【BON音樂】立陶宛歌劇女高音阿斯米克．葛里戈里恩（Asmik Grigorian）
All about Soprano Asmik Grigorian

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阿斯米克．葛里戈里恩：當代歌劇舞台的重要戲劇女高音

 

來自音樂家庭

阿絲米克．葛里戈里恩（Asmik Grigorian, b. 1981年5月12日）是當代國際歌劇舞台上最具影響力的戲劇女高音之一。她出生於立陶宛首都維爾紐斯，具有亞美尼亞與立陶宛血統。

她的成長背景與歌劇世界有著直接關聯：父親是亞美尼亞著名男高音 Gegham Grigorian，母親則是立陶宛著名女高音 Irena Milkevičiūtė。在這樣的家庭環境中，歌劇排練、聲樂訓練與劇院文化幾乎構成她童年生活的一部分，也使她自幼熟悉舞台與歌劇製作的工作方式。

超猛～阿絲米克．葛里戈里恩的雙親合作演唱的《蝴蝶夫人》

二重唱 〈Vogliatemi bene〉位於第一幕結尾，美國海軍軍官平克頓（Pinkerton）與年僅十五歲的日本少女蝴蝶夫人（Cio-Cio-San）完成婚禮後回到新居。夜色降臨，賓客離去，兩人終於獨處。蝴蝶夫人已將自己完全託付給平克頓與這段一國婚姻，她相信這是真正的愛情與新的生命開始；然而對平克頓而言，這段婚姻只是短暫的異國冒險與嚐鮮。

就在這種戲劇性的認知落差之中，普契尼卻安排了這段極為動人的愛情二重唱。

蝴蝶夫人緩緩唱出「Vogliatemi bene」（請愛我吧），語氣帶著羞澀與期盼，表達她對未來婚姻的真誠信任。

這段音樂象徵著蝴蝶對愛情的完全投入，也為後面悲劇的發展埋下伏筆。

Irena Milkevičiūtė and Gegam Grigorian in The Love duet `Vogliatemi bene` from Madama Butterfly

父親 Gegham Grigorian與帕華洛帝與多明哥的合照

阿絲米克．葛里戈里恩 在 立陶宛音樂與戲劇學院（Lithuanian Academy of Music and Theatre） 接受正式聲樂教育。她的早期訓練並不只集中於聲樂技巧，同時也包含戲劇表演與舞台動作的訓練，這種跨越聲樂與戲劇的培養方式，日後成為她藝術特色的重要基礎。

2004年，她正式在立陶宛歌劇舞台出道，開始累積舞台經驗。最初幾年，她主要活躍於波羅的海與東歐地區的劇院，包括維爾紐斯城市歌劇院、拉脫維亞國家歌劇院與俄羅斯部分劇院。這此階段的演唱曲目以義大利與俄羅斯歌劇為主，例如普契尼、柴可夫斯基與威爾第的角色。

在職業生涯早期，她並未立即成為國際明星～相反地，她經歷了一段長時間的舞台累積與聲樂技術調整期。

她曾在訪談中提到，早期歌唱方式並未完全適合自己的聲音條件，因此在2010年前後重新調整發聲方法與角色選擇。這次技術上的重新整理，讓她的聲音逐漸形成較為穩定且具有戲劇張力的音色，也使她能夠逐步進入更大型的歐洲歌劇院。

她真正受到國際歌劇界高度關注，是在2017年薩爾茲堡音樂節的演出。

當時她在阿爾班・貝爾格歌劇《沃采克》中演唱 Marie 一角：這部作品屬於二十世紀表現主義歌劇，音樂語言複雜，對歌手的戲劇能力與音樂準確度要求極高。阿絲米克在此角色中展現出高度集中且富於表情的演唱與表演，讓評論界開始注意到她的藝術實力。

然而真正使她在國際舞台聲名大噪的演出，是 2018年薩爾茲堡音樂節《莎樂美》：在理查・史特勞斯這部極具戲劇張力的歌劇中，她塑造出一個情緒層次極為鮮明的莎樂美形象。當時評論普遍認為，她在此角色中成功結合了強大的聲音投射能力與高度戲劇化的舞台表現，使角色具有明確的心理發展與戲劇張力。

在這次演出後，獲得多項音樂劇場獎項，也使她迅速成為歐洲主要歌劇院邀請的歌手。

此後，阿絲米克的演出足跡迅速擴展至歐洲主要劇院，包括維也納國家歌劇院、倫敦皇家歌劇院、米蘭史卡拉歌劇院與馬德里皇家劇院。她的曲目範圍亦逐漸擴大，除了理查・史特勞斯作品外，也開始演唱捷克歌劇作曲家楊納傑克的重要角色，如《葉奴法》與《卡提亞・卡巴諾娃》，以及德弗札克《露莎卡》等。這些角色普遍具有高度戲劇性與複雜的情緒發展，與她擅長的舞台表現方式相當契合。

在聲音類型方面，阿絲米克常被歸類為「戲劇女高音」與「抒情戲劇女高音」之間的聲音類型。她的音色帶有較深的色彩，但同時保有足夠的柔軟度，能夠處理細膩的旋律線條。這使她既能演唱理查・史特勞斯與楊納傑克的戲劇角色，也能勝任普契尼歌劇中的人物，例如《蝴蝶夫人》中的 Cio-Cio-San。

2024年，她在紐約大都會歌劇院 Metropolitan Opera House 首次演出《蝴蝶夫人》，代表她正式進入全球最重要的歌劇舞台之一。

除了舞台演出外，她近年也開始錄製專輯與舉行藝術歌曲音樂會。2022年她與鋼琴家 Lukas Geniušas 合作錄製專輯《Dissonance》，曲目涵蓋拉赫曼尼諾夫、柴可夫斯基、理查・史特勞斯與貝爾格等作曲家的藝術歌曲，顯示她在聲樂表現上不僅限於歌劇舞台，也具備藝術歌曲詮釋能力。

DISSONANCE, Rachmaninov songs by Asmik Grigorian and Lukas Geniušas

RACHMANINOV // ‘6 Romances, Op. 4: III. In the Silence of the Secret Night’ by Asmik Grigorian

綜合近十年的發展來看，阿絲米克已逐漸成為當代歌劇舞台中極具辨識度的歌手之一。她的藝術特點不僅在於聲音力量，而更在於對角色心理與戲劇情境的高度投入。這種結合聲樂技巧與戲劇表演的方式，使她在當代歌劇演出中形成鮮明的個人風格，也讓她在歐洲主要音樂節與歌劇院中持續受到關注。

2025年 年度最佳歌劇女歌手獎（第三度獲獎）

INTERNATIONAL OPERA AWARDS 2025 – Female singer Asmik Grigorian

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Asmik Grigorian 最重要的10個角色

1 莎樂美 —《莎樂美》

作曲：Richard Strauss

這個角色幾乎可以說是 她的代表角色。

2018年 Salzburg Festival 的演出讓她成為國際歌劇明星。

演唱重點

• 聲音必須能穿透超大型管弦樂

• 高音需要長時間維持戲劇張力

• 最重要的是最後獨白（Final Scene）

她的特色是：

聲音與戲劇完全結合，而不是單純高音展示。

【音樂會版本】Asmik Grigorian: Salome Final Scene (Strauss)

選自歌劇《莎樂美》（Salome）

劇情背景

在整部歌劇的高潮之後，施洗者約翰（Jochanaan）已被斬首，莎樂美終於得到她所要求的獎賞：約翰的頭顱被放在銀盤上送到她面前。

此時舞台上只剩莎樂美與那顆頭顱。她開始對著約翰的頭唱出一段漫長的獨白。過去約翰曾拒絕她的誘惑，甚至斥責她的慾望與墮落，但現在他已無法再拒絕她。莎樂美在這段音樂中表達出一種混合著愛慕、慾望與報復的情感，她親吻那顆頭顱，宣稱自己終於得到了他。

這段極端而扭曲的情感爆發，最終引來希律王的恐懼。他命令士兵立刻處死莎樂美。歌劇在猛烈的管弦樂爆發中結束。

音樂特色

終場獨白是一段長達約十分鐘的大型戲劇性場景。理查・史特勞斯在此使用龐大的管弦樂編制，包括大量銅管、打擊樂與極為濃密的弦樂聲部，使整體音響具有強烈的張力。

音樂一開始呈現出近乎低聲細語的氛圍，莎樂美的聲線在較低音域展開，帶有沉思與壓抑的色彩。隨著她情緒逐漸升高，旋律線條不斷向高音推進，管弦樂密度也隨之增加。

這段音樂中出現多次動機回憶，例如與莎樂美慾望相關的旋律材料，以及與約翰形象相連的音型。當她親吻頭顱時，音樂突然轉入極度緊張的不協和和聲，管弦樂形成巨大音響高潮，呈現出幾乎令人不安的戲劇張力。

在最後幾個小節，樂團以猛烈的和聲與銅管齊奏結束整部歌劇。這種突然而殘酷的終結，正是史特勞斯在戲劇處理上的重要特徵。

戲劇與歌唱難度

這段終場場景對女高音而言是極大的挑戰。歌者必須在長時間的高強度演唱中保持音量與音色的控制，同時還要完成複雜的戲劇表演。

聲部橫跨寬廣音域，既需要抒情線條，也需要接近戲劇女高音的強度。加上厚重的管弦樂伴奏，歌者必須具備極強的穿透力與體力。

因此，能夠成功演唱這段終場獨白的歌手通常被視為具有高度戲劇表現能力的女高音。這也是《莎樂美》長期以來被視為女高音重要代表角色的原因之一。

 

【歌劇舞台版本】Strauss Salome Final Scene – Asmik Grigorian – English Subtitles

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2 Rusalka —《露莎卡》

作曲：Antonín Dvořák

這是她近年最受好評的角色之一。

演唱重點

• 抒情線條必須非常長

• 音色需要透明感

• 第一幕〈月之歌〉是核心

她的版本常被認為同時具有：

• 抒情女高音的柔軟

• 戲劇女高音的深度

 

【音樂會版本】Asmik Grigorian: Song to the Moon (Rusalka)

選自歌劇《露莎卡》（Rusalka）第一幕

劇情背景

捷克作曲家 Antonín Dvořák 的歌劇《露莎卡》（Rusalka, 1901）取材自中歐水精靈傳說。故事中的露莎卡（Rusalka）是一位生活在湖中的水精靈，她愛上了一位人類王子，渴望離開水的世界，成為真正的人類。

〈Song to the Moon〉出現在第一幕的夜晚場景。露莎卡站在湖畔，仰望月亮，向它傾訴自己對王子的愛慕。她相信月光能照到遠方的人間，因此請月亮將自己的心意傳達給王子。這段詠嘆調呈現的是角色最純粹的情感狀態：羞怯、渴望與對未知世界的嚮往。

在戲劇結構上，這段音樂為整部歌劇建立了核心主題——「不同世界之間的愛情」。露莎卡此時仍沉浸於理想與幻想之中，而觀眾已能隱約預見這段跨越界線的愛情最終將走向悲劇。

音樂特色

〈Song to the Moon〉是典型的抒情女高音詠嘆調。旋律以寬廣而流動的線條展開，具有明顯的捷克抒情歌風格。弦樂以柔和的長音鋪陳背景，木管樂器加入溫暖的色彩，使整體音響帶有夜晚湖畔般的靜謐氣氛。

旋律多以平穩級進與長線條歌唱為主，節奏從容，使歌者能以細膩音色展現角色的內心情感。當旋律逐漸向上推進時，音樂情緒也隨之擴展，形成明顯的抒情高潮。

德弗札克在這段音樂中運用了具有斯拉夫風格的旋律語言：旋律富於歌唱性，和聲變化溫暖而流動，管弦樂配置保持透明。這種音樂處理使整段詠嘆調具有民謠般自然的氣息，同時又保持歌劇舞台所需的戲劇張力。

歌劇中的地位

〈Song to the Moon〉是《露莎卡》中最廣為人知的段落，也是捷克歌劇最具代表性的詠嘆調之一。由於旋律優美、情感直接，這段音樂常被單獨演唱於音樂會舞台。

在戲劇層面上，它呈現的是角色最純真的時刻。露莎卡在此仍相信愛情可以跨越世界的界線，而整部歌劇後續的發展——王子的背叛與最終悲劇——正與這段音樂中的理想形成鮮明對比。

因此，〈Song to the Moon〉既是一首優美的抒情詠嘆調，也是一個關於願望與命運的戲劇起點。

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3 Jenůfa —《葉奴法》

作曲：Leoš Janáček

Janáček歌劇對語言節奏要求非常高。

演唱重點

• 音樂節奏接近語言

• 角色心理轉變極大

• 第三幕需要高度戲劇表現

這個角色展現她 演員型歌劇歌手 的能力。

【歌劇舞台版本】Asmik Grigorian: Jenufa’s Prayer

選自歌劇《葉奴法》（Jenůfa）第二幕

劇情背景

捷克作曲家 Leoš Janáček 的歌劇《葉奴法》（Jenůfa, 1904）取材自摩拉維亞作家 Gabriela Preissová 的戲劇作品。故事描寫農村社會中的倫理壓力、宗教信仰與個人命運。

〈Jenůfa’s Prayer〉出現在第二幕。此時葉奴法已經秘密生下一名孩子，孩子的父親是性格衝動的史特瓦（Števa）。為了避免醜聞，她的繼母——教堂管理者 Kostelnička——將她藏在屋中，對外宣稱她生病。葉奴法在長時間的孤立與痛苦之中，只能向上帝祈禱，希望孩子能平安，也希望未來仍有一線希望。

這段祈禱唱段呈現的是角色極為脆弱的一刻：她對自己的命運並沒有掌控，只能透過宗教信仰尋求安慰。然而觀眾並不知道的是，Kostelnička此時正逐漸走向一個極端決定——她將溺死嬰兒，以保住葉奴法的名聲。這個悲劇性的行動將成為整部歌劇最震撼的轉折。

音樂特色

Janáček的音樂語言與十九世紀義大利歌劇截然不同。他並不依賴長篇抒情旋律，而是以短句式動機與接近語言節奏的旋律線條構成音樂。

在〈Jenůfa’s Prayer〉中，聲樂線條呈現出類似說話語調的自然起伏，旋律多由短小音型組成，配合捷克語的語音節奏。這種處理方式使人物情感顯得直接而真實。

管弦樂部分保持相對透明，以弦樂與木管營造沉靜的氛圍。和聲變化較為細緻，音響密度逐漸累積，表現角色內心的焦慮與希望。與普契尼式的大型抒情高潮不同，Janáček的高潮往往來自語句與音樂節奏的逐步強化，使情緒自然推進。

作品地位

《葉奴法》被視為Janáček最重要的歌劇之一，也是二十世紀歌劇 repertory 中的重要作品。這部歌劇在1904年於布爾諾首演，但真正廣為人知是在1916年布拉格國家劇院重新製作之後。

〈Jenůfa’s Prayer〉雖然不是全劇最著名的音樂段落，卻是理解角色心理的重要場景。這段音樂呈現出Janáček歌劇最典型的特質：以語言節奏為基礎的旋律、簡潔而精準的管弦樂，以及對人物內心狀態的細膩描寫。

在舞台上，這段祈禱常被視為整部歌劇情感最沉靜而深刻的時刻之一，也為隨後發生的悲劇事件建立了強烈的戲劇對比。

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4 Cio-Cio-San —《蝴蝶夫人》

作曲：Giacomo Puccini

她2024在

Metropolitan Opera House

首次演出此角色。

演唱重點

• 長線旋律

• 高音控制

• 最後一幕情緒強度

她的版本比較 戲劇化而不是純抒情型。

Puccini: Madama Butterfly, “Un bel di vedremo” – Asmik Grigorian – 2023

選自歌劇《蝴蝶夫人》（Madama Butterfly）第二幕

劇情背景

義大利作曲家 Giacomo Puccini 的歌劇《蝴蝶夫人》（Madama Butterfly, 1904）描寫日本少女蝴蝶夫人（Cio-Cio-San）與美國海軍軍官平克頓（Pinkerton）之間的悲劇愛情。

〈Un bel dì vedremo〉出現在第二幕。平克頓在婚後不久便離開長崎返回美國，而蝴蝶夫人始終相信他終有一天會回來。多年過去，她帶著兩人的孩子仍然守候在家中。侍女鈴木（Suzuki）對這樣的等待已經逐漸失去信心，但蝴蝶夫人卻仍然堅信希望尚在。

在這段詠嘆調中，她向鈴木描繪自己想像中的場景：有一天，在遠方海面上將會出現一艘船；她會站在山坡上遠遠望見，等待那個熟悉的身影走向她。整段音樂其實是一幅「想像中的未來畫面」。觀眾已經意識到這份信念可能只是幻想，但蝴蝶夫人仍然深信不疑。這種戲劇性的對比，使這段音樂格外動人。

音樂特色

〈Un bel dì vedremo〉是普契尼最具代表性的抒情詠嘆調之一。旋律由弦樂柔和的伴奏開始，聲線以寬廣而流動的旋律逐步展開。開頭多在中音域，以敘述般的語氣描繪遠方海面的景象。

隨著她對未來畫面的描述逐漸具體，旋律也逐步向高音推進。節奏保持穩定而從容，使整段音樂呈現出敘事般的流動感。當旋律到達高潮時，女高音聲部展現出寬廣的抒情線條，管弦樂音響也隨之擴展，形成整段詠嘆調最動人的頂點。

普契尼在這段音樂中將旋律與戲劇緊密結合：音樂的逐步推進正好對應蝴蝶夫人想像畫面的逐漸清晰。這種結構使聽眾彷彿與角色一同經歷她心中的期待。

作品地位

〈Un bel dì vedremo〉不僅是《蝴蝶夫人》中最著名的段落，也是整個歌劇 repertory 中最重要的女高音詠嘆調之一。這段音樂常被單獨演唱於音樂會舞台，也成為許多女高音的重要代表曲目。

在戲劇層面上，它呈現的是角色最堅定的信念時刻。蝴蝶夫人仍然相信愛情與承諾，而整部歌劇的悲劇力量正來自這份信念最終被現實摧毀。也因此，這段看似充滿希望的音樂，在整體戲劇結構中同時帶有深刻的悲劇意味。

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6 Tatiana —《尤金・奧涅金》

作曲：Pyotr Ilyich Tchaikovsky

這是俄羅斯歌劇重要角色。

演唱重點

• 第一幕書信場景

• 長篇抒情段落

• 情緒層次細膩

她的俄語咬字非常自然，情緒真摯，讓人聽聞為之動容。

Tchaikovsky: “Eugene Onegin”, Tatiana’s Aria – Asmik Grigorian – 2018

選自歌劇《尤金・奧涅金》（Eugene Onegin）第一幕

劇情背景

俄羅斯作曲家 Pyotr Ilyich Tchaikovsky 的歌劇《尤金・奧涅金》（Eugene Onegin, 1879）改編自俄國詩人普希金（Alexander Pushkin）的同名小說詩。作品以細膩的心理描寫聞名，整部歌劇著重於人物內心情感的發展，而非外在戲劇衝突。

〈Tatiana’s Aria〉實際上是歌劇中著名的 「書信場景」（Letter Scene）。在第一幕中，年輕而內向的塔提亞娜（Tatiana）第一次見到城市來的青年奧涅金（Onegin），便深深愛上了他。夜晚，她獨自在房間裡無法入睡，情感不斷在心中翻湧。

在這段長達十多分鐘的場景中，她決定寫信向奧涅金表白自己的愛意。塔提亞娜在寫信的過程中經歷了多次情緒轉變：從羞怯、猶豫，到逐漸坦承自己的感情，最後鼓起勇氣完成這封信。這段音樂呈現的是角色最真誠而直接的情感表達，也成為整部歌劇最重要的心理場景。

音樂特色

塔提亞娜的書信場景是一段大型抒情場景，而非傳統的詠嘆調。柴可夫斯基以連續發展的音樂段落描寫角色的心理變化。

音樂開始時，弦樂與木管營造出夜晚寧靜的氛圍，旋律線條較為內省。聲樂部分多在中音域展開，呈現角色思索與猶豫的情緒。隨著她逐漸坦白自己的感情，旋律逐步向高音域推進，音樂情緒也隨之擴展。

在場景中段，管弦樂密度逐漸增加，旋律線條更加寬廣，呈現出塔提亞娜情感完全敞開的時刻。最後的高潮段落具有典型的柴可夫斯基抒情風格：旋律寬廣而充滿歌唱性，弦樂音響豐富，使整段音樂形成強烈的情感爆發。

整個場景透過多段音樂的連續發展，精細描繪出人物心理從猶豫到決心的過程。

作品地位

塔提亞娜的書信場景是整部《尤金・奧涅金》的核心場景，也是俄羅斯歌劇中最重要的女高音唱段之一。這段音樂不僅考驗歌者的聲音控制與音域能力，更要求極高的戲劇表現力。

對演唱者而言，這是一段需要長時間保持情緒與聲音張力的大型場景。歌者必須在不同段落中呈現多種情感層次，才能使角色的心理變化清晰可感。

在戲劇結構上，這段音樂呈現的是塔提亞娜最真誠而純真的時刻。她勇敢地表達愛情，但奧涅金最終拒絕了這份感情。多年後當兩人再次相遇時，命運已經完全改變，而這封信也成為整部歌劇情感發展的重要起點。

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7 Liza —《黑桃皇后》

同樣是柴可夫斯基。

演唱重點

• 高度戲劇情緒

• 大型管弦樂

• 第三幕悲劇場景

這個角色顯示她的 戲劇女高音潛力。

Tchaikovsky: “Pique Dame” – Liza Aria – Asmik Grigorian – Milan

選自歌劇《黑桃皇后》（Pique Dame）第二幕

劇情背景

俄羅斯作曲家 Pyotr Ilyich Tchaikovsky 的歌劇《黑桃皇后》（Pique Dame, 1890）改編自普希金（Alexander Pushkin）的小說。作品描寫軍官赫爾曼（Hermann）因為追求神秘的「三張牌祕密」而逐漸走向瘋狂的故事。

麗莎（Liza）是貴族少女，也是老伯爵夫人的孫女。她與赫爾曼相戀，但赫爾曼對賭博祕密的執念逐漸壓倒愛情。

麗莎的詠嘆調出現在第二幕夜晚的場景。她在房間裡獨自沉思，心中充滿矛盾與焦慮。她知道赫爾曼的行為越來越不安定，也隱約感到這段愛情將帶來悲劇。然而她仍然無法擺脫對他的感情。

這段獨唱呈現的是麗莎最孤獨的時刻：在愛情與命運之間，她感到深深的不安。這種情感最終在第三幕中走向悲劇——麗莎在絕望之中投河自盡。

音樂特色

麗莎的詠嘆調是一段典型的俄羅斯抒情女高音場景。音樂由弦樂與木管營造出夜晚沉靜的氛圍，旋律線條寬廣而富於歌唱性。

開頭部分多在中音域展開，呈現角色內心的思索與不安。隨著情緒逐漸加深，旋律逐步向高音域推進，聲部線條變得更加寬廣。柴可夫斯基在這段音樂中運用了典型的俄羅斯抒情旋律風格：長線條歌唱、和聲逐漸推進，以及弦樂富於表情的伴奏。

在高潮段落，管弦樂音響顯著擴展，聲樂旋律達到全段最強烈的情感頂點。這種音樂處理使角色內心的焦慮與悲傷得到強烈表達。

作品地位

《黑桃皇后》被視為柴可夫斯基最成熟的歌劇之一。作品在戲劇結構與心理描寫方面都達到高度完成度。

麗莎的詠嘆調在整部歌劇中具有重要作用，它呈現了角色對命運的預感與內心掙扎。與塔提亞娜的「書信場景」相比，這段音樂的情感色彩更加陰暗與沉重。

在舞台上，這段詠嘆調需要歌者具備寬廣音域與細膩的情緒控制能力，才能呈現麗莎從沉思到情感爆發的完整心理過程。

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8 Turandot —《杜蘭朵》

Puccini最具力量的角色之一。

演唱重點

• 極高音

• 管弦樂厚度

• 戲劇強度

這個角色她近年才開始演唱。

Asmik Grigorian: In questa reggia (Wiener Staatsoper, 2023)

選自歌劇《杜蘭朵》（Turandot）第二幕

劇情背景

義大利作曲家 Giacomo Puccini 的歌劇《杜蘭朵》（Turandot, 1926）以傳說式的中國宮廷故事為背景。北京的公主杜蘭朵（Turandot）宣佈，任何求婚者必須解答三個謎題；若答錯，立即處死。

〈In questa reggia〉出現在第二幕審問場景。韃靼王子卡拉夫（Calaf）決定接受三個謎題的挑戰，群眾與朝臣都震驚不已。就在此時，杜蘭朵第一次向眾人揭示自己為何如此殘酷。

她講述祖先陸鈴公主（Lo-u-Ling）曾被外族侵略者俘虜、侮辱並殺害。這段歷史成為她心中無法抹去的記憶，因此她發誓永遠不讓任何男人擁有自己。謎題與處決，其實是一種報復與防衛。

這段詠嘆調不僅解釋了角色的動機，也使觀眾第一次真正理解杜蘭朵憎恨世間男子的內心世界。

音樂特色

〈In questa reggia〉是戲劇女高音最具代表性的詠嘆調之一。音樂從莊嚴而冷峻的管弦樂開始，銅管與弦樂形成強烈的宮廷氛圍。

聲樂旋律多以強烈的宣告式音型展開，音域廣闊且常處於高音區域，需要極強的音量與穿透力。普契尼在此刻意讓聲線與龐大的管弦樂對抗，使角色的威嚴與冷酷更加鮮明。

在敘述祖先悲劇的段落中，旋律線條稍微放鬆，音樂轉入較抒情的色彩。但當她再次宣告自己的誓言時，音樂重新回到強烈的戲劇張力，管弦樂與聲部同時推向高潮。

這種從敘述到爆發的音樂結構，使整段詠嘆調具有清晰的戲劇情緒。

作品地位

〈In questa reggia〉是《杜蘭朵》中最重要的角色宣言，也是歌劇史上最著名的戲劇女高音唱段之一。

對演唱者而言，這段音樂需要高度穩定的高音與強大的聲音投射能力。能夠成功詮釋杜蘭朵的歌手通常被視為具有成熟戲劇女高音聲音條件的代表人物。

在戲劇結構上，這段詠嘆調為整部歌劇建立了角色衝突：杜蘭朵象徵冷酷與復仇，而卡拉夫象徵堅定與愛情。兩者的對立，也成為整部歌劇後續發展的核心。

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9 Senta —《漂泊的荷蘭人》

作曲：Richard Wagner

這是她進入華格納 repertoire 的重要角色。

演唱重點

• 敘事曲（Ballad）

• 聲音耐力

• 長樂句控制

Asmik Grigorian: Senta’s Ballad

選自歌劇《漂泊的荷蘭人》（Der fliegende Holländer）第二幕

劇情背景

德國作曲家 Richard Wagner 的歌劇《漂泊的荷蘭人》（Der fliegende Holländer, 1843）取材自北歐海上傳說。故事描述一位因詛咒而永遠在海上漂泊的船長，只有在得到一位女性忠貞的愛情時才能獲得救贖。

第二幕中，年輕的女子珊塔（Senta）與村中的女子們一起紡紗。當大家唱著輕快的紡紗歌時，珊塔卻沉浸在對傳說中「漂泊的荷蘭人」的幻想之中。

她開始唱出著名的〈Senta’s Ballad〉，講述這個悲劇傳說：那位船長因為對命運的反抗而遭到詛咒，被迫在海上永遠漂泊。每七年，他才有一次靠岸的機會，尋找能夠忠貞愛他的女子。

珊塔在敘述這段故事時逐漸產生強烈的情感共鳴。她甚至宣稱自己願意成為那個拯救荷蘭人的女子。這段音樂呈現了角色的內心世界，也為後續劇情埋下伏筆：當荷蘭人真正出現時，珊塔已經準備好接受自己的命運。

音樂特色

〈Senta’s Ballad〉是華格納早期歌劇中最具代表性的敘事性場景之一。音樂以具有海洋氣息的管弦樂開始，低弦與銅管營造出陰暗而神秘的氛圍。

聲樂旋律具有敘事歌的特徵，旋律線條清晰而富於戲劇性。華格納在這段音樂中運用了反覆出現的旋律動機，其中最重要的是與「漂泊的荷蘭人」相關的主題。這些旋律在整部歌劇中多次出現，形成角色與命運之間的音樂聯繫。

在敘述故事的段落中，音樂保持穩定的節奏，使整段唱段具有敘事感；當珊塔情緒逐漸投入時，旋律線條開始擴展，管弦樂密度增加，音樂情緒逐步推向高潮。

最後的段落中，聲樂旋律與樂團形成強烈的戲劇張力，呈現角色對命運的堅定決心。

作品地位

〈Senta’s Ballad〉在《漂泊的荷蘭人》中具有核心地位。這段音樂不僅介紹了歌劇的傳說背景，也建立了珊塔的性格與命運。

在華格納的創作發展中，這首敘事歌具有重要意義。雖然仍保留傳統歌劇的段落形式，但已經開始出現動機反覆與戲劇整合的特徵，預示了華格納後來更成熟的音樂戲劇語言。

對女高音而言，這段唱段需要兼具敘事能力與戲劇力量。歌者必須在講述傳說的同時展現角色逐漸升高的情感強度，才能完整呈現珊塔對命運的信念。

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10 In Quelle Trine Morbide (Manon Lescaut)

選自歌劇《曼儂・雷斯考》（Manon Lescaut）

劇情背景

在第二幕中，瑪儂已經離開貧窮卻真心愛她的學生德・葛里厄（Des Grieux），轉而依附富有的傑隆特（Geronte），過著奢華的生活。她住在華麗的宅邸中，身邊充滿絲綢、珠寶與侍從，看似擁有一切。

然而在這段詠嘆調中，瑪儂突然意識到這樣的生活並沒有帶來真正的幸福。她望著身上的華麗衣飾與柔軟的蕾絲，唱出「在這些柔軟的蕾絲之間，我的心卻充滿空虛」。她懷念與德・葛里耶在一起時那種真誠而純粹的情感。

這段獨唱呈現曼儂內心的矛盾：物質與愛情之間的拉扯。就在她動搖之際，德・葛里厄再次出現，兩人的命運也因此重新交織，最終走向悲劇。

音樂特色

〈In quelle trine morbide〉是一段抒情而內省的詠嘆調。普契尼在配器上刻意保持透明與柔和的音響，弦樂以細膩的長音鋪陳，使整體氛圍帶有沉思與孤寂的色彩。

聲樂線條並不追求炫技，而是以流暢的旋律與細膩的音色變化展現人物心理。旋律多以較平穩的線條展開，節奏從容，讓歌者可以以細緻的語氣呈現曼儂的自我反省。當旋律逐漸向上推進時，音樂情緒也隨之加深，表達她對真愛的渴望與對空虛生活的厭倦。

在整部歌劇中，這段詠嘆調代表著瑪儂性格的一個關鍵時刻。她不再只是追逐奢華的少女，而開始意識到愛情的價值。普契尼透過這段簡潔而富有表情的旋律，為角色的悲劇命運鋪下情感基礎。

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Puccini: “La Bohème”: Musetta Waltz, Asmik Grigorian – 2021

選自歌劇《波希米亞人》（La Bohème）第二幕

劇情背景

義大利作曲家 Giacomo Puccini 的歌劇《波希米亞人》（La Bohème, 1896）描寫十九世紀巴黎拉丁區一群年輕藝術家的生活與愛情。

〈Quando me’n vo’〉是穆賽塔（Musetta）的華爾滋詠嘆調，出現在第二幕的咖啡館場景。此時詩人馬切洛（Marcello）與朋友們正在拉丁區熱鬧的街頭餐館用餐，而穆賽塔則與一位富有但年長的追求者阿爾辛多羅（Alcindoro）一同出現。

穆賽塔其實仍然愛著馬切洛，因此她刻意在眾人面前唱出這首華爾滋，以展示自己的魅力並引起他的注意。她描述當自己走在街上時，人們如何停下腳步注視她的風采。這段音樂既帶有自信與挑逗，也是一種精心安排的表演。

最終，她成功讓前男友畫家馬切洛重新注意到自己，兩人進而重新在一起。

音樂特色

〈Quando me’n vo’〉是一首典型的華爾滋節奏詠嘆調。音樂以三拍子的舞曲節奏展開，旋律優雅而富於歌唱性。

聲樂旋律具有明顯的舞曲性格，音型流暢而輕快，表現出角色的自信與俏皮。普契尼在管弦樂中運用弦樂與木管營造出巴黎咖啡館的熱鬧氛圍，使整段音樂帶有舞會般的色彩。

在旋律推進過程中，音樂逐漸增加華麗感與音響亮度，形成短暫的高潮。整段詠嘆調結構緊湊而明確，使角色性格在短時間內清晰呈現。

作品地位

〈Musetta Waltz〉是《波希米亞人》中最著名的段落之一，也是歌劇舞台上極具人氣的女高音曲目。

與咪咪（Mimì）內斂而抒情的音樂風格相比，穆賽塔的這段華爾滋具有更強的舞台表演性。角色透過音樂展現自信、魅力與戲劇感，使整個第二幕場景充滿活力。

由於旋律美麗鮮明、華爾滋特色突出而動聽，這首華爾滋常被單獨演唱於音樂會舞台，也成為普契尼作品中最具代表性的舞曲型詠嘆調之一。

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可愛的．Asmik Grigoryan | Work time 🎶

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