演的內容,欣賞時才能更加融入。
  2. 選擇有「導聆」的表演:所謂導聆,指在表演前約20~40分鐘,由專家為聽者、觀眾進行提綱挈領,說明、挑出幾個可看可聽之處,並分享個人感想等,以引導聽者進入狀況,對初學、初次欣賞的人來說相當有幫助。
  3. 盡量選「音樂廳」而非多功能場地:林仁斌建議,如果是欣賞音樂會,盡量還是選場地在音樂廳的表演,音響等設備會較為專業,「有些多功能場地同時能辦演唱會、表演戲劇等,相較之下就較不適合聆聽音樂會。」

大人的音樂欣賞課:電影音樂&大師音樂&經典歌劇

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【BON音樂】威爾第成名之作 - 歌劇《納布果》介紹(Nabucco) 

【BON音樂】威爾第成名之作 - 歌劇《納布果》介紹(Nabucco) 
Giuseppe Verdi - Nabucco

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《納布果》是威爾第的第三部歌劇,被認為是奠定威爾第邁向成功歌劇作曲家地位及名譽的重要作品。

 

威爾第 1842年《納布果》手稿:

Giuseppe Verdi Work: Nabucco Date: 1842

威爾第歌劇創作年表

奧貝爾托(1839)
一日君王(1840)
納布科(1842)
倫巴第人在第一次十字軍中(1843)
埃爾納尼(1844)
兩個福斯卡羅(1844)
聖女貞德(1845)
阿爾齊拉(1845)
阿提拉(1846)
馬克白(1847)
強盜(1847)
海盜(1848)
萊尼亞諾戰役(1849)
路易莎·米勒(1849)
史帝費利奧(1850)
弄臣(1851)
遊唱詩人(1853)
茶花女(1853)
西西里晚禱(1855)
西蒙·波卡涅拉(1857)
假面舞會(1859)
命運之力(1862)
唐·卡洛(1867)
阿依達(1871)
奧泰羅(1887)
法斯塔夫(1893)

 

創作背景

威爾第的第一部歌劇《博尼法喬伯爵貝爾托》於1839年10月在米蘭史卡拉歌劇院上演,獲得了一定的成功並且受到當時擔任劇院主要女高音演員的斯特雷波尼(Strepponi)的青睞;

但隔年1840年是威爾第人生中非常悲慘的一年:威爾第的愛妻和兩位幼小的兒女相繼病逝,這使他的心情沮喪到了極點。

因為與史卡拉歌劇院合約尚未約束,劇院經理(Merelli)仍然要威爾第繼續創作。

傷心的他還得勉為其難繼續為劇院創作了第二部歌劇作品:喜歌劇《一日之王》(Un giorno di regno)。

這第二部歌劇《一日之王》在米蘭史卡拉歌首演時被觀衆發出噓聲,演出失敗。家庭工作都深深受傷的威爾第,非常消沈,發誓不再作曲。

但那個逼著他寫喜劇的史卡拉歌劇院經理(Merelli)此時將一卷厚厚的歌劇劇本硬塞給了威爾第,是劇作家索萊拉 (Temistocle Solera)根據聖經故事以及結合 Anicet-Bourgeois 與 Francis Cornu 等人之戲劇作品之全新創作 - 《Nabucodonosor》;

威爾第很不情願地把腳本帶回家,返家後往桌上一扔,偶爾看見打開的一頁劇本寫著「飛吧,我的思緒乘著金色的翅膀」詩句,被吸引的他徹夜閱讀,被腳本中激動人心的情節和詞句所吸引,愛上了這個劇本,徹夜長考後他第二天就主動去找經理,答應譜寫這部作品,這就是他的成名之作《納布果》!

《納布果》劇中藉古喩今的愛國思想激動著每一個觀眾,當觀眾們步出歌劇院時,大都已學會了歌劇裡這段被異國侵略者俘虜的希伯來人的思鄉合唱:〈飛吧,我的思緒乘著金色的翅膀〉(Va' pensiero, sull'ali dorate)。這首合唱曲至今仍是義大利最知名流行的愛國歌曲之一。

 

https://youtu.be/aiSSz0snWzA

 

而在《納布果》中扮演女主角的,便是後來成為威爾第第二位夫人的當時著名女高音:斯特雷波尼(Giuseppina Strepponi, 1815-1897)。

Giuseppina Strepponi in 1835 (Museo di La Scala)

歌劇故事出處

歌劇故事設定發生於公元前587年,威爾第根據此舊約聖經故事改寫:以巴比倫王納布果入侵猶太為背景,敘述他的兩個女兒同時愛上猶太王子彼此明爭暗鬥,而猶太俘虜則因納布果改信耶和華,獲得救贖之聖經故事(列王紀下:第24~25)。

 

圖片出處:

「線上聖經」《列王紀下》 第24章,查詢網頁(http://bible.jbride.cc/列王紀下/24.html)


歌劇登場角色

  • 納布果(Nabucco,巴比倫國王,以尼布甲尼撒二世為藍本所杜撰之巴比倫君王)—(男中音
  • 以實瑪利(Ismaele,耶路撒冷城當時猶太國王的姪子)—(男高音
  • 撒迦利亞(Zaccaria,耶路撒冷猶太大祭司)—(男低音
  • 阿比凱莉(Abigaille,巴比倫帝國公主,納布科王的長女)—(女高音
  • 菲妮娜(Fenena,巴比倫帝國公主,納布科王的次女)—(女高音)
  • 巴力神大祭司(Baal,巴比倫大祭司)—(男低音)
  • 阿卜達洛(Abdallo,納布果的親兵 —(男高音)
  • 安娜(Anna,撒迦利亞的姐妹)—(女高音)
  • 巴比倫及猶太士兵利未人猶太貞女巴比倫婦人博士巴比倫王國大公群眾—(合唱團

首演

《納布果》於1842年3月9日在米蘭史卡拉歌劇院 (Teatro alla Scala)首演。


劇情分幕解說

時間:公元前587年

地點:耶路撒冷與巴比倫

 

第1部:耶路撒冷

耶和華如此說、我要將這城交付巴比倫王的手、他必用火焚燒。——耶利米書

在耶路撒冷的聖殿

納布果(古巴比倫帝國君主尼布甲尼撒二世 (Nebuchadnezzar II))率領巴比倫大軍進攻猶太國首都耶路撒冷,擊敗猶太人。該市市民同聲哀嘆戰爭的失敗。此時大祭司Zaccaria撒迦利亞)要大家別失望,激勵猶太人振作,相信上帝。他們雖戰敗卻同時俘虜了納布科的次女 Fenena,想以她做為人擲來迫使納布科撤退。

Zaccaria 將 Fenena 交給了 Ismaele(耶路撒冷君王的姪子,曾經出使巴比倫的使者)。但其實 FenenaIsmaele 二人相戀,是戀人。

Ismaele 力勸 Fenena 逃走,留下來只會危及性命。

納布科的長女 Abigaille ,其實出身為低賤的奴隸階層她帶著喬裝的士兵攻入聖殿,因為同時亦愛著 Ismaele

當她發現妹妹 Fenena 與 Ismaele 二人原來相互相戀,滿心嫉妒的 Abigaille 警告 Ismaele,如果他不放棄 Fenena,她將會控告 Fenena 叛國。

納布果這時候闖入(歌曲:'Viva Nabucco')。

Zaccaria 挺身而出抵抗納布科,威脅會用匕首殺死 Fenena

Ismaele 制止 Zaccaria,救走 Fenena,納布科下令焚毀聖殿並劫掠耶路撒冷。猶太人咒罵 Ismaele 為叛徒。

第2:懷疑者

看哪、耶和華的忿怒、好像暴風已經發出、是掃滅的暴風、必轉到惡人的頭上。——耶利米書

第一場:巴比倫皇宮

納布果 離開繼續作戰,任命小女兒 Fenena 為攝政王。

大女兒 Abigaille 則發現一些文件證明她自己不是納布科親生女兒,而是奴隸階層出身。Abigaille 滿腔仇恨,表示一定要殺掉 Ismaele 與 Fenena。

主神(Baal)大祭司告訴 AbigailleFenena 想要釋放猶太俘虜。他與占卜者們會散播納布科戰死的謠言,一起合謀發動政變讓 Abigaille 登上王位。

 

第二場:巴比倫皇宮的殿堂

大祭司 Zaccaria 召集被囚禁的希伯來人與利未人一同集會,眾人要求懲戒私放人質的 Ismaele。但 Zaccaria 說 Fenena 改決定信猶太教,因此 Ismaele 所拯救的,是一位改信猶太教的希伯來女子,大家便和解。

此時 Abigaille 登場,與以國王納布果已死為由,要求 Fenena 交出王冠。

但這個時候,納布果衝入,嘲笑主神(Baal)及猶太人的神。

Zaccaria 拒絕執行納布果殺死猶太人的命令。

Fenena 說要與猶太人共存亡。納布科正自稱自己為上帝(歌曲:'Non son piu re, son dio'),要大家趴下來崇拜他時,天上一道雷電霹下,正中他的皇冠把他擊昏了,皇冠掉在地上,被 Abigaille 取去,說巴比倫的光榮絕不會因此而消失。

第3:預言

「曠野的走獸必住在那裡,貓頭鷹也住在其中,永無人煙,世世代代無人居住。」——耶利米書

第一場:巴比倫空中花園

Abigaille 成功奪取了攝政王寶座,驕傲的她決定將所有希伯來人都殺光,也包括自己的妹妹 Fenena

大祭司將處死猶太人及 Fenena 的法令交給 Abigaille,被雷打中已呈現瘋顛的納布果闖入,要求 Abigaille 退還王位,Abigaille 反過來說服納布科簽署法令,要他在法令上蓋下印。

納布果要求赦免 Fenena,Abigaille 不答應。

納布果搬出王牌,告訴 Abigaille 她不是他的親生女兒,只是奴隸出身,並想出示證明文件。

Abigaille 嘲笑他,並當面將有關她的證明文件毀掉。納布科意識到自己已被篡位,並淪為階下囚,Abigaille 大權在手歡喜若狂。

第二場:幼發拉底河畔

猶太人希望重返家鄉(歌曲:'Va pensiero, sull'ali dorate'),Zaccaria再次激勵他們相信上帝,並預言上帝將會毀滅巴比倫。

所有的希伯來人們被迫戴著腳銬,在幼發拉底河畔服勞役。在此場景中,眾人唱起了著名的合唱歌曲:〈飛吧,我的思緒乘著金色的翅膀〉(Va' pensiero, sull'ali dorate)。

Zaccaria 鼓舞著眾人,說上帝透過他昭示大家,鐐銬總會斷開,而巴比倫遲早會滅亡,首都巴比倫城將成為蛇鼠出沒之處。

 

 

第4部:粉碎的偶像

「主神蒙羞,她的偶像都驚惶。」——耶利米書

第一場:巴比倫皇宮

納布果在牢房裡做了惡夢,醒來之後回復清醒意識。從窗外,納布果看著女兒 Fenena 將要被處死,但他卻被困而無能為力。在絕望之際,他向耶和華禱告懺悔,承諾會重建耶路撒冷的聖殿,要求饒恕他的狂妄,希望能拯救 Fenena 並改信於祂。

神應允了他,在親兵 Abdallo 等人的協助下,納布果誓要懲罰所有叛國者,並拯救 Fenena

 

場景2:巴比倫空中花園

一眾猶太人及 Fenena 將要被殺,獻祭給主神 (Baal)。納布果等人闖入,手執配劍,下令停止殺戮並將準備擊碎主神像。

但此時神像卻自動倒下疊成碎片,所有希伯來人歡呼上帝顯靈,納布果宣布自己已經改信耶和華。

他下令釋放所有猶太人,重建上帝的聖殿。

Abigaille 被押解進入,自知早已失敗的她,預先服毒自殺。她死前表達她的悔意,並懇求Fenena的寬恕。

大祭司 Zaccaria 宣告納布果為上帝的僕人,他是萬王之王。


大都會歌劇院

 

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【BON音樂】柴可夫斯基 C大調絃樂小夜曲 op.48 介紹

【BON音樂】柴可夫斯基 C大調絃樂小夜曲 op.48 介紹
Tchaikovsky: Serenade for String Orchestra, Op.48

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柴可夫斯基延伸閱讀:


柴可夫斯基(Pyotr Ilyich Tchaikovsky, 1840 –1893)在1880年,完成了三首重要且流傳後世的樂曲:《義大利隨想曲》op.45、《C大調弦樂小夜曲》op.48 與《1812序曲》op.49。除了這三首樂曲之外,1880年完成的作品還有:

  • Op. 44 Piano Concerto No. 2 in G (1880)
  • Op. 46 6 Vocal duets, with piano (1880)
  • Op. 47 7 Songs (1880)
    1. If Only I Had Known
    2. Softly the Spirt Flew up to Heaven
    3. Dusk Fell on the Earth
    4. Sleep, Poor Friend
    5. I Bless You, Forests
    6. Does the Day Reign?
    7. Was I Not a Little Blade of Grass in the Meadow?

 

您或許很難想像,柴可夫斯基在發表這些重要曲目的前一年,還正因婚姻失敗而企圖自殺未遂,精神上處在因為婚姻而呈現的不穩定狀態。幸好此時有親友們協助處理與梅克夫人的年金贊助,讓他開始脫離為五斗米折腰的工作,終於能夠開始為自己、為音樂而創作。

 

一直以來,柴可夫斯基認為要表現自己,最好的創作題材是寫交響曲或歌劇,但完成第4號交響曲(18771878)後,他對於自身的得失之心,讓他有10年之久沒有再創作交響曲,我們可以從以下她與梅克夫人的書信對話中,看出他是在多大的內心煎熬之下才提筆創作第五號交響曲:

 

第五號交響曲開始醞釀之時,柴可夫斯基寫給梅克夫人的信中,提到第五號交響曲創作的心境:

我從現在起要努力工作一番。我不僅要向別人證明,而且也要向自己證明,我還沒有到了不行的地步。我常常產生這樣的疑慮,我問自己,是不是到了該停筆的時候了?我的想像力是否已經耗盡?創作泉源是否已經枯竭?如果我再活十年二十年,這一天終會到來的… 我怎樣才能知道,這樣的時刻何時會降臨到我頭上呢?現在我決定寫一部新的交響曲。開始寫的時後似乎很不容易,但現在靈感已經來了…

 

而第五號交響曲大約於1888年6月開始寫作,於1888年7月初完成草稿,於8月26日完成全曲管弦樂配器,9月底交予出版商尤根森(Pyotr I. Jürgenson)進行發行。 1888年11月17日於聖彼德堡首演,由柴可夫斯基親自指揮。

與第四號交響曲的創作與首演時間相比(第四號創作於1877至1878年期間,首演於1878年),第五號一晃眼居然已經是十年之後了…在他寫給贊助人梅克夫人的信中亦曾提到:「我力求令此曲盡善盡美。」

1888年12 月 10 日與 11 日,第五號交響曲又再次由柴可夫斯基在莫斯科指揮演出。

演出過後,柴可夫斯基於 12 月 26 日致信給梅克夫人:「莫斯科的兩場音樂會進行得順利,但卻給我留下了傷心的回憶。我越來越相信,我最近寫的這部交響曲是一部失敗的作品,……它顯得過份複雜、沈重、虛假、冗長,總之很不得人心。除了塔涅耶夫堅持說第五交響曲是我的優秀作之外,所有誠心關懷我的人都對他評價不高…

 

轉捩點 – 成功來臨

1889 年 3 月 15 日,柴可夫斯基指揮第五號交響曲在德國漢堡演出,也獲得了巨大的成功。從團員及所有當地音樂家們友善,以及觀眾的熱情回應,終於證明了他這首第五號交響曲的成功,也讓他終於從一連串的失意中清醒過來。

柴可夫斯基當時從漢堡發出給梅克夫人的信,更是表達出心中的想法:「第五號交響曲演得非常出色,我又開始喜歡他 了,要不我之前還對他抱有過份不滿的意見呢…

而柴可夫斯基的第五號交響曲這部傑作真正享有盛名與實至名歸的世界性榮譽,是在 1895年以後的事:經由匈牙利指揮家尼基什(A. Nikisch, 1855-1922)在歐洲、美國廣泛的演出,取得在各地轟動性的成功,奠定了此曲卓越的地位。可惜作曲家早已不在人間了,無法得知第五號終於成為人類當代重要的交響作品。

 

因此,在創作完第四號的1878年至再次創作第五號1888年這10年間,柴可夫斯基心境上必然經過許多不同的轉折,這10年間他所完成的作品嚴格來說其實不多,按編號統計只有 op.50-63:

  • Op. 50 Piano Trio in A minor (1882)
  • Op. 51 6 Pieces, for piano (1882)
    1. Valse de salon (A major)
    2. Polka peu dansante (B minor)
    3. Menuetto scherzoso (E major)
    4. Natha-Valse (A major)
    5. Romance (F major)
    6. Valse sentimentale (F minor)
  • Op. 52 All-Night Vigil for unaccompanied chorus (1882)
  • Op. 53 Orchestral Suite No. 2 in C (1883)
  • Op. 54 16 Children's songs (1883; the 5th song Legend was the basis of Anton Arensky's Variations on a Theme by Tchaikovsky, Op. 35a)
  • Op. 55 Orchestral Suite No. 3 in G (1884)
  • Op. 56 Concert Fantasia in G, for piano and orchestra (1884)
  • Op. 57 6 Songs (1884)
  • Op. 58 Manfred Symphony in B minor (1885)
  • Op. 59 Dumka in C minor, for piano (1886)
  • Op. 60 12 Songs (1886)
    • No. 6 Wild Nights (Frenzied Nights)
    • No. 7 Gypsy's Song
    • No. 12 Gentle Stars Shone For Us (The Mild Stars Shone For Us)
  • Op. 61 Orchestral Suite No. 4 "Mozartiana" (1887)
  • Op. 62 Pezzo capriccioso in B minor, for cello and orchestra (or piano) (1887)
  • Op. 63 6 Romances on words by K. Romanov (1887)
    • No. 1 I Didn't Love You At First [Я сначала тебя не любила]
    • No. 2 I Opened The Window [Растворил я окно]
    • No. 3 I Do Not Please You [Я вам не нравлюсь]
    • No. 4 The First Meeting [Первое свидание]
    • No. 5 The Fires In The Rooms Were Already Out [Уж гасли в комнатах огни]
    • No. 6 Serenade: O Child! Beneath Your Window [Серенада (О, дитя! под окошком твоим)]

 

談絃樂小夜曲

創作於1880年的《C大調弦樂小夜曲》是一首精緻而優美,一聽就讓人充滿喜悅的高度完成之作,全曲共分為四樂章,有著原本規劃交響曲的規格,但卻散發著濃濃俄羅斯風格與流暢優美旋律,堪稱小夜曲此曲式於音樂史裡,極品中之極品。

 

在音樂創作上,柴可夫斯基一直很崇拜莫札特,尤其莫札特的旋律性;1887年柴可夫斯基甚至模仿的風格創作了第四號管弦樂組曲《莫札特風》(Suite No. 4 in G major, "Mozartiana", Op. 61):

雖然仍是浪漫的柴式風味與旋律,但可以聽見許多語法與段落,刻意模仿莫札特的譜寫方式,是一首饒富趣味的管弦作品:

https://youtu.be/6bYRgv-fiY4

 

小夜曲(Serenade)起源

《小夜曲》(Serenade)這項曲是,據說是源自於愛情歌曲:一般南歐人在夏日夜晚,常用吉他曼陀鈴等簡單的樂器伴奏,在戀人窗下的浪漫歌唱與彈奏,以表達愛慕之意,歌曲本身並沒有固定的格式。

 

欣賞一下帕爾曼演奏之舒伯特小夜曲版本,雙音改編浪漫極了:

https://youtu.be/widDAQKdlUA

 

後來《小夜曲》也曾經成為一種在室外演奏的樂團形式,因為在室外演奏,常使用音量大的樂器,如各種號角等。再逐漸地《小夜曲》逐漸成為一種器樂曲形式,編制一般比交響樂團小型化(例如寫給弦樂團編制),樂曲呈現出歡快明朗,典雅質樸的如歌樂曲。海頓莫札特等作曲家皆寫過《小夜曲》。

 

而莫札特生前創作過13首《小夜曲》,最知名的G大調《小夜曲》KV 525(1787年),是他所創作的13首作品中的最後一首,也是最受歡迎的~自發表以來廣受歡迎,是最為經典的《小夜曲》作品:

https://youtu.be/MeaQ595tzxQ

 

在柴可夫斯基之後,德弗札克亦創作了精彩的《小夜曲》,編制上從最少11人即可演出,也能承載為完整弦樂團編制,效果更加澎湃:

https://youtu.be/CRcbDMg56yg

 

柴可夫斯基選擇的《弦樂小夜曲》,也是以此曲式與風格表達出他對莫札特的敬愛,以及意圖復興18世紀古典音樂純粹曲式與和聲之美:在他與梅克夫人的信中提到,原本的規劃是一首交響曲或弦樂四重奏。

他覺得時的歐洲音樂過度追求表面華麗的效果,也或許因為他意圖回到自己所敬愛的莫札特的創作精神,而捨棄了寫作大規模交響曲的做法,已與莫札特相同的《弦樂小夜曲》編制寫下此曲。

1880年8月份至10月間他寫給梅克夫人(Nadezhda Filaretovna von Meck)的信件裡,提到完成這首曲目時,提到:「這套《弦樂小夜曲》,我因內心有強烈的衝動而寫下,充滿自由的想像感,因此不會失去真正的藝術價值。」(a letter to Nadezhda von Meck of 8/20–10/22 October 1880, and later: "The Serenade... I composed from an innate impulse; that is something which arises from having freedom to think, and is not devoid of true worth")

 

1880年10月份 14-26日之間,柴可夫斯基完成了《弦樂小夜曲》,他顯然非常滿意且喜歡這首新作,因此馬上決定再改寫為雙鋼琴版本。

他在 10月 23日至 11月 4日間完成了四首聯彈版本樂譜,然後給出版商好友 Pyotr Jurgenson寫信,希望他能出版這套新作品:「我剛好最近完成了一套給弦樂團的四樂章《弦樂小夜曲》,有弦樂團完整樂譜以及四首聯彈改編版...我非常喜愛這套《小夜曲》,並熱切希望這套作品能夠早日出版。」("I happened to write a Serenade for string orchestra in four movements, and am sending it to you the day after tomorrow in the form of a full score and four-hand arrangement ... I love this Serenade terribly, and fervently hope that it might soon see the light of day")

 

樂曲解說

樂章簡介

此曲共分為四個樂章,創作於1880年,首演於1881年 10月 30日聖彼得堡,由 捷克籍指揮家 Eduard Nápravník(1839-1916) 擔任指揮(1875年11月,他也曾擔任柴可夫斯基第一號鋼琴協奏曲首演之指揮)。

Eduard Nápravník, 1839-1916

 

每個樂章都有速度標題:

1. Pezzo in forma di sonatina: Andante non troppo — Allegro moderato
小奏鳴曲形式的樂曲: 不太慢的行板 — 中庸的快板

雖然柴可夫斯基以「Sonatina」稱呼這個樂章,但以曲式來說這首樂曲是「奏鳴曲快板曲式」,這亦是他跟梅克夫人提到的,「想以樂曲模仿莫札特的風格」(“in the form of a sonatina,” as the score indicates—was in deliberate imitation of Mozart’s style.)

樂曲開頭是以6/8拍行板揭開樂曲序幕:

 

2. Valse/Walzer: Moderato — Tempo di valse
圓舞曲/華爾茲:中庸速度 — 華爾茲舞曲速度

圓舞曲的速度與音樂,讓我們想起維也納史特勞斯家族風格之華爾滋,非常優雅、非常動聽。

 

3. Elegia: Larghetto elegiaco
悲歌:悲傷的甚緩板

第三樂章的音樂如其名,《悲歌》(Elegie)也讓本樂章音樂深沉,有著濃厚的色彩。第三樂章是三段曲式。

《悲歌》第一樂段

 

《悲歌》中段,小提琴I 在其它聲部的撥弦奏伴奏之下,旋律與和聲真的美極了,這樣的效果也非常近似於吉他伴奏的歌唱感:

 

 

4. Finale(Tema russo):Andante — Allegro con spirito
終曲(俄羅斯主題):行板 — 精神飽滿的快板

第四樂章亦以「奏鳴曲式」寫成,架構如下:

序奏 1-43

第一主題 44-83

第二主題 84-167

發展部 168-263

再現部 164

第一主題 164-295

第二主題 296-385

尾聲 386(第一樂章主題再現)

 

第四樂章,樂曲在各聲部加入弱音器的行板序奏中展開:

 

愉快的快板第一主題

 

轉調後,由大提琴奏出之溫暖第二主題:

 

樂曲最終之尾聲段落,第一樂章熟悉的和聲與旋律再次出現,讓我們回想起樂曲的最初。

在此段落音樂以2/4拍呈現:


全曲樂譜版本欣賞

https://youtu.be/MICksKeZoJU

00:00 1. Pezzo in forma di Sonata

09:34 2. Valse

13:30 3. Élégie

22:09 4. Finale (Tema Russo)

 

 

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【BON音樂】理查·史特勞斯談《指揮十誡》

【BON音樂】理查·史特勞斯斯談《指揮十誡
The conducting Ten Principals of Richard Strauss

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理查·史特勞斯(德語:Richard Georg Strauss,1864-1949),德國作曲家指揮家

除了以作曲家身份享有盛名外,理查·史特勞斯也享有指揮家的極高聲譽:他擔任過柏林皇家歌劇院維也納歌劇院的指揮和聲樂指導。1920年更與馬克斯·賴因哈特霍夫曼斯塔爾等人一同創辦薩爾茨堡音樂節

維基百科介紹→ 理查·史特勞斯

 

理查·史特勞斯論指揮:

  • 指揮是項極其困難,人生未達70歲之前很難充分理解的藝術。
  • 最重要的事以「耳朵」指揮,而不是「手臂」;若做對了一切就將順其自然地正確。

 

著名的《指揮十誡

今天要來聊他身為管弦樂團指揮,曾寫下的指揮十誡:

首先看看理查·史特勞斯的指揮姿態

https://youtu.be/doJVlS7nn_g

 

輕鬆指揮的大師

從影片中,我們可以看到他的指揮基本上是「一派輕鬆」,「眼手並用」。

還聽說他指揮時可以左手插在口袋,或拿出懷錶看看時間,左看看右看看~開心的時候更用雙手齊揮,甚至也掂起腳尖一起「加入」樂團演奏...(其實影片中也看得出來 XD)

 

這位近代後期浪漫樂派大師,曾經以自身經驗歸納出指揮樂團的心得,除了上述兩點之外,他總共擬出了十條樂團指揮的金科玉律,更被尊稱為《指揮十誡》。

對比於現在的樂壇指揮各式各樣「花式指揮法」來說,重看《指揮十誡》,其實非常有意思。

 

無論是非,沒有對錯~讓我們一起來看看這《指揮十誡》究竟有哪些吧:

 

  • 1. 請記得,演奏音樂的目的不在於娛樂自己;而是取悅聽眾。Remember that you are making music not to amuse yourself, but to delight your audience.)

  • 2. 指揮自己不應出汗;只有觀眾才應該感到音樂的熱力。You should not perspire when you are conducting; only the audience should get warm.)

  • 3. 演奏《莎樂美》與《伊蕾克特拉》時,要如同孟德爾頌神幻音樂般詮釋。Conduct Salome and Elektra as if they were Mendelssohn; fairy music.)

  • 4. 對銅管樂手絕對不要投以鼓勵的眼神;除了重要段落的提示,否則千萬別與他們對上眼。Never look at the brass encouragingly; except with a quick glance for an important lead-in.)

  • 5. 反之,千萬別讓法國號和木管離開你的視線,如果你聽到他們的聲音,那就表示已經太大聲了。On the contrary, never let the horns and woodwind out of your sight; if you hear them at all they are already too loud.

  • 6. 如果你覺得銅管力度不夠,就將他們的音色調暗。If you think the brass is not strong enough, tone them down two points further.

  • 7. 只有你自己聽見獨唱者的每個咬字是不夠的;因為你已經背妥歌詞。要讓觀眾毫不費力地跟得上音樂~因為如果他們不了解歌詞的含意,馬上就會睡著。It is not enough yourself to hear every word of the singer--which you know by heart anyway; the public must also be able to follow it without effort. If they don't understand what is happening, they fall asleep.

  • 8. 樂團伴奏必須要讓聲樂家能毫不費力地演唱。Always accompany the singer so as to enable him to sing without exertion.

  • 9. 當你認為速度已經達到最急板極限時,再讓速度加快一倍。When you think you have reached the limits of prestissimo, double the pace.

  • 10. 如果你遵守以上的規則,再加上自己的天賦和成就,就能永遠成為觀眾們的明星寵兒。If you follow these rules carefully, you will, with your fine gifts and your great accomplishments, always be the darling of your listeners.

 

讓我們再次欣賞理查.史特勞斯身為管弦樂團指揮時的風采:

https://youtu.be/LduF7jlfcjM

 

以上就是今天介紹的《指揮十誡》介紹,大家覺得如何?與你心中所想一樣嗎?

 

開卷蹦藝術.品味美好的閱讀時光

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【BON音樂】轉載:歌劇大師威爾第生平介紹 Giuseppe Verdi

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Giuseppe Verdi

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不朽的威爾第

作者.劉詩嶸(林仁斌潤飾)

(原文出處:《威爾第:納布科》歌劇經典23 - 台北市:世界文物出版社,2000年)

威爾第可以說是世界上知名的歌劇作曲家。

他不僅是一位不斷探索前進的藝術家,而且還是一位愛國志士;他的不少作品都是鼓吹義大利國家統一,民族獨立的進軍號角。威爾第還是一位民主主義者和人道主義者,在許多作品中,都充滿了對社會底層的被侮辱被欺壓者的同情,具有強烈的反封建反暴政思想。

威爾第從他的第一部歌劇《博尼法喬伯爵 - 奥貝爾托》(Oberto,contedi San Bonifacio)開始質露才華,以《納布果》、《埃爾納尼》(Erani)奠定他在歌劇界的地位,然後以《馬克白》(Macbeth)開了以歌劇嚴肅地改編莎士比亞傑作之先河,又通過《弄臣》(Rigoletto)、《遊唱詩人》(Il trovator)和《茶花女》(Latraviata)達到自己創作事業的第一個高峰;然而,他並不就此安享榮譽,而是繼續進行更高一步的探索,寫出了在宏偉歷史背景下的《西西里的鐘聲》和《西蒙・波卡涅拉》(SimonBoccanega)、《假面舞會》(Unballo in maschera)、《命運之力》(La forza del destino)、《唐卡洛》(Don Carlo)等鉅作。

然後,威爾第又在前面幾部鉅作所積累的經驗基礎上,於花甲之年寫出了自己的也是歐洲歌劇的又一部巔峰之作《阿依達》(Aida),並且奇蹟般地在古稀之年和耄耋之年又創作了撼人心弦的莎翁四大悲劇《奥泰羅》(Otello)和悅人心目的喜劇《法斯塔夫》(Falstaff)

威爾第在他漫長的五十餘年創作生涯裡,僅僅寫出了廿六部歌劇、一部偉大的《安魂曲》Requiem)和若干小型聲、器樂作品,算不得是多產的作家;然而他嚴於律己,尤其創作中期以後,對每一部作品都要再三推敲多次修改,甚至為等待理想的腳本竟至終身的壯志未酬~例如他心儀已久的莎翁傑作《李爾王》(King Lear)。因此他的作品大多能經得起歷史的考驗,創作中至少有一半是今日仍在世界各歌劇院經常上演、深受歡迎的劇目。

威爾第出生於布塞托市郊區的一個清寒家庭,祖輩沒有絲毫音樂傳統,父親在村中經營著一間兼賣雜貨的小旅店。他給自幼熱愛音樂的威爾第買了一架二手的、像玩具一樣的古鋼琴,從此威爾第就用它學習彈奏鍵盤樂器,並用它試奏了最初的習作。

當威爾第到布塞托上中學時,他顯示出來的音樂才能頗獲當地愛樂協會的負責人巴雷齊(Barezzi)的賞識。

巴雷齊是一位熱愛音樂的商人,會演奏好幾種樂器,威爾第的父親因批發貨物早就和他相識;如今,巴雷齊發現了威爾第出眾的音樂才能,便對之照顧有加,讓威爾第於求學時期住在自己家裡,在愛樂協會的活動中演奏了威爾第的幾首管弦樂習作,還讓威爾第教自己的長女瑪格麗特(Margherita)唱歌,並資助他到米蘭去深造。

後來,當威爾第從米蘭學成歸來,擔任布塞托市的教堂樂長,順其自然地便和瑪格麗特結了婚。

雖然瑪格麗特不幸早逝,但是巴雷齊與威爾第一直保持著密切的關係情同父子,威爾第的《馬克白》便是題獻給這位綽號「快樂的瘋子」的岳父大人的。

威爾第本來打算去米蘭投考那裡著名的音樂學院,但是當時他已經十八歲入學年齡,而且基礎知識也被考官認為「不合規範」而未被錄取。

幸好該院的註冊副主任、對位法教師皮央坦尼(Piantanida)慧眼識人,他看了威爾第的試卷以後,認為學院的嚴格教學反而會限制想像力。另一位考官米蘭歌劇院的指揮和作曲教授羅拉(Rolla)也同意了此觀點,於是他們建議威爾第就留在米蘭找私人教師學習。

他們不僅幫他介紹教師,還建議岳父巴雷齊給他買米蘭歌劇院的觀摩季票,使他從求學一開始就生活、學習在濃郁的歌劇氛圍裡。別看威爾第的學習過程似乎是「福星高照」,然而當他開始步入歌劇創作的戰場時卻不是那麽順利,甚至還遭遇到意外的坎坷。

威爾第的第一部歌劇《博尼法喬伯罸奧貝爾托》於1839年10月在米蘭史卡拉歌劇院上演,獲得了一定的成功並且受到當時擔任劇院主要女高音演員的斯特雷波尼(Strepponi)的青睞;但是緊接著威爾第的愛妻和幼小的兒女相繼病逝,這使他的心情沮喪到了極點。

由於合約尚未約束,傷心的他還得勉為其難繼續為劇院創作一部名叫《一日之王》(Un giorno di regno)的喜歌劇。

心神俱疲之下的創作,想當然這齣喜劇理所當然地遭到了慘敗,威爾第更是灰心已極,幾乎要放棄歌劇事業了。

但那個逼著他寫喜劇的史卡拉歌劇院經理(Merelli)此時將一卷厚厚的歌劇劇本硬塞給了威爾第,使他逐漸地被腳本中激動人心的情節和詞句所吸引,終於寫出了他的成名之作《納布果》!

《納布果》劇中藉古喩今的愛國思想激動著每一個觀眾,當他們步出歌劇院時,大都已學會了歌劇裡這段被異國侵略者俘虜的希伯來人的思鄉合唱:〈思想啊,乘著金色翅膀飛翔〉。這首合唱曲至今仍是義大利最知名流行的愛國歌曲之一。

在《納布果》中扮演女主角的,便是後來成為威爾第第二位夫人的斯特雷波尼。

當年威爾第所生活的義大利,尚是大部分受奧地利統治的四分五裂的聯邦,十九世紀之初拿破崙一度入侵義大利趕走了奧軍,法國人帶來的自由、平等、博愛思想和他們掠奪義大利的財富,尤其是搜刮破壞古代文物的行徑,都對義大利人民留下了深刻的影響。

拿破崙失敗後,義大利人民在愛國志士加里波的(Garibaldi)和馬濟尼(Mazzini)等人的領導下團結奮起,和捲土重來的奥地利占領當局進行了不懈的鬥爭,終於在十九世紀70年代才贏得了完全的獨立和統一。

富於愛國、民主思想的威爾第從十九世紀40年代起寫出了如《納布果》、《十字軍中的倫巴第人》(Lombardi allaprimacrociate和《聖女貞德》(Giovanna d'Arco)等頌揚抵抗外敵入侵的精神的作品,可說是自然而然的真情流露。

威爾第在他的一生中,始終不渝地從精神和物質上支持著義大利的獨立、統一事業,在他接近晚年的時候,還為了痛悼偉大的愛國作家和政治家曼佐尼的逝世而創作了感人肺腑的《安魂曲》。

將社會上的「卑賤」人物作為正歌劇(尤其是悲劇)的主角,又是威爾第創作上的又一偉大成就,也是他民主思想的體現:

十八世紀以來,雖然平民已經經常成為喜歌劇之主角,例如如塞碧娜《女僕作夫人》(La servapadrona)、《費加洛的婚禮》等等,但是正歌劇和悲劇的主角仍然侷限在只能是神仙、帝王或貴族,似乎只有這些高貴的人們的不幸才值得同情。

但是威爾第在他接下來創作中期的三部傑作裡打破了這個慣例:

《弄臣》中的主角里戈萊托(Rigoletto)是個可憐的殘疾人,根據中世紀歐洲某些國家的法律,殘疾人除非投靠某一位貴族才能居住在城市裡,否則一律趕到鄉村去任其自生自滅。這對於缺乏勞動能力的他們無疑是死路一條,因此里戈萊托才如此卑躬屈辱地為公爵作弄臣,為了餬口甚至不惜出賣良心,既可恨亦復可憐。

威爾第也藉著對里戈萊托父女悲慘遭遇的描寫,痛責了封建制度的暴虐和封建主的荒淫無道。

又例如《遊唱詩人》中的阿祖切娜和曼里科,都是被社會排斥和賤視的吉普賽人。曼里科雖擁有貴族血統(他本人不知),但是自幼就被阿祖切娜抱養視若親生,因此當曼里科衝破社會階級限制和萊奧諾拉相愛時,便自然地受到了他的政敵和情敵盧納伯爵的殘酷迫害。

直到最後一幕在火刑台上的阿祖切娜向著伯爵大喊:「蠢貨!你殺死的是你的親生弟弟⋯」才以劇力萬鈞姿態結束了這齣悲劇。

《茶花女》中的薇奥萊塔儘管生活在珠圍翠繞的環境裡,但她也原是出身貧苦,棲身於「半上流社會」作貴族紳商的玩物,欲求作良家婦女而不能。

當時的社會偏見扼殺了她與阿爾弗雷多的愛情,最後孤獨淒涼地離開了人世。

再加上稍前在《露易莎・米勒》(Luisa Miller)中表現出來的對老兵父女不幸遭遇的深刻同情,以及透過《強盜》(I masnadieri)、《海盜》(Il corsaro)兩部歌劇對封建社會「逼良為盜」的本質的揭露,十分鮮明地表示出威爾第對劇中人物的愛憎。

從《弄臣》等中期三部傑作到晚期的《阿依達》間,威爾第還寫了五部歌劇,它們大多是結構宏偉的歷史劇,作家的争取民主、反抗封建壓迫害的思想仍然貫穿於每一部作品中,例如《西西里的鐘聲》就是描寫十三世紀時西西里島上的人民反抗法國占領軍的起義,這次起義雖然由於統治者的強大、陰險和起義者内部的不堅定而失敗了,但是威爾第的心卻始終向著起義的人民。

《西蒙·波卡涅拉》則是描寫西卡涅拉雖然是海盜出身,但是他當選為熱那亞自治共和國的執政以後,努力團結國内各政治派別,一心想讓國家繁榮安定。儘管他壯志未酬便遭野心家殺害,但是威爾第意圖透過歷史悲劇來表達自己對祖國統一的渴望心情,已經躍然於樂譜與歌劇上了。

至於從席勒的同名話劇改編的《唐卡洛》,則是一部既是史有所據,又充分發揚藝術家的理想與想像的感人悲劇,而且餘味無窮。

唐卡洛是十六世紀時西班牙國王腓力二世的王儲,由於自己的未婚妻(法國公主伊莉莎白)被父王據為皇后,加上同情在西班牙的暴政殘酷統治下的法蘭德斯人民,以及他和父王在政見上的矛盾,父子之間展開了一場情感上和政治衝突,使這齣悲劇的思想境界,從家庭的感情糾葛,提高到了治國該用仁政還是暴政的大命題方面去,而且作者的感情是強烈地傾向於反對暴政,同情受壓迫的法蘭德斯人民以及主張仁政的羅德里戈與唐卡洛一方的。

《唐卡洛》上演於1867年,這時的歐洲歌劇已經進入了她的黃金時期,各國均有藝術上已經爐火純靑而又風格各異的歌劇傑作誕生:

例如德國華格納的《紐倫堡名歌手》(Die Meistersinger von Nürnberg, 1868)和《萊茵的黄金》(Das Rheingold, 1876);法國有古諾(Gounod)的《羅密歐與茱麗葉》(Romeo et Juliette, 1867)和比才的《卡門》(Carmen, 1875);俄羅斯則有穆索斯基(Musorgsky)的《鮑里斯・戈杜諾夫》(Boris Godunov, 1874)和柴可夫斯基的《尤金・奥涅金》(Eugene Onegin, 1879)等傑作。

威爾第的《阿依達》就是在這個歌劇名家輩出,新作繁花似錦的年代產生的。

此時,年近花甲的威爾第已經積累了二十三部歌劇的創作經驗,名聲已經遠播全歐洲,不僅西歐的法、英邀請他去創作,就連遙遠的俄羅斯也請他到彼得堡去為皇家歌劇院創作了《命運之力》(1862);法國埃及學家馬里埃(Mariet)寫了《阿依達》的故事梗概,交給《唐卡洛》的腳本作者之一、巴黎喜歌劇劇院院長迪・洛己萊(DuLocle),說這故事可以請威爾第譜成歌劇。

威爾第很快地就答應了。

在寫作的過程中,威爾第向馬里埃詳細詢問了埃及俗習慣和自然景物,以便自己的歌劇能生動、準確地體現地域和民族的風貌來。尤其可貴的是,他並不是在這裡僅僅擷取一素材來作為自己作品的裝飾,而是從内心深處創作出無與倫比的古埃及的歷史環境和情調來。

對此,他有一句名言:「模仿現實也許不錯,但是去創造現實却更好,而且要好得多!

《阿依達》的創作進展十分順利,但是由於普法戰争的阻隔,在法國訂製的該劇的服裝、布景無法及時運到,首演延至1871年的聖誕夜方得以在開羅舉行。

次年2月18日該劇又在米蘭史卡拉歌劇院舉行了她的義大利首演,均獲得了轟動性的成功,至今仍然是世界上最受歡迎的歌劇傑作之一。

誠然,在《阿依達》中的古代祭典儀式、軍隊出征和凱旋等等場面是既賞心悅目又激動人心的,但是這齣歌劇的成功絕非僅僅靠著這些宏偉熱鬧的大場面,而是靠著對劇中人物心理生動深刻的刻畫,靠
著對人物形象活龍活現的塑造而取得的。

威爾第在這裡也並未去歌頌古埃及統治者的豐功偉績,相反地通過了阿依達與將軍拉達梅斯二人之間的愛情悲劇,譴責了古代國家以強凌弱的行為和不義的侵略戰争。

具有諷刺意味的是:在十九世紀英、法、義諸國争奪非洲殖民地的過程中,英國還曾於1875年唆使埃及入侵衣索比亞,結果以埃及慘敗而告終,但歌劇中的歷史居然被現實給顛倒了過來!

十九世紀末,義大利多次侵略衣索比亞屢遭失敗,敗北後竟至在衣索比亞首都「雅迪斯阿貝巴」簽定和約並向衣索比亞賠款一千萬里拉、以及承認該國的完全獨立。

歷史充分肯定了威爾第遠見卓識和強烈的正義感,這也就是為什麽《阿依達》在眾多大場面的「豪華」歌劇中卓然不群的根本原因。

1873年5月22日,義大利偉大的愛國作家、政治家曼佐尼逝世了,威爾第認為除音樂外任何悼詞都不足以表達自己的哀思,便創作了《安魂曲》敬獻給曼佐尼,以及所有為義大利的獨立解放而獻出生命和靑春的人們。

雖然它使用的是傳統的宗教音樂體裁,以拉丁文演唱,但是作品中卻充滿了戲劇性和昂揚的戰鬥精神,在劇院裡演出要比在教堂裡好得多。

自從《安魂曲》於1874年問世以後,威爾第多次以作曲家同時又是國家代表的身分到歐洲各國去指揮本作品演出,到處均受到隆重的歡迎。

此時的威爾第已經年逾花甲,以《阿依達》為代表為數甚豐之歌劇創作,不但演遍了歐洲,甚至遍及南北美洲,他靠著豐厚的上演歌劇版稅完全可以和羅西尼一樣度過一個安富尊榮的晚年,而且由於自從《阿依達》和《安魂曲》後,他又有多年不寫大型的作品,人們逐漸以為他真的要步羅西尼的後塵了。

但其實,創作的欲望一直在他的内心湧動著,只是由於他對於劇方的要求越來越嚴格,一時難以找到和他的豐富經驗以及高超作曲能力相配的腳本作家,以致一擱筆就是十來年,直到重新遇見作曲和編劇雙絕的鮑益多(Boito)來到了威爾第的面前,情況終於改觀。

這時,與威爾第合作多年的皮亞威(Piave)已經辭世,為《阿依達》寫腳本的吉斯蘭佐尼(Ghislanzoni)本來也是威爾第樂於與之合作的作家之一,但是這位才子的興趣廣泛,涉獵的文藝領域頗多,不可能像過去的皮亞威那樣忠心耿耿地專門投入歌劇腳本創作,而鮑益這位比威爾第年輕29歲的藝術家,便成了最恰當的人選。

鮑益多本身就能創作歌劇,既有很高的音樂、戲劇才能,又對歐洲各國的文學都有很精深的修養,曾將雨果的話劇《安傑羅》(Angelo, Tyran de Padoue)改編爲歌劇腳本,由龐基耶利(Ponchielli)作曲獲得了很大的成功,這就是以情節緊張、音樂激動人心著稱的《歌女喬宮達》(La Gioconda);他自己編劇並作曲的《梅菲斯托費勒斯》(Mefistofele)是歐洲的「浮士德題材歌劇」中足以能和古諾的《浮士德》(Faust)分庭抗禮的少數作品之一。

經音樂出版商家里科迪(Ricordi)之介紹,將對《阿依達》佩服得五體投地的鮑益多介紹給威爾第,而博伊托也心甘情願地對威爾第執弟子之禮,先為之加工《西蒙·波卡涅拉》的腳本作為試筆,使該劇
於1881年重演時面貌一新,然後便相繼為之改編了《奥泰羅》與《法斯塔夫》,使世界歌劇寶庫得以擁有三位藝術家的天才結的鴻篇鉅作。(莎士比亞+威爾第+鮑益多)

早在1816年,義大利就有由羅西尼作曲的《奧泰羅》上演,其中也有特別感人的場面:

例如最後奧泰羅殺死德絲蒂莫娜的那場戲,但是由於整個腳本距莎翁的原著太遠而不夠成功。

但這次威爾第新版創作中,劇作家鮑益多和威爾第緊緊地抓住原著的精髓並且作了出色的發揮創造:

例如為雅戈所寫的那段獨白一〈信經〉(Credo),就是一段集天下奸惡、陰暗心理之大成的傑作,從音樂上和戲劇上將人物的形象十分生動地突顯出來。

另外,歌劇的開場暴風雨場景,兩人不僅僅用嚴謹的戲劇結構和震撼人心的音樂,將奧泰羅率艦隊在與風浪搏鬥中凱旋歸來的場面描繪得非常生動,而且還不露痕跡地將雅戈的嫉妒、恨不得奧泰羅的艦隊在風浪中覆滅的罪惡念頭一筆帶了出來;

類似的精彩音樂戲劇場面在劇中還有多處:

如奧泰羅迎接威尼斯的使節時由於政治上和感情上的失意而過於激動以致昏倒,雅戈洋洋自得地用腳尖點著他說:「瞧!這就是威尼斯的雄獅!」等等橋段,都是歐洲歌劇裡不可多得經典妙筆。

威爾第此時的音樂創作手已經達到爐火純青之境,在人生最後的兩部歌劇作品中,他將從《阿伊達》時即開始的逐步取消分曲作曲手法,嘗試作了進一步的發展:讓音樂隨著戲劇的進行猶如長江大河似地奔流而下,時而湍急時而婉轉,最后匯入戲劇高潮的大海,達到音樂與劇情完美合而為一的境界。

《奧泰羅》於1887年2月5日在史卡拉歌劇院首演,這轉眼間居然已是《阿依達》首演的16年之後了。觀眾們都為威爾第竟能在73歲高齡時仍然有如此旺盛的創作熱情,並寫出了這樣全新、充滿青春激情的音樂而欣喜若狂。

聽眾們走上街頭徹夜狂歡,呼喊著「威爾第萬歲!」直到凌晨。

《奧賽羅》的成功又激發了大眾對威爾第的渴望,人們切盼他能再寫出一部新作品來。

於是威爾第與鮑益多再度合作寫出了以莎士比亞的《温莎的風流娘兒們》(The Merry Wives of Windsor)和《亨利四世》(King Henry IV)等劇為基礎,以英國歴史上有名的喜歌劇人物:約翰・法斯塔夫公爵為主角的歌劇《法斯塔夫》,它堪稱是義大利歌劇史上繼《塞維利亞理髮師》(Il barbiere di Siviglia)之後最偉大的喜歌劇。

威爾第在這部歌劇裡比《奧泰羅》更進一步地揚棄了編碼分曲的音樂結構,使全劇的音樂像一連串的珠玉不停地落入玉盤裡;無論是法斯塔夫吹噓自己當年風華時所唱的〈我曾經是親王駕前的小廝〉,還是芬頓和南妮這對情侶的纏綿情話,或是艾莉絲等一群「溫莎的風流娘兒們」設計捉弄法斯塔夫時如雀鳥噪林般的精美的重唱,以及用漸強的管弦樂團合奏來形容法斯塔夫喝了酒渾身上下的毛孔都散發出來的絲絲快意⋯⋯,這些效果奇美的音樂都好似被威爾第信手拈來卻是麗質天生。

威爾第一生都將「用莎士比亞的作品來改編歌劇」作為自身創作的最高追求,如今,這個願望終於在另一位起橋樑作用的天才的努力下得以充分實現,這位天才就是鮑益多;而也只有威爾第此時所達到的作曲功力,才足以將莎翁的戲劇所體現的生活、思想深度和人物形象的生動詳實地表達出來。

《法斯塔夫》於1893年2月、距他的八十大壽僅8個月的時候上演,觀眾為這位八十老翁竟能寫出如此充滿青春活力的音樂而欣喜若狂,期待著他能再寫出一部從莎翁的劇作改編的歌劇來。

鮑益多甚至都為他選好了題目:《安東尼與克里奧佩特拉》( Antony and Cleopatra)。但是威爾第究竟已經是步入暮的老人了,他除了每天寫一小段音樂以自娛外,便深居簡出,將大部分時間與精力放在「威爾第之家」老年音樂家休養所的籌建工作上,只在1894年去巴黎參加了《奧泰羅》在那裡上演的首演式,同時作為法國政府的貴賓出席古諾逝世一週年的紀念活動,並接受法國政府授予的榮譽十字勳章,這是他和老伴斯特雷波尼最後的一次遠行和參加公開活動了。

威爾第一向痛感義大利的歌劇院管理體制的弊端,晚年自費創辦「威爾第之家」,更是令人敬佩。

因為在義大利的歌劇從業者的待遇不僅低於德法等國,而且當他們年老失去工作能力之後,生活也毫無保障,就連皮亞韋這樣知名的劇本作家也全靠威爾第等生前好友來為他料理後事和贍養遺孤。

威爾第也曾以議員的籲政府資助歌劇事業,但是這個願望要直到他去世以後的二十世紀初才得以實現。

早在1889年,威爾第就為建立「威爾第之家」音樂家休養所購置好了土地,如今他便將建築的事宜交託給鮑益多的長兄、著名的建築師卡米洛(Camillo)。

他在遺囑中規定將自己的版稅和遺產的一半作為維持休養所和他原來建立的一所慈善醫院的費用,但是這「威爾第之家」直到威爾第逝世一年之後方才完成。

根據設計,「威爾第之家」休養所可以容納四十名女性和六十名男性老年音樂家,兩人居住一室既不擁擠又不至於太寂寞,而且生活上彼此可以互相照顧。

按規定凡是年滿六十五歲而且老年生活無著的義大利籍音樂家,無論是作曲家、演員、指揮或是器樂演奏者都在「威爾第之家」接納之列,但是也有一個例外:那就是原籍羅馬尼亞、第一個創造托斯卡的歌劇舞台形象的女高音歌唱家達爾克列(Darclee)。她以非凡的美麗形象和音域寬廣、音色醇美的歌喉於十九世紀末征服了巴黎、倫敦和米蘭等地的歌劇觀眾,可惜在中年就由於嗓音的變故而離開了舞台,在威爾第的休養所度過了淒涼的晚年。

威爾第的體格一向健壯,就是到了八十高齡依然腰桿挺直步履輕便,但是小他兩歲的太太斯特雷波尼卻已經腰彎背駝,行走需要威爾第的攙扶。

到了1897年的11月14日,她終於因患肺炎而和自己風雨同舟54年的老伴暫時分手了...

對於威爾第來說,結褵54年的老伴斯特雷波尼真不愧為賢内助,當她還是史卡拉歌劇院的首席女高音時便能慧眼識人,對初登歌劇藝術殿堂的威爾第另眼相看,並在後來一直是威爾第創作活動的堅定支持者、積極的誘導者和高明的評論者。

威爾第的性格内向不善於處世,太太斯特雷波尼便以她作歌劇演員時鍛鍊出來的社交經驗幫助他克服了許多人際關係中的困難。

而已至耄耋之年的老倆口中忽然逝去一人,想必另一人的哀傷心情是難以用言語來形容,也難以用常規來判斷的。

悲傷使得威爾第的健康迅速衰退,他的視力減弱雙手顫抖,兩腿也似乎站立不穩了。

環顧與他同輩的一代藝術家多已故去,幸好還有晚一輩的好友如鮑益多、里科迪、斯托爾茲和瓦爾德曼日,以及繼女瑪麗亞(Maria)一家時常來相伴,才使得老景不至於過分孤單。

但就在威爾第的親友們認為他的健康狀況尚佳的時候,他卻於1901年1月21日清晨突然在他下榻的米蘭大飯店倒下不省人事,在昏迷中挣扎了好幾天後,終於在1月27日離開了人世。

當威爾第彌留之際,飯店門口每天都擠滿了來打聽病情的群眾,為了怕干擾他的休息,人們自發地在飯店門前的馬路上鋪滿了稻草,好減弱路過馬車的磷磷車輪聲。

根據威爾第已經立下的遺囑:他將與太太斯特雷波尼合葬於老年音樂家休養所之旁。但是由於休養所在威爾第逝世時尚未落成,於是當年先將他的靈柩暫時停放在教堂,待一年之後休養所落成時才進行移靈。

在移靈儀式的那一天,有二十萬民眾的米蘭市民自發地在靈車行經的道路兩旁默哀,有多位社會名流及政要為之執紼;指揮家托斯卡尼尼(Toscanin)指揮了有800人參加的合唱團在墓門口唱著〈飛吧,思緒,乘著金色的翅膀〉,葬禮之隆重絲毫不亞於國家元首。

威爾第從來沒有自詡為革新者,他不像華格納那樣將自己對於歌劇的新概念強加給觀衆,而是認為自己始終是竭誠為公衆服服的僕人,一生像一頭老黃牛似的在歌劇的園地中苦苦地耕耘著。

他順應時代前進的潮流,將義大利歌劇的水平,從羅西尼等人所達到的美聲歌劇成就裡又提高了一步。

威爾第的創作生涯中有過幾次成功的高潮,但每次他都並未在成功中自我陶醉停滯不前,而是持續不計成敗地進行新的探索,並最終能攀上更高的巓峰。

今日,威爾第的歌劇作品仍然在世界各國歌劇院的劇目名單上名列前茅,這個事實絕對是任何文字或口頭讚頌遠遠比不上的至高評價!

 

人生中最後一張照片

 

 

1901年威爾第的喪禮.民眾自發性的夾道相送

 

 

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【BON音樂】2020.11.13. 長榮交響樂團  ⟪聖桑浪漫夜⟫ 音樂會導聆

【BON音樂】2020.11.13. 長榮交響樂團  ⟪聖桑浪漫夜⟫ 音樂會導聆
Evergreen Symphony Orchestra 20201113

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今天介紹的主題,是蹦藝術執行長林仁斌老師將於11月13日於國家音樂廳導聆的長榮交響樂團音樂會 ⟪聖桑浪漫夜⟫

以下是音樂會海報:

配合防疫政策入場需配戴口罩

 

音樂會導聆人

蹦藝術網站執行長 林仁斌老師簡介

 

音樂會資訊

聖桑浪漫夜 陳毓襄與長榮交響樂團
時間:2020年11月13日(五) 19:30
地點:國家音樂廳
指揮:葛諾‧舒馬富斯
華格納:《漂泊的荷蘭人》序曲                               
Wagner:《The Flying Dutchman》Overture
貝多芬:鋼琴協奏曲第5號降E大調作品73,『皇帝』
Beethoven:Piano Concerto No. 5 in E-flat Major, Op. 73 (“Emperor”)
第一樂章:快板(Allegro)
第二樂章:稍快的慢板(Adagio un poco mosso)
第三樂章:迴旋曲—快板(Rondo - Allegro)
鋼琴:陳毓襄/Piano: Gwhyneth Chen
聖桑:第三號交響曲《管風琴》                                       
Saint-Saëns:Symphony No. 3 in C minor, Op. 78 "Organ"
第一樂章:慢板-中庸快板-稍慢板球(Adagio – Allegro moderato –Poco adagio)
第二樂章:中庸快板-急板-壯麗地-快板(Allegro moderato –Presto –Maestoso –Allegro)
音樂會導聆訊息
時間: 11月13日(五) 18:40
地點:國家音樂廳1樓大廳
導聆人: 林仁斌老師
注意事項:18:30開1號門,開放觀眾入場。

 

樂團指揮

音樂總監 \ 樂團指揮 葛諾‧舒馬富斯(Gernot Schmalfuss)

葛諾.舒馬富斯於德國岱特摩音樂學院及英國倫敦音樂學院修習雙簧管、鋼琴及指揮。1968至1979年間,葛諾於慕尼黑愛樂擔任雙簧管首席,並隨音樂總監 Rudolf Kempe 修習指揮。自1970年起,葛諾成為著名的室內樂團「古典協會」的成員,該樂團灌錄許多唱片,包括莫札特、貝多芬、海頓、舒伯特及許多知名作曲家的管樂器室內樂全集。

葛諾曾擔任慕尼黑的理夏德.史特勞斯音樂學院管弦樂團及慕尼黑室內獨奏樂團的指揮;並客席指揮許多知名樂團,包括慕尼黑愛樂、杜易斯堡與烏佩托交響樂團、凱賽爾國家劇院管弦樂團、德國巴哈獨奏家樂團、西德與柏林廣播電台交響樂團、史塔蓋特室內樂團、西南德國室內樂團、名古屋愛樂、札幌交響樂團等。

舒馬富斯曾任教於德國岱特摩音樂學院,除了為許多廣播電台灌錄唱片之外,還曾經出過一些評價很高的光碟,包含他在義大利的圖書館找到貝多芬的朋友 A.C. Cartellieri 所創作的歌劇、浪漫派的豎笛協奏曲、舒曼最推崇的浪漫派作曲家 Norbert Burgmüller 的作品 (2首交響樂、1首序曲及鋼琴協奏曲)、布魯赫的第二號交響曲及第三號小提琴協奏曲、J. Ph. Riotte 的協奏曲等。

2007年1月起,葛諾.舒馬富斯擔任長榮交響樂團音樂總監及首席指揮。(資料取自長榮交響團官網)

鋼琴獨奏家 陳毓襄
Piano: Gwhyneth Chen


攝影/鄧博仁


鋼琴家陳毓襄,擁有超人的琴藝及天才般的音樂詮釋力。1993年陳毓襄以最年輕的參賽者及卓越琴藝勇奪『波哥雷里奇國際鋼琴大賽』桂冠,榮獲十萬美獎的獎金(最高獎金的鋼琴大賽)。賽後,波哥雷里奇還盛讚她的才華『好得令人難以置信』。美國CNN電視也在國際間轉播了此成績。近年在瑞士,臺灣,陳毓襄常與波哥雷里奇共同舉行音樂會演出。陳毓襄出生於臺灣,1980年赴美求學跟隨 Robert Turner, 和 Aube Tzerko.。隨後進入茱莉亞音樂學院取得學士與碩士。在紐約期間跟隨Martin Canin, Byron Janis 和 殷承宗。12 歲時,獲全美五十州鋼琴比賽少年組冠軍,三年後又榮獲青年組冠軍,創下同一人獲得該比賽少年組與青年組冠軍的紀錄。高中時期她更跨組至大學參加國際鋼琴錄音比賽並贏得首獎。1988年參加全美青少年鍵盤藝術家比賽首獎及一臺演奏鋼琴。19歲時,陳毓襄進入『莫斯科柴可夫斯基國際鋼琴大賽』決賽以唯一的女鋼琴家榮獲最佳女性獎。1992年在俄國聖彼得堡『普羅高菲夫國際鋼琴大賽』獲得銅牌。1991年在紐約Thomas Richner 國際鋼琴大賽獲得首獎。1999年,國際網路音樂大賽首獎。

1995年陳毓襄獲選為美國一百位頂尖華人代表。並受李登輝總統邀請至總統府參加『總統府音樂會』演出。2002年受臺灣總統夫人吳淑珍女士訪美,陳毓襄受邀至華府雙橡園演出。2008年,受邀於馬英九總統就職典禮演出。

2008年,陳毓襄以『臺灣之光』代表參加北京奧運運慶祝音樂會,由呂紹嘉指揮臺北市立交響樂團於北京國家大劇院合作演出。2018 年,陳毓襄再次代表臺灣和陳美安指揮國立臺灣交響樂團在洛衫磯迪士尼音樂廳演出。

2010年,受邀錄製『珍愛的蕭邦』個人演奏專輯,歷年或臺灣金曲獎最佳演奏獎。

陳毓襄的演奏生涯輝煌,十一歲公開彈奏普羅高菲夫第三號鋼琴協奏曲,十三歲與洛杉磯愛樂交響樂團合作演出起,合作過的國際知名樂團不計其數,如:洛杉磯愛樂,香港愛樂,莫斯科廣播交響樂團,格林威爾交響樂團,挪威卑爾根愛樂交響樂團,日本九州交響樂團,臺灣國家交響樂團,上海交響樂團,莫斯科國家愛樂,帕莎第納交響樂團,太平洋交響樂團,亞斯本音樂節交響樂團,Fresnes交響樂團,薩格勒布愛樂樂團及紐約寧靜湖小交響樂團等。曾連續六季受邀與邁阿密交響樂團合作演出,並受邀與英國指揮大衛˙艾德敦(David Atherton)率領的香港愛樂合作於美國,加拿大舉行巡演;由費多賽耶夫(Vladmir Fedoseyev)指揮的莫斯科廣播交響樂團合作於北美,墨西哥演出;與龐金(Vladmir Ponkin)指揮的俄羅斯愛樂管弦樂團合作於臺灣巡演。陳毓襄並獲邀於科羅拉多交響樂團的創團音樂會中,擔任首位演出隻獨奏家,在滿座15’000位觀眾前,演出柴可夫斯基『第一號鋼琴協奏曲』。

陳毓襄演奏會遍佈世界各地,如紐約林肯中心,舊金山Davis 演奏廳,洛杉磯音樂中心,溫哥華皇家劇院,甘迺迪中心,臺北國家音樂廳,法國坎城的的德步西廳,也曾經在莫斯科音樂院大廳的季節開幕音樂會演出。

陳毓襄曾經在很多國際音樂節演出,例如阿思本音樂節,蒙特利音樂節,波蘭,德國,以及西班牙的蕭邦音樂節。2010年,受邀於紀念蕭邦 200 週年,在臺北國家音樂廳演出全套蕭邦夜曲,2011年在李斯特200 年冥誕之際,挑戰演出李斯特『超技練習曲全集』。

經常投入慈善演出的陳毓襄,2011年受邀為日本地震海嘯的募款音樂會演出(慈濟和萬佛聖城合辦),也參與美國癌症協會慈善義演。在2017年,在加拿大卡加利為北美最大的遊民中心舉辦募款音樂會,成為了卡加利榮譽市民。

2013年,陳毓襄榮獲了第一屆宣化基金會的人道精神奬,2014 年得榮獲了中華孝道協會的孝道獎。

陳毓襄是史坦威藝術家,2017 年拍了史坦威全球廣告。(資料取自網路)

 

樂曲解說

華格納:《漂泊的荷蘭人》序曲

An Bord der Flying Dutchman (Illustration von Johannes Gehrts, 1887)

 

「驚濤拍岸捲起千堆雪,狂怒的汪洋肆虐著一個呼喊的靈魂,他背負著魔鬼的詛咒,永遠不會靠岸地航行著……」這便是《漂泊的荷蘭人》序曲描繪的畫面,也可以說是華格納一生的寫照。

 

華格納根據海涅小說及自己航海的經驗,譜寫了《漂泊的荷蘭人》(Der Fliegende Holländer),這也是華格納繼《黎恩濟》之後創作重要歌劇,原名為德語。

 

Louis M. Eilshemius 繪製《漂泊的荷蘭人》油畫

序曲為精華

與之前歌劇序曲做為「起始開幕功能」相比,華格納的序曲因為在歌劇創作後才完成,更能夠集全劇情節及樂念發展於其中。因此序曲置於歌劇之前演出,就如同一位音樂說書人,已將故事情節了然於心,但為觀眾緊湊揭示劇情演變,也更留下更多劇情之懸疑與期待。

 

始於風暴中的天才之路

1839年初,在俄國里加(Riga,今拉托維亞境內)擔任里加劇院音樂總監的華格納,因為生活奢靡而欠下巨債,於是華格納夫婦在金錢壓力之下倉皇踏上前往巴黎的旅程(就是我們說的跑路去了),華格納逃跑中,亦期望皮箱中的歌劇《黎恩濟》手稿能讓他們在巴黎大放光彩,重回上流社會。

未料路途遠比華格納想像得艱困,他們搭乘一條只有7名水手的雙梔小帆船,途中遇上暴風雨,不僅妻子在途中流產,千辛萬苦終於搭上開往倫敦的船,但甫出海就遭遇風暴侵襲,只得暫泊挪威峽灣。從挪威到英格蘭,小船在怒濤中掙扎了一個星期,所有的人都絕望了,不過最終小船有驚無險,華格納一家平安踏上了英格蘭的土地。

但峽灣風暴壯麗的景色、水手們的傳說,在華格納困頓時卻深深勾動他的藝術家靈魂,劇中第一幕《水手之歌》亦發想於自身的這段海難歷險記。

 

歌劇講述一位受詛咒而永世在海上漂流的荷蘭人船長,必須藉由堅貞的真愛解除詛咒:

一位荷蘭船長(Hollander)中了魔鬼的詛咒,必須在海上航行直到有女子真誠的愛才能解脫,而且每七年才有機會上岸一次。
挪威船長達朗德(Daland)偶然在一次大風浪中認識了荷蘭船長。
貪心的朗德見到荷蘭船長的船滿載金銀財寶,他便立刻一口答應荷蘭船長要求 - 許配他的女兒仙妲(Senta)給荷蘭船長。
其實珊塔亦盼望著荷蘭船長的來臨,因此在他們初次相見時,一見鍾情,仙妲更向荷蘭船長起誓永遠對他至死忠貞不渝,並定下婚約。
可是一直愛慕著珊塔的年輕人艾瑞克(Erik)向她警告這樣的愛是沒有好結果,並勸她回心轉意,不要忘記當年曾經許下相愛的諾言,可是仙妲拒絕了艾瑞克的要求。
但剛好就在此時,荷蘭船長經過,他以為仙妲背叛了兩人的誓言,在心灰意冷之際,告訴仙妲自己受到恐佈懲罰~準備再次出帆起航,繼續漂泊的生活。
仙妲為了證明自己的忠貞與愛意,便攀上岸邊一塊高聳的礁岩,縱身跳下海中,和荷蘭船長的幽靈船一同沉沒大海。在一陣洶湧狂濤之後,海面上浮起了荷蘭船長與仙妲相擁的身影,這時天上射出一道耀眼的曙光,之後兩人昇天而去。

 

華格納從自己親身遭遇過的那場狂風暴雨,就化作序曲中急促的弦樂音群,銅管號角聲動機勾勒出峽角崖壁的巍峻,如此陰暗與壓迫的氣氛延續到第一幕,荷蘭人的身影就從一群躲避風暴的水手視線中如鬼魅般浮現⋯⋯。

全劇最後,荷蘭人得到了女主角仙妲(Senta)的無私真愛,他與他的船因為奇蹟消失在海面上;《漂泊的荷蘭人》的主導動機使用兩個音樂主體來編排整個作品:一個是挪威民間舞蹈音樂,活潑愉快;另一個是為水手和仙妲所譜的管弦主題,氣場沉重、曲風詭異、旋律起伏不定,兩個音樂主題互相對立。

根據這樣的音樂安排,觀眾瞬間就能明白水手和珊塔是多麼的孤獨——水手如幽靈一般不被當地人接納,但他與仙妲卻又彼此致命的相互吸引著……這註定要走向悲劇,最終仙妲為了證明自己的忠貞與愛意,攀上岸邊一塊高聳的礁岩,縱身跳下海中殉情,意欲和荷蘭船長的幽靈船一同沉沒大海。

在一陣洶湧狂濤之後,海面上浮起了荷蘭船長與仙妲相擁的身影,此時天上射出一道耀眼的曙光,之後兩人昇天而去。

仙妲用殉情解除了水手的魔咒,「救贖」的象徵意義在一直在華格納的歌劇中佔有重要的一席之地。

 

職業生涯首部代表作

現實生活中,華格納的困頓生活也逐漸迎來曙光:在1842年的春天他返回德勒斯登居住,而同年秋天《黎恩濟》成功在德勒斯登森柏歌劇院上演,促使他在德國歌劇界逐漸獲得認同。翌年(1843年)一月,《漂泊的荷蘭人》舉行首演,並且由華格納親自指揮樂團演出,連續的成功更讓他獲得宮廷樂團指揮一職。

在1851年的一篇文章(Eine Mitteilung an meine Freunde)中,華格納將這部作品稱為自己的歌劇寫作生涯中重要的轉捩點。華格納回憶起他作曲家生涯之初時,他認為《黎恩濟》不過是順著時興風格寫就的流俗之作,《漂泊的荷蘭人》是真正他藝術生涯的開端。

 

樂譜影片

https://youtu.be/HI3CS0xfico


貝多芬第五號鋼琴協奏曲《皇帝》

讓我們邀請今晚的鋼琴獨奏家陳毓襄老師為大家導聆:

https://youtu.be/TtLMLDTNvvo

 

樂曲簡介

1809年4月至5月間,奧地利遭到法軍攻擊,維也納陷入四面楚歌之中。貝多芬亦在機緣巧合下,躲進弟家的地窖當中,以枕頭遮蓋著頭隔著法軍之炮火,至於身兼貝多芬學生及朋友的魯道夫大公,更因戰事而逃往城外。

拿破崙在1809年7月5日-7月6日的瓦格拉姆戰役Battle of Wagram)中,展現他過人的毅力和臨危不亂的指揮能力,突破敵軍包圍,用密集砲火擊敗奧地利,重創了奧軍,逼使奧地利求和。拿破崙在此場戰役中再次迫使弗朗茨一世求和。

1809年7月5日-7月6日的瓦格拉姆戰役(Battle of Wagram)

 

瓦格拉姆戰役 戰事解析圖

 

轟炸奧地利的拿破崙軍隊

 

全曲於 1809年在維也納完成初稿,次年1月,當魯道夫大公凱旋返回奧地利時,貝多芬將此作品獻給了他,及在1810年2月4日將手稿交予 Musikverlag Breitkopf & Härtel 出版社

此曲除了第五號鋼琴協奏曲之外,並有著《皇帝》作為副標題,然而此標題並非貝多芬或出版社編定,而是由英語系國家另行補上。《皇帝》之由來已不可考,但可以肯定的是,從創作期間之戰事與政局,我們可以約略瞭解到該曲之含意。當時之首演被迫移師至維也納以外地方,然而,1811年11月28日在萊比錫之首演,反而獲得空前成功,各報章亦因而稱讚該曲為「有史以來最獨一無二、最天馬行空、最傳神,亦是最困難的協奏曲之一」。

此協奏曲總長共約40分鐘,分為三樂章:

  • I. 快板(Allegro)
  • II. 稍快的慢板(Adagio un poco mosso)
  • III. 迴旋曲—快板(Rondo - Allegro)

 

認識陳毓襄老師 -《音樂家邁向大師的三階段》專訪

https://youtu.be/YM_v7XupVik


聖桑:第三號交響曲《管風琴》

卡米爾.聖桑(Camille Saint-Saens,1835 ∼1921)出生於十九世紀中葉的巴黎,當時作曲家與音樂蕭邦、李斯特、白遼士皆曾活躍於此;文學家波特萊爾 (Charles Baudelaire, 1821-1867)巴爾札克(Honore de Balzac, 1799-1850)、雨果(Victor Hugo, 1802-1885),大仲馬(Alexandre Dumas, 1802-1870)與小仲馬(Alexandre Dumas fils, 1824-1895)父子等名家皆前後薈萃於這充滿藝術氣息的迷人城市。聖桑在這樣藝文起飛的環境下誕生。

繼莫札特之後的神童

我們常說的神童:「 一歲會走、二歲拿筆、三歲寫文、四歲作詩」(閩南語)如果套用在聖桑身上,簡直是再適合不過了

聖桑是位神童,2歲時在姨媽的啟蒙下開始學習鋼琴,不僅能夠準確的識譜,更對音樂有驚人的理解力;年僅3歲半就創作了個人第一首小曲,這首創作至今仍被保存在法國的國家圖書館中。

聖桑曾於巴黎各教堂中以演奏管風琴為生。1857年,他更取代了 Lefébure-Wely 這位傑出管風琴師的地位,於 Église de la Madeleine 任職二十年,他以每週音樂即興演奏吸引了無數巴黎大眾,1866年時,李斯特更尊稱聖桑為世界上最偉大的管風琴家。

聖桑演奏管風琴照片(1905-1910)

 

聖桑多才多藝,早年曾涉獵地質學、考古學、植物學及昆蟲學,他亦是一位數學專家。

除了作曲、演奏及撰寫音樂評論外,他還與歐洲知名的科學家進行討論,以及撰寫關於聲學、巫術科學、羅馬劇院裝修及古老樂器的學術文章。

聖桑亦是法國天文學會的成員;他舉辦關於海市蜃樓的講座,又懂得按自己的要求製作望遠鏡,以及按如日食般的天文現象來計劃演奏會。

1870年,聖桑參與了國家防衛軍,並參加了普法戰爭。1871年普法戰爭後,為激勵法國作曲家的創作與發揚法國新音樂精神,而創立國家音樂協會(National Society of Music)。聖桑以組織主席身分,公開首演社團成員的作品,包括佛瑞、法朗克、拉羅及他本人的作品,逐漸地他成為塑造法國音樂將來的重要人物。

提攜後輩的不遺餘力,對當代法國音樂發展有著影響卓著的貢獻。

在聖桑86年的生命歷程中所創作的作品類型、數量皆眾多,他還是第一位寫作電影音樂的著名作曲家,1908年他為電影《暗殺吉斯大公》配樂。除了兩次羅馬大獎的失利,在作曲和演奏的事業上可謂相當順遂。

聖桑表示自己作曲就像蘋果樹結果般的自然,一生共創作了五首交響曲,四首管弦音詩、十三部歌劇、五首鋼琴、兩首大提琴和三首小提琴協奏曲,以及許多的鋼琴、聲樂、室內樂曲等。

 

獻給李斯特

第三號交響曲《管風琴》,可說是聖桑最廣為人知的交響作品,也是晚年集身作曲與演奏之大成。本曲獻給作曲家好友李斯特,雖然李斯特於當年(1886年)逝世,但樂曲構思過程兩人皆保持有交流互動。李斯特意知道聖桑將此曲題獻給自己,但因身體因素無法參與出席英國首演;首演於五月完成之後,李斯特於7月逝世,聖桑更在樂譜上註明「紀念李斯特」(A la mémoire de Franz Liszt)

 

循環曲式

聖桑利用循環曲式寫成此交響曲:本交響曲共分兩個樂章,而每一個樂章又可再分成兩個部分,因此我們也將此曲視為標準的古典交響曲的四樂章曲式,甚至許多唱片錄音也將此「兩樂章各兩部分」之段落,直接分為四軌~六軌,方便聽眾挑選欣賞。

卡拉揚1982年指揮柏林愛樂版,將此交響曲非為四段:1a、1b 與 2a、2b:

 

但若以1961年奧曼第指揮費城管弦樂團版本為例,就將本交響曲細分為六段,每個重要的速度轉換皆分軌方便欣賞:

首演資訊

樂曲完成於1886年,獻給好友作曲家李斯特。

首演於同年5月19日,英國倫敦 St. James Hall,由聖桑本人擔任指揮家,指揮皇家愛樂樂團(Royal Philharmonic Society)

聖桑指揮照

 

加入管風琴 恢宏雋永

聖桑本身也是琴藝超群的管風琴家,他人生進入成熟圓融階段創作此曲,更完美呈現管風琴氣勢恢弘、與管弦樂團融合的華麗多彩的音色。尤其第二樂章美極了,或許成為聖桑紀念與詮釋好友李斯特一生的墓誌銘,優美與超凡入聖之氛圍,非常值得一聽。

 

楊頌斯指揮巴伐利亞廣播交響樂團

Mariss Jansons 指揮
Iveta Apkalna 管風琴

Camille Saint-Saëns
Symphony No 3 in C minor, Op 78 'Organ'

  • 1 Adagio - Allegro moderato - Poco adagio
  • 2 Allegro moderato - Presto - Maestoso - Allegro

https://youtu.be/y60L-N9iY9k

 

祖賓梅塔指揮柏林愛樂精華版

https://youtu.be/EWZFkib99uo

 

總譜欣賞版

1-1 Adagio - Allegro moderato 

https://youtu.be/WMxYb61Lt5Q

 

1-2  Poco adagio

https://youtu.be/HCf0bH-ttOE

 

2-1 Allegro moderato - Presto

https://youtu.be/6qsA1Jw5jsc

 

2-2 Maestoso - Allegro

https://youtu.be/HCf0bH-ttOE

 

祝福大家音樂會欣賞愉快.會後擁有一個美好的夜晚

 

 

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【BON音樂】漫談貝多芬小提琴奏鳴曲全集

【BON音樂】漫談貝多芬小提琴奏鳴曲全集
About Violin Sonatas of Beethoven

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貝多芬(Ludwig van Beethoven, 1770 -1827)驚人的創作能力,充分反映在他所創作的音樂中:無論是交響樂、奏鳴曲、協奏曲、弦樂四重奏與歌劇、器樂曲等等,不但數量充沛,單一欣賞時更是如沐春風,讓我們品味到古典時期進入浪漫時期那種時代牽引著音樂,音樂也帶領著時代的微妙感動。

今天主題是貝多芬小提琴奏鳴曲,貝多芬共創作10首完整奏鳴曲以及一首名為 Hess 46之A大調未完成奏鳴曲(推估年份為1790-92年間)。

十首完整小提琴奏鳴曲創作年代從 1798年至 1812年之間,也就是他自18歲至42歲之間的創作期。

整理貝多芬的不同時期照片:

Beethoven timeline

 

淺談小提琴奏鳴曲的進化史

下方這張小提琴弓的進化圖(由上而下),除了代表琴弓由巴洛克時期的「鬆」,逐漸步入古典時期的「緊」,我們更可以在這「鬆」邁向「緊」之間的進程,感覺到音樂表現力的進步。

 

在貝多芬之前,莫札特寫作了約36首小提琴奏鳴曲,是古典時期最具代表性的小提琴奏鳴曲作曲家,也是此項曲式的創作天王。

莫札特寫36首小提琴奏鳴曲列表

幼時創作 (1763–66)

  • Violin Sonatas, KV 6–9
    • Sonata in C for Keyboard and Violin, K. 6
    • Sonata in D for Keyboard and Violin, K. 7
    • Sonata in B-flat for Keyboard and Violin, K. 8
    • Sonata in G for Keyboard and Violin, K. 9
  • Violin Sonatas, KV 10–15
    • Sonata in B-flat for Keyboard, Violoncello and Violin (or Flute), K. 10
    • Sonata in G for Keyboard, Violoncello and Violin (or Flute), K. 11
    • Sonata in A for Keyboard, Violoncello and Violin (or Flute), K. 12
    • Sonata in F for Keyboard, Violoncello and Violin (or Flute), K. 13
    • Sonata in C for Keyboard, Violoncello and Violin (or Flute), K. 14
    • Sonata in B-flat for Keyboard, Violoncello and Violin (or Flute), K. 15
  • Violin Sonatas, KV 26–31
    • Sonata in E-flat for Keyboard and Violin, K. 26
    • Sonata in G for Keyboard and Violin, K. 27
    • Sonata in C for Keyboard and Violin, K. 28
    • Sonata in D for Keyboard and Violin, K. 29
    • Sonata in F for Keyboard and Violin, K. 30
    • Sonata in B-flat for Keyboard and Violin, K. 31

成熟時期創作 (1778–88)

 

莫札特古典時期的小提琴奏鳴曲,在風格上屬於當時流行的「洛可可風格」(Rococo),並常寫為兩個樂章規模,連在標題上也都寫為 「Sonatas for Keyboard and Violin」,很明顯的可看出小提琴經常被視為奏鳴曲之第二聲部或附屬聲部。

主題與起承轉合多半與鋼琴相依相偎,也因此經常被學者稱為「為鋼琴助奏小提琴奏鳴曲」。

一方面因為鋼琴比起之前巴洛克時期使用之大鍵琴多了更多力度變化空間,二方面我們可以說作曲家們仍在這兩項樂器的發展可能性中持續探索著。

另一莫札特小提琴奏鳴曲特色,是他經常只寫兩個樂章,更是代表著「探索中」的另一例證。

 

接下來我們以莫札特著名的第21號 e小調奏鳴曲為例,我們閱讀譜例聽音樂,即可知鋼琴於小提琴奏鳴曲中擔任著非常重要之角色:

https://youtu.be/0UhnfWzOCMo

 

然而,在莫札特之前的巴洛克時期,小提琴奏鳴曲當然維持著「高音旋律」+「數字低音」與和聲伴奏之多聲部音樂概念(Trio Sonata是此時期最為盛行之奏鳴曲曲式),讓我們以泰雷曼(Georg Philipp Telemann, 1681-1767)的小提琴奏鳴曲音樂為例:

我們可以聽見由大鍵琴伴奏之小提琴奏鳴曲,由於大鍵琴「撥弦」之特性,低音聲部與高音旋律之對位形式顯得非常清晰,而鍵盤和聲也由於「撥弦」方式,一點都不妨礙小提琴聲部之音色發揮,反而相輔相成為完整的音樂。

https://youtu.be/WRMDwt_nU5s

 


 

貝多芬十首小提琴奏鳴曲列表與創作年份:

The Violin Sonata in A major, Hess 46(1790-1792)
No. 1 in D major, Op. 12/1(1797-1798)
No. 2 in A major, Op. 12/2(1797-1798)
No. 3 in E flat major, Op. 12/3(1797-1798)
No. 4 in A minor, Op. 23(1801)
No. 5 in F major 《春》(Spring), Op. 24(1801)
No. 6 in A major, Op. 30/1(1801-1802)
No. 7 in C minor《英雄》 (Eroica), Op. 30/2(1801-1802)
No. 8 in G major, Op. 30/3(1801-1802)
No. 9 in A major《克羅采》 (Kreutzer), Op. 47(1803-1804)
No. 10 in G major《破曉》 (The Cockcrow), Op. 96(1812)

貝多芬第一號小提琴奏鳴曲(25-27歲)

貝多芬大部分的小提琴奏鳴曲創作,其實都是「外在因素」促使他提筆作曲:

年輕時他由故鄉波昂至維也納發展音樂家事業,首要之務便是建立自己的名聲,也就是贏得維也納貴族們的歡心。

貝多芬以鋼琴演奏家揚名於維也納,但為了與更多貴族往來,他需要更多室內樂作品,小提琴曲與鋼琴皆然;因此我們可以說貝多芬寫了這些小提琴奏鳴曲,其實是為了獻給貴族朋友們之創作。

從第一號開始,我們可以聽見小提琴雖然與鋼琴共同分擔主題,但是與莫札特相比,貝多芬賦予更多這兩項樂器對話的空間,讓兩項樂器成為「密不可分」的整體:

全曲共三樂章,演奏時間約20分鐘

  1. Allegro con brio
  2. Tema con variazioni: Andante con moto
  3. Rondo: Allegro

https://youtu.be/eC6F4Le6mII


貝多芬第二號小提琴奏鳴曲(25-27歲)

貝多芬最早的三首小提琴奏鳴曲大約是在25-27歲時完成的,無論從風格或形式來看,這三首作品都深受維也納古典樂派的曲風影響。

https://youtu.be/h589-adlGig


貝多芬第三號小提琴奏鳴曲(25-27歲)

第一號至第三號的幾項共同特色:

大調創作,充滿了明亮、歡樂的感受

樂曲結構為第一樂章快板奏鳴曲式、第二樂章行板/慢板、第三樂章快板/輪旋曲架構。

與海頓、莫札特之作曲方式相似,維持三樂章快慢快架構

樂曲格局偏向延續莫札特創作方式,以鍵盤演奏為主體,小提琴位居伴奏/助奏之地位

https://youtu.be/sruTlc2tk2I


貝多芬第四號小提琴奏鳴曲(1801, 進入轉型期)

第一號至第三號小提琴奏鳴曲,被認為屬於貝多芬創作此曲式之「早期作品」,我們可以聽出他承襲了自海頓(Joseph Haydn, 1732-1809)與莫札特(Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)的古典樂派風格。

但就是從第四號開始,貝多芬逐漸覺醒,以越來越新的創作方式風貌,逐漸打破了維也納古典樂派之前的限制與束縛。

https://youtu.be/W-brF70BvFU


貝多芬第五號小提琴奏鳴曲

貝多芬在1802 年以前的音樂風格,大多仍屬於中規中矩、沿襲前人留下之曲式,遵守作曲手法與和聲進行,主調(Tonic)與 屬調和聲(Dominant)之架構,大小調與半音階(Chromatic)為主要作曲與炫技,屬於古典風格作品。

突然間,第五號《春》來臨了。

貝多芬的第五號小提琴奏鳴曲「春」,在樂曲形式上已開始出現相當大的突破。

首先,貝多芬大幅度提升了小提琴的地位,讓小提琴不再居於伴奏的角色,而是和鋼琴平起平坐、兩者既競爭又合作。

而標題部分,作品的標題《春》並不是貝多芬自己命名,而是另有他人。因為《春》的風格有別於貝多芬以往作品的嚴肅與憂鬱氣息,能帶給聆聽者一種充滿希望與幸福的感覺,因此就被命名為「春」。

不過話說回來,貝多芬的《命運》交響曲、《皇帝》第五號鋼琴協奏曲也都並非自己命名;這樣想來,「音樂行銷」應早就在19世紀初就開始被重視了吧~(科科)

《春》也開始跟交響曲同步,共分為四個樂章:

第一樂章
快板 (Allegro)
4/4 奏鳴曲式 F 大調

第二樂章
富表情的極緩板(Adagio molto expressivo )
3/4變奏曲式 Bb 大調

第三樂章
極快板 (Allegro molto)

3/4 複合式三段體 F 大調

第四樂章
不太急的快板(Allegro ma non troppo)
2/2 輪旋奏鳴曲 F 大調

 

針對第一樂章,我們來做詳細的曲式介紹:

段落 主題 小節
呈示部

Exposition

 

第一主題 1-10
第一主題群反覆 11-25
過門 26-38
第二主題 38-70
結束句 70-86
發展部

Development

第一主題群 86-89
第二主題群 89-116
推移樂段 116-123
再現部

Recapitulation

 

第一主題群 124-149
過門 150-162
第二主題群 162-194
結束句 194-210
尾聲

Coda

第一主題後半樂句 210-232
第一主題 232-247

呈示部第一主題:

 

過門樂段(26-38小節)

 

發展部第一主題群(86-89小節)

 

 

發展部第二主題群(89-116小節)

 

再現部第一主題群(124-149小節)

再現部第二主題群(162-194小節)

 

尾聲第一主題後半樂句(210-232小節)

 

尾聲第一主題(232-247小節)

 

https://youtu.be/DHP9fQvTG7I


貝多芬第六號小提琴奏鳴曲

第六號、第七號、第八號皆為作品 30,皆呈獻給俄皇亞歷山大一世(Alexander I, 1801-1825),此時的小提琴在奏鳴曲的地位已大大提升。

https://youtu.be/HGQ6mBJHZyE


貝多芬第七號小提琴奏鳴曲

第六號、第七號、第八號皆為作品 30,皆呈獻給俄皇亞歷山大一世(Alexander I, 1801-1825),此時的小提琴在奏鳴曲的地位已大大提升。

https://youtu.be/IpixfypCJ7M


貝多芬第八號小提琴奏鳴曲

第六號、第七號、第八號皆為作品 30,皆呈獻給俄皇亞歷山大一世(Alexander I, 1801-1825),此時的小提琴在奏鳴曲的地位已大大提升。

https://youtu.be/DNoixufsTRo


貝多芬第九號小提琴奏鳴曲《克羅采》

第九號小提琴奏鳴曲的樂譜封面,有著貝多芬題字:「幾乎像奏鳴曲一樣,以十足的協奏曲風格寫作,附小提琴助奏的鋼琴奏鳴曲」(Sonate per il Pianoforte ed un Violin obligato, scritta in uno stilo concertante, quasi come d' un Concerto)。

此曲演奏時間也最長,而到了此曲小提琴與鋼琴的地位幾乎平等。本曲也因為貝多芬贈給法國小提琴家克羅采(Rudolphe Kreutzer, 1766-1831),因此得名。

https://youtu.be/5YKmb7_y3E8

 

貝多芬第十號小提琴奏鳴曲

這是貝多芬創作第十號小提琴奏鳴曲之手稿,從手稿我們方能窺見這位作曲大師作曲時的「苦惱」與「抉擇」之一二:

貝多芬創作第十號小提琴奏鳴曲之手稿

第十號小提琴奏鳴曲創作於 1812 年,獻給長期資助者魯道夫大公,並由皮耶‧羅德(Pierre Rode, 1774-1830)與魯道夫大公(Archduke Rudolph, 1788-1831)於羅普柯維茲侯爵(Franz Joseph von Lobkowitz, 1772-1816)的官邸舉行初演。

此曲調性為 G 大調,此時貝多芬的創作風格,已明顯走向浪漫。

第一樂章為中庸的快板(Allegro Moderato),G 大調,3/4 拍,奏鳴曲式。呈示部(Exposition)為 mm. 1-97, 發展部為 mm. 98-141,再現部為 mm. 141-238

第二樂章為充滿感情的慢板(Adagio Espressivo),降 E 大調,2/4 拍。此樂 章為 ABA'三段式,A 段為 mm.1-21,B 段為 mm.22-38,A'為 mm.38-53,Coda 為 mm.54-67

第三樂章為詼諧曲,快板,g 小調,3/4 拍。此樂章分為 ABA',其中 A 段為 mm.1-32,B 段為詼諧曲中段(Trio)19 mm.32-83,A'為 mm.84-115,Coda 為 mm.116-129

第四樂章為一點地稍快板(Poco Allegretto),2/4 拍,G 大調,曲式為「主 題與變奏」的輪旋曲,為 A-B-A-C-A-Coda,由主題、七段變奏和尾奏所構成, 但貝多芬並沒有為變奏段落作特定編號。

 

https://youtu.be/7Il1Lt0E6Ls

 

 

因此貝多芬的小提琴奏鳴曲,不但是他人生中創作此種類型曲式之縮影與進程,更是音樂史上小提琴奏鳴曲從古典邁向浪漫時期不可或缺的重要見證,重要性不言而喻。


在貝多芬偉大的十首小提琴奏鳴曲之後,隨之而來的偉大作品是布拉姆斯(Johannes Brahms, 1833-1897)的三首傑作:

Johannes Brahms, 1889 三連拍

 

第一樂章

https://youtu.be/bheXaiDbr0I

 

第二樂章

https://youtu.be/2T7o5jCe9ak

 

第三樂章

https://youtu.be/A9cok31x5LE

 

第一樂章

https://youtu.be/QdfTTAJjLH4

 

第二樂章

https://youtu.be/QpYeJ9RL0I4

 

第三樂章

https://youtu.be/PGGgY3OCvVc

 

 

https://youtu.be/wfF2tznp0xs

 

 

開卷蹦藝術.品味美好閱讀時光

 

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【BON活動】林仁斌 X 台灣絃樂團首席四重奏《極簡與極致 - 室內樂的小宇宙》II

【BON活動】林仁斌 X 台灣絃樂團首席四重奏《極簡與極致 - 室內樂的小宇宙》II
BONART x Academy of Taiwan Strings Quartet II

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林仁斌 X 台灣絃樂團首席四重奏《極簡與極致 – 室內樂的小宇宙》II

貝多芬篇

繼上個月仁斌老師與台灣絃樂團首席四重奏於國立清華大學的 Live'音樂講座大獲好評之後,11/09 我們又在華泰王子大飯店舉辦Part. II 講座啦👏🏻

今天帶來的曲目,是完全 「貝多芬」喔😉




今日曲目
貝多芬弦樂四重奏 op.59 No.3
Beethoven: String Quartet No.9, Op.59/3

貝多芬弦樂四重奏 op.95 "莊嚴"
Beethoven: String Quartet No. 11 in F minor, Op. 95 "Serioso"

主講人:林仁斌

 

四位首席音樂家,也即將在11月24日與25日於國家演奏廳演奏,今天能夠邀請他們四位到華泰音樂講座「搶先聽」、「慢慢聊」,真是太過癮啦:

小提琴:馮楚軒
小提琴:譚正
中提琴:張仁豪
大提琴:邱明宏


接下來,讓我們先聊聊「弦樂四重奏」這項室內樂組合:

為何我們將今天的講座名稱訂為《極簡與極致》呢?

 

極簡三項樂器、四個聲部,四位音樂家建構起撐起的室內樂小宇宙的一片天空。

極致從海頓奠定弦樂四重奏演奏室內樂形式以來,經過莫札特再至貝多芬,這項室內樂編制從未改變過,因為:已達極致。

 

海頓一生共創作了68首弦樂四重奏作品,數量上更是音樂史上之最(排名第二的是莫札特的23首)。

海頓與莫札特

 

除了104首交響曲被尊稱為「交響曲之父」的稱號外,海頓也被尊稱為「弦樂四重奏之父」。

海頓對於弦樂四重奏的貢獻,絕不僅僅只反映在數量上,在長達近四十年的創作過程中,海頓不斷的摸索、改進與創新,將這個音樂組合的架構與音樂表現推向完善,更讓後輩作曲家有了創作的標準。

我們可以從莫札特的登峰貝多芬的極致,重新理解海頓的開創具有多麽偉大的意義。

 

海頓弦樂四重奏譜例

 

 

 

2020年為貝多芬250週年。

今天就讓我們先以貝多芬第九號弦樂四重奏:op. 59 No. 3 作為登場先鋒,搭配仁斌老師的介紹解說,讓大家理解貝多芬弦樂四重奏的獨到之處,以及音樂家們如何排練/演奏這首樂曲?

我想先請四位音樂家,為大家演奏op. 59 No. 3第一樂章開頭的「前奏-流暢的行板」與「甚快的快板」第一部分,至第一反覆記號為止:

在我們繼續探討下去之前,首先讓我來為大家科普一下:

貝多芬有幾首弦樂四重奏?答案是16首

這16首弦樂四重奏的意義是:貫穿了貝多芬早、中、晚三期的創作生涯,  無比深刻地記錄了他的成長、掙扎、進而昇華的過程。

接著讓我們來看貝多芬弦樂四重奏之創作年表:

早期6首 《六首弦樂四重奏》op.18 系列

F大調第1號,op.18/1

G大調第2號,op.18/2

D大調第3號,op.18/3

c小調第4號,op.18/4

A大調第5號,op.18/5

降B大調第6號,op.18/6

風格為典型的古典時期風格,清新明快、簡潔易懂,已經開始具備貝多芬獨有的作曲特質。
中期5首 1806年,貝多芬受俄國駐維也納大使拉祖莫夫斯基伯爵(Count Andreas Razumovsky)之託,譜寫3首弦樂四重奏曲,這就是貝多芬中期弦樂四重奏作品的傑作,俗稱為「拉祖莫夫斯基」的op.59。

拉祖莫夫斯基弦樂四重奏(op.59)1806

F大調第7號, 作品59/1

e小調第8號, op.59/2

C大調第9號, op.59/3

降E大調第10號, op.74 「豎琴」(1809)

f小調第11號, op/95 「嚴肅」(1810)

完成早期的6首弦樂四重奏曲(op.18)之後,貝多芬有6年沒有寫作弦樂四重奏。

這期間他因耳聾而寫下「海利根施塔德遺書」(HeiligenstädterTestament),差點自殺。但這一次昇華,卻讓他超越自己,跨入創作時期巔峰時期,進而開創貝多芬偉大的原創時期,無論在交響曲、協奏曲、奏鳴曲等各方面均創造許多傑作。

晚期5首 6首弦樂四重奏作品

op.127: 降E大調第12號弦樂四重奏 (1825)

op.130: 降B大調第13號弦樂四重奏 (1825)

op.131: 升c小調第14號弦樂四重奏 (1826)

op.132: a小調第15號弦樂四重奏 (1825)

op.133: 降B大調大賦格 (1826)(原作品130之終曲)

op.135: F大調第16號弦樂四重奏 (1826)

這六部作品是貝多芬一生最後的作品,形式複雜、內涵深邃,在當時過於超前,因此沒有受到評論家和聽眾的賞識。但現在人們普遍認為,這些作品是他在弦樂四重奏這項創作體裁下的最偉大成就,甚至是歷史上所有音樂作品中之佼佼者。

 

貝多芬弦樂四重奏 早期V.S.中期

而貝多芬早期 op.18的6首 與 中期op.59的3首,又有怎麼樣的不同呢?

首先,是規模變大音樂的格局也變大了

比較起前輩海頓、莫札特的作品,與他自己初期的6首,規模從適合在沙龍小場地演奏,貝多芬中期「拉祖莫夫斯基弦樂四重奏」(Razumovsky)規模與篇幅,則更適合在音樂廳演奏,音樂內涵與規模,更能在音樂廳這樣的場合欣賞,感動更多喜愛音樂的人。

以op.59 F大調第7號為例,作品59/1,光是第一樂章就有400小節之多,這代表著此時期貝多芬在弦樂四重奏上,創作無論長度、架構與內容,都已經來到新高度。

在貝多芬經過不斷思考與創新,增加份量之後,弦樂四重奏的創作架構越來越具備複雜性與精密度:

四位演奏者一方面需要有各自獨立性,也須將團體音樂音色變化達到完全統一,才能實現這種貝多芬全新的音樂架構與極致的室內樂小宇宙之聲。

整套作品59的表現,已在預示貝多芬後期作品,無論在規模、架構、各樂器的表現等方面,積極邁向顛峰的偉大創作曲風。

 

今日欣賞主題(一):貝多芬弦樂四重奏

現在,讓我們深入欣賞剛剛四位老師為我們演奏的 op.59 No.3 導奏:

讀譜我們可以發現樂曲開頭是一個非常奇特的減七和弦,樂曲是C大調,但是貝多芬以#F為根音的減七和弦開始,從樂曲開場就給我們驚喜與懸疑:

 

提問:

四人之和弦長音如何營造張力與方向?

單旋律樂器,如何合作演奏和弦?

如何創造內聲部的前進動力?

 

我拍攝過非常多組國際級弦樂四重奏,觀摩他們全程彩排的過程,發現一個現象:音樂家並不一定需要「一直演奏」,他們往往彩排過程是藉由不斷地停下來說話溝通,嘗試各種聲音,有時候甚至是「吐槽搭擋」,最終達成共識,在音樂會舞台上邁向極致。

丹奈爾四重奏

攝影/ 林仁斌 | Photography/ Jen-Pin LIN 

 

哈根弦樂四重奏

攝影/ 林仁斌 | Photography/ Jen-Pin LIN 

 

齊瑪諾夫斯基四重奏(這組合已成絕響)

攝影/ 林仁斌 | Photography/ Jen-Pin LIN 

 

愛瑪仕弦樂四重奏

攝影/ 林仁斌 | Photography/ Jen-Pin LIN 

 

耶路撒冷弦樂四重奏

攝影/ 林仁斌 | Photography/ Jen-Pin LIN 

 

貝爾琪雅弦樂四重奏

攝影/ 林仁斌 | Photography/ Jen-Pin LIN