【BON音樂】音樂面對面 － 林仁斌與黃俊文聊柴可夫斯基小提琴協奏曲
Conversations with Violinist Paul Huang

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黃俊文 Paul Huang

年輕有活力．深入細膩

2019年底，小提琴家黃俊文（Paul Huang）行程回到台灣，筆者與他合作了音樂講座，也在見面時訪談聊了許多：從他的學習過程到近年發展，每次回到台灣與各單位演出的演出心情等等，知道他是一位心中非常感性，想法如同琴音一般深入而細膩的年輕音樂家。

筆者林仁斌（左）與小提琴演奏家 黃俊文（右）

 

NSO 2020-2021 駐團音樂家

最為他高興的，是國內樂團對他的賞識。從國立台灣交響樂團 NTSO、台北市立交響樂團 TSO 到 國家交響樂團 NSO，這幾年都向他提出合作邀約，讓他欣然接受之餘，也不斷有機會回到台灣演奏。也因為近年走紅國際之外，每次回到台灣演奏，對他而言都是最特別的事。

NSO 駐團音樂家專訪（取自NSO 2020/21 樂季手冊）

 

 

與俊文 Paul 的訪談將分為兩篇撰寫，這篇我們專心聊柴可夫斯基小提琴協奏曲的版本比較與想法。

 

話題源起

相信喜愛小提琴音樂的朋友們，都對於柴可夫斯基D大調小提琴協奏曲非常熟悉。

關於創作與首演，甚至是現代演奏版本等等來龍去脈細節，大家如有興趣，可以點閱蹦藝術下方這篇專文深入了解：

請閱讀這篇：

 

仁斌老師也簡單將此曲 寫作/題獻/首演/改編 過程寫於此處：

柴可夫斯基D大調小提琴協奏曲Op. 35，開始創作於1878年3月份，完成於4月11日。

原本題獻給任教於聖彼得堡音樂院，近代偉大小提琴的教育家奧爾（Leopoid Auer，1845-1930），卻因奧爾看過樂譜之後，認為「無法演奏」而拒演。

歧見出現：柴可夫斯基堅持「一音不改」。於是他只好另外尋求時任萊比錫音樂學校教授的俄羅斯小提琴家：阿道夫‧布羅茲基（Adolph Brodsky, 1851-1929）協助，也因為歷經波折，後來此曲改為題獻給布羅茲基。首演安排在維也納於1881年由 韓斯‧李希特（Hans Richter）指揮維也納愛樂管弦樂團演出。

多年之後，最初拒絕此曲首演的奧爾，成為了此曲的擁護者之一，並針對此曲做出了自己的演奏版本改編。奧爾更曾在1893年1月份於聖彼得堡演出奧爾版之柴可夫斯基小提琴協奏曲，1893年柴可夫斯基的葬禮上，奧爾為作曲家演奏了這首作品。

這首協奏曲不但是全球最常被演奏的小提琴協奏曲之一，更與貝多芬、孟德爾頌、布拉姆斯等三首作品，並列為「四大小提琴協奏曲」。

 

林仁斌：（以下簡稱林）今天我想先聚焦一個問題，就是有關柴可夫斯基D大調小提琴協奏曲的版本。

黃俊文：（以下簡稱黃）好啊！

林：因為我本身是長笛家，雖然對於這首曲子有一定程度的認識與了解，在我的音樂講座上我也介紹分析這首經典協奏曲，但還是希望能夠聽聽你的解釋與說法，跟大家分享。

黃：首先，柴可夫斯基原版裡許多的「反覆」（Repetition），可能是他的個性（Personality）使然，他有太多的情緒想要藉由音樂抒發。但或許奧爾是一位這麼棒的演奏家，對於像是此第三樂章的精簡，也有著他自己的想法。

林：那你自己練習過兩種版本的經驗呢？

黃：奧爾版的比較精簡。剛好最近幾週前我有機會與樂團協奏這首曲目，我們選擇的是柴可夫斯基原版，也就是國際大賽版，因此剛好經驗豐富（笑）。（筆者註：柴可夫斯基國際大賽使用柴氏原版）

但我其實兩種版本都跟樂團拉過，其實有時候是應樂團要求。有時候很單純就是樂團的譜全部都已經「剪貼」過，所以他們在與獨奏家搭配時，會直接提出他們希望是哪一種版本，就這麼簡單～

林：原來如此。那例如第一樂章許多快速三連音（第111-120小節），柴氏原版是「大跳＋和聲」，奧爾是「單音」；柴氏原版音域也較高（如下方所附比較譜例），你練起來的感覺是？

 

第一樂章 第111-120小節。柴可夫斯基原始版排列於上方，奧爾版列於下方。

 

 

二、第一樂章 第122-127小節。柴可夫斯基原始版排列於上方，奧爾版列於下方。

 

黃：單音…當然比較簡單～～哈哈！（大笑）

林：哈哈～（一起大笑）

黃：尤其是高把位時，難度完全不一樣。高把位如果要演奏雙音，音域越高越困難，尤其我們要考慮到雙音演奏時，弦的五度音音準等等細節，難度是截然不同的。弦樂的音準，難度就是相當高。

林：我會問就是想聽聽你會怎麼說～～（賊笑）因為我們都知道這段首演與題獻過程的故事，奧爾從本不願意，到後來變成此曲的擁護者，自己也做了改編，甚至在作曲家的喪禮上也演奏了此曲，這中間一定是有許多想法在裡面。

黃：我自己來看這中間的技術問題是這樣的：我自己也演奏許多的「當代作品邀約」。這些新作品在寫成時，一定會有些困難的技術，在當下（當代）被認為是困難或不可能的。但畢竟作曲家還在，我們可以跟作曲家溝通，或是討論技術修改的各種可能，我相信柴可夫斯基與奧爾當時一定也碰到了類似的情況。全新的作品，一定有這些困難之處。

例如巴伯（Samuel Baber）的小提琴協奏曲，最初創作時也碰到這樣的狀況。

但如今柴可夫斯基的小提琴協奏曲已經是公認的經典曲目，他所寫的版本也是正式版本，小提琴的演奏技法也在這一百多年來大大躍進…

或許我這樣舉例好了，宓多里（Midori Goto, b. 1971 ）當年與Sony簽約發行帕格尼尼小提琴24首綺想曲全集時才18歲，對於她演奏的完美技術，當年已經博得全世界的讚嘆。

但現在二十年過去，許多音樂院裡，十歲的小孩子就能24首完整演奏，因為時代與技術，不斷地與時俱進…

Paganini: 24 Caprices by Midori Goto
Paganini: 24 Caprices by Midori Goto

 

林：對！現在越來越多大賽的得獎者，年齡不斷下降

黃：因此可以證明小提琴的演奏技法不斷進化。但是問題來了，演奏裡的音樂性，尤其是「原創性」（Originality）則是我們不確定的。

林：我覺得你這樣講好棒，「原創性」，也就是心中的詮釋，才是能否成為音樂家的關鍵。

黃：因此我覺得年輕一輩的演奏技巧確實進步很多，但音樂性其實才是重點。現代的社會一切都太快速，光有好的技術，如果沒有「原創性」與「個性」（Personality），反而會失去光彩。我們所熟悉的大師輩：曼紐因、歐伊史特拉夫、海飛茲等等大師，每一位都是擁有強烈個性的演奏家。

現在年輕音樂家的挑戰也在此，一定要具備自己的想法與個性。對於樂曲的詮釋要有自己的定見。

尤其現在許多國際大賽，往往前三名常常顯得「中規中矩」，畢竟他可能要迎合來自各種背景的評審們，所以最終連演奏者也失去了自己的「個性」（Personality）。面對一首全新曲時，這類型的年輕演奏者反而不一定能夠演奏得好這樣的全新曲目。

但我們如果將國際大賽時光倒退40年，那個年代連評審都是充滿個人風格的第一線演奏家，因此常常連得獎者都充滿個人特色。我不會去評論演奏家與學院派這中間的差異，因為都是好的，往往是我們的看法不同，結果就有了不同。

林：今天我們聊這個話題真是太棒了，能聽你說說演奏經驗，以及對於小提琴演奏技巧的看法，讓我也得到了許多新知。

 

今日主題討論停筆於此。

下一篇文章仁斌老師將整理他對於學琴過程、演奏生涯與室內樂的心得等等敬請各位蹦友們期待～

 

 

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