【苗北講堂】2021下半年系列(四)情感昇華心花開─談十九世紀後半的音樂
About Romantic Period in Classical Music-2

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苗北藝術學苑2021苗北講堂(全系列)

音樂故事+音樂歷史=絕佳精彩內容

(四)情感昇華心花開─談十九世紀後半的音樂

 

音樂進入十九世紀後半的浪漫後期,不僅僅在創作上百花齊放,名家爭鳴,而且更加擴及全歐洲乃至俄羅斯與北歐:國民樂派的興起讓各國音樂家紛紛思考自己的「根」,為您整理布拉姆斯、德弗札克、柴可夫斯基、葛利格、西貝流士、德布西與拉威爾等等偉大音樂家之經典創作,透過故事進入音樂,聽見音樂更深刻的底蘊:文化與傳承。

 

主講:林仁斌老師(蹦藝術執行長)


國內知名演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院 École Normale Supérieure de paris 學成返國後,以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳;演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》(林仁斌&周欣穎)《動物狂歡節》….等。

現為音樂藝文網站「蹦藝術|BONART」執行長與古典音樂Podcast節目《蹦藝術》主持人。多年來撰文拍攝訪問音樂家,更以文字與攝影見長,每年演講場次超過百場;為國家交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心、天下遠見集團平台等各單位邀約之導聆與撰稿人,更是公認的超人氣音樂欣賞名家。

 

布拉姆斯

    • 「純如白雪、亮若晶鑽」深情渾厚的布拉姆斯(Brahms) 

    在舒曼寫給姚阿幸的一封信中,形容布拉姆斯是:「屬於未來的大師」,更在「新音樂時報」上鼎力介紹這位極有天份的青年作曲家;舒曼以「純如白雪、亮若晶鑽」形容布拉姆斯。 而布拉姆斯果然不負舒曼期待,一步步在浪漫時期的後半,撐起德國音樂的一片天,成為中流砥柱的古典主義作曲家,名傳後世。

約翰尼斯·布拉姆斯Johannes Brahms,1833年5月7日-1897年4月3日)是浪漫主義中期德國作曲家

 

 

三B音樂家

19世紀重要德國指揮家鋼琴家作曲家漢斯·馮·畢羅將布拉姆斯與巴哈貝多芬並陳,稱為「三B」,留下了這項稱號。

 

延伸閱讀

【BON音樂】「純如白雪、亮若晶鑽」-《布拉姆斯》Johannes Brahms

 


 

德弗札克

安東寧·德弗札克Antonín Dvořák,1841年9月8日-1904年5月1日)生於布拉格(當時屬於奧匈帝國,現屬於捷克)附近的內拉霍奇夫斯鎮伏爾塔瓦河旁的磨房內,卒於布拉格,是捷克民族樂派作曲家。

捷克作曲家德弗札克(Antonín Dvořák)

 

追隨著民族主義者史麥塔納,德弗札克經常在他的作品中使用摩拉維亞和他的故鄉波希米亞(當時屬於奧匈帝國,現屬捷克)的民謠音樂的風格。德弗札克自己的風格經常被描述為「吸收了民歌的影響並找到有效的方式利用它們,用交響樂的傳統最完滿的再現了一個民族的特色」。[1]其代表作有第九交響曲《新世界交響曲》、《B小調大提琴協奏曲 (德弗札克)》、《斯拉夫舞曲》、歌劇《露莎卡》。他被認為「可能是他那個時代最多面手的作曲家」。

德弗札克的音樂是古典音樂浪漫音樂結合民歌元素寫成的。他的主要作品有九首交響曲(其中最著名的是第9號「新世界」交響曲,以及第8號「英吉利」交響曲),大提琴協奏曲,也有清唱劇,如《聖母悼歌》和《安魂曲》,大量室內樂,16首斯拉夫舞曲和歌劇《水仙女》。他的管弦樂作品以民族色彩強烈、音色燦爛多變著稱。

德弗札克的作品有很多,無不呈現出捷克民族音樂特性。捷克作曲家史麥塔納將自己國家的民族面貌和民歌引入捷克音樂創作,如他的歌劇和《我的祖國》。德弗札克將此傳統發揚光大,帶到高峰。他讚美當時乃是音樂界主流的華格納布拉姆斯的音樂,但卻不為其意識所影響。

 

第九號交響曲《新世界》

 

詠嘆調 ⟨Song to the moon⟩ ~ 選自歌劇《盧莎卡》

德弗札克於1901年所寫的歌劇《盧莎卡》(Rusalka)中,第一幕最知名的女高音詠歎調 ⟨Song to the moon⟩:

Rusalka是水中的精靈,有一天因為愛上一位王子,便很希望自己轉變為人類,但她父親勸她不要做這種事情,但Rusalka不聽勸告,在月夜裏對著月亮傾訴衷情,唱出了這齣歌劇最著名的詠歎調〈月之頌〉(Song to the Moon)。

歌詞是:「天上的銀色月光啊!請為我停留。你是否可以告訴我,我心愛的人現在何方?請把我深切的愛意傳送給他,至少讓他知道,有這麼一個思念的人兒正等著他...」

對月亮傾訴之後,Rusalka跑去找女巫想辦法把自己轉變成人類,但女巫告訴她要變成人可以,但是代價是將會失去自己的聲音,Rusalka爲愛答應後,終於變成美麗少女上岸與王子相戀。

王子雖然愛上Rusalka,並且願與她結婚,但卻對她的不能言語感到苦惱。恰巧,一位受邀前來參加婚禮,對王子有野心的外國公主走上前來,故意諷刺Rusalka的「沈默寡言」。王子此時也被外國公主的美麗熱情所吸引,居然開始厭倦起Rusalka,立即對外國公主許下愛的諾言。

Rusalka衝到王子面前,卻被王子硬生生地推開,此時水王巨大的身影浮現並警告王子:就算王子現在對別人投懷送抱,卻永遠無法脫離Rusalka的愛情!隨後沒入湖中,消失在漩渦裡。聽見Rusalka的悲泣聲,女巫提供了一個解決之道,那就是:「取下王子的性命,換回Rusalka的靈魂與生命。」此時王子前來湖畔懇請Rusalka的原諒,即使要以自己的生命為代價,他都願意。Rusalka伸出冰冷的手臂,擁抱王子,獻上最後的一吻,王子便靜靜地躺在Rusalka的懷中,嚥下最後一口氣...。

 

藝術歌曲:⟨母親教我的歌⟩

 

藝術歌曲:⟨母親教我的歌⟩ 小提琴演奏版


柴可夫斯基

1893年的柴可夫斯基 油畫| Image from BG-Gallery.ru

 

我作品裡所展示的樣貌,就是在我所生活的年代,國家、環境與教育等所有元素中所形成的。~柴可夫斯基 1891 年 1 月 24 日致 塔涅耶夫(Sergry Ivanovich Taneyev, 1856-1915) 信。


柴可夫斯基 生平簡介
(整理於網路資源)

十九世紀的俄羅斯政治動盪不安,但在藝文領域卻在彼得大帝倡導的西化之下,逐漸開花結果:以第一代西化作曲家葛令卡(Mikhail Ivanovich Glinka, 1804-1857及其追隨者「俄國五人組」(The Five)所領導表的俄羅斯國民樂派,在強烈民族意識與自由主義的趨使下,讓音樂創作有了新的方向並開始綻放光芒。他們的作品既創新又能帶有俄羅斯傳統的民間舞曲或民謠等文化基礎,融合西方古典音樂創作技巧與和聲,逐漸走出一條嶄新的道路。

柴可夫斯基所成長的環境中,正因為文學與音樂藝術的蓬勃發展,讓他能以不屬於當時任何一個流派之附庸,而以獨特的憂鬱、悲劇色彩,以及優美動人的旋律與和聲,不但在當代廣受注目,也成為俄羅斯作曲家中最為後世流傳,甚至是足以代表俄羅斯後期浪漫樂派翹楚之領導大師。

 

編按:「俄國五人組」(The Five),以 巴拉基列夫(Mily Balakirev, 1837-1910)為首,包含 庫宜(Cui, César, 1835-1918)、穆索斯基(Modest Petrovich Musorgsky, 1839-1881)、林姆斯基-高沙可夫(Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov, 1844-1908)、鮑羅定(Aleksandr Porfir′yevich Borodin, 1833-1887)五位作曲家組成,於後世享有崇高名望之俄國代表作曲家。

 

柴可夫斯基延伸閱讀:

 

《尤金.奧涅金》波蘭舞曲

 

 

《天鵝湖》黑天鵝 著名32鞭轉

 

電影《黑天鵝》(娜塔麗波曼)

白天鵝《情景》

 

黑天鵝 場景

 


 

葛利格

葛利格(Edvard Grieg,1843-1907)- 挪威作曲家
(文字整理轉載自作家 毆頭 撰文之「北國的蕭邦 - 挪威作曲家葛利格一文)

知名挪威作曲家愛德華葛利格(Edvard Grieg,1843-1907)於1843年6月15日,出生在挪威傳統古城卑爾根(Bergen),他在這裡度過了童年,以及成年的大部分時間。葛利格的父系與母系在貝爾根都頗具地位。父系,他的曾祖父亞歷山大(Alexander Greig,1739-1803),擔任英國駐貝爾根大使,十八世紀中從蘇格蘭移居到貝爾根,娶挪威女子,並且從事海產品貿易而致富成功。父親跟曾祖父同名(Alexander Greig,1806-1875),經營家族事業同樣被任命為英國駐貝爾根大使。

外祖父擔任過貝爾根愛樂學會首任音樂總監,母親格西娜‧茱蒂斯‧哈格魯普(Gesine Judith Hagerup,1814-1875),是貝爾根在地望族,曾經留學德國漢堡,是位詩人兼音樂家,也是葛利格音樂啟蒙的關鍵人物。

葛利格很小的時候就透露出作曲的強烈傾向,要他彈別人的音樂,他還寧願彈自己所寫的。他九歲開始作曲,浸淫在母親的詩文與音樂的教養,挪威無比的大自然風光之下,他的想像力毫無邊際的馳騁。不過當時他的作品結構略顯鬆散,直到去過德國訓練後才有明顯改善。葛利格日後也寫了許多鋼琴曲,因此被稱為「北國的蕭邦」。

葛利格為了音樂離開家鄉到萊比錫,同樣也是為了音樂回到家鄉。1858年,有「北國的帕格尼尼」之稱的挪威小提琴家奧利‧布爾(Ole Bull),推薦他到德國萊比錫學習。當時到德國學音樂是一種時尚,對於音樂表現傑出的學生來說也是一種必須。

1863年春天又前往丹麥首都哥本哈根尋求發展,當時的哥本哈根是北歐的文化藝術重鎮,葛利格在那裡度過了愉快的3年,與他在萊比錫的生活形成鮮明的對比。他在哥本哈根遇到了小他兩歲的表妹,同時也是歌唱家的妮娜(Nina Hagerup),兩人墜入情網並結婚,妮娜對於葛利格給予完全的鼓勵和支持,這也成為他日後成功的重要因素。

1863年在丹麥,作曲家蓋德(Niele Vilhelm Gade)經常給年輕的葛利格不少協助和鼓勵,葛利格因此開始對交響曲、鋼琴奏鳴曲、小提琴奏鳴曲等結構性樂曲的創作開始有了興趣與信心。另一位丹麥作曲家哈特曼(Johann Peter Emilius),他對北歐古代傳說的高度興趣,以及音樂中所呈現的簡潔曲風,也直接影響葛利格。

二十歲以前,葛利格的作品都是以鋼琴為主,之後認識了表妹妮娜開始寫一些獨唱曲,一生寫過兩百多首歌曲,其中非常喜歡採用挪威文學家、詩人的詞,他的歌曲大多採用挪威文、丹麥文、或是德文。

葛利格對於挪威土地的情愫早在他15歲離開家鄉前就早已萌芽,當時他的父親帶他去爬山旅行,挪威大自然的景觀留給他很深的印象,甚至讓他想成為畫家。他曾在美國傳記作家Finck的信中提到,「挪威人傳統的生活方式,挪威的傳說和歷史以及自然景觀,從早年起就在我的創作想像中留下烙印。」如今,這些美麗的挪威畫面都留在他的音樂中,他不僅是挪威國民樂派掌門人,更是第一個將大自然融入樂思的作曲家。

為了推動北歐音樂發展,葛利格與諾德拉克以及丹麥作曲家馬蒂生‧韓森、溫定、霍涅曼等人共同組成一個名為「優特培」(Euterpe,希神話中掌管音樂及抒情詩之女神,旨在演奏當代的斯堪地那維亞音樂。)的音樂組織。優特培主要目標是協助年輕的北歐作曲家得到演出自己作品的機會,強調創作民族音樂的宗旨,葛利格自己的「c小調交響曲」、「e小調鋼琴奏鳴曲」、「F大調小提琴奏鳴曲」、「幽默曲」都是在「優特培」的音樂會上完成首演。

1883年四十歲的葛利格,領了國家的供養金將近十年、事業家庭都相當圓滿的葛利格,持續地在他的挪威音樂路上前進著,這一年他又再度前往華格納的拜魯特音樂節欣賞華格納的最後樂劇「帕西法爾」。

在葛利格六十歲生日時,曾演講表達對故鄉的感念,「我的素材取自貝爾根以及周圍的一切,這裡的自然美景、人民生活、市政成就、以及各種活動都給予我靈感。我嗅著北海碼頭上令人興奮的氣味,我確信我的音樂蘊含著鱈魚風味。」

葛利格的音樂影響了柴可夫斯基、西貝流士、德布西等人,當然也影響了挪威自己的當代作曲家。當年他過世時,享年64歲的他,9月9日挪威為他舉行國葬,當送葬隊伍通過的街道時,沿途的房子都披上黑紗悼念,挪威人民懷念他,因為他使得挪威的情感與挪威的生命,存在世界上每一個有音樂的地方。

 

⟪皮爾金第一組曲⟫ 介紹:
 "Peer Gynt" Suite No. 1,共有4首

(一) 清晨(Morning),稍快板的牧歌,E大調,六八拍,
 牧歌風流暢的曲調表示早晨的清爽空氣。主題由長笛主奏,雙簧管也以低八度緊跟,主題的動機逐漸發展,是首動聽的小曲。

(二) 奧絲之死(Ase's Death),柔和的行板, b小調, 四四拍,
 弦樂加弱音器靜謐地演奏,劇情是皮爾.金母親艾西的離去緩慢而悲痛。為送葬音樂的傑出作品。

(三) 安妮塔舞曲 (Anitra's Dance),馬祖卡舞曲,a小調,三四拍。

(四) 山魔王的宮殿中(In the Hall of the Mountain king),

有力的進行曲速度,b小調,四四拍,弦樂低音顯示魔宮妖魔的行進,音樂愈來愈急,加上人聲合唱,陰森恐怖。

⟪皮爾金第二組曲⟫介紹:  "Peer Gynt" Suite No. 2,共有四首

 (一) 搶新娘及英格麗的嘆息(Abduction of the Bride and Ingrid's Lament): 狂暴的快板,g小調,二四拍,管絃樂的主題,之後為悲嘆的主題。

 (二) 阿拉伯舞曲(Arabian Dance):稍快板,C大調,四四拍, 阿拉伯風的舞蹈音樂,以聲樂的獨唱方式。

 (三) 皮爾金返鄉(Peer Gynt's Homecoming):快板, A大調, 六八拍。

 (四)蘇爾維格之歌(Solveig's Song):行板,a小調,四四拍。女聲獨唱, 這是全劇最美的一段,非常抒情的旋律。

 

⟪皮爾金⟫第一、二號組曲  – 完整欣賞

 


欣賞全劇最美的旋律 ⟪蘇爾維格之歌⟫,由來自葛利格故鄉貝爾根的跨界女高音西絲兒·凱嘉波(Sissel Kyrkjebø, 1969-)所演唱,她的聲音清純自然,以這樣的音色唱著一生深愛著皮爾金衷心不渝的蘇爾維格,聽起來真是令人動容~

⟪蘇爾維格之歌⟫ 中文譯詞如下:

冬天不久留,春天要離開,春天要離開。
夏天花會枯,冬天葉要衰,冬天葉要衰。
任時間無情,我相信你會來,我相信你會來。
我始終不渝,朝朝暮暮,忠誠地等待。

啊 ...

每天早禱時,我祝你平安,我祝你平安,
每夜晚禱時,我祝你康健,我祝你康健。
黑暗過去,光明總會出現,光明總會出現,
我死心塌地,總希望早日,你總有歸來的一天。

啊 ..

 

蘇爾維格自始至終愛著皮爾金,並於劇中以完美的愛情拯救了皮爾金,成為了他最終的救贖。

知名女高音 安娜.涅翠柯,亦有⟪蘇爾維格之歌⟫非常精彩錄音,不過歌劇女高音來唱蘇爾維格,畢竟聲音多了一些厚度,喜不喜歡就見仁見智~(例如筆者喜歡她的音色與音色表現,但以扮演蘇爾維格來說,這樣的音色有點太過於濃厚):

 

延伸閱讀

【BON音樂】葛利格戲劇配樂 ⟪皮爾.金⟫(易卜生)

 


 

芬蘭國寶 西貝流士

 

芬蘭國寶級曲家 – 西貝流士


西貝流士不僅是芬蘭國寶級的作曲家,更是國民樂派的代表性人物。他除了是芬蘭最重要作曲家,更是民族主義音樂浪漫主義音樂晚期重要代表。西貝流士以擅長於寫作雄渾、壯闊的大型管弦樂曲而知名:蘇格蘭作曲家、音樂評論家與作家 Cecil Gray 更是推崇 西貝流士為 和布拉姆斯之後最優秀的交響曲大師。

終其一生,西貝流士總共完成七首交響曲,比起稍早的布拉姆斯、布魯克納、馬勒,毫不遜色。這位國民樂派芬蘭作曲家創作譽滿全球,堪稱最具有芬蘭魂之作曲家。他的音樂中滿滿的芬蘭味,道盡祖國歷史、人文,甚至地理與風土,更能表現出芬蘭人堅忍精神;他讓世人藉由音樂感受了解他的祖國,是上個世紀最偉大的作曲家之一。

 

西貝流士 生平(整理自網路)

西貝流士(Jean Sibelius, 1865-1957)出生在芬蘭海門林納,父親為一名醫生,但在他3歲(1868年)時便因長年照顧飢荒災民而惹上傷寒而過世,後隨母親回娘家生活[1]。因歷史因素、地域原因及文化差異,西貝流士自小便在瑞典語的環境下長大,反而是後來因想考進一所能直升中學的芬蘭語學校,才開始學習芬蘭語。[2]

童年時期外婆為西貝流士提供了不少學習音樂的機會,轉入芬蘭語學校後,西貝流士開始學習小提琴,亦參與了學校的樂團訓練,也開始寫了一些小品樂曲[3],中學畢業後,他考進赫爾辛基大學學習法律,同時也獲特別安排,於赫爾辛基音樂學校(今西貝流士音樂學院)學習音樂,師隨韋格流士學習作曲;華斯耶夫(Mitrofan Wasiljeff)學習小提琴。西貝流士對音樂的興趣與日俱增,最後決定留在赫爾辛基音樂學校學習。24歲(1889年)時赴柏林維也納深造。三年後回芬蘭作了第一首音樂詩《薩迦》(「傳奇」),立即轟動。34歲(1899年),他創作了著名的《芬蘭頌》。西貝流士不喜歡城市的喧囂,而選擇居住在鄉村,靠政府的年金過著舒適的創作生活。46歲(1911年),他接受了喉部大手術。61歲(1926年)後,基本停止了創作活動,其原因成為音樂史上的未解之謎之一。

西貝流士一生橫跨了浪漫、國民及現代樂派,但他的創作生涯卻僅僅佔據人生的 1/3。1926年,西貝流士完成交響詩 (Symphonic Poem)《塔比奧拉》後,毅然決然停止創作,往後三十年當中,再無任何作品問世。歷史也許隨時間被淡忘,但音樂卻穿越時空,締造出永恆不朽的價值。被視為芬蘭國寶的西貝流士,備受政府與人民的禮遇,在他 50歲生日那天,芬蘭政府甚至宣告全國放假慶祝,並將他的生日 12月8日訂為國定假日(芬蘭音樂日 – Day of Finnish Music),綜觀古今中外音樂大師,能享有如此殊榮的,大概也只有西貝流士吧!

西貝流士的創作重心是管絃樂作品。他善於使用管樂器營造出陰鬱,幽森的氣息,令人聯想到芬蘭的自然風景,同時也善於表達雄壯,恢弘的音樂效果。雖然許多人將他歸類在民族樂派下,在音樂語言上,基本上呈浪漫主義風格,但後期部分作品的和聲有所突破。西貝流士是一位較為保守的作曲家,其優秀作品雖然數量較多,水準也很高,但大部分其他作品,特別是非管絃樂作品則多數屬於沙龍音樂性質,意義不大。

西貝流士的音樂對英國美國作曲家影響尤大,在英美兩國他曾被視為最重要的當代作曲家。他的管弦樂作品,多取材於民族史詩或民間傳說。根據由芬蘭民間詩歌和神話編成的史詩題材進行創作。許多英國作曲家,如巴克斯班托克艾爾蘭等都曾模仿西貝流士的創作風格。另外,荀貝格也認為他是當代最重要的交響曲作者。但是,隨著浪漫主義的退潮,對西貝流士的評價也逐漸歸於理性化。

 

蹦藝術 延伸閱讀

【BON音樂】西貝流士:第1號 e小調 交響曲 介紹
【BON音樂】西貝流士:第2號 D大調 交響曲 介紹


 

德布西

 

以一曲《牧神的午後》前奏曲敲響現代管弦之聲的法國作曲家德布西,其獨特的全音階使用,呼應甘美朗音樂的多層次朦朧美,讓他在所有近代作曲家中獨樹一格,並被法國人視為最具代表性之音樂家之一。

鋼琴曲《月光》更是許多影視作品中廣為引用之經典作品(如電影《暮光之城》);而德布西從鋼琴作品、歌曲至管弦樂創作,皆有獨到之處,其充滿個人色彩之細膩音樂作曲風格也是本場講座中最值得聽眾們細細品味之處。

 

電影《暮光之城》的《月光》片段

 

法國音樂的榮光.德布西

德布西(Claude Debussy, 1862-1918)

 

青少年時期(1862-1887)

德布西在1862年8月22日誕生於法國巴黎近郊聖日耳曼昂萊鎮( Saint-Germain-en-Laye, FR),德布西來自於中產階級的小家庭:父親馬努耶爾-阿希爾(Manuel-Achille Debussy, 1836-1910)與母親薇托琳(Victorine Manoury Debussy, 1836-1915)開在小鎮裡的陶器店。三歲時陶器店因業績不佳而倒閉,不久後,全家搬入巴黎市區展開新生活,這期間為維持家計,父親曾任售貨員以及印刷工廠工人,母親則轉任裁縫師,一家人攜手過著簡單的日子。

1906年左右,德布西與雙親的合照

 

1871年時,父親馬努耶爾因「巴黎公社事件」而入獄,在獄中結識了詩人魏倫 (Paul-Marie Verlaine, 1884-1896) 的岳母:莫泰夫人 (Mme Mauté de Fleurville, 1823-1883),後來德布西透過父親而認識她。

 

象徵派詩人 – 魏倫 (Paul-Marie Verlaine, 1884-1896)照片,德布西著名的《月光》靈感正來自於魏爾倫的同名詩《月光》,而魏倫詩中所提到的Bergamasques,也成為了德布西創作的《貝加馬斯克組曲》(Suite bergamasque)標題名稱 。(筆者註:《貝加馬斯克組曲》由⟨前奏曲⟩(Prélude)、⟨小步舞曲⟩(Menuet)、⟨月光⟩(Clair de lune)和⟨巴瑟比埃舞曲⟩(Passepied)等四個樂章組成)

求學過程

簡報製作.林仁斌(©蹦藝術 | BONART)

 

1884年時,德布西以《浪子》(L’Enfant Prodigue, 1884) 這部作品奪得羅馬大獎,並獲得到羅馬留學的機會,在此期間他也認識了李斯特 (Franz Liszt, 1811-1886)。李斯特鼓勵他在羅馬的小教堂內演奏文藝復興時期作曲家帕勒斯替那 (Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525-1594) 及 拉索 (Orlando di Lasso, 1532-1594) 的作品,他們的對位寫作方式令德布西讚嘆不已,並開啟了他日後創作的不同視野。

 

音樂風格大轉變

1879年的德布西照片(17歲)

 

1887年起,德布西兩次走訪華格納 (Richard Wagner, 1813-1883) 歌劇的演出主場:拜魯特 (Bayreuth),聆聽華格納知名作品《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde, 1859) 以及《帕西法爾》(Parsifal, 1877-1882)。

 

當時法國的音樂環境氣氛明顯受到普法戰爭的戰敗結果所影響,一派以法蘭克等作家為首之作曲家,認為以華格納為首的輝煌交響效果,是音樂家接應該仿效的。

另一派以薩提為代表,則認為法國人應該找出自己的音樂風格,走出屬於自己的路。

德布西原本十分傾慕華格納,但後來其思想受俄國國民樂派、東方音樂以及象徵主義的 影響,並有感於華格納旋風的威脅,決心要創作出屬於法國的音樂,不屈服於歐洲的華格納風潮下。

 

至此,德布西已經準備走向全新的未來。

簡報製作.林仁斌(©蹦藝術 | BONART)

 

音樂欣賞:《水的倒影》(Reflets dans l’eau)

 

延伸閱讀

音樂大師系列之四《德布西》Claude Debussy

 


 

拉威爾

法國作曲家:拉威爾Maurice Ravel, 1875–1937)。

法國作曲家:拉威爾(Maurice Ravel, 1875–1937)

 

很多人說拉威爾是法國印象主義Impressionism)音樂大師,但他自己卻說自己不走德布西道路。當報章說某些年輕作曲家在否定德布西(Achille-Claude Debussy, 1962-1918)的影響時,他又會在報章刊登公開信,表明自己不在其中(拉威爾年紀小德布西12歲)。在同時期的社會中,拉威爾與德布西保持距離,否認自己是他的模倣者;德布西也刻意冷淡對待這位年輕作曲家。

關於拉威爾與德布西兩人的音樂風格,確實在許多音樂條目整理時,皆會將兩人放在印象主義風格裡,原因主要有三:兩人皆是法國人兩人皆身處法國印象樂派發展全盛時期兩人都愛使用全音音階

因此在維基百科的印象主義條目裡,第一行就開宗明義寫著:

印象主義音樂是19世紀主要在法國流行的一種音樂樣式,受象徵主義文學和印象主義繪畫的影響。這些音樂並不描述現實的事件,而是建立在色彩、運動和暗示(Suggestion)之上,這其實是印象主義藝術的共徵。而印象主義者多為法國人。他們認為,純粹的藝術想像力比描寫真實事件具有更深刻的作用。印象主義音樂的代表人物為德布西(Achille-Claude Debussy)和拉威爾(Joseph-Maurice Ravel)。印象主義音樂帶有一種完全抽象的、超越現實的色彩,是音樂進入現代主義的開端。

讀者們有興趣亦可點選進入印象主義條目,更清楚地理解音樂裡的印象主義。


拉威爾Joseph-Maurice Ravel,1875年3月7日-1937年12月28日),法國作曲家和鋼琴家。1937年拉威爾生於法國南部靠近西班牙的山區小城西布勒Ciboure),他的父親是瑞士人,也是一位出色的汽車工程師。1860 年代時,他發明了以蒸汽推動的汽車。後來他甚至把汽車的性能,提升至每小時六公里。遠赴西班牙,是因為他要負責興建馬德里的鐵路。而拉威爾的媽媽 瑪麗(Marie Delouart, 1840-1917)則是成長於西班牙馬德里的巴斯克 (Basque)人,雖是非法移民且幾乎不識字(illegitimate and barely literate),但雙親的關係相當好,所以拉威爾成長於一個幸福的家庭~拉威爾之雙親於 1847 年結婚, 並於拉威爾出世三個月後全家移居巴黎。

 

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拉威爾的父親除了是位工程師,也相當熱愛音樂:他負責了拉威爾早年的教學,也啟導了他的音樂興趣。七歲時,拉威爾就開始學琴。 1889 年拉威爾14歲時進入巴黎音樂院(The Conservatoire de Paris)就讀,並認識了當時也在巴黎音樂院鋼琴與他同年的維涅斯(Ricardo Viñes, 1875-1943),他也是西班牙人,並與拉威爾非常要好。繼母親以後,維涅斯正是拉威爾與西班牙的一道重要關聯。

日後我們從拉威爾的音樂創作,會發現他的音樂理念中除了有著濃厚的法國氣息~也受到西班牙籍母親血統的影響,他同時運用大量西班牙巴斯克鄉村與其他國家不同的旋律素材來創作,例如:《小丑的晨歌》- 收錄於《鏡》組曲(Miroirs);以及拉威爾於1907年後開始大量創作的西班牙風格曲目:管弦樂曲《西班牙狂想曲》(Rhapsodie espagnole, 1907-1908),獨幕歌劇《西班牙時刻》(L’Heure espagnole, 1907-1909)與管弦名曲《波麗露舞曲》等等。在拉威爾作品中所表現的西班牙特徵,甚至連西班牙作曲家法雅(Manuel de Falla, 1876-1946)也感到讚嘆,因此如果把他侷限在印象樂派,確實對他有失公允。

 

1895 年拉威爾被巴黎音樂院退學,1898 年重回學校,跟隨加布里耶‧佛瑞(Gabriel Fauré, 1845-1924)學習作曲,此前他也曾向另一位作曲家吉達茲(André Gédalge, 1856-1926)學習對位法。這段期間拉威爾的著名作品有:《悼念公主之巴望舞曲》(Pavane pour une infante défunte)(1899)

 

拉威爾於 1901 首次參加當時最重要的作曲大賽羅馬大賽(Prix de Rome),當年即以清唱劇《米爾哈》(Myrrha)獲得第二獎。但之後 1902 和 1903 年接連經歷兩次失敗。這段期間他仍舊有傑出作品《水之嬉戲》(Jeux d’eau),以嶄新的創意、華麗技巧開啟了法國鋼琴獨奏曲的新頁;此外還有《小奏鳴曲》(Sonatine)以及五首樂曲構成的《鏡》(Miroirs)組曲(1904-1905),這幾首樂曲已然奠定拉威爾在法國音樂界的地位。

然而,1905 年拉威爾已屆30歲,是年紀上最後一次能夠角逐羅馬大獎的機會,居然在初賽時就遭到淘汰:美藝學院之院長 – 作曲家 杜博瓦(Théodore Dubois, 1837-1924)因拒絕讓拉威爾獲獎而引發廣大的公眾抗議和藝文界的批評:甚至連著名作家 羅曼羅蘭(Romain Rolland, 1866-1944)也投書抗議,寫道:

拉威爾不僅是位前途無量的學生,他已經是法國為數不多的 傑出青年音樂家裡最受好評的一位,我要嚴厲地斥責這些評審委員,我無法理解我們何以能夠在羅馬維持一間學校,而又閉門拒絕創意獨具的罕見藝術家,像他這樣的音樂家,是能為大家帶來榮耀的。

 

1905年的羅馬大獎風波,被稱為「拉威爾事件」(Affaire Ravel),不只藝文界,連新聞界也報導此事為拉威爾抗議,最後成為國家級醜聞:巴黎音樂院院長杜博瓦在強大社會壓力之下,由政府下令辭去巴黎音樂院院長職務,改由佛瑞接任院長,針對音樂院進行重組,才逐漸平息這起風波。


1908年,拉威爾完成繼《鏡》(Miroirs)之後最精采的鋼琴作品:三首與詩有關的《夜之加斯巴》 (Gaspard de la Nuit),此曲將法國鋼琴作品推向更高峰,非常經典。

音樂欣賞:《鏡》(Miroirs)

 

音樂欣賞:《夜之加斯巴》 (Gaspard de la Nuit)

 

音樂欣賞:《達夫尼與克羅伊》(Daphnis et Chloé)第2號管弦組曲


經典波麗露

寫作與首演於於1928年的《波麗露》是拉威爾一生裡最為受歡迎的作品,除了是最後一首管弦樂舞曲作品,更是二十世紀法國交響音樂傑作。

波麗露 (Boléro) 原為一種緩慢的三拍西班牙舞蹈,而拉威爾的《波麗露》是受舞蹈家伊達·魯賓斯坦委託而作。

 

波麗露》通常以3/4拍、稍快的速度、以響板擊打節奏來配合,拉威爾雖採用《波麗露》曲名,維持西班牙民間舞蹈風格與三拍節奏為基礎,但是改由小鼓在整首樂曲中,自始至終反覆地敲着同一反覆節奏:

《波麗露》(Boléro)之小鼓節奏譜例

 

3/4拍、稍快的速度、以響板擊打出《波麗露》節奏

 

作為管弦樂聲響效果實驗之作,拉威爾更安排不同的獨奏樂器,輪流地重複奏着兩段旋律:

主題A

 

主題B


音樂在同一組節奏裡重複,隨著一段一段不同樂器登場獨奏,音樂之織體逾來逾厚,音量漸漸變大:把單純看似僅只單調的重複,發展為凝聚整個交響樂團音樂張力表現之爆棚管弦名作。

樂譜裡可見拉威爾編寫管弦樂作品的心思:如何選配旋律出場的樂器,他也採用了當時民間越來越流行的薩克斯風家族樂器作為管弦樂團配器之一:

 

 

 

伴奏樂器如何加強頑固節奏,如何逐漸增加低音與音響效果,每一段重複都經過仔細調配。(總譜最後兩頁)

 

拉威爾以簡單的結構和旋律,發展為龐大而精采的作品,在此曲中完全展現其管弦樂法之精鍊。(雖然作曲家史特拉汶斯基評拉威爾是「精巧的瑞士鐘錶匠」)

《波麗露》的樂曲特色:

  • 主題及答句同樣地反覆九次,既不展開也不變奏。
  • 全曲始終在C大調上,只是最後的兩小節才轉調。
  • 舞曲前半部分配有和聲,除了獨奏就只有齊奏,後半部分附有少量的和絃;
  • 舞曲自始至終只有漸強的單向變化。
  • 加入複調聲部寫作

 

在《波麗露》首演前,拉威爾前往牛津大學接受榮譽博士學位,事後並舉行一場全場拉威爾曲目的音樂會,觀眾反應熱烈。事後對於這首作品的成功,拉威爾其實有點不以為意。「我只創作了一首傑作:那就是《波麗露》。可惜裡面沒有音樂…」

但這首樂曲被公認為20世紀法國最有代表性的管弦樂作品之一,市面上的錄音錄影作品更是多到不及備載。

 

延伸閱讀

【BON音樂】法國作曲家 拉威爾 Maurice Ravel 生平簡介


 

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