【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊本國際鋼琴大賽線上課程 7
【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊本國際鋼琴大賽線上課程 7
LIN Jen-Pin Music Lecture of The 16th Van Cliburn International Piano Competition 2022-7
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蹦藝術 | BONART
蹦藝術Ｘ大人社團《直擊鋼琴美技對決》線上課程簡介
四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
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課程講師介紹
林仁斌老師
知名的旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
《蹦藝術 | BONART》網站創辦人，眾多單位邀約之知名資深音樂導聆人。
范克萊本鋼琴大賽官方網站🎵
2022年第16屆國際范克萊本鋼琴大賽
四大特色：
全球最佳青年鋼琴家與賽
The best pianists in the world.
最佳表演比賽環境
The ideal performance environment.
無與倫比的國際曝光率
Unrivaled international exposure.
最佳演奏事業起步機會
The launch of careers.
2022國際范克萊本鋼琴大賽消息 - 30位選手名單出爐🎉
四年一度的范克萊本國際鋼琴比賽將於2022年6月2日至18日在德克薩斯州Fort Worth舉行，主辦單位已宣布了今年的 30 名參賽者。
選拔過程：
由跨國鋼琴家組成之初選遴選評審團：Roberto Plano（意大利）、Michel Beroff（法國）、Jamie Parker（加拿大）、Lydia Artymiw（美國）和 Dominique Morel（加拿大）共同組成的初步篩選小組，今年審查了創紀錄的388份參賽申請書，選出了142位年輕鋼琴家出線。
由跨國鋼琴家組成之二次篩選評審團：Angela Cheng（加拿大）、Arnaldo Cohen（巴西）、Christopher Elton（英國）、Alexander Kobrin（美國）和 Anton Nel（南非/美國），他們進一步從142位年輕鋼琴家中，近一步遴選出72位，並安排於所有人親至大賽現場「沃斯堡」（For Worth）於2022年3月6日至12日現場演奏甄選。
二次篩選評審團成員：（下圖由左至右）
最後在現場演奏甄選之後，由五名成員組成的二次篩選評審團，選擇出最後這30位參賽者。
2022 范克來本大賽30位參賽者名單（18-30歲） The CLIBURN COMPETITORS Tianxu An, China, age 23 中國 Yangrui Cai, China, 21 中國 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 西班牙/荷蘭 Dmytro Choni, Ukraine, 28 烏克蘭 Federico Gad Crema, Italy, 23 義大利 Anna Geniushene, Russia, 31 俄羅斯 Francesco Granata, Italy, 23 義大利 Arseniy Gusev, Russia, 23 俄羅斯 Masaya Kamei, Japan, 20 日本 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 白俄羅斯 Honggi Kim, South Korea, 30 南韓 Elizaveta Kliuchereva, Russia, 23 俄羅斯 Shuan Hern Lee, Australia, 19 澳洲 Andrew Li, United States, 22 美國 Yunchan Lim, South Korea, 18 南韓 Denis Linnik, Belarus, 26 白俄羅斯 Kate Liu, United States, 28 美國 Ziyu Liu, China, 24 日本 Jonathan Mak, Canada, 25 加拿大 Georgijs Osokins, Latvia, 27 拉脫維亞 Jinhyung Park, South Korea, 26 南韓 Changyong Shin, South Korea, 28 南韓 Ilya Shmukler, Russia, 27 俄羅斯 Vitaly Starikov, Russia, 27 俄羅斯 Clayton Stephenson, United States, 23 美國 Yutong Sun, China, 26 中國 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 法國/日本 Sergey Tanin, Russia, 26 俄羅斯 Yuki Yoshimi, Japan, 22 日本 Xiaolu Zang, China, 22 中國
【BON話題】大賽宣言以及本屆總獎金創新高
音樂藝術與政治無涉
儘管俄羅斯在烏克蘭採取了軍事行動，但大賽認為音樂不應牽涉政治，因此並未阻擋年輕優秀的俄羅斯鋼琴家參賽。
比賽主席兼CEO雅克·馬奎斯在聲明中表示：「克萊本必須並將繼續履行其作為支持藝術家的文化機構的使命，我們致力於利用這種藝術形式超越界限的力量。我們不會根據國籍、性別或種族來區分非政治藝術家。我們堅定地支持全球音樂界對這些理想的承諾。」
累積獎金，再創新高
2022 年范克萊本國際鋼琴比賽，總現金獎已增加到 265,000 美元：其中金牌 100,000 美元、銀牌 50,000 美元、銅牌 25,000 美元。
相較上屆2017 年獎金分別為 50,000 美元、25,000 美元和 15,000 美元，增幅達100%，顯見大賽想以重金鼓勵疫情間辛苦的優秀音樂選手們（蹦藝術編譯）
想了解大賽起源、曲目設計特色與歷屆得獎者等資料？想觀賞國際大賽聽得更加深入並看懂門道？由蹦藝術林仁斌老師主講之《直擊鋼琴美技對決》8堂線上系列課程，將為您提供最佳解答～
2022年第16屆范克萊本鋼琴大賽基本資料
評審團成員：
每輪指定曲目
*曲目唯一規則：獨奏曲目不得在預賽、四分之一決賽和半決賽中重複。
- │第七堂6/15(三)：決賽曲目解說與決賽細節解析│
范‧克萊本鋼琴大賽的決賽有個特色，每位參賽選手都需要彈奏兩首鋼琴協奏曲。在大賽給予的兩類範圍中各自挑選一首，分別展現音樂性、靈活思維、詮釋風格與技術完整度等，可說是年輕鋼琴家最高難度的挑戰之一。在這堂課中，老師將解說大賽指定的決賽協奏曲目以及它的代表性，讓學員可以進一步了解大賽主辦方的用意。
【范克萊本鋼琴大賽 - 決賽六人名單出爐！】
- Dmytro Choni (28, Ukraine)
- Anna Geniushene (31, Russia)
- Uladzislau Khandohi (20, Belarus)
- Yunchan Lim (18, South Korea)
- Ilya Shmukler (27, Russia)
- Clayton Stephenson (23, United States)
接下來要進入最後的兩首協奏曲演奏激烈競爭，喜愛鋼琴協奏曲的朋友們，務必鎖定這幾位選手們從台灣時間6/15日上午8:30AM起的精彩演奏：
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TUESDAY, JUNE 15, 2022
Final Round Concert 1 8:30 a.m. Yunchan Lim, South Korea, 18 – BEETHOVEN Piano Concerto No. 3 in C Minor, op. 37 Ilya Shmukler, Russia, 27 – RACHMANINOV Piano Concerto No. 3 in D Minor, op. 30 20-minute intermission Clayton Stephenson, United States, 23– GERSHWIN Piano Concerto in F Major |
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WEDNESDAY, JUNE 16, 2022 Final Round Concert 2 8:30 a.m. Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 – RACHMANINOV Piano Concerto No. 2 in C Minor, op. 18 Anna Geniushene, Russia, 31 – BEETHOVEN Piano Concerto No. 1 in C Major, op. 15 20-minute intermission Dmytro Choni, Ukraine, 28 – PROKOFIEV Piano Concerto No. 3 in C Major, op. 26 |
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FRIDAY, JUNE 18, 2022 Final Round Concert 3 8:30 a.m. Clayton Stephenson, United States, 23 – RACHMANINOV Piano Concerto No. 3 in D Minor, op. 30 Ilya Shmukler, Russia, 27 – GRIEG Piano Concerto in A Minor, op. 16 20-minute intermission Yunchan Lim, South Korea, 18 – RACHMANINOV Piano Concerto No. 3 in D Minor, op. 30 |
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SATURDAY, JUNE 19, 2022 Final Round Concert 4 4:00 a.m. Dmytro Choni, Ukraine, 28 – BEETHOVEN Piano Concerto No. 3 in C Minor, op. 37 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 – CHOPIN Piano Concerto No. 1 in E Minor, op. 11 20-minute intermission Anna Geniushene, Russia, 31 – TCHAIKOVSKY Piano Concerto No. 1 in B-flat Minor, op. 23 |
第三輪精彩演奏：
- Dmytro Choni (28, Ukraine)
| 【范克萊本國際鋼琴大賽 六位優秀決賽者介紹】
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Dmytro Choni – Semifinal Round Recital – 2022 Cliburn Competition
Dmytro Choni Ukraine | 28 Brahms Rhapsodies Op 79 no 1 1:37:44 Op 79 no 2 1:47:10 Scriabin Sonata no 4 1:55:20 Debussy Images, Book I 2:05:15 2:10:57
https://youtu.be/a9IB53Vkl18?t=5758
Dmytro Choni – Semifinal Round Mozart Concerto – 2022 Cliburn Competition
MOZART Piano Concerto No. 20 in D Minor, K. 466
https://www.youtube.com/watch?v=CHSXCQ3jjws&list=PLEQ0hp9avWWEpFWNV_383_ObPQRcfBSJN&index=12
- Anna Geniushene (31, Russia)
| 【范克萊本國際鋼琴大賽 六位優秀決賽者介紹】
安娜·吉妮烏什 Anna Geniushene | 俄羅斯（31歲） 身為決賽入圍六人中年紀最大的演奏著，安娜的演奏四平八穩，「在涅貴不緇，曖曖內含光」，許多小細節都透露著她的細微之處： 各位可以觀察她的莫札特，許多音符的營造，都能帶出極有深度的空間與音色變化，而不急於過度快速演奏每一個句子，這麼具有音樂性的詮釋，符合她的年紀，應該也是她身為年紀最長的參賽者，卻仍能一路過關斬將的主要原因：音樂。 安娜·吉妮烏什 (Anna Geniushene) 於1991年元旦出生出生於莫斯科。7歲在柏林愛樂樂團的小禮堂裡舉行了獨奏會首演。 疫情期間，Anna也規劃了一系列線上獨奏會、參加莫斯科愛樂樂團的“扶手椅季”，以及為 YouTube 上的 ConSpirito 音樂頻道錄製節目。 安娜曾於許多國際鋼琴參賽並獲得獎項，例如：利茲、柴可夫斯基、布索尼和都柏林等大賽中取得了優異的成績。並已於2020年3月發行首張演奏CD（LINN Records）， 可說是實戰派的演奏高手，非常期待她接下來的協奏曲演奏 |
Anna Geniushene – Semifinal Round Recital – 2022 Cliburn Competition
ANNA GENIUSHENE Russia | Age 31 BEETHOVEN Seven Bagatelles, op. 33 VERDI–LISZT Danza sacra e duetto finale d’Aida PROKOFIEV Sonata No. 8 in B-flat Major, op. 84
https://www.youtube.com/watch?v=gj-B053I3rU&list=PLEQ0hp9avWWHyZPKur76eAHqMXOF-Fsmp&index=2
Anna Geniushene – Semifinal Round Mozart Concerto – 2022 Cliburn Competition
MOZART Piano Concerto No. 25 in C Major, K. 503
https://www.youtube.com/watch?v=K1akuhz0VOM&list=PLEQ0hp9avWWEpFWNV_383_ObPQRcfBSJN&index=6
- Uladzislau Khandohi (20, Belarus)
| 【范克萊本國際鋼琴大賽 六位優秀決賽者介紹】
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Uladzislau Khandohi – Semifinal Round Recital – 2022 Cliburn Competition
Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 RAVEL Gaspard de la nuit RACHMANINOV Études-tableaux, op. 39, nos. 2, 3, 4 RACHMANINOV Variations on a Theme of Corelli, op. 42
https://youtu.be/a9IB53Vkl18?t=1029
Uladzislau Khandohi – Semifinal Round Mozart Concerto – 2022 Cliburn Competition
MOZART Piano Concerto No. 9 in E-flat Major, K. 271
https://www.youtube.com/watch?v=h-rTntf7ozA&list=PLEQ0hp9avWWEpFWNV_383_ObPQRcfBSJN&index=13
- Yunchan Lim (18, South Korea)
| 【范克萊本國際鋼琴大賽 六位優秀決賽者介紹】
Yunchan Lim 임윤찬（音譯：林雲燦） 這次在晉級決賽六人中，林雲燦（音譯）年紀最小進18歲，剛好達標能參賽便直接打入決賽，實在厲害。在第三輪中60分鐘自由安排曲目音樂會裡，他直接單挑李斯特《十二首超技練習曲》：電光石火、風炫神馳、瘋狂幻想，火花四射～ 感興趣的話，請直接點按（第四首：Mazeppa Presto 馬采巴），接著「順便」再聽一下第五首 ⟨第五首：Feux follets Allegretto鬼火⟩ ...OMG😱 這位年輕小伙子無視比賽的緊張，以傑出的演奏完全宰制了大賽會場Bass音樂廳～充滿熱力的演奏，將賽場轉變為一場火熱音樂會🔥 真的無法形容這種震撼，實在...太．太．太厲害了👍🏻🌟 ✦
14 歲就踏上國際音樂舞台。2018 年，他首次登上國際賽，就在克利夫蘭國際青年藝術家鋼琴大賽中獲得二獎與蕭邦特別獎。同年，他以最年輕的身份脫穎而出。參加庫珀國際大賽，獲得三獎和最佳觀眾獎，這為他帶來了與克利夫蘭管弦樂團合作的機會。2019年15 歲時，他在韓國尹桑勇 IsangYun 國際大賽中成為最年輕的獲勝者與兩項特別獎。 今年僅18歲的他已有豐富的演出經驗：應西班牙韓國文化中心的邀請，在韓國各地演出：包括韓國管弦樂團音樂節、韓國交響樂團、水原愛樂樂團和釜山愛樂樂團等，並在馬德里演出。目前就讀於韓國藝術大學，師從孫民秀。 這次在晉級決賽六人中，年紀最小進18歲，剛好達標能參賽便直接打入決賽，實在厲害。 在第三輪中60分鐘自由安排曲目音樂會裡，他直接單挑李斯特《十二首超技練習曲》：電光石火、風炫神馳、瘋狂幻想，火花四射～Bass音樂廳完完全全成為他的私人主場～把比賽完全彈成音樂會，真的無法形容這種震撼...太．太．太厲害了👍🏻🌟 |
Yunchan Lim 임윤찬 – Semifinal Round Recital – 2022 Cliburn Competition
YUNCHAN LIM South Korea I Age 18 LISZT 12 Transcendental Etudes I. Preludio - 00:08 II. Molto Vivace - 01:03 III. Paysage - 03:35 IV. Mazeppa - 08:49 V. Feux Follets - 16:30 VI. Vision - 20:20 VII. Eroica - 25:50 VIII. Wilde Jagd - 30:40 IX. Ricordanza - 36:15 X. Allegro Agitato Molto - 47:38 XI. Harmonies du Soir - 51:56 XII. Chasse-neige - 1:01:06 李斯特：12首超技練習曲（樂曲簡介取自百度百科） 第一首：Prelude.前奏曲 此曲非常的短，C大調，4/4拍，一分鐘左右，結構為二段體（AB), 包含引子和主題。引子裏主要是快速屬七和絃後加變化音階，最後有個柱式和絃。主題是琶音。 第二首：Molto vivace.甚快板 這是比較平緩、沉悶的一首，兩分多鐘，顯然已經有切入正題的跡象。 第三首：Paysage. Poco adagio風景 旋律比較優美的一首，F大調，6/8拍。雖標為風景，可節奏還是比較壓抑。象策馬慢行於田園鄉下。結尾處略有小高潮。音樂充滿了作者無數的"捫心自問"的感覺。 第四首：Mazeppa.Presto馬采巴 D小調。開始有標準的李斯特風格，演奏者也必須開始炫技，因為難度加大。有大量的裝飾音。一共有七分多鐘中段旋律有些高雅的傷感，平靜而又憂傷。最後復轉入激烈。 第五首：Feux follets.Allegretto鬼火 非常詭異神秘的一曲！降B大調，單一主題，用長調。有大量重複的音。比較短，只有4分多鐘。曲子藴涵嘲諷和一種不知名的鄙視 第六首：Vision.Lento幻影 G小調，比較單調，節奏激盪但不快。這一曲是為整個練習曲進入高潮的鋪墊。中段音樂比較靈活，如果看現場，可以看到演奏者翻飛的手指，像幽靈在跳舞。後段越來越快，音調也越來越高。最後在最高處嘎然而止。 第七首：Eroica,Allegro英雄 降E大調，這是悲劇的英雄，但依然讓人無限崇拜。近5分鐘長。琴聲如歌如泣。低沉的音樂永遠也掩蓋不了英雄眼神中的希望和怒火。最後給人以光明，音域一下子開闊。這一曲旋律非常優美。 第八首：Wilde jagd.Presto furioso狩獵 C小調，高潮之一。演奏難度非常大的一首。一直非常快，非常激烈。但快速卻依然優美，讓人如醉如痴。音樂中似乎不光有狩獵，還有風景如畫的描寫。真正的讓人身心放鬆。這也是旋律非常優美的一曲。 第九首：Ricordanza.Andantino回憶 降A大調，兩首最有名的超技練習曲之一。柔情綿綿，平靜得近乎沉默的回憶。有11分鐘之長。有一段極浪漫的旋律被人稱為"古典音樂中最美的一小節"。這是對過去美好的留戀和回憶，絲毫不帶任何不愉快的幻想。 第十首：Allegro agitato molto激動的快板 F小調，非常精彩的一首。鋼琴的音色之美在這裏得到了最大的體現。這是夾在兩首最高潮音樂之間的一首，因此在主題上可以説是什麼都有，有一種無言的上進心支配着作曲者。 第十一首：Harmonies du soir.Andantino黃昏的和諧（夜之和諧） 降D小調，最有名的李斯特的超級練習曲！一開始比較慢，象要訴説一件事。然後卻突然沉默不語，只是用最激烈最高級的音樂來傾訴。這是整個超級練習曲的最高潮，是聽覺上的最高享受。一層層的推進，又一層層的返回，不同的感受接踵而來，讓人不忍離開這一段音樂。然而最後還是結束了，非常平靜地結束了，但有一種意猶未盡的餘温在那裏，而那個音節也非常特殊，簡單卻温柔。讓人更是無法捨棄。這首練習曲是李斯特音樂的極致，讓一切語言成為多餘，但它解決了一切問題，剩下的只有無比的美妙。 第十二首：Chasse-neige.Andante con moto追雪（降雪） 結尾音樂，降B小調。名字非常優美，那是一種令人神往的境界，一點也沒有寒冷的感覺，惟有追逐下雪的快樂和空洞無邊的激情！
https://www.youtube.com/watch?v=KsGLmrR0BVs&list=PLEQ0hp9avWWHyZPKur76eAHqMXOF-Fsmp&index=5&t=2394s
Yunchan Lim 임윤찬 – Semifinal Round Mozart Concerto – 2022 Cliburn Competition
MOZART Piano Concerto No. 22 in E-flat Major, K. 482
https://www.youtube.com/watch?v=P9eEbEfEqoU&list=PLEQ0hp9avWWEpFWNV_383_ObPQRcfBSJN&index=3
- Ilya Shmukler (27, Russia)
| 【范克萊本國際鋼琴大賽 六位優秀決賽者介紹】
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Ilya Shmukler – Semifinal Round Recital – 2022 Cliburn Competition
ILYA SHMUKLER Russia I Age 27 BRAHMS Variations and Fugue on a Theme by Handel, op. 24 PROKOFIEV Sonata No. 8 in B-flat Major, op. 84
https://www.youtube.com/watch?v=jUTLezfsm2Q&list=PLEQ0hp9avWWHyZPKur76eAHqMXOF-Fsmp&index=4
Ilya Shmukler – Semifinal Round Mozart Concerto – 2022 Cliburn Competition
MOZART Piano Concerto No. 20 in D Minor, K. 466
https://www.youtube.com/watch?v=R5dxYDMJT0I&list=PLEQ0hp9avWWEpFWNV_383_ObPQRcfBSJN&index=2
- Clayton Stephenson (23, United States)
| 【范克萊本國際鋼琴大賽 六位優秀決賽者介紹】
克萊頓.史蒂芬森 Clayton Stephenson 美國 I Age 23 從第一輪開始，克萊頓就洋溢著非常活潑的音樂性與表現力，一路也過關斬將進入決賽，今天（6/15）上午更是以蓋希文F大調鋼琴協奏曲獲得極長的全場Standing Ovation👍🏻 從資歷看，克萊頓其實可以說是「范克萊本寶寶」，因為他2015年級參加過克萊本國際鋼琴大賽青少年組，獲得評審團特別獎。 克萊頓生活中並不只有音樂，相對地，他的生涯發展非常完整，一路上資歷也非常出色：目前同時就讀於哈佛與新英格蘭音樂學院：研讀雙學位：在哈佛大學攻讀經濟學學士學位，在NEC攻讀鋼琴演奏碩士學位。 一路走來，他也獲得相當多榮譽：2021 年吉爾摩青年藝術家獲獎者； 2017年美國總統藝術學者；傑克肯特庫克青年藝術家獎；格恩斯青年藝術家；郎朗國際音樂基金會青年學者...等多項肯定。 |
Clayton Stephenson – Semifinal Round Recital 2022 Cliburn Competition
CLAYTON STEPHENSON United States I Age 23 BEETHOVEN Sonata No. 21 in C Major, op. 53 (“Waldstein”) LIEBERMANN Gargoyles, op. 29 BRAHMS Sonata No. 1 in C Major, op. 1
https://www.youtube.com/watch?v=wpNQYFUtBxY&list=PLEQ0hp9avWWHyZPKur76eAHqMXOF-Fsmp&index=6
Clayton Stephenson – Semifinal Round Mozart Concerto – 2022 Cliburn Competition
MOZART Piano Concerto No. 21 in C Major, K. 467
https://www.youtube.com/watch?v=fHQg5gFr_lM&list=PLEQ0hp9avWWEpFWNV_383_ObPQRcfBSJN&index=5
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【BON音樂】法朗克A大調小提琴奏鳴曲介紹
【BON音樂】法朗克A大調小提琴奏鳴曲介紹
Franck : Violin Sonata in A Major
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獻給小提琴家易沙意的結婚賀禮
1886 年，63歲的法朗克創作了唯一一首小提琴奏鳴曲，作為送給23歲的好友比利時～小提琴家尤金·易沙意（Eugène Auguste Ysaÿe, 1858-1931），作為結婚禮物。
全曲四樂章音樂連貫而優美，在尤金·易沙意初次接觸之後，便深深愛上了這首作品。後來易沙意最愛與弟弟鋼琴家泰奧.易沙意（Théophile Ysaÿe, 1865-1918）於音樂會中演奏此曲，兩人經常於布魯塞爾和巴黎等地的巡迴演出中演奏此曲。易沙意最後一次演奏這首曲子是在1926年的巴黎，當時的鋼琴家是 Yves Nat。
在今日，法朗克小提琴奏鳴曲雖然是作曲家的唯一一首同類型作品，但傑出的音樂內容與深刻的內涵，讓此曲成為小提琴家們的最愛，在全球音樂會中不斷被演出，灌錄唱片無數，更是法國最具代表性之近代浪漫作品與室內樂頂級佳作。
易沙意與弟弟泰奧於音樂會中演奏之素描
法朗克介紹
據說李斯特曾經評價法朗克的管風琴演奏為「巴哈再世」。
法朗克（César Franck, 1822-1890）生於比利時列日（Liège）。1830年10月，他進入列日當地的音樂院就讀，也在年輕時期慢慢學習創作。
1835年5月，法朗克一家移民至法國，居住在巴黎。而法朗克也在兩年之後考入巴黎音樂院。之後他除了鋼琴演奏之外，也學習管風琴與作曲相關課程。1842年法朗克以優異成績畢業於巴黎音樂院。
在經過一輩子努力打拼，1870年48歲時，法朗克入籍法國，成為了「真正的法國音樂家」。1871年他在普法戰爭之後，與聖桑一起成立了國家音樂協會，為法國音樂的未來之路而努力著。1872年起，他也被母校巴黎音樂學院聘為管風琴教授。
與聖桑的見解略有不同，法朗克主張應廣泛學習德國日耳曼民族之音樂優點，同時代的華格納正以極具渲染力的管弦樂法征服歐洲，可為借鏡；而法朗克生平索償之樂器：管風琴，演奏宏偉壯大的效果更是他在晚期被廣泛讚譽的創作（例如1888年創作之d小調交響曲），1885年8月4日，法朗克被授予法國榮譽軍團騎士勳章。
1890年時，法朗克乘坐的計程車被另一輛馬車撞到，當時導致頭部受傷並短暫的昏厥，當下似乎沒有立即的後遺症；他完成了原訂的行程，並且不認為自己健康受到影響。但車禍之後，逐漸地他走路變得痛苦，行動亦慢慢受到影響，他發現自己越來越難以外出參與音樂會和排練，甚至無法出席在音樂院的課程，1890年最後逝世於巴黎。
甜蜜的愛情音樂
這首被譽為法國音樂經典的奏鳴曲，共分為四個樂章，樂曲除了慢快交織之外，亦採用了法朗克喜愛的「循環形式」（Cyclic form）作曲手法：他在各樂章之間，以精緻設計的動機，轉化為各種不同的主題旋律，貫穿四個樂章；細細品味、研讀樂譜，便能找出這些將原始的動機以及各種變化形態之主題與旋律。
第一樂章：中等的稍快板 Allegretto ben moderato
第二樂章：快板 AllegroThis turbulent movement is sometimes considered the real opening movement, with the Allegretto ben moderato serving as a long introduction.
第三樂章：適中的中板 Ben moderato: Recitativo-FantasiaThis is improvisatory in nature, and free in both structure and expression.
第四樂章：略為激動的稍快板 Allegretto poco mosso
如果仔細感受，相信能夠在樂曲中感受到「不同層次的戀愛階段」：羞怯、思念、愛情、相知相惜...甚至針鋒相對！
樂譜版本
-Performers: Krystian Zimerman (piano), Kaja Danczowska (violin)
Year of recording: 1981
Sonata in A major for Violin and Piano, written in 1886.
The 4 movements alternate between slow and fast:
00:00 - I. Allegretto ben moderato
06:24 - II. Allegro
15:01 - III. Ben moderato: Recitative-Fantasia
22:45 - IV. Allegretto poco mosso
https://www.youtube.com/watch?v=YCp5XC2rsEM&t=133s
Maxim Vengerov and Martha Argerich play Franck Sonata in A major for Violin and Piano
https://www.youtube.com/watch?v=dcmrMpuOeTI&t=144s
Khatia Buniatishvili and Maxim Vengerov play Franck - Violin Sonata in A major FWV. 8
https://www.youtube.com/watch?v=SkkoRzmoUhA
Martha Argerich Renaud Capuçon Cesar Franck Sonata
https://www.youtube.com/watch?v=oKi8YmP9Ki4&t=139s
Clara-Jumi Kang: Franck, Violin Sonata in A Major
https://www.youtube.com/watch?v=RSXSWpYSoYE&t=4s
大提琴版本欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=cGBCn2LDFWY
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【BON音樂】竹北扶輪社：林仁斌專題演講夢幻芭蕾場景《天鵝湖》32鞭轉
【BON音樂】竹北扶輪社：林仁斌專題演講夢幻芭蕾場景《天鵝湖》32鞭轉
Black Swan's famous Fouetté
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蹦藝術 | BONART
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
柴可夫斯基三大芭蕾舞：《天鵝湖》
俄羅斯作曲家柴可夫斯基，除了精彩的交響作品之外，更在芭蕾舞音樂中留下鉅獻。《天鵝湖》無疑是世界上最廣為人知的芭蕾舞劇，再加上後世的各種改編作品，其知名程度幾乎與芭蕾舞直接畫上等號。在《天鵝湖》中芭蕾女伶需要一個人分飾黑天鵝與白天鵝兩個角色，是難度相當高的挑戰。柔媚婉約的白天鵝，極具魅力的黑天鵝及精彩的「32鞭轉」，加上細緻動人的主題音樂，交織出這部芭蕾舞音樂中的經典。老師將帶領學員一起認識《天鵝湖》的創作背景與精彩音樂。
【BON話題】《垂死的天鵝》，不是《天鵝湖》喔～
https://www.youtube.com/watch?v=kJ4uowripdw
作曲家：柴可夫斯基
https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/
| 柴可夫斯基三大芭蕾舞劇 |
創作過程與首演
1875年，柴可夫斯基還任教於莫斯科音樂學院。他的好友貝吉耶夫（Begichev），也是莫斯科大劇院的藝術總監邀請他創作為大型芭蕾舞劇《天鵝湖》音樂，當時的酬金是八百盧布。經過一年創作，柴可夫斯基於1876年完成。《天鵝湖》芭蕾舞劇由波修瓦巴蕾舞團（Bolshoi Ballet）於波修瓦歌劇院（Bolshoi Theatre）於1877年2月20日在莫斯科首次公演。由於許多因素並未成熟，當時首演並不成功，直至後來此劇漸漸受到肯定，並最終成為柴可夫斯基最為不朽的芭蕾名作。
演出版本
《天鵝湖》自首演以來陸續以許多不同的版本呈現，但現今多數芭蕾舞團的服裝、佈景、編舞、劇情與音樂都基於1895年馬呂斯·佩蒂帕 (Marius Petipa) 和列夫·伊万諾夫 (Lev Ivanov) 的版本，該版本於1895年1月15日在聖彼得堡的馬林斯基劇院首次演出，由帝國芭蕾舞團擔綱演出。
而當次演出時，柴可夫斯基所創作的樂譜也曾由聖彼得堡帝國劇院的首席指揮兼作曲家里卡多·德里戈（Riccardo Drigo）進行了修訂。
不同結局
有關天鵝湖的結局，大致有兩種版本，喜劇與悲劇。
悲劇結局．魔法師獲勝，王子與公主雙雙殉情。
喜劇結局．魔法師失敗，王子與公主解除魔咒，從此擺脫魔咒，過著幸福快樂的生活。
但也看過許多文章，發現居然《天鵝湖》可能有九種不同結局（驚～），以下整理各種結局：（文章出處：9種天鵝湖大結局，你看過幾個？| 芭蕾舞姬之死） ㄧ、皆大歡喜。王子戰勝魔王，與公主在一起 二、公主拒絕王子。公主不肯原諒王子，王子摘去她的王冠。 三、王子與公主投湖殉情。魔咒最終無法破解，王子公主跳湖殉情。 四、皆爲幻象，王子自殺。所有人物都是王子心中的幻象。 五、王子被殺死，公主被擄走。王子搏鬥失敗，望着公主被擄走。 六、王子被擄走，公主獨傷心。王子和魔王消失在暴風雪之中。 七、王子誤殺公主。王子準備射殺魔王，卻誤殺了公主。 八、魔王被羣毆。天鵝們一擁而上戰勝魔王。 九、男版天鵝湖。天鵝們一擁而上戰勝魔王。 十、白天鵝負氣離開，王子黑化後與黑天鵝在一起。 OMG...你看看 妳看看 這黑化之後的王子，身披黑色斗篷還開心地牽著黑天鵝的手...XD
《天鵝湖》，是所有喜愛芭蕾舞的朋友們絕對不會錯過的舞碼。劇中女主角需一人分飾兩角黑天鵝與白天鵝之挑戰，「著名的32鞭轉」高難度舞蹈動作，源源不斷的柴可夫斯基美妙音樂以及充滿戲劇張力的劇情，都令全球風靡不已。
我們現在熟悉的《天鵝湖》，是1895年於聖彼得堡的馬林斯基劇院重新編舞演出的版本，當年由佩堤帕及伊凡諾夫兩人重新編排全劇舞蹈，雖然結局不一，有喜劇有悲劇版，但不同結局並不影響觀看整部芭蕾舞劇觀感，主要端看舞團製作如何選擇。
劇情摘要 純愛對抗黑暗的悲情《天鵝湖》 由西歐傳說故事改編的《天鵝湖》舞劇，情節簡單：公主奧黛特被魔法師羅斯霸特施下惡咒變成天鵝，她與同伴們只能在午夜過後短暫地恢復她們原本的少女形象。一晚她在湖邊偶遇王子齊格菲，王子對她一見鍾情並發誓替她解除魔咒。城堡的舞會中，齊格菲銜命選妃；羅斯霸特以騎士裝扮帶著女兒奧迪兒一起出現，後者化身為面貌酷似奧黛特的黑天鵝。齊格菲不察，受其魅惑而宣布與她訂婚；接著奧黛特現身。齊格菲這才驚覺自己打破了對公主的誓言，急忙趕往湖邊。在此，奧黛特與同伴們哀嘆著自己的命運。齊格菲對愛人坦承不忠，最終得到公主寬恕。然而在羅斯霸特興風作浪的魔法下，這一對情侶仍慘遭溺斃。 當然也有Happy Ending的版本：齊格菲勇鬥羅斯霸特，破除魔咒，解救了奧黛特與同伴。亦還有添加序幕的版本：奧黛特與同伴在湖濱摘花，驚逢羅斯霸特邪惡的施咒將她們變成天鵝。（取自PAR雜誌由芭蕾研究者李巧介紹文）
劇情敘述
這是個關於王子、天鵝公主與與魔法師的故事
一切就開始於很遙遠、很遙遠的國度
這天，是齊格弗里德王子21歲的生日
就在王子與朋友們一起玩樂時，皇后駕臨了
皇后告訴王子，他必須在中多公主之中挑選一位作為他的王妃，並開始學習治理國度
此時意識到自己就要告別自由自在生活的王子，卻只想逃避離開...
齊格弗里德王子悶悶不樂地離開皇宮，並來到了陌生的森林
就在此時，一群天鵝從他的以前天空飛過
這群天鵝是如此耀眼，美得非常特別，王子看呆了
於是他忍不住追隨這群天鵝，進入了森林的更深處，他不曾離開皇宮如此遙遠
就在眾天鵝中，有一隻特別耀眼而美麗，她的羽毛在眾鵝之中，更是顯得如此閃耀迷人...
王子在樹林裡停下了腳步，呆呆地欣賞著
樹葉也在此時飄落著
但樹葉間隙，讓他看見閃閃發光的湖泊
天鵝群就休息而群聚在水邊
隨著天色變暗，神奇的事情發生了～這群天鵝開始逐漸顯露出人的模樣
連湖水也開始斯乎隨著天鵝而開始發出歌唱
四隻小天鵝就這樣翩翩起舞...
影片欣賞：英國皇家芭蕾舞團「四隻小天鵝」舞
https://www.youtube.com/watch?v=0GsajWIF3ws
逐漸地，夜幕低垂
最美麗的那隻天鵝也變為一位美麗絕倫的公主
看見了齊格弗里德王子
她說：「歡迎來到天鵝湖」「這裡很少有訪客，我是奧黛特公主」「因為被邪惡的魔法師施了魔法，白天我們便變成天鵝，到了晚上才能變回人形...」
到底是誰如此邪惡，齊格弗里德王子生氣地大喊著
「是魔法師羅斯霸特的詛咒，他很邪惡，還會化身為貓頭鷹的模樣」奧黛特說
「該怎麼解除這個詛咒呢？」齊格弗里德王子問
「真愛，只有真愛的承諾，才能破解。」
王子覺得奧黛特公主如此耀眼，實在美極了，便邀她共舞，一顆心也漸漸地飛到了她身上...
但就在黑暗中，羅斯霸特暗暗地觀察著...
羅斯霸特看出，眼前這兩位青年男女似乎愛上了對方，
便開始想方設法要破壞兩人
於是他現身，施了咒語讓天鵝們亂飛
硬生生地讓王子與公主分開
「今晚，請妳到我的皇宮裡！」王子大喊著（我要選妃啦～）
於是王子被魔法驅逐出森林，也回到了宮殿等待著奧黛特公主的來臨...
齊格弗里德王子回到皇宮之後，皇后早已安排盛大的舞會，邀請各國佳麗蒞臨登場跳舞，要讓心愛的兒子挑選出自己的最愛
王子看著一位又一位公主佳麗上場舞蹈，但絲毫提不起興致，因為經過森林的相遇，他早已心屬奧黛特
以下為第三幕劇情，穿插筆者另一篇文章
https://bonart.com.tw/2019-classical-ballet-swan-lake-at-taipei/
就在突然間，王子看見了一位與非常奧黛特非常相似的黑衣公主，心跳加速...
與在森林時的白衣不同，但分明就是同一人
身上的禮服同樣閃閃發光，也耀眼動人～這似乎就是森林裡他愛上的奧黛特，不是嗎？王子心兒怦怦地跳著
但這位黑天鵝，是由魔法師女兒奧迪兒所假扮的公主，她的現身就是要讓王子錯亂，進而破壞真愛的魔咒
奧迪兒一步一步走向舞池中央，也吸引了所有人的目光
美麗的黑衣公主奧迪兒似乎有點跟穿著白衣時有點不一樣
但王子實在太開心了，便不疑有他地將所有的注意力關注在她身上
黑衣公主奧迪兒開心地與王子跳著舞，
舞著舞著，奧迪兒實在太美太耀眼～王子一顆心再次飄到她身上
就在介紹給皇后這是自己的愛人之後，王子跪下求婚，許下愛的誓言...
但是這一切完全就是魔法師的詭計！
現在，邪惡的詛咒將使王子與黑天鵝奧迪兒結婚，而不是白天鵝奧黛特
珊珊來遲的奧黛特在窗外見到了這一幕，傷心欲絕
此時，羅斯霸特與女兒奧迪兒奸計得逞，狂放地笑著...
奧迪兒在大笑中，與魔法師一同離開了皇宮，留下了錯愕的王子與眾人...
王子發現自己鑄下大錯，便追了出去
即使是向奧黛特百般解釋，但確實他已經向奧迪兒許下婚姻的終身承諾，
魔咒已不能解
這時候王子想到一個辦法：如果能夠打倒邪惡的魔法師，是否就能打破這個詛咒呢？
此時羅斯霸特也已然趕到森林，王子便與他開始決鬥...緊張氣氛瀰漫全場
最後結局大致以悲劇或喜劇這兩大走向為主：
悲劇結局．魔法師獲勝，王子與公主雙雙殉情。
喜劇結局．魔法師失敗，王子與公主解除魔咒，從此擺脫魔咒，過著幸福快樂的生活。
動畫版《天鵝湖》故事（參考用）
https://youtu.be/Vo1VWlk7QzQ
芭蕾全劇版本欣賞
https://youtu.be/6LKyWPmtX7Y
選段欣賞
黑天鵝獨舞
Swan Lake - Odile/Black Swan solo (Natalia Osipova, The Royal Ballet)
https://youtu.be/3SKLSOGtayE
第三幕雙人舞
Swan Lake - Coda from the Black Swan pas de deux in Act III (The Royal Ballet)
https://youtu.be/XfmSv0z205s
芭蕾舞最經典舞碼：黑天鵝32鞭轉
→【知識篇】Fouetté究竟有多難？
Fouetté 知識教學
【有片】七段黑天鵝32鞭轉（Fouetté）合輯
【有片】各版本《天鵝湖》黑天鵝變奏/鞭轉合輯
【有片】各劇旋轉不停歇大合輯
【有片】娜塔莉波曼的《黑天鵝》集錦
【補充資料】
黑天鵝變奏舞：三大版本比較
Black Swan / Odile VariationSvetlana Zakharova (00:00) Natalia Osipova (01:32) Marianela Nunez (03:45) |
https://youtu.be/sYIHjStEQrk
兩大黑天鵝PK比一比
Black Swan Variation (Split Screen): Nunez, Osipova
https://youtu.be/Tx0dxyHhjWQ
黑天鵝與白天鵝．永遠的話題
補充資料：
男版天鵝湖 Matthew Bourne's Swan Lake（2012）
https://youtu.be/BvMT5MblXX4
各種不同結局版本之《天鵝湖》整理
https://youtu.be/RuHI30slv6A
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【BON音樂】藝起來推動藝術 -林仁斌老師專題演講《指揮之心．無聲音樂家》（下）
【BON音樂】藝起來推動藝術 -林仁斌老師專題演講《指揮之心．無聲音樂家》（下）
Introduction of Orchestra Conductor -2
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《無聲音樂家》～管弦樂指揮家究竟是什麼？精緻知識全解析
內容簡介： 每當管弦樂熱烈演奏時，我們總只能見到指揮的背影。他是唯一在演奏時不發出聲音的「無聲音樂家」。究竟在音樂演奏裡指揮的功能為何？音樂總監又為何能領最高薪？這些疑問，就讓林仁斌老師為您旁徵博引，從指揮歷史、「三大功能」到「指揮十誡」與當代指揮細膩新法與指揮成就，一一解答您心中的解惑。
主講人：林仁斌老師
開場 - 布拉姆斯第四號交響曲第四樂章
https://www.youtube.com/watch?v=pT6SN4tPbv8&t=1795s
變奏曲式 - 帕薩卡利亞舞曲（Passacaglia）
32段變奏、34個段落的低音與和聲基礎
Allegro energico e Passionato
指揮家介紹
伊凡‧費雪（Ivan Fischer，1951-)
伊凡費雪1951年1月20日出生於匈牙利布達佩斯，之後在布達佩斯巴爾托克音樂院接受音樂教育，又進入維也納音樂院與薩爾茲堡，師事史瓦洛夫斯基、哈農庫特學習指揮。
伊凡‧費雪生平
伊凡．費雪與BFO 世界樂壇的匈牙利傳奇 一九八三年，出生在匈牙利布達佩斯的一個猶太音樂家庭的伊凡．費雪（Iván Fischer）率領著洛杉磯愛樂進行他的美國首演，同年他回到匈牙利，成立布達佩斯節慶管絃樂團（Budapest Festival Orchestra，簡稱BFO），他與這個樂團的合作關係寫下了過去二十七年來古典音樂界最偉大的成功故事……。 他們灌錄的匈牙利音樂屢獲唱片大獎，營造了許多充滿創意的音樂會形式，二○○八年英國《留聲機》Gramophone雜誌更評選布達佩斯節慶管絃樂團為全球二十大交響樂團的第九名！透過與伊凡．費雪的越洋對談，對於他的傳奇故事我們有更深一層了解。 匈牙利文化大使 廣泛關照多樣音樂 匈牙利音樂是每回聊到伊凡．費雪不能不提的，他曾獲得匈牙利「柯蘇獎」（Kossuth Prize），同時也是匈牙利文化大使、布達佩斯榮譽市民，可以說是當代最重要的匈牙利音樂代言人。說到他心目中的巴爾托克、高大宜這兩位最重要的匈牙利作曲家，伊凡．費雪表示：「巴爾托克是位非常了不起的作曲家，他的音樂中有極強的匈牙利辨識度，同時卻又是十分國際化。至於高大宜則是一位非常重要的教育家，他後來才成為作曲家，他發明了一種通則，如何教育成千上萬的人去理解音樂。」 當然，除了這兩位匈牙利音樂巨人之外，伊凡．費雪提到重要的匈牙利作曲家還包括Erno Dohnanyi、Sandor Veress，當代的Gyorgy Kurtag及年輕一輩的Janos Vajda、Gyorgy Orban等人，完整地推薦各代匈牙利作曲家。 不過，雖然以匈牙利音樂起家，伊凡．費雪卻不喜歡被定位為匈牙利音樂專家，他表示：「因為，我從來不認為自己是匈牙利音樂專家，當然身為一位匈牙利人，我經常演出自己國家的音樂，但我的興趣總是相當廣泛，因為音樂是國際化的語言，我喜歡任何國家只要是有有趣的音樂。」他也曾到中國蘇州演出時說過：「音樂是發自靈魂的。即使是在不同的文化背景下，產生的美感卻是相似的。」 從家鄉步上國際 載譽歸國的指揮路 因此雖然身為匈牙利布達佩斯節慶管絃樂團的創辦人暨音樂總監，伊凡．費雪並不把樂團局限於匈牙利音樂代言人，他認為：「BFO是個國際化的管絃樂團，我們的目標是為全世界所有樂迷演奏音樂，而不是做出國籍差異，所以我喜歡國際化的曲目，而且我演奏老的與新的音樂。」 媒體或樂迷會把伊凡．費雪看成匈牙利音樂專家不是沒有道理的，伊凡．費雪一九五一年一月二十日生於匈牙利布達佩斯，他從小在布達佩斯時就學習鋼琴、小提琴、大提琴與作曲，之後在布達佩斯巴爾托克音樂院接受音樂教育，進入維也納音樂院與薩爾茲堡才跟著史瓦羅夫斯基（Hans Swarowsky）學指揮，並且繼續學習大提琴與早期音樂，還擔任哈農庫特的助理。一九七六年他在倫敦贏得Rupert基金會的指揮大獎，開啟他走上指揮之路的契機，隨後他開始成為BBC交響的客席指揮，一九八二年還帶著倫敦交響樂團進行世界巡迴，指揮才華倍受肯定。 他先在家鄉的Hungaroton唱片公司灌錄不少匈牙利音樂，還有他自己改編的布拉姆斯《匈牙利舞曲》，之後Philips唱片公司相中他與他簽約，一九九五年他與樂團的巴爾托克、李斯特錄音獲得留聲機大獎、法國金音叉獎等等，那張德弗札克《傳奇曲》更獲得企鵝三星帶花殊榮，由諏訪內晶子主奏小提琴的那張薩拉沙泰《流浪者之歌》、德弗札克《小提琴協奏曲》更是銷售長紅。伊凡．費雪匈牙利音樂專家的地位也宣告確認，他的指揮手法凌厲粗獷，很能表現出「國民樂派」樂風的質樸與速度感。 多元、獨創的音樂會形式 伊凡．費雪曾在美國擔任過辛辛那提交響管絃的指揮，二○○六年他成為華盛頓的國家交響管絃樂團的首席客席指揮，隔年繼任史拉特金之後成為該團首席指揮。另外，他的歌劇經驗也相當豐富，一九八四到八九年擔任英國Kent歌劇院音樂總監，二○○○到○三年擔任里昂國立歌劇院音樂總監，客座維也納國立歌劇院時還製作過全套莫札特歌劇。 除了灌錄匈牙利曲目、歌劇演出之外，伊凡．費雪真正帶領BFO走出自己的成功路，主要是樂團訓練及各種型態的新音樂會。自從當初伊凡．費雪與另一位傑出的匈牙利鋼琴家柯西斯，一同創辦布達佩斯節慶管絃樂團後，這個有遠見又正確的決定不但為匈牙利留住優秀的音樂家，也帶著音樂家一同迎戰當時留不住人才的匈牙利布達佩斯的音樂環境，這份堅持受人尊敬。在樂團訓練上，他發展出能讓樂團音樂家們充滿張力與感情的練團方式，加重樂團演出室內樂的組合與機會，同時演出更多富有創意的管絃作品，這些訓練在在都是為了讓樂團的默契更縝密、音色更成熟。 在與觀眾直接交流的音樂會上，他發展出許多獨特的樣貌，因為他認為觀眾喜歡不同類型的音樂形式。像是專為幼童小朋友設計的「可可音樂會」（Cocoa-Concerts），就是著眼小朋友的耐心只能靜靜地聽三、四分鐘，之後他們需要放鬆。另外像事前不公佈演出曲目的「驚喜音樂會」（Surprise Concerts）也是絕對地受歡迎，人們喜歡接受驚喜，就像收到一個包裝好的禮物。還有對觀眾講述音樂故事的「一元音樂會」（one forint concerts），以及吸引成千上萬過路客新觀眾的布達佩斯露天音樂會，歌劇演出運用融合科技元素等等。伊凡．費雪表示這些新型態的音樂會都是為樂迷服務的。 戮力培植BFO 晉升全球第九大交響樂團 二○○四年伊凡．費雪與Channel Classic唱片公司簽約，也讓這幾年BFO的錄音主要都由此發行，不僅他的曲目大幅擴張而且張張佳作，像是二○○七年七月推出的理查．史特勞斯罕見的芭蕾音樂Josefslegende，就成為《留聲機》雜誌當月CD並獲得《紐約客》的佳評。他在此灌錄的馬勒《第二號交響曲》也獲得《留聲機》雜誌總編特選，之後的馬勒《第六交響曲》、拉赫瑪尼諾夫《第二交響曲》、柴科夫斯基《第四交響曲》CD及莫札特《女人皆如此》DVD也都不容錯過。《華盛頓郵報》還盛讚他：「是一位看來兼備正直、堅毅不拔、異常清晰各項特質的音樂家。｣ 二○○七年伊凡．費雪再推出全本德弗札克作品，貝多芬《第七號交響曲》同時收錄羅西尼、韋伯、荷蘭作曲家Wilhelm Wilms等人的同時期作品。連續推出精彩錄音，難怪二○○八年《留聲機》雜誌提名他為年度藝人，同時他一手培植的匈牙利布達佩斯節慶管絃樂團為全球二十大交響樂團的第九名！對於這項殊榮，伊凡．費雪表示：「對我們的工作來說這是個很棒的紀錄，我很欽羨世界上偉大的管絃樂團，像是柏林愛樂、維也納愛樂或是克里夫蘭管絃。但是我必須承認，對我來說最棒的音樂是由布達佩斯節慶管絃樂團演奏出來的，我很高興專家們注意這些年輕新興的管絃樂團的高演出品質。」(全文詳見《PAR表演藝術》雜誌第213期)
可愛的大師😘
【創舉】 管弦樂團指揮於音樂會時邊指揮邊接種疫苗
Iván Fischer receives Covid-19 vaccine while conducting on stage
匈牙利知名指揮伊凡.費雪（Iván Fischer），日前於匈牙利當地指揮戶外音樂會演出時，一邊巧妙地露出左手臂，接受醫師於舞台上為他接種 COVID-19 疫苗（真的HEN會
）。
其實這是已經他的第三劑疫苗了
他語重心長地說：「唯有接種疫苗，才能讓我們免於疾病，健康地從事所有活動。」
曾被選為全球十大樂團的匈牙利布達佩斯節慶管弦樂團，今年安排了完整的樂季活動，連團員當天也於音樂會途中，直接在舞台上接受醫務人員執行 Covid-19 測試，更是帶動所有民眾踴躍對抗流行疾病之最佳作為。
新聞來源影片：
https://youtu.be/idNT5x4u4g8
皇家大會堂 Ivan Fischer大師班再次上場
內行看門道 - 伊凡.費雪於阿姆斯特丹指揮大師班實況
Katharina Wincor - Symphony No. 4, Brahms（44'50"）
https://youtu.be/7MaYRvyN2Zc?t=2690
大師班經典內容
*只講最重要的話（Use Keyword）
想像你是作曲家，如果此處只能放進一個術語，你會怎麼寫？
*別做出不必要的動作（Don't do unnecessary movements）
多餘的動作指揮干擾樂團
*感到滿足了嗎？（Happy？）你必須百分之百感到滿意
如果你不滿意，你必須折磨樂團到你滿意為止...
*如何引導定音鼓手
思考和弦是什麼？找出重要性與音樂的方向
*帶出每一段變奏不同的個性
理解樂曲特色，別以同樣的方式一路指揮下去
*找出每一段音樂的特色
音樂色彩、情緒與速度，皆為一體
2022年6月將再次登場 - The Ammodo Masterclass
布拉姆斯第四號第四樂章大PK
麥凱萊與奧斯陸愛樂（2021）
https://youtu.be/o4UScRNrb5M?t=1978
海汀克與歐洲室內樂團（2011）
https://youtu.be/7QLuYj2jxoc?t=1773
卡拉揚與柏林愛樂（1973）
https://youtu.be/EnLbZQJ0bJw?t=1865
Andrés Orozco-Estrada與法蘭克福交響樂團
https://youtu.be/o69YVL_XKJo?t=1861
伯恩斯坦與維也納愛樂
https://youtu.be/CO5-z-gLAMI?t=6376
Taiwan Connection 無指揮版本
https://www.youtube.com/watch?v=lEYctFcU8_4
最多管弦樂指揮喜愛的指揮家 - 小克萊柏 Live'
https://youtu.be/N_pEzvKwGAM?t=1912
小克萊柏與維也納愛樂 經典錄音
https://youtu.be/wxB5vkZy7nM?t=1826
Malko Competition
音樂從震動裡傳遞給觀眾
莊東杰：開演前完全安靜的一瞬間．是最美妙的事情
https://www.youtube.com/watch?v=t4Zs5b4v7eA
2015年大賽第三輪 - 拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲
Malko 2015 winner - Tung-Chieh-Chuang, Taiwan
https://www.youtube.com/watch?v=CwFXjE7TheE
2020的指揮方式
https://www.youtube.com/watch?v=pmEwsOxCRj8
2021年Malko指揮大賽首獎
https://www.youtube.com/watch?v=iX4o2inMHE4
Katarina在Malko大賽的指揮
https://www.youtube.com/watch?v=my6xXCemAXY
著名中生代指揮家
洛杉磯愛樂交響樂團/法國巴黎國家歌劇院音樂總監：杜達美（Gustavo Dudamel, b.1981）
2021年底接任巴黎國家歌劇院音樂總監的杜達美，來自南美洲委內瑞拉的特殊教育制度（El Sistema），並為2004年馬勒指揮大賽首獎得主。他是21世紀指揮界傳奇人物之一：1999年起擔任委內瑞拉西蒙·玻利瓦交響樂團音樂總監、2009年獲聘為洛杉磯愛樂音樂總監至今，2017年更成為歷史上維也納新年音樂會最年輕指揮家，創下的榮譽不計其數，而今進軍法國巴黎更可說攀登人生全新高峰。
Discover Dudamel - 柴可夫斯基《羅密歐與茱麗葉》幻想序曲
https://www.youtube.com/watch?v=iGh6u4pTNu0
趣味十足的馬勒一號交響曲彩排
https://www.youtube.com/watch?v=8fszuGQMArk
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/gustavo-dudamel/
亞尼克．聶澤-賽金（Yannick Nézet-Séguin, b.1975）
2022.05.06. 慕特臉書貼文～超愛亞尼克❤️
2000年獲聘蒙特婁大都會管弦樂團（Orchestre Métropolitain）首席指揮(2000年至今)
2008年獲聘為鹿特丹愛樂交響樂團（Rotterdam Philharmonic Orchestra）(2008年–2018年)
2012年起獲聘為費城管弦樂團（Philadelphia Orchestra）首席指揮（2012年至今）
2018年起獲聘為紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）首席指揮（2018年至今）
2019年，蒙特婁大都會管弦樂團正式宣佈與亞尼克簽下「終生音樂總監合約」。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-yannick-nezet-seguin/
維也納國立歌劇院：菲利普．約丹（Philippe Jordan, b.1974）
2020年起獲聘為維也納國立歌劇院（Wiener Staatsoper）指揮的菲利普.約丹（Philippe Jordan, b.1974）擁有輝煌的指揮經歷：27歲成為奧地利格拉茲歌劇院 (Opernhaus Graz) 歷來最年輕之音樂總監與指揮；2009 年起，接任巴黎國家歌劇院音樂總監（此職位同時指揮加尼葉歌劇院＋巴士底歌劇院之歌劇製作，現任者為杜達美），同時擅長鋼琴演奏的菲利普．約丹是歐洲最為炙手可熱的指揮。
柴可夫斯基《悲愴》錄音花絮影片
https://youtu.be/vIIbyWrdNdk
舒伯特《未完成》交響曲
https://youtu.be/TgZj4Vd3HHk
2022全球最火熱青年指揮家
奧斯陸愛樂/巴黎交響樂團：克勞斯·麥凱萊（Klaus Mäkelä, b.1996）
出身芬蘭，現年26歲（1996年出生）的年輕指揮家克勞斯·麥凱萊，也是一位出色的大提琴演奏家。12歲對管弦樂指揮產生興趣，理性與感性兼備的出色詮釋，讓他獲得許多重要樂團的聘約：瑞典廣播交響樂團首席客座指揮（2017年12月起）、奧斯陸愛樂樂團首席指揮（2020年8月起）、2022年起更榮任巴黎交響樂團首席指揮一職，更是Decca唱片公司40年以來的唯一簽約管弦樂指揮。
Decca唱片公司40年以來的唯一簽約管弦樂指揮
https://www.youtube.com/watch?v=25JYN5o1BeQ
巴黎管弦樂團首席指揮
https://youtu.be/DzMihJ4mAfo
當代女指揮篇
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Ariane Matiakh Mirga Gražinytė-Tyla Laurence Equilbey Alondra de la Parra Marin Alsop Alice Farnham Susanna Mälkki Xian Zhang JoAnn Falletta Barbara Hannigan
旭日東昇後起新秀 - Oksana Lyniv
烏克蘭年輕優秀女指揮、義大利歌劇院首位女性指揮家、華格納拜魯特音樂節首位女性指揮家
波隆納市立劇院（Teatro Comunale di Bologna）將任命Oksana Lyniv為音樂總監，締造義大利劇院史上首次由女性出任音樂總監的紀錄。 Lyniv是今年3月在Sala Bibiena的音樂會上，與該院管弦樂團初次合作，5月又一起在Auditorium Manzoni演出。她預計於2022年1月上任，任期3年，每個樂季至少指揮兩部歌劇與兩場音樂會。目前已知，第一年的音樂會內容包括《女武神》第一幕，與交響詩《死與變容》。 在執掌波隆納市立劇院之前，這位烏克蘭指揮已經在巴伐利亞國立歌劇院（Bayerische Staatsoper）、格拉茲歌劇院（Oper Graz）、維也納河畔歌劇院（Theater an der Wien）、利塞烏大劇院（Gran Teatre del Liceu）、羅馬歌劇院（Teatro dell’Opera di Roma）、法蘭克福劇院（Oper Frankfurt）等地登臺，而且是第一位在拜魯特音樂節上指揮的女性。（原文出處：）
紀錄片報導：首位拜魯特音樂節之女性指揮
https://www.youtube.com/watch?v=GR_AdIATwc0
Life in Music: Conductor Oksana Lyniv
https://youtu.be/N8cnyo7telg
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【BON音樂】威爾第 :《納布果》（Nabucco）介紹與賞析
【BON音樂】威爾第 │《納布果》（Nabucco）介紹與賞析
All about Verdi's Nabucco
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這一期的音樂欣賞課，將帶領大人認識經典歌劇作品。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大歌劇為主題，讓學員透過歌劇作品與作曲家的故事，更貼近音樂的脈絡，了解音樂的內涵及巧思。你會重新認識莫札特有名的《魔笛》，詼諧逗趣的《賽維亞理髮師》《帕思夸雷先生》以及極具特色的《納布果》《托斯卡》，讓歌劇點綴你的生活，享受更多音樂的樂趣。
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威爾第 │《納布果》（Nabucco）
《納布果》是威爾第所創作的第三部歌劇，由於音樂動聽，歌劇裡一段被異國侵略者俘虜的希伯來人的思鄉合唱：〈飛吧，我的思緒乘著金色的翅膀〉（Va' pensiero, sull'ali dorate），劇中藉古喩今的愛國思想激動著每一個觀眾，至今仍是義大利最知名流行的愛國歌曲之一；而《納布果》更一直被認為是奠定威爾第邁向成功歌劇作曲家地位及名譽的重要作品。在這堂課中，老師會從歌劇創作背景開始梳理，帶領學員們了解完整的歌劇架構，深度賞析這部歌劇。
《納布果》是威爾第的第三部歌劇，由於音樂動聽，加上最知名的合唱曲〈飛吧，我的思緒乘著金色的翅膀〉出自於此部歌劇，一直被認為是奠定威爾第邁向成功歌劇作曲家地位及名譽的重要作品。
威爾第 1842年《納布果》手稿：
威爾第歌劇創作年表
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
| 奧貝爾托（1839） 一日君王（1840） 納布果（1842） 倫巴第人在第一次十字軍中（1843） 埃爾納尼（1844） 兩個福斯卡羅（1844） 聖女貞德（1845） 阿爾齊拉（1845） 阿提拉（1846） 馬克白（1847） 強盜（1847） 海盜（1848） 萊尼亞諾戰役（1849） 路易莎·米勒（1849） 史帝費利奧（1850） 弄臣（1851） 遊唱詩人（1853） 茶花女（1853） 西西里晚禱（1855） 西蒙·波卡涅拉（1857） 假面舞會（1859） 命運之力（1862） 唐·卡洛（1867） 阿依達（1871） 奧泰羅（1887） 法斯塔夫（1893） |
創作背景
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
威爾第的第一部歌劇《博尼法喬伯爵貝爾托》於1839年10月在米蘭史卡拉歌劇院上演，獲得了一定的成功並且受到當時擔任劇院主要女高音演員的斯特雷波尼（Strepponi）的青睞；
但隔年1840年是威爾第人生中非常悲慘的一年：威爾第的愛妻和兩位幼小的兒女相繼病逝，這使他的心情沮喪到了極點。
因為與史卡拉歌劇院合約尚未約束，劇院經理（Merelli）仍然要威爾第繼續創作。
傷心的他還得勉為其難繼續為劇院創作了第二部歌劇作品：喜歌劇《一日之王》（Un giorno di regno）。
這第二部歌劇《一日之王》在米蘭史卡拉歌首演時被觀衆發出噓聲，演出失敗。家庭工作都深深受傷的威爾第，非常消沈，發誓不再作曲。
但那個逼著他寫喜劇的史卡拉歌劇院經理（Merelli）此時將一卷厚厚的歌劇劇本硬塞給了威爾第，是劇作家索萊拉 （Temistocle Solera）根據聖經故事以及結合 Anicet-Bourgeois 與 Francis Cornu 等人之戲劇作品之全新創作 - 《Nabucodonosor》；
威爾第很不情願地把腳本帶回家，返家後往桌上一扔，偶爾看見打開的一頁劇本寫著「飛吧，我的思緒乘著金色的翅膀」詩句，被吸引的他徹夜閱讀，被腳本中激動人心的情節和詞句所吸引，愛上了這個劇本，徹夜長考後他第二天就主動去找經理，答應譜寫這部作品，這就是他的成名之作《納布果》！
《納布果》劇中藉古喩今的愛國思想激動著每一個觀眾，當觀眾們步出歌劇院時，大都已學會了歌劇裡這段被異國侵略者俘虜的希伯來人的思鄉合唱：〈飛吧，我的思緒乘著金色的翅膀〉（Va' pensiero, sull'ali dorate）。這首合唱曲至今仍是義大利最知名流行的愛國歌曲之一。
https://www.youtube.com/watch?v=UqaPGi6XOnc&t=190s
而在《納布果》中扮演女主角的，便是後來成為威爾第第二位夫人的當時著名女高音：斯特雷波尼（Giuseppina Strepponi, 1815-1897）。
歌劇故事出處
歌劇故事設定發生於公元前587年，威爾第根據此舊約聖經故事改寫：以巴比倫王納布果入侵猶太為背景，敘述他的兩個女兒同時愛上猶太王子彼此明爭暗鬥，而猶太俘虜則因納布果改信耶和華，獲得救贖之聖經故事（列王紀下：第24~25章）。
圖片出處：
「線上聖經」《列王紀下》 第24章，查詢網頁（http://bible.jbride.cc/列王紀下/24.html）
歌劇登場角色
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
- 納布果（Nabucco，巴比倫國王，以尼布甲尼撒二世為藍本所杜撰之巴比倫君王）—（男中音）
- 以實瑪利（Ismaele，耶路撒冷城當時猶太國王的姪子）—（男高音）
- 撒迦利亞（Zaccaria，耶路撒冷猶太大祭司）—（男低音）
- 阿比凱莉（Abigaille，巴比倫帝國公主，納布科王的長女）—（女高音）
- 菲妮娜（Fenena，巴比倫帝國公主，納布科王的次女）—（女高音）
- 巴力神大祭司（Baal，巴比倫大祭司）—（男低音）
- 阿卜達洛（Abdallo，納布果的親兵 —（男高音）
- 安娜（Anna，撒迦利亞的姐妹）—（女高音）
- 巴比倫及猶太士兵、利未人、猶太貞女、巴比倫婦人、博士、巴比倫王國大公、群眾—（合唱團）
首演
《納布果》於1842年3月9日在米蘭史卡拉歌劇院 （Teatro alla Scala）首演。
歌劇序曲
https://www.youtube.com/watch?v=y8p-ZihcTdg
劇情分幕解說
時間：公元前587年
地點：耶路撒冷與巴比倫
第1部：耶路撒冷
「耶和華如此說、我要將這城交付巴比倫王的手、他必用火焚燒。」——耶利米書
在耶路撒冷的聖殿
納布果（古巴比倫帝國君主尼布甲尼撒二世 (Nebuchadnezzar II)）率領巴比倫大軍進攻猶太國首都耶路撒冷，擊敗猶太人。該市市民同聲哀嘆戰爭的失敗。此時大祭司Zaccaria（撒迦利亞）要大家別失望，激勵猶太人振作，相信上帝。他們雖戰敗卻同時俘虜了納布科的次女 Fenena，想以她做為人擲來迫使納布科撤退。
Zaccaria 將 Fenena 交給了 Ismaele（耶路撒冷君王的姪子，曾經出使巴比倫的使者）。但其實 Fenena 與 Ismaele 二人相戀，是戀人。
Ismaele 力勸 Fenena 逃走，留下來只會危及性命。
納布科的長女 Abigaille ，其實出身為低賤的奴隸階層，她帶著喬裝的士兵攻入聖殿，因為同時亦愛著 Ismaele。
當她發現妹妹 Fenena 與 Ismaele 二人原來相互相戀，滿心嫉妒的 Abigaille 警告 Ismaele，如果他不放棄 Fenena，她將會控告 Fenena 叛國。
納布果這時候闖入（歌曲：'Viva Nabucco'）。
Zaccaria 挺身而出抵抗納布科，威脅會用匕首殺死 Fenena。
Ismaele 制止 Zaccaria，救走 Fenena，納布科下令焚毀聖殿並劫掠耶路撒冷。猶太人咒罵 Ismaele 為叛徒。
第2部：懷疑者
「看哪、耶和華的忿怒、好像暴風已經發出、是掃滅的暴風、必轉到惡人的頭上。」——耶利米書
第一場：巴比倫皇宮
納布果 離開繼續作戰，任命小女兒 Fenena 為攝政王。
大女兒 Abigaille 則發現一些文件證明她自己不是納布科親生女兒，而是奴隸階層出身。Abigaille 滿腔仇恨，表示一定要殺掉 Ismaele 與 Fenena。
主神（Baal）大祭司告訴 Abigaille，Fenena 想要釋放猶太俘虜。他與占卜者們會散播納布科戰死的謠言，一起合謀發動政變讓 Abigaille 登上王位。
第二場：巴比倫皇宮的殿堂
大祭司 Zaccaria 召集被囚禁的希伯來人與利未人一同集會，眾人要求懲戒私放人質的 Ismaele。但 Zaccaria 說 Fenena 改決定信猶太教，因此 Ismaele 所拯救的，是一位改信猶太教的希伯來女子，大家便和解。
此時 Abigaille 登場，與以國王納布果已死為由，要求 Fenena 交出王冠。
但這個時候，納布果衝入，嘲笑主神（Baal）及猶太人的神。
Zaccaria 拒絕執行納布果殺死猶太人的命令。
Fenena 說要與猶太人共存亡。納布科正自稱自己為上帝（歌曲：'Non son piu re, son dio'），要大家趴下來崇拜他時，天上一道雷電霹下，正中他的皇冠把他擊昏了，皇冠掉在地上，被 Abigaille 取去，說巴比倫的光榮絕不會因此而消失。
第3部：預言
「曠野的走獸必住在那裡，貓頭鷹也住在其中，永無人煙，世世代代無人居住。」——耶利米書
第一場：巴比倫空中花園
Abigaille 成功奪取了攝政王寶座，驕傲的她決定將所有希伯來人都殺光，也包括自己的妹妹 Fenena。
大祭司將處死猶太人及 Fenena 的法令交給 Abigaille，被雷打中已呈現瘋顛的納布果闖入，要求 Abigaille 退還王位，Abigaille 反過來說服納布科簽署法令，要他在法令上蓋下印。
納布果要求赦免 Fenena，但Abigaille 不答應。
納布果搬出王牌，告訴 Abigaille 她不是他的親生女兒，只是奴隸出身，並想出示證明文件。
Abigaille 嘲笑他，並當面將有關她的證明文件毀掉。納布科意識到自己已被篡位，並淪為階下囚，Abigaille 大權在手歡喜若狂。
第二場：幼發拉底河畔
猶太人希望重返家鄉（歌曲：「飛吧！思想，乘著金色的翅膀」'Va pensiero, sull'ali dorate'），Zaccaria再次激勵他們相信上帝，並預言上帝將會毀滅巴比倫。
所有的希伯來人們被迫戴著腳銬，在幼發拉底河畔服勞役。在此場景中，眾人唱起了著名的合唱歌曲：〈飛吧，我的思緒乘著金色的翅膀〉（Va' pensiero, sull'ali dorate）。
Zaccaria 鼓舞著眾人，說上帝透過他昭示大家，鐐銬總會斷開，而巴比倫遲早會滅亡，首都巴比倫城將成為蛇鼠出沒之處。
第4部：粉碎的偶像
「主神蒙羞，她的偶像都驚惶。」——耶利米書
第一場：巴比倫皇宮
納布果在牢房裡做了惡夢，醒來之後回復清醒意識。從窗外，納布果看著女兒 Fenena 將要被處死，但他卻被困而無能為力。在絕望之際，他向耶和華禱告懺悔，承諾會重建耶路撒冷的聖殿，要求饒恕他的狂妄，希望能拯救 Fenena 並改信於祂。
神應允了他，在親兵 Abdallo 等人的協助下，納布果誓要懲罰所有叛國者，並拯救 Fenena。
場景2：巴比倫空中花園
一眾猶太人及 Fenena 將要被殺，獻祭給主神 （Baal）。納布果等人闖入，手執配劍，下令停止殺戮並將準備擊碎主神像。
但此時神像卻自動倒下疊成碎片，所有希伯來人歡呼上帝顯靈，納布果宣布自己已經改信耶和華。
他下令釋放所有猶太人，重建上帝的聖殿。
Abigaille 被押解進入，自知早已失敗的她，預先服毒自殺。她死前表達她的悔意，並懇求Fenena的寬恕。
大祭司 Zaccaria 宣告納布果為上帝的僕人，他是萬王之王。
（劇終）
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四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
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范克萊本鋼琴大賽官方網站🎵
2022年第16屆國際范克萊本鋼琴大賽
四大特色：
全球最佳青年鋼琴家與賽
The best pianists in the world.
最佳表演比賽環境
The ideal performance environment.
無與倫比的國際曝光率
Unrivaled international exposure.
最佳演奏事業起步機會
The launch of careers.
2022國際范克萊本鋼琴大賽消息 - 30位選手名單出爐🎉
四年一度的范克萊本國際鋼琴比賽將於2022年6月2日至18日在德克薩斯州Fort Worth舉行，主辦單位已宣布了今年的 30 名參賽者。
選拔過程：
由跨國鋼琴家組成之初選遴選評審團：Roberto Plano（意大利）、Michel Beroff（法國）、Jamie Parker（加拿大）、Lydia Artymiw（美國）和 Dominique Morel（加拿大）共同組成的初步篩選小組，今年審查了創紀錄的388份參賽申請書，選出了142位年輕鋼琴家出線。
由跨國鋼琴家組成之二次篩選評審團：Angela Cheng（加拿大）、Arnaldo Cohen（巴西）、Christopher Elton（英國）、Alexander Kobrin（美國）和 Anton Nel（南非/美國），他們進一步從142位年輕鋼琴家中，近一步遴選出72位，並安排於所有人親至大賽現場「沃斯堡」（For Worth）於2022年3月6日至12日現場演奏甄選。
二次篩選評審團成員：（下圖由左至右）
最後在現場演奏甄選之後，由五名成員組成的二次篩選評審團，選擇出最後這30位參賽者。
2022 范克來本大賽30位參賽者名單（18-30歲） The CLIBURN COMPETITORS Tianxu An, China, age 23 中國 Yangrui Cai, China, 21 中國 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 西班牙/荷蘭 Dmytro Choni, Ukraine, 28 烏克蘭 Federico Gad Crema, Italy, 23 義大利 Anna Geniushene, Russia, 31 俄羅斯 Francesco Granata, Italy, 23 義大利 Arseniy Gusev, Russia, 23 俄羅斯 Masaya Kamei, Japan, 20 日本 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 白俄羅斯 Honggi Kim, South Korea, 30 南韓 Elizaveta Kliuchereva, Russia, 23 俄羅斯 Shuan Hern Lee, Australia, 19 澳洲 Andrew Li, United States, 22 美國 Yunchan Lim, South Korea, 18 南韓 Denis Linnik, Belarus, 26 白俄羅斯 Kate Liu, United States, 28 美國 Ziyu Liu, China, 24 日本 Jonathan Mak, Canada, 25 加拿大 Georgijs Osokins, Latvia, 27 拉脫維亞 Jinhyung Park, South Korea, 26 南韓 Changyong Shin, South Korea, 28 南韓 Ilya Shmukler, Russia, 27 俄羅斯 Vitaly Starikov, Russia, 27 俄羅斯 Clayton Stephenson, United States, 23 美國 Yutong Sun, China, 26 中國 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 法國/日本 Sergey Tanin, Russia, 26 俄羅斯 Yuki Yoshimi, Japan, 22 日本 Xiaolu Zang, China, 22 中國
【BON話題】大賽宣言以及本屆總獎金創新高
音樂藝術與政治無涉
儘管俄羅斯在烏克蘭採取了軍事行動，但大賽認為音樂不應牽涉政治，因此並未阻擋年輕優秀的俄羅斯鋼琴家參賽。
比賽主席兼CEO雅克·馬奎斯在聲明中表示：「克萊本必須並將繼續履行其作為支持藝術家的文化機構的使命，我們致力於利用這種藝術形式超越界限的力量。我們不會根據國籍、性別或種族來區分非政治藝術家。我們堅定地支持全球音樂界對這些理想的承諾。」
累積獎金，再創新高
2022 年范克萊本國際鋼琴比賽，總現金獎已增加到 265,000 美元：其中金牌 100,000 美元、銀牌 50,000 美元、銅牌 25,000 美元。
相較上屆2017 年獎金分別為 50,000 美元、25,000 美元和 15,000 美元，增幅達100%，顯見大賽想以重金鼓勵疫情間辛苦的優秀音樂選手們（蹦藝術編譯）
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2022年第16屆范克萊本鋼琴大賽基本資料
評審團成員：
每輪指定曲目
*曲目唯一規則：獨奏曲目不得在預賽、四分之一決賽和半決賽中重複。
- │第六堂6/8(三)：第二輪與第三輪曲目介紹：談莫札特的鋼琴協奏曲│
能在國際賽事中闖進第二輪，就已經代表是本屆賽事的佼佼者了，而在這堂課，老師將針對選手們的第一輪演奏與第二輪曲目進行資訊的分析與整理，學員可以跟著老師的脈絡更了解每位選手的特色。第三輪除了個人演奏之外，還加入了「音樂界的大魔王-莫札特」的關卡，必彈的莫札特鋼琴協奏曲究竟難度多高？讓老師帶你了解。
第二輪（四分之一賽）結果揭曉：
【范克萊本鋼琴大賽】第二輪18位晉級名單公佈（蹦藝術報導）
隨著大賽緊湊的時程，第一輪演奏才結束不久，評審團已選出第二輪的18位晉級名單：
Anna Geniushene, Russia, 31 Andrew Li, United States, 22 Denis Linnik, Belarus, 26 Masaya Kamei, Japan, 20 Clayton Stephenson, United States, 23 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 Yuki Yoshimi, Japan, 22 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 Yutong Sun, China, 26 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 Federico Gad Crema, Italy, 23 Honggi Kim, South Korea, 30 Kate Liu, United States, 28 Jinhyung Park, South Korea, 26 Dmytro Choni, Ukraine, 28 Changyong Shin, South Korea, 28 Ilya Shmukler, Russia, 27 Yunchan Lim, South Korea, 18
您喜愛的選手晉級了嗎？
各國選手晉級比例：
南韓4位
美國3位
日本2位
俄羅斯2位
白俄羅斯2位
中國1位
烏克蘭1位
義大利1位
法國/日本1位（雙重國籍）
西班牙/荷蘭1位（雙重國籍）
馬不停蹄地，今晚就將繼續展開第二輪賽事；每個人將帶來40分鐘的音樂會～非常期待更多元化的曲目與精湛的演奏
第二輪演奏順序：
第三輪（二分之一賽）結果揭曉：
【范克萊本鋼琴大賽】第三輪12位晉級名單公佈（蹦藝術報導）
范克萊本二分之一決賽（第三輪）已於半小時前揭曉名單～恭喜這12位優秀的演奏者
下一輪的挑戰艱鉅：
其一是需要演奏60分鐘完整音樂會；
其二是須與樂團演奏一首莫札特鋼琴協奏曲（從官方指定10首中選擇）～這會讓我們見證「Musician's Killer
- Mozart」的厲害之處
再次晉級（進擊）的參賽者有：
Dmytro Choni, Ukraine, 28
Anna Geniushene, Russia, 31
Masaya Kamei, Japan, 20
Uladzislau Khandohi, Belarus, 20
Honggi Kim, South Korea, 30
Yunchan Lim, South Korea, 18
Jinhyung Park, South Korea, 26
Changyong Shin, South Korea, 28
Ilya Shmukler, Russia, 27
Clayton Stephenson, United States, 23
Yutong Sun, China, 26
Marcel Tadokoro, France/Japan, 28
第二輪（四分之一輪）精彩演奏總收錄
第二輪精彩演奏 選手分段影片
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課程講師介紹
林仁斌老師
知名旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
《蹦藝術 | BONART》網站創辦人，眾多單位邀約之資深知名音樂導聆人。
- 董尼才第 │《帕思夸雷先生》
董尼才第（Gaetano Donizetti,1797-1848）被譽為義大利歌劇在浪漫前期的「美聲三傑」。歌劇《帕思夸雷先生》（Don Pasquale）是一齣三幕喜歌劇，是作曲家歌劇創作生涯中66部歌劇之第64部，也是作曲家人生中最後一部喜歌劇，創作於1842-1843年，首演於 1843年。不但有逗趣的劇情，美妙的旋律，作曲家之音樂創作手法也盡臻圓融，是一齣非常成功之喜歌劇。在本堂課程中，林仁斌老師將帶領大人同學們認識這部劇情非常有趣、音樂幽默的重要歌劇作品
→維基百科上的《帕思夸雷先生》介紹
在此劇中，不但有逗趣的劇情，美妙的旋律，作曲家之音樂創作手法也盡臻圓融，是一齣非常成功之喜歌劇。
作曲家
作曲家 董尼才第（Gaetano Donizetti,1797-1848）
登場角色與首演者
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演出角色 |
歌者音域 |
1843年之首演者 |
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帕思夸雷先生 |
bass |
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馬拉泰斯塔醫生 |
baritone |
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帕思夸雷的侄子 埃內斯托 |
tenor |
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諾麗娜 - 美麗寡婦 |
soprano |
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馬拉泰斯塔醫生的廚師 |
bass |
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僕人 - Servants |
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1843 年歌劇首演時，歌手 Giulia Grisi 擔任女主角 美麗的寡婦 諾麗娜（Norina）繪像（1844年繪）
飾演擔任女高音 美麗的寡婦 諾麗娜（Norina）之歌手 Giulia Grisi（左）與男高音 姪子埃內斯托（Ernesto）的歌手 Giovanni Mario（右）（歌劇《清教徒》手繪劇照）。
飾演醫生 Dottor Malatesta 角色之男中音 Antonio Tamburini。
1843年 1月3日於巴黎義大利劇院 Salle Ventadour 廳演出時之舞台場景（Théâtre Italien at the Salle Ventadour）
<簡談美聲唱法>
「美聲唱法」（Bel Canto），如果我們純粹從字面上的意義來說，「Bel」 是指美的、好的，「Canto」 是 指歌曲、歌謠；因此「Bel Canto」簡單解釋為「美好的歌唱」、「美麗的歌聲」。但如果以聲樂發展歷史與歌劇歷史來說，「Bel Canto」不僅是一種發聲或歌唱的方法，還是一種歌唱的風格與學派。
最初起源於 17世紀，逐漸興盛於18世紀中葉至19世紀初，義大利歌劇(Opera) 盛行起一種講求聲音的華麗與優雅，具有高度藝術性聲樂技巧的演唱法，歌者在演唱時，音與音之間不僅得圓滑流暢，音色音量及力度也要求和諧，這種追求華麗及高超技巧的演唱方式被稱為「美聲唱法」（Bel Canto）。
美聲唱法在音樂表現上有較為嚴格的技術規範，其注重聲音上的技巧，更甚於戲劇的表現與張力。
美聲唱法特色在於發音的圓潤、柔美純淨以及注重呼吸的支撐，並充分利用共鳴控制音量與音色的變化，讓歌聲在高低音之間取得平衡且具有擴張力，近代之之聲樂演唱家與研究者們，更將聲學理論與人的生理特質結合，利用各種解剖生理學、肌肉與神經理論，讓歌唱者更能以科學化之知識，適當減輕喉嚨的負擔，藉以呈現更優異之演唱共鳴，也延續歌者更長的演唱生命。
18、19世紀， 作曲家例如：莫札特 (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756-1791)、羅西尼 (Gioachino Rossini, 1792-1868)、董尼才第 (Gaetano Donizetti, 1797-1848)、貝里尼 (Vincenzo Bellini, 1801-1835)等人的歌劇作品中常可聽到這類美聲唱法；在這些作曲家們的努力下，美聲唱法直逼器樂音域與舞台表現力，魅力展現達到了巔峰，也造就出當時許多傑出的歌唱家。
美聲唱法中，咬字吐字非常重要。最終真正完美地唱好一部作品，除了聲部明確、聲區統一、音色明亮、通暢、放鬆而連貫，還需要聲情並茂，而歌詞中的吐字咬字與語韻也非常重要，否則就不算是完美的美聲唱法。
至於美聲唱法到底在現代如何區分學派，有關於真音與假音之運用，有無比例上之限制，確實都是非常難以具體回答之問題。因為各個國家聲樂學派皆有特色，從義大利、法國、德國到俄羅斯，每個國家都有自己的唱法與運用特色。
關於美聲唱法學派與各種方式，聲樂演唱者都會有各自的堅持與訓練方式。不過筆者非常認同一個觀念，就是簡言之，世界上的美聲唱法只有兩個學派：一個是「好學派」，一個是「壞學派」簡單說，就是只分為「唱得好」跟「唱得不好」這兩類...而且純粹以結果論。
相信對於美，每個人也是見仁見智，無法避免的是應該是永不止息的論爭吧～（笑）
<劇情概要>
《帕思夸雷先生》（Don Pasquale）劇情講述富有單身又年長的老富豪 Don Pasquale，與具有繼承權的姪子 Ernesto 住在一起。但這位具有唯一繼承權的姪子因為 Don Pasquale 的財富，過著生活不憂愁而且挺滋潤的遊手好閒日子。
出於對姪子的愛與擔憂，Don Pasquale 想幫他安排一門親事，幫他找個賢妻，免得 Ernesto 揮霍無度，在他死後敗光自己的家產。
Ernesto 因為一直與美麗的寡婦 Norina 交往，於是反對叔叔的親事安排，始終以敷衍了事的態度不斷拖延。
Don Pasquale 知道姪子與寡婦交往，生氣又無奈之下，只能另謀他途。於是他找了家庭醫生兼好友 Dottor Malatesta 作媒，乾脆自己娶妻結婚，生個自己的小孩繼承財產，再把姪子掃地出門，圖個清淨。
但醫生 Dottor Malatesta 心裏覺得 Don Pasquale 想要老夫少妻實在不妥，也因為與 Ernesto 與 Norina 交好，希望能夠藉此機會成全這兩位年輕人。
於是醫生對這次的相親計畫設了一計：他要 Norina 假裝是自己是在英國修道院唸書剛回國的妹妹 Sofronia，答應來嫁給 Don Pasquale，婚約條件是女方完全掌控家務，之後再以離婚方式來讓 Don Pasquale 體會到老夫少妻是一場絕對的災難。
Don Pasquale 一聽到即將與年輕美女結婚，歡懷期待地接受了醫生的相親提議，開心地迎娶了看似溫柔可人的年輕 Sofronia 為妻（事實上是Norina），並同意一切家務由妻子作主。
沒想到一成婚後，Sofronia 馬上變身為潑婦，讓 Don Pasquale 期待的美好婚姻完全變調，在被逼迫至接近瘋狂無法認受之下，Don Pasquale 不得不訴請離婚。這時 醫生 Dottor Malatesta 誠實以告並好言相勸，醒悟後的 Don Pasquale 也就大方地同意侄子 Ernesto 娶 Norina 為妻，不再反對兩人，劇情最後是皆大歡喜的歡樂結局。（果然是歡樂喜歌劇啊～）
【分幕場景劇情解說】 以下分幕解說場景劇情解說，文字選錄自：殷子雅 碩士論文【探討董尼才悌之作品分析與詮釋 ---以《唐巴斯瓜雷》之女高音詠嘆調為例】 簡介： 歌劇《帕思夸雷先生》總共分為三幕，第一幕及第二幕分別有五個場景，第三幕則有六個場景，除了第三幕的第六個場景為帕思夸雷先生家旁的花園，其餘的場景都是在帕思夸雷先生家中大廳，和其他歌劇相比，場景簡單許多，也能讓觀眾很容易就明白故事的發展。 第一幕 (場景：帕思夸雷先生家中客廳) 第一場 帕思夸雷先生在家中客廳，拿著手錶不斷地走來走去，像是有心事般的焦慮，原來是因為帕思夸雷先生的姪子埃內斯托不顧他的反對，執意要和一個年輕的寡婦結婚，為了要懲罰埃內斯托，帕思夸雷先生決定自己結婚來剝奪埃內斯托的繼承權，所以他正等著好友馬拉泰斯塔醫生的到來，替他帶來找到新娘的好消息。 第二場 醫生馬拉泰斯塔來到家中，帕思夸雷先生急忙地問他結果，馬拉泰斯塔告訴帕思夸雷先生自己已找到了新娘，而且是自己乖巧柔順的妹妹，還生動的描繪了她美麗的容貌，這深深打動了帕思夸雷先生，於是帕思夸雷先生催促馬拉泰斯塔趕快去把他妹妹帶來，此時他掩不住喜悅，感覺自己像是二十歲一樣年輕，並打算要把這個消息告訴埃內斯托，讓埃內斯托知道任性將會是甚麼下場。 第三場 埃內斯托出場，帕思夸雷先生給他最後一次機會讓他考慮是否願意離開諾麗娜，如果做不到，他就決定剝奪他的繼承權，埃內斯托還是堅決地要和諾麗娜結婚，帕思夸雷先生就把自己準備和馬拉泰斯塔醫生妹妹結婚的消息告訴他，並且決定自己保留所有財產，埃內斯托不敢置信，並提議要找馬拉泰斯塔商量，但帕思夸雷先生告訴他馬拉泰斯塔對自己的支持，埃內斯托覺得被自己的朋友背叛，他將被迫離開家鄉，同時也即將失去愛人，心中難過不堪。 第四場 諾麗娜在房間裡看著小說，用歌唱敘述著自己對愛情的看法，同時形容自己聰明又愛幻想的個性並唱著詠嘆調〈那動人的目光直射騎士的心房〉(Quel guardo il cavaliere)，此時她也正在等著醫生馬拉泰斯塔的到來，準備討論著如何捉弄帕思夸雷先生，就在這時僕人送上一封信，是埃內斯托寫的，諾麗娜看著信的內容顯得有些害怕。 第五場 馬拉泰斯塔出場並準備和諾麗娜討論他的計謀並唱出宣敘調〈而那醫生還不來！〉(E il Dottor non si vede!)，此時諾麗娜卻告訴他，她不想參與，接著馬拉泰斯塔讀著信的內容，看到信中埃內斯托寫著他將被趕出家門，同時也無法繼承帕思夸雷先生的財產，馬拉泰斯塔安慰著諾麗娜並仔細告訴她自己計畫的計謀，於是諾麗娜就和馬拉泰斯塔唱出宣敘調〈好消息，諾麗娜〉(Buone nuove, Norina)， 內容就是要諾麗娜假扮他在修道院的妹妹，並和帕思夸雷先生結婚，最後請自己的表哥卡洛托來扮演公證人，兩人越談越開心於是兩人唱起二重唱〈我準備好了〉 (Pronta io son,purch’io non manchi)，結婚之後諾麗娜的任務就是要使帕思夸雷先生失去信心和發瘋，兩人又再度唱起二重唱〈你要我傲慢嗎?〉(Mi volete fiera?)， 諾麗娜答應只要不會失去埃內斯托，她願意配合演出，兩個人就這樣滿懷著信心 去找帕思夸雷先生，最後以二重唱〈快去，快跑〉(Vado corro)作為這一場的結束。 第二幕 (場景：帕思夸雷先生家中大廳) 第一場 在憂傷的背景音樂中，埃內斯托獨自一個人在帕思夸雷先生家中大廳，他敘述著自己遭遇到被朋友背叛的不幸，同時也表達即將失去愛人的痛苦，並決定要到異國他鄉去。 第二場 帕思夸雷先生穿著盛裝並期待著醫生馬拉泰斯塔及新娘的到來，同時吩咐僕人，如果馬拉泰斯塔與新娘來的時候千萬不准打擾到他們，如果不聽從吩咐，就小心被辭退，於是他開始得意地打扮自己，並幻想自己仍然很年輕。 第三場 馬拉泰斯塔帶著戴面紗的諾麗娜進場，諾麗娜假裝是一個害羞、膽小的女人。此時馬拉泰斯塔、帕思夸雷先生與諾麗娜演唱三重唱〈來吧!勇敢些〉(Via, da brava)，馬拉泰斯塔解釋著因為妹妹剛從修道院出來，所以感到不安，三人合唱著宣敘〈不要害怕〉(Non abbiate paura)。這時帕思夸雷先生早被諾麗娜的姿態、聲音與舉止所吸引，加上馬拉泰斯塔從旁協助演出，當帕思夸雷先生一見到諾麗娜掀起面紗，立即就決定要娶她為新娘，此時馬拉泰斯塔早就安排好公證人要等著幫帕思夸雷先生和諾麗娜證婚。 第四場 馬拉泰斯塔介紹著公證人並開始準備證婚，合約裡寫著諾麗娜從今天起就是這個房子的女主人，僕人必須對她完全的服從與尊重，另外帕思夸雷先生要把所有財 產的一半都贈與諾麗娜，公證完之後準備簽名時，公證人說現場還少了一個見證人，就在這個時候，埃內斯托正從門外進來，諾麗娜及馬拉泰斯塔開始緊張的不知所措，因為他們擔心不知情的埃內斯托會破壞這一切，五重唱〈一方面為，等等〉 (Fra da una parte et cetera)的音樂響起。 第五場 埃內斯托進來和帕思夸雷先生道別的同時，被帕思夸雷先生要求當婚禮見證人，埃內斯托看到新娘，簡直不敢相信，諾麗娜開始感到焦慮不安，於是四個人唱起重唱〈在我走之前，先生〉(Pria di partir, signore)，馬拉泰斯塔立刻把埃內斯托拉到旁邊並告訴他這一切，帕思夸雷先生就在大家的矇騙之下與諾麗娜完婚：五重唱〈現在你們已結為夫妻〉(Siete marito e moglie)。 當證婚人一宣布他們結為夫妻的同時，諾麗娜就像變了一個人似的，不但對帕思夸雷先生冷嘲熱諷，還拒絕帕思夸雷先生的擁抱，最後竟要求要埃內斯托當自己的騎士，帕思夸雷先生反對的同時，終於意會到諾麗娜其實是一個陰險的女人，不斷懷疑自己是不是在作夢，受屈辱的帕思夸雷先生想繼續爭辯，但卻被馬拉泰斯塔阻止，四重唱〈看他驚愕的樣子〉(Ah...È rimasto là impietrato)。諾麗娜繼續使壞，命令僕人大肆揮霍錢財，帕思夸雷先生在旁邊看 了非常生氣，深深感覺到被欺騙了，心中有著無限的怒火，四重唱〈我要所有的僕人〉 (Riunita immantinente)，但站在一邊的埃內斯托終於明白諾麗娜對自己的心意， 同時醫生馬拉泰斯塔正在打圓場，催促著帕思夸雷先生先上床去睡覺，四重唱〈我? 我?〉(Io? io?)。 第三幕 (場景:唐巴斯瓜雷家中大廳，到處散放著女生的服飾、衣服、帽子、皮毛...等，僕 人們在前後奔忙，邊叫喊邊執行命令，唐巴斯瓜雷坐在一張小書桌旁，書桌幾乎 要被帳單淹沒)。 第一場 僕人們拿著一大堆衣物到諾麗娜房間的同時，帕思夸雷先生翻開桌上的帳單，並說著如果再讓諾麗娜這樣下去，自己很快就會進到貧民窟了，於是他決定不惜代價都要阻止諾麗娜，正當思考的同時，諾麗娜穿著華麗，手裡拿著扇子，匆忙地跑進來準備離開，絲毫沒有注意到帕思夸雷先生。 第二場 帕思夸雷先生見狀就詢問諾麗娜要去哪裡，二重唱〈夫人，這樣匆忙，能告訴我你要去哪裡?〉(Signorina, in tanta fretta dove va vorrebbe dirmi?)，諾麗娜告訴帕思夸雷先生自己要到劇院去，但帕思夸雷先生不同意，並表示女人應該要聽從丈夫的話，諾麗娜卻要他保持沉默。此時，帕思夸雷先生大發雷霆並命令諾麗娜回房間，待在家裡休息，諾麗娜不願聽從，催促著帕思夸雷先生先上床睡覺，有什麼事情留到明天再談，帕思夸雷先生不斷怒斥諾麗娜是騷女人，於是諾麗娜狠狠的打了他一個 耳光，並罵他活該，帕思夸雷先生決定一切都該到此為止，二重唱〈完了，帕思夸雷先生〉(E finite, Don Pasquale)，就在諾麗娜說要出門的同時，帕思夸雷先生回應她:「走吧!但不要再回來了」。 諾麗娜安撫著他並叫他安靜地去睡一個好覺，二重唱〈阿!丈夫，來吧，親愛的小新郎〉(Ah! Sposo! Via caro sposino)，帕思夸雷先生受不了這樣的打擊，提出要離婚，諾麗娜還是不理會他的要求，並在離開的同時，掉下了一張紙條，帕思夸雷先生原以為是帳單，打開後讀著內容卻發現是一 封邀請諾麗娜到花園幽會的情書，於是帕思夸雷先生氣得叫僕人去把醫生馬拉泰斯塔找過來。 第三場 僕人們議論紛紛帕思夸雷先生與諾麗娜的爭吵，從僕人眼裡認為帕思夸雷先生對於諾麗娜是不被重視的。(僕人唱完後，全體退場，馬拉泰斯塔和埃內斯托交頭接 耳地在門口出現)。 第四場 馬拉泰斯塔與埃內斯托像在討論甚麼計謀似的，達成了協議，馬拉泰斯塔知道帕思夸雷先生找他來的原因，一定是因為那張要約諾麗娜出去的幽會紙條，果不其然，帕思夸雷先生臉色蒼白的出現。 第五場 帕思夸雷先生一見到馬拉泰斯塔就急著抱怨與哭訴，並訴說著自己因為不願意讓埃內斯托和年輕寡婦結婚而做下錯誤的決定，早知道就應該成全他們，馬拉泰斯塔要帕思夸雷先生解釋清楚一點，帕思夸雷先生述說著諾麗娜的揮霍及不講道理，馬拉泰斯塔假裝不相信這一切，但帕思夸雷先生早已決定要報復諾麗娜，他告訴馬拉泰斯塔他撿到的紙條內容，並要馬拉泰斯塔陪他一起到花園埋伏，等待抓到人之後就立刻把諾麗娜趕出家門，此時的馬拉泰斯塔卻在內心取笑帕思夸雷先生的愚笨。 第六場 (場景：帕思夸雷先生旁邊的花園樹叢裡) 埃內斯托站在一扇柵欄門的外面，看著天上的月亮，唱著歌等待諾麗娜的出現，歌詞不僅表達出他對諾麗娜到來的期盼，也唱出他因為諾麗娜為他犧牲的不捨，不久後，諾麗娜小心地從平台下來，並未埃內斯托打開柵欄門，兩個人一見 到面就互說思念之情，二重唱〈再次告訴我你愛我〉(Tornamia dir che m’ami)。 剛好此時帕思夸雷先生和馬拉泰斯塔手提燈籠走過柵欄門，帕思夸雷先生大叫不要動，並和馬拉泰斯塔以及諾麗娜唱起宣敘調〈不要動!〉(Alto là !)，此時埃內斯托已經偷偷的回到房子裡了，帕思夸雷先生用燈籠照著諾麗娜詢問著和他幽會的男人在哪，諾麗娜回答:「沒有人在這裡!」，馬拉泰斯塔假裝要幫帕思夸雷先生，要求帕思夸雷先生雷能授權他處理這件事情，馬拉泰斯塔故意和諾麗娜說，明天將有一位新娘會來到這裡，那就是埃內斯托的愛人。 諾麗娜生氣的表示寧願離開也不願意和寡婦同住，馬拉泰斯塔說服帕思夸雷先生如果想要趕走諾麗娜就必須接受埃內斯托結婚，於是帕思夸雷先生答應並要求埃內斯托去把諾麗娜接來的同時，四個人唱起宣敘調〈我在這兒〉(Eccomi)，馬拉泰斯塔解釋了這一個騙局，最後帕思夸雷先生成全了埃內斯托與諾麗娜，並祝福他們，最後四重唱加合唱團唱出〈了不 起，了不起，帕思夸雷先生〉(Bravo, bravo Don Pasquale)作為完美的結局。（全劇終）
【版本推薦】按下↓照片，進入該歌劇中文版本欣賞
美國大都會歌劇院 sold-out performance 2010年現場錄影版本
Don Pasquale 由義大利低男中音 Simone Alaimo 飾演、Dr. Malatesta 是由波蘭男中音 Mariusz Kwiecien 飾演，Norina 是由俄國女高音 Anna Netrebko 飾演，Ernesto 是由秘魯男高音 Juan Diego Florez 飾演。
歌劇宣傳海報（馬上看得出誰的人氣最高...XD）
Anna Netrebko 多年來的歌劇扮相皆以大膽展現自己為主要方向，在 《帕思夸雷先生》歌劇裡，除了一人要分飾兩角之外，結婚之後所展現的 Norina 潑辣演技與舞台效果，更是本劇女主角歷年之最。
精彩劇照欣賞
此段落是女高音諾麗娜在劇中的著名獨唱詠嘆調〈那動人的目光直射騎士的心房〉(Quel guardo il cavaliere)。在歌劇《帕思夸雷先生》第一幕第四場。
此段落詠嘆調可分為慢-快兩部分。第一部分為行板 (Andante)，6/8 拍。歌曲一開始前奏10小節之後，坐在躺椅上看書的女主角諾麗娜，嘴中唱出了書裡關於愛情小說的文字內容，「那動人的目光」「直接刺入騎士的心房」作為詠嘆調開頭，「他屈膝跪下說...」「我是你的騎士」...，屬於抒情夢幻的開場序奏。
在管弦樂的活潑旋律就奏過後，諾麗娜接著一邊唱出自己對於愛情的看法：「我知道在適當的時間和地點，那美麗目光的魔力」、「我也知道如何點燃一顆心」、「我還知道單純的微笑產生的魔力」「而一滴虛假的眼淚」「一段虛假的溫柔」...「我知道詐欺愛情的千種妙計」「迷人心弦的花言巧語」...
諾麗娜是一位美麗的寡婦，她愛上了男主角埃內斯托，也因為是寡婦，諾麗娜同時也看透人生百態。從歌詞裡知道她對於愛情與男人的個性了如指掌、不屑一顧，同時個性靈巧、活潑，其實對於美好愛情仍然帶有著嚮往與憧憬。 Anna Netrebko 在 2010年版的《帕思夸雷先生》中，更是把這份靈巧與舞台魅力展現十足。
歌劇演員們生動活潑的歌劇表演方式，讓現場觀眾觀賞本劇時笑聲不斷
Photo: Marty Sohl/Metropolitan Opera / Taken during the rehearsal on October 26, 2010 at the Metropolitan Opera in New York City.
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【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊本國際鋼琴大賽線上課程 5
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LIN Jen-Pin Music Lecture of The 16th Van Cliburn International Piano Competition 2022-5
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蹦藝術Ｘ大人社團《直擊鋼琴美技對決》線上課程簡介
四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
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范克萊本鋼琴大賽官方網站🎵
2022年第16屆國際范克萊本鋼琴大賽
四大特色：
全球最佳青年鋼琴家與賽
The best pianists in the world.
最佳表演比賽環境
The ideal performance environment.
無與倫比的國際曝光率
Unrivaled international exposure.
最佳演奏事業起步機會
The launch of careers.
2022國際范克萊本鋼琴大賽消息 - 30位選手名單出爐🎉
四年一度的范克萊本國際鋼琴比賽將於2022年6月2日至18日在德克薩斯州Fort Worth舉行，主辦單位已宣布了今年的 30 名參賽者。
選拔過程：
由跨國鋼琴家組成之初選遴選評審團：Roberto Plano（意大利）、Michel Beroff（法國）、Jamie Parker（加拿大）、Lydia Artymiw（美國）和 Dominique Morel（加拿大）共同組成的初步篩選小組，今年審查了創紀錄的388份參賽申請書，選出了142位年輕鋼琴家出線。
由跨國鋼琴家組成之二次篩選評審團：Angela Cheng（加拿大）、Arnaldo Cohen（巴西）、Christopher Elton（英國）、Alexander Kobrin（美國）和 Anton Nel（南非/美國），他們進一步從142位年輕鋼琴家中，近一步遴選出72位，並安排於所有人親至大賽現場「沃斯堡」（For Worth）於2022年3月6日至12日現場演奏甄選。
二次篩選評審團成員：（下圖由左至右）
最後在現場演奏甄選之後，由五名成員組成的二次篩選評審團，選擇出最後這30位參賽者。
2022 范克來本大賽30位參賽者名單（18-30歲） The CLIBURN COMPETITORS Tianxu An, China, age 23 中國 Yangrui Cai, China, 21 中國 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 西班牙/荷蘭 Dmytro Choni, Ukraine, 28 烏克蘭 Federico Gad Crema, Italy, 23 義大利 Anna Geniushene, Russia, 31 俄羅斯 Francesco Granata, Italy, 23 義大利 Arseniy Gusev, Russia, 23 俄羅斯 Masaya Kamei, Japan, 20 日本 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 白俄羅斯 Honggi Kim, South Korea, 30 南韓 Elizaveta Kliuchereva, Russia, 23 俄羅斯 Shuan Hern Lee, Australia, 19 澳洲 Andrew Li, United States, 22 美國 Yunchan Lim, South Korea, 18 南韓 Denis Linnik, Belarus, 26 白俄羅斯 Kate Liu, United States, 28 美國 Ziyu Liu, China, 24 日本 Jonathan Mak, Canada, 25 加拿大 Georgijs Osokins, Latvia, 27 拉脫維亞 Jinhyung Park, South Korea, 26 南韓 Changyong Shin, South Korea, 28 南韓 Ilya Shmukler, Russia, 27 俄羅斯 Vitaly Starikov, Russia, 27 俄羅斯 Clayton Stephenson, United States, 23 美國 Yutong Sun, China, 26 中國 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 法國/日本 Sergey Tanin, Russia, 26 俄羅斯 Yuki Yoshimi, Japan, 22 日本 Xiaolu Zang, China, 22 中國
【BON話題】大賽宣言以及本屆總獎金創新高
音樂藝術與政治無涉
儘管俄羅斯在烏克蘭採取了軍事行動，但大賽認為音樂不應牽涉政治，因此並未阻擋年輕優秀的俄羅斯鋼琴家參賽。
比賽主席兼CEO雅克·馬奎斯在聲明中表示：「克萊本必須並將繼續履行其作為支持藝術家的文化機構的使命，我們致力於利用這種藝術形式超越界限的力量。我們不會根據國籍、性別或種族來區分非政治藝術家。我們堅定地支持全球音樂界對這些理想的承諾。」
累積獎金，再創新高
2022 年范克萊本國際鋼琴比賽，總現金獎已增加到 265,000 美元：其中金牌 100,000 美元、銀牌 50,000 美元、銅牌 25,000 美元。
相較上屆2017 年獎金分別為 50,000 美元、25,000 美元和 15,000 美元，增幅達100%，顯見大賽想以重金鼓勵疫情間辛苦的優秀音樂選手們（蹦藝術編譯）
想了解大賽起源、曲目設計特色與歷屆得獎者等資料？想觀賞國際大賽聽得更加深入並看懂門道？由蹦藝術林仁斌老師主講之《直擊鋼琴美技對決》8堂線上系列課程，將為您提供最佳解答～
2022年第16屆范克萊本鋼琴大賽基本資料
評審團成員：
每輪指定曲目
*曲目唯一規則：獨奏曲目不得在預賽、四分之一決賽和半決賽中重複。
- │第五堂6/1：第一輪曲目介紹x分析大賽趨勢│
經過3月的視訊演奏淘汰賽之後，獲邀參與大賽的年輕音樂家將會前往范‧克萊本的故鄉德州Fort Worth進行正規賽事。在這堂課中老師將結合3月的視訊演奏影片，為學員們一一介紹本屆參與賽事的優秀選手們，並且分析其中的資訊與特色。
開放式的曲目．迎來刺激緊張的賽事
網路觀看比賽方式
→Youtube連結
→Medici.tv連結
2022年大賽行程
30位參賽者，曲目總覽
第一輪曲目分析
| 參賽者 | 第一輪曲目 |
TIANXU AN中國，23歲 |
GUBAIDULINA Chaconne MENDELSSOHN Variations sérieuses, op. 54 HOUGH Fanfare Toccata LISZT Mephisto Waltz No. 1 |
YANGRUI CAI中國，21歲 |
HOUGH Fanfare Toccata LISZT “Bénédiction de Dieu dans la solitude” from Harmonies poétiques et religieuses BRAHMS Variations on a Theme by Paganini, op. 35, Book I |
ALBERT CANO SMIT西班牙/荷蘭，25歲 |
BACH Contrapunctus I, IV, II, XIIIb, XIIIa, V, IX from The Art of Fugue, BWV 1080 ALBÉNIZ “Evocación” and “El Puerto” from Iberia, Book I HOUGH Fanfare Toccata |
DMYTRO CHONI烏克蘭，28歲 |
HOUGH Fanfare Toccata SCHUMANN Novelette in F-sharp Minor, op. 21, no. 8 RACHMANINOV Sonata No. 2 in B-flat Minor, op. 36 (1931) |
FEDERICO GAD CREMA義大利，23歲 |
SCARLATTI Sonata in D Minor, K. 213 HOUGH Fanfare Toccata MENDELSSOHN Variations sérieuses, op. 54 SCRIABIN Fantasy in B Minor, op. 28 |
ANNA GENIUSHENE俄羅斯，31歲 |
HAYDN Sonata in D Major, Hob. XVI:42 HOUGH Fanfare Toccata RACHMANINOV Études-tableaux, op. 33 |
FRANCESCO GRANATA義大利，23歲 |
TCHAIKOVSKY Méditation, op. 72, no. 5 HOUGH Fanfare Toccata SCHUBERT Sonata in A Minor, D. 784 STRAVINSKY–AGOSTI Suite from The Firebird |
ARSENIY GUSEV俄羅斯，23歲 |
GIBBONS Lord Salisbury’s Pavane FROBERGER Aria in D Minor, FbWV 636 FRANCK Prélude, Choral et Fugue HOUGH Fanfare Toccata SCRIABIN Sonata No. 7, op. 64 “White Mass” |
MASAYA KAMEI日本，20歲 |
HOUGH Fanfare Toccata CHOPIN Etude in A Minor, op. 10, no. 2 BERG Sonata, op. 1 LISZT Réminiscences de Norma |
ULADZISLAU KHANDOHI白俄羅斯，20歲 |
HOUGH Fanfare Toccata SCHUMANN Symphonic Etudes, op. 13 SCRIABIN Mazurka in E Minor, op. 25, no. 3 PROKOFIEV Four Etudes, op. 2 |
HONGGI KIM南韓，30歲 |
SCARLATTI Sonata in B Minor, K. 87 SCARLATTI Sonata in B Minor, K. 27 SCARLATTI Sonata in G Major, K. 13 SCARLATTI Sonata in G Major, K. 455 HOUGH Fanfare Toccata TCHAIKOVSKY–PLETNEV Suite from The Nutcracker |
ELIZAVETA KLIUCHEREVA俄羅斯，23歲 |
HOUGH Fanfare Toccata FRANCK Prélude, Choral et Fugue LISZT Rhapsodie espagnole |
SHUAN HERN LEE澳洲，19歲 |
HOUGH Fanfare Toccata HAYDN Sonata in E-flat Major, Hob. XVI:52 CHOPIN Barcarolle in F-sharp Major, op. 60 BALAKIREV Islamey: Oriental Fantasy |
ANDREW LI美國，22歲 |
HAYDN Sonata in D Major, Hob. XVI:42 HOUGH Fanfare Toccata STRAVINSKY Trois mouvements de Pétrouchka LISZT Hungarian Rhapsody No. 6 |
YUNCHAN LIM南韓，18歲 |
HOUGH Fanfare Toccata COUPERIN “La Couperin” from Pièces de clavecin, Book IV, order 21 MOZART Sonata No. 9 in D Major, K. 311 CHOPIN Variations on “Là ci darem la mano,” op. 2 |
DENIS LINNIK白俄羅斯，26歲 |
RAMEAU “L’Entretien des Muses,” “Les tourbillons,” and “La joyeuse” from Suite in D Major, RCT 3 KARAMANOV Variations for Piano HOUGH Fanfare Toccata RACHMANINOV Sonata No. 2 in B-flat Minor, op. 36 (1931) |
KATE LIU美國，28歲 |
SCHUBERT Allegretto in C Minor, D. 915 HOUGH Fanfare Toccata PROKOFIEV Sonata No. 8 in B-flat Major, op. 84 |
ZIYU LIU中國，24歲 |
SCHUBERT Drei Klavierstücke, D. 946 BARTÓK Sonata, Sz. 80 HOUGH Fanfare Toccata |
JONATHAN MAK加拿大，25歲 |
HAYDN Sonata in A-flat Major, Hob. XVI:46 HOUGH Fanfare Toccata RACHMANINOV Variations on a Theme of Corelli, op. 42 |
GEORGIJS OSOKINS拉脫維亞，27歲 |
SCRIABIN Sonata No. 9, op. 68 (“Black Mass”) HOUGH Fanfare Toccata CHOPIN Sonata No. 3 in B Minor, op. 58 |
JINHYUNG PARK南韓，26歲 |
HOUGH Fanfare Toccata DEBUSSY Images, Book I LISZT Venezia e Napoli |
CHANGYONG SHIN南韓，28歲 |
HAYDN Sonata in C Major, Hob. XVI:50 HOUGH Fanfare Toccata CHOPIN Nocturne in B Major, op. 62, no. 1 GRANADOS “Los requiebros” from Goyescas, op. 11 |
ILYA SHMUKLER俄羅斯，27歲 |
BACH–BUSONI Toccata, Adagio and Fugue in C Major, BWV 564 HOUGH Fanfare Toccata STRAVINSKY Trois mouvements de Pétrouchka |
VITALY STARIKOV俄羅斯，27歲 |
HOUGH Fanfare Toccata DEBUSSY Estampes WAGNER–LISZT Overture to Tannhäuser |
CLAYTON STEPHENSON美國，23歲 |
HAYDN Sonata in D Major, Hob. XVI:37 HOUGH Fanfare Toccata STRAVINSKY–AGOSTI Suite from The Firebird STRAUSS–GODOWSKY Symphonic Metamorphosis on Die Fledermaus |
YUTONG SUN中國，26歲 |
HANDEL Chaconne in G Major, HWV 435 HOUGH Fanfare Toccata LIGETI Etude No. 13 “L’escalier du diable” BEETHOVEN Sonata No. 31 in A-flat Major, op. 110 |
MARCEL TADOKORO法國/日本，28歲 |
HOUGH Fanfare Toccata RAMEAU “Musette en rondeau” from Suite in E Minor, RCT 2 BEETHOVEN Six Variations on an Original Theme in F Major, op. 34 LISZT Transcendental Etude No. 5 “Feux follets” STRAVINSKY Trois mouvements de Pétrouchka |
SERGEY TANIN俄羅斯，26歲 |
CPE BACH Sonata in F-sharp Minor, H. 37 HOUGH Fanfare Toccata LISZT “Sposalizio” from Années de pèlerinage LISZT “Les jeux d’eaux à la Villa d’Este” from Années de pèlerinage MESSIAEN “Regard de l’Esprit de joie” from Vingt Regards sur l’enfant-Jésus |
YUKI YOSHIMI日本，22歲 |
HOUGH Fanfare Toccata LISZT Sonata in B Minor |
XIAOLU ZANG中國，22歲 |
HOUGH Fanfare Toccata SCHUMANN Humoreske in B-flat Major, op. 20 SCRIABIN Sonata No. 4 in F-sharp Major, op. 30 |
大賽心法
延伸閱讀
日本人時隔51年再奪亞軍：反田恭平談蕭邦國際鋼琴大賽
內容選讀： 將近兩次比賽中的4000首曲目數位化 ——蕭邦國際鋼琴大賽的預選賽資格審查的是資料和演奏錄音。直到結果公佈後，很多人才知道您報名參賽了，是吧？ 很多人看了資料審查的結果都驚訝地表示：「反田居然要參賽！？」我多次被人問到為什麼要參賽，如今是否有必要參賽。也因為這個原因，我多少感到有些壓力，想著絕對不能落選。 我內心報名參賽的意願很強烈，因為我想檢驗一下自己的實力。另外，我想在從小就憧憬的那個大賽的決賽中演奏一首協奏曲（決賽演奏蕭邦的第一或第二鋼琴協奏曲）。 而且，那時候我身邊已經有JNO（管弦樂團，全稱Japan National Orchestra。前身是2018年反田帶頭成立的MLM Double Quartet，2019年發展為MLM National管弦樂團，2021年改名為JNO）的成員了。看到他們不斷向國際大賽發起挑戰，或者在國內也從屬於某個專業樂團，取得首席地位，我也會想，自己不參加比賽是行不通的。想讓JNO在全球獲得知名度，首先我這個發起人得打響自己的名號，否則我們很難成為世界級的樂團——這也是我出戰國際比賽的一個理由。 ——眾所周知，您決定參賽後，總會精心策劃周密的戰略。那麼，這次比賽您採取了怎樣的戰略呢？ 我對近兩屆蕭邦大賽的參賽者選定的曲目和演奏方式進行了分析，把4000首曲目進行了數位化處理。我研究了第一輪比賽演奏哪首曲目比較容易晉級（蕭邦大賽的正賽經3輪比賽晉級決賽，最終角逐名次），還把最近兩次比賽的評委評價全都過了一遍。上次的評委會主席評價得挺有趣的，當時參賽選手的必選曲目彈奏的都是圓舞曲，他的評價是『沒一個人按照圓舞曲的節奏演奏』，『缺乏創意』。我在消化吸收這些評價的基礎上反覆推敲，最終確定了自己的演奏方式。我的基本思路是，為了在比賽中獲勝，一定要彈奏出能在比賽中不斷過關斬將的蕭邦。 「你不是鋼琴家。你是藝術家。」 ——那您實際上是在參考以往這些傾向的基礎上演奏的嗎？ 說實話，第一輪我也不知道評委是什麼傾向，至於結果如何更是難以預料，所以只能中規中矩地演奏。第一輪的結果出來後，評委的傾向就很明確了。總之，充分表現出自己個性的選手勝出。個性強的人，或者與此相反，演奏得相當正統的人都晉級到下一輪。我當時的想法是，我隨時都可以按照自己喜歡的方式彈奏，但光這樣是不行的。所以，從2017年起教我的波蘭老師的意見就變得非常重要了，他教會了我很多蕭邦樂曲的演奏規則。 ——每一輪的曲目都是您深思熟慮之後選擇的吧？ 大概從2016年起，我開始正式考慮選曲的事情，實際上在巡演中我也嘗試彈奏蕭邦的曲目，判斷自己擅長哪一首。我一直認為曲目順序的安排和呈現方式也會納入評委的考量當中，所以我對現在的自己想表達什麼、如何表達思考了很久，才定下了曲目。頒獎典禮上，評委凱文·凱納對我說：「看得出你選曲是下了很大功夫的。」他一向以嚴苛著稱，能得到他的認同，我非常高興。還有巴西評委亞瑟·莫雷拉·利馬臨走前對我說：「你不是鋼琴家。你是音樂家，是藝術家。」開始我感到很震驚，但後來仔細一想，這可能是最讓我欣喜的評價了。比賽期間，歷屆比賽獲獎的鋼琴家們都給我提出了寶貴意見，讓我很受鼓舞。 ——聽說您當時還特意設計了髮型，被當地媒體稱作「武士頭」。 當然要靠音樂一決勝負，但僅靠音樂很難。我想，要是有什麼標誌性的特徵就好了。除了評委，還有必要讓當地人也記住我的臉。現在SNS和Youtube都很發達，於是我就留長了頭髮，蓄起了鬍鬚，希望能吸引全世界觀眾的目光。 ——健身方面，聽說您也在進行肌肉訓練之類的運動？ 我在俄羅斯的莫斯科音樂學院留學時，在馬林斯基劇院聽過鄧尼斯·馬祖耶夫演奏的普羅科菲耶夫的第二鋼琴協奏曲。這位鋼琴家身高198cm，身體健壯。他的琴聲非常響亮，感覺都能蓋住樂團的聲音了。聽了他的演奏後，我不禁感慨自己彈出的聲音是多麼孱弱無力。所以我就開始健身了，我想骨骼是改變不了了，但肌肉還是可以改變的。 我也擔心蕭邦國際鋼琴大賽賽場（華沙愛樂音樂廳）的音響如何，協奏曲能否彈奏出不遜色於樂團的音量。所以我姑且多多進食，勤動手指練起來。我本來就是肌肉型體質，稍微動一動就會長肌肉。
蹦藝術談反田恭平訪問特輯
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【補充】克萊本經典曲目（Cliburn Masterpiece）
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【BON音樂】羅西尼：歌劇《塞維亞理髮師》介紹與賞析
【BON音樂】羅西尼：歌劇《塞維亞理髮師》介紹與賞析
Rossini: Opera "Le Barbier de Séville"
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在紛亂的時局裡，音樂已經成為你生活中的日常？
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*經典歌劇巡禮線上直播課(5/19週四下午班，共5堂)：解讀五大經典歌劇，由魔笛引領進入歌劇殿堂
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課程講師介紹
林仁斌老師
知名旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
《蹦藝術 | BONART》網站創辦人，眾多單位邀約之資深知名音樂導聆人。
- 羅西尼 │《塞維亞理髮師》
羅西尼的《賽維亞理髮師》是世界上最常被演出的十大歌劇之一，更被評為音樂史上最偉大的喜歌劇作品。《賽維亞理髮師》劇本取材自法國劇作家玻瑪榭（Beaumashais）以費加洛為主要人物所創作的最受歡迎三部戲劇作品，也被稱為「費加洛三部曲」。在本堂課程中，林仁斌老師將帶領大人同學們繼之前我們欣賞過的莫札特歌劇《費加洛婚禮》後，繼續欣賞羅西尼美聲又詼諧的震古鑠今喜歌劇經典作品。
→維基百科上的《塞維亞理髮師》介紹
《塞維亞理髮師》劇本
《塞維亞的理髮師》為自法國劇作家博馬舍的劇本《費加洛三部曲》：《塞維亞的理髮師》（1772年）、《費加洛的婚禮》（1778年）、《有罪的母親》（1792年）中的第一部。眾所皆知的莫札特歌劇《費加洛的婚禮》（1786），其劇本就是博馬舍的《費加洛三部曲》第二部劇作。
《塞維亞理髮師》登場角色
劇情與分幕分場
（劇情解說整理自網路與維基百科）
|
第一幕：
因失去雙親而繼承了一大筆遭產的年輕女孩羅西娜，正由其財產的巴托羅醫生監管著。在醫師巴托羅家門前有一群樂師跟一個學生－林多羅，正對著羅西娜的窗戶唱著天空裡的微笑（Ecco ridente in cielo），屋內的羅西娜也哼唱著旋律回應。林多羅其實是阿瑪維瓦伯爵的化名，而他希望美麗的羅西娜會愛上他這個人，而不是愛上他的錢財。阿瑪維瓦付錢將樂師們打發走，留下他自己獨自沉思。費加洛走近伯爵，並開始唱歌<讓路給本城大總管>（Largo al factotum della città）。由於費加洛之前曾經是伯爵的僕人，所以伯爵希望他能幫他忙，安排與羅西娜碰面（二重唱：All'idea di quel metallo）。費加洛建議伯爵把自己裝扮成軍人，並且假裝喝醉以混進巴托羅醫師的家中。伯爵很高興的賞賜費加洛。
（羅西娜獨唱：Una voce poco fa）羅西娜寫信給林多羅。當他正要離開房間時，巴托羅與巴西利歐進來。巴托羅對林多羅有所懷疑，而巴西利歐建議來散佈一些關於林多羅的假流言（詠嘆調：La calunnia è un venticello），因為巴托羅正與巴西里歐計畫著要行使監護人權利，便於與羅西娜舉行婚禮，巴西里歐則唱出<誹謗如一陣微風>,要以此擊退林多羅。兩人離開後，換羅西娜跟費加洛進場，費加洛希望羅西娜能寫些話來鼓勵林多羅，而事實上她也已經寫了（二重唱：Dunque io son...tu non m'inganni?）。聽到這些計畫的費加洛，把情況告訴羅西娜並傳達了林多羅對她的愛意。曾在窗下看過費加洛與林多羅互動的羅西娜，覺得費加洛可能是可以幫助她與林多羅的人，於是決定將情書交给費加洛，希望他設法讓兩人相見。雖然巴托羅感到訝異，但是他依舊抱持著懷疑的態度。 當巴托羅的僕人貝塔想要出門時，他碰到伯爵假扮的士兵。因為對於這個醉倒的男人心有恐懼，所以貝塔尋求巴托羅的保護，而他想辦法要把這個士兵移開，但沒有成功。伯爵計畫著要很快藉此機會告訴羅西娜他就是林多羅，而且想要給他一封信。而巴托羅想要知道在羅西娜手中的那張紙到底寫些什麼，但她調包只給他看一連串冗長的清單。巴托羅跟伯爵這時開始吵嘴，而在此時巴西利歐、費加洛跟貝塔出現，這吵鬧聲已經引起警察的注意。巴托羅以為公爵已經被逮捕，但是伯爵一跟這些警官報上他的名字,軍官忙向他致歉告退，此舉使醫生和羅西娜深感困惑。（終曲：Fredda ed immobile）。 |
|
第二幕：
兩天後，打扮成士兵卻未能與羅西娜互訴衷情的伯爵，改為喬裝成音樂教師來到醫生的客廳，謊稱自己是巴西里歐的學生，名叫阿隆索，諉稱音樂教師巴西利歐患病，請他代課。他熱情有禮的向醫生及女郎寒暄。並拿出羅西娜寫給林多羅的信件，說服巴托羅將以此信件讓羅西娜以為林多羅玩弄了她。醫生監視著他們上課，他倆這時藉歌聲互訴衷情，後來真正的音樂老師巴西利歐來到，伯爵私下賄賂他，促他立刻離去，值此緊要關頭，費加洛堅持要為醫生修臉，俾使那對情人有充裕的時間準備私奔。 然而這騙局終為醫師識破，他聲言要請公證人起草婚約，強迫羅西娜與他結婚，並捏稱他的愛人林多羅要把她轉讓給聲名狼藉的伯爵。羅西娜一度以為林多羅真的出賣了她，但醫師走後，伯爵及時表明身分（偶就是林多羅啦～），並澄清一切誤會。這對情人終於能互訴心曲，發誓忠誠不渝。 陶醉於愛情的兩人與洋洋得意的費加洛唱起了<啊!出乎意料的驚奇>。巴西利歐送婚約來時，在重金利誘之下，將婚約上的醫師之名順利改為伯爵之名，完成婚約。最後當巴托羅醫師回來時，這一切都已經太晚了，當伯爵亮出自己的身份與已完成的婚約之後，巴托羅只好默認地接受命運安排，就在眾人的祝福歌聲中，最後以喜劇收場。 |
首演紀錄
《塞維亞的理髮師》首演於1816年，義大利羅馬。
歌劇全劇欣賞
最知名的序曲（樂譜版本）
https://www.youtube.com/watch?v=zFVyqtDB2MI
音樂會版本（懷念的阿巴多）
https://www.youtube.com/watch?v=bBjY7mZafvg
歌劇全劇（中文字幕版本）
https://www.youtube.com/watch?v=_sDKAlzEMn8
經典詠嘆調整理
第一幕
- 林多羅，正對著羅西娜的窗戶唱著天空裡的微笑（Ecco ridente in cielo）
塞維亞的街頭，化妝成窮學生的阿瑪維瓦伯爵僱了一個小型樂團，來到心儀已久的姑娘羅西娜的陽台前。樂團在一陣混亂與調音中，但伯爵柔美的歌聲響起，人們發現這其實是一段感人至深的歌曲。在甜美歡快的序奏後，伯爵唱出：「美麗的早晨染著黎明的霞光，親愛的人，妳還在甜蜜的夢鄉。我的寶貝，快起來吧！只有你的倩影，才能醫治我內心的苦痛和悲傷……」～羅西娜也聽見了，很是心動。
樂譜版本欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=nuWHd6EaVfE
The Barber of Seville - 'Ecco, ridente in cielo' (Juan Diego Flórez, The Royal Opera)
https://www.youtube.com/watch?v=SIfz8fNQw0U
- 費加洛走近伯爵，並開始唱歌《快給大忙人讓路》（Largo al factotum della città）
男中音詠嘆調《快給大忙人讓路》劇中的塞維亞理髮師費加洛其實是一個精明聰慧的中間人，幫助城裡的人們妥善安排和聯繫各種事物，這首男中音詠嘆調正是費加洛生活狀況的真實寫照，同時將他志得意滿的情緒表現得淋漓盡致：「啦啦啦，啦啦啦，我來了，快給全城最忙碌的人讓路……我是塞維亞城裡的大忙人，人人都離不開我。費加洛，幫我剃鬍子，幫我捶捶背，替我送封信……我多快樂。誰要辦事情都少不了我。」
樂譜版本欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=mSyXEreC0Uk
https://www.youtube.com/watch?v=4zI-w1SQ-WU
想要卡拉OK一下，當歌手過過癮嗎？您的願望，蹦藝術幫您準備好了😉
《快給大忙人讓路》微伴奏版本😆（有小聲歌聲襯底😁）
https://www.youtube.com/watch?v=mSyXEreC0Uk&list=RDmSyXEreC0Uk&start_radio=1
- 由於費加洛之前曾經是伯爵的僕人，所以伯爵希望他能幫他忙，安排與羅西娜碰面（二重唱：All'idea di quel metallo）
https://www.youtube.com/watch?v=Z7iEOatGoFw
- 羅西娜寫信給林多羅（羅西娜獨唱：Una voce poco fa）
這是女主角羅西娜在劇中最著名的詠嘆調，劇中羅西娜長期在監護人巴托洛的看管下生活，從來沒有接觸過異性，此時當他第一次看到假扮成林多羅的阿瑪維瓦伯爵，英俊的外表，加上他美妙的歌聲（《天空在朝你微笑》），徹底擄獲了羅西娜的芳心，讓她沉醉於愛情無法自拔，於是唱出了：「我聽到他美妙的歌聲，它在我心中溫柔地迴響。林多羅多可愛。啊，林多羅，我愛你……我聽到他美妙的歌聲，它在我心中溫柔地迴響，讓我心旌搖盪。林多羅多可愛。啊，林多羅，我愛你，我發誓，我要得到你。……我的那位監護人，會想辦法來阻擋，我將快快動腦筋，將事情安排妥當。我多麼溫柔，我多麼嫻靜，我多麼順從，我多麼聽話。但要是誰惹了我，干擾我的事，我也會像毒蛇一樣狡猾。我有一千條詭計，千變萬化，千變萬化。會教你受不了，我會和你開個大玩笑……」
https://www.youtube.com/watch?v=TCUNvCjLrTo
- 巴托羅對林多羅有所懷疑，而巴西利歐建議來散佈一些關於林多羅假的流言（男低音詠嘆調《謠言、誹謗！》：La calunnia è un venticello）
羅西娜的冷淡與反常表現讓巴托羅對這位年輕的伯爵有所懷疑和戒備，而他的同謀，音樂教師巴西利歐則建議他來散布一些關於林多羅的流言蜚語，以達到令其名譽掃地的效果。歌詞大意是：「造謠誹謗像毒氣排放，匯成微風，輕輕地吹盪……溜進耳朵，興風作浪，弄得人們頭昏腦脹，昏頭轉向，全無主張，七嘴八舌，胡說亂講，聲音喧鬧，越來越響。」
https://www.youtube.com/watch?v=YUtoL-IDUlk
- 費加洛希望羅西娜能寫些話來鼓勵林多羅，而事實上她也已經寫了信（二重唱：Dunque io son...tu non m'inganni?）
https://www.youtube.com/watch?v=SIoksZRiLGQ
- 巴托羅以為公爵已經被逮捕，但是伯爵一跟這些警官報上他的名字,軍官忙向他致歉告退，此舉使醫生和羅西娜深感困惑。（終曲：Fredda ed immobile）
https://www.youtube.com/watch?v=1Usi5bA84bY
狄杜娜朵的《塞維亞理髮師》演唱
狄杜娜朵的歌唱道路，算是坎坷艱辛，她屬於大器晚成，人生經歷頗為傳奇…
27歲那年，喬伊絲．狄杜娜朵（Joyce DiDonato）進入美國休斯頓歌劇院進修時，上第一堂聲樂課，聲樂教授史密斯（S. Smith）就告訴她：「妳的唱法有問題。」
然而三年之後，這位「唱法有問題」的次女高音，儘管在29歲時仍然是全班唯一未獲得任何歌唱聘約與經紀人的學生；當年她考入休士頓歌劇院時，院方評價表也聲稱她「沒什麼天賦」…。她卻靠著努力、熱情、忠於自己與分享藝術的信念，不斷前進，成為了當今最受歡迎的多項唱片與音樂大獎之得獎者～“歌戲女王”、“完美的二十一世紀歌劇天后”，則是現代大眾與媒體加諸在她身上的榮譽桂冠。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/joyce-didonato-taiwan-premier-2019/
「雖然我的職業生涯相對來得很慢，但這卻讓我有信心知道自己可以做得到。」- 喬伊斯‧狄杜娜朵
狄杜娜朵至今已經拿到回聲大獎年度女歌唱家殊榮，2010年拿到留聲機雜誌「年度藝術家」，2012年拿下葛萊美最佳古典聲樂獨奏獎，2017年英國留聲機大獎與德國回聲大獎，2018年奧立佛最佳歌劇成就獎，深獲樂界肯定；她最讓樂迷津津樂道的還有2009年在柯芬園英國皇家歌劇院舞台上演出羅西尼《塞維亞理髮師》時摔斷了腿，但她意志力堅強，撐著拐杖，坐上輪椅繼續演唱完成表演，轟動歌劇圈。
https://www.youtube.com/watch?v=ZVluIdcABKg
延伸欣賞
聽一下狄杜娜朵的花腔功力 - 錄音 Live'
Joyce DiDonato - "Non più mesta" - Rossini (The Cenerentola)
https://www.youtube.com/watch?v=sqKvOus-CjU
PK一下，是必要的～請出巴托莉，讓兩位當代最佳次女高音來個超級比一比
Cecilia Bartoli - "Non più mesta" - Rossini (The Cenerentola)
https://www.youtube.com/watch?v=X-kRgs3H7so
卡拉絲的《Una voce poco fa》兩個版本欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=PjqK_UCuIG0
https://www.youtube.com/watch?v=kG0BIOgl-aQ
【補充資料】地獄式版本比較🔥
High F! 19 Sopranos "Una Voce Poco Fa"
https://www.youtube.com/watch?v=0L3bR8_zVdc&t=340s
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*手機：0917.670.518
*Line：https://line.me/ti/p/LB1ro0P0AU
*E-mail：jenpin888@gmail.com
【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊本國際鋼琴大賽線上課程 4
【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊本國際鋼琴大賽線上課程 4
LIN Jen-Pin Music Lecture of The 16th Van Cliburn International Piano Competition 2022-4
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蹦藝術Ｘ大人社團《直擊鋼琴美技對決》線上課程簡介
四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋，看他們用音樂為生活注入繽紛
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課程講師介紹
林仁斌老師
知名的旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
《蹦藝術 | BONART》網站創辦人，眾多單位邀約之知名資深音樂導聆人。
范克萊本鋼琴大賽官方網站🎵
2022年第16屆國際范克萊本鋼琴大賽
四大特色：
全球最佳青年鋼琴家與賽
The best pianists in the world.
最佳表演比賽環境
The ideal performance environment.
無與倫比的國際曝光率
Unrivaled international exposure.
最佳演奏事業起步機會
The launch of careers.
2022國際范克萊本鋼琴大賽消息 - 30位選手名單出爐🎉
四年一度的范克萊本國際鋼琴比賽將於2022年6月2日至18日在德克薩斯州Fort Worth舉行，主辦單位已宣布了今年的 30 名參賽者。
選拔過程：
由跨國鋼琴家組成之初選遴選評審團：Roberto Plano（意大利）、Michel Beroff（法國）、Jamie Parker（加拿大）、Lydia Artymiw（美國）和 Dominique Morel（加拿大）共同組成的初步篩選小組，今年審查了創紀錄的388份參賽申請書，選出了142位年輕鋼琴家出線。
由跨國鋼琴家組成之二次篩選評審團：Angela Cheng（加拿大）、Arnaldo Cohen（巴西）、Christopher Elton（英國）、Alexander Kobrin（美國）和 Anton Nel（南非/美國），他們進一步從142位年輕鋼琴家中，近一步遴選出72位，並安排於所有人親至大賽現場「沃斯堡」（For Worth）於2022年3月6日至12日現場演奏甄選。
二次篩選評審團成員：（下圖由左至右）
最後在現場演奏甄選之後，由五名成員組成的二次篩選評審團，選擇出最後這30位參賽者。
2022 范克來本大賽30位參賽者名單（18-30歲） The CLIBURN COMPETITORS Tianxu An, China, age 23 中國 Yangrui Cai, China, 21 中國 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 西班牙/荷蘭 Dmytro Choni, Ukraine, 28 烏克蘭 Federico Gad Crema, Italy, 23 義大利 Anna Geniushene, Russia, 31 俄羅斯 Francesco Granata, Italy, 23 義大利 Arseniy Gusev, Russia, 23 俄羅斯 Masaya Kamei, Japan, 20 日本 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 白俄羅斯 Honggi Kim, South Korea, 30 南韓 Elizaveta Kliuchereva, Russia, 23 俄羅斯 Shuan Hern Lee, Australia, 19 澳洲 Andrew Li, United States, 22 美國 Yunchan Lim, South Korea, 18 南韓 Denis Linnik, Belarus, 26 白俄羅斯 Kate Liu, United States, 28 美國 Ziyu Liu, China, 24 日本 Jonathan Mak, Canada, 25 加拿大 Georgijs Osokins, Latvia, 27 拉脫維亞 Jinhyung Park, South Korea, 26 南韓 Changyong Shin, South Korea, 28 南韓 Ilya Shmukler, Russia, 27 俄羅斯 Vitaly Starikov, Russia, 27 俄羅斯 Clayton Stephenson, United States, 23 美國 Yutong Sun, China, 26 中國 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 法國/日本 Sergey Tanin, Russia, 26 俄羅斯 Yuki Yoshimi, Japan, 22 日本 Xiaolu Zang, China, 22 中國
【BON話題】大賽宣言以及本屆總獎金創新高
音樂藝術與政治無涉
儘管俄羅斯在烏克蘭採取了軍事行動，但大賽認為音樂不應牽涉政治，因此並未阻擋年輕優秀的俄羅斯鋼琴家參賽。
比賽主席兼CEO雅克·馬奎斯在聲明中表示：「克萊本必須並將繼續履行其作為支持藝術家的文化機構的使命，我們致力於利用這種藝術形式超越界限的力量。我們不會根據國籍、性別或種族來區分非政治藝術家。我們堅定地支持全球音樂界對這些理想的承諾。」
累積獎金，再創新高
2022 年范克萊本國際鋼琴比賽，總現金獎已增加到 265,000 美元：其中金牌 100,000 美元、銀牌 50,000 美元、銅牌 25,000 美元。
相較上屆2017 年獎金分別為 50,000 美元、25,000 美元和 15,000 美元，增幅達100%，顯見大賽想以重金鼓勵疫情間辛苦的優秀音樂選手們（蹦藝術編譯）
想了解大賽起源、曲目設計特色與歷屆得獎者等資料？想觀賞國際大賽聽得更加深入並看懂門道？由蹦藝術林仁斌老師主講之《直擊鋼琴美技對決》8堂線上系列課程，將為您提供最佳解答～
2022年第16屆范克萊本鋼琴大賽基本資料
評審團成員：
每輪指定曲目
*曲目唯一規則：獨奏曲目不得在預賽、四分之一決賽和半決賽中重複。
- │第四堂5/25(三)：眾星雲集，談范‧克萊本大賽的優秀得獎者們(下)│
有60年歷史的范‧克萊本國際鋼琴大賽，四年一度的賽制讓每屆的比賽皆成為年輕世代鋼琴家的重要戰場，這堂課老師將搭配紀錄片，為學員詳細解說歷屆獲獎者們的細節，並細數音樂家們珍貴的比賽演奏片段。
第十三屆范克萊本鋼琴大賽介紹
第十四屆范克萊本鋼琴大賽介紹
2013年台灣第一位入圍30位參賽者新聞 - 林冠廷
"台青年鋼琴家前進范克萊本大賽"
（中央社記者李孟遠莫斯科12日專電）世界知名的范克萊本國際鋼琴大賽即將於5月24日在美國德州沃斯堡（Fort Worth）舉行，台灣首位參賽者、留俄青年鋼琴家林冠廷將於20日飛往美國，進行賽前準備。 林冠廷接受中央社記者訪問時表示，參加這項大型音樂賽事，除了必須展現演奏技巧，與來自世界各地的鋼琴好手同台競技外，長達近4小時的馬拉松賽程，更考驗演奏者的身心狀態與素質。 目前在俄羅斯國立莫斯科音樂學院就讀的林冠廷說，他目前的工作就是加緊練習比賽曲目，保持作息規律，希望能夠在這次的音樂聖殿上，將他對音樂的熱情傳遞給每位聽眾。 21歲的林冠廷來自新北市，14歲就與妹妹林品君到莫斯科就讀，這次入選為全球30名參賽者之一，是半世紀以來首位入圍范克萊本國際鋼琴大賽（Van Cliburn International Piano Competition）的台灣人。 林冠廷20日將在母親陪同下飛往沃斯堡進行賽前準備。范克萊本國際鋼琴大賽主辦單位將為他安排寄宿家庭，並由當地新聞媒體進行採訪。 比較特別的是，在正式比賽開始前，林冠廷將出席非賽事內的觀摩演奏，向沃斯堡當地對於音樂感興趣的9-11歲兒童介紹鋼琴音樂曲目與典故，分享學習心得，並接受提問。 林冠廷表示，這種推廣音樂文化的方式相當值得學習，讓音樂跨出專家藩籬，成為每個人生活的一部分。 林冠廷特別感謝文化部對他參賽高度重視並提供諸多協助，他獲得很大鼓舞，也希望自己能夠在比賽中為台灣爭光。 范克萊本國際鋼琴大賽是屈指可數的世界級大賽之一，與柴可夫斯基、蕭邦和比利時的伊莉莎白女王大賽齊名。獲勝者不僅可獲頒獎金，並可獲得知名音樂會的合約，以及錄製音樂CD等機會。 今年初，范克萊本基金會邀請5位評審在紐約、香港、莫斯科、米蘭、漢諾威和沃斯堡共6個城市聆聽133位參賽者的現場演奏，挑出最後入圍的30位好手。 入圍的年輕鋼琴家當中有多位來自亞洲，其中有3位代表中國大陸，日本和南韓各1人，另外有3位美籍華人。 范克萊本（Van Cliburn）是鋼琴界傳奇人物，在美蘇冷戰對峙的年代，1958年在莫斯科第一屆柴可夫斯基音樂大賽鋼琴項目中奪冠，成為美國家喻戶曉的人物，當時他才23歲。 為了紀念范克萊本不凡的成就，美國在1962年創辦范克萊本國際鋼琴大賽，每4年在美國德州的沃斯堡舉行，本次是第14屆。（1020512中央社）
第十五屆范克萊本鋼琴大賽介紹
2017年第十五屆專屬網頁（中文版👍🏻😆）
2013年第14屆范克萊本鋼琴大賽紀錄片
林仁斌老師幫霍洛登科拍攝彩排照片
拍攝完畢之後，與霍洛登科合影留念
幫林易拍攝彩排照片後，進行訪問
林易彈奏時散發認真而光彩的光芒
2009年第13屆范克萊本鋼琴大賽紀錄片
林仁斌老師拍攝辻井伸行彩排
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各類合作提案，聯繫方式：
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蹦藝術 | BONART
在紛亂的時局裡，音樂已經成為你生活中的日常？
想透過了解更多作品的背景，拓廣音樂範疇，聽懂音樂的意涵？
這一期的音樂欣賞課，將帶領大人認識經典歌劇作品。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大歌劇為主題，讓學員透過歌劇作品與作曲家的故事，更貼近音樂的脈絡，了解音樂的內涵及巧思。你會重新認識莫札特有名的《魔笛》，詼諧逗趣的《賽維亞理髮師》《帕思夸雷先生》以及極具特色的《納布果》《托斯卡》，讓歌劇點綴你的生活，享受更多音樂的樂趣。
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知名旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
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- 莫札特 │《魔笛》
有音樂神童之稱的莫札特，在他絢麗而短暫的一生中共寫了22部歌劇，最早的一部作於1767年，最後一部則是1791年的《魔笛》。《魔笛》不但是最後一齣歌劇作品，更是德語的歌劇代表作。德語歌劇能在那個義大利語歌劇為唯一共識的年代，慢慢崛起並逐漸被大眾接受，莫札特優美的音樂與貢獻功不可沒。從經典的序曲開始，到一段段精彩詠嘆與冒險劇情，莫札特《魔笛》的喜怒哀樂，讓歌劇創作在古典時期便達至巔峰。這堂課老師將帶領學員們理解莫札特的音樂設計，從內容中獲得更深入的體會。
→維基百科上的《魔笛》介紹
《魔笛》劇本
（取自中央大學藝術學研究所蔡毓純著："初探莫札特歌劇——《魔笛》" ）
《魔笛》劇本真正的作者說法有二，說法之一是席卡內德（Emanuel Schikaneder, 1751-1812）為此劇本劇作家；第二種說法稱此劇本為吉澤克（Karl Ludig Gieseke）所作。在席卡內徳死後，吉澤克不斷宣稱他才是《魔笛》真正的劇作者；然而，大部分學者認為席卡內徳才是《魔笛》劇本真正的作者，並認為只是因為吉澤克曾經幫作曲家弗拉尼賜基（Paul Wranizky, 1756-1808）寫了一部和《魔笛》相似的故事劇本──《奧伯龍》(Oberon)，所以才宣稱自己為《魔笛》的作者。
《魔笛》的故事取材自德國童話。
洛可可時期詩人暨小說家馬丁.克里斯托夫.維蘭德（Martin Christoph Wieland, 1733-1813）於1786年出版小說集《金尼斯坦》（Dschinnistan），其中李伯斯金特（A. J. Liebeskind）所著之《路路或魔笛》（Lulu, oder die Zauberflöte）即為歌劇《魔笛》之藍本。
《路路或魔笛》的原本故事內容為：王子路路在打獵時誤入了仙后佩里菲里美的城堡，仙后要求他幫助自己取回被惡魔 奪走的金劍，並救出被俘虜的公主。為此，祂給了王子一支魔笛和一串銀鈴，以便在路上遇到危險時可以逢凶化吉。
後來，路路王子藉著這兩件寶物戰勝了惡魔，為仙后取回了金劍並贏得公主的愛情。
《魔笛》在經過改編後，使得故事內容和人物關係更為複雜化；劇情的變化起因於席卡內徳生意上的競爭對手── 馬里內俐（Marinelli）──所經營的歌劇院已經搶在《魔笛》之前上演了跟《魔笛》同樣取材於《路路或魔笛》的歌劇，此劇名為《吹低音號的卡斯巴爾，或是魔法齊特琴》（Kaspar der Fagottist, oder die Zauberzither），該劇演出非常成功， 因此席卡內德也不得不大幅地更改故事內容。
《魔笛》登場角色
角色表格取自維基百科
| 角色 | 聲域 | 1791年9月30日首演 （指揮：沃爾夫岡·阿馬德烏斯·莫扎特） |
|---|---|---|
| 王子：塔米諾（Tamino） | 男高音 | Benedikt Schack |
| 捕鳥人：帕帕基諾（Papageno） | 男中音 | 伊曼紐爾·席卡內德 |
| 公主：帕米娜（Pamina） | 女高音 | Anna Gottlieb |
| 夜后：公主的母親（Königin Der Nacht） | 女高音 | Josepha Hofer |
| 大祭司：薩拉斯妥（Sarastro） | 男低音 | Franz Xaver Gerl |
| 三位侍女（Drei Damen） | 兩名女高音、次女高音 | Mlle Klöpfer、Mlle Hofmann、Mme Elisabeth Schack |
| 摩爾人：摩諾史塔托斯（Monostatos） | 男高音 | Johann Joseph Nouseul |
| 三位仙童（Drei Knaben） | 男童高音、女低音、次女高音 | 安娜·席卡內德、Anselm Handelgruber、Franz Anton Maurer |
| 上了年紀的僧侶（Sprecher） | 低男中音 | Herr Winter |
| 三位祭司（Drei Priestern） | 男高音、兩名男低音 | Johann Michael Kistler、厄爾班·席卡內德、Herr Moll |
| 帕帕基娜（Papagena） | 女高音 | Barbara Gerl |
| 兩位鎧甲兵（Zwei Geharnischten） | 男高音、男低音 | Johann Michael Kistler, Herr Moll |
| 三位奴隸（Drei Sklaven） | Karl Ludwig Giesecke、Herr Frasel、Herr Starke | |
| 神父、女人、群眾、奴隸、合唱 | ||
劇情與分幕分場
（取自中央大學藝術學研究所蔡毓純著："初探莫札特歌劇——《魔笛》" ）
|
第一幕： 故事背景設定在古老時代的埃及。 塔米諾(Tamino)王子誤入夜后的領域， 被大蟒蛇所困而暈了過去，三位夜后的侍女及時趕來搭救;王子醒來時恰巧看到 捕鳥人帕帕基諾(Papageno)，以為是捕鳥人救了他，三位夜后的侍女立即出現告訴王子實情，並且告訴王子夜后的女兒帕米娜(Pamina)遭大祭司薩拉斯托 (Sarastro)綁架，同時拿出帕米娜公主的畫像給王子看，如果王子願意前往解救帕米娜公主，夜后便會把帕米娜公主許配給他。 王子一看到畫像中美麗的帕米娜公主，愛上了她，便一口答應，因而三位侍女把「銀鈴」和「魔笛」分別交給帕帕基諾和塔米諾，告訴他們危及時這兩樣寶物可以保護他們。帕帕基諾和塔米諾分別展開行動搭救帕米娜公主。 帕帕基諾發現帕米娜公主，此時公主正受到一名摩爾人──摩諾史塔托斯 (Monostatos)騷擾。 帕帕基諾嚇走摩爾人，並告訴帕米娜，他是來救她出去的， 且有一位王子己深深地愛上她。 帕米娜和帕帕基諾都深信愛情是生命中的重要之物，男女雙方一起為神聖的愛而奮鬥是世上最高尚的事情。 在帕帕基諾遇到公主的同時，塔米諾遇見三名童子，引他至一樹叢中，前方有三座廟，分別為「智慧」、 「理性」與「自然」。 一位上了年紀的僧侶請塔米諾相信薩拉斯托為好人，夜后才是壞人。 廟中也傳來「帕米娜仍活著」的聲音。塔米諾興奮地拿出魔笛吹奏， 許許多多的動物聞樂而來，但獨不見帕米娜。 塔米諾雖然偶爾聽見帕帕基諾的笛聲，但也找不著他。帕帕基諾此時企圖帶帕米娜逃離，但遇到摩諾史塔托斯半途攔截;帕帕基諾想起他有銀鈴，樂聲迷亂了摩諾史塔米托斯和他的同伴，每個都跳起舞來並遠離了此地。 但是薩拉斯托在此時出現，帕米娜向他表白她要離去， 然而薩拉斯托原諒了她卻不放她走。此時摩諾史塔托斯抓到塔米諾，將他帶進來，塔米諾和帕米娜一見鐘情，薩拉斯托將他們分開，告訴塔米諾他和帕帕基諾必須接受一連串的磨煉試驗，才能帶走帕米娜。 |
|
第二幕： 塔米諾王子決定接受他的試煉以救回帕米娜，帕帕基諾原本並不打算答應這項考驗，但大祭司薩拉斯托告訴帕帕基諾，在完成考驗之後，他也會擁有一位嬌妻──帕帕基娜(Papagena)，這時帕帕基諾才點頭答應。 首先，進行「沈默」 的磨煉。 三位侍女勸兩人放棄，但王子意志堅定。這時，摩諾史塔托斯一直糾纏著公主帕米娜，趁她熟睡時意圖非禮，後來夜后出現阻止了他，並交給女兒一把短刀，要女兒殺死薩拉斯托，如果帕米娜不答應，夜后就不認她這個女兒。 帕米娜心裡非常地煎熬與矛盾，夜后離開後，摩諾史塔托斯又出現，並且搶走了帕米娜的短刀，薩拉斯妥及時出現阻止了他，並且知道了這一切，向帕米娜說明了和平和愛的神聖意義。 帕帕基諾此時看到他生命中的女子，但一開始女子以老女人的姿態出現，然而帕帕基諾並不知道這就是對他的考驗。 帕米娜遇到塔米諾，但塔米諾仍在試驗當中──他不能說話，也無法表達愛意。 薩拉斯托這時使他們兩個暫時分開。由於塔米諾的離去，帕米娜非常沮喪，三名童子前來安慰她，並帶她找到塔米諾。 帕帕基諾滿心期待著他生命中的女子，但他一直不知道這名女子到底在哪，帕帕基諾於是有了輕生的念頭，三位童子及時出現告訴他，可以搖他的銀鈴，樂聲會為他帶來心愛的妻子。 另外一方，塔米諾、帕米娜兩人再度聚首， 同時接受「火」與「水」的考驗，魔笛保護他們通過考驗。於是故事有了快樂圓滿的結局。 |
首演紀錄
正式首演之最初兩天，由莫札特親自指揮。
第三天開始由樂團的樂長擔任指揮。
柏林首演：1794年。
巴黎首演：1801年。
英國首演：1811年。
美國首演：1833年。
歌劇全劇欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=S9cpUPet48s&t=2656s
經典詠嘆調整理
取自維基百科
第一幕
- 第一景，帕帕基諾，〈快樂的捕鳥人〉（Der Vogelfänger bin ich ja; The bird catcher am I）
https://www.youtube.com/watch?v=j-DuZ0Q6GWY
- 第一景，塔米諾，〈這畫像美得令人心碎〉（Dies Bildnis ist bezaubernd schön; This image is enchantingly beautiful）
https://www.youtube.com/watch?v=AYEvgRrU1C8
- 第一景，夜后，〈噢，別發抖，我的愛子〉（O zittre nicht, mein lieber Sohn; Oh, tremble not, my beloved son）（慈愛的夜后）
https://www.youtube.com/watch?v=d1ODbDKmSEc
- 終曲，塔米諾，〈你的魔韻多麼壯盛〉（Wie stark ist nicht dein Zauberton; How strong is thy magic tone）
https://www.youtube.com/watch?v=zmE2vL0x9k0
第二幕
- 第一景，薩拉斯妥，〈伊希斯和奧西里斯〉（O Isis und Osiris; O Isis and Osiris）
https://www.youtube.com/watch?v=WvejdHpyofw
- 第三景，摩羅，〈所有的生物都感受到愛的狂喜〉（Alles fühlt der Liebe Freuden; All feel the joys of love）
https://www.youtube.com/watch?v=MIalauc8Riw
- 第三景，夜后，〈地獄的復仇之火在我心中燃燒〉（Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen; Hell's vengeance boileth in mine heart）（憤怒的夜后）
中文歌詞版本
https://www.youtube.com/watch?v=sVZqA9TowjI
樂譜版本
https://www.youtube.com/watch?v=YQpTGKXAxqA
Patricia Petibon 錄音室版本
https://www.youtube.com/watch?v=dLs-Z47oFYw
電影《走音天后》（Florence Foster Jenkins）
Meryl Streep as Florence Foster Jenkins - Queen of the Night aria (complete)
https://www.youtube.com/watch?v=giI2uxwFRJg&t=105s
真正原版《走音天后》- Florence Foster Jenkins
The Glory - (????) Of The Human Voice
Originally released 1953
https://www.youtube.com/watch?v=Ifu1Q-vGOwQ
- 第三景，薩拉斯妥，〈在這些聖殿內部〉（In diesen heil'gen Hallen; Within these sacred halls）
https://www.youtube.com/watch?v=ibxxlUeWRCk
- 第四景，帕米娜，〈啊！我感覺它消失了〉（Ach, ich fühl's, es ist verschwunden; Ah, I feel it, it is vanished）
https://www.youtube.com/watch?v=78s1UotLyp4
Patricia Janečková: "Ach, ich fühl´s" (W. A. Mozart - Die Zauberflöte)
https://www.youtube.com/watch?v=QcZxGw3rWqY
- 第五景，帕帕基諾，〈女孩或婦人〉（Ein Mädchen oder Weibchen; A girl or a woman）
https://www.youtube.com/watch?v=KjAXCN7Q-Ow
Ein Mädchen oder Weibchen - Thomas Quasthoff版本
https://www.youtube.com/watch?v=lkQIriJ_qJk
- 第十景，帕帕基諾與帕帕基娜，〈帕，帕，帕，帕帕基諾〉（Pa–, pa–, pa–, Papageno!）
https://www.youtube.com/watch?v=PA_srVWuidk
【補充資料】
【歌劇介紹系列】莫札特最後一部歌劇《魔笛》🎭 (上) 故事與經典唱段🎶
https://www.youtube.com/watch?v=dPxBg-_2pmE
【歌劇介紹系列】莫札特最後一部歌劇《魔笛》🎭 (下) 故事背後．音樂前頭🎶
https://www.youtube.com/watch?v=C5Ds5gaLbwk
【台灣版本欣賞】*有中文字幕
風信子樂集--莫札特歌劇《魔笛》中文字幕完整版 20180826
https://www.youtube.com/watch?v=rwLFIVSBJsc
【憤怒的夜后🔥 - 40個版本地獄級大PK】
https://www.youtube.com/watch?v=6Pe9UTxyGbk
1／5 莫札特《魔笛》Mozart Die Zauberflöte 1983年 巴伐利亞國立歌劇院版 中文字幕
https://www.youtube.com/watch?v=Hud3woKI9Oo&t=789s
2／5 莫札特《魔笛》Mozart Die Zauberflöte 1983年 巴伐利亞國立歌劇院版 中文字幕
https://www.youtube.com/watch?v=8KTvaCWIjNk
3／5 莫札特《魔笛》Mozart Die Zauberflöte 1983年 巴伐利亞國立歌劇院版 中文字幕
https://www.youtube.com/watch?v=5965ogzyWnk
4／5 莫札特《魔笛》Mozart Die Zauberflöte 1983年 巴伐利亞國立歌劇院版 中文字幕
https://www.youtube.com/watch?v=L6mKEVDkuEs
5／5 莫札特《魔笛》Mozart Die Zauberflöte 1983年 巴伐利亞國立歌劇院版 中文字幕
https://www.youtube.com/watch?v=1VN0Ddagvz8
【BON話題】莫札特《魔笛》裡捕鳥人帕帕吉諾的魔鈴是由什麼樂器演奏的？
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【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊來本國際鋼琴大賽線上課程 3
【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊本國際鋼琴大賽線上課程 3
LIN Jen-Pin Music Lecture of The 16th Van Cliburn International Piano Competition 2022-3
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蹦藝術Ｘ大人社團《直擊鋼琴美技對決》線上課程簡介
四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
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二次篩選評審團成員：（下圖由左至右）
最後在現場演奏甄選之後，由五名成員組成的二次篩選評審團，選擇出最後這30位參賽者。
2022 范克來本大賽30位參賽者名單（18-30歲） The CLIBURN COMPETITORS Tianxu An, China, age 23 中國 Yangrui Cai, China, 21 中國 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 西班牙/荷蘭 Dmytro Choni, Ukraine, 28 烏克蘭 Federico Gad Crema, Italy, 23 義大利 Anna Geniushene, Russia, 31 俄羅斯 Francesco Granata, Italy, 23 義大利 Arseniy Gusev, Russia, 23 俄羅斯 Masaya Kamei, Japan, 20 日本 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 白俄羅斯 Honggi Kim, South Korea, 30 南韓 Elizaveta Kliuchereva, Russia, 23 俄羅斯 Shuan Hern Lee, Australia, 19 澳洲 Andrew Li, United States, 22 美國 Yunchan Lim, South Korea, 18 南韓 Denis Linnik, Belarus, 26 白俄羅斯 Kate Liu, United States, 28 美國 Ziyu Liu, China, 24 日本 Jonathan Mak, Canada, 25 加拿大 Georgijs Osokins, Latvia, 27 拉脫維亞 Jinhyung Park, South Korea, 26 南韓 Changyong Shin, South Korea, 28 南韓 Ilya Shmukler, Russia, 27 俄羅斯 Vitaly Starikov, Russia, 27 俄羅斯 Clayton Stephenson, United States, 23 美國 Yutong Sun, China, 26 中國 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 法國/日本 Sergey Tanin, Russia, 26 俄羅斯 Yuki Yoshimi, Japan, 22 日本 Xiaolu Zang, China, 22 中國
【BON話題】大賽宣言以及本屆總獎金創新高
音樂藝術與政治無涉
儘管俄羅斯在烏克蘭採取了軍事行動，但大賽認為音樂不應牽涉政治，因此並未阻擋年輕優秀的俄羅斯鋼琴家參賽。
比賽主席兼CEO雅克·馬奎斯在聲明中表示：「克萊本必須並將繼續履行其作為支持藝術家的文化機構的使命，我們致力於利用這種藝術形式超越界限的力量。我們不會根據國籍、性別或種族來區分非政治藝術家。我們堅定地支持全球音樂界對這些理想的承諾。」
累積獎金，再創新高
2022 年范克萊本國際鋼琴比賽，總現金獎已增加到 265,000 美元：其中金牌 100,000 美元、銀牌 50,000 美元、銅牌 25,000 美元。
相較上屆2017 年獎金分別為 50,000 美元、25,000 美元和 15,000 美元，增幅達100%，顯見大賽想以重金鼓勵疫情間辛苦的優秀音樂選手們（蹦藝術編譯）
想了解大賽起源、曲目設計特色與歷屆得獎者等資料？想觀賞國際大賽聽得更加深入並看懂門道？由蹦藝術林仁斌老師主講之《直擊鋼琴美技對決》8堂線上系列課程，將為您提供最佳解答～
2022年第16屆范克萊本鋼琴大賽基本資料
評審團成員：
每輪指定曲目
*曲目唯一規則：獨奏曲目不得在預賽、四分之一決賽和半決賽中重複。
- │第三堂5/18(三)：眾星雲集，談范‧克萊本大賽的優秀得獎者們(中)│
有60年歷史的范‧克萊本國際鋼琴大賽，四年一度的賽制讓每屆的比賽皆成為年輕世代鋼琴家的重要戰場，這堂課老師將搭配紀錄片，為學員詳細解說歷屆獲獎者們的細節，並細數音樂家們珍貴的比賽演奏片段。
歷屆范克萊本獲獎者（取自維基百科）
| Year | Gold Medalist | Silver Medalist | Bronze Medalist | Other notable prizewinners |
|---|---|---|---|---|
| 2022 | 進行中 | |||
| 2017 | Yekwon Sunwoo | Kenneth Broberg | Daniel Hsu | |
| 2013 | Vadym Kholodenko | Beatrice Rana | Sean Chen | |
| 2009 | Nobuyuki Tsujii Haochen Zhang |
Yeol Eum Son | none | |
| 2005 | Alexander Kobrin | Joyce Yang | Sa Chen | |
| 2001 | Stanislav Ioudenitch Olga Kern |
Maxim Philippov Antonio Pompa-Baldi |
none | |
| 1997 | Jon Nakamatsu | Yakov Kasman | Aviram Reichert | |
| 1993 | Simone Pedroni | Valery Kuleshov | Christopher Taylor | |
| 1989 | Alexei Sultanov | José Carlos Cocarelli | Benedetto Lupo | |
| 1985 | José Feghali | Philippe Bianconi | Barry Douglas | |
| 1981 | Andre-Michel Schub | Panayis Lyras Santiago Rodriguez |
none | |
| 1977 | Steven De Groote | Alexander Toradze | Jeffrey Swann | |
| 1973 | Vladimir Viardo | Christian Zacharias | Michael James Houstoun | |
| 1969 | Cristina Ortiz | Minoru Nojima | Mark Westcott | |
| 1966 | Radu Lupu | Barry Lee Snyder | Blanca Uribe (es) | Rudolf Buchbinder (Fifth Prize) |
| 1962 | Ralph Votapek | Nikolai Petrov | Mikhail Voskresensky | |
世界國際音樂比賽基金會資訊
→World Federation of International Music Competitions (WFIMC)
第九屆范克萊本鋼琴大賽紀錄片
https://youtu.be/DevG2ENlTbw
第十一屆范克萊本鋼琴大賽紀錄片
第十二屆范克萊本鋼琴大賽紀錄片
范克萊本眾星談《彼得洛希卡》
https://www.youtube.com/watch?v=q78TUkKKO_Y
【BON話題】10位英年早逝的鋼琴家們
| 0:00 1. Alexi Sultanov (Plays Mephisto Waltz no 1 by Franz Liszt https://www.youtube.com/watch?v=vBzMx...)
1:44 2. Karlrobert Kreiten (Plays Nocturne No. 20, Op. Post. by Frederic Chopin https://www.youtube.com/watch?v=BG8OB...) 3:07 3. André Mathieu (Plays his own Laurentienne No. 2 https://www.youtube.com/watch?v=cRFdY...) 4:56 4. Dinu Lipatti (Plays Sonata in A Minor by Wolfgang Amadeus Mozart https://www.youtube.com/watch?v=_2UvD...) 6:14 5. Mihaela Ursuleasa (Plays Sonata no. 3 Mov. 2 by Frederic Chopin https://www.youtube.com/watch?v=f_e-K...) 7:03 6. William Kapell (Plays Sonata no. 7 by Sergei Prokofiev https://www.youtube.com/watch?v=k9QJm...) 8:14 7. Dino Ciani (Plays Concerto no. 5 by Sergei Prokofiev https://www.youtube.com/watch?v=0PdnM...) 9:29 8. Youri Egorov (Plays Etude no.7 Op.10 by Frederic Chopin https://www.youtube.com/watch?v=yY9t8...) 10:50 9. Noel Mewton-Wood (Plays Symphonic Etudes Op. 13 by Robert Schumann https://www.youtube.com/watch?v=36FVw...) 12:12 10. Scott Ross (Plays Les Barricades Mystérieuses by François Couperin) |
https://youtu.be/eySamm-SKd8
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【BON音樂】歌劇的美妙世界 - 談普契尼歌劇《杜蘭多公主》V.S.電影《不可能的任務》
【BON音樂】歌劇的美妙世界 - 談普契尼歌劇《杜蘭多公主》V.S.電影《不可能的任務》
All about Puccini "Turandot"
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普契尼《杜蘭朵公主》(Puccini: Turandot)奇異的東方傳奇
- 課程重點：普契尼最後歌劇、絕美詠嘆調、東方傳奇、維也納國家歌劇院
「在古老遙遠的東方中國裡，有一位殘暴的公主杜蘭朵，為了報復先人所遭受的苦難，設下了三道謎題：凡是答對者，就能迎娶她；凡是答錯者，會在月出時斬首，迎向只有一條的死路」。義大利歌劇作曲家普契尼生前最後一齣的鉅作，也是融合歌劇與戲劇張力的舉世經典。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
影片欣賞
帕瓦羅蒂 Luciano Pavarotti「今夜無人入眠 Nessun Dorma」♪ღ 中意文字幕版
https://www.youtube.com/watch?v=tEzY-YGU8RM
記得2007年這位手機銷售員保羅·帕茲（Paul Potts），登上選秀節目演唱歌曲，結果一砲而紅嗎？他所演唱的，就是歌劇《杜蘭朵公主》中的男高音詠嘆調 ⟨今天無人入眠/公主徹夜未眠⟩ ～
https://youtu.be/dnp-8GrHOIk
同場加映：還有一位蘇珊大嬸，也是這樣出道的XD～
https://youtu.be/tOgoN_jK7Z0
劇名「杜蘭朵」
「杜蘭朵」來自義大利文的「Turandot」的音譯，而此詞本身就來自 波斯語的「Turandokht」，由「Turan」（圖蘭，地名，是波斯語中對中亞的稱呼）和「dokht」（女兒）兩個字組成，意即「圖蘭之女」。
伊朗（古代波斯）與圖蘭地理位置圖
故事起源探討
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
國內外有許多的學者對《杜蘭朵》故事來源進行論述。例如孟昭毅的〈“杜蘭鐸”的影響與 接受〉一文中，將「杜蘭朵」的主題上溯至波斯詩人菲爾多西（Hakīm Abol-Qāsem Ferdowsī Tūsī，935-1020）的作品《列王紀》(Shāhnāmé)。爾後又被波斯詩人內札米.甘伽維（Nizami Ganjavi，1141-1209）繼承改編為敘事詩《七美人》(Seven Princesses)，詩中提到俄羅斯公主用猜謎的方式徵婚的故事。此與波斯童話《一千零一日》 中的〈杜蘭鐸的三個謎〉故事大致相同：只是由俄羅斯公主變為中國公主。
內札米.甘伽維：敘事詩《七美人》
波斯詩人內札米.甘伽維（Nizami Ganjavi，1141-1209）所著的敘事詩《七美人》(The Haft Paykar: A Medieval Persian Romance)，詩中記載波斯帝國薩桑尼王朝(Sassanid Empire， 226-651)別赫拉姆五世(Bahrâm V Gûr，420-438)的傳說。這首敘事詩是國王的第四個妻子蘇格拉伯公主給他講的故事，詩中一篇〈被城堡守衛的公主〉 (The Tale of the Princess Guarded in the Castle)，提到斯洛維尼亞(Slovenija)公主精通魔法，便在城堡中設置了重重的符咒，有能力破解符咒進入城堡的人便可娶她為妻，如果不能順利解除便會被機關的箭刺死。有位王子從智者那學習符咒破解之法， 便快速的通過城堡符咒的防守，但仍需解決公主出的四道題目才能得到最終的勝利。王子運用智慧成功的回答難題，如願娶回了公主。但此故事雖具備「公主出題答對就結婚」的主題，卻還沒有「未完成難題就殺頭的懲罰條件」， 但從「去追求公主是極具危險而可能喪命的」，因此目前學界認為此故事與「杜蘭朵」 的關係密切。
波斯詩人菲爾多西：《列王紀》
但內札米.甘伽維的《七美人》是改寫自 10 世紀波斯詩人菲爾多西（Hakīm Abol-Qāsem Ferdowsī Tūsī，935-1020）的《列王紀》（Shāhnāmé Book of Kings）， 它講述了古代波斯的故事，從開創神話為始，到公元7世紀阿拉伯入侵為止，這本書可說是伊朗民族史詩。書中內容與〈被城堡守衛的公主〉最相似的就是〈扎爾向羅迪荷公主求愛〉（Zal woos Princess Rudabeh），故事內容大致是王子扎爾聽說被保護於城堡中的公主羅迪荷美若天仙，而公主也耳聞王子的英勇事蹟，但雙方對於彼此的身世之謎都有所顧慮，克服疑惑和重重考驗之後，他們決定要見對方一面，羅迪荷於是垂下繩子使扎爾能夠進入城堡，兩人見面後一見鍾情希望能結為連理，國王也同意他們的婚事，便舉行了盛大的婚禮。此故事和〈被城堡守衛的公主〉都具有王子克服難關追求公主的內容，但兩者仍然存在很大的區別，這些故事是融合了許多波斯的民間故事而寫成，因此確切的源頭很難考證， 只能推出大概是從〈扎爾向羅迪荷公主求愛〉而來的，後來寫成〈被城堡守衛的公主〉的故事，收錄於《七美人》之中流傳下來。但因〈扎爾向羅迪荷公主求愛〉 的故事與「杜蘭朵」之間存在的關繫較低，因此將〈被城堡守衛的公主〉視為「杜蘭朵」的濫觴。
德拉克洛瓦《一千零一日》故事集 〈被城堡守衛的公主〉寫成後仍不斷在民間流傳，直到18世紀初，「杜蘭朵」才為漸漸進入歐洲世界，以法國為首的歐洲國家對「東方文學」感到濃烈的興趣， 出現以東方為主題的文學作品，如《一千零一日》（Les mille et un jours）與《一千零一夜》（Les mille et une nuits），此兩者架構相似，都是故事套故事的框架式結構，且其中有七個故事主題在兩部書中皆有出現，它們之間存有明顯的影響關係；但《一千零一夜》是以男性為中心，以「黑夜」為主的故事；而《一千零一日》則是以「女性」為中心的「白天」故事，兩書在本質上有了差別。法國作家德拉克洛瓦(François Pétis de la Croix，1653-1713)所寫的《一千零一日》 或是譯為《天方日譚》的波斯童話又出現了「杜蘭朵」。 《一千零一日》究竟是根據何者而來的呢？學者羅湉在〈圖蘭朵之法國源流考〉認為：「目前法國學界基本認定《一千零一日》中的故事出自一本名為《憂愁後的歡樂》的土耳其故事集。」 故事《憂愁後的歡樂》（Ou La joie après l’affliction）是土耳其故事，被翻譯成波斯文後傳入法國，被德拉克洛瓦當作是波斯的童話，因而他參考《一千零一夜》故事結構，不僅轉譯，同時引用《憂愁後的歡樂》中的故事，以法文創作自以為的波斯童話《一千零一日》，因此將東方童話的故事帶進西方世界。 此書中的第二卷〈卡拉富王子與中國公主的故事〉（Prince Calaf and the Princess of China）「中國公主」的形象在這一階段才具體出現，《一千零一日》 中，終於出現了以Turandot為名的公主。 根據學者羅基敏《杜蘭朵的蛻變》研究： Turandot是由「Turan」和「dot」合成，「Turan」即是我們說的土耳其斯坦，在波斯的史詩及傳說中可以看到，這個字係根據其建國國王「Tur」命名，表示其統治之地，指的是土耳其和中國;「dot」 來自「dukht」，有女兒、處女的意思，也含能幹、力量等用意。 因之，在波斯文裡，「Turandot」一字正是「中國公主」的意思。 因此由題名便知「Turandot」就是指中國的公主，而「Turandot」也是在此時被定下為中國的故事基礎。故事分為兩個部分，前段先描述波斯王子卡拉富文武雙全，是天之驕子，不幸國家遭到入侵，開始逃難的生涯，因遭強盜搶劫後不得不乞討和做苦工維生；下半部是落難王子隻身前往中國尋夢，這個故事已具備了《杜蘭朵》故事的原型，有猜謎招親、王子要求公主猜自己出身、侍女自殺等，經過多翻的波折，終能如願娶得中國公主，王子不但贏得美嬌娘，並且藉此得以復國。在德拉克洛瓦的故事已經具備《杜蘭朵》故事的大致架構，因此可視〈卡拉富王子與中國公主的故事〉為《杜蘭朵》的前身。 但與普契尼《杜蘭朵》不同的是， 王子回答的三道題答案為「太陽」、「海洋」、「年」（貼心提醒：千萬不要硬背答案去考試，否則可能引來殺身之禍）。並加入侍女阿德瑪（Adelma）從中做梗的情節：杜蘭朵身邊的侍女，原是某可汗之女，其國被中國征服，方淪落侍奉杜蘭朵。 她告知卡拉富，杜蘭朵計畫命人於次日清晨謀殺他，以解決杜蘭朵要面對的問題。卡拉富吃驚之餘，喊出自己和父親的名字，慨嘆命運多舛。女子請卡拉富和她一同逃到親戚之國，卻被拒絕。......在宮殿裡，杜蘭朵解了他的謎，亦立刻承認自己已愛上王子，並願嫁給他，並且承認謎底是她的侍女告訴她的。侍女見破壞兩人好事之計策不成，自己又復國無望，於是出面承認自己的計謀後，自殺而死。杜蘭朵傷心的喊出侍女的名字：阿德瑪。 在後半段的故事中，原鄰國公主阿德瑪的復仇計畫則成為重點，她串聯了整個故事，也使原本單純的徵婚故事，更增添情節的波折。但在之後的改寫中，阿德瑪則逐漸被弱化，甚至被轉化為王子的宮女。而此故事雖然在寫的是中國的故事，卻顯少有關於中國的描寫。但這樣的情況在之後雷沙居的喜歌劇《中國公主》中被改變。
杜蘭朵這個中國公主的藝術形象卻被世界許多文學藝術家所鍾愛，並且出現了很多變異和再生。
在這些演變和演出後，中國公主的形象一再的受到質疑。而作者認為，考察普契尼歌劇中對中國文化了解的深淺與否並不重要，重要的是劇本對於故事的內涵開掘的是否深廣，理解得是否合乎人情，至於劇中情境寫得像不像中國倒是無關宏旨。
孟昭毅更指出《杜蘭朵》的演出成功也不在於她是否為中國公主，而是表現出真善美和深度的愛情主題。
將愛情視為至高無上的精神，和通過讚譽〈茉莉花〉而生動含蓄地表達青年男女愛情的樂曲，融合的天衣無縫。普契尼只闡發童話傳說中的美學內涵和文化底蘊，而不去深究歷史的真實和人物的典型，才使他的歌劇成為藝術珍品。
（上文出處：葉芳欣：《杜蘭朵》歌劇與戲曲四版本探析）
歌劇創作
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
1920年時普契尼著手開始創作歌劇「杜蘭朵公主」，1924年秋天，普契尼因為長年喉部不適，經常感到喉嚨疼痛以及聲音沙啞而前往佛羅倫斯治療，檢查出罹患了喉癌，在當時根治此症的惟一方法只有動手術將癌細胞切除。 11月初普契尼由兒子陪同一起到比利時首都布魯塞爾動手術，手術進行相當順利，普契尼看似已渡過難關，但術後第二天卻因流血不止導致心臟病發，延至於1924年11月29日逝世，享年66歲。
普契尼留下了「杜蘭朵」的最後一幕未能完成，只寫到第三幕「柳兒自盡而亡」。
後來由他的學生弗朗哥‧阿法諾（Franco Alfano, 1876 – 1954）將歌劇終曲補述完成。
1926年4月26日，這部歌劇遺作由普契尼生前好友托斯卡尼尼（Arturo Toscanini, 1867 – 1957)）於米蘭拉斯卡拉大劇院指揮首演，此時普契尼已去世一年半，杜蘭朵的大獲成功，也為普契尼的一生劃下一個輝煌燦爛的句點。
據說首演之日，托斯卡尼尼只指揮到「柳兒之死」，也就是普契尼完成的最後部分，托斯卡尼尼停止管弦樂隊的演奏，然後轉身對觀眾說：「大師在這裡放下了他的筆」，並停止了首演。
普契尼一生共留下十二部歌劇作品，全都與愛情有關，被公認是繼威爾第（Giuseppe Verdi, 1813 – 1901）之後最偉大的義大利歌劇作曲家。
在歌劇中，普契尼為求顯著東方色彩，更採用了中國民歌〈茉莉花〉的曲調，更使音樂充滿東方風情。
典型普契尼：
異國情調．女人．愛情．折磨．殘酷與死亡
劇情解說
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
在古中國，政府下令，欲娶公主杜蘭朵（Turandot）者，須猜對公主的三個謎語；但如有猜錯，便要處死。
有一位波斯王子蒞臨求婚，但猜謎失敗，將於月出之時斬首。流亡中國的韃靼王子卡拉富（Calaf）與父親帖木兒（Timur）、侍女柳兒（Liù）在北京城重逢後，即看到波斯王子遭處決，及杜蘭朵在場親自監斬。卡拉富王子被杜蘭朵公主的美貌吸引，不顧父親、柳兒和三位大臣平（Ping）、龐（Pang）、彭（Pong）的反對來應婚，答對了所有問題：這三道謎題的答案分別是「希望」、「熱情」和「杜蘭朵」。
但杜蘭朵拒絕認輸，向父皇撒賴，不願嫁給卡拉富王子，於是王子自己出了一道謎題，只要公主若在天亮前得知他的名字，卡拉富不但不娶公主，還願意被處死，公主捉到了王子的父親帖木兒和丫鬟柳兒，並且嚴刑逼供。柳兒自盡以示保守秘密。帖木兒此指責杜蘭朵十分無情。天亮時，公主尚未知道王子之名，但王子的強吻融化了她冰般冷漠的心，而王子也把真名告訴了公主。公主也沒公布王子的真名，反而公告天下下嫁王子，並說王子的名字叫：「Amore」，在義大利文中即「愛」。
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第一幕
- 宮殿前
傳令官宣讀法令：「任何要想娶杜蘭朵公主的王子必須正確地回答她的三個謎語。如果回答錯誤，一律斬首示眾。而在月亮升起時，波斯王子將被斬首。」 大家聽到消息後，民眾湧向宮門，侍衛粗暴地推開他們，一個瞎眼的老翁被推倒在地上，老翁的女僕柳兒為了救老翁喊叫起來。
一個年青人聽到她的呼叫聲馬上過來幫忙，並且認出那位老翁就是他失蹤已久的父親。
老翁是流亡在中國的韃靼國王帖木兒，那個年輕人也就是韃靼王子卡拉富。
卡拉富見到父親仍活著，他非常高興。王子要求父親不要透露他的名字，因為害怕征服多國的中國統治者知道。
國王帖木兒告訴王子說，韃靼國宮廷裡的僕人中只有柳兒對國王仍舊忠心耿耿。王子問柳兒為什麼還是那樣忠心，她回答說，因為很久以前，王子曾向她微笑...... 月亮昇起了，民眾看到年輕英俊的波斯王子將要被斬首了，民眾請求杜蘭朵公主能夠饒恕波斯王子。
可是公主仍堅持並下令斬首。
杜蘭朵公主的出現引起了韃靼王子對公主的愛慕。當卡拉富王子情不自禁地呼叫公主名字的時候，波斯王子被斬首了，民眾則在恐慌中尖叫著。 韃靼王子被公主的美貌深深打動。他決定要向公主求婚，當他走向銅鑼並要敲打三下表示要娶杜蘭朵公主的時候，三位中國大臣平、龐、彭挖苦他說：「你還是好好保住你的人頭，趁早回到你的國家去吧。皇家墳墓已滿，我們不要再有笨笨的外邦人了。」韃靼國王帖木兒也勸告兒子打消這個念頭。暗戀著王子的女僕柳兒也認為王子不該去冒回答公主謎語的風險。 對柳兒的忠心王子很感動，王子對柳兒說：如果他不能答對公主的謎語而被斬首，希望柳兒繼續效忠父親，減少流亡的痛苦。
雖然三位大臣、帖木兒、柳兒多次勸告王子，但是王子已經下定心，任何人都勸說不了。 王子三次大叫公主杜蘭朵的名字。他衝向宮殿門前的銅鑼，敲響了三下，宣布了向公主求婚。 音樂壯麗隆重，在宮殿陽臺上觀看的杜蘭朵公主接受了王子的挑戰。
-
三位大臣（平、龐、彭）對自己的工作作出抱怨：每天要閱讀很多文書，主持無數宮廷內的各種儀式，還要籌備盛大婚宴或者喪事。大臣平突然想念他在湖南的自然風景：他家旁邊有湖，湖週圍長滿竹子。大臣彭想念他家鄉的果園。大臣龐回憶他老家的花園。 雖然三位大臣可以懷念他們的家鄉，但是他們必須回到冷漠無情殘酷的現實當中。他們不得不執行一些年青人的死刑，他們永遠記得這些年青人的恐怖命運。宮廷裡的樂器響起，表示皇帝將駕臨，三位大臣旋即作好迎接準備。 |
第二幕
皇帝阿兒頓，杜蘭朵公主的父親，坐在御座上。他力勸那位求婚的王子撤回他的求婚決定，可是王子還是一意孤行。杜蘭朵出來對眾人自述她對於先人的不幸所感到的仇恨，說：她的祖先羅玉鈴太后抵抗男人的霸道，把國家治理得很好，人民老百姓過著安居樂業的生活，直到有一天有一個入侵的外國王子強暴她，並且殺死她。 長大後的杜蘭朵公主發誓要為祖先報仇，她憎恨所有向她求婚的男人。杜蘭朵公主勸告王子收回決定，但是王子對公主的愛意已定，無法收回。 於是杜蘭朵公主講出了第一個謎語：「什麼東西在晚上出生，而在黎明死去？」王子正確回答:「希望。」 公主感到很驚訝地講出了第二個謎語：「什麼東西紅如火，暖如火，又非火？」王子想了一會兒說：「熱情。」 公主聽後更加震驚了，民眾對王子的聰明自信喝彩，更加激怒了公主。 公主接著講出了第三個謎語：「什麼東西冷如冰，燒起來熱如火？」 正當王子思考的時候，公主很得意地嘲笑逗弄著王子，以為王子肯定回答不了而被斬首，王子突然大聲說：「就是妳～杜蘭朵公主！」（居然答對了🎉） 民眾立即歡騰起來呼喚著王子的勝利，公主隨即跪在皇帝面前，哀求父王不要把她嫁出去。皇帝卻堅持誓約是「神聖不可侵犯」，認為公主一定要按照誓約嫁給王子。正當公主悲痛萬分之時，王子向公主提出了一個謎語：「如果在日出前杜蘭朵能說出王子的名字，妳就可以處死我。」杜蘭朵公主接受這個猜謎提議。 皇帝也向眾人宣告希望王子在天亮時能成為他的駙馬。 |
在遠處，宮廷中的傳令官宣讀杜蘭朵公主的命令：今晚北京城內所有人都不能入睡，如果在天亮前仍然不知道王子的名字，那麼全城的人都要被處死。卡拉富王子唱出了最知名的詠嘆調： ⟨今天無人入眠/公主徹夜未眠⟩（Nesum Dorma） 三位中國大臣又再去見王子，他們說只要王子能放棄娶杜蘭朵公主，他們就會給王子錢財和女人。但王子仍然回絕。 接著，一群士兵拖出王子之父帖木兒和女僕柳兒。企圖從他們的口中得知王子的名字，因為有人看見他們和王子說話。 杜蘭朵公主命令帖木兒和柳兒說出王子的名字。王子假裝說他們不會知道。柳兒卻宣稱只有她才知道王子的名字，但是她不會透露的。大臣平用盡各種方法想從柳兒口中得知王子的名字，她堅持不說，於是受到拷打。 柳兒始終守口如瓶不肯透露，她的行為打動了杜蘭朵公主，杜蘭朵公主就問柳兒「什麼力量驅使你如此堅強？」柳兒回答「是愛。」。 杜蘭朵公主再次命令大臣平逼供出王子名字，大臣平便加重刑罰。柳兒沒有被屈服反而對杜蘭朵公主說：「層層冰霜將你圍住，一定會有火來熔化，你早晚會愛上他的！」 說完後，柳兒從一個士兵的腰帶拔出短劍，向自己猛刺，當她邁步走向王子眼前的時候，眾人喊著要她說出王子的名字，可她卻倒地而死了。 由於帖木兒眼睛瞎了，起初不知道柳兒已死，經過旁人告訴他，他知道後在極度的痛苦中大哭起來。 帖木兒警告說這種罪行會觸怒上天。眾人聽後帶著羞恥和害怕的心情安靜下來。 柳兒的屍體被抬走，悲痛的帖木兒和眾人跟在後面走。當所有人都離開之後，剩下王子和杜蘭朵。 王子責備杜蘭朵公主的殘酷後把她抱在懷裡並且強吻了她。 王子決定以真摯的愛情去打動杜蘭朵公主冷酷無情的心，他的一個吻點燃了公主心中的愛情之火，她希望王子帶著這個神秘的愛離開，再不要提出什麼問題，但是王子最終卻把自己的真名「卡拉富」告訴了公主，他的命運已掌握在公主的手中，可以隨時被處死。 黎明時分已到，杜蘭朵公主卻和卡拉富王子一同走到皇帝面前，杜蘭朵公主宣布她知道王子的名字，王子的名字就叫「愛！」（Amore，在義大利文中即「愛」） 於是，眾人齊聲向這對新人歡呼鼓掌。 （劇情解說整理自「維基百科」） |
愛情的幾種樣貌
霸女 - 杜蘭朵公主
杜蘭朵公主因爲女性先祖被異族男性擄掠殘害，心懷憤恨而成了男性的復仇者；多年來故意出謎題刁難絡繹不絕的求婚者，當對方猜錯即令劊子手斬首伺候，已經有一長串首級掛在城牆上，心中瀰漫著復仇之火焰。
聖女 - 柳兒
柳兒是韃靼王子的僕婢，在故鄉時就傾心王子，難忘他友善的笑容。這位看似不起眼的奴婢，居然能為了公主完全不瞭解的「愛」，願意犧牲寶貴的生命，以自己的死成全王子姓名秘密。是劇中最令人動容的悲劇角色。
大贏家 - 卡拉富
韃靼王子卡拉富，對中國公主一見傾心，無論如何都要敲響報名猜謎提親之鐘。才智過人的他連續猜對三題，終於闖關成功得到皇帝的認可，雖杜蘭朵悔婚，但卻反要杜蘭朵猜出他的名字，更願意以死相殉，可見其決心與對愛情之堅持。劇情最後，柳兒雖然犧牲，但他不僅成功擄獲杜蘭朵之心，更代表他即將結束流亡，從韃靼王子身份搖身一變成為中國駙馬... 復國之路大成功（XD）
著名詠嘆調
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別傷悲，柳兒!〝Non piangere,Liù〞 —— 看到真心勸阻自己卡拉富，對柳兒的忠心很感動，他對柳兒說：萬一不能答對公主的謎語而被斬首，希望柳兒繼續效忠父親，減少流亡的痛苦。
https://youtu.be/KJsrxwl3bcc
https://youtu.be/L4TFqVSaoB0
- 祖先的屈辱〝In questa Reggia〞——公主自述對於先人的不幸所感到的仇恨。
https://youtu.be/Sf35abbE48c
https://youtu.be/RihDKMlN_80
- 主啊! 聽吾言〝Signore ascolta〞——柳兒苦勸王子不該去冒回答公主謎語的風險。
https://youtu.be/sjCbV0XS7iA
Signore, ascolta - Leona Mitchell (Liu, Turandot)
https://youtu.be/lDMEmYuDmFE
- 公主徹夜未眠〝Nessun dorma〞——王子表達對於公主猜不出自己姓名的信心，並穿插著北京城百姓對於公主的命令之心聲。
（帕華洛帝於主演的電影《Yes, Giorgio》中，真實扮演男高音的角色，於電影中演唱歌劇《杜蘭朵公主》）
https://youtu.be/Q_hLh4qCqpg
Puccini: Nessun Dorma from 'Turandot' - BBC Proms
https://youtu.be/suj-2sbSFKs
Luciano Pavarotti sings "Nessun dorma" from Turandot (The Three Tenors in Concert 1994)
https://youtu.be/cWc7vYjgnTs
- 冰霜將妳重重包圍〝Tu che di gel sei cinta〞——柳兒受公主虐待但卻堅決不說出王子姓名，決意自殺殉身前所演唱之詠嘆調。
https://youtu.be/g-1MjfmixrI
歌劇裡欣賞不到的版本
猜得到為什麼嗎？
Anna Netrebko - Turandot: "Tu, che di gel sei cinta" - Puccini
https://youtu.be/g4dlATlrf0E
冷知識
貫穿全劇的 <茉莉花>，共出現8次
| 《茉莉花》於歌劇『杜蘭朵』中的第1次出現 1. Lá, Sui monti dell'est (在遙遠的東方山上) 因波斯王子要被處斬，皇室安排僧侶為他超渡亡魂。 《茉莉花》於歌劇『杜蘭朵』中的第2次出現 8. Singnor, non parlerò (主人，我不會說出來的。)
柳兒向卡拉富承諾，絕不透露他的名字。
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全劇欣賞
北京紫禁城版本（祖賓梅塔指揮．張藝謀導演）
https://youtu.be/Jb0ORutNhBo
2002年薩爾茨堡音樂節版本（日語字幕）
https://www.youtube.com/watch?v=5vlgV3688q4
補充資料
讚嘆阿湯哥，拍出這麼棒的電影作品🌹
《不可能的任務V：失控國度》
https://youtu.be/jU2TU--E6OE
Bonus 《Nessun Dorma》快閃演唱
https://youtu.be/t8_sH8Kh9s4
【談建築】維也納國立歌劇院
維也納國立歌劇院（Wiener Staatsoper）位於奧地利維也納，始建於1861年而落成於1869年，由維也納建築師AuustSicdvu負責建造，是充滿了偉大傳統的國家級歌劇院，也是歐洲重要的歌劇院之一。
每個樂季，維也納國立歌劇院至少上演60部各種不同的歌劇和芭蕾舞劇等總數360場表演演出～也就是幾乎每天晚上，來自全球的觀眾們，都能夠欣賞到精彩無比的各式節目。
而維也納國家歌劇院管弦樂團，其成員同時也是維也納愛樂樂團的成員，其獨特的共生關係也是一個世紀以來非常具有話題的樂團組織方式。
巧妙的共生關係：維也納國家歌劇院與維也納愛樂樂團
維也納愛樂的成員來自於維也納國家歌劇院（Wiener Staatsoper），音樂會演出時改稱為維也納愛樂，屬於私人組織。
根據維也納愛樂章程，只有維也納國家歌劇院管弦樂團的成員才能成為維也納愛樂樂團的成員。
因此，在加入維也納愛樂之前，必須首先成功成為國家歌劇院管弦樂團團員，通過三年試用期留任之後，始具備資格申請成為維也納愛樂樂團的成員。樂團音樂家們透過歌劇演出享受的獨立性。因此這樣的共生關係極為特別：沒有維也納國家歌劇院，就沒有我們所熟知的維也納愛樂樂團；在維也納，眾所周知，這樣的共生對兩個機構都有利，並且極大地豐富了這座城市的音樂生活。
延伸閱讀：維也納愛樂介紹
https://bonart.com.tw/all-about-wiener-philharmoniker/
維也納國立歌劇院 白天日景
維也納國立歌劇院 夜間夜景
維也納國立歌劇院 內部裝飾
維也納國家歌劇院的內部裝潢，是由室內設計師Eduard Vande所設計，他的理念為「仿古羅馬建築」風格，歌劇院內部採用皇家暖色色調，讓歌劇院成為了具有「文藝復興風格」的宏偉音樂聖殿。
音樂與城市特色 - 維也納獨一無二的「維也納號」
藍色多瑙河（An der schönen blauen Donau -）
官方網站
"維也納國家歌劇院官網"
"維也納國家歌劇院 歷史專頁"
每年於維也納國家歌劇院舉辦的開幕舞會，更是維也納人最愛的年度盛事
維也納的各式各樣華爾茲舞會
圖片來源：「VIENNA OPERA BALL 2016」
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/from-an-der-schonen-blauen-donau-to-new-year-concert/
延伸閱讀
"維也納國家歌劇院部落客好文介紹"
2022年5月份美國大都會歌劇院《杜蘭朵公主》最新製作
補充資料：
動畫版《杜蘭朵公主》
https://youtu.be/3NJ1zy_AgA0
最殘忍的公主！以刁難求婚者為樂的杜蘭朵公主【杜蘭朵公主】
https://youtu.be/sm-0mL7FS_I
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【BON音樂】藝起來推動藝術 -林仁斌老師專題演講《指揮之心．無聲音樂家》
【BON音樂】藝起來推動藝術 -林仁斌老師專題演講《指揮之心．無聲音樂家》
Introduction of Orchestra Conductor
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《無聲音樂家》～管弦樂指揮家究竟是什麼？精緻知識全解析
內容簡介： 每當管弦樂熱烈演奏時，我們總只能見到指揮的背影。他是唯一在演奏時不發出聲音的「無聲音樂家」。究竟在音樂演奏裡指揮的功能為何？音樂總監又為何能領最高薪？這些疑問，就讓林仁斌老師為您旁徵博引，從指揮歷史、「三大功能」到「指揮十誡」與當代指揮細膩新法與指揮成就，一一解答您心中的解惑。
主講人：林仁斌老師
談偉大指揮家：向偉大經典致敬
前幾年看過一則音樂新聞：有位管弦樂團指揮向媒體「自首」說，自己在演奏中完全沒有發出任何聲音，因此實在不好意思領這麼高的薪水…
結果新聞報導出來後，形成了兩派截然不同的爭論：有人贊成，覺得既然不演奏，指揮應該減薪；有人反對，認為指揮肩負重任，主導整個音樂內容的呈現。
是的～管弦樂指揮這位「無聲的音樂家」，確實在舞台上音樂會演出的現場是無聲的一位；但指揮所肩負的任務，就像一艘船的船長或一家公司的CEO：他們不是負責去執行細項小業務，但卻得面對每個決策的成與敗。
然而，大眾評斷一位指揮的成功與否，看的究竟是舞台上的明星？還是排練中的大師？這些不同的觀點又有什麼區別？這就是本篇文章〈指揮簡史〉要細細帶領大家品味的關鍵了～
開場 - 地獄式版本比較
在這部影片裡，一共有43種貝多芬第五號交響曲《命運》的開頭樂段「三短一長」的各種精彩演奏還有不同指揮家詮釋與思維，手勢與動作。
有快有慢，有激情有冷靜，仔細比較後真的非常有趣；相信愛樂的您，一定也很喜歡這段壞壞的影片吧～
先讀一下管弦樂樂譜
https://youtu.be/ltzWeNyLWn8
破題第一問：管弦樂指揮的薪情？究竟賺多少錢？
答：沒有固定薪資，隨著不同樂團與不同國家而異。
先別著急，筆者可是非常有誠意回答這個問題～只是隨著許多因素的改變，指揮的「薪情」確實有所不同是事實。
為了取得一個基準點，讓我們以國人最熟悉，職業音樂市場也高度成熟的北美薪資做介紹：
根據美國管弦樂管理網站顧問Drew McManus於2015年的文章“REVEALED: THE WEALTHIEST MUSIC DIRECTORS IN AMERICA”裡，依據以往直言風格，揭露了美國十大最高薪管弦樂團音樂總監名單～他的用意在於公布薪資結構，讓所有人知道行業裡的狀況，以及樂團財政透明，才能讓每一位音樂工作者獲得合理收入報酬。
他根據各樂團給國稅局之IRS Form 90s表格所整理出之美國前十大最高薪音樂總監/指揮，接下來我們一起看前三名：
第一名：國家交響樂團（National Symphony）
艾森巴哈（Christoph Eschen-bach）
年薪 $2,728,671 美金（加薪 41.02%）
第二名：芝加哥交響樂團（Chicago Symphony）
里卡多·穆蒂（Riccardo Muti）
年薪 $2,504,336 美金（加薪 15.65%）
第三名：芝加哥交響樂團（San Francisco Symphony）
邁可·提爾森·湯瑪斯 （Michael Tilson Thomas）
年薪 $2,364,775 美金（加薪 16.64%）
有沒有嚇一跳？平心而論，許多樂手平均10-20萬美元的年薪，以樂團首席來說，40萬美金左右的年薪已是頂尖；因此音樂總監收入非常高，屬於金字塔頂端的一群～無怪乎音樂總監之位人人覬覦。
而其實上面還不是最高薪的，接著筆者要公佈真正高手中的高手～指揮界薪資有史以來最高薪！
這位指揮的薪資不但高，而且打破歷史紀錄～2012-13年樂季他的法定年薪雖只有$1,505,052 美金（光本薪已直接名列當年全美第五名），透過資料顯示，達拉斯交響樂團於2013-14樂季，透過 Bajada Productions LLC.公司，確實支付了他高達美金511萬元（$5,110,538.），這已改寫管弦樂指揮年薪之歷史紀錄！
這位頂級音樂總監就是：梵志登 （Jaap van Zweden），也是現任紐約愛樂音樂總監/樂團指揮。
梵志登實際支領年薪超過500萬美金～這個數字已經遠遠超越他前一年年薪的三倍（前一年為150萬美金），打破美國有史以來的管弦樂團音樂總監最高薪紀錄！
註：在他之前最高薪為指揮家是洛林·馬捷爾（Lorin Maazel）於紐約愛樂卸任前最後一年所創下的 329萬美金天價（$3,291,791.）。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/top-paid-music-conductor-in-america/
再接再厲第二問：指揮的功能？到底都做些什麼？
讓筆者來為各位讀者們科普一下：
當我們以音樂人最熟悉的《新葛羅夫音樂辭典》網路版（2020.11月），輸入關鍵字「History of Conducting」後，會出現當代對指揮定義的「三大功能」：
- 指揮於演出時以指揮棒或雙手打出樂曲節奏。（the conductor beats time with his hands or with a baton in performance）
- 指揮透過彩排以及演出，進行音樂作品詮釋之決定。（the conductor makes interpretative decisions about musical works and implements these decisions in rehearsal and performance）
- 指揮參與音樂團體之行政事務。（the conductor participates in the administration of the musical ensemble）
因此，現代社會對於指揮的職責，往往多了「音樂總監」的實質意涵在內～無怪乎許多樂團的「樂團指揮」與「音樂總監」往往是同一人，因為音樂演奏的詮釋，實在無法多頭馬車進行，所以指揮家的高薪，往往代表著他肩上的重責大任。
三問：關於指揮的起源
若要談論指揮的緣起，除了在許多的歷史文物與圖文考古中可見的史料之外，一般來說會從中世紀的教會音樂說起：在教會儀式進行時，合唱團裡通常有一位領唱，或者一位負責以手勢帶領歌手們演唱之負責人，在功能上這應該就屬於指揮的源起了。
而音樂發展進入多聲部音樂（Polophonie）後，各聲部穿插流動，對位法讓音樂也更加複雜，因此指揮的功能益發重要。尤其進入巴洛克時期之後，音樂創作發展曲式再進入繁花錦盛時期：各種器樂曲式、樂團編制紛紛推陳出新，這時的「指揮」並不侷限一位音樂家站在樂團之前打拍子，往往樂團首席或鍵盤樂器演奏者，抑或是演奏出色之團員領導樂曲拍點，皆有可能。
四問：歷史上第一位拿著指揮棒指揮的音樂家？
早期的指揮用棒，其實較接近像是一根長棍，並非現代我們認知的現代指揮棒如此纖細。
法國17世紀路易十四時的宮廷樂長盧利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687）便因為指揮樂團時不慎揮棒上下敲打揮舞而打中自己的腳趾掌引發壞疽，最終感染了到大腦，最終導致死亡。
一般音樂史上認為第一位以現代指揮棒成功指揮樂團的是浪漫時期曾擔任萊比錫音樂院院長的音樂家孟德爾頌（Felix Mendelssohn, 1809-1847）。
不過其實有位德國音樂家比他更早從口袋中拿出棒子來指揮樂團，而且成果斐然，這位創舉音樂家是路易.史博（Louis Spohr, 1784-1859）：根據他的自傳，他於1820年赴英國倫敦的音樂彩排時，嘗試從外套口袋中拿出預藏的指揮棒帶領樂團，預示拍點以及速度，當晚音樂會並因他使用指揮棒統整樂團而取得相當大的成功喔～（註：https://www.wpr.org/shocking-conductor）
五問：指揮之於作品的直接影響
歷史上有作曲家，同時也擔任指揮家，因為最了解自己的作品，亦是創作的最佳詮釋者：海頓、莫札特、貝多芬、孟德爾頌、李斯特、布拉姆斯、柴可夫斯基、華格納、威爾第、馬勒、史特拉汶斯基等諸多作曲家，都曾親自指揮自己的作品演奏而名留青史。
六問：談指揮棒的使用
在此筆者想引用美國指揮家伯恩斯坦（Leonard Bernstein）曾說的話：「若一個指揮家使用指揮棒，則該棒必須成為活物，如有一股電流在其中，致使它的一小移動都成為有意義的移動。同樣地，若指揮家不用指揮棒，他就要靠雙手做到同樣的東西。無論有指揮棒與否，其表情必是首要，音樂上一定要顯得有意義。」
因此，無論持棒與否，「音樂上的意義」才是真正的首要之務；指揮家以自身肢體動作，將樂譜中的節拍、速度、強弱、力度、表情等等清晰地傳達出來～而「為音樂服務」更是指揮家精神上的最高指標。
孟德爾頌使用過之指揮棒
孟德爾頌也是首位以現代指揮棒指揮樂團的指揮家，1835年26歲時擔任萊比錫布商大廈管弦樂團指揮。
下方珍貴圖片，是目前珍藏於英國市政廳，1846年孟德爾頌使用過之指揮棒。
由於孟德爾頌的啟發，現代指揮棒發展雖然有材質、握柄與長短等多樣變化，但萬變不離其中：
七問：職務與功能變革
在白遼士的專書：「論管弦樂指揮與其藝術」（The Orchestral Conductor Theory of His Art）中，不但對於指揮的意義與功能有著清楚的論述，對於不同音樂的指揮手勢更是有著詳盡的解說；我們可以說到了此時期，管弦樂指揮終於不再只是一個拿著各種材質指揮棒（鯨魚骨、木頭等）在樂團前負責打拍子的人體節拍器，而是已實質上進化為「指導、「指示」音樂方向與內容，統整樂團邁向共同詮釋的音樂家。（關於指揮的指示方式，可觀看此備註：http://www.gutenberg.org/files/27646/27646-h/27646-h.htm）
八問：什麼是《指揮十誡》？
理查·史特勞斯這位浪漫後期大師，除了作曲家身份之外，本身也是位傑出的指揮家，他曾說：「指揮是項極其困難，人生未達70歲之前很難充分理解的藝術。」、「最重要的是以「耳朵」指揮，而不是「手臂」；若做對了一切就將順其自然地正確。」
理查·史特勞斯論指揮：
- 指揮是項極其困難，人生未達70歲之前很難充分理解的藝術。
- 最重要的事以「耳朵」指揮，而不是「手臂」；若做對了一切就將順其自然地正確。
著名的《指揮十誡》
理查·史特勞斯身為知名管弦樂團指揮，曾寫下《指揮十誡》：
首先看看理查·史特勞斯的指揮姿態
輕鬆指揮的大師
從影片中，我們可以看到他的指揮基本上是「一派輕鬆」，「眼手並用」。
還聽說他指揮時可以左手插在口袋，或拿出懷錶看看時間，左看看右看看～開心的時候更用雙手齊揮，甚至也掂起腳尖一起「加入」樂團演奏…（其實影片中也看得出來 XD）
這位近代後期浪漫樂派大師，曾經以自身經驗歸納出指揮樂團的心得，除了上述兩點之外，他總共擬出了十條樂團指揮的金科玉律，更被尊稱為《指揮十誡》。
對比於現在的樂壇指揮各式各樣「花式指揮法」來說，重看《指揮十誡》，其實非常有意思。
無論是非，沒有對錯～讓我們一起來看看這《指揮十誡》究竟有哪些吧：
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1. 請記得，演奏音樂的目的不在於娛樂自己；而是取悅聽眾。（Remember that you are making music not to amuse yourself, but to delight your audience.）
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2. 指揮自己不應出汗；只有觀眾才應該感到音樂的熱力。（You should not perspire when you are conducting; only the audience should get warm.）
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3. 演奏《莎樂美》與《伊蕾克特拉》時，要如同孟德爾頌神幻音樂般詮釋。（Conduct Salome and Elektra as if they were Mendelssohn; fairy music.）
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4. 對銅管樂手絕對不要投以鼓勵的眼神；除了重要段落的提示，否則千萬別與他們對上眼。（Never look at the brass encouragingly; except with a quick glance for an important lead-in.）
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5. 反之，千萬別讓法國號和木管離開你的視線，如果你聽到他們的聲音，那就表示已經太大聲了。On the contrary, never let the horns and woodwind out of your sight; if you hear them at all they are already too loud.
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6. 如果你覺得銅管力度不夠，就將他們的音色調暗。If you think the brass is not strong enough, tone them down two points further.
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7. 只有你自己聽見獨唱者的每個咬字是不夠的；因為你已經背妥歌詞。要讓觀眾毫不費力地跟得上音樂～因為如果他們不了解歌詞的含意，馬上就會睡著。It is not enough yourself to hear every word of the singer–which you know by heart anyway; the public must also be able to follow it without effort. If they don’t understand what is happening, they fall asleep.
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8. 樂團伴奏必須要讓聲樂家能毫不費力地演唱。Always accompany the singer so as to enable him to sing without exertion.
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9. 當你認為速度已經達到最急板極限時，再讓速度加快一倍。When you think you have reached the limits of prestissimo, double the pace.
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10. 如果你遵守以上的規則，再加上自己的天賦和成就，就能永遠成為觀眾們的明星寵兒。If you follow these rules carefully, you will, with your fine gifts and your great accomplishments, always be the darling of your listeners.
九問：首位女性指揮？
嗯～這是個非常重要的問題。在維基百科上我們剛好可以看到這項問題的專頁，洋洋灑灑資訊非常豐富，列舉歷史前三：
1.第一位歷史最早的女性指揮：Elfrida Andrée（瑞典）
2.第一位被職業樂團任命為音樂總監/首席指揮的女性：Marin Alsop（美國）
3.第一位指揮倫敦交響樂團的女指揮家：Nadia Boulanger（法國）
（註：https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_female_classical_conductors）
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/the-conductor-movie/
十問：合唱指揮與管弦樂指揮的分野
不知何時開始，突然間許多人對於「合唱指揮」與「管弦樂指揮」之間，不但壁壘分明而且相當計較？
筆者曾聽過一個說法：因為合唱指揮往往將合唱團訓練完成之後，「送給」交響樂團彩排演出，但最終舞台上卻只有交響樂團指揮指揮全局，先前辛苦訓練合唱的「合唱指揮」因為無法上台表演，經常只能在節目單上掛著「合唱指導」…
也許多年來的新仇＋舊恨，讓這兩派指揮不斷處在「合作」與「競爭」之間。
但也可以從另一角度切入，就是確實指揮合唱與指揮管弦樂團，從訓練方法、甚至拍點給法與音樂詮釋方式都完全不同；因此項目分開、各司其職，或許反而是個好的做法？
無論是非，沒有絕對的對與錯～相信今天的〈指揮簡史〉帶來這麼多豐富話題，從指揮源起聊到實務，從十誡聊到年薪，期待能讓愛樂的您增添許多閱讀樂趣～我們下回再見！
（原文由林仁斌撰寫，刊載於表演藝術雜誌第336期 / 2020年12月號封面故事 Cover Story 指揮．不指揮╱指揮概述《十個問號，掀開「他」的神秘面紗 關於「無聲音樂家」的小秘密》）
指揮談指揮．妙趣無窮
Itay Talgam: Lead like the great conductors
https://youtu.be/R9g3Q-qvtss
【BON音樂】指揮大師楊頌斯 – 重要管弦樂團指揮觀念 Ｑ＆Ａ
https://bonart.com.tw/mariss-jansons-qa/
著名當代指揮家
賽門·拉圖爵士（Sir Simon Rattle, b.1955）
被廣泛地譽為「全球最佳管弦樂指揮家」的賽門拉圖爵士，2018年6月20日他指揮了柏林任內最後一場音樂會。而他的動向早已明揭：2015年3月時倫敦交響樂團已正式宣布，自2018年樂季起，由賽門拉圖接任該團音樂總監，合約為5年。2021年1月，巴伐利亞廣播交響樂團也正式宣布，賽門拉圖將於2023年樂季起接任首席指揮，合約為5年期。同時，他也榮任倫敦交響樂團終身名譽指揮。
賽門.拉圖爵士生平
精彩演奏
史特拉汶斯基《春之際》LSO Live'
https://youtu.be/EkwqPJZe8ms?t=233
指揮家的知識傳承 - 拉圖談西貝流士
https://youtu.be/yhG8VkDy0cQ
好文欣賞
"拉圖給年輕音樂家的七個忠告"
拉威爾《達夫尼與克羅伊》第二號組曲
https://youtu.be/14OM6Ysnk6M
伊凡‧費雪（Ivan Fischer，1951-)
伊凡費雪1951年1月20日出生於匈牙利布達佩斯，之後在布達佩斯巴爾托克音樂院接受音樂教育，又進入維也納音樂院與薩爾茲堡，師事史瓦洛夫斯基、哈農庫特學習指揮。
伊凡‧費雪生平
伊凡．費雪與BFO 世界樂壇的匈牙利傳奇 一九八三年，出生在匈牙利布達佩斯的一個猶太音樂家庭的伊凡．費雪（Iván Fischer）率領著洛杉磯愛樂進行他的美國首演，同年他回到匈牙利，成立布達佩斯節慶管絃樂團（Budapest Festival Orchestra，簡稱BFO），他與這個樂團的合作關係寫下了過去二十七年來古典音樂界最偉大的成功故事……。 他們灌錄的匈牙利音樂屢獲唱片大獎，營造了許多充滿創意的音樂會形式，二○○八年英國《留聲機》Gramophone雜誌更評選布達佩斯節慶管絃樂團為全球二十大交響樂團的第九名！透過與伊凡．費雪的越洋對談，對於他的傳奇故事我們有更深一層了解。 匈牙利文化大使 廣泛關照多樣音樂 匈牙利音樂是每回聊到伊凡．費雪不能不提的，他曾獲得匈牙利「柯蘇獎」（Kossuth Prize），同時也是匈牙利文化大使、布達佩斯榮譽市民，可以說是當代最重要的匈牙利音樂代言人。說到他心目中的巴爾托克、高大宜這兩位最重要的匈牙利作曲家，伊凡．費雪表示：「巴爾托克是位非常了不起的作曲家，他的音樂中有極強的匈牙利辨識度，同時卻又是十分國際化。至於高大宜則是一位非常重要的教育家，他後來才成為作曲家，他發明了一種通則，如何教育成千上萬的人去理解音樂。」 當然，除了這兩位匈牙利音樂巨人之外，伊凡．費雪提到重要的匈牙利作曲家還包括Erno Dohnanyi、Sandor Veress，當代的Gyorgy Kurtag及年輕一輩的Janos Vajda、Gyorgy Orban等人，完整地推薦各代匈牙利作曲家。 不過，雖然以匈牙利音樂起家，伊凡．費雪卻不喜歡被定位為匈牙利音樂專家，他表示：「因為，我從來不認為自己是匈牙利音樂專家，當然身為一位匈牙利人，我經常演出自己國家的音樂，但我的興趣總是相當廣泛，因為音樂是國際化的語言，我喜歡任何國家只要是有有趣的音樂。」他也曾到中國蘇州演出時說過：「音樂是發自靈魂的。即使是在不同的文化背景下，產生的美感卻是相似的。」 從家鄉步上國際 載譽歸國的指揮路 因此雖然身為匈牙利布達佩斯節慶管絃樂團的創辦人暨音樂總監，伊凡．費雪並不把樂團局限於匈牙利音樂代言人，他認為：「BFO是個國際化的管絃樂團，我們的目標是為全世界所有樂迷演奏音樂，而不是做出國籍差異，所以我喜歡國際化的曲目，而且我演奏老的與新的音樂。」 媒體或樂迷會把伊凡．費雪看成匈牙利音樂專家不是沒有道理的，伊凡．費雪一九五一年一月二十日生於匈牙利布達佩斯，他從小在布達佩斯時就學習鋼琴、小提琴、大提琴與作曲，之後在布達佩斯巴爾托克音樂院接受音樂教育，進入維也納音樂院與薩爾茲堡才跟著史瓦羅夫斯基（Hans Swarowsky）學指揮，並且繼續學習大提琴與早期音樂，還擔任哈農庫特的助理。一九七六年他在倫敦贏得Rupert基金會的指揮大獎，開啟他走上指揮之路的契機，隨後他開始成為BBC交響的客席指揮，一九八二年還帶著倫敦交響樂團進行世界巡迴，指揮才華倍受肯定。 他先在家鄉的Hungaroton唱片公司灌錄不少匈牙利音樂，還有他自己改編的布拉姆斯《匈牙利舞曲》，之後Philips唱片公司相中他與他簽約，一九九五年他與樂團的巴爾托克、李斯特錄音獲得留聲機大獎、法國金音叉獎等等，那張德弗札克《傳奇曲》更獲得企鵝三星帶花殊榮，由諏訪內晶子主奏小提琴的那張薩拉沙泰《流浪者之歌》、德弗札克《小提琴協奏曲》更是銷售長紅。伊凡．費雪匈牙利音樂專家的地位也宣告確認，他的指揮手法凌厲粗獷，很能表現出「國民樂派」樂風的質樸與速度感。 多元、獨創的音樂會形式 伊凡．費雪曾在美國擔任過辛辛那提交響管絃的指揮，二○○六年他成為華盛頓的國家交響管絃樂團的首席客席指揮，隔年繼任史拉特金之後成為該團首席指揮。另外，他的歌劇經驗也相當豐富，一九八四到八九年擔任英國Kent歌劇院音樂總監，二○○○到○三年擔任里昂國立歌劇院音樂總監，客座維也納國立歌劇院時還製作過全套莫札特歌劇。 除了灌錄匈牙利曲目、歌劇演出之外，伊凡．費雪真正帶領BFO走出自己的成功路，主要是樂團訓練及各種型態的新音樂會。自從當初伊凡．費雪與另一位傑出的匈牙利鋼琴家柯西斯，一同創辦布達佩斯節慶管絃樂團後，這個有遠見又正確的決定不但為匈牙利留住優秀的音樂家，也帶著音樂家一同迎戰當時留不住人才的匈牙利布達佩斯的音樂環境，這份堅持受人尊敬。在樂團訓練上，他發展出能讓樂團音樂家們充滿張力與感情的練團方式，加重樂團演出室內樂的組合與機會，同時演出更多富有創意的管絃作品，這些訓練在在都是為了讓樂團的默契更縝密、音色更成熟。 在與觀眾直接交流的音樂會上，他發展出許多獨特的樣貌，因為他認為觀眾喜歡不同類型的音樂形式。像是專為幼童小朋友設計的「可可音樂會」（Cocoa-Concerts），就是著眼小朋友的耐心只能靜靜地聽三、四分鐘，之後他們需要放鬆。另外像事前不公佈演出曲目的「驚喜音樂會」（Surprise Concerts）也是絕對地受歡迎，人們喜歡接受驚喜，就像收到一個包裝好的禮物。還有對觀眾講述音樂故事的「一元音樂會」（one forint concerts），以及吸引成千上萬過路客新觀眾的布達佩斯露天音樂會，歌劇演出運用融合科技元素等等。伊凡．費雪表示這些新型態的音樂會都是為樂迷服務的。 戮力培植BFO 晉升全球第九大交響樂團 二○○四年伊凡．費雪與Channel Classic唱片公司簽約，也讓這幾年BFO的錄音主要都由此發行，不僅他的曲目大幅擴張而且張張佳作，像是二○○七年七月推出的理查．史特勞斯罕見的芭蕾音樂Josefslegende，就成為《留聲機》雜誌當月CD並獲得《紐約客》的佳評。他在此灌錄的馬勒《第二號交響曲》也獲得《留聲機》雜誌總編特選，之後的馬勒《第六交響曲》、拉赫瑪尼諾夫《第二交響曲》、柴科夫斯基《第四交響曲》CD及莫札特《女人皆如此》DVD也都不容錯過。《華盛頓郵報》還盛讚他：「是一位看來兼備正直、堅毅不拔、異常清晰各項特質的音樂家。｣ 二○○七年伊凡．費雪再推出全本德弗札克作品，貝多芬《第七號交響曲》同時收錄羅西尼、韋伯、荷蘭作曲家Wilhelm Wilms等人的同時期作品。連續推出精彩錄音，難怪二○○八年《留聲機》雜誌提名他為年度藝人，同時他一手培植的匈牙利布達佩斯節慶管絃樂團為全球二十大交響樂團的第九名！對於這項殊榮，伊凡．費雪表示：「對我們的工作來說這是個很棒的紀錄，我很欽羨世界上偉大的管絃樂團，像是柏林愛樂、維也納愛樂或是克里夫蘭管絃。但是我必須承認，對我來說最棒的音樂是由布達佩斯節慶管絃樂團演奏出來的，我很高興專家們注意這些年輕新興的管絃樂團的高演出品質。」(全文詳見《PAR表演藝術》雜誌第213期)
內行看門道 - 伊凡.費雪於阿姆斯特丹指揮大師班實況
https://youtu.be/7MaYRvyN2Zc?t=620
接著，讓我們來接著欣賞瓦西里·彼得連科（Vasily Petrenko, b.1976）：
利物浦皇家愛樂/奧斯陸愛樂：瓦西里·彼得連科
曾以蕭士塔高維契第十交響曲榮獲英國權威留聲機獎「年度管弦樂唱片」，並榮獲回聲德國音樂古典獎「年度新人獎」的知名樂團指揮瓦西里·彼得連科，18歲時，成為俄國最古老的米哈伊洛夫斯基劇院常駐指揮，2012年起任首席客座指揮。2006年受聘為利物浦皇家愛樂樂團指揮，三年後成為首席指揮，現為桂冠指揮。曾任奧斯陸愛樂樂團首席指揮（2013-2019），可說是實戰經驗非常豐富的中生代代表人物。
馬勒第四號交響曲 第三樂章
https://youtu.be/-c4VZyVoW1w
2019年柴可夫斯基鋼琴大賽 決賽大烏龍
https://youtu.be/UOUSFNgEy7c
Mahler V - Adagietto /Vasily Petrenko / Royal Liverpool Philharmonic
https://youtu.be/PAF58kINO4s
小澤征爾（Ozawa Seiji, b.1935）
小澤征爾生平
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小澤征爾：以綜合實力登峰造極、個人魅力超凡的指揮家
https://bonart.com.tw/seiji-ozawa/
2018年指揮維也納愛樂 - 舒伯特《未完成》交響曲
https://youtu.be/Ip4cBnYJ1Hw
指揮貝多芬《艾格蒙》序曲
https://youtu.be/AoAlouGwS_4
阿茲海默之網路闢謠：
先前有網路謠言說小澤征爾已罹患失智症，並放上這段視頻佐證。但其實這是他與祖賓梅塔輪流指揮音樂會，在最後兩人一搭一唱的合作橋段。只能說小澤征爾的確年事已高，加上演技一流，「看起來」實在有點像，但其實這段真的是演出來的，針對這段烏龍新聞，也在此特別闢謠。
https://youtu.be/cLFMUoz-yEg
在舞台上歡慶80大壽（阿格麗希也獻演「生日快樂」歌）
https://youtu.be/wcxOnG9RoWI
里卡多.慕提（Riccardo Muti , b1941.)
里卡多.慕提生平
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https://www.youtube.com/watch?v=e3UAd3d8I6k
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https://www.youtube.com/watch?v=wit9RuIedqY
里卡多.夏伊（Riccardo Chailly, b.1953）
里卡多.夏伊生平簡介
馬勒《復活》最後樂章精華
https://www.youtube.com/watch?v=EF_pWIBTWw8
網路最有名的Kuso鋼琴家影片：Maria Joao Pires expecting another Mozart concerto during a lunch-concert in Amsterdam
https://youtu.be/n89F9YKPNOg
帕沃.賈維（Paavo Järvi, b.1962）
帕沃‧賈維於1962年出生於愛沙尼亞首都塔林，其父是著名的指揮家尼葉‧賈維。由於父親是著名的指揮家，所以帕沃從小就常常觀看音樂會以及歌劇的演出，及長也參與演出排練。在耳瀆目染之間，帕沃對音樂的理解能力日益精進，例如用耳朵辨識其父親豐富唱片收藏的音樂片段，或是彈奏管絃樂曲的四手聯彈鋼琴版本。早年，帕沃在塔林音樂學校中主修指揮和打擊樂器，17歲時全家移民美國，帕沃改而就讀寇蒂斯音樂學院，並且赴洛杉磯愛樂接受伯恩斯坦的指導，後來還到薩爾茲堡莫札特音樂院參加指揮研習班。帕沃‧賈維在1993年到1997年間擔任瑞典馬莫交響樂團音樂總監，1995年起擔任瑞典皇家斯德哥爾摩愛樂首席客座指揮，次年又受聘擔任伯明罕市立交響樂團的首席客座指揮。
帕沃‧賈維一直以來以拓展愛沙尼亞的樂文化遺產為己任，他曾說過：「愛沙尼亞「相信」音樂。對他而言，音樂乃是藝術家在知性、感情和肉體方面完全涉入的活生生體驗；音樂與其說是一種職業，還不如說是一種生活方式。」（取自博客來網路書局。文／何振衣）
帕沃.賈維生平簡介
內行看門道 - 賈維大師班
https://youtu.be/nCuZA7QpIH8?t=717
柴可夫斯基《羅密歐與茱麗葉》幻想序曲
https://youtu.be/3GuXpjdBqwA
洛杉磯愛樂交響樂團/法國巴黎國家歌劇院音樂總監：杜達美（Gustavo Dudamel, b.1981）
2021年底接任巴黎國家歌劇院音樂總監的杜達美，來自南美洲委內瑞拉的特殊教育制度（El Sistema），並為2004年馬勒指揮大賽首獎得主。他是21世紀指揮界傳奇人物之一：1999年起擔任委內瑞拉西蒙·玻利瓦交響樂團音樂總監、2009年獲聘為洛杉磯愛樂音樂總監至今，2017年更成為歷史上維也納新年音樂會最年輕指揮家，創下的榮譽不計其數，而今進軍法國巴黎更可說攀登人生全新高峰。
Discover Dudamel - 柴可夫斯基《羅密歐與茱麗葉》幻想序曲
https://www.youtube.com/watch?v=iGh6u4pTNu0
趣味十足的馬勒一號交響曲彩排
https://www.youtube.com/watch?v=8fszuGQMArk
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/gustavo-dudamel/
準.馬寇爾（Jun Märkl, b.1959）
國際重量級指揮家準‧馬寇爾(Jun Märkl)去年受邀掌舵NSO國家交響樂團，但因其國際邀約行程滿檔，以藝術顧問一職先行聘任，8月1日正式上任。然而疫情導致國際樂壇環境急遽改變，國家表演藝術中心董事會全體董事今天下午一致同意通過，準・馬寇爾自2022年1月起改任NSO音樂總監，任期到2025年7月。
準.馬寇爾生平介紹
NSO歡迎新任音樂總監
https://www.youtube.com/watch?v=9JnEiSJSB6c
指揮法國里爾交響樂團 - 聖桑《骷髏之舞》
https://youtu.be/CpDwWr-yxNw
葛濟耶夫（Valery Gergiev, b.1953）的尷尬處境
葛濟耶夫簡介
「我很重要」+「你不能沒有我」XD
https://www.youtube.com/watch?v=r71xgacQ3jI
我很喜歡的 Prokofiev: 《Scythian Suite》
https://youtu.be/sfQb6BKq_ZU
超愛《天鵝湖》
https://youtu.be/HfrYFF0whhQ
亞尼克．聶澤-賽金（Yannick Nézet-Séguin, b.1975）
2000年獲聘蒙特婁大都會管弦樂團（Orchestre Métropolitain）首席指揮(2000年至今)
2008年獲聘為鹿特丹愛樂交響樂團（Rotterdam Philharmonic Orchestra）(2008年–2018年)
2012年起獲聘為費城管弦樂團（Philadelphia Orchestra）首席指揮（2012年至今）
2018年起獲聘為紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）首席指揮（2018年至今）
2019年，蒙特婁大都會管弦樂團正式宣佈與亞尼克簽下「終生音樂總監合約」。
2022.05.06. 慕特臉書貼文～超愛亞尼克❤️
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-yannick-nezet-seguin/
維也納國立歌劇院：菲利普．約丹（Philippe Jordan, b.1974）
2020年起獲聘為維也納國立歌劇院（Wiener Staatsoper）指揮的菲利普.約丹（Philippe Jordan, b.1974）擁有輝煌的指揮經歷：27歲成為奧地利格拉茲歌劇院 (Opernhaus Graz) 歷來最年輕之音樂總監與指揮；2009 年起，接任巴黎國家歌劇院音樂總監（此職位同時指揮加尼葉歌劇院＋巴士底歌劇院之歌劇製作，現任者為杜達美），同時擅長鋼琴演奏的菲利普．約丹是歐洲最為炙手可熱的指揮。
柴可夫斯基《悲愴》錄音花絮影片
https://youtu.be/vIIbyWrdNdk
舒伯特《未完成》交響曲
https://youtu.be/TgZj4Vd3HHk
奧斯陸愛樂/巴黎交響樂團：克勞斯·麥凱萊（Klaus Mäkelä, b.1996）
出身芬蘭，現年26歲（1996年出生）的年輕指揮家克勞斯·麥凱萊，也是一位出色的大提琴演奏家。12歲對管弦樂指揮產生興趣，理性與感性兼備的出色詮釋，讓他獲得許多重要樂團的聘約：瑞典廣播交響樂團首席客座指揮（2017年12月起）、奧斯陸愛樂樂團首席指揮（2020年8月起）、2022年起更榮任巴黎交響樂團首席指揮一職，更是Decca唱片公司40年以來的唯一簽約管弦樂指揮。
Decca唱片公司40年以來的唯一簽約管弦樂指揮
https://www.youtube.com/watch?v=25JYN5o1BeQ
巴黎管弦樂團首席指揮
https://youtu.be/DzMihJ4mAfo
當代女指揮篇
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旭日東昇後起新秀 - Oksana Lyniv
烏克蘭年輕優秀女指揮、義大利歌劇院首位女性指揮家、華格納拜魯特音樂節首位女性指揮家
波隆納市立劇院（Teatro Comunale di Bologna）將任命Oksana Lyniv為音樂總監，締造義大利劇院史上首次由女性出任音樂總監的紀錄。 Lyniv是今年3月在Sala Bibiena的音樂會上，與該院管弦樂團初次合作，5月又一起在Auditorium Manzoni演出。她預計於2022年1月上任，任期3年，每個樂季至少指揮兩部歌劇與兩場音樂會。目前已知，第一年的音樂會內容包括《女武神》第一幕，與交響詩《死與變容》。 在執掌波隆納市立劇院之前，這位烏克蘭指揮已經在巴伐利亞國立歌劇院（Bayerische Staatsoper）、格拉茲歌劇院（Oper Graz）、維也納河畔歌劇院（Theater an der Wien）、利塞烏大劇院（Gran Teatre del Liceu）、羅馬歌劇院（Teatro dell’Opera di Roma）、法蘭克福劇院（Oper Frankfurt）等地登臺，而且是第一位在拜魯特音樂節上指揮的女性。（原文出處：）
紀錄片報導：首位拜魯特音樂節之女性指揮
https://www.youtube.com/watch?v=GR_AdIATwc0
Life in Music: Conductor Oksana Lyniv
https://youtu.be/N8cnyo7telg
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【BON音樂】簡介音樂劇《拜訪森林》與電影《魔法黑森林》Into the Woods
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Musical fantasy film - "Into the Woods"
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淺談音樂劇
淺談音樂劇（Musicals）是現代人最愛的表演形式之一，結合歌唱、舞蹈、戲劇、燈光、服裝的全方面表演形式～劇情短時間充滿張力，音樂緊扣心弦、旋律聲聲入耳，吸引了眾多藝術工作者投於其中，讓音樂劇不斷茁壯，更成為最受歡迎的現代表演劇種。
→補充資料：音樂劇基本資料
→《紐約劇院》盤點：十大最受歡迎音樂劇
- 音樂劇的歷史
（介紹取自維基百科）音樂劇起源可以追溯到十九世紀的輕歌劇、綜藝秀和黑人劇。19世紀出現的輕歌劇被視為音樂劇的前身，與歌劇不同，輕歌劇出現在中產階級崛起之後、故事內容通常相較通俗、符合一般大眾口味，因而迅速傳開成為平民娛樂。 初期的音樂劇並沒有固定劇本，甚至包含了雜技、馬戲、等等元素。20世紀初，歌舞大王齊格飛將法國的歌廳秀引入美國，齊格飛富麗詩秀以華麗富緻的服裝與布景聞名，將製作人佛倫斯齊格飛二世推上百老匯頂端。而美國戲劇音樂之父傑洛姆柯恩所製作的一系列「公主劇場」、以美國式的童話、引人憐愛的的女主角等特色將音樂劇場推向更精緻的藝術產業。1927年、兩人與編劇奧斯卡·漢姆斯坦二世合作推出音樂劇史上重要的分水嶺作品演藝船（又譯畫舫璇宮）。在此劇以嚴肅、有深度的劇情震懾觀眾之後，創作者意識到文本的力量，全本音樂劇(Book Musical)也正式成為主流，音樂劇則自此開始踏入它的黃金歲月(1940-1960)。理查羅傑斯(Richard Rodgers)與奧斯卡·漢姆斯坦二世兩人合作推出大量高品質的作品，奠定了百老匯音樂劇的蓬勃產業與高藝術標準，同時也打破了詞曲皆由同一人完成的模式，建立了作詞、作曲曲分工的合作楷模。直至1960年代電影和電視普及之前，音樂劇一直是最受美國人歡迎的娛樂和演藝形式，1960年代後，搖滾樂也慢慢融入成為百老匯音樂的一環。1980年代以後，英國倫敦西區（West End）的音樂劇演出蓬勃，已經追上百老匯的盛況。以麥金塔製作人與迪士尼企業推出的一系列巨型商業製作為引領、西方音樂劇開始向全世界推廣，各地開始也效仿紛紛製作起自己語言的現代音樂劇、如法文音樂劇《悲慘世界》（後改編為英文版，曾在百老匯演出）、《星夢》、《巴黎聖母院》、《羅密歐與茱麗葉》、《小王子》等等。而隨著英國和美國的音樂劇經常在世界各地巡迴演出、與影音光碟的外銷，音樂劇也開始在日本、南韓、中國大陸、新加坡等亞洲地區流行。
從歌劇的歷史到音樂劇的歷史，美聲唱法到古典唱法在現代音樂劇的運用；非常類似音樂劇的歌舞型音樂劇與舞台型音樂劇介紹。
https://www.youtube.com/watch?v=VGJpu7Qqb90
音樂劇重要唱腔介紹
謝淑文老師介紹三種主要唱腔：
Legit：結合美聲唱法與流行唱腔融合的現代化唱腔。通常給公主或年輕女性等美聲音樂劇。
Belting：注重胸腔共鳴，吶喊的感覺，情緒更加發揮。
Character voice：誇張的角色性格，例如兒童或老婆婆、巫師等等。
https://www.youtube.com/watch?v=ZZQhHcatknI&t=400s
音樂劇唱法 實例細解一
2022年求學中的音樂劇網紅，除了傳統三種之外，還多了一種：
Contemporary pop rock sing
https://www.youtube.com/watch?v=KF6diMG-be8
音樂劇唱法 實例細解二
參考更多的實際音樂劇演唱範例，也能用不同的方式整理唱腔：
- 說話式
- 吶喊式
- 混合式
- 古典式
https://www.youtube.com/watch?v=eTg-ZTPCPQ8
進入主題，一起認識音樂劇《拜訪森林》（Inti the woods）吧～
創作者：
音樂劇傳奇大師：史蒂芬·桑坦（Stephen Joshua Sondheim, 1930-2021）美國最著名音樂劇及電影音樂作曲家、劇作家之一，七次東尼獎得主，也是美國劇作家協會1973年至1981年的主席。
→基本資料
獲獎紀錄 - 1988年第42屆東尼獎
https://www.youtube.com/watch?v=sBiJ5tgeH84
《拜訪森林》介紹
下方資料引用自「彰化縣地政電子報104年第四季《音樂劇推薦-拜訪森林》．文/ 田中地政 張鳳馨」：
《拜訪森林》音樂劇欣賞（BiliBili網站）
音樂劇歌場曲目總覽
| 第一幕 |
|
| 第二幕 |
補充解釋： *者，不包括於原始百老匯版本錄音中。 **者，添加於1990年倫敦版本中。 |
電影《魔法黑森林》（Into the Woods）
2014年由導演勞勃·馬歇爾執導，編劇詹姆斯·雷平改編自獲獎無數的百老匯音樂劇《拜訪森林》（由劇作家拉派恩和史蒂芬·桑坦聯合創作）的美國奇幻風格歌舞片電影。電影由迪士尼電影公司於2014年製作，並於同年12月25日聖誕節檔期上映。
麵包師傅（詹姆斯·柯登 飾）和他的妻子（愛蜜莉·布朗 飾）被女巫（梅莉·史翠普 飾）施了咒語，此詛咒為「終生膝下無子」。一心想擁有孩子的夫婦倆為了破除咒語，答應女巫的條件交換，進入森林設法取得女巫所需要的物品以換得解藥。這四樣物品是「如牛奶般雪白的乳牛」（a cow as white as milk）、「如鮮血般鮮紅的斗蓬」（a cape as red as blood）、「如粟米般金黃的長髮」（hair as yellow as corn）以及「如黃金般閃亮的鞋子」（a slipper as pure as gold）。精心設計的劇情過程中，四個童話故事中的主角們：包括傑克、小紅帽、長髮公主和灰姑娘等人，都為了解決各自的煩惱，而陰錯陽差地捲入了這場大混戰。
《魔法黑森林》電影角色
| 演員 | 角色 |
|---|---|
| 詹姆斯·柯登 | 麵包師傅 |
| 愛蜜莉·布朗 | 麵包師傅的妻子 |
| 梅莉·史翠普 | 巫婆 |
| 安娜·坎卓克 | 灰姑娘 |
| 丹尼爾·哈托史東 | 傑克 |
| 莉亞·克勞馥 | 小紅帽 |
| 麥肯澤·嫚祖 | 長髮姑娘 |
| 克里斯·潘恩 | 白馬王子 |
| 比利·馬格努森 | 長髮姑娘的王子 |
| 崔西·鄔曼 | 傑克的母親 |
| 賽門·羅素·貝爾 | 麵包師傅的父親 |
| 法蘭西斯·狄·拉·托爾 | 女巨人 |
| 克莉絲汀·巴倫絲基 | 灰姑娘的後母 |
| 喬安娜·萊丁 | 灰姑娘的生母 |
| 泰咪·布蘭察德 | 芙洛琳達 |
| 露西·普恩琪 | 露辛達 |
| 安妮特·克羅斯比 | 小紅帽的奶奶 |
| 強尼·戴普 | 大野狼 |
電影中文預告欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=OZvj1SXIKLE
電影原聲帶OST - Into the Woods
https://www.youtube.com/watch?v=lrDU8DcT9lU
TutorABC 英文教學 Movie Notes #15
Into the Woods 魔法黑森林
https://www.youtube.com/watch?v=TOg_DyJ-3VI
五分鐘精華欣賞：
【魔法黑森林】Your Fault / Last Midnight（中文字幕）
https://www.youtube.com/watch?v=ngfzplUH1-I
【BON話題】導演與作曲家的困難決定 - 刪除歌曲
【魔法黑森林】電影刪減歌曲欣賞《She'll Be Back》（中文字幕）
作曲家史蒂芬·桑坦為梅莉史翠普創作了一首動聽的歌曲《She'll Be Back》，但在後製時，導演、作曲家與梅姨三人都覺得拿掉這首歌曲，會讓劇情更加順暢，所以為了電影只好忍痛做出這個決定，並收錄在後續的影片花絮裡。
所幸～透過網路再播，我們可以欣賞到這首當初無緣收錄在電影中的動聽歌曲，一起欣賞：
https://www.youtube.com/watch?v=2bGypjRxQTI
電影故事簡說 Part.1
https://www.youtube.com/watch?v=H0A4pqo27rg
電影故事簡說 Part.2
https://www.youtube.com/watch?v=8eC1hPNeTvU
花絮訪談
《歌喉讚》安娜坎卓克回顧電影生涯，談拍《暮光之城》任務：「我需要讓這群人看起來很怪！」 Anna Kendrick Breaks Down Her Career｜拆解經典電影｜Vogue Taiwan
https://www.youtube.com/watch?v=rReYJ-GUxH4
音樂劇演員彩排
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蹦藝術Ｘ大人社團《直擊鋼琴美技對決》線上課程簡介
四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
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課程講師介紹
林仁斌老師
知名的旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
《蹦藝術 | BONART》網站創辦人，眾多單位邀約之知名資深音樂導聆人。
范克萊本鋼琴大賽官方網站🎵
2022年第16屆國際范克萊本鋼琴大賽
四大特色：
全球最佳青年鋼琴家與賽
The best pianists in the world.
最佳表演比賽環境
The ideal performance environment.
無與倫比的國際曝光率
Unrivaled international exposure.
最佳演奏事業起步機會
The launch of careers.
2022國際范克萊本鋼琴大賽消息 - 30位選手名單出爐🎉
四年一度的范克萊本國際鋼琴比賽將於2022年6月2日至18日在德克薩斯州Fort Worth舉行，主辦單位已宣布了今年的 30 名參賽者。
選拔過程：
由跨國鋼琴家組成之初選遴選評審團：Roberto Plano（意大利）、Michel Beroff（法國）、Jamie Parker（加拿大）、Lydia Artymiw（美國）和 Dominique Morel（加拿大）共同組成的初步篩選小組，今年審查了創紀錄的388份參賽申請書，選出了142位年輕鋼琴家出線。
由跨國鋼琴家組成之二次篩選評審團：Angela Cheng（加拿大）、Arnaldo Cohen（巴西）、Christopher Elton（英國）、Alexander Kobrin（美國）和 Anton Nel（南非/美國），他們進一步從142位年輕鋼琴家中，近一步遴選出72位，並安排於所有人親至大賽現場「沃斯堡」（For Worth）於2022年3月6日至12日現場演奏甄選。
二次篩選評審團成員：（下圖由左至右）
最後在現場演奏甄選之後，由五名成員組成的二次篩選評審團，選擇出最後這30位參賽者。
2022 范克來本大賽30位參賽者名單（18-30歲） The CLIBURN COMPETITORS Tianxu An, China, age 23 中國 Yangrui Cai, China, 21 中國 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 西班牙/荷蘭 Dmytro Choni, Ukraine, 28 烏克蘭 Federico Gad Crema, Italy, 23 義大利 Anna Geniushene, Russia, 31 俄羅斯 Francesco Granata, Italy, 23 義大利 Arseniy Gusev, Russia, 23 俄羅斯 Masaya Kamei, Japan, 20 日本 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 白俄羅斯 Honggi Kim, South Korea, 30 南韓 Elizaveta Kliuchereva, Russia, 23 俄羅斯 Shuan Hern Lee, Australia, 19 澳洲 Andrew Li, United States, 22 美國 Yunchan Lim, South Korea, 18 南韓 Denis Linnik, Belarus, 26 白俄羅斯 Kate Liu, United States, 28 美國 Ziyu Liu, China, 24 日本 Jonathan Mak, Canada, 25 加拿大 Georgijs Osokins, Latvia, 27 拉脫維亞 Jinhyung Park, South Korea, 26 南韓 Changyong Shin, South Korea, 28 南韓 Ilya Shmukler, Russia, 27 俄羅斯 Vitaly Starikov, Russia, 27 俄羅斯 Clayton Stephenson, United States, 23 美國 Yutong Sun, China, 26 中國 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 法國/日本 Sergey Tanin, Russia, 26 俄羅斯 Yuki Yoshimi, Japan, 22 日本 Xiaolu Zang, China, 22 中國
【BON話題】大賽宣言以及本屆總獎金創新高
音樂藝術與政治無涉
儘管俄羅斯在烏克蘭採取了軍事行動，但大賽認為音樂不應牽涉政治，因此並未阻擋年輕優秀的俄羅斯鋼琴家參賽。
比賽主席兼CEO雅克·馬奎斯在聲明中表示：「克萊本必須並將繼續履行其作為支持藝術家的文化機構的使命，我們致力於利用這種藝術形式超越界限的力量。我們不會根據國籍、性別或種族來區分非政治藝術家。我們堅定地支持全球音樂界對這些理想的承諾。」
累積獎金，再創新高
2022 年范克萊本國際鋼琴比賽，總現金獎已增加到 265,000 美元：其中金牌 100,000 美元、銀牌 50,000 美元、銅牌 25,000 美元。
相較上屆2017 年獎金分別為 50,000 美元、25,000 美元和 15,000 美元，增幅達100%，顯見大賽想以重金鼓勵疫情間辛苦的優秀音樂選手們（蹦藝術編譯）
想了解大賽起源、曲目設計特色與歷屆得獎者等資料？想觀賞國際大賽聽得更加深入並看懂門道？由蹦藝術林仁斌老師主講之《直擊鋼琴美技對決》8堂線上系列課程，將為您提供最佳解答～
2022年第16屆范克萊本鋼琴大賽基本資料
評審團成員：
每輪指定曲目
*曲目唯一規則：獨奏曲目不得在預賽、四分之一決賽和半決賽中重複。
- │第二堂5/11(三)：眾星雲集，談范‧克萊本大賽的優秀得獎者們(上)│
有60年歷史的范‧克萊本國際鋼琴大賽，四年一度的賽制讓每屆的比賽皆成為年輕世代鋼琴家的重要戰場，這堂課老師將搭配紀錄片，為學員詳細解說歷屆獲獎者們的細節，並細數音樂家們珍貴的比賽演奏片段。
【紀錄片】范克萊本：黃金50年
https://www.youtube.com/watch?v=yEeDIN8QfKs
→歷屆范克萊本得獎者與網頁
2017年前三獎得獎者音樂會預約網頁
歷屆范克萊本獲獎者（取自維基百科）
| Year | Gold Medalist | Silver Medalist | Bronze Medalist | Other notable prizewinners |
|---|---|---|---|---|
| 2022 | 進行中 | |||
| 2017 | Yekwon Sunwoo | Kenneth Broberg | Daniel Hsu | |
| 2013 | Vadym Kholodenko | Beatrice Rana | Sean Chen | |
| 2009 | Nobuyuki Tsujii Haochen Zhang |
Yeol Eum Son | none | |
| 2005 | Alexander Kobrin | Joyce Yang | Sa Chen | |
| 2001 | Stanislav Ioudenitch Olga Kern |
Maxim Philippov Antonio Pompa-Baldi |
none | |
| 1997 | Jon Nakamatsu | Yakov Kasman | Aviram Reichert | |
| 1993 | Simone Pedroni | Valery Kuleshov | Christopher Taylor | |
| 1989 | Alexei Sultanov | José Carlos Cocarelli | Benedetto Lupo | |
| 1985 | José Feghali | Philippe Bianconi | Barry Douglas | |
| 1981 | Andre-Michel Schub | Panayis Lyras Santiago Rodriguez |
none | |
| 1977 | Steven De Groote | Alexander Toradze | Jeffrey Swann | |
| 1973 | Vladimir Viardo | Christian Zacharias | Michael James Houstoun | |
| 1969 | Cristina Ortiz | Minoru Nojima | Mark Westcott | |
| 1966 | Radu Lupu | Barry Lee Snyder | Blanca Uribe (es) | Rudolf Buchbinder (Fifth Prize) |
| 1962 | Ralph Votapek | Nikolai Petrov | Mikhail Voskresensky | |
世界國際音樂比賽基金會資訊
→World Federation of International Music Competitions (WFIMC)
第八屆范克萊本鋼琴大賽紀錄片
→官方資訊網頁
https://youtu.be/Frhne-sBRUc
第八屆首獎得主 Alexei Sultanov 決賽演奏
The Eighth Van Cliburn International Piano competition 1989 - Final round.
S.Rachmaninoff Piano Concerto № 2
l - Moderato 0:57
ll - Adagio sostenuto - Piu animato - Tempo l 11:59
lll - Allegro scherzando 22:33
F. Chopin Concert №2 f-moll op.21(not published)
https://youtu.be/YkIuci4gGjk
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從范•克萊本到蕭邦-黑帶高手阿雷克賽•蘇塔諾夫的音樂比賽浮生錄
1989年范克萊本鋼琴大賽金牌獎得主蘇塔諾夫，在獲獎6年之後夾著極大的國際聲勢繼續挑戰1995年的波蘭蕭邦鋼琴大賽，一路過關斬將以極高呼聲進入決賽，並演奏蕭邦第2號鋼琴協奏曲：
Alexei Sultanov 在1995年第十三屆蕭邦鋼琴大賽的完整紀錄片
ALEXEI SULTANOV Documentary "Point of View"
1969年出生於烏茲別克的鋼琴家蘇塔諾夫（Alexei Sultanov），三歲開始接受音樂家雙親的指導，六歲跟隨波波維奇（Tamara Popovich）學琴，七歲正式登台演奏。1986年進入莫斯科中央音樂學校，最後在柴可夫斯基音樂院完成學業。1989年蘇塔諾夫以學生身份，勇奪第八屆范‧克萊本國際鋼琴大賽首獎，他也是當年所有參賽者中年紀最輕的一位。之後在世界各大城市舉行音樂會，同時也接受美國電視節目的訪問，包括著名的大衛‧賴特曼（David Letterman）「深夜秀」與強尼‧卡森（Johnny Carson）「今夜秀」。蘇塔諾夫私下更受邀在大師霍洛維茲面前演奏。1991年蘇塔諾夫和相識多年的拉脫維亞籍大提琴家黛絲‧阿貝爾（Dace Abele）在德州結婚。1995年的蕭邦鋼琴大賽，第一名從缺，蘇塔諾夫和法國鋼琴家Philippe Giusiano共享銀牌，他同時獲得觀眾票選獎。但是蘇塔諾夫不但拒絕領獎，在得獎者音樂會中他更以瘋狂而粗糙的演奏，似乎是不甘示弱地向評審抗議，如此囂張的表現，也是前所未見。不久他便首次中風，復元之後沒有影響演奏。但2001年因跌倒而再次中風，雖經手術保住生命，但左邊身體卻已癱瘓。復健之後的蘇塔諾夫以右手彈琴，左手部份則由夫人黛絲擔綱。他以這樣的方式，在醫院、學校以及教堂等地方繼續彈琴，將他最喜愛的音樂傳給世人。2005年六月三十日，蘇塔諾夫逝世於德州沃夫茲堡（Fort Worth），結束短暫的三十五年生命。在七月六日的紀念音樂會中，大師范‧克萊本親臨現場致哀。 蘇塔諾夫留下十張不到的錄音，以蕭邦、拉赫曼尼諾夫、史克里亞賓、柴可夫斯基、普羅柯菲夫的作品為主。（文字取自博客來網路書店）
https://youtu.be/G3Tamd9cnjc
Follow up Storie...
1995年蕭邦鋼琴大賽公布名次之後，蘇塔諾夫原本拒絕領獎且拒彈得獎者音樂會；雖然後來他同意彈奏得獎者音樂會，卻在音樂會以瘋狂而近乎暴力的演奏，似乎不甘示弱地向評審提出抗議，是當年大賽沸騰話題。
可惜蘇塔諾夫這位天才型演奏者，之後於1996年出現中風，2001起陸續多次發病，最後於2005年6月30日逝世於德州Fort Worth，結束了短暫的35年生命，又是一位短命的天才型演奏者。
蘇塔諾夫中風後，在妻子Dace Abele Sultanov 陪伴下彈奏鋼琴
第九屆范克萊本鋼琴大賽紀錄片
https://youtu.be/DevG2ENlTbw
【BON話題】10位英年早逝的鋼琴家們
| 0:00 1. Alexi Sultanov (Plays Mephisto Waltz no 1 by Franz Liszt https://www.youtube.com/watch?v=vBzMx...)
1:44 2. Karlrobert Kreiten (Plays Nocturne No. 20, Op. Post. by Frederic Chopin https://www.youtube.com/watch?v=BG8OB...) 3:07 3. André Mathieu (Plays his own Laurentienne No. 2 https://www.youtube.com/watch?v=cRFdY...) 4:56 4. Dinu Lipatti (Plays Sonata in A Minor by Wolfgang Amadeus Mozart https://www.youtube.com/watch?v=_2UvD...) 6:14 5. Mihaela Ursuleasa (Plays Sonata no. 3 Mov. 2 by Frederic Chopin https://www.youtube.com/watch?v=f_e-K...) 7:03 6. William Kapell (Plays Sonata no. 7 by Sergei Prokofiev https://www.youtube.com/watch?v=k9QJm...) 8:14 7. Dino Ciani (Plays Concerto no. 5 by Sergei Prokofiev https://www.youtube.com/watch?v=0PdnM...) 9:29 8. Youri Egorov (Plays Etude no.7 Op.10 by Frederic Chopin https://www.youtube.com/watch?v=yY9t8...) 10:50 9. Noel Mewton-Wood (Plays Symphonic Etudes Op. 13 by Robert Schumann https://www.youtube.com/watch?v=36FVw...) 12:12 10. Scott Ross (Plays Les Barricades Mystérieuses by François Couperin) |
https://youtu.be/eySamm-SKd8
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【BON音樂】蔚藍人文堂第125場Ｘ樂賞基金會 - 談管弦樂指揮（下）：向當代活躍致敬
【BON音樂】蔚藍人文堂第125場Ｘ樂賞基金會 - 談管弦樂指揮（下）：向當代活躍致敬
Tribute to great conductors-2
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主講：林仁斌（旅法音樂家．蹦藝術執行長）
講座時間 美西時間：週六 5/07晚上七點開始 台灣時間：週日 5/08上午十點開始
談偉大指揮家：向當代活躍致敬
前幾年看過一則音樂新聞：有位管弦樂團指揮向媒體「自首」說，自己在演奏中完全沒有發出任何聲音，因此實在不好意思領這麼高的薪水…
結果新聞報導出來後，形成了兩派截然不同的爭論：有人贊成，覺得既然不演奏，指揮應該減薪；有人反對，認為指揮肩負重任，主導整個音樂內容的呈現。
是的～管弦樂指揮這位「無聲的音樂家」，確實在舞台上音樂會演出的現場是無聲的一位；但指揮所肩負的任務，就像一艘船的船長或一家公司的CEO：他們不是負責去執行細項小業務，但卻得面對每個決策的成與敗。
從上集向經典指揮家致敬，我們認識了許多指揮大師；今天的第二場專題演講，林仁斌老師將帶您認識更多當代活躍管弦樂指揮家，並為您詳細解析當代的指揮家特色與趨勢，不容錯過～
開場 - 地獄式版本比較
在這部影片裡，一共有43種貝多芬第五號交響曲《命運》的開頭樂段「三短一長」的各種精彩演奏還有不同指揮家詮釋與思維，手勢與動作。
有快有慢，有激情有冷靜，仔細比較後真的非常有趣；相信愛樂的您，一定也很喜歡這段壞壞的影片吧～
先讀一下管弦樂樂譜
https://youtu.be/ltzWeNyLWn8
【BON音樂】指揮大師楊頌斯 – 重要管弦樂團指揮觀念 Ｑ＆Ａ
https://bonart.com.tw/mariss-jansons-qa/
著名當代指揮家
賽門·拉圖爵士（Sir Simon Rattle, b.1955）
被廣泛地譽為「全球最佳管弦樂指揮家」的賽門拉圖爵士，2018年6月20日他指揮了柏林任內最後一場音樂會。而他的動向早已明揭：2015年3月時倫敦交響樂團已正式宣布，自2018年樂季起，由賽門拉圖接任該團音樂總監，合約為5年。2021年1月，巴伐利亞廣播交響樂團也正式宣布，賽門拉圖將於2023年樂季起接任首席指揮，合約為5年期。同時，他也榮任倫敦交響樂團終身名譽指揮。
賽門.拉圖爵士生平
精彩演奏
史特拉汶斯基《春之際》LSO Live'
https://youtu.be/EkwqPJZe8ms?t=233
指揮家的知識傳承 - 拉圖談西貝流士
https://youtu.be/yhG8VkDy0cQ
好文欣賞
"拉圖給年輕音樂家的七個忠告"
拉威爾《達夫尼與克羅伊》第二號組曲
https://youtu.be/14OM6Ysnk6M
伊凡‧費雪（Ivan Fischer，1951-)
伊凡費雪1951年1月20日出生於匈牙利布達佩斯，之後在布達佩斯巴爾托克音樂院接受音樂教育，又進入維也納音樂院與薩爾茲堡，師事史瓦洛夫斯基、哈農庫特學習指揮。
伊凡‧費雪生平
伊凡．費雪與BFO 世界樂壇的匈牙利傳奇 一九八三年，出生在匈牙利布達佩斯的一個猶太音樂家庭的伊凡．費雪（Iván Fischer）率領著洛杉磯愛樂進行他的美國首演，同年他回到匈牙利，成立布達佩斯節慶管絃樂團（Budapest Festival Orchestra，簡稱BFO），他與這個樂團的合作關係寫下了過去二十七年來古典音樂界最偉大的成功故事……。 他們灌錄的匈牙利音樂屢獲唱片大獎，營造了許多充滿創意的音樂會形式，二○○八年英國《留聲機》Gramophone雜誌更評選布達佩斯節慶管絃樂團為全球二十大交響樂團的第九名！透過與伊凡．費雪的越洋對談，對於他的傳奇故事我們有更深一層了解。 匈牙利文化大使 廣泛關照多樣音樂 匈牙利音樂是每回聊到伊凡．費雪不能不提的，他曾獲得匈牙利「柯蘇獎」（Kossuth Prize），同時也是匈牙利文化大使、布達佩斯榮譽市民，可以說是當代最重要的匈牙利音樂代言人。說到他心目中的巴爾托克、高大宜這兩位最重要的匈牙利作曲家，伊凡．費雪表示：「巴爾托克是位非常了不起的作曲家，他的音樂中有極強的匈牙利辨識度，同時卻又是十分國際化。至於高大宜則是一位非常重要的教育家，他後來才成為作曲家，他發明了一種通則，如何教育成千上萬的人去理解音樂。」 當然，除了這兩位匈牙利音樂巨人之外，伊凡．費雪提到重要的匈牙利作曲家還包括Erno Dohnanyi、Sandor Veress，當代的Gyorgy Kurtag及年輕一輩的Janos Vajda、Gyorgy Orban等人，完整地推薦各代匈牙利作曲家。 不過，雖然以匈牙利音樂起家，伊凡．費雪卻不喜歡被定位為匈牙利音樂專家，他表示：「因為，我從來不認為自己是匈牙利音樂專家，當然身為一位匈牙利人，我經常演出自己國家的音樂，但我的興趣總是相當廣泛，因為音樂是國際化的語言，我喜歡任何國家只要是有有趣的音樂。」他也曾到中國蘇州演出時說過：「音樂是發自靈魂的。即使是在不同的文化背景下，產生的美感卻是相似的。」 從家鄉步上國際 載譽歸國的指揮路 因此雖然身為匈牙利布達佩斯節慶管絃樂團的創辦人暨音樂總監，伊凡．費雪並不把樂團局限於匈牙利音樂代言人，他認為：「BFO是個國際化的管絃樂團，我們的目標是為全世界所有樂迷演奏音樂，而不是做出國籍差異，所以我喜歡國際化的曲目，而且我演奏老的與新的音樂。」 媒體或樂迷會把伊凡．費雪看成匈牙利音樂專家不是沒有道理的，伊凡．費雪一九五一年一月二十日生於匈牙利布達佩斯，他從小在布達佩斯時就學習鋼琴、小提琴、大提琴與作曲，之後在布達佩斯巴爾托克音樂院接受音樂教育，進入維也納音樂院與薩爾茲堡才跟著史瓦羅夫斯基（Hans Swarowsky）學指揮，並且繼續學習大提琴與早期音樂，還擔任哈農庫特的助理。一九七六年他在倫敦贏得Rupert基金會的指揮大獎，開啟他走上指揮之路的契機，隨後他開始成為BBC交響的客席指揮，一九八二年還帶著倫敦交響樂團進行世界巡迴，指揮才華倍受肯定。 他先在家鄉的Hungaroton唱片公司灌錄不少匈牙利音樂，還有他自己改編的布拉姆斯《匈牙利舞曲》，之後Philips唱片公司相中他與他簽約，一九九五年他與樂團的巴爾托克、李斯特錄音獲得留聲機大獎、法國金音叉獎等等，那張德弗札克《傳奇曲》更獲得企鵝三星帶花殊榮，由諏訪內晶子主奏小提琴的那張薩拉沙泰《流浪者之歌》、德弗札克《小提琴協奏曲》更是銷售長紅。伊凡．費雪匈牙利音樂專家的地位也宣告確認，他的指揮手法凌厲粗獷，很能表現出「國民樂派」樂風的質樸與速度感。 多元、獨創的音樂會形式 伊凡．費雪曾在美國擔任過辛辛那提交響管絃的指揮，二○○六年他成為華盛頓的國家交響管絃樂團的首席客席指揮，隔年繼任史拉特金之後成為該團首席指揮。另外，他的歌劇經驗也相當豐富，一九八四到八九年擔任英國Kent歌劇院音樂總監，二○○○到○三年擔任里昂國立歌劇院音樂總監，客座維也納國立歌劇院時還製作過全套莫札特歌劇。 除了灌錄匈牙利曲目、歌劇演出之外，伊凡．費雪真正帶領BFO走出自己的成功路，主要是樂團訓練及各種型態的新音樂會。自從當初伊凡．費雪與另一位傑出的匈牙利鋼琴家柯西斯，一同創辦布達佩斯節慶管絃樂團後，這個有遠見又正確的決定不但為匈牙利留住優秀的音樂家，也帶著音樂家一同迎戰當時留不住人才的匈牙利布達佩斯的音樂環境，這份堅持受人尊敬。在樂團訓練上，他發展出能讓樂團音樂家們充滿張力與感情的練團方式，加重樂團演出室內樂的組合與機會，同時演出更多富有創意的管絃作品，這些訓練在在都是為了讓樂團的默契更縝密、音色更成熟。 在與觀眾直接交流的音樂會上，他發展出許多獨特的樣貌，因為他認為觀眾喜歡不同類型的音樂形式。像是專為幼童小朋友設計的「可可音樂會」（Cocoa-Concerts），就是著眼小朋友的耐心只能靜靜地聽三、四分鐘，之後他們需要放鬆。另外像事前不公佈演出曲目的「驚喜音樂會」（Surprise Concerts）也是絕對地受歡迎，人們喜歡接受驚喜，就像收到一個包裝好的禮物。還有對觀眾講述音樂故事的「一元音樂會」（one forint concerts），以及吸引成千上萬過路客新觀眾的布達佩斯露天音樂會，歌劇演出運用融合科技元素等等。伊凡．費雪表示這些新型態的音樂會都是為樂迷服務的。 戮力培植BFO 晉升全球第九大交響樂團 二○○四年伊凡．費雪與Channel Classic唱片公司簽約，也讓這幾年BFO的錄音主要都由此發行，不僅他的曲目大幅擴張而且張張佳作，像是二○○七年七月推出的理查．史特勞斯罕見的芭蕾音樂Josefslegende，就成為《留聲機》雜誌當月CD並獲得《紐約客》的佳評。他在此灌錄的馬勒《第二號交響曲》也獲得《留聲機》雜誌總編特選，之後的馬勒《第六交響曲》、拉赫瑪尼諾夫《第二交響曲》、柴科夫斯基《第四交響曲》CD及莫札特《女人皆如此》DVD也都不容錯過。《華盛頓郵報》還盛讚他：「是一位看來兼備正直、堅毅不拔、異常清晰各項特質的音樂家。｣ 二○○七年伊凡．費雪再推出全本德弗札克作品，貝多芬《第七號交響曲》同時收錄羅西尼、韋伯、荷蘭作曲家Wilhelm Wilms等人的同時期作品。連續推出精彩錄音，難怪二○○八年《留聲機》雜誌提名他為年度藝人，同時他一手培植的匈牙利布達佩斯節慶管絃樂團為全球二十大交響樂團的第九名！對於這項殊榮，伊凡．費雪表示：「對我們的工作來說這是個很棒的紀錄，我很欽羨世界上偉大的管絃樂團，像是柏林愛樂、維也納愛樂或是克里夫蘭管絃。但是我必須承認，對我來說最棒的音樂是由布達佩斯節慶管絃樂團演奏出來的，我很高興專家們注意這些年輕新興的管絃樂團的高演出品質。」(全文詳見《PAR表演藝術》雜誌第213期)
內行看門道 - 伊凡.費雪於阿姆斯特丹指揮大師班實況
https://youtu.be/7MaYRvyN2Zc?t=620
接著，讓我們來接著欣賞瓦西里·彼得連科（Vasily Petrenko, b.1976）：
利物浦皇家愛樂/奧斯陸愛樂：瓦西里·彼得連科
曾以蕭士塔高維契第十交響曲榮獲英國權威留聲機獎「年度管弦樂唱片」，並榮獲回聲德國音樂古典獎「年度新人獎」的知名樂團指揮瓦西里·彼得連科，18歲時，成為俄國最古老的米哈伊洛夫斯基劇院常駐指揮，2012年起任首席客座指揮。2006年受聘為利物浦皇家愛樂樂團指揮，三年後成為首席指揮，現為桂冠指揮。曾任奧斯陸愛樂樂團首席指揮（2013-2019），可說是實戰經驗非常豐富的中生代代表人物。
馬勒第四號交響曲 第三樂章
https://youtu.be/-c4VZyVoW1w
2019年柴可夫斯基鋼琴大賽 決賽大烏龍
https://youtu.be/UOUSFNgEy7c
Mahler V - Adagietto /Vasily Petrenko / Royal Liverpool Philharmonic
https://youtu.be/PAF58kINO4s
小澤征爾（Ozawa Seiji, b.1935）
小澤征爾生平
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小澤征爾：以綜合實力登峰造極、個人魅力超凡的指揮家
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2018年指揮維也納愛樂 - 舒伯特《未完成》交響曲
https://youtu.be/Ip4cBnYJ1Hw
指揮貝多芬《艾格蒙》序曲
https://youtu.be/AoAlouGwS_4
阿茲海默之網路闢謠：
先前有網路謠言說小澤征爾已罹患失智症，並放上這段視頻佐證。但其實這是他與祖賓梅塔輪流指揮音樂會，在最後兩人一搭一唱的合作橋段。只能說小澤征爾的確年事已高，加上演技一流，「看起來」實在有點像，但其實這段真的是演出來的，針對這段烏龍新聞，也在此特別闢謠。
https://youtu.be/cLFMUoz-yEg
在舞台上歡慶80大壽（阿格麗希也獻演「生日快樂」歌）
https://youtu.be/wcxOnG9RoWI
里卡多.慕提（Riccardo Muti , b1941.)
里卡多.慕提生平
內行看門道 - 慕提指揮大師班
https://www.youtube.com/watch?v=e3UAd3d8I6k
內行看門道 - 慕提彩排實況
https://www.youtube.com/watch?v=wit9RuIedqY
里卡多.夏伊（Riccardo Chailly, b.1953）
里卡多.夏伊生平簡介
馬勒《復活》最後樂章精華
https://www.youtube.com/watch?v=EF_pWIBTWw8
網路最有名的Kuso鋼琴家影片：Maria Joao Pires expecting another Mozart concerto during a lunch-concert in Amsterdam
https://youtu.be/n89F9YKPNOg
帕沃.賈維（Paavo Järvi, b.1962）
帕沃‧賈維於1962年出生於愛沙尼亞首都塔林，其父是著名的指揮家尼葉‧賈維。由於父親是著名的指揮家，所以帕沃從小就常常觀看音樂會以及歌劇的演出，及長也參與演出排練。在耳瀆目染之間，帕沃對音樂的理解能力日益精進，例如用耳朵辨識其父親豐富唱片收藏的音樂片段，或是彈奏管絃樂曲的四手聯彈鋼琴版本。早年，帕沃在塔林音樂學校中主修指揮和打擊樂器，17歲時全家移民美國，帕沃改而就讀寇蒂斯音樂學院，並且赴洛杉磯愛樂接受伯恩斯坦的指導，後來還到薩爾茲堡莫札特音樂院參加指揮研習班。帕沃‧賈維在1993年到1997年間擔任瑞典馬莫交響樂團音樂總監，1995年起擔任瑞典皇家斯德哥爾摩愛樂首席客座指揮，次年又受聘擔任伯明罕市立交響樂團的首席客座指揮。
帕沃‧賈維一直以來以拓展愛沙尼亞的樂文化遺產為己任，他曾說過：「愛沙尼亞「相信」音樂。對他而言，音樂乃是藝術家在知性、感情和肉體方面完全涉入的活生生體驗；音樂與其說是一種職業，還不如說是一種生活方式。」（取自博客來網路書局。文／何振衣）
帕沃.賈維生平簡介
內行看門道 - 賈維大師班
https://youtu.be/nCuZA7QpIH8?t=717
柴可夫斯基《羅密歐與茱麗葉》幻想序曲
https://youtu.be/3GuXpjdBqwA
洛杉磯愛樂交響樂團/法國巴黎國家歌劇院音樂總監：杜達美（Gustavo Dudamel, b.1981）
2021年底接任巴黎國家歌劇院音樂總監的杜達美，來自南美洲委內瑞拉的特殊教育制度（El Sistema），並為2004年馬勒指揮大賽首獎得主。他是21世紀指揮界傳奇人物之一：1999年起擔任委內瑞拉西蒙·玻利瓦交響樂團音樂總監、2009年獲聘為洛杉磯愛樂音樂總監至今，2017年更成為歷史上維也納新年音樂會最年輕指揮家，創下的榮譽不計其數，而今進軍法國巴黎更可說攀登人生全新高峰。
Discover Dudamel - 柴可夫斯基《羅密歐與茱麗葉》幻想序曲
https://www.youtube.com/watch?v=iGh6u4pTNu0
趣味十足的馬勒一號交響曲彩排
https://www.youtube.com/watch?v=8fszuGQMArk
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/gustavo-dudamel/
準.馬寇爾（Jun Märkl, b.1959）
國際重量級指揮家準‧馬寇爾(Jun Märkl)去年受邀掌舵NSO國家交響樂團，但因其國際邀約行程滿檔，以藝術顧問一職先行聘任，8月1日正式上任。然而疫情導致國際樂壇環境急遽改變，國家表演藝術中心董事會全體董事今天下午一致同意通過，準・馬寇爾自2022年1月起改任NSO音樂總監，任期到2025年7月。
準.馬寇爾生平介紹
NSO歡迎新任音樂總監
https://www.youtube.com/watch?v=9JnEiSJSB6c
指揮法國里爾交響樂團 - 聖桑《骷髏之舞》
https://youtu.be/CpDwWr-yxNw
葛濟耶夫（Valery Gergiev, b.1953）的尷尬處境
葛濟耶夫簡介
「我很重要」+「你不能沒有我」XD
https://www.youtube.com/watch?v=r71xgacQ3jI
我很喜歡的 Prokofiev: 《Scythian Suite》
https://youtu.be/sfQb6BKq_ZU
超愛《天鵝湖》
https://youtu.be/HfrYFF0whhQ
亞尼克．聶澤-賽金（Yannick Nézet-Séguin, b.1975）
2000年獲聘蒙特婁大都會管弦樂團（Orchestre Métropolitain）首席指揮(2000年至今)
2008年獲聘為鹿特丹愛樂交響樂團（Rotterdam Philharmonic Orchestra）(2008年–2018年)
2012年起獲聘為費城管弦樂團（Philadelphia Orchestra）首席指揮（2012年至今）
2018年起獲聘為紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）首席指揮（2018年至今）
2019年，蒙特婁大都會管弦樂團正式宣佈與亞尼克簽下「終生音樂總監合約」。
2022.05.06. 慕特臉書貼文～超愛亞尼克❤️
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-yannick-nezet-seguin/
維也納國立歌劇院：菲利普．約丹（Philippe Jordan, b.1974）
2020年起獲聘為維也納國立歌劇院（Wiener Staatsoper）指揮的菲利普.約丹（Philippe Jordan, b.1974）擁有輝煌的指揮經歷：27歲成為奧地利格拉茲歌劇院 (Opernhaus Graz) 歷來最年輕之音樂總監與指揮；2009 年起，接任巴黎國家歌劇院音樂總監（此職位同時指揮加尼葉歌劇院＋巴士底歌劇院之歌劇製作，現任者為杜達美），同時擅長鋼琴演奏的菲利普．約丹是歐洲最為炙手可熱的指揮。
柴可夫斯基《悲愴》錄音花絮影片
https://youtu.be/vIIbyWrdNdk
舒伯特《未完成》交響曲
https://youtu.be/TgZj4Vd3HHk
奧斯陸愛樂/巴黎交響樂團：克勞斯·麥凱萊（Klaus Mäkelä, b.1996）
出身芬蘭，現年26歲（1996年出生）的年輕指揮家克勞斯·麥凱萊，也是一位出色的大提琴演奏家。12歲對管弦樂指揮產生興趣，理性與感性兼備的出色詮釋，讓他獲得許多重要樂團的聘約：瑞典廣播交響樂團首席客座指揮（2017年12月起）、奧斯陸愛樂樂團首席指揮（2020年8月起）、2022年起更榮任巴黎交響樂團首席指揮一職，更是Decca唱片公司40年以來的唯一簽約管弦樂指揮。
Decca唱片公司40年以來的唯一簽約管弦樂指揮
https://www.youtube.com/watch?v=25JYN5o1BeQ
巴黎管弦樂團首席指揮
https://youtu.be/DzMihJ4mAfo
當代女指揮篇
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11 of today’s best women conductors
Ariane Matiakh Mirga Gražinytė-Tyla Laurence Equilbey Alondra de la Parra Marin Alsop Alice Farnham Susanna Mälkki Xian Zhang JoAnn Falletta Barbara Hannigan
旭日東昇後起新秀 - Oksana Lyniv
烏克蘭年輕優秀女指揮、義大利歌劇院首位女性指揮家、華格納拜魯特音樂節首位女性指揮家
波隆納市立劇院（Teatro Comunale di Bologna）將任命Oksana Lyniv為音樂總監，締造義大利劇院史上首次由女性出任音樂總監的紀錄。 Lyniv是今年3月在Sala Bibiena的音樂會上，與該院管弦樂團初次合作，5月又一起在Auditorium Manzoni演出。她預計於2022年1月上任，任期3年，每個樂季至少指揮兩部歌劇與兩場音樂會。目前已知，第一年的音樂會內容包括《女武神》第一幕，與交響詩《死與變容》。 在執掌波隆納市立劇院之前，這位烏克蘭指揮已經在巴伐利亞國立歌劇院（Bayerische Staatsoper）、格拉茲歌劇院（Oper Graz）、維也納河畔歌劇院（Theater an der Wien）、利塞烏大劇院（Gran Teatre del Liceu）、羅馬歌劇院（Teatro dell’Opera di Roma）、法蘭克福劇院（Oper Frankfurt）等地登臺，而且是第一位在拜魯特音樂節上指揮的女性。（原文出處：）
紀錄片報導：首位拜魯特音樂節之女性指揮
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【BON音樂】直擊鋼琴美技對決-第16屆范克萊本國際鋼琴大賽線上課程 1
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LIN Jen-Pin Music Lecture of The 16th Van Cliburn International Piano Competition 2022-1
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蹦藝術Ｘ大人社團《直擊鋼琴美技對決》線上課程簡介
四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
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2022年第16屆國際范克萊來本鋼琴大賽
四大特色：
全球最佳青年鋼琴家與賽
The best pianists in the world.
最佳表演比賽環境
The ideal performance environment.
無與倫比的國際曝光率
Unrivaled international exposure.
最佳演奏事業起步機會
The launch of careers.
2022國際范克來本鋼琴大賽消息 - 30位選手名單出爐🎉
四年一度的范克萊本國際鋼琴比賽將於2022年6月2日至18日在德克薩斯州Fort Worth舉行，主辦單位已宣布了今年的 30 名參賽者。
選拔過程：
由跨國鋼琴家組成之初選遴選評審團：Roberto Plano（意大利）、Michel Beroff（法國）、Jamie Parker（加拿大）、Lydia Artymiw（美國）和 Dominique Morel（加拿大）共同組成的初步篩選小組，今年審查了創紀錄的388份參賽申請書，選出了142位年輕鋼琴家出線。
由跨國鋼琴家組成之二次篩選評審團：Angela Cheng（加拿大）、Arnaldo Cohen（巴西）、Christopher Elton（英國）、Alexander Kobrin（美國）和 Anton Nel（南非/美國），他們進一步從142位年輕鋼琴家中，近一步遴選出72位，並安排於所有人親至大賽現場「沃斯堡」（For Worth）於2022年3月6日至12日現場演奏甄選。
二次篩選評審團成員：（下圖由左至右）
”→寇柏林（2005年范克萊本大賽金牌獎得主）的謎之訪問😉“
最後在現場演奏甄選之後，由五名成員組成的二次篩選評審團，選擇出最後這30位參賽者。
2022 范克萊本大賽30位參賽者名單（18-30歲） The CLIBURN COMPETITORS Tianxu An, China, age 23 中國 Yangrui Cai, China, 21 中國 Albert Cano Smit, Spain/Netherlands, 25 西班牙/荷蘭 Dmytro Choni, Ukraine, 28 烏克蘭 Federico Gad Crema, Italy, 23 義大利 Anna Geniushene, Russia, 31 俄羅斯 Francesco Granata, Italy, 23 義大利 Arseniy Gusev, Russia, 23 俄羅斯 Masaya Kamei, Japan, 20 日本 Uladzislau Khandohi, Belarus, 20 白俄羅斯 Honggi Kim, South Korea, 30 南韓 Elizaveta Kliuchereva, Russia, 23 俄羅斯 Shuan Hern Lee, Australia, 19 澳洲 Andrew Li, United States, 22 美國 Yunchan Lim, South Korea, 18 南韓 Denis Linnik, Belarus, 26 白俄羅斯 Kate Liu, United States, 28 美國 Ziyu Liu, China, 24 日本 Jonathan Mak, Canada, 25 加拿大 Georgijs Osokins, Latvia, 27 拉脫維亞 Jinhyung Park, South Korea, 26 南韓 Changyong Shin, South Korea, 28 南韓 Ilya Shmukler, Russia, 27 俄羅斯 Vitaly Starikov, Russia, 27 俄羅斯 Clayton Stephenson, United States, 23 美國 Yutong Sun, China, 26 中國 Marcel Tadokoro, France/Japan, 28 法國/日本 Sergey Tanin, Russia, 26 俄羅斯 Yuki Yoshimi, Japan, 22 日本 Xiaolu Zang, China, 22 中國
【BON話題】大賽宣言以及本屆總獎金創新高
音樂藝術與政治無涉
儘管俄羅斯在烏克蘭採取了軍事行動，但大賽認為音樂不應牽涉政治，因此並未阻擋年輕優秀的俄羅斯鋼琴家參賽。
比賽主席兼CEO雅克·馬奎斯在聲明中表示：「克萊本必須並將繼續履行其作為支持藝術家的文化機構的使命，我們致力於利用這種藝術形式超越界限的力量。我們不會根據國籍、性別或種族來區分非政治藝術家。我們堅定地支持全球音樂界對這些理想的承諾。」
累積獎金，再創新高
2022 年范克萊本國際鋼琴比賽，總現金獎已增加到 265,000 美元：其中金牌 100,000 美元、銀牌 50,000 美元、銅牌 25,000 美元。
相較上屆2017 年獎金分別為 50,000 美元、25,000 美元和 15,000 美元，增幅達100%，顯見大賽想以重金鼓勵疫情間辛苦的優秀音樂選手們
（蹦藝術編譯）
想了解大賽起源、曲目設計特色與歷屆得獎者等資料？想觀賞國際大賽聽得更加深入並看懂門道？由蹦藝術林仁斌老師主講之《直擊鋼琴美技對決》8堂線上系列課程，將為您提供最佳解答～
2022年第16屆范克萊本鋼琴大賽基本資料
評審團成員：
每輪指定曲目
*曲目唯一規則：獨奏曲目不得在預賽、四分之一決賽和半決賽中重複。
-
│第一堂5/4(三)：范‧克萊本大賽緣起│
成立於1962年的范‧克萊本國際鋼琴大賽，在今年滿60週年，除了為接續音樂演奏人才的崇高目的而設立，更因為發起人鋼琴家范‧克萊本的演奏與得獎的傳奇故事，使得這項大賽得以成立。以四年一度的賽事規格舉行，並逐漸變成全球最頂尖，也最有難度的鋼琴賽事之一。在這第一堂直播課中，老師將帶領學員回到美蘇冷戰時期，了解范‧克萊本的崛起，與它獨特的賽制與歷史沿革。
鋼琴家：范.克萊本
鋼琴家，1934年7月12日出生於美國路易斯安那的士里波特，十七歲前都由母親教授鋼琴。克萊本的母親是位鋼琴教師，曾經跟隨阿圖‧弗利德海姆（Arthur Friedheim，李斯特的學生）學琴。克萊本十二歲在美國國家鋼琴大賽青少年組獲獎，三年後進入紐約茱麗亞音樂院師從名師羅西娜‧列文涅，1954年以柴科夫斯基第一號鋼琴協奏曲（密特羅普羅斯指揮）首度在卡內基音樂廳演出。由於美蘇間持續冷戰，當克萊本於1958年得到莫斯科第一屆柴科夫斯基鋼琴大賽冠軍後，立刻成為美國人民心目中的「人民英雄」。接下來的幾年裡，克萊本的生活都是演奏與錄音，也使他成為名聞全球的鋼琴家。七○年代中期，克萊本忽然從音樂會舞台上引退，1987年在白宮歡迎戈巴契夫的場合上演出後，克萊本成功的在莫斯科與列寧格勒舉辦音樂會，1994年開始中斷長達十八年之久的巡迴演出。（介紹取自「博客來網路書店」，文/ 陳效真）
"中文維基百科介紹"
"英文維基百科介紹"
范克萊本鋼琴大賽簡介：
https://bonart.com.tw/van-cliburn-international-piano-competition/
【大賽官方】歷屆得獎者與音樂家對范克萊本的回憶追念與演奏影片
https://www.youtube.com/watch?v=i5ZA_T_0KcY
柴可夫斯基國際音樂大賽
→維基百科網頁
【大賽官方短片】This is the Cliburn
https://youtu.be/uhUQAKysfkY
【紀錄片】范克萊本：黃金50年
https://www.youtube.com/watch?v=yEeDIN8QfKs
Van Cliburn wins the First International Tchaikovsky Competition in Moscow in 1958
https://youtu.be/QpScY1mFziI
Van Cliburn plays the Russian Song "Moscow Nights"
https://youtu.be/vkxSgmoqpTs
Tchaikovsky Piano Concerto No 1 in B-flat minor, Op 23
1 Allegro non troppo e molto maestoso
2 Andantino semplice - Prestissimo
3 Allegro con fuoco Van Cliburn, piano
Moscow Philhamonic Orchestra
Kyrill Kondrashin, conductor
Live recording, 1962
https://youtu.be/6qROema2MDI
Sergei Rachmaninoff Piano Concerto No 3 in D minor, Op 30
1 Allegro ma non Tanto
2 Intermezzo. Adagio
3 Finale. Alla Breve
Van Cliburn, piano
Kirill Kondrashin, conductor
Moscow Philharmonic Orchestra
Live recording, 1958
https://www.youtube.com/watch?v=QZNfCiIlVok
Beethoven Piano Concerto No. 5 "Emeperor" in Moscow
Piano - Van Cliburn
Conductor - Kiril Kondrashin
Moscow State Philharmonic Academy Orchestra
Recorded in 1958 or 1962
https://youtu.be/ASonj6kzshA
1989年范克來萊本再次回到莫斯科柴可夫斯基音樂會演奏協奏曲
【紀錄片】Van Cliburn: Concert Pianist
【紀錄片】范克萊本與他摯愛的母親
My Precious Mother (Van Cliburn & Rildia Bee O'Bryan - 1992)
| 00:00 intro Van (from older interview)
01:10 in the garden, end of day - Van with his mother 04:12 Orchestra in Fort Worth Opera (happy birthday from the public 06:35 back at Van's, cake, prayers 10:37 dinner (Van's kitchen and staff for the event) 14:33 entertainment from friends 20:25 Van's mother blows candles 22:50 Van at the piano and his mother singing
Rildia Bee O'Bryan 的 95 歲生日 - 與范克萊本、他的母親和朋友的私人時刻。Rildia Bee O'Bryan Cliburn 是范克萊本的母親，也是他 17 歲之前唯一的鋼琴老師。1994年8月， 97歲時因為中風過世於故鄉沃思堡的聖公會醫院。 |
https://youtu.be/NXBv8dVSfII
范克萊本談他的收藏品
https://www.youtube.com/watch?v=a5WqZqMcNrc
《美蘇冷戰時期的音樂使者》范克萊本78歲逝世，紐約時報之報導
【BON話題】柴可夫斯基國際音樂比賽被世界國際音樂比賽聯盟除名
原文出處網址1：https://read01.com/zh-tw/JyxExmG.html
原文出處網址2：https://www.donga.com/tw/article/all/20220421/3329338/1
世界主要音樂比賽—柴可夫斯基國際音樂比賽因受到俄羅斯入侵烏克蘭的影響，被國際音樂比賽聯盟（WFIMC）淘汰。
世界音樂競賽聯合會主席彼得·保羅·凱拉特及其秘書長弗洛里安·羅馬19日發布聯合聲明，宣布柴可夫斯基音樂競賽被世界音樂競賽聯合會除名，即刻生效。
世界國際音樂大賽的聯合體WFIMC 19日表示：“13日在瑞士日內瓦召開臨時總會，會員們投票的結果，以壓倒性的多數意見決定立即將柴可夫斯基國際大賽除名。”
1957年成立的WFIMC因政治原因將會員比賽除名尚屬首次。
據此，WFIMC會員比賽從117個減少到了116個。WFIMC會員比賽中有90個參加了投票，其中贊成80票，反對2票，棄權8票。柴可夫斯基國際音樂比賽是曾培養出鋼琴家范•克萊本、弗拉基米爾•阿胥肯納齊、米哈伊爾•普列特涅夫、小提琴家吉頓•克萊曼、維多利亞•穆洛娃等知名音樂家的世界著名比賽。
以下為世界音樂競賽聯合會聲明譯文：
聲明中表示，經過4月13日舉行的特別大會的投票中，多數成員投票認同將柴可夫斯基國際音樂大賽排除在聯盟之外。聲明還表示將不會制裁所有的俄羅斯選手。
「柴可夫斯基大賽的許多獲獎者都是當今的頂尖藝術家。然而，面對俄羅斯在烏克蘭的殘酷戰爭和人道主義暴行，WFIMC作為一個非政治性組織，不能支持或擁有俄羅斯政權資助和用作宣傳工具的競爭。
「雖然我們的首要目標必須始終是年輕藝術家的積極支持，現在尤其是烏克蘭藝術家，但WFIMC重申其先前的聲明，反對對所有俄羅斯人實施全面制裁，反對基於國籍的歧視和排斥個別藝術家。尤其是在戰爭時期，我們認為與信任我們和分享我們價值觀的人保持對話至關重要，就像我們信任他們一樣。」
對此，柴可夫斯基國際音樂大賽在自己的官網上對此事進行了回應：「俄羅斯文化過去、現在和將來都是世界文化的重要組成部分。它不能被刪除。因此，無論比賽是否為聯合會成員，柴可夫斯基大賽仍然對來自世界各地的才華橫溢的音樂家開放。」
報導稱，莫斯科音樂學院教師、音樂評論家謝爾蓋·烏瓦羅夫表示，柴可夫斯基音樂競賽是古典音樂領域最負盛名的世界盛會，其聲譽很高，特別是其中的鋼琴競賽。他強調：「很顯然，如果將這一賽事排除在任何國際聯合會之外，對聯合會的打擊比對競賽本身的打擊更大。」
（蹦藝術新聞整理）
【BON話題】日本多場音樂會取消演奏柴可夫斯基的《1812序曲》
原文出處：http://japan.people.com.cn/BIG5/n1/2022/0313/c35421-32373637.html
據日媒報道，日本滋賀縣立藝術劇場琵琶湖音樂廳12日宣布，將取消在今春的古典音樂節上，演奏俄羅斯作曲家柴可夫斯基的《1812序曲》。
據報導，《1812序曲》這首樂曲氣勢雄壯，描繪了俄羅斯在1812年擊退拿破侖所率法國軍隊的戰鬥，被認為是慶祝俄羅斯戰爭勝利的樂曲。
琵琶湖音樂廳藝術總監沼尻龍典曾表示，“柴可夫斯基沒有罪，但我覺得(現在)不能演奏俄羅斯勝利的曲子”。
日本兵庫縣的明石愛樂管弦樂團和愛知縣的中部愛樂交響樂團此前也宣布，取消演奏這首曲子。
（蹦藝術新聞整理）
【BON話題】柴科夫斯基故地遭殃 青年舊居毀於戰火
原文出處：https://tw.appledaily.com/international/20220408/OQADFDRHNJCKFH7A55QG2AJAQU/
俄國浪漫樂派作曲家柴可夫斯基，是全球聞名的俄羅斯音樂文化代表性人物之一，不過其文化遺產竟也遭到俄軍毒手！
《法新社》報導，在俄羅斯最知名作曲家柴可夫斯基（Tchaikovsky）居住過的烏克蘭東北部小鎮特羅斯蒂亞涅茨（Trostyanets），俄軍留下了死亡與飢餓。報導指出，柴可夫斯基曾在特羅斯蒂亞涅茨住過一段時間，而這個他稱之為家的地方，在俄軍佔領一個月之後，與他的故居別墅同樣淪為廢墟，直到3/26烏軍奪回該鎮，倖存者稱居民遭俄軍綁架、性侵與殘忍殺害，斷炊飢餓的人們急需糧食。
翻攝自《法新社》推特
英國三大國家廣播電台之一《Classic FM》報導，柴可夫斯基24歲時住在特羅斯佳涅茨這棟別墅，以此為家，而正是在這裡，創作了他的交響樂序曲作品--《暴風雨》（1864），如今這棟房子和特羅斯佳涅茨的其它地方一樣，在俄羅斯入侵烏克蘭期間變成廢墟。
報導還指出，經過俄軍一個月佔領，平民被俄羅斯手榴彈殺死，烏克蘭軍隊使用猛烈砲擊重新控制了特羅斯蒂亞涅茨，而居民現在必須在同名博物館旁邊的柴可夫斯基兒童音樂學校前，排隊領取食物。（陳力維／綜合報導）
（蹦藝術新聞綜合整理）
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【BON音樂】布拉姆斯：第三號交響曲 op.90 | 自由但愉快
【BON音樂】布拉姆斯：第三號交響曲 op.90 | 自由但愉快
Johannes Brahms: Symphony No.3 op.90
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布拉姆斯（Johannes Brahms, 1833-1897）一生中共創作四首交響曲，第三號創作於1883年，正值50歲壯年。當時布拉姆斯正在著名的溫泉療養城市威斯巴登（Wiesbaden）渡假避暑，身心愉快XD，短短四個月即完成第三號交響曲。創作時間在第二號（1877）的六年之後，。
同時期創作的作品還有第一號弦樂四重奏op.88（String Quintet No. 1 , 1882）、《命運之歌》op.89（Gesang der Parzen，管弦樂團與六聲部合唱大型作品）與此曲前後誕生的數十首藝術歌曲，是創作力旺盛，樂曲也相對多產的一段時光。
→布拉姆斯作品列表
1882年的布拉姆斯
延伸閱讀
布拉姆斯生平介紹
https://bonart.com.tw/johannes-brahms/
布拉姆斯第一號交響曲
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-1/
布拉姆斯第二號交響曲
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-2/
樂曲特色
- 實際演奏長度在30-40之間，是布拉姆斯四首交響曲中長度最短的一首。
- 第三樂章予人深秋之感，是布拉姆斯最為知名的交響音樂樂章；同時也是四首中最常被演出的單一樂章。
- 擁有壯闊無比的開場段落。
- 著名的「FAF」（自由但愉快）動機設計。（因為調性關係，實際上是F-bA-F）
*筆者解釋 ：「德文Frei aber froh」為英文「Free but happy」，中文即「自由但愉快」。 - 每個樂章都結束於安靜之中，而非強烈壯大的終止式。
- 四個月創作期迅速完成。
創作背景
布拉姆斯第三號交響曲創作地點：溫泉水療勝地威斯巴登。
威斯巴登（Wiesbaden）是德國中部黑森邦（Hessen）的首府城市，氣候十分宜人：年平均溫度約攝氏9.5度，年降水量為每平方米622升，日照平均長度為大概1565小時。（基本資料取自維基百科）是也是該州在法蘭克福之後的第二大城市，同時也是歐洲最古老的溫泉水療養城市之一。德文「Wies」是「草原」之意，而「Baden」則是「溫泉」之意，所以「Wies」＋「Baden」就是「如綠草般的溫泉」～光是用想的就覺得好美啊～
威斯巴登在歷史上曾是世界著名的溫泉療養城市之一，因為自西元一世紀，羅馬人即在此建造公共浴場，原本共有26個溫泉與1個冷泉（據說現在只剩15處）
布拉姆斯在第二號交響曲完成之後，到創作1883年的這段時間，一共去過義大利三次度假，也或許因為造訪義大利的經驗，他創作聲樂作品越來越豐富，音樂中的歌唱性也日益豐富。1883年的夏天，布拉姆斯來到威斯巴登渡假，這是著名的溫泉療養城市，風光明媚，也是德國著名的觀光大城之一。
除了度假心情愉快之外，布拉姆斯也在此認識了小他34歲的當地女性友人赫米娜.史碧斯（Hermine Spies, 1867-1893），兩人關係相當好，越走越近，甚至曾傳出要訂婚的傳聞。
布拉姆斯於1886年從布達佩斯寫給赫米娜.史碧斯的明信片：
從五月左右開始創作第三號交響曲，到9月時布拉姆斯寫給克拉拉的信中，曾表示已經完成第三號交響曲。後於11月13日，布拉姆斯將完整版總譜寄給西姆洛克出版社，確定本曲完成。
首演
樂曲於11月交付出版商完成後，首演在12月2日由指揮家漢斯.里希特指揮維也納愛樂於維也納首演。
值得一提的一點，非常喜愛此曲的漢斯.里希特更稱呼此曲為布拉姆斯的「英雄」交響曲。但除了第三的編號順序與貝多芬《英雄》相同之外，布三這首交響曲無論意義、內容與音樂個性均與貝多芬《英雄》相當不同，因此這樣的稱號並未真正名留青史。
評價
維也納的知名樂評家艾德華.漢斯利克（Eduard Hanslick, 1825-1904）盛讚此曲為布拉姆斯最完美的藝術，也是最好的作品。
他曾寫下：「第三號交響曲是布氏交響曲四首中最完美的一首。」
克拉拉.舒曼則說：「每個樂章音樂都合而為一，彷彿是一首沒有樂章的完整作品。」
布拉姆斯第三號交響曲 總譜首頁手稿
樂曲編制
樂曲欣賞
貫穿全曲的FAF主題設計
第一樂章
有精神的快板（Allegro con brio），F大調，6/4拍，奏鳴曲式。
FAF於樂曲開始的運用
第一樂章 樂曲架構
| 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 |
| 1-71 | 72-119 | 120-180 | 181-224 |
| 第一樂章 重要欣賞處 |
| 1:15 sirens chorus allusion
1:35 B theme 2:17 “FAF” in oboe 6:30 Altered B theme 7:25 FAF extended, horn 7:58 A theme developed, low instruments 8:26 Recap 11:00 Coda |
音樂會版本
第一樂章（布隆許泰德）
https://youtu.be/jZIHMTUsypk
第一樂章（汪德）
https://youtu.be/5YBeGj89ri4
第二樂章
行板（Andante），C大調，三段體（A-B-A'-Coda）。
第二樂章 樂曲架構：
| A | B | A' | Coda |
| 1-40 | 41-84 | 85-121
|
122-134
|
| 第二樂章 重要欣賞處 |
| MVT 2
15:49 B theme 16:47 Chromatic chord section |
第二樂章（布隆許泰德）
https://youtu.be/jZIHMTUsypk?t=1909
第二樂章（汪德）
https://youtu.be/5YBeGj89ri4?t=825
第三樂章
不很快的稍快板（Poco Allegretto），C小調，3段體
第三樂章 樂曲架構：
| A | B | A' | Coda |
| 1-52 | 53-98 | 98-150 | 151-163
|
| 第三樂章 重要欣賞處 |
| MVT 3
21:50 A Theme 23:54 B section 25:37 A return |
第三樂章（布隆許泰德）
https://youtu.be/jZIHMTUsypk?t=2401
第三樂章（汪德）
https://youtu.be/5YBeGj89ri4?t=1350
第四樂章
快板（Allegro），F小調-F大調，奏鳴曲式
第四樂章 樂曲架構
| 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 |
| 1-107 | 108-171 | 172-251 | 252-309 |
| 第四樂章 重要欣賞處 |
| MVT 4
28:17 A material 28:43 Recall of Mvt. 2 B theme 29:33 New theme, heroic 30:53 A theme return 31:53 Recall of chromatic chord section, leads into reprise of themes 34:56 FAF return 36:02 FAF again |
第四樂章（布隆許泰德）
https://youtu.be/jZIHMTUsypk?t=2762
第四樂章（汪德）
https://youtu.be/5YBeGj89ri4?t=1726
【BON話題】FAF與FAE
這個樂章提到FAF，一定有人想特別問為什麼是FAF？有什麼特別意義嗎？
其實這是來自布拉姆斯與姚阿幸（Joseph Joachim）的友誼與對話。
因為姚阿幸喜歡使用音樂主題「F-A-E」，他説這是「frei aber einsam」（Free but lonely, 自由而寂寞），也是他的音樂格言。
但布拉姆斯卻不這麼想，他回應姚阿幸說，應該是「FAF」（Free but happy, 自由而愉快）」，這句話也成為了布拉姆斯的音樂格言，而因此有了這個典故。
親愛的蹦友們，您是哪一種Type呢？😉
布拉姆斯、舒曼與Dietrich三合作曲獻給好友姚阿幸的「F-A-E奏鳴曲」：
| I. Allegro (Dietrich) - 00:00
II. Intermezzo (Schumann) - 11:52 III. Scherzo (Brahms) - 14:16 IV. Finale (Schumann) - 19:00 |
https://youtu.be/HYUk7Su9RuM
【BON話題】與舒曼的萊茵回憶
布拉姆斯創作第三號交響曲時，他人就在萊茵河流經的區域，此處不但有天然名勝/天險：羅蕾萊礁石，傳說中的人魚迷惑水手沈船之處，也有著恩師舒曼寫作的知名《萊茵》交響曲，回憶滿滿。
羅蕾萊女妖雕像實景照片
一起去旅遊一下～
https://www.youtube.com/watch?v=PT14VmkwYJA
讓我們先欣賞舒曼的《萊茵》交響曲旋律片段（7'07"起）：
https://www.youtube.com/watch?v=Z2Uw4KJW9hs
接著重新欣賞布拉姆斯第三號的旋律（第三小節起）：
https://youtu.be/Lst1Aex2vcQ
聽出來了嗎？布拉姆斯利用開頭的第一主題旋律，向舒曼致敬著🌹。
這也是舒曼與布拉姆斯之間很喜愛的「音樂密碼」遊戲，筆者也以此致敬這對默契絕佳的忘年之交。
【好文分享】布拉姆斯十大經典名曲
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：現代芭蕾舞先驅─史特拉汶斯基《彼得洛希卡》
【BON音樂】大人的音樂欣賞：現代芭蕾舞先驅─史特拉汶斯基《彼得洛希卡》
The Ballet "Petrushka"
– 資訊整理共享於網路，欣賞古典音樂之美 –
蹦藝術 | BONART
你喜歡優美曼妙的芭蕾舞嗎？
你對結合劇情與舞蹈的芭蕾舞劇有興趣嗎？
那就跟著老師的腳步，一起回到那段大放異彩的芭蕾音樂時期！
《大人社團》與蹦藝術攜手合作的音樂欣賞課，這一期將探索芭蕾音樂。你會認識世界三大芭蕾舞劇《天鵝湖》、《睡美人》、《胡桃鉗》以及現代芭蕾的先驅《火鳥》《彼得洛希卡》。林仁斌老師將帶領學員們認識這種結合舞蹈、音樂與劇情的音樂類型。好好感受芭蕾音樂的豐富內涵，更進一步了解創作背景以及芭蕾舞蹈的特色，聽懂樂曲的編排，了解作者的風格與巧思；搭配影音欣賞及講義解說，無論你是否有基礎，都能和音樂更靠近！邀請你透過線上直播的方式，加入音樂與表演藝術的世界，讓生活更加繽紛！
2022年林仁斌老師近期課程
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
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第五堂│現代芭蕾舞先驅─史特拉汶斯基《彼得洛希卡》
《彼得洛希卡》又稱為《木偶的命運》，這部芭蕾舞劇也是史特拉汶斯基的第二部芭蕾舞劇作品。1911年，以《火鳥》一砲而紅的史特拉汶斯基，再度以複調及重節奏的風格，將近代芭蕾再次推向高峰。改編自俄羅斯民間故事的這部芭蕾舞劇，呈現出更多專屬史特拉汶斯基的個人風格，也是他的代表作之一。這堂課中，林仁斌老師將透過這部芭蕾舞劇帶領學員品味現代芭蕾的迷人之處。
現代芭蕾舞名家尼金斯基（Vaslav Nijinsky）所飾演的彼得洛希卡劇照
作曲家 史特拉汶斯基（Igor Stravinsky, 1882-1971）
→生平介紹
照片．1911年作曲家史特拉汶斯基與《彼得洛希卡》男主角尼金斯基兩人合照
第二部芭蕾 華麗登場
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
《彼得洛希卡》（英語：Petrouchka，俄語：Петрушка）是作曲家史特拉汶斯基於1910年所創作的第二部芭蕾舞劇。
《彼得洛希卡》是史特拉汶斯基的三大芭蕾音樂之一。這三大芭蕾音樂，均為接受俄羅斯芭蕾舞團團長迪亞吉列夫（Serge de Diaghilev）的委託而作，當時還未滿30歲的史特拉汶斯基，也因為這一連串獨特的嶄新的作品，在世界樂壇上奠定其作曲鞏固的地位。
《彼得洛希卡》芭蕾影片版：
https://youtu.be/XvXlFKvpoOg
1910年，史特拉汶斯基寫出成名作《火鳥》（1910）後，迪亞吉列夫非常開心，決定再與史特拉汶斯基合作下一部芭蕾舞劇。
當時史特拉汶斯基剛剛嚐到新舞劇《火鳥》成功的喜悅，到了秋天，他接受新舞劇的委託，從巴黎來到花園之國～瑞士，在鄉間湖邊租了一間簡陋的小屋，準備寫作他先前早已構思好的《春之祭》（1913）。
但在當下，一個「被賦予生命和感情的木偶之遭遇」的新靈感， 突然強烈地縈繞著他的思緒，一個代表主角木偶的新名字浮現在他的腦海：「Petrushka!!!」
經過與迪亞吉列夫討論之後，兩人達成共識～先創作《彼得洛希卡》，並且共同完成對於劇情整體的構思以及主角木偶彼得洛希卡被殺害的悲慘命運。
結果～史特拉汶斯基反而在寫作原新構思的《春之祭》前，於 1911 年先完成了《彼得洛希卡》，這也是他所有作品中最幽默風趣的滑稽芭蕾故事。
《彼得洛希卡》（1911）為一幕四場的可愛戲劇芭蕾，劇本由史特拉汶斯基與亞歷山大·布諾瓦共同創作，由米蓋爾．佛金（Mikhaïl Fokine）編舞，天才芭蕾舞者尼金斯基（Vaslav Fomich Nijinsky, 1889-1950）主演，法國指揮家皮耶．孟都指揮 於巴黎首演，當年的史特拉汶斯基才 29 歲。
編舞者福金認為這部芭蕾舞劇是他的得意之作，劇中的舞蹈具有強烈的現代性，採用機械式的造型和步法，突出了角色的性格特點，而且以男主角而非女主角作為作品的中心，在芭蕾史上亦具有開創性的作用。《彼得洛希卡》也同時是尼金斯基個人最喜愛的角色。
在《火鳥》中我們已可聽見史特拉汶斯基受恩師林姆斯基-高沙可夫強烈的作曲方法影響，但在《彼得洛希卡》中，史特拉汶斯基已開始展現個人想法：無論是極為獨特的節奏、複調和聲的大膽運用，以及大量取自俄羅斯民間音樂之素材，都可以感受到他想走出自己獨特創作風格的企圖心。
而史特拉汶斯基的音樂中，節奏更是占有非常重要的角色，經常出現以節奏為主軸，這取代許多作曲家自浪漫時期以降，慣以美妙旋律或和聲為主的作曲手法，更讓他的作品逐漸獨樹一幟。
不過，多年之後，當回憶起自己的創作歷程時，史特拉汶斯基也曾提到在創作當下的徬徨：「當我開始工作並在為自己找出無限可能性之前，我感到有點驚恐，我覺得一切對我來說都是可行的……那麼我將不得不在這個深淵中迷失自我嗎？ 自由？」（節錄於1946年史特拉汶斯基於哈佛大學演講資料）（"I experience a sort of terror when, at the moment of setting to work and finding myself before the infinitude of possibilities that present themselves, I have the feeling that everything is permissible to me… Will I then have to lose myself in this abyss of freedom?"）
先暖身一下～讓我們稍微認識史特拉汶斯基的特殊手法：
一、複節奏（Polyrhythm）：
音樂結構中用不和諧節奏系統相對抗，如同時使用單、複拍子或混合拍(4/4 或 5/4)。
例如：
（鋼琴版）第一樂章，59-65 小節，出現 2/4 與 6/8 同時存在。
https://youtu.be/btNfXh1ybeM?t=56
（鋼琴版）第三樂章，94-98 小節，出現 5/8 與 2/4 同時存在。
https://youtu.be/btNfXh1ybeM?t=650
二、頑固低音（Ostinato）：
簡短固定的音型，持續的反覆，多呈現於低音聲部。
在史特拉斯汶基《彼得洛希卡》作品中有許多頑固低音的用法，如（鋼琴版）第三樂章 49-56 小節
https://youtu.be/btNfXh1ybeM?t=577
三、重音位置改變：（Different accent） 藉由改變正拍慣有重音位置，造成節奏上獨特的錯位感與特殊重音。 在（鋼琴版）第三樂章 62-66 小節，就可明顯看出這樣的作曲方法。
https://youtu.be/btNfXh1ybeM?t=584
史特拉汶斯基主要作品
| 史特拉汶斯基主要作品
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
|
接下來 讓我們進入故事吧～
https://youtu.be/qC-nVVCQ94I
主要登場角色
| 彼得洛希卡（Petrushka） 芭蕾女伶（The Ballerina） 摩爾人（The Moor） 馬戲團團長（The Magician） |
「彼得洛希卡」（Petrushka）是彼得（Peter）的暱稱，在俄國的民間與農村常有此種稱法。
本劇中的彼得洛希卡，是一個受人虐待與輕視，又嚐到失戀滋味，最後並惹上殺身之禍的可憐人物。
舞劇中除上述三位主角外，還有表演手拉風琴者，吹笛子的農夫，會跳舞娛樂人的大狗熊，照顧小孩子的保姆們，以及粗野的馬車夫等人物。 在這齣芭蕾音樂中，史特拉汶斯基更採用許多首通俗的俄羅斯民謠做主題，使全劇的音樂更富有俄羅斯民族性的親切感，雖然語法與和聲新穎，但整體來說是一齣愉快、生動的芭蕾音樂。
《彼得洛希卡》芭蕾舞劇的故事發生於一百多年前，在1830年前後，在俄皇尼古拉一世統治的聖彼得堡初春，某個狂歡節日，故事共分為一幕四場：
第一場：〈嘉年華會的市場〉
在熱鬧吵雜的廣場市集上，來了一個馬戲團木偶戲班，這團長魔術師擁有三個木偶。
一個是用白粉塗抹臉上的小丑「彼得洛希卡」; 第二個是粗壯野蠻的「摩爾人」（The Moor），他是個身著軍服的黑人； 第三個臉上塗抹胭脂，漂亮的芭蕾女伶（The Ballerina）。
在開場熱鬧的市集段落過後，群眾陷入安靜，觀看魔法師的表演：
魔法師吹奏長笛的樂音之下，三個木偶被賦予了生命，居然開始動了起來，然後開始了精彩的「俄羅斯之舞」。
雖然只是木偶，但在這木偶的世界中，也有感情、戀愛與嫉妒的人性存在。
彼得洛希卡因調皮打亂了表演，被魔術師踢進房間裡關起來。
第二場：〈彼得洛希卡的房間〉
黑暗冰冷的房間裡，只掛著魔術師的肖像，使得彼得洛希卡非常不安；他顯德憂傷、卑微且心事重重，因為他愛上了芭蕾女伶。
但摩爾人與芭蕾女伶情意相投，可是偏偏彼得洛希卡也愛著芭蕾女伶，於是形成了三角戀情。
後來芭蕾女伶來到房間探望彼得洛希卡，彼得洛希卡也極力表現自己，想要爭取女伶的愛。（出現著名的「彼得洛希卡和弦」）
C大調+#F大調＝「彼得洛希卡」和弦
史特拉斯汶基的音樂屬於調性作品（Tonal Music），因為曲子中仍然有調性中心，但卻有「複調性」的使用，他所使用的音階也跳脫一般的大小調音階，經常出現獨創的音階型態與組合。例如最有名的「彼得洛希卡和弦」(Petrushka chord)，就是以C大調在上（bB調豎笛），#F大調轉位和聲（A調豎笛）在下的全新組合，突顯出音樂的「樂趣」與「矛盾」。
https://youtu.be/oSZD6QSSq4c
第三場：〈摩爾人的房間〉
下一段劇情，摩爾人的房間。摩爾人房間裡有棵棕櫚樹和神奇的水果，他穿著華麗的衣服躺在椅子上玩椰子。芭蕾女伶來到摩爾人房間，一邊吹著小號一邊跳著舞，而小鼓滾奏伴奏更使此段音樂充滿刺激感， 於是兩人在轉為柔和但異國風的配樂下，跳起了雙人舞。
被嫉妒沖昏頭的彼得洛希卡衝進房間，與摩爾人纏鬥起來。不久彼得當然不敵力量強大的摩爾人，被丟出房外。
第四場：〈嘉年華會的市場及彼得洛希卡之死〉
結束剛剛的三角戀情插曲之後，在傍晚時分，狂歡節氣氛達到了最高潮。
芭蕾舞中依序安排以下幾個場景出現：
保姆之舞、農夫與熊、商人與吉普賽女郎、馬車夫之舞、假面具之舞
最後是彼得洛希卡之死～個性狂暴的黑人，將可憐的小丑彼得洛希卡殺害了。。。
面對「木偶兇殺案」，圍觀民眾不安，議論紛紛。
魔術師急忙解釋這只是魔法，並非事實。
但劇情最後，是被殺害的彼得洛希卡以陰魂不散的方式，出現在最後場景，展現出不安的黑色幽默。
樂曲旋律引用來源整理：
彼得洛希卡：主題與民謠素材Stravinsky's Petrushka: Themes and Folk Song Materials |
|
Tableau 1: The Shrovetide Fair
00:06 Theme of the Peddlers' Cries
00:33 Theme of the Drunken Revelers – Russian Folk Song: Далалынь, далалынь!
01:30 Theme of the Organ-Grinder – Russian Folk Song: Под вечер, осенью ненастной
02:29 Theme of the Dancer (I) – French Chanson: La jambe en bois / Émile Spencer
03:22 Theme of the Dancer (II) – Russian Folk Song: Чудный месяц плывет над рекою
Tableau 1: The Magic Trick
04:38 Theme of the Old Magician
04:43 The Old Magician's Magic Flute
05:28 The Old Magician Brings the Puppets to Life
Tableau 1: Russian Dance
05:44 Russian Dance: Theme (I) – Russian Folk Song: Ай, во поле липенька
06:28 Russian Dance: Theme (II) – Russian Folk Song: Ой да я бежу, бежу по поженке
Tableau 2: Petrushka's Room
06:58 Petrushka Chord Tableau 3: Waltz (The Ballerina and the Moor)
07:16 Waltz: Theme (I) – Viennese Waltz: Steyrische Tänze / Joseph Lanner
07:51 Waltz: Theme (II) – Viennese Waltz: Die Schönbrunner / Joseph Lanner
Tableau 4: The Wet-Nurses' Dance
08:34 Theme of the Wet-Nurses (I) – Russian Folk Song: Я вечор млада
09:54 Theme of the Wet-Nurses (II) – Russian Folk Song: Ах вы, сени, мои сени
11:32 Theme of A Reveling Merchant and Two Gypsy Women – Russian Folk Song: по улице мостовой шла девица
Tableau 4: Dance of the Coachmen and the Grooms
12:25 Theme of the Coachmen and the Grooms – Russian Folk Song: А снег тает, вода с крыши льется Tableau
4: The Mummers
13:13 Dance of the Mummers and the Maskers – Russian Folk Song: А мы масленицу дожидаем
|
https://youtu.be/mtnU2M5uNCI
芭蕾舞劇版本欣賞
1990年Bolshoi Ballet舞團製作版本
編舞：Michael Fokine
Andris Liepa (Petrushka)
Tatiana Beletskaya (Ballerina)
Gennady Taranda (Blackamore)
Sergey Petukhov (Magician)
Vitaly Breusenko (Devil)
https://youtu.be/XvXlFKvpoOg
1976年巴黎歌劇院現場版（樂譜：1947年版）
| Choreography: Michel Fokine Producer: John Auld Music: Igor Stravinsky (Score- 1947 Version) Design: Alexandre Benois Lighting: John Berrett Music Director & Chief Conductor- Nicolette Fraillon Concertmaster- Aubrey Murphy Australian Opera and Ballet Orchestra, 2009Major Roles: Petrushka- Marc Cassidy Ballerina- Leanne Stojmenov Moor- Luke Ingham Magician- Colin Peasley Satan- Tzu-Chao Chour |
https://youtu.be/CnXOpItfb9Y
《彼得洛希卡》成功演出多年之後，於1947年，作曲家又對原譜進行過修訂，目前經常於演出之音樂會版本，皆使用此1947年修訂版。
管弦樂團 四景 樂譜演奏版
| New York Philharmonic cond/ Pierre Boulez
0:00 - First Tableau; The Shrovetide Fair |
https://youtu.be/3vGoToGx_7k
管弦樂團影片欣賞
阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團版本（2011）
精彩段落
Incredible trumpet playing. 17:01
Ballerina's Dance,
17:47 - Waltz (pt 1), 19:22 - Waltz (pt 2)
| Tableau I - 00:00 Le Tour de passe-passe 05:20 Danse russe 07:00Tableau II - Chez Pétrouchka 09:45Tableau III – Chez le Maure 14:04 Danse de la balerine 17:06 Valse 17:48Tableau IV – Fête populaire de la semaine grasse 20:52 Danse des nounous 22:05 Danse des cochers et des palefreniers 27:11 Les Déguisés 29:13 Applause 34:39 |
https://youtu.be/esD90diWZds
法蘭克福廣播交響樂團（1947年版樂譜）
Stravinsky: "Petruschka" (1947 Version)
hr-Sinfonieorchester ∙ Andrés Orozco-Estrada
https://youtu.be/Fzp89DVuUlI
高難度的鋼琴改編版：《彼得洛希卡》鋼琴三樂章
到了1921年，鋼琴家魯賓斯坦（Arthur Rubinstein, 1887-1982）請史特拉汶斯基將《彼得洛希卡》改寫為鋼琴獨奏版，後作曲家就譜寫了《彼得洛希卡》三樂章鋼琴獨奏曲，技巧華麗且音響效果十足，亦堪稱音樂史上最艱難的鋼琴作品之一。
| Won Kim
00:00 – Danse Russe (Russian Dance) Ullman 16:18 – Danse Russe (Russian Dance) |
https://youtu.be/btNfXh1ybeM
鋼琴家波里尼版本- 1/2
https://youtu.be/DILOJo8KykA
鋼琴家波里尼版本 - 2/2
https://youtu.be/e-jZkEDYYGQ
特里福諾夫現場版本
https://youtu.be/AqwDDseeeGs
樂譜＋演奏版本
https://youtu.be/GhBxePv976U
【補充資料】葛濟耶夫指揮慕尼黑愛樂/1911年製作舞台版
Valery Gergiev in a performance of Petrushka in Stravinsky's original 1911 version.
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【BON音樂】《法國音樂二十世紀英雄人物》德布西 - 從生平到創作全解析
【BON音樂】《法國音樂二十世紀英雄人物》德布西 - 從生平到創作全解析
Claude Debussy: Life to Music
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蹦藝術 | BONART
蹦藝術與雅痞書店合作之《德布西冥誕160週年 特別企劃》系列講座，以三場講座的規格，分別為您詳解「德布西 - 從生平到創作全解析」、「德布西《牧神午後前奏曲》V.S.現代芭蕾之美 」以及「德布西 交響素描《海》V.S.日本浮世繪之美」等三大主題。
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主講人：林仁斌（蹦藝術網站執行長）
系列ㄧ、《法國音樂二十世紀英雄人物》德布西 從生平到創作全解析
- 「月光、牧神、阿拉貝斯克」法國印象樂派作曲家德布西(Debussy)
德布西生平、作品介紹與音樂欣賞
以一曲《牧神的午後》前奏曲敲響現代管弦之聲的法國作曲家德布西，其獨特的全音階使用，呼應甘美朗音樂的多層次朦朧美，讓他在所有近代作曲家中獨樹一格，並被法國人視為最具代表性之音樂家之一。
鋼琴曲《月光》更是許多影視作品中廣為引用之經典作品（如電影《暮光之城》）；而德布西從鋼琴作品、歌曲至管弦樂創作，皆有獨到之處，其充滿個人色彩之細膩音樂作曲風格也是本場講座中最值得聽眾們細細品味之處。
電影《暮光之城》的《月光》片段
https://youtu.be/YIjwMEVfPwM
《月光》五分鐘教學 - 巴倫波因
https://youtu.be/XiWfPJLp2ko
法國音樂的榮光．德布西
1913年，德布西於巴黎錄下的「Welte-Mignon系統」珍貴錄音：
《葛拉納達的黃昏》（La soirée dan Grenade）
https://youtu.be/PekrB_IuGIc
青少年時期（1862-1887）
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德布西在1862年8月22日誕生於法國巴黎近郊聖日耳曼昂萊鎮（Saint-Germain-en-Laye, FR），德布西來自於中產階級的小家庭：父親馬努耶爾-阿希爾（Manuel-Achille Debussy, 1836-1910）與母親薇托琳（Victorine Manoury Debussy, 1836-1915）開在小鎮裡的陶器店。三歲時陶器店因業績不佳而倒閉，不久後，全家搬入巴黎市區展開新生活，這期間為維持家計，父親曾任售貨員以及印刷工廠工人，母親則轉任裁縫師，一家人攜手過著簡單的日子。
1906年左右，德布西與雙親的合照
現在，德布西位於聖日耳曼昂萊鎮（Saint-Germain-en-Laye, FR）的出生房子，已經修建為德布西博物館：
音樂之路的開始
1871年時，父親馬努耶爾因「巴黎公社事件」而入獄，在獄中結識了詩人魏倫 (Paul-Marie Verlaine, 1884-1896) 的岳母：莫泰夫
人 (Mme Mauté de Fleurville, 1823-1883)，後來德布西透過父親而認識她。
象徵派詩人 - 魏倫 （Paul-Marie Verlaine, 1884-1896）照片，德布西著名的《月光》靈感正來自於魏爾倫的同名詩《月光》，而魏倫詩中所提到的Bergamasques，也成為了德布西創作的《貝加馬斯克組曲》（Suite bergamasque）標題名稱 。（筆者註：《貝加馬斯克組曲》由⟨前奏曲⟩（Prélude）、⟨小步舞曲⟩（Menuet）、⟨月光⟩（Clair de lune）和⟨巴瑟比埃舞曲⟩（Passepied）等四個樂章組成）
魏倫《月光》中法翻譯
─ 保爾‧魏爾倫（Paul Verlaine），〈月光〉（Clair de Lune）
（翻譯出處連結）
| 法文 | 中文 |
|---|---|
| Votre âme est un paysage choisi
Que vont charmant masques et bergamasques Jouant du luth et dansant et quasi Tristes sous leurs déguisements fantasques. Tout en chantant sur le mode mineur L'amour vainqueur et la vie opportune Ils n'ont pas l'air de croire à leur bonheur Et leur chanson se mêle au clair de lune,Au calme clair de lune triste et beau, Qui fait rêver les oiseaux dans les arbres Et sangloter d'extase les jets d'eau, Les grands jets d'eau sveltes parmi les marbres. |
你的靈魂是絕美風景，
貝加馬斯克面具令人忘情， 魯特琴伴奏中舞蹈歌唱， 奇特裝扮下暗藏傷心。 他們以小調吟唱， 詠歎愛的勝利與生之歡慶， 他們似乎不相信自己的幸福， 歌聲混在月光裡。寂靜月光，哀愁美麗， 讓鳥兒在樹叢中入夢， 使噴泉因狂喜而啜泣， 在大理石像間飛騰入空。 |
莫泰夫人（Mme Mauté de Fleurville）本身是一位優秀的鋼琴家，曾是蕭邦 (Frédéric Chopin, 1810-1849) 的入室弟子，也可說是德布西音樂才華的啟蒙者。
她教授德布西彈鋼琴，並在1872年時，幫助德布西進入巴黎音樂院，負擔起他大部分的學費。
入學巴黎音樂院後，德布西師從鋼琴家安東尼.馬蒙泰 （Antoine François Marmontel, 1816-1898）鋼琴高級班，馬蒙泰教授也是最先發掘德布西的音樂特質 與眾不同的老師，並且也肯定了他的音樂才能。
馬蒙泰於 1848年至 1887年間任教於巴黎音樂院，他所教過的傑出學生有：比才（Georges Bizet）、丹第（Vincent d' Indy）、Francis Plante、Louis Diémer、Émile Paladilhe、Albert Lavignac、德布西（Claude Debussy）與瑪格麗特.隆（Marguerite Long）等等。
求學過程
1884年時，德布西以《浪子》(L’Enfant Prodigue, 1884) 這部作品奪得羅馬大獎，並獲得到羅馬留學的機會，在此期間他也認識了李斯特 （Franz Liszt, 1811-1886）。李斯特鼓勵他在羅馬的小教堂內演奏文藝復興時期作曲家帕勒斯替那 (Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525-1594) 及 拉索 (Orlando di Lasso, 1532-1594) 的作品，他們的對位寫作方式令德布西讚嘆不已，並開啟了他日後創作的不同視野。
德布西《浪子》手稿
雕刻家 羅丹（Auguste Rodin, 1840-1917）同名作品欣賞
浪子 L'enfant prodigue
德布西於1884年獲得羅馬大獎後的2月份，居住於義大利羅馬梅帝奇別墅（Villa Médicis）：
年輕的德布西，1885年與友人們留影於義大利梅帝奇別墅：（找得到德布西在哪裡嗎？）
看來在那個年代，這邊應該是「網美」景點XD
音樂風格大轉變
1879年的德布西照片（17歲）
1887年起，德布西兩次走訪華格納 (Richard Wagner, 1813-1883) 歌劇的演出主場：拜魯特 (Bayreuth)，聆聽華格納知名作品《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde, 1859) 以及《帕西法爾》(Parsifal, 1877-1882)。
當時法國的音樂環境氣氛明顯受到普法戰爭的戰敗結果所影響，一派以法蘭克等作家為首之作曲家，認為以華格納為首的輝煌交響效果，是音樂家接應該仿效的。
另一派以聖桑、薩提為代表，則認為法國人應該找出自己的音樂風格，走出屬於自己的路。
德布西原本十分傾慕華格納，但後來其思想受俄國國民樂派、東方音樂以及象徵主義的影響，並有感於華格納旋風的威脅，決心要創作出屬於法國的音樂，不屈服於歐洲的華格納風潮下。
聖桑的特殊貢獻 1870年，聖桑參與了國家防衛軍，並參加了普法戰爭。1871年普法戰爭後，為激勵法國作曲家的創作與發揚法國新音樂精神，而創立國家音樂協會（National Society of Music）。聖桑以組織主席身分，公開首演社團成員的作品，包括佛瑞、法朗克、拉羅及他本人的作品，逐漸地他成為塑造法國音樂將來的重要人物。 聖桑一生中的各項活躍，顯現他是一位思慮完整且充滿創新與復古精神並存的矛盾傑出人物：作為一個古典主義出發的藝術創作者者，他同時也在自己所生活的浪漫主義時代，寫作出帶有浪漫風格的創作，但在作曲手法與風格上，卻不落俗套且深受古典主義影響。而作為當代法國交響樂和室內樂的先驅，他的努力寫作與推廣，更讓他成為了當代權威音樂家。 提攜後輩的不遺餘力，並對當代法國音樂發展有著影響卓著的貢獻。 回顧法國在普法戰爭（1870年）中戰敗後，他的思想中即出現了明確的民族主義，並於1871年與巴黎音樂學院的歌唱教授羅曼·布辛（Romain Bussine）一起創立了法國國家音樂學院——正如當時的一份成立聲明所述：「幫助法國作曲家創作和普及所有嚴肅作品，無論是否出版」。而音樂學院早期的成員包括 Duparc、Fauré、Franck 和 Massenet等人。 如果當時沒有成立法國國家音樂學院，許多我們現在熟知的19世紀晚期法國最重要的管弦樂和室內樂作品，您可能永遠不會聽到——或者，事實上，不會被寫出來。
至此，德布西已經準備走向全新的未來。
音樂欣賞：《水的倒影》（Reflets dans l'eau）
https://youtu.be/L47SRue0gt8
印象派的由來
ㄧ、攝相技術的發明
二、繪畫風格之轉變
萬國博覽會
1889年德布西參觀了在巴黎舉行的萬國博覽會（Universal Exhibition），首次接觸了來自爪哇的甘美朗音樂（Gamelan）， 立即被此形式與節奏的自由、具有東方神秘色彩、五聲音階調式的新鮮音樂風格所深深吸引，他對東方異國情調的音樂產生濃厚的興趣。加上他對華格納音樂的理解，由認同改為要與之抗衡～於是他的內心開始進行了激烈的想法，思考著未來創作的方向。
1889年萬國博覽會 1889年世界博覽會在法國首都巴黎舉行，自5月6日至10月31日，為期共150天，目的是紀念法國大革命起點——巴士底監獄暴動——百週年，在這場世界博覽會，艾菲爾鐵塔成為最耀眼的代表，於1889年建立完成，並且以它作為展覽會場的入口。 這場博覽會有三十五個國家參展，佔地0.96平方公里（九十六公頃），包括戰神廣場、the Trocadéro、奧塞碼頭、一部份的塞納河和榮軍院。總計花費：41,500,000法郎，回收金額49,500,000法郎，人次：32,250,297人。
《海》與甘美朗音樂（5'26"）
德布西《版畫》組曲中，共包含三首小品，分別為塔（Pagodes）、格拉納達的黃昏（Soirée dans Grenade）、雨中庭園（Jardins sous lapluie）。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-debussys-estampes/
塔（Pagodes）（文字引用自鋼琴家廖皎含音樂網站）
1889年，德布西在巴黎世界博覽會中聽到甘美朗（Gamelan）音樂，立刻被具有濃厚東方色彩的音樂所吸引，因而激盪出創作靈感，寫下〈塔〉，當中使用中國五聲音階的羽調式，融合甘美朗音樂中的多層音色渲染，以不同節奏的變化方式反覆出現，營造出濃厚的東方神秘風格，使人聯想起遠東某一場所或建築的映象，此曲不侷限於單純的描寫，而是藉著難以言傳的氣氛，將聽眾引導到如夢似幻、光線纖細的國度。
塔（Pagodes） - 鋼琴版附樂譜
https://youtu.be/lswHSnJ0Rlw
https://youtu.be/-S39pjLQB1s
塔（Pagodes） - André Caplet (1878-1925) 管弦樂版
https://youtu.be/yYncDQnjhqg
詩人．藝術家的週六聚會
逐漸與詩人、藝術家為友的德布西，也加入了象徵主義詩人們的聚會，開始受到詩人們描繪藝術的各種風格影響，他也開始持續醞釀著音樂上的創作。
牧神午後前奏曲
終於1894年，他根據詩人馬拉梅（Stéphane Mallarmé, 1842-1898）的詩所譜寫的《牧神的午後前奏曲》（Preludé á L’apres-midi d’un faune, 1892-1894）完成，大受各界好評與歡迎，德布西終於從「一位普通的青年作曲家」，轉型成為「具有才氣、光明未來的年輕音樂家」，他終於找到了自己未來的方性，也因為他確立了未來音樂風格的走向，更為法國接下來的20世紀音樂，開創出一條全新的道路。
延伸閱讀
【BON音樂】淺談德布西《牧神午後前奏曲》
音樂欣賞：德布西：<水妖>（Sirenes）
https://youtu.be/-QMAlGAoiuQ
法語歌劇
1893年，德布西在看過梅特林克的象徵派話劇「佩利亞與梅麗桑」（Pélleas et Mélisande）後，便構思以此為題材來創作歌劇，在歷經長時間的創作及不斷修改後，終於在1902年在巴黎首演同名歌劇作品《佩利亞與梅麗桑》，雖然首演時未能全面受到好評，但隨著時間的證明，《佩利亞與梅麗桑》不但成為德布西的代表作，更成為法國歌劇界的代表作品之一。
創作力源源不絕
自此之後，德布西成功地開創新的印象主義音樂風格，不斷寫作各類型音樂作品。
自1901年起的十幾年裡，他創作了許多具代表性的印象派作品，例如：《版畫》(Estampes, 1903)、 《海》(La Mer, 1903-1905)、兩集《映象》 (Images, 1905, 1907)、《兒童世界》 (Children’s Corner, 1906-1908)、《快樂島》(L’isle Joyeuse, 1904) 等等，
兩段婚姻
德布西的前後兩任妻子
德布西與女兒 Claude-Emma（小名 ChouChou）
《兒童天地》完成於1908年，在樂譜的扉頁，德布西寫道：「以下這些曲子，是父親最溫柔的心聲，獻給我最寶貝的秀秀。」秀秀 (Chou-Chou) 是德布西對愛女的暱稱。在這部作品中，可發現德布西的幽默、輕妙、譏誚及對童年的追憶，並藉此抒發了他身為人父，對兒童世界的真摯情感。
共由六曲組成：
《老頑固》(Doctor Gradus ad Parnassum)
《大象催眠曲》(Jimbo’s lullaby)
《洋娃娃小夜曲》(Serenade of the doll)
《粉雪飛舞》(The snow is dancing)
《小牧羊人》(The little shepherd)
《黑娃娃步態舞》(Golliwogg,s Cake-Walk)。
《兒童天地》樂譜版本欣賞
Debussy: Children's Corner (Crossley, Bavouzet)
https://youtu.be/1k_OLrK4ZuE
Seong-Jin Cho – Debussy: Golliwog's Cakewalk
https://youtu.be/p5Rhv1E3tEM
德布西與海
延伸閱讀
【BON音樂】淺談德布西：交響素描 «海»（La Mer）
《海》初版封面
日本浮世繪畫家葛飾北齋所匯《富嶽三十六景》之 ⟨神奈川沖浪裏⟩
樂譜封面
20法郎紙幣．背後有玄機
生活照
中國文物．也吸引德布西
除了日本浮世繪之外，德布西也喜愛中國文物，有執扇銅像瓷器、特殊紋路的木櫃、各種動物瓷器與銅器器等等，都是自中國旅遊的友人們知道德布西喜愛東方文物，因此特別帶回法國致贈給他，作為收藏。
回歸絕對音樂
1915年時德布西的創作手法開始回歸絕對音樂，他應用了奏鳴曲式回歸最傳統的作曲手法，並計畫寫作六首奏鳴曲，但只完成三首便與世長辭，這三首作品分別是： 《大提琴與鋼琴奏鳴曲》 《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》 《小提琴與鋼琴奏鳴曲》 《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》（Sonate pour Flute, Alto et Harp），是由牧歌（Pastorale）、間奏曲（Interlude）和終曲（Final）三個樂章所組成。這是德布西晚年所寫的三重奏鳴曲中規模最大的一曲，三種平常難得被湊在一起的樂器，透過德布西精密和聲與音域之安排，展現出魅力無窮，且充滿全新色彩的獨創性與演奏效果。
《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》共有三個樂章：
第一樂章〈牧歌〉（Pastorale）
第二樂章〈間奏曲〉（Interlude）
第三樂章是〈終曲〉（Finale）
原創．探索音樂中的神秘
5 Minutes On... Debussy - Estampes 1. Pagodes | Daniel Barenboim
https://youtu.be/OdB2lkzG_v4
5 Minutes On... Debussy - Estampes 2. Soirée dans Grenade | Daniel Barenboim
https://youtu.be/mWDA1OKpOrA
5 Minutes On... Debussy - Estampes 3. Jardins Sous La Pluie | Daniel Barenboim
https://youtu.be/Ybr7pR_d_x0
德布西的樂思源源不絕，一層又一層的音色反映在他使用的三行記譜上：
在德布西故居博物館裡，也有著這樣的《金魚》立體版畫收藏品：
兩冊前奏曲集
1913年德布西完成了二十四首前奏曲，《前奏曲》分為兩集，一集各有十二首樂曲，細膩的創作內容將其鋼琴創作推到顛峰：
第一冊前奏曲，由以下十二首樂曲所組成：《特爾菲的舞姬們》(Danseuses de Delphes)、《帆》(Voiles)、《吹過原野之風》(Le vent dans la plaine)、《飄散在暮色中的聲音和香味 》 (Les sons et les parfumes tournent dans l’air du soir) 、《 阿納卡普利的丘陵 》(Les collines d' Anacapri)、《雪泥蹤跡》(Des pas sur la neige)、 《西風所見的東西》(Ce qu'a vule vent d'Ouest)、《棕髮女郎》(La fille aux cheveux de lin)、《中斷的小夜曲》(La serenade interompue)、《沈沒的教堂》(La cathedale engloutie)、《迫克之舞》(La danse de Puck)、《遊吟詩人》(Minstrels)。
第二冊前奏曲，同樣有十二首樂曲：《霧 》(Brouillards)、《枯葉》(Feuilles mortes)、《威諾之門》(La Puerta del Vino)、《妖精是出色的舞者》(Les fées sont d’exquises danseuses)、《石南叢生的荒地》(Bruyéres)、《古怪的拉威奴將軍》(General Lavine-eccentric)、《月光下的陽台》(La terrasse des audiences au clair de lune)、《水妖》(Ondine)、《皮克威克卿禮讚 》(Hommage à S. Pickwich, Esq., PPMPC)、《骨壺》(Canope)、《交替的三度》(Les tierces alternées)、《煙火》(Feux d’artifice)。
Debussy: The Complete Preludes (Zimerman)
https://youtu.be/FcnYbpJhpN4
十二首練習曲集
《十二首練習曲集》完成於1915年，並題獻給蕭邦。德布西在曲集首頁寫下：「為了懷念蕭邦 (1810-1849)」， 以表達對他的敬意。這部作品在和聲、節奏等技巧上，可說是集德布西獨特鋼琴技法之大成，是一部技巧艱深的練習曲。
值得注意的是，德布西在曲中未標示出指法。他在序中指出：「在這部練習曲中，我刻意不註明指法，因為每一個人的手指構造不同，如果硬要指定他人用什麼指法彈奏的話，恐怕不太合理。」由此可得知這部練習曲的與眾不同之處。
這套練習曲集中包括了十二首樂曲:《為全部五隻手指》(Pour les cing doigts)、《為三度的》(Pour les tierces)、《為四度的》(Pour les quartes)、《為六度的》 (Pour les sixtes)、《為八度的》(Pour les octvaes)、《為八隻手指的》(Pour les huit doigts)、《為半音階的》(Pour les degres chromatiques)、《為裝飾音的》(Pour les agrements)、《為重複音》(Pour les notes repetees)、《為對比音響的》(Pour les sonorites oposees)、《為琶音的》(Pour les arpeges composes)、《為和弦的》(Pour les accords)。
Debussy - Étude 1 pour les cinq doigts d'après Monsieur Czerny（Walter Gieseking）
https://youtube.com/playlist?list=PLlWjMgPZmnaV2_74hIqYbRKU2F0I2kdUW
最後遺容與墳墓
1917年9月14日舉行了德布西的最後一場作品音樂會（小提琴奏鳴曲首演）之後，德布西於1918年初開始臥床不起，後於1918年3月25日，德布西因直腸癌於巴黎逝世，未能等到第一次世界大戰結束的和平再臨，享年55歲。
在德布西去世之時，第一次世界大戰仍在肆虐，巴黎依舊受到德國的空中侵襲與大砲轟炸。嚴峻的軍事形勢不允許舉行具有隆重墓地以及告別演說的公開葬禮。於是德布西的葬禮就在德軍炮火依舊轟炸這座城市時，送葬隊伍悄悄穿過空蕩蕩的街道，前往拉雪茲神父公墓的臨時墳墓。
隔年，德布西的遺體被重新安葬在位於 Trocadéro 後面的小帕西公墓，也實現了他想要“在樹木和鳥兒之間”安息的願望。後來他的妻子和女兒也都在過世之後，與他安葬在同一處。
德布西的手稿去處
德布西過世之後，遺孀Emma Bardac則將他的手稿整理並開始出售給各單位，法國國家圖書館是主要的購買方。也因此目前許多德布西重要手稿均可在法國國家圖書館中閱覽，給後世音樂學者與音樂家們研究這珍貴的音樂遺產
德布西珍貴美麗的手寫樂譜，實在漂亮
德布西音樂與其他領域美妙的結合
筆者非常喜愛的滑冰選手 - 金妍兒（月光）
https://youtu.be/6V10m-fuqZY
金妍兒（夢幻曲）
Yu-na kim montage (Debussy-Reverie).
https://youtu.be/i1FdwH-8zMk
《月光》與劇場表演相結合
Clair de lune (Debussy): Alexandre Tharaud, Yoann Bourgeois - piano & dance
https://youtu.be/SFRiHQ-Lwzk
【補充資料】
德布西生平簡介
https://youtu.be/4tgf2gcPqbU
1999年巴倫波因的德布西紀錄片
https://youtu.be/EZ5h10GlT04
德布西的愛與人生
https://youtu.be/489EF2Tgyw8
【影片】德布西精彩的一生
The Life and Art of Claude Debussy - with Susan Waterfall
Links to Complete Performance 00:00 La Damoiselle Elue – Vikingur Olaffson, piano 
• Debussy: La damoiselle élue, L. 62: Prélude
07:30 Trio in G Minor – Stradivari Trio • Claude Debussy - Piano Trio in G Major [Wi...
09:54 La Musique – Dawn Upshaw and James Levine, piano (from Forgotten Songs) • 08 Debussy Claude - Recueil Vasnier: Musique
16:15 C’est L’ecstase langoureuse – Dawn Upshaw and James Levine, piano (from Forgotten Songs) • Ariettes oubliées: 1. C'est l'extase lango...
18:07 La Damoiselle Elue – London Symphony and Chorus; Claudio Abbado; Ewing; Balleys • Claudio Abbado "La Damoiselle Elue" Debussy
20:27 Harmonie du Soir – Dawn Upshaw and James Levine, piano (from Forgotten Songs) • 20 Debussy Claude - Cinq poèmes de Baudela...
22:38 Original Javanese Gamelan Adalah • 影片
26:02 String Quartet – Cleveland Quartet • Cleveland Quartet - Debussy String Quartet...
29:58 Afternoon of a Faun – Oslo Philharmonic; James Gafffigan • Cleveland Quartet - Debussy String Quartet...
34:17 Pelleas and Melisande – Welsh National Opera; Boulez; Hagley; Archer • debussy: pelleas et melisande (1of2);boule...
40:20 Flute de Pan from Chansons de Bilitis – Dawn Upshaw and Gilbert Kalish • Dawn Upshaw: The complete "3 Chansons de B...
45:39 Nuages from Nocturnes for Orchestra – Vienna Philharmonic; Pierre Boulez • Debussy - Trois Nocturnes (Vienna Philharm...
53:19 Jardins Sous la Pluie – Ivan Moravec, piano • Estampes - Jardins sous la pluie
58:21 La Mer – Royal Concertgebouw; Bernard Haitink • Debussy: La mer | Bernard Haitink and the ...
1:03:29 Reflets dans l’eau -- Arturo Michelangeli • Debussy: Images I, CD 105: I. Reflets dans...
1:07:14 Iberia from Images for Orchestra – Les Dissonances and David Grimal • Debussy, Images for orchestra - II. Ibéria...
1:12:14 Jeux – Berlin Philharmonic; Sir Simon Rattle • Claude Debussy: «Jeux». Poème dansé pour o...
1:19:09 En Blanc et Noir – Britten and Richter • Richter and Britten play Debussy En blanc ...
1:24:27 La Damoiselle Elue – Vikingur Olaffson, piano • Debussy: La damoiselle élue, L. 62: Prélude
https://www.youtube.com/watch?v=U-gHxGmyKzY&t=262s
德布西的音樂人生
Musical life of Debussy
This serene and elegant music was composed by one of the most revolutionary and original composers at the turn of the nineteenth and twentieth centuries, Claude Debussy. 這份寧靜而優雅的音樂，出自十九與二十世紀交界最具革命性與原創性的作曲家之一克勞德・德布西（Achille-Claude Debussy）。 His music is intensely honest and direct, based on the strongest and most subtle personal experiences, yet distant from the cultural practices of the past, impatient with the predictable and the obvious. 他的音樂高度真誠且直接，建立在最強烈與最細緻的個人經驗之上，同時與過往文化實踐保持距離，對於可預期或直白顯露的表現方式缺乏耐性。 Behind a mask of coolness and ironic aloofness, Debussy lived a life not contained by social categories or responsibilities. 在冷靜與帶有反諷意味的疏離外表之下，德布西以一種不被社會分類或責任羈絆的方式生活。 He lived life very personally. 他以極度個人化的方式面對生命。 The late nineteenth century was a period of dramatic and revolutionary change in all the arts. 十九世紀晚期是所有藝術領域發生劇烈與革命性改變的時代。 Debussy saw many of the artists around him in Paris discarding the classical norms that were binding them. 德布西在巴黎看到許多身邊的藝術家捨棄束縛創作的古典規範。 In an approach sometimes described as anti art, they depicted their subjects with bold splashes of color or distorted points of view. 在某種被形容為反藝術的取向下，藝術家以大膽的色彩塊面或扭曲的視角來描繪題材。 Sometimes their subject was imaginary, more like dreams than any concrete reality. 有時候，他們的題材完全來自想像，更像夢境而非具體現實。 Debussy was born into this emerging dream world in Saint-Germain-en-Laye, an idyllic place fifteen miles west of Paris, in 1862. 德布西於1862年出生於巴黎西方約十五英里的聖傑曼昂萊（Saint-Germain-en-Laye），一處帶有牧歌氣息的地區，彷彿正落在這逐漸形成的夢境世界中。 Nothing in his family background or his early childhood circumstances suggested a musical future. 他的家庭背景與早期生活中沒有任何跡象顯示他將步入音樂之路。 His father, Manuel Debussy, and his mother, Victorine, were always short of money, always changing locations and arguing endlessly. 他的父親曼紐爾・德布西（Manuel Debussy）與母親維克多琳（Victorine）長期拮据不安、居無定所，而且經常爭吵。 They named their first child Achille, after the classical hero. 他們以希臘神話英雄阿基里斯為長子取名阿希爾（Achille）。 But little Achille was melancholic and skinny. 然而小阿希爾情緒多憂且身形瘦削。 After the French were surrounded by the Prussians during the Franco-Prussian War of 1870, his mother took him to stay with one of her in-laws in Cannes, and she arranged piano lessons for him with an Italian violin teacher. 1870年普法戰爭期間，法軍遭到普魯士軍包圍時，他的母親帶著他前往坎城（Cannes）與親戚同住，並由一位義大利籍小提琴老師教授鋼琴。 When Paris became a little quieter, his father took him to study with Madame Mauté de Fleurville, who had some connection with Chopin. 當巴黎局勢稍見平靜後，父親帶他拜師於莫泰夫人（Antoinette Mauté de Fleurville），她與蕭邦（Frédéric Chopin）有一定淵源。 She told him that he would be a pianist, and he believed her. 她告訴他他將成為鋼琴家，而他也相信了她的話。 At age eight, he performed pieces by Chopin and Liszt's Fantaisie Hongroise in a public concert, although he seemed to have had no interest in being a child prodigy or public performer. 八歲時，他在公開音樂會中演奏蕭邦與李斯特（Franz Liszt）的《匈牙利幻想曲》（Fantaisie hongroise），但他似乎並無成為神童或站上舞台的渴望。 Nevertheless, he was very good. 即便如此，他的表現相當優秀。 He had a quick ear and a quick hand. 他的聽覺敏捷，手指反應亦十分迅速。 Even as a boy, he was strong-willed and withdrawn because he felt awkward socially, uncertain in his talent, and yet felt some pride from the recognition he got. 即便在童年時期，他已顯露出固執與退縮的性格，因為他在社交上感到不自在，對自己的才華尚不確定，但對外界的稱讚又感到些許驕傲。 To satisfy his aesthetic impulses, he began making beautiful scrapbooks filled with pictures and quotes. 為滿足其審美衝動，他開始收集精美圖片與詩句，整理成剪貼冊。 These were like modern sketchbooks or diaries, showing his need to internalize the world and cultivate his personal identity. 這些剪貼冊彷彿現代的素描簿或日記，展現他需要將外界世界內化並塑造自身認同。 Madame Mauté's influence and his early education as a student at the Conservatory initiated him intellectually and artistically into the Belle Époque, a time that would be seen as the golden age of France. 莫泰夫人的影響與他在巴黎音樂院（Conservatoire de Paris）的早期教育，使他在思想與藝術上踏入法國美好年代（Belle Époque），這段時期後來被視為法國的黃金年代。 This was a great time for art and literature, but the Conservatory curriculum emphasized classical training, especially for pianists and composers, and Debussy came to be impatient with its focus on mere brilliance and needlessly elaborate contrapuntal and harmonic lessons. 那是一個藝術與文學高度繁榮的時代，但音樂院課程仍強調古典訓練，特別是對鋼琴家與作曲家而言，而德布西逐漸對其中過度追求炫技、以及過於繁複的對位與和聲教學感到不耐。 Not that he didn't grasp the principles underlying the rules, but he didn't respect the rules themselves, even when he obeyed them. 並非他無法理解規則背後的原理，而是他不尊敬這些規則本身，即便他在遵從它們時亦是如此。 He said that there was really no such thing as theory, and that there were only principles, which one could master with the ear. 他曾說音樂中其實並不存在真正意義上的理論，只有原則，而這些原則可憑耳朵掌握。 The guiding template for him was pleasure. 對他而言，最重要的準則即是愉悅。 Over the next several summers, he had the non-official job of working at the Château de Chenonceau, a beautiful Renaissance château in the Loire Valley, as a kind of summer musician. 在接下來好幾個暑假裡，他被非正式地安排至羅亞爾河谷的舍農索城堡（Château de Chenonceau），以一種夏季音樂人的身分工作。 His hostess there, Madame Wilson-Pellouz, got him a much better job with Nadezhda von Meck, Tchaikovsky's patroness. 那裡的女主人威爾森・佩盧斯夫人（Madame Wilson-Pellouz）為他牽線，得到一份更好的工作，使他得以受僱於柴科夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）的資助者馮・梅克夫人（Nadezhda von Meck）。 Von Meck took great interest in the seventeen-year-old Debussy, who although not particularly handsome, had a high forehead, good cheekbones and delicate features. 馮・梅克夫人對當時十七歲的德布西十分感興趣，他雖然稱不上英俊，卻有高聳的前額、明顯的顴骨以及細緻的臉部輪廓。 Debussy had a humorous side also, when he let down his guard. 當德布西卸下心防時，他也會展現幽默的一面。 He accompanied von Meck and her children to various stages of the Russian countryside to give piano lessons to her children. 他陪伴馮・梅克夫人及其子女前往俄羅斯鄉間不同地點，為孩子們教授鋼琴。 He absorbed everything he heard in the performances of the second piano concerto by Tchaikovsky. 他從柴科夫斯基第二號鋼琴協奏曲的演奏之中吸收並學習他所聽到的一切。 He was always curious and hungry for knowledge, but had given no thought to his future life's work. 他始終保有好奇心與求知慾，但當時仍未思考過自己未來的職志。 Returning to Paris, Debussy lived alone and worked as a vocal accompanist. 回到巴黎後，德布西獨自生活，並擔任聲樂伴奏工作。 Being a répétiteur brought him into the theatrical world, and in that world, one night he met a woman who would become one of the great passions of his life, Marie Vasnier. 這份排練鋼琴師的工作使他進入劇院世界，而在那個世界中，他某晚結識了對他生命有重大影響的女性瑪莉・瓦斯涅（Marie Vasnier）。 Marie Vasnier was not only very beautiful, she was also an unusually gifted amateur soprano. 瑪莉・瓦斯涅不僅非常美麗，還是一位極具天賦的業餘女高音歌者。 Her husband, Henri Vasnier, was a much older bureaucrat who was educated and refined. 她的丈夫亞納桑・瓦斯涅（Henri Vasnier）年紀較長，是一位受過良好教育且舉止文雅的公務人員。 Henri Vasnier was the one who supported the talented young composer, and Marie inspired many of Debussy's early songs. 支持這位年輕作曲家的是亞納桑，而瑪莉則啟發了德布西許多早期藝術歌曲的創作。 The relationship with Marie never had a future, as it was clearly an impossible, long-term romance. 他與瑪莉之間的感情顯然不可能發展成長期關係，這段愛戀注定沒有未來。 She treated him tenderly, but never seems to have reciprocated Debussy's adoration, and Debussy remained maddeningly jealous for years. 她以溫柔友善的態度對待他，然而似乎從未回應德布西的熱烈愛慕，而德布西在多年期間始終陷於折磨人的嫉妒心情中。 During this time, Debussy wrote incessantly, especially vocal music, creating melodies filled with longing, volatility, and willfulness, songs that were to become legendary in modern music. 在這段時間裡，德布西不停創作，特別是聲樂作品，他寫出充滿渴望、不安與任性的旋律，而這些歌曲後來成為現代音樂史上的重要作品。 In 1884, Debussy competed for the Prix de Rome, France’s most coveted musical prize, and won with his cantata "The Prodigal Son (L’enfant prodigue)". 1884年，德布西參加法國最受矚目的音樂獎項羅馬大獎（Prix de Rome），並以其清唱劇《浪子》（L’enfant prodigue）獲得首獎。 The prize enabled him to live and work at the Villa Medici in Rome, along with other young musicians and artists. 這項獎助使他得以與其他年輕音樂家與藝術家一起，居住於羅馬的美第奇別墅（Villa Medici）進行創作。 During his stay in Rome, Debussy's imagination was stimulated by poetry and literature. 在羅馬期間，德布西的想像力受到詩歌與文學的強烈刺激。 He especially admired the poetry of Charles Baudelaire and Paul Verlaine. 他特別推崇夏爾・波特萊爾（Charles Baudelaire）與保羅・魏爾倫（Paul Verlaine）的詩作。 These poets believed that their subjects couldn't be rendered directly, but should be suggested with images, rhythms and sounds of words withheld. 這些詩人相信他們的主題不能直接呈現，而應透過意象、節奏與隱含語句的聲響來加以暗示。 Debussy really liked this idea. 德布西對此觀念十分欣賞。 Music could be sensitive to nuance, without any need to explain. 音樂可以對細微差異保持敏銳，而無須解釋。 However, his prize came with stipulations, including the rule that all his work was supervised by the academy. 然而，這個獎項有相應規定，包括所有創作皆須由學院監督。 Debussy tried to avoid the unfashionable classical plots and radically emotional stories required in the cantatas he was obliged to write, but failed in them, producing pieces like the banal "Spring (Printemps)" that he would later reject as a bad early work. 德布西嘗試迴避學院要求在清唱劇中使用過時的古典劇情與過度激昂的情感故事，但未能成功，因此寫出如《春》（Printemps）這般平庸的作品，後來他否定這些早期作品的價值。 Even though he was in Rome, his heart and imagination were in Paris. 縱然身在羅馬，他的心與想像仍留在巴黎。 He especially missed Marie Vasnier, whom he considered his muse and first love. 他尤其思念瑪莉・瓦斯涅，他視她為自己的繆思與初戀。 Letters to Marie expressed his intense yearning for her and his jealousy of her husband Henri. 他寫給瑪莉的信中充滿對她的強烈思念與對其丈夫亞納桑的嫉妒。 It is important to note that his relationship with Marie had boundaries: she was married, and he understood that the connection would never come true. 值得注意的是，他與瑪莉的關係總有限制，她已有婚姻，而他也明白這段情感不可能實現。 Nonetheless, Marie remained an essential part of Debussy's emotional and creative landscape. 然而，瑪莉始終是德布西情感與創作世界中的關鍵存在。 Debussy returned from Rome in 1887, and soon became absorbed in the fashionable world of Paris together with his friend Erik Satie. 1887年，德布西從羅馬返回後，很快便與好友艾瑞克・薩替（Erik Satie）一同融入巴黎的時尚生活圈中。 Debussy visited all the major art exhibits and concerts and especially the new experimental opera being performed at the Opéra-Comique. 德布西參觀主要藝術展覽與音樂會，特別是前往喜歌劇院（Opéra-Comique）觀賞正在上演的前衛實驗歌劇。 He sought out literary salons with intellectual and sensual poetry readings and presentations of new piano pieces. 他經常前往文學沙龍，參與富含思想與感官刺激的詩歌朗誦，以及新鋼琴作品的發表。 For a young and fully alive composer, this was the place to be. 對於一位年輕而對生活充滿熱情的作曲家而言，這裡正是他嚮往之地。 In 1889, he heard for the first time the gamelan music of Indonesia at the Paris Exposition and was fascinated by the bell-like sonorities and repeating patterns. 1889年，他在巴黎世界博覽會中首次聽見來自印尼的加美蘭（Gamelan）音樂，被其鐘鈴般的音色與重複音型深深吸引。 The layered percussion, the gentle metallic instruments, the sinuous rhythm of hindustani singers: all these sounds entered into his imagination and gave him new ideas about orchestration and form. 多層次的敲擊聲響、輕柔金屬質地的樂器、印度斯坦（Hindustani）歌者蜿蜒的節奏，這些聲響全都進入他的想像空間，為他帶來新的配器與形式概念。 Debussy also listened to Russian music, such as Rimsky-Korsakov and Mussorgsky, whose harmonies and independent use of scales such as the whole-tone scale gave him new insights into what music could be. 德布西同時接觸俄國音樂，例如尼古拉・里姆斯基－柯薩科夫（Nikolai Rimsky-Korsakov）與莫傑斯特・穆索爾斯基（Modest Mussorgsky）的作品，他們的和聲語法與全音音階等素材的獨立運用，使他對音樂本質有全新的理解。 Through these influences he was beginning to shape his own original voice. 在這些影響之下，他開始逐漸形成自己獨特的音樂語言。 By 1890, Debussy's attitude toward the classical musical rules he learned at the academy was dissolving. 到了1890年，德布西對學院所傳授的古典音樂規範已逐漸鬆動。 He no longer wished to write symphonies and operas that explained their emotional content too directly. 他不再希望創作那種將情感過度直白表達的交響曲或歌劇。 He wanted sound itself to suggest meaning through subtle nuances and atmosphere. 他希望透過聲響本身，以細微變化與氛圍生成意義。 He wished to free himself from traditional forms and instead embrace changes of tempo, color and harmony that would create a feeling of suspended time. 他希望擺脫傳統曲式，而以速度、音色與和聲的變化來營造時間被懸置般的感受。 He sought the sounds that would reveal the hidden currents that he believed flowed underneath the surface of life. 他追尋那些能展現生命表層之下潛藏脈動的聲響。 Poetry and imagination would be uppermost. 詩意與想像將成為最重要的核心。 He wrote: "I wanted music to have the freedom that one finds in painting, where feeling is expressed in a thousand different shades and where rhythm is a thing fluid and divine." 他寫道：「我希望音樂擁有如繪畫般的自由，使情感得以透過成千上萬種色彩表現，並使節奏成為一種流動而神聖的事物。」 Debussy became a part of the Symbolist movement in Paris, an aesthetic philosophy shared by the poets Charles Baudelaire, Paul Verlaine and Stéphane Mallarmé. 德布西成為巴黎象徵主義（Symbolism）的一份子，這種美學理念是由詩人夏爾・波特萊爾（Charles Baudelaire）、保羅・魏爾倫（Paul Verlaine）與史蒂芬・馬拉美（Stéphane Mallarmé）共同推動。 Symbolists believed in suggestion rather than direct description. 象徵主義者相信應以暗示取代直接描述。 There can be a power in vagueness, in leaving things unsaid and partially revealed. 他們認為模糊與未盡揭露之間蘊含力量。 The music that Debussy was developing better suited the refined, sensual and abstract qualities that the Symbolists held dear. 德布西正在醞釀的音樂語言，更適合象徵主義所珍視的細緻、感官與抽象特質。 Music would not explain. 音樂不需要解說。 It would reveal. 它將展現事物。 Debussy was beginning to understand that music could evoke without naming, that it could reveal inner sensations without describing them literally. 德布西開始理解音樂能夠引發感受而不需指名，能夠揭示內在感覺而無須以字面方式描述。 This idea would guide his music throughout his life. 這個理念將貫穿他一生的創作。 In 1892, Debussy began work on an opera based on Maurice Maeterlinck’s play “Pelléas et Mélisande”. 1892年，德布西開始投入創作一部以莫理斯・梅特林克（Maurice Maeterlinck）的劇作《佩雷亞斯與梅麗桑德》（Pelléas et Mélisande）為題材的歌劇。 The story is mysterious, filled with suggestion and ambiguity, and Debussy sought to match the play's atmosphere with equally subtle music. 這則故事充滿神秘感與暗示性，帶有模糊與不確定性，而德布西試圖以同樣細膩的音樂語氣回應劇本的氛圍。 He avoided the grand arias and overt emotional display typical of 19th century opera, instead setting the speech rhythms of the French language to music, creating a naturalistic kind of sung conversation. 他避開十九世紀歌劇中常見的華麗詠嘆與外放情緒，改以前所未有的方式，以法語語調直接融入音樂，使歌唱如日常對話般自然。 In 1894, Debussy had his first major success with “Prelude to the Afternoon of a Faun (Prélude à l’après-midi d’un faune)”, inspired by a poem of Stéphane Mallarmé. 1894年，德布西以《牧神午後前奏曲》（Prélude à l’après-midi d’un faune）首次獲得重要成功，此曲靈感來自史蒂芬・馬拉美（Stéphane Mallarmé）的同名詩作。 This orchestral work opens with one of the most famous flute melodies in music history, a sinuous phrase that seems to dissolve traditional tonality. 這首管弦樂作品以音樂史上最著名的長笛旋律之一作為開端，曲線蜿蜒的聲線彷彿使傳統調性逐漸消解。 The piece created a new musical world, one that was fluid, suggestive and sensuous. 此曲開展了一個嶄新的音樂世界，呈現出流動、暗示與細緻感官性的特質。 This work helped establish Debussy’s reputation as a revolutionary composer. 這部作品奠定了德布西身為革新作曲家的聲望。 The success of “Prelude to the Afternoon of a Faun” encouraged Debussy to complete “Pelléas et Mélisande”, which premiered in 1902 after a long and difficult preparation. 《牧神午後前奏曲》的成功使德布西更有信心完成《佩雷亞斯與梅麗桑德》，此作歷經漫長且艱辛的準備後，於1902年首演。 The opera shocked many listeners, but others found its delicacy and truth deeply moving. 這部歌劇令許多聽眾感到震驚，但也有人被其細膩與真誠深深打動。 Debussy now turned to creating a new kind of piano music. 德布西開始致力於創作一種全新的鋼琴音樂。 He wanted the piano to sound less percussive, more like a watercolor painting, with harmonies that shimmered and dissolved like light on water. 他希望鋼琴的聲響不再是一種敲擊性的樂器，而更像水彩畫般，和聲能如水面上的光影般閃爍與消散。 His first book of “Nocturnes,” written for orchestra, explored various colors of night: clouds drifting in the sky, the sound of waves in the sea, the mystery of the moon. 他的《夜曲》（Nocturnes）第一冊為管弦樂作品，探索夜色中不同的音響色彩，例如天空中飄動的雲、海浪的聲響，以及月色的神秘氛圍。 In these pieces, Debussy moved away from traditional harmonic progressions and instead focused on chord colors and modal shades. 在這些作品中，德布西不再依賴傳統和聲進行，而是專注於和弦色彩與調式細部變化。 He was also inspired by the adventurous harmonic language of Richard Wagner, yet he chose to reject Wagner’s overwhelming drama and heavy emotional intensity. 他同時受到理查・華格納（Richard Wagner）大膽和聲語言的啟發，但他刻意拒絕華格納過度戲劇化與情緒強烈的氛圍。 Debussy wrote: “Wagner was a beautiful sunset mistaken for a dawn.” 德布西曾寫下：「華格納是一道被誤認為黎明的美麗夕陽。」 He wanted to move onward instead of backward. 他希望前進，而非回到過去。 Around this time, Debussy’s unconventional personal life also began to draw attention. 在這段時期，德布西不尋常的私人生活亦開始受到關注。 He ended his relationship with Marie Vasnier and became involved with a young woman named Gabrielle Dupont. 他結束與瑪莉・瓦斯涅（Marie Vasnier）的關係，並與一位名為加布里埃爾・杜邦（Gabrielle Dupont）的年輕女子交往。 Their relationship was passionate, but often stormy, and marked by Debussy’s restlessness and frequent absences. 他們的關係充滿熱情，然而動盪不安，德布西常因浮躁與頻繁缺席而使這段感情陷入困擾。 Despite the personal chaos, Debussy’s musical imagination continued to expand. 儘管個人生活混亂，德布西的音樂想像仍不斷擴展。 In 1903, Debussy married a woman named Lily Texier, but the marriage was troubled from the start. 1903年，德布西與莉莉・特謝（Lily Texier）結婚，但婚姻一開始便充滿問題。 Debussy was often unhappy and soon became involved with another woman, Emma Bardac, who was cultured, intelligent and more compatible with his artistic life. 德布西經常感到不快，且很快便與另一位女子艾瑪・巴達克（Emma Bardac）發展關係，她受過良好教育、聰慧，且更能與他的藝術生活契合。 Emma had previously been the lover of Gabriel Fauré, and she understood the artistic world that Debussy inhabited. 艾瑪先前曾是加布里埃爾・佛瑞（Gabriel Fauré）的戀人，她熟悉德布西所處的藝術圈。 Debussy left Lily to live with Emma, and the scandal shocked Parisian society. 德布西為了與艾瑪同居而離開莉莉，這樁醜聞震驚巴黎社交界。 Lily attempted suicide in despair, which caused many of Debussy’s friends to turn away from him. 莉莉因為絕望而試圖自殺，使得德布西失去許多朋友的支持。 Despite the turmoil, Debussy and Emma remained together and eventually married. 儘管風波不斷，德布西最終仍與艾瑪在一起並正式結婚。 In 1905, their daughter Claude-Emma was born, and Debussy adored her. 1905年，他們的女兒克洛德・艾瑪（Claude-Emma）出生，德布西非常疼愛她。 He called her by her nickname “Chouchou”. 他為她取了暱稱「Chouchou」。 She became a source of joy and tender inspiration for him during a period that was otherwise full of struggles. 在充滿困難的時期，小 Chouchou 成為他的喜悅與柔情靈感來源。 Around this time, Debussy moved with Emma and Chouchou into an apartment near the Bois de Boulogne, where he could work in peace. 在此期間，德布西與艾瑪和 Chouchou 一起搬到巴黎布洛涅森林（Bois de Boulogne）附近的住處，使他能在較為安靜的環境中創作。 He continued developing his distinctive orchestral palette and approach to form, exploring a world of suggestion rather than statement. 他持續發展獨特的管弦語彙與形式理念，探索以暗示取代陳述的音樂世界。 Debussy’s artistic ideals were now clear, and he continued to pursue new pathways in harmony and texture. 德布西的藝術理念至此已趨明確，他持續追尋和聲與音色上的新方向。 He wanted his music to reflect what he called “the mysterious correspondences between Nature and Imagination”. 他希望自己的音樂能反映出他所稱的「自然與想像之間的神秘關聯」。 He sought to express the inner life of things, rather than their outward appearance. 他試圖表現事物的內在生命，而非其外在形式。 He wrote piano works like “Estampes”, “Images” and the first book of “Préludes”, each piece a miniature scene filled with shifting colors. 他創作《版畫》（Estampes）、《映像》（Images）與《前奏曲集》第一冊（Préludes, Book I）等鋼琴作品，每首皆如一幅色彩不斷變化的微型場景。 Pieces such as “Water Reflections (Reflets dans l’eau)” evoke light shimmering on the surface of a river, yet do so without describing the scene literally. 其中如《水之映像》（Reflets dans l’eau）這樣的作品，在未直接描繪景象的情況下，仍能喚起河面上光影微動的感受。 He also wrote orchestral works such as “La Mer”, a portrait of the sea, which reveals its many moods. 他亦創作管弦樂作品《大海》（La Mer），以音樂描繪海洋千變萬化的情緒樣貌。 Debussy wrote: “Music is the space between the notes.” 德布西曾寫道：「音樂存在於音符之間的空間。」 He believed that silence and resonance were as meaningful as sound itself. 他認為沉寂與迴響與聲音本身一樣具有意義。 The critics often did not understand his work, but audiences increasingly appreciated the beauty and innovation he brought to music. 評論界時常不理解他的作品，但聽眾對他所帶來的美感與創新日益欣賞。 Debussy had become a leader of modern French music. 德布西已成為法國現代音樂的領軍人物。 However, Debussy’s life was not free of difficulties. 然而，德布西的人生並非沒有困難。 He struggled financially, often relying on advances from publishers and help from friends. 他時常面臨經濟壓力，經常依賴出版社的預付稿費與友人資助。 He felt the burden of expectations and the pressure to constantly innovate. 他感受到外界期待與持續創新的壓力。 Debussy also experienced declining health, suffering from stomach pain and other ailments that would later intensify. 德布西開始面臨健康衰退，飽受胃痛與其他病症之苦，而這些問題在後來愈加嚴重。 Yet despite setbacks, he worked with determination. 儘管遭遇種種阻礙，他仍堅定不懈地創作。 He composed the opera “The Martyrdom of Saint Sebastian (Le Martyre de saint Sébastien)” in 1911, a theatrical work with mystical religious themes. 他於1911年完成劇場作品《聖賽巴斯汀殉難》（Le Martyre de saint Sébastien），此作帶有神祕宗教題材。 His ballet “Jeux”, composed in 1913, featured new rhythmic ideas and an ethereal orchestral palette. 他於1913年創作的芭蕾舞作《遊戲》（Jeux），呈現新的節奏概念與輕盈飄逸的管弦色彩。 Debussy’s music continued to redefine what harmony and form could be. 德布西的音樂持續重新界定和聲與曲式的可能性。 He refused to be confined by any school or label. 他拒絕被任何學派或標籤所侷限。 He wrote: “There is no theory. You simply have to listen. Pleasure is the law.” 他寫道：「沒有什麼理論，你只需聆聽。愉悅就是法則。」 Debussy’s belief in freedom of expression remained central to his art. 自由表現的理念始終是德布西藝術的核心。 The outbreak of World War I in 1914 brought fear and uncertainty to France, and Debussy felt this strain deeply. 1914年第一次世界大戰爆發，為法國帶來恐懼與不確定性，德布西深受其壓力所影響。 Although sick and often depressed, he wrote several works in support of the French war effort. 儘管受病痛與憂鬱折磨，他仍創作多部作品以支持法國的戰爭努力。 These included pieces for piano such as “The Sunken Cathedral (La cathédrale engloutie)” and “Canope”, which reflect a somber and introspective mood. 其中包括鋼琴作品《沉沒的教堂》（La cathédrale engloutie）與《卡諾佩》（Canope），呈現沈鬱且內省的氣氛。 Debussy believed that music could provide consolation and strength during dark times. 德布西相信音樂能在黑暗時期提供慰藉與力量。 He wrote: “Art is the most beautiful of all lies.” 他寫道：「藝術是所有謊言中最美的一種。」 Debussy’s nationalism was quiet rather than loud, expressed through refinement rather than spectacle. 德布西的民族情感是內斂的，以細膩而非宏大姿態展現。 By the end of his life, he remained convinced that French music must develop its own identity, independent from German influences. 即使到了生命終點，他仍堅信法國音樂必須建立自身的獨立特質，不被德國影響所左右。 In 1915, he began composing a set of instrumental sonatas, intending to write six as a tribute to French tradition. 1915年，他開始創作一套器樂奏鳴曲系列，原計畫寫六首，以向法國的傳統致意。 He completed only three before his illness worsened: the “Cello Sonata”, the “Violin Sonata”, and the “Sonata for Flute, Viola and Harp”. 然而在病情惡化前，他僅完成三首作品，即《大提琴奏鳴曲》（Cello Sonata）、《小提琴奏鳴曲》（Violin Sonata）與《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》（Sonata for Flute, Viola and Harp）。 These late pieces show a new clarity, economy, and concentrated expressivity. 這些晚期作品展現出全新的明晰、精練與高度凝聚的表現力。 They are among Debussy’s final statements in his lifelong search for new musical possibilities. 它們是德布西在追尋音樂新可能之終身旅程中的最終語句之一。 Debussy died in Paris on March 25, 1918, during a German bombing raid, as World War I continued to rage. 1918年3月25日，當第一次世界大戰仍持續期間，德布西於德軍砲轟下在巴黎逝世。 He was buried quietly, without national ceremony, because of the wartime conditions. 由於戰時情況，他的安葬程序十分低調，未舉行全國性儀式。 Although his funeral was modest, his legacy would soon be celebrated around the world. 儘管葬禮樸素無華，他的音樂遺產很快便在全世界受到推崇。 Debussy left behind a body of work that transformed the language of music and opened new pathways for generations of composers to come. 德布西留下的作品徹底改變了音樂語言，並為後世作曲家開拓出嶄新的方向。
Part.2 克洛德・德布西（Claude Debussy）的音樂語言
The Musical Language of Claude Debussy
Debussy’s music is defined by its unique approach to harmony. 德布西的音樂以其獨特的和聲處理為重要特徵。 Traditional harmony seeks to direct the listener along a path of tension and release, moving toward a clearly defined cadence. 傳統和聲旨在引導聽者沿著緊張與舒緩的路徑前進，最終抵達明確的終止和聲。 Debussy preferred a different approach, in which harmony could exist for its own sake as a sound color rather than a function. 德布西則採取不同方式，將和聲視為獨立的聲響色彩，而非僅具有功能性的推進作用。 He often used chords that did not lead anywhere, creating a sensation of suspension. 他經常使用不具導向性的和弦，使音樂呈現懸置感。 These include whole-tone scales, pentatonic scales, modal inflections and parallel chord movements. 這些語彙包含全音音階、五聲音階、調式轉變以及平行和弦進行。 Instead of the goal-oriented harmonic progressions used in German music such as Wagner, Debussy’s harmonies frequently hover in one place. 與華格納（Richard Wagner）等德國音樂採用目標導向的和聲邏輯不同，德布西的和聲經常停留於同一位置。 His music encourages the listener to dwell in the moment rather than anticipate what comes next. 他的音樂鼓勵聆聽者停留於當下，而非期待接下來的發展。 Melody in Debussy’s works is often fluid and fragmented, avoiding symmetrical phrases. 德布西作品中的旋律常呈現流動且片段化的樣貌，避免對稱樂句。 He drew inspiration from French speech patterns, allowing melody to follow natural rhythms of language. 他從法語語調獲得靈感，使旋律順應語言自然的節奏。 Orchestration is central to Debussy’s sound world, treated not merely as support but as a primary expressive element. 配器是德布西音響語彙的核心，不僅用於伴奏，而是主要表現手段。 He used specific combinations of instruments to produce new timbres that had not been heard before. 他透過特定的樂器組合，創造前所未見的音色。 His writing for flute, oboe, harp and muted strings became characteristic of his style. 他為長笛、雙簧管、豎琴與弱音弦樂所設計的聲響，成為其風格的重要標記。 Debussy sought to reveal the essence of sound itself. 德布西旨在展現聲響本身的本質。 He once said that music was “a dream from which one must not wake”. 他曾說音樂是「一場不應被喚醒的夢」。 His goal was not to tell a story through music, but to allow sound to evoke inner sensations and images. 他的目標並非透過音樂敘述故事，而是讓聲音喚起內在感受與意象。 His approach opened new directions for twentieth-century composers, influencing figures such as Maurice Ravel and Igor Stravinsky. 他的理念為二十世紀作曲開啟新方向，影響包括莫里斯・拉威爾（Maurice Ravel）與伊戈爾・史特拉汶斯基（Igor Stravinsky）等人。 Debussy’s music often suggests the presence of water, wind or shifting light, but he does not directly imitate nature. 德布西的音樂時常暗示水、風或光影變化的存在，但並未直接模仿自然現象。 Instead, he aims to evoke the sensation of experiencing nature. 相反地，他旨在喚起人們感受自然的體驗。 This distinction reflects his belief that art should reveal the essence of things rather than depict their outer forms. 這種差異反映出他相信藝術應展現事物的本質，而非描繪外在形象。 Rhythm in Debussy’s works is often flexible and irregular, avoiding mechanical repetition. 德布西作品中的節奏常具有彈性且不規則，避免機械式重複。 His music frequently uses subtle tempo fluctuations to create a sense of fluid motion. 他的音樂經常透過細微速度變化，形成流動感。 Dissonance in his music does not always resolve, instead existing as part of the sonority. 在他的音樂中，不協和音並不一定導向解決，而是作為聲響的一部分存在。 This expands the expressive possibilities of harmony beyond the rules of classical tonality. 此舉使和聲表現超越古典調性規範的限制。 Debussy rejected the notion that music must develop through conflict and resolution. 德布西否定音樂必須依靠衝突與解決推展的觀念。 Rather than dramatic progression, he preferred musical ideas that unfold gradually. 他偏好逐漸展開的音樂想法，而非戲劇性的推進。 This approach led critics to describe his music as vague or formless, while supporters praised its refinement and originality. 這種方式使批評者視其音樂為模糊或不具形式，但支持者則讚揚其細緻與創新。 Debussy’s piano writing explores the full range of resonance available to the instrument. 德布西的鋼琴寫作探索鋼琴可展現的完整共鳴範圍。 He used the sustain pedal to create blurred harmonies and overlapping sonorities. 他運用延音踏板形成模糊和聲與重疊聲響。 He also incorporated new finger techniques to achieve effects similar to harp or percussion instruments. 他亦採用新的指法技巧，以達成接近豎琴或敲擊樂般的效果。 The result is music that invites the listener to perceive sound in new ways. 因此，他的音樂引導聽者以新的方式感受聲響。 Debussy was also influenced by non-Western musical traditions. 德布西同樣受到西方音樂以外傳統的影響。 The gamelan ensembles he heard at the 1889 Paris Exposition revealed to him a musical language based on timbre and pattern rather than harmony. 他在1889年巴黎世界博覽會中聽到的加美蘭（Gamelan）合奏，向他展現了一種以音色與音型為基礎、而非和聲推進的音樂語言。 This encounter led him to explore layered textures and repeating figures in his own works. 這次接觸促使他在作品中探索多層次音響與重複音型的運用。 He was also intrigued by Spanish and Middle Eastern musical idioms, which he incorporated into pieces such as “La soirée dans Grenade” and sections of “Ibéria”. 他亦對西班牙與中東音樂語彙深感興趣，並將其融入《格拉那達的黃昏》（La soirée dans Grenade）及《伊比利亞》（Ibéria）部分段落中。 Debussy admired the emotional directness and modal harmony of Russian composers, particularly Mussorgsky and Rimsky-Korsakov. 德布西欽賞俄國作曲家的情感直接性與調式和聲，尤其是莫傑斯特・穆索爾斯基（Modest Mussorgsky）與尼古拉・里姆斯基－柯薩科夫（Nikolai Rimsky-Korsakov）。 These diverse influences helped him create a personal voice that could not be defined by a single style or tradition. 這些多元影響協助他形成無法被單一風格或傳統界定的個人語言。 Debussy avoided academic counterpoint when it interfered with clarity or atmosphere. 當學院式對位妨礙音響明晰或氛圍呈現時，德布西傾向避免使用。 He favored transparent textures that allow each voice to be perceived within the whole. 他偏好能使每條聲部在整體中清楚辨識的透明音響結構。 His use of orchestral color became one of the defining markers of twentieth-century composition. 他對管弦音色的運用，成為二十世紀音樂創作的重要指標之一。 Critics often debated whether his music belonged to impressionism, a term borrowed from visual art. 評論者時常爭論他的音樂是否應被歸為「印象主義」，此術語源自視覺藝術領域。 Debussy himself rejected this label, insisting that music should not be tied too closely to painting or narrative. 德布西本人拒絕此稱呼，主張音樂不應過度依附於繪畫或敘事。 He argued that music possesses its own laws and expressive powers. 他認為音樂擁有自身的法則與表現能力。 Nonetheless, the term impressionism continues to be widely used to describe the atmospheric qualities and innovative harmonies of his works. 然而，「印象主義」一詞仍被廣泛使用，以描述其作品中的氛圍特質與創新的和聲語法。 Debussy believed that music should appeal directly to the senses. 德布西相信音樂應直接訴諸感官。 He felt that beauty in music arises not from strict form but from subtle gradations of sound. 他認為音樂之美並非來自嚴格曲式，而源於聲響層次的細緻變化。 He sought to compose pieces in which sound unfolds organically, rather than being forced into traditional structures. 他致力於創作使聲響自然展開的作品，而非被迫符合傳統框架。 His forms often resemble mosaics of short ideas rather than long, goal-oriented developments. 他的作品形式常由短小想法組合而成，而非以目標導向方式長篇推展。 This reflects his belief in musical freedom and fluid design. 這反映他對音樂自由與流動設計的信念。 Debussy was fascinated by the concept of timbre as an independent musical element. 德布西著迷於將音色視為獨立音樂元素的概念。 For him, tone color could suggest meaning just as effectively as melody or harmony. 對他而言，音色與旋律或和聲一樣能有效呈現意涵。 He expanded the role of traditionally secondary instruments, such as the harp, celesta and muted strings. 他擴大過往較為次要的樂器角色，例如豎琴、鋼片琴（celesta）與弱音弦樂。 He explored delicate balances between instrumental groups to create shimmering surfaces of sound. 他透過樂器群間的細緻平衡，形塑閃耀般的音響表面。 Debussy’s achievements helped redefine the orchestra for the twentieth century. 德布西的成就協助重新定義二十世紀的管弦樂。 His innovations influenced composers such as Maurice Ravel, Béla Bartók and Olivier Messiaen. 他的創新影響莫里斯・拉威爾（Maurice Ravel）、貝拉・巴托克（Béla Bartók）與奧利維耶・梅湘（Olivier Messiaen）等作曲家。 Through Debussy, music began to embrace a wider palette of timbres, rhythms and harmonic possibilities. 透過德布西，音樂開始接納更廣泛的音色、節奏與和聲可能性。 He opened doors that would lead future composers toward entirely new sound worlds. 他開啟通往全新音響世界的大門，供後世作曲家探索。 Debussy’s music often blurs the line between consonance and dissonance, treating both as equal components of sound. 德布西的音樂常模糊協和與不協和的界線，將兩者視為聲響中同等重要的成分。 He used unresolved sonorities to prolong moments of tension or wonder. 他透過未解決的聲響延長張力或驚奇的時刻。 Traditional tonal rules no longer dictated the direction of his music. 傳統調性法則不再支配他的音樂前進。 This gave listeners the sense of floating in an atmosphere rather than moving toward a fixed destination. 這使聆聽者如同漂浮在音響氛圍中，而非朝固定終點前進。 Debussy’s melodies often avoid clear climaxes, instead traveling in gentle curves. 德布西的旋律常避開明確高潮，而是以緩和曲線前進。 This approach reflects his belief that music should preserve a natural and fluid shape. 這種方式反映他相信音樂應保有自然與流動的形態。 His works frequently use subtle orchestral colors to evoke moods that cannot be precisely named. 他的作品經常以細膩的管弦色彩喚起難以明確命名的情緒。 For Debussy, ambiguity was not a weakness but a resource for expressive depth. 對德布西而言，模糊並非弱點，而是提升表現深度的資源。 He felt that music could represent experiences beyond the reach of words. 他認為音樂能表現語言難以企及的體驗。 Listeners are encouraged to feel rather than analyze his music. 他的音樂鼓勵聆聽者以感受為先，而非著重分析。 Critics sometimes accused him of neglecting structure, but his structures simply followed different principles. 評論者有時指責他忽略結構，但他的結構僅是遵循不同的原則。 Debussy’s forms emerge through layers of timbre and subtle thematic transformation. 德布西的曲式透過音色層次與主題細微變化逐步展開。 His music emphasizes detail and atmosphere rather than grand architectural design. 他的音樂強調細節與氛圍，而非宏大的建築式規劃。 Debussy often compared music to the visual arts, particularly painting. 德布西經常將音樂與視覺藝術，尤其是繪畫進行比較。 He admired artists who used color and light to create mood rather than to depict precise objects. 他欣賞那些運用色彩與光線來營造氛圍，而非描繪精確物象的藝術家。 Claude Monet’s paintings, with their attention to shimmering detail and shifting perception, paralleled Debussy’s own aesthetic concerns. 克洛德・莫內（Claude Monet）的作品，注重光影細節的閃耀與視覺感知的變化，與德布西自身的美學關懷相互呼應。 Debussy, however, insisted that music must remain independent, even while sharing certain qualities with art. 然而，德布西堅持音樂必須保持獨立性，即便它與藝術其他領域共享某些特質。 He believed music operates through sound alone, without the need for literal representation. 他相信音樂僅透過聲響運作，而無需字面再現。 He rejected the idea that music should imitate visual images. 他否定音樂應模仿視覺意象的觀念。 Instead, he argued that music can illuminate emotions and sensations that cannot be seen. 相反地，他認為音樂能揭示那些無法被看見的情緒與感受。 This belief shaped his entire compositional output. 這種信念塑造了他全數的創作成果。 Debussy also drew inspiration from literature, particularly from Symbolist poets like Stéphane Mallarmé and Paul Verlaine. 德布西亦從文學中汲取靈感，尤其來自象徵主義詩人史蒂芬・馬拉美（Stéphane Mallarmé）與保羅・魏爾倫（Paul Verlaine）。 He felt that their emphasis on nuance and suggestion closely matched the goals of music. 他認為他們對細微差異與暗示性的追求，與音樂的目標高度一致。 He cited poetic imagery as a guide for shaping musical phrases. 他視詩意意象為塑造音樂樂句的重要依據。 His interest in symbolist drama led him to works like “Pelléas et Mélisande”. 他對象徵主義戲劇的興趣，使他走向《佩雷亞斯與梅麗桑德》（Pelléas et Mélisande）等作品。 Debussy believed that opera should follow the rhythms of speech rather than impose artificial melodic structures. 德布西相信歌劇應遵循語言的節奏，而非強加人工式的旋律架構。 His vocal lines often resemble elevated speech set against atmospheric orchestration. 他的聲樂線條常如升華的語言，置於富有氛圍感的管弦伴奏之上。 Debussy’s views on orchestration went beyond simply assigning notes to instruments. 德布西對配器的看法遠超過為樂器分配音符的層次。 He treated the orchestra as a palette of colors that could be blended, layered or isolated for expressive effect. 他將管弦樂團視為可混合、堆疊或獨立呈現以達成表現效果的色彩調色盤。 He believed certain combinations of instruments could evoke specific moods or imagery. 他認為特定樂器組合能喚起特定的情緒或意象。 For example, the pairing of flute and harp often represents delicacy and transparency in his works. 例如，在他的作品中，長笛與豎琴的搭配經常象徵細膩與透明的音響。 Muted brass instruments can create a mysterious or distant quality. 弱音銅管樂器則能營造神秘或遙遠的質感。 Debussy’s attention to instrumental nuance helped redefine the role of timbre in Western music. 德布西對樂器細節的重視，協助重新界定音色在西方音樂中的角色。 He once remarked that composers should think in terms of sound before thinking in terms of notes. 他曾指出作曲家應先思考聲響，再思考音符。 This prioritization of sonority influenced generations of later composers. 此種將音響置於優先地位的觀念，影響了後世多位作曲家。 Debussy rejected the dominance of German symphonic tradition and sought to cultivate an authentically French musical language. 德布西拒絕德國交響傳統的支配，致力建立真正屬於法國的音樂語言。 He valued elegance, clarity and restraint, qualities he associated with French culture. 他重視優雅、清晰與節制，這些都是他認為代表法國文化的特質。 His music avoids heavy philosophical argument, choosing instead to focus on sensory detail. 他的音樂避免沉重的哲學論述，而是著重於感官細節。 Debussy emphasized that music should not attempt to resolve life’s deepest mysteries. 德布西強調音樂不必試圖解答人生最深沉的謎題。 It should simply allow listeners to feel the world more vividly. 它只需讓聆聽者更生動地感受世界。 Debussy inspired young composers to explore new musical paths that break away from convention. 德布西啟發年輕作曲家探索脫離傳統的新音樂道路。 His legacy includes a broader understanding of what harmony can express. 他的遺產之一，是讓世人對和聲表現力有更廣闊的理解。 He demonstrated that music could operate through suggestion and color rather than forceful development. 他證明音樂能透過暗示與音色運作，而非仰賴強烈推展。 Debussy’s work marked a major turning point in Western music, opening new doors at the dawn of the twentieth century. 德布西的創作代表著西方音樂的重要轉折，為二十世紀初帶來嶄新方向。 He remains one of the most influential composers in history. 他仍是音樂史上最具影響力的作曲家之一。
德布西（Claude Debussy）的代表作品
Debussy's major work
Debussy’s compositions span a wide range of genres including orchestral music, piano works, chamber music and opera. 德布西的作品涵蓋多種曲類，包括管弦樂、鋼琴作品、室內樂與歌劇。 His works reflect his evolving artistic ideals and demonstrate his mastery of musical color and subtlety. 他的創作反映其不斷演進的藝術理念，並展現他對音色與細微表情的高度掌握。 He wrote pieces that challenged listeners to perceive music through new perspectives. 他創作的作品挑戰聽者以全新角度理解音樂。 One of his early successes was the orchestral work “Prelude to the Afternoon of a Faun (Prélude à l’après-midi d’un faune)”. 他早期的一部成功作品是管弦樂《牧神午後前奏曲》（Prélude à l’après-midi d’un faune）。 This piece is often described as a milestone in modern music and marked the beginning of Debussy’s mature style. 此作常被視為現代音樂的里程碑，並代表德布西成熟風格的開端。 Its free structure and delicate orchestration reflect his new approach to musical form. 其自由的結構與細膩的配器展現他對音樂形式的新觀點。 Debussy explored the sea as a musical subject in “La Mer”, composed between 1903 and 1905. 德布西於1903至1905年間創作《大海》（La Mer），以海洋為音樂題材。 This orchestral triptych reveals the changing moods and forces of the ocean. 這部管弦樂三聯作展現海洋的多變情緒與力量。 The piece avoids literal depiction while evoking the essence of water and movement. 作品雖未直接描繪海景，卻成功喚起水與流動的本質。 Debussy described this work as “three symphonic sketches”. 德布西形容此作為「三幅交響素描」。 He focused on the sensation of the sea rather than its physical or visual qualities. 他著重於海洋帶來的感受，而非其物理或視覺特徵。 The orchestration is brilliantly transparent and highlights subtle instrumental colors. 作品的配器極為透明，強調細緻的樂器音色。 Another major orchestral work is “Nocturnes”. 另一部重要的管弦樂作品為《夜曲》（Nocturnes）。 This piece explores the idea of night in different forms. 此作探索夜晚以不同面貌呈現的概念。 The first movement, “Nuages”, evokes drifting clouds with static harmonies and floating textures. 第一樂章「雲」（Nuages）以靜止和聲與漂浮音響呈現飄動的雲層。 “Fêtes” is more lively and rhythmic, depicting festive activity. 「慶典」（Fêtes）則較為活潑與富節奏性，描繪節慶活動。 “Sirènes” uses wordless female choir to suggest the sea’s mysterious allure. 「海妖」（Sirènes）以無詞女聲合唱暗示大海的神秘魅力。 Debussy also wrote significant pieces for solo piano. 德布西亦創作多部具有重要地位的鋼琴作品。 His two books of “Images” demonstrate his mastery of pianistic tone color. 《映像》兩冊（Images）展現他對鋼琴音色掌握的成熟技藝。 Pieces such as “Water Reflections (Reflets dans l’eau)” show his ability to evoke natural elements through patterns and resonance. 其中的《水之映像》（Reflets dans l’eau）顯示他能透過音型與共鳴喚起自然意象。 His “Préludes”, written in two books, each contain twelve pieces that explore a wide range of moods and techniques. 他亦創作兩冊共二十四首《前奏曲》（Préludes），探索多樣的情緒與技巧。 Many of the preludes feature descriptive titles placed at the end of the piece in the score. 許多前奏曲在樂譜中將具象標題置於曲末。 This encourages listeners to form their own interpretations before seeing the label. 這種做法鼓勵聽者在閱讀文字前，自行形成詮釋。 Debussy’s piano style often pushes the instrument toward new expressive possibilities. 德布西的鋼琴風格常將此樂器推向新的表現可能。 Debussy’s chamber music output is relatively small but highly refined. 德布西的室內樂作品數量相對不多，但十分精緻。 His “String Quartet in G minor” reveals his early interest in unconventional harmonic movement and motivic transformation. 他的《G小調弦樂四重奏》（String Quartet in G minor）展現他早期對非傳統和聲進行與動機變化的興趣。 He later returned to chamber music in his final years with a set of instrumental sonatas. 在生命最後幾年，他回到室內樂創作，寫下一系列器樂奏鳴曲。 These include the “Cello Sonata”, the “Violin Sonata” and the “Sonata for Flute, Viola and Harp”. 此系列包括《大提琴奏鳴曲》（Cello Sonata）、《小提琴奏鳴曲》（Violin Sonata）與《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》（Sonata for Flute, Viola and Harp）。 Each of these works is concise, representing Debussy’s late style marked by clarity and economy. 每一首作品皆精煉凝縮，代表德布西晚期以明晰與節制為標誌的風格。 Debussy’s only completed opera, “Pelléas et Mélisande”, represents a turning point in music drama. 德布西唯一完成的歌劇《佩雷亞斯與梅麗桑德》（Pelléas et Mélisande）是音樂戲劇的重要轉折。 The vocal lines closely follow the rhythm of French speech, avoiding traditional operatic display. 聲樂線條緊密遵循法語語調，避免傳統歌劇的炫技與情感外放。 The orchestra provides atmosphere and psychological depth rather than accompaniment alone. 管弦樂團提供氛圍與心理深度，而非僅作為伴奏角色。 This resulted in a new kind of opera defined by subtlety rather than grand spectacle. 這使歌劇呈現新的樣貌，以細膩而非宏大視覺為特徵。 The work initially divided audiences but later earned recognition as a masterpiece. 此作首演時意見分歧，然而後來被公認為傑作。 Debussy also composed ballet music, including “Jeux”, which features unusual rhythms and timbral experimentation. 德布西亦創作芭蕾配樂，如《遊戲》（Jeux），其特色為不尋常的節奏與音色實驗。 His contributions expanded the expressive possibilities of musical theater. 他的創作擴展了音樂劇場的表現範圍。 Debussy’s choral music also reflects his distinctive style. 德布西的合唱作品同樣展現其獨特風格。 He often set Symbolist poetry to music, emphasizing nuance and atmosphere. 他經常為象徵主義詩作譜曲，強調細微層次與氛圍。 His choral writing avoids heavy textures, favoring clarity of vocal lines. 他的合唱寫作避免厚重音響，而偏好聲部線條的清晰呈現。 Works such as “Trois Chansons” reveal a playful yet refined character. 如《三首歌曲》（Trois Chansons）等作品展現出既活潑又精緻的特質。 Debussy also composed songs for voice and piano that show his sensitivity to text. 德布西亦創作多首聲樂與鋼琴歌曲，展現他對文字極高的敏感度。 He viewed music and poetry as complementary arts. 他認為音樂與詩歌是互補的藝術。 His melodies often enhance the natural rhythm and color of the French language. 他的旋律常加強法語語言的自然節奏與色彩。 Debussy avoided traditional operatic vocal techniques in his songs. 在藝術歌曲中，德布西避免採用傳統歌劇式聲樂技巧。 Instead, he favored a more intimate sound that blends seamlessly with the piano. 相反地，他偏好與鋼琴音響自然融合的親密聲線。 Many of his songs require careful attention to subtle changes in harmony. 他的多首歌曲要求演出者細緻掌握和聲中的微妙變化。 Debussy’s art song output played a crucial role in shaping modern French vocal music. 德布西的藝術歌曲創作在現代法國聲樂發展中占有重要地位。 His influence continues to be felt in the works of later composers. 他的影響延續於後世作曲家的作品之中。 Through his diverse catalog, Debussy expanded the boundaries of musical expression. 透過他多樣的創作，德布西拓展了音樂表現的邊界。 His works remain central to the repertoire and continue to inspire listeners and musicians alike. 他的作品仍是核心曲目，持續啟發聆聽者與音樂家。 Debussy’s relationship with performers also contributed to the reception of his music. 德布西與演奏者之間的互動，也影響其音樂的接受度。 He collaborated with artists who understood his sound ideals and interpretive preferences. 他與能理解其音響理念與詮釋偏好的藝術家合作。 Their performances helped shape public perception of his works. 這些演出者的詮釋對於公眾理解其作品具有關鍵作用。 Early champions of his music expanded its reach beyond France. 早期提倡其音樂的演出者，使其作品得以在法國以外傳播。 Publishers also recognized the significance of his compositions. 出版商亦意識到其作品的重要性。 They ensured his music became widely available to musicians and educators. 他們讓其作品得以廣泛供音樂家與教育界使用。 Despite initial controversy, Debussy remained steadfast in his artistic vision. 儘管初期受到爭議，德布西始終堅定其藝術理念。 He believed music should evoke imagination and sensation rather than follow rigid formulas. 他認為音樂應引發感官與想像，而非服膺僵化的公式。 Through persistent innovation, he earned recognition as a leading figure of modern music. 經由不斷創新，他最終獲得現代音樂領導者的肯定。 Debussy’s work marks a turning point in music history. 德布西的創作代表著音樂史的重要轉折點。 His approach broadened the expressive possibilities of harmony, timbre, and form. 他的創作方式拓展了和聲、音色與形式的表現可能。 Today, his influence remains evident in concert halls and conservatories around the world. 至今，他的影響仍可在全球各地的音樂廳與音樂院中感受。 Debussy’s music continues to captivate audiences with its originality and evocative power. 其音樂以獨創性與引發感受的能力持續吸引聽眾。 He occupies a central position in twentieth-century musical development. 他在二十世紀音樂發展中占據重要地位。 His legacy is preserved through ongoing performances, recordings, and scholarship. 他的遺產透過不間斷的演出、錄音與學術研究得以保留。
《佩雷亞斯與梅麗桑德》（Pelléas et Mélisande）
Debussy’s only completed opera, Pelléas et Mélisande, represents a milestone in his artistic career.
德布西（Claude Debussy）唯一完成的歌劇《佩雷亞斯與梅麗桑德》（Pelléas et Mélisande）代表著他藝術生涯的重要里程碑。 The work is based on Maurice Maeterlinck’s Symbolist play.
作品取材自象徵主義作家莫里斯・梅特林克（Maurice Maeterlinck）的同名戲劇。 It features a subtle and understated drama focused on psychological tension rather than action.
劇情著重於心理張力的細緻描繪，而非外在行動的強烈變化。 Debussy sought to create a vocal style that closely follows the rhythm and intonation of French speech.
德布西致力於建立一種貼近法語語音與語調節奏的聲樂風格。 He avoided traditional operatic arias and grand gestures.
他避免傳統歌劇中固定曲式的詠嘆與浮誇情感展現。 Instead, the vocal writing resembles continuous, natural speech.
相反地，其聲樂線條接近自然且不間斷的語言流動。 The orchestra does not merely accompany, but provides atmosphere and psychological depth.
管弦樂不僅是伴奏角色，而是營造氛圍與心理深度的關鍵力量。 Listeners encounter shifting colors and harmonies that reflect inner emotions.
聆聽者會感受音色與和聲的流動變化，對應角色內在情感。 The opera’s premiere in 1902 sparked debate among critics and audiences.
此劇於1902年首演時曾引發評論家與觀眾熱烈討論。 Some found it revolutionary, while others viewed it as too unconventional.
部分人視此劇為革命性創作，也有部分人認為其過於脫離傳統。 Over time, it has become recognized as a landmark of twentieth-century opera.
隨著時間推移，此劇已被視為二十世紀歌劇的重要里程碑。 Debussy’s work signaled a break from Romantic operatic traditions.
德布西的創作明顯區別於浪漫時期歌劇的傳統。 His approach influenced later composers who sought new dramatic and musical languages.
他的理念啟發許多後世作曲家探索嶄新的劇場與音樂語言。 Even today, Pelléas et Mélisande remains a central work in the modern repertoire.
直至今日，《佩雷亞斯與梅麗桑德》仍然是現代歌劇曲目中的核心作品。 The opera’s narrative revolves around themes of innocence, desire, and fate.
這部歌劇的敘事圍繞天真、渴望與命運等主題。 Characters rarely express their emotions directly, creating a sense of mystery.
人物鮮少直接表露情感，因此形成一種神秘感。 Silence and ambiguity play a significant dramatic role.
沉默與曖昧在劇中具有重要戲劇功能。 Debussy’s music enhances the atmosphere of secrecy and emotional restraint.
德布西的音樂加強了隱密氣氛與情緒克制。 Light and water imagery appear frequently throughout the opera.
光線與水的意象在整部歌劇中不斷出現。 These elements symbolize the characters’ internal states.
這些意象象徵角色內在心理狀態。 Debussy used specific instrumental colors to evoke these images.
德布西透過特定樂器音色喚起這些意象。 For example, muted strings and soft woodwinds create a sense of fragility.
例如，加弱弦樂與柔和木管帶來脆弱的感受。 Harp and celesta add a shimmering quality to the sound world.
豎琴與鋼片琴則增添閃光般的音響效果。 Throughout the opera, tonality is fluid and avoids clear resolution.
整部歌劇的調性處理具有流動性，避免明顯的和聲終止。 This reflects the uncertainty and inevitability present in the narrative.
這種方式對應故事中不確定與無法避免的命運氛圍。 Debussy considered this opera the realization of his dramatic ideals.
德布西視此劇為其戲劇理想的具體實踐。 It demonstrates his belief that drama and music should be fully united.
作品展現他認為劇情與音樂應完全結合的理念。 Many critics now regard it as a masterpiece of subtlety and psychological depth.
許多評論家如今認為此劇是一部細膩且富有心理深度的傑作。
《牧神午後前奏曲》（Prélude à l’Après-midi d’un faune）
Debussy’s Prélude à l’Après-midi d’un faune is one of his most celebrated orchestral works.
德布西（Claude Debussy）的《牧神午後前奏曲》（Prélude à l’Après-midi d’un faune）是其最知名的管弦樂作品之一。 Composed in 1894, it marks a turning point in his musical language.
此曲於1894年完成，代表著他音樂語言的重要轉折。 The piece was inspired by Stéphane Mallarmé’s Symbolist poem.
作品靈感來自象徵主義詩人史蒂芬・馬拉美（Stéphane Mallarmé）的同名詩作。 Rather than illustrating a narrative, the music evokes an atmosphere.
音樂並非描繪具體故事，而是呈現一種感受與氛圍。 Debussy sought to capture the sensual and dreamlike qualities of the poem.
德布西試圖捕捉詩中感官性與夢幻般的特質。 The work opens with a solo flute melody that has become iconic.
作品以獨奏長笛旋律開展，已成為經典象徵。 Its sinuous line suggests both freedom and hesitation.
旋律曲線帶有自由又猶疑的特性。 The harmony avoids traditional progressions and resolutions.
和聲處理避免傳統的進行方式與明顯結束。 This creates a suspended, floating sensation.
因而形成如懸浮般的音響感受。 Debussy uses orchestral color with great delicacy.
德布西巧妙運用管弦樂音色。 Harp, muted strings, and subtle woodwinds shape the sound world.
豎琴、加弱弦樂與細膩木管共同塑造整體音響。 Changes in texture and dynamics unfold seamlessly.
音響質地與力度的變化以流暢方式推展。 The music mirrors a faun’s languid afternoon reverie.
音樂反映牧神午後慵懶幻想的狀態。 When premiered, the work was hailed as innovative and influential.
作品首演時即被視為具創新與影響力的作品。 Many consider it the beginning of modern orchestral writing.
許多人視此曲為現代管弦樂語法的起點。 The ballet adaptation by Vaslav Nijinsky further elevated its cultural impact.
日後由瓦斯拉夫・尼金斯基（Vaslav Nijinsky）改編成芭蕾，更提升其文化影響力。 Prélude à l’Après-midi d’un faune remains a key example of Debussy’s ability to evoke imagery through sound.
《牧神午後前奏曲》充分展現德布西以音響喚起意象的能力。 Its refined orchestration and harmonic innovation continue to inspire musicians today.
其精緻配器與和聲創新至今仍啟發無數音樂家。 The flute’s role in the work is particularly significant.
長笛在此曲中具有特別重要的角色。 It represents the faun and introduces the central musical ideas.
它象徵牧神形象並引出主要音樂材料。 Debussy’s choice reflects his interest in solo woodwind color.
德布西的選擇反映出他對木管獨奏音色的興趣。 The melody’s chromaticism creates a sense of fluid movement.
旋律中的半音運用帶來如流水般的流動感。 Rhythmic flexibility allows the performer interpretive freedom.
節奏上的彈性讓演奏者具備詮釋空間。 As the music develops, motives appear and vanish without strict structure.
隨著音樂發展，動機不受嚴格結構束縛地出現與消失。 The form unfolds like a continuous impulse rather than traditional sections.
形式呈現如持續推展的意念，而非傳統段落劃分。 This contributes to the impression of a dreamlike scene.
此方式增添音樂夢幻般的感受。 Debussy’s innovative writing influenced composers of the early twentieth century.
德布西的創作革新影響二十世紀初的許多作曲家。 His harmonic language encouraged others to explore new tonal possibilities.
他的和聲語法促使他人探索新的音響可能。 The work also inspired later developments in ballet and orchestral technique.
此曲亦進一步啟發芭蕾及管弦樂技法的發展。 Prélude à l’Après-midi d’un faune demonstrates the power of suggestion in music.
《牧神午後前奏曲》展現音樂暗示性的力量。 Rather than telling a literal story, it invites listeners into an imaginative experience.
它不直接敘述故事，而是引導聽者進入想像世界。 Today, the piece continues to be widely performed and admired.
今日此曲仍被廣泛演出並深受推崇。 Its enduring appeal lies in its originality and expressive subtlety.
其魅力來自於原創性與細膩的表現方式。
《水之映像》（Reflets dans l’eau）與鋼琴音響的革新
Debussy’s piano music played a major role in redefining the instrument for the modern era.
德布西（Claude Debussy）的鋼琴創作在現代鋼琴語法的重塑上具有重要地位。
He expanded the expressive potential of tone color and pedaling.
他擴展鋼琴音色與踏板的表現潛能。
Rather than emphasizing traditional harmonic progressions, he used sound as a primary element.
他不再以傳統和聲推進為主，而是將音響本身視為主要材料。
Pieces such as “Reflets dans l’eau” from Images exemplify his approach.
例如《意象集》（Images）中的〈水之映像〉（Reflets dans l’eau）清楚展現此理念。
The music evokes the shimmering movement of water.
音樂呈現水面閃動與流動的形貌。
Debussy achieved this through arpeggiated figures and delicate dynamics.
德布西透過分解和弦型態與細膩力度控制達成此音響效果。
Pedal use allows harmonies to blend into fluid textures.
踏板運用使和聲融化為流動的音響質地。
The result is a sound world where melody and harmony seem to dissolve together.
最終形成旋律與和聲相互交融、難以分界的音響世界。
Debussy frequently drew inspiration from nature, especially water.
德布西經常從自然汲取靈感，尤其是與水有關的意象。
Rippling figures and subtle shifts in light are suggested through musical gestures.
音型的波動與光線變化透過音樂動作加以呈現。
In “Reflets dans l’eau,” the listener perceives reflections changing shape.
在〈水之映像〉中，聆聽者可感受倒影不斷變化的狀態。
Debussy’s piano writing asks performers to prioritize resonance over articulation.
德布西的鋼琴語法要求演奏者注重共鳴效果而非明確句奏。
He also used modal harmonies and whole-tone scales.
他常運用調式和聲與全音音階。
These techniques further distance the music from tonal predictability.
此類方法進一步使音樂遠離傳統調性可預測性。
The pianist must balance clarity and blur in order to create the intended effect.
鋼琴家必須在清晰與朦朧之間取得平衡，才能呈現作曲者所意欲塑造的效果。
Debussy’s innovations influenced piano composition throughout the twentieth century.
德布西的創新對二十世紀鋼琴創作深具影響。
His music demonstrated that the piano could paint with sound rather than imitate the voice.
他的作品展現鋼琴能以音響“描繪”，而無須模仿人聲。
This redefined the artistic possibilities of the instrument.
此舉重新界定鋼琴的藝術可能性。
Images remains a cornerstone of modern piano repertoire.
《意象集》至今仍是現代鋼琴曲目中極具代表性的作品。
Its demands encourage performers to rethink touch, sonority, and listening.
作品要求演奏者重新思考觸鍵方式、音響形態與聆聽敏感度。
Debussy’s contribution to piano literature is both foundational and enduring.
德布西對鋼琴文獻的貢獻具有奠基性且歷久不衰。
《沉沒的教堂》（La cathédrale engloutie）與和聲空間的擴展
Debussy’s fascination with myth and legend also shaped his piano music.
德布西（Claude Debussy）對神話與傳說的喜好同樣影響其鋼琴創作。 “La cathédrale engloutie” from Préludes Book I draws on a Breton legend.
《前奏曲集》（Préludes）第一冊中的〈沉沒的教堂〉（La cathédrale engloutie）取材自布列塔尼傳說。 The story tells of a cathedral rising from the sea at dawn.
傳說內容為一座大教堂於黎明時自海面升起。 Debussy depicts this scene through gradual dynamic and textural expansion.
德布西透過力度與音響質地的循序擴展描繪此景象。 Open fifths and modal harmonies suggest ancient church sonorities.
開放五度與調式和聲營造出古老聖堂音響感。 Heavy chords represent the slow emergence of monumental architecture.
厚重和弦象徵宏偉建築物緩慢升起。 The music becomes fuller as the cathedral rises.
隨著教堂升起，音響逐漸飽滿。 Pedaling sustains resonance, imitating the acoustics of stone structures.
踏板的共鳴效果模擬石造建築的音場回響。 Debussy uses dynamic contrast to create a sense of distance and grandeur.
德布西透過力度對比形成距離感與莊嚴氣氛。 The return to softer dynamics suggests the cathedral sinking back into the sea.
回到輕柔聲響象徵教堂重返海底。 Debussy carefully controls registration to evoke spatial depth.
德布西精準運用音域分布，以呈現空間縱深。 The listener imagines waves, bells, and ancient rituals.
聆聽者可感受海浪、鐘聲與古老儀式的意象。 This work demonstrates Debussy’s use of the piano to simulate architectural space.
此作品展現德布西以鋼琴模擬建築空間的能力。 The harmonic progressions emphasize resonance over functional movement.
和聲進行注重共鳴效果而非傳統功能走向。 Debussy creates a slow transformation rather than abrupt contrasts.
德布西藉由緩慢變化，而非突兀對比，推展整體音樂。 “La cathédrale engloutie” is considered a prime example of musical imagery.
〈沉沒的教堂〉被視為音響意象作品的典範。 It continues to challenge performers’ sensitivity to sound and pacing.
作品持續考驗演奏者對音響與音樂推展速度的敏感度。
《格拉那達的黃昏》（La soirée dans Grenade）與節奏語法的拓展
Debussy’s interest in exotic cultures also influenced his compositions.
德布西（Claude Debussy）對異文化的興趣亦深刻影響其創作。 “La soirée dans Grenade” from Estampes explores Spanish sound worlds.
《版畫集》（Estampes）中的〈格拉那達的黃昏〉（La soirée dans Grenade）呈現西班牙式音響世界。 Rather than imitating folk tunes, he suggests atmosphere through rhythm and harmony.
他並不直接模仿民謠旋律，而是透過節奏與和聲暗示當地氛圍。 The habanera rhythm provides a recognizable foundation.
哈巴涅拉節奏為作品提供可辨識的基礎。 It lends a sense of dance and nocturnal allure.
此節奏帶來舞蹈般律動與夜晚特有的魅力。 Debussy incorporates guitar-like textures in the piano writing.
德布西在鋼琴語法中加入類似吉他的音型。 Staccato chords and plucked figurations imitate strumming gestures.
斷奏和弦與類似撥弦的音型模仿吉他掃弦動作。 He uses modal inflections to suggest Spanish melodic color.
他以調式轉折暗示西班牙旋律色彩。 The music unfolds like a wandering evening scene.
音樂如夜間漫步情景般逐漸展開。 Shadows and distant sounds are hinted through dynamic nuance.
透過力度細節暗示陰影與遠方聲響。 Debussy does not rely on overt characterization.
德布西並未採用明顯具象的描寫方式。 Instead, he cultivates ambiguity consistent with Symbolist aesthetics.
相反地，他塑造符合理象徵主義美學的曖昧性。 The piece merges rhythmic drive with atmospheric freedom.
作品結合節奏推動與音響自由流動。 This balance demonstrates Debussy’s ability to integrate structure and imagery.
此種平衡展現他將結構與意象融合的能力。 “La soirée dans Grenade” remains a central work in the repertoire exploring national idioms.
〈格拉那達的黃昏〉依然是研究民族風格語法的重要曲目。 Performers must manage precise rhythm while maintaining sonic flexibility.
演奏者必須在精準節奏與音響彈性之間取得平衡。 The music illustrates Debussy’s broader engagement with musical cultures beyond France.
此作品顯示德布西對法國以外音樂文化的關注。
《在小船上》（En bateau）與輕盈音樂質感展現
Debussy’s attraction to fluid motion appears frequently in his music.
德布西（Claude Debussy）對於流動意象的興趣在其作品中時常出現。
“En bateau” from Petite Suite is an early example.
《小組曲》（Petite Suite）中的〈在小船上〉（En bateau）即為早期範例。
The piece conveys a gentle sense of boating on calm water.
作品呈現於平靜水面上輕舟緩行的感受。
Debussy uses smooth melodic lines supported by soft accompaniment.
德布西以流暢旋律搭配柔和伴奏進行。
The rhythmic pacing suggests quiet, unhurried movement.
節奏安排暗示安靜且不倉促的移動。
Impression is prioritized over narrative detail.
作品著重感受呈現，而非具體敘事細節。
Harmonic choices create a serene atmosphere.
和聲選擇營造寧靜氛圍。
The texture remains transparent to maintain a light quality.
音響質地保持清透，以維持輕盈感。
Debussy employs subtle changes in timbre to evoke shifting reflections on water.
德布西透過細微音色變化描繪水面倒影的更迭。
Small fluctuations in dynamics enhance the sense of natural motion.
力度細幅擺動強化自然流動的形象。
Though modest in scale, the work reveals early signs of Debussy’s mature style.
雖然篇幅不大，此曲已呈現德布西成熟風格的早期跡象。
It demonstrates his ability to shape imagery through understated means.
作品展現他以克制手法塑造音樂意象的能力。
The simplicity requires precise touch and balance from performers.
其簡約性要求演奏者具備精準觸鍵與音響平衡。
“En bateau” remains a frequently performed repertoire piece due to its charm and elegance.
〈在小船上〉因其優雅與雅致至今仍常被演出。
It continues to offer insight into Debussy’s evolving pianistic imagination.
此曲持續提供理解德布西鋼琴音響想像之演變的重要觀察。
歌曲創作與詩文本音律的結合
Debussy composed numerous songs that reflect his close connection to French poetry.
德布西（Claude Debussy）創作多首藝術歌曲，展現他與法國詩歌的緊密連結。 He collaborated with Symbolist writers who shared his aesthetic goals.
他與多位象徵主義詩人合作，共同追求相似美學理念。 The text shapes the musical structure in his songs.
在其歌曲創作中，文字直接影響音樂架構。 Debussy emphasized natural speech rhythms and subtle inflections.
德布西重視語言的自然節奏與細微語調變化。 He believed music should enhance poetic meaning without overpowering it.
他認為音樂應強化詩意，而非壓過文字本身。 The vocal lines often follow the contours of spoken French.
聲樂線條經常依循法語口語語調的起伏。 Accompaniments offer atmosphere and harmonic color rather than strict metric support.
鋼琴伴奏提供氛圍與和聲色彩，而非僵化的節拍支撐。 Many songs avoid conventional forms such as strophic repetition.
許多作品避免傳統分節重複的形式。 Debussy preferred fluid development guided by the poem’s emotional shifts.
他偏好依據詩文情緒推展的流動式結構。 His attention to diction requires singers to focus on clarity of French pronunciation.
他對咬字精準度的重視，使演唱者必須確保法語吐字清晰。 The piano often suggests imagery implied by the text.
鋼琴常呈現詩文中隱含的意象。 Debussy’s songs illustrate his belief in the unity of word and sound.
德布西的歌曲展現他對文字與音響合一理念的堅持。 Several cycles, including those set to Paul Verlaine’s poetry, remain central to the repertoire.
其中多套曲，如改編自保羅・魏爾倫（Paul Verlaine）作品者，仍為核心曲目。 These works continue to be valued for their refined expression.
這些作品因其精緻表現方式持續受到重視。 Debussy’s contribution to art song helped shape the direction of French vocal music in the twentieth century.
德布西對藝術歌曲創作的貢獻，深刻影響二十世紀法國聲樂發展。
室內樂創作與聲部平衡的探索
Debussy’s contributions to chamber music include a small number of significant works.
德布西（Claude Debussy）在室內樂領域的作品雖不多，但都具有重要性。 Among them, his String Quartet in G minor stands as a landmark.
其中，G小調《弦樂四重奏》是具有里程碑意義的作品。 He experimented with new interactions between the instruments.
他在作品中嘗試建立全新聲部互動方式。 Rather than treating individual lines separately, he emphasized overall sonic cohesion.
他不將聲部視為獨立單位，而是強調整體音響的融合性。 Motivic ideas are shared and transformed across the ensemble.
主題動機在不同聲部之間共享並相互轉化。 Debussy also explored rhythmic fluidity within a chamber texture.
他在室內樂音響中探索節奏的流動變化。 Unexpected accents and flexible pacing shape musical progression.
作品以意料之外的重音與彈性速度形成音樂推展。 Harmonic language departs from traditional functional patterns.
和聲語法已明顯脫離傳統功能走向。 The quartet demonstrates his interest in coloristic effects even without orchestration.
作品即使不借助大型管弦樂，也展現他對音色效果的持續追求。 Debussy viewed chamber music as an ideal setting for structural innovation.
他認為室內樂形式適合進行結構層面的創新。 It allowed him to refine motivic materials with clarity.
此形式讓他能以更清楚方式處理與發展動機材料。 He valued the genre for its intimacy and direct communication of musical ideas.
他重視此類作品所具備的親密氛圍與音樂理念的直接傳遞。 Debussy’s chamber music influenced later composers seeking new ensemble languages.
德布西的室內樂創作影響後世作曲家探索新的合奏語言。 Although the quantity is limited, its artistic impact remains substantial.
儘管作品數量有限，其藝術影響力仍相當深遠。 The String Quartet continues to be widely performed and studied.
這首弦樂四重奏至今仍廣為演出與研究。 Its role in shaping modern chamber aesthetics is firmly established.
作品在塑造現代室內樂美學上占有既定地位。
晚期創作與音響語法的成熟
In Debussy’s later years, his compositional language underwent further refinement.
德布西（Claude Debussy）晚期的創作語法更趨成熟與精煉。 He focused on concentrated forms and concise thematic development.
他專注於更精簡的形式與主題材料的濃縮發展。 The music often features subtle contrasts rather than dramatic gestures.
音樂傾向以細微對比呈現，而非大幅度戲劇起伏。 Debussy explored new approaches to sonority and texture in smaller ensemble settings.
他在小編制作品中持續探索新的音響呈現方式。 The Sonata for Cello and Piano demonstrates his interest in instrumental dialogue.
《大提琴與鋼琴奏鳴曲》（Sonate pour violoncelle et piano）呈現其對樂器間對話性的關注。 Lines interweave freely, creating constantly shifting perspectives.
聲部線條自由交織，使音響觀點不斷變換。 The Sonata for Violin and Piano features refined articulation and harmonic clarity.
《小提琴與鋼琴奏鳴曲》（Sonate pour violon et piano）展現精緻句奏與清晰和聲。 Debussy favored precision over density in these works.
他在這些作品中更重視精準，而非音響厚度。 His final completed work, the Sonata for Flute, Viola, and Harp, illustrates his evolving ensemble imagination.
其最後完成之作《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》（Sonate pour flûte, alto et harpe）展現他合奏音響想像的持續演進。 The unconventional combination emphasizes timbral contrast and delicate balance.
此非典型編制強調音色對比與細膩平衡。 Debussy planned a total of six sonatas in this series.
德布西原規劃此系列共六首奏鳴曲。 He completed only three before his death in 1918.
但因1918年逝世，最終僅完成三首。 These late works reflect an introspective and disciplined artistic voice.
這些晚期作品反映更內省且自律的藝術語言。 Debussy’s attention to detail reveals a deepening of his modernist ideals.
他對細節的重視展現其現代主義理想的深化。 Rather than expanding outward, he explored refinement within limited material.
他不再追求外在擴張，而是在有限材料中深化表現。 Today, these sonatas are regarded as major contributions to twentieth-century chamber music.
今日這些奏鳴曲被認為是二十世紀室內樂的重要作品。
晚年健康與創作精神的延續
In the final decade of his life, Debussy struggled with serious illness.
德布西（Claude Debussy）生命最後十年間深受重病所苦。 He was diagnosed with cancer in 1909.
他於1909年被診斷出罹患癌症。 Despite physical limitations, he continued composing when able.
儘管身體受限，他仍在能力許可時持續創作。 His determination reflects a strong commitment to artistic expression.
此舉反映他對藝術創作的堅定信念。 Public performances of his later works offered him encouragement.
晚期作品的公開演出為他帶來精神鼓勵。 Debussy remained active in musical circles through correspondence and collaboration.
德布西仍透過書信與合作維持在音樂界的參與。 He was aware of his influence on contemporary composers.
他清楚自己對同時代作曲家的影響力。 However, he also observed new trends emerging in European music.
然而，他也觀察到歐洲音樂中新風格的出現。 He expressed concern about directions he felt differed from his ideals.
他對於偏離其美學理念的發展方向曾表達關切。 Debussy maintained that music should prioritize refinement and clarity.
德布西始終認為音樂應以精煉與清晰為原則。 His writings reveal a belief in the enduring value of nuanced sound.
他的文字顯示他相信細緻音響具有持久價值。 Even while ill, he completed important works that continued expanding his musical language.
即便在病中，他仍完成持續拓展其音響語法的重要作品。 His final years illustrate the persistence of his creative spirit.
他生命最後幾年的創作行動可見其創意精神依然堅定。 Debussy passed away in Paris in 1918 at the age of fifty-five.
德布西於1918年在巴黎辭世，享年五十五歲。 His death marked the loss of a major figure in modern music.
他的離世代表現代音樂失去了一位重要人物。
遺產與二十世紀音樂界的地位
Debussy’s influence on twentieth-century music is widely acknowledged.
德布西（Claude Debussy）對二十世紀音樂發展的影響已獲廣泛認可。 His innovations encouraged composers to explore new sound possibilities.
他的創新促使許多作曲家探索新的音響可能性。 He demonstrated alternatives to traditional tonal systems.
他示範了不同於傳統調性系統的創作方向。 Debussy emphasized timbre as a structural element in music.
德布西將音色視為音樂架構中的核心要素。 This shift affected genres ranging from piano works to orchestral compositions.
此一觀念轉變影響鋼琴作品至管弦樂各類型式。 Many composers cited his techniques as foundational to their own work.
許多作曲家將其創作技法視為自身藝術發展的基礎。 These include figures associated with modernism and the avant-garde.
其中包含與現代主義與前衛派相關的重要人物。 His sound ideals helped shape the development of film music as well.
他的音響理念亦對電影配樂的發展有所助益。 Debussy’s ability to evoke imagery through sound continues to resonate in contemporary practices.
他透過音響呈現意象的方式，至今仍在當代創作中延續。 Musicologists have extensively studied his contributions to form, harmony, and orchestration.
音樂學者廣泛研究其在形式、和聲與配器上的貢獻。 His works are frequently included in concert repertoire and conservatory curricula.
其作品經常被編入音樂廳演出計畫與音樂教育課程。 Debussy’s legacy reflects a lasting balance of refinement and innovation.
德布西的音樂遺產展現精煉與創新的持續並行。 He is regarded as a central figure in the transition to modern musical language.
他被視為音樂語法邁向現代化的重要推動者之一。 His achievements remain a subject of scholarly interest and artistic admiration.
他的藝術成就在學術與藝術領域仍具高度關注與敬重。
總結：德布西在音樂史中的定位
Debussy’s artistic ideals continue to shape how we understand modern music.
德布西（Claude Debussy）的藝術理念持續影響我們理解現代音樂的方式。 His pursuit of refined sound and freedom from convention was pivotal to his legacy.
他對精緻音響與擺脫傳統框架的追求，是其藝術遺產的核心。 He approached music as a space for imagination rather than rigid structure.
他視音樂為展現想像的領域，而非依賴僵化結構。 Debussy’s work expanded the vocabulary of harmony, rhythm, and instrumental color.
其創作拓展了和聲、節奏與樂器音色的語彙。 His innovations helped redefine the expressive capacity of the Western musical tradition.
他的革新重新界定西方音樂傳統的表現範圍。 Many contemporary musicians regard him as a catalyst for artistic evolution.
許多音樂家視他為藝術演變的關鍵推動者。 His influence appears not only in classical genres but also in film and popular music.
其影響不僅存在於古典音樂，也延伸至電影配樂與流行音樂領域。 Debussy’s works demonstrate that subtle detail can yield profound emotional impact.
他的作品展現細緻處理亦能呈現深層情感力量。 Modern audiences continue to value his clarity and sensitivity to sound.
現代聽眾依然重視其音響的清晰與敏感度。 Debussy remains a central subject of scholarly analysis.
德布西仍是音樂學研究的核心人物之一。 His legacy reflects an enduring balance between innovation and artistic restraint.
他的遺產展現創新與藝術克制之間的持續平衡。 Debussy established a pathway that encouraged music to progress into new territories.
他為音樂開拓通往新領域的道路。 His contributions ensure that he remains a defining voice in twentieth-century music history.
他的貢獻確立他為二十世紀音樂史中具有代表性的關鍵人物。
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【BON音樂】2022.04.23. 長榮交響樂團 - 燦爛⟪火鳥⟫ 音樂會導聆
【BON音樂】2022.04.23. 長榮交響樂團 - 燦爛⟪火鳥⟫ 音樂會導聆
Evergreen Symphony Orchestra 20220423
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今天介紹的主題，是蹦藝術執行長林仁斌老師將於2022年4月23日（六）晚間於國家音樂廳導聆的長榮交響樂團音樂會 - 燦爛⟪火鳥⟫ 。
以下是音樂會海報：
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音樂會導聆人
蹦藝術網站執行長 林仁斌老師簡介
音樂導聆現場
音樂會詳細資訊：
| 燦爛《火鳥》- 嚴俊傑與 ESO |
| Brilliant《Firebird》- Chun Chieh Yen & ESO |
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指揮
音樂總監 \ 樂團指揮 葛諾‧舒馬富斯（Gernot Schmalfuss）
葛諾．舒馬富斯於德國岱特摩音樂學院及英國倫敦音樂學院修習雙簧管、鋼琴及指揮。1968至1979年間，葛諾於慕尼黑愛樂擔任雙簧管首席，並隨音樂總監 Rudolf Kempe 修習指揮。自1970年起，葛諾成為著名的室內樂團「古典協會」的成員，該樂團灌錄許多唱片，包括莫札特、貝多芬、海頓、舒伯特及許多知名作曲家的管樂器室內樂全集。 葛諾曾擔任慕尼黑的理夏德．史特勞斯音樂學院管弦樂團及慕尼黑室內獨奏樂團的指揮；並客席指揮許多知名樂團，包括慕尼黑愛樂、杜易斯堡與烏佩托交響樂團、凱賽爾國家劇院管弦樂團、德國巴哈獨奏家樂團、西德與柏林廣播電台交響樂團、史塔蓋特室內樂團、西南德國室內樂團、名古屋愛樂、札幌交響樂團等。 舒馬富斯曾任教於德國岱特摩音樂學院，除了為許多廣播電台灌錄唱片之外，還曾經出過一些評價很高的光碟，包含他在義大利的圖書館找到貝多芬的朋友 A.C. Cartellieri 所創作的歌劇、浪漫派的豎笛協奏曲、舒曼最推崇的浪漫派作曲家 Norbert Burgmüller 的作品 (2首交響樂、1首序曲及鋼琴協奏曲)、布魯赫的第二號交響曲及第三號小提琴協奏曲、J. Ph. Riotte 的協奏曲等。 2007年1月起，葛諾．舒馬富斯擔任長榮交響樂團音樂總監及首席指揮。（資料取自長榮交響團官網） |
獨奏家
| 嚴俊傑
嚴俊傑自十三歲獲第三屆國際柴科夫斯基青少年音樂大賽第三獎起，便活躍於國內外樂壇，其演奏足跡遍及歐、亞、非、南北美洲世界五大洲；曾以獨奏家身份與多位指揮名家及著名樂團合作演出；如普雷特涅夫（Mikhail Pletnev）、呂紹嘉、梅哲（Henry Mazer）、麥爾（Uri Meyer）、赫比希（Günther Herbig）、舒馬富斯 （Gernot Schmalfuss）等指揮家；及俄國國家交響樂團（Russian National Orchestra）、萊茵愛樂（Staatsorchester Rheinische Philharmonie）、國家交響樂團 （National Symphony Orchestra of Taiwan）、臺北市立交響樂團、國立臺灣交響樂團、臺灣國家國樂團、中國青年交響樂團、祕魯國家交響樂團、巴拿馬國家交響樂團及羅馬尼亞愛樂等。 嚴俊傑以獨奏家身份受邀在世界各地舉行鋼琴獨奏會，足跡曾履及紐約林肯中心，聖彼得堡愛樂大廳，巴黎柯爾托廳等；並立下多項創舉：於台灣首演柴科夫斯基《第二號鋼琴協奏曲》；跨界與導演張艾嘉於上海世博合作演出，號招數萬觀眾；與國家交響樂團(NSO)於NAXOS世界首錄陳其鋼的鋼琴協奏曲《二黃》；並於2016年開創世界創舉一日三饗音樂節，於一天內演奏三場不同獨奏會，備受佳評。嚴俊傑也熱衷於慈善活動，2008年於巴拿馬舉行慈善獨奏會為巴拿馬殘障兒童募款圓夢，也於2010年參與萬海慈善音樂饗宴於中華民國九十九年度國慶演出。 榮獲多項國際大獎的嚴俊傑於2008年以環球唱片發行的首張個人專輯獲第十九屆金曲獎「最佳古典演奏獎」，1999年以十五歲之齡贏得日本第四屆國際浜松鋼琴學院比賽冠軍，日本報評譽為「臺灣人的驕傲」；2004年初獲聖彼得堡普羅柯菲夫國際鋼琴大賽季軍，2004及2005年更連獲兩屆奇美文化藝術獎肯定。嚴俊傑出生於台北，幼年受教於陳美富和魏樂富教授，十五歲起於德國漢諾威音樂院隨柴科夫斯基大賽金牌得主Vladimir Krainev教授學習，2007年獲美國洛杉磯Colburn音樂院全額獎學金，師事美國名師John Perry。嚴俊傑目前任教於國立臺灣師範大學，歷年來多位學生於國際比賽榮獲大獎。並受邀至國際各大音樂節講學及演出如Music Fest Perugia，Colburn Piano Festival及Almalfi Coast Music Festival等，並於2017年創辦第一屆臺師大國際翡洛嘉鋼琴藝術節，致力於臺灣音樂藝術之推動。（簡介取自「國際大師鋼琴藝術節」網站） |
40分鐘音樂會求生指南
樂曲解說
李姆斯基-柯薩科夫：《沙皇的新娘》序曲
N. Rimsky-Korsakov: "The Tsar's Bride" overture
歌劇《沙皇的新娘》是李姆斯基-柯薩科夫完成於1898年的歌劇作品，也是作曲家15部歌劇中的第10部作品，屬於歷史歌劇題材。劇本由Ilia Tyumenev所作，取材自劇作家列弗‧梅伊（Lev Mey）的同名劇作。改寫為歌劇之後共分為四幕，首演於創作後的隔年～1899年10月22日由指揮家米哈伊爾.伊波利托夫-伊凡諾夫（Mikhail Ippolitov-Ivanov）指揮於莫斯科的俄羅斯私人歌劇院。
名詞解說：（資料整理於網路並附上連結）
「沙皇」一詞其實就是東羅馬帝國皇帝的頭銜之一「凱撒」的俄羅斯語翻譯。發音近似為「薩/沙」，故中文翻譯為「沙皇」
由於古俄羅斯一直視自己國家為正統羅馬帝國的延續，因此統治者意欲在俄羅斯延續「凱撒」（Cæsar）的帝國統治概念，也因此沿用他的名號。
俄羅斯甚至有句話說：「兩個羅馬倒下了，第三個羅馬崛起（指俄羅斯），而且永不衰滅。」
在彼得大帝改以為「凱旋將軍與獨裁者」（俄語：Император и Самодержец）為主要稱號後，「沙皇」一詞在官方定義下改與「國王」同等。一般民間和國外就此非正式地將俄國君主稱為「沙皇」。
歌劇故事介紹：《沙皇的新娘》
（歌劇故事取自「詩書說樂」網站，附上連結）
| 時間：1572年秋天
第一幕：盛宴 瑪法與博伊爾·利科夫（Boyly Lykov）相愛。於是果利亞茲諾伊請求沙皇御醫波曼列夫索(Bomelius)調製魔藥，讓瑪法愛上自己。柳巴莎偷聽到了這件陰謀。 第二幕 第三幕 第四幕
1899年首演劇照「女主角瑪爾法之死」 （歌手Nadezhda Zabela-Vrubel飾演瑪爾法）
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《沙皇的新娘》序曲解說
2/2拍，d小調，奏鳴曲快板曲式。
音樂以沈穩的節奏展開序幕第一主題，由弦樂第一小提琴奏出開頭的主題，接著木管長笛與豎笛接續發展。
第一主題風格為有連接線的長樂句，帶著精神抖擻地跳躍。
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE
銅管進入之後，帶著快速三連音節奏，隨即進入全團的齊奏，彷彿聽見皇室氣派的宮殿：
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=52
接著進入抒情的第二主題，以小提琴群為主奏出優美旋律，木管回應之。
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=87
隨後進入發展部，銅管進入之後，音樂亦開始不斷轉調（d --> a --> b --> g ），同時也進入對位風格寫作段落：
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=113
段落7之前，音樂發展越來越澎湃，全團力度四射。進入段落7，第一主題也以更強烈的編制再現。
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=168
段落8為第二主題再現（A大調）：
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=201
接著是段落10，第二主題不再柔弱，以壯麗方式盛大回歸（b小調）：
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=244
進入段落11，音樂與節奏越來越緊湊，管弦樂法也越來越豐富，各聲部的發揮也越來越完整（可留意短笛加入的新音色）
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=285
進入段落12，在第一主題的引導漸弱之下，出現了全新的尾聲旋律，如同心靈的綠洲，非常溫柔而動聽。
樂曲最後越來越安靜，進入d小調的平行大調，象徵著最後死亡的昇華，結束在靜謐之中。。
https://youtu.be/eCiSJH2b1ZE?t=306
貝多芬：G大調第4號鋼琴協奏曲，作品58
L.v.Beethoven: Piano Concerto No 4 in G major, Op 58
鋼琴：嚴俊傑/Piano：Chun-Chieh Yen
樂曲解說
知名的首演之夜
貝多芬G大調第四鋼琴協奏曲 op.58寫作於1805-1806年，這段期間是貝多芬創作力旺盛，靈感也非常豐富的代表期，同時間的知名作品有：《合唱幻想曲》、第五號交響曲《命運》、第六號交響曲《田園》等等。
而在1808年12月22日，維也納河畔劇院這場音樂會，在音樂史上也是赫赫有名，原因之一是音樂會長達4小時，曲目全部是貝多芬同時期的作品，原因之二是這場音樂會中的曲目每首都非常具有代表性與重量感，曲目演出順序如下：
開場先是F大調第六號交響曲《田園》（作品68），再是C大調彌撒裡面的詠嘆調，然後是貝多芬親自擔任鋼琴獨奏家彈奏的G大調第四號鋼琴協奏曲（作品58），緊接著是C小調第五號交響曲（作品67），還有《合唱幻想曲》（作品80）。且不論當晚演出的成功與否，這段期間貝多芬作曲的精華創作，居然全安排在同一晚上一起首演了。
同時間有這麼豐富的曲種能夠一起演出，其實是貝多芬習慣同時間寫作多首樂曲的習慣而形成的結果。另外值得注意的一點，就是如果以交響曲的演出順序來看，其實第六號演出在前而第五號演出在後，因此與我們習慣的順序恰好是相反的～
十九世紀初，貝多芬音樂眼演出的維也納河畔劇院
上述提到的首演之夜，由於彩排條件僅一次，音樂準備未完全，加上當時天冷地凍，觀眾在又冷又累的狀況下連聽四小時，據說怨聲載道，已無心思靜靜欣賞品味貝多芬的全新作品因而對音樂亦不甚好評；所以這幾首作品，都要等待日後再演出，才真正被世人所稱頌。
我們今天音樂會的第四號鋼琴協奏曲為例，就要等到1836年孟德爾頌的重新演出，才又重新獲得世人注目。
第四號的相當特別之處有三個：
首先，
一、協奏曲以鋼琴主奏直接揭示主題，一反過去傳統會先由管弦樂慢慢鋪陳第一主題與第二主題，再銜接給主奏樂器。
鋼琴獨奏首度早於樂團開始，直接於樂曲開始時獨奏出第一主題，之後才又樂團接續演奏。
這與貝多芬的前三首鋼琴協奏曲，皆由樂團開啟樂曲之方式，都不相同：
第一樂章：中庸的快板（Allegro moderato）
鋼琴獨奏揭開樂曲開頭序幕
https://youtu.be/o0a90vRKLFs
鋼琴在樂團前奏之後進入第一主題：
https://youtu.be/o0a90vRKLFs?t=160
大家在欣賞第四號鋼琴協奏曲時，也可以多留意貝多芬越來越豐富的鋼琴獨奏語法，以及越來越豐富的交響樂團效果。
第二個特別之處，是第二樂章的小節數（僅72小節）與故事性。
第二樂章僅72小節，但呈現出令人難忘的戲劇化效果，尤其管弦樂與鋼琴獨奏的對話，充滿故事性，也成為此曲最被聽眾喜愛的元素。
關於第二樂章的故事
作曲家李斯特（Franz Liszt, 1811-1886）曾提出他的見解：他將這個樂章比喻成希臘神話裡奧菲歐斯（Orpheus）在地獄之門馴服復仇女神（Furies）的故事。
奧菲歐斯是太陽神阿波羅（Apollo）的兒子，也是希臘神話中藝術與詩人的代表。由於奧菲歐斯善樂懂唱，當他彈琴歌詠時天地萬物都會感動不已。
奧菲歐斯的妻子尤莉迪絲（Eurydice）因為被毒蛇咬而喪失生命。終日哭泣的奧菲歐斯終於打動眾神，而同意他赴冥界救回妻子，但條件是在妻子成功返回之前，他不得看妻子一眼。
李斯特奧菲歐斯為了從地獄救回妻子尤莉迪絲（Eurydice），以他的音樂絕活迷惑復仇女神這隻怪獸，一次又一次地，復仇女神終於屈服答應了奧菲歐斯。
李斯特對這個樂章的描述，在1859年 Adolf Bernhard Marx（A.B. Marx）的貝多芬傳記中首次被提到。
對於這個樂章的演奏感受，而貝多芬的學生徹爾尼（Carl Czerny, 1791-1857），也在他的文章中，曾經提過： 「在此樂章中，我們情不自禁地想起古希臘悲劇場景。獨奏者必須感受強烈地、悲憫地音樂表情，在管弦樂團強力且嚴厲樂句之後形成對比，並逐漸地靜謐下來。」 “In this movement…one cannot help thinking of an antique tragic scene, and the player must feel with what intense, pathetic expression this solo is performed, in order to contrast with the powerful and austere orchestral passages, which are, as it were, gradually withdrawn.”
第二樂章：流暢的行板（Andante con moto）
音樂欣賞
https://youtu.be/o0a90vRKLFs?t=1163
第三、第二樂章結束銜接第三樂章時，透過第二樂章最後一個音的延長，音樂不間斷地直接進入終樂章，也是貝多芬寫協奏曲的創新手法。
這樣的樂章連貫寫作手法，也深深影響到後來的舒伯特、孟德爾頌、舒曼與李斯特。
舉例：
孟德爾頌小提琴協奏曲「連續不斷」的寫作方式，第一樂章接入第二樂章
https://youtu.be/tT1qhGP1qSs?t=744
第二樂章接入第三樂章
https://youtu.be/tT1qhGP1qSs?t=1172
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/beethoven-piano-concerto-no2/
第三樂章：迴旋曲—甚快板（Rondo-Vivace）
樂譜版本欣賞
與第二樂章的深沈完全不同，第三樂章第一主題帶來明亮愉悅的感受；跳躍的節奏與明顯的旋律設計，彷彿來到了截然不同的國度：
https://youtu.be/o0a90vRKLFs?t=1464
接下來進入了完全對比的抒情第二主題段落，鋼琴家既揮灑又自由：
https://youtu.be/o0a90vRKLFs?t=1529
鋼琴獨奏以連續的八度演奏，快速遊走在音樂與琶音之中，貝多芬以變奏的方式，一段一段增強音樂的動能：
https://youtu.be/o0a90vRKLFs?t=1560
進入結束前的尾聲，在快速音階之後，鋼琴進入裝飾奏（Cadenza）；在華麗的顫音過後，進入與樂團對話的最終段落，亮麗地結束全曲。
https://youtu.be/o0a90vRKLFs?t=1898
莫札特：C大調第36號交響曲《林茲》，作品K. 425
W.A.Mozart: Symphony No. 36 in C major "Linz", K. 425
莫札特C大調第36號交響曲 K.425，也被稱為林茲交響曲（Linz），原因就是1783年的10到11月，莫札特與妻子從薩爾茲堡返回維也納，途經奧地利小鎮林茨的中途停留期間，莫札特以驚人的神速在四天內完成的交響曲作品。
會在這麼短的時間內完成一首交響曲，係因配合當地有位杜恩伯爵，在聽到莫扎特夫婦抵達林茨之後後，宣布將邀請莫宅特舉行一場音樂會，因此莫札特特地快手寫作。
為林茲交響曲首演於1783年11月4日，後來莫札特也在隔年1784年4月1日舉行維也納首演。
四樂章內容如下，除了第三樂章小步舞曲，其餘皆為奏鳴曲快板曲式：
第一樂章：慢板；精神抖擻的快板
Adagio，3/4拍 – Allegro spiritoso，4/4拍，C大調。
帶有強烈節奏感的附附點節奏，開啟了第一樂章慢板序奏：
序奏後，進入精神抖擻的快板第一主題。
可以聽見相似於《費加洛婚禮》序曲的歡樂感，以及近似於《弦樂小夜曲》第一樂章的明亮：
https://youtu.be/ThY-JK10nrc?t=105
第二主題轉為小調。在八度的旋律推移中，一次一次強烈的在小調和大調之間交替轉換著，非常具有戲劇性：
https://youtu.be/ThY-JK10nrc?t=164
第二樂章：稍慢板
Poco Adagio，6/8拍，F大調，奏鳴曲式。
第二樂章為6/8拍，有著舒適悠閒的旋律，使用小號和定音鼓，這在當時的慢樂章中很少見。
https://www.youtube.com/watch?v=ThY-JK10nrc&t=492s
中段轉為小調，帶著微微的憂傷之感，小調段落中的半音推移也帶來更神秘深邃的感受：
https://youtu.be/ThY-JK10nrc?t=588
第三樂章：小步舞曲
Menuetto, 3/4拍，C大調。
帶有規律三拍前進感的小步舞曲風格樂章，伴隨的音樂節奏，我們彷彿感受到在公爵的宮廷內，大家可以共同跳上一曲小步舞曲的輕鬆與愜意。
https://youtu.be/ThY-JK10nrc?t=950
這個樂章裡，我們也可以注意中段跳躍的節奏，美麗的雙簧管歌唱與低音管的音樂對話。
小步舞曲中段（Trio）
由雙簧管主奏，小提琴跟隨的旋律，簡樸但美極了～低音管隨後加入，形成美妙的對話：
https://youtu.be/ThY-JK10nrc?t=1044
第四樂章：急板
Finale（Presto），C大調。
歡樂輕快的氣氛中，開啟了第四樂章。弦樂旋律帶著輕鬆之感，聽來非常愜意；而樂曲設定急板也更增添了樂曲行進速度，作為第四樂章，是一個美好的音樂終結，讓我們能以始終意猶未盡的感受，快樂地聽完這首莫札特寫於27歲的歡樂青春洋溢才華之作。
https://youtu.be/ThY-JK10nrc?t=1169
發展部段落：
https://youtu.be/ThY-JK10nrc?t=1413
斯特拉溫斯基：《火鳥》
I.Stravinsky: Firebird Suite
作曲家 史特拉汶斯基（Igor Stravinsky, 1882-1971）
→生平介紹
照片．1903年的史特拉汶斯基
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
《火鳥》 (法語：L’Oiseau de feu；是俄羅斯作曲家伊果·史特拉汶斯基的代表作與成名作，和 春之祭、彼得洛希卡一同被列為史特拉汶斯基三大芭蕾舞劇，《火鳥》之故事題材取材自俄羅斯童話。
史特拉汶斯基原為法律系學生，後拜知名作曲家林姆斯基．高沙可夫為師，學習作曲，於1903-1908年間追隨林姆斯基．高沙可夫上課，也是他真正入門作曲之關鍵時期。
1909年2月6日，史特拉汶斯基在完成作品 ⟨幻想詼諧曲⟩（Scherzo fantastique）與 ⟨煙火⟩（Feu d’artifice）兩項作品後，與俄羅斯芭蕾舞團團長迪亞吉列夫（Serge de Diaghilev）首次碰面，彼此留下深刻印象。
迪亞吉列夫不斷努力於歐洲推廣俄羅斯芭蕾舞蹈之美，，其作品也逐漸獲得肯定，在1909年取得巴黎演出成功佳績之後，便向當時 27歲的青年作曲家提出邀約創作。史特拉斯基在眾多作曲家中獲團長雀屏中選，除了深信自己的能力可以得到發揮之外，也戰戰兢兢地選擇了俄羅斯童話《火鳥》，希望能以更俄羅斯化的題材，結合芭蕾舞，讓近代俄羅斯芭蕾發揚至全世界（這也是迪亞吉列夫最大的心願）。
於是《火鳥》在邀稿不到半年左右的 1910年 5月18日完成手稿，史特拉汶斯基將樂譜帶至巴黎開始進行彩排等演出事宜。團長迪亞吉列夫對於這齣新作品的音樂讚不絕口，曾說過「大家注意了～這是一位即將擁有極大成功的年輕人。」（Notez-le bien. C’est un homme à la veille de la gloire.）
全劇編舞由近代天才芭蕾舞者/編舞家 米蓋爾．佛金（Mikhaïl Fokine）擔任編舞與男主角、雷翁．巴克斯（Léon Bakst）擔任海報與人物服裝繪製。後於 1910年6月25日由法國指揮家 皮耶奈（Gabriel Pierné）指揮於巴黎國立歌劇院成功首演。
《火鳥》首演的絕大成功，更讓首次嘗試芭蕾舞劇創作的青年史特拉汶斯基一戰成名，成為法國樂界眾所矚目的作曲新星。
隔年他將再繼續創作《彼得洛希卡》（1911）與兩年後的充滿爭議的世紀大作《春之祭》（1913）；雖然《春之祭》當時毀譽參半，但卻讓他真正成為知名作曲家，人生在世享譽一甲子，作品更是傳世一世紀，是傳奇中的傳奇。
狼．火鳥．魔法師．王子與公主
《火鳥》的芭蕾編舞家佛金在設計編舞時，受到年輕詩人皮奧特·波托姆金（Piotr Potiomine）詩作所啟發，再結合亞歷山大·阿凡納西耶夫（Alexandre Afanassiev, 1826-1871）寫作發行的童話故事：： 《伊凡·薩瑟維奇》（Ivan Tsarevich）、《火鳥》（Firebird）與《灰狼》（Gray Wolf）等故事，以想像結合虛構，重新發展出包含四個重點「狼．火鳥．魔法師．王子與公主」的全新芭蕾舞劇《火鳥》不思議劇情：
插畫家 Ivan Bilibine (1876-1942) 根據三個童話的全新故事《火鳥》所繪製的插畫。
作者註： 「伊凡·特薩里維奇」（Ivan Tsarevich）（俄語為“Иван-царевич”，直譯為「伊凡王子」）是俄羅斯民間文學藝術的主要英雄之一。通常擔任故事主角，經常與科赫切伊（Kochtcheï）作戰。「伊凡王子」其中的一個角色因為史特拉汶斯基將其設定於俄羅斯芭蕾舞劇《火鳥》（Firebird）的大受歡迎，而在全世界廣被認識。 畫家Viktor Vasnetsov繪製之「伊凡王子-騎著灰狼的英雄騎士」（Ivan Tsarévitch chevauchant le loup gris）：
法語版 故事前言： 在夢中，我看到自己騎著狼 Et dans mes rêves je me vois chevauchant un loup 沿著森林的長長小徑 Le long d'un sentier dans une forêt, 有位沙皇巫師 Parti combattre un tsar sorcier 在這公主被俘虜的土地上 Dans ce pays où une princesse captive 厚厚的高牆之後有著深深哀嘆。（倒裝句） Se lamente derrière des murs épais. 在一個美麗的花園中間升起了一座玻璃宮殿， Au milieu d'un jardin merveilleux s'élève un palais de verre, 火鳥整夜在那唱著歌 Et un oiseau de feu y chante toute la nuit 在金色果樹上被發現。（倒裝句） Becquetant sur un arbre des fruits dorés".
《火鳥》故事概說在濃密森林中由魔法師凱許齊支配著魔法之國。凶惡的凱許齊將迷失的過路者囚禁在古堡黑牢，或是「石化」變成一座座石像，永遠站立在「凱許齊的魔法花園」裡。 因為打獵而迷失在森林中的伊凡薩里維奇王子，忽然在樹林間見到傳說中的「火鳥」出現，並跳起了「火鳥之舞」。
伊凡王子趁其火鳥開心地跳著「火鳥之舞」時將她捉住，但在火鳥央求下，王子決定還其自由之身，火鳥遂回贈王子一支具有魔力的羽毛。
伊凡王子接到羽毛後，面前忽然出現一座城堡，城門打開：「十三位美麗公主出現」。她們繞著一顆金蘋果樹跳著「少女們的輪旋曲」。帶頭的莎莉芙娜公主告訴伊凡王子此城堡乃魔法師凱許齊的大本營，他的法力能將路人變成石頭。說畢公主們翩翩起舞，伊凡因而愛上莎莉芙娜，兩人擁吻產生感情，但是她們必須在「日出」時回到城堡，號角響起，女孩們紛紛跑回堡中。
伊凡也尾隨公主進入城堡，「魔鐘響起」時，一批凱許齊的鬼怪手下衝出，將伊凡王子捉住，「凱許齊出現」想把伊凡變成石頭，兩人展開對話，而「公主們也為伊凡求情」。 霎時，伊凡將火鳥的魔力羽毛一揮，「火鳥再度出現」並迫使凱許齊手下不斷地跳著「煉獄之舞」，直到他們筋疲力竭、紛紛倒地。這個時候火鳥唱起優美的「催眠曲」，讓群妖酣然入睡。隨後火鳥指示伊凡偷到藏有凱許齊靈魂的巨蛋，也就是魔王凱許齊的生命源頭，伊凡將其搗碎讓「凱許齊斃命」。
凱許齊死後魔咒解除，所有成為石頭的路人、騎士都恢復正常自由，火鳥促成伊凡與莎莉芙娜這對戀人之後，魔法之國成為快樂之國，音樂轉為「讚美詩」，火鳥也飛向不知名的天際。
（全劇終）
1920年畫家畢卡索繪製之史特拉汶斯基半身畫像
俄羅斯插畫家 里昂·巴克斯（Léon Bakst, 1866-1924）為《火鳥》繪製之海報原創角色繪圖（Firebird, Ballerina, 1910）：
史特拉汶斯基：芭蕾舞劇《火鳥》（1910年）總譜封面
巴克斯為擔任芭蕾女伶 Tamara Karsavina繪製之服裝海報：
首演美麗的芭蕾女星塔瑪拉·卡莎維娜（Tamara Karsavina, 1885-1978） ，1911年樣貌：
《火鳥》的著裝扮相：
1910年芭蕾版 段落與劇情
演奏時間約48分鐘
- 序曲
- 魔法師凱許齊的魔法庭園
- 火鳥出現，伊凡王子尾隨
- 火鳥之舞
- 王子捕獲火鳥
- 火鳥的懇求
- 被魔法控制的十三位公主
- 公主們與金蘋果
- 伊凡王子的突然出現
- 公主們的輪旋曲
- 黎明
- 凱許齊的怪物士兵登場、捕獲伊凡王子
- 不死魔王凱許齊的登場
- 凱斯齊與伊凡的對話
- 公主們的求情
- 火鳥的出現
- 士兵的瘋狂之舞（火鳥法術）
- 凱許齊魔法地獄之舞
- 火鳥的催眠曲
- 凱許齊的甦醒
- 凱斯齊之死
- 一片深黑
- 5j/ fm3
- 終曲-凱許齊之花園重現、魔法的毀滅、被化為石頭的騎士們復活、大團圓
《火鳥》芭蕾全劇電影版欣賞
Choreography - Michael Fokine
Cast: Nina Ananiashvili, Andris Liepa, Ekaterina Liepa.
Director: Andris Liepa.
Bolshoi State Academic Theatre Orchestra
conductor Andréy Chistiakov.
https://youtu.be/b_WJnRF5o0g
《火鳥》除了有1907年的早期手稿版本與1910年首演版本之外，後來史特拉汶斯基多次改寫，分別有三次管弦樂組曲版本：1911、1919年與1945年等三個演奏版本，留給後世更多演出選擇。
版本比較
管弦樂配器
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
1910年的芭蕾舞劇版本，以後期浪漫派管絃配器常用之四管編制，如下：
| 《火鳥》芭蕾舞劇配器 |
| 弦樂 |
| 16 小提琴一premiers violons, 16小提琴二 seconds violons, 14 中提琴 altos, 8 大提琴 violoncelles, 6 低音大提琴 contrebasses, 3 部豎琴 harpes |
| 木管 |
| 4部長笛 flûtes, 第二與第三部兼吹短笛 piccolos, 三部雙簧管 hautbois, 1 部英國管cor anglais, 3 部A調豎笛 clarinettes en la, 第三部豎笛兼吹D調豎笛, 1 部低音豎笛 clarinette basse, 3 部低音管 bassons, 第三部兼吹第二部倍低音管 contrebasson, 1 部倍低音管 contrebasson |
| 銅管 |
| 4 部法國號 cors, 3 部C調小號 trompettes en ut, 3部 長號 trombones, 1 部低音號 tuba |
| 打擊 |
| 定音鼓、三角鐵、雙鈸、大鼓、中鼓、鐘琴、鐵琴、鋼琴、鋼片琴 timbales, triangle, cymbales, grosse caisse, tam-tam, glockenspiel, xylophone, 1 piano, 1 célesta |
-
各版本音樂會組曲
史特拉汶斯基於1911、1919與1945年三度改編《火鳥》原作，以下為各不同版本的段落（最左欄為1910年芭蕾完整版本）：
| 1910年芭蕾完整段落 | 1911年組曲 （約22分鐘） |
1919年組曲 （約24分鐘） |
1945年組曲 （約32分鐘） |
| 序曲 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 魔法師凱許齊的魔法庭園 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 火鳥出現，伊凡王子尾隨 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 火鳥之舞 | ✘ | ✓ | ✓ （啞劇I） |
| 王子捕獲火鳥 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 火鳥的懇求 | ✘ | ✘ | ✓ |
| 被魔法控制的十三位公主 | ✘ | ✘ | ✓ （啞劇II） |
| 公主們與金蘋果 | ✘ | ✘ | ✓ |
| 伊凡王子的突然出現 | ✘ | ✘ | ✓ （啞劇III） |
| 公主們的輪旋曲 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 黎明 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 凱許齊的怪物士兵登場 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 捕獲伊凡王子 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 不死魔王凱許齊的登場 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 凱斯齊與伊凡的對話 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 公主們的求情 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 火鳥的出現 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 士兵的瘋狂之舞（火鳥之咒語） | ✘ | ✘ | ✘ |
| 斯許齊魔法地獄之舞 | ✓ | ✓ |
✓ |
| 火鳥的催眠曲 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 凱許齊的甦醒 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 凱許齊之死 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 一片深黑 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 終曲-凱許齊之花園重現、魔法的解除、被化為石頭的騎士們復活、大團圓 | ✓ | ✓ | ✓ |
1911年 組曲第一套組曲有五個樂章，順序與原始芭蕾舞的編排保持一致。
|
布列茲於1968年曾指揮灌錄1911年的版本
The Firebird - Ballet Suite (1911) : I. Introduction - Kashchei's Magic Garden and Dance of the Firebird
https://youtu.be/NN4wpzJlYOI
1919年 組曲第二套組曲同樣包括五個樂章，音樂選擇與1911年版有所不同。樂團編制則從原始四管編制精簡為兩管編制，展現更加精巧的木管風格。 |
Firebird Suite (1919 Version)
https://youtu.be/2VbQ6SgYFc4
1945年 組曲最後一套組曲，也常被稱為芭蕾舞組曲，創作於美國時期。長度也為三套組曲中最長，共有十個段落，順序與芭蕾舞作相同，演奏時間則約半小時。
|
珍貴影音欣賞
1965年，82歲的史特拉汶斯基於英國指揮《火鳥》芭蕾 ⟨搖籃曲⟩ 與 ⟨讚美詩⟩
Royal Festival Hall，英國倫敦
https://youtu.be/5tGA6bpscj8
Yuzuru Hanyu 羽生結弦 — The Firebird 火の鳥 (4K)
https://youtu.be/lNHFi8OQ7ZQ
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【BON音樂】德弗札克：弦樂四重奏《美國》op.96
【BON音樂】德弗札克：弦樂四重奏《美國》op.96
Dvorak: String Quartet in F Major, Op 96 "American"
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→德弗札克生平簡介
樂曲簡述
1891年，五十歲的德弗札克（Antonín Dvořák, 1841-1904）受到來自美國的邀約，想聘請他到美國國家音樂學院（National Conservatory of Music of America ）擔任音樂院院長（1892-1895年），1892年他帶著家人遠從捷克赴美，展開他人生下半場的新世界之旅。
1892年來到美國的德佛札克，雖有家人在旁陪伴，也喜愛在美國這個新世界所見所聞，一方面接收著這來自新世界的養分，但另一方面，也經常時時思念著自己的故鄉。在美國的他，融合了心中的波西米亞的旋律、美國民謠與黑人靈歌等等素材，在他心中醞釀兒成為了一種全新的語彙，深切動聽，讓人一聽難忘。
先前介紹了德弗札克的第九號交響曲《新世界》，第二樂章英國管奏旋律優美無比，更個勾人鄉愁與愁思，許多人誤以為這旋律是直接取自美國民謠，但其實是德弗札克的原創旋律。
德弗札克的美國三部曲
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/dvorak-symphony-no-9-in-e-minor-op-95-from-the-new-world/
https://bonart.com.tw/all-about-dvoraks-cello-concerto/
作曲家簡介
（引用自維基百科，連結）
德弗札克（Antonín Dvořák，1841年9月8日－1904年5月1日），捷克國民樂派作曲家。
追隨著浪漫主義時期民族主義者的典範貝多伊齊·史麥塔納，德弗札克經常在他的作品中使用摩拉維亞和他的故鄉波希米亞（當時屬於奧匈帝國，現屬捷克）的民謠音樂的旋律及其他方面。德弗札克自己的風格經常被描述為「吸收了民歌的影響並找到有效的方式利用它們，用交響樂的傳統最完滿的再現了一個民族的特色」。其代表作有第九交響曲《新世界交響曲》、《B小調大提琴協奏曲》、《斯拉夫舞曲》、歌劇《露莎卡》。他被認為「可能是他那個時代創作最多面向的作曲家」。
出生和年輕時代
德弗札克出生地
德弗札克出生在布拉格（當時屬於奧匈帝國，現屬於捷克）附近的內拉霍奇夫斯鎮伏爾塔瓦河旁的磨房內，他的父親František Dvořák經營祖傳的客棧和肉店。他的母親Anna Zděnková是一名貨物看守的女兒。安東尼是他們第一個兒子，安東尼總共有八個弟弟。
他6歲的時候在Nelahozeves上小學，在那裡他第一次上小提琴課。1853年他遷往茲洛尼采學習德語。當時德語是波希米亞的生存之本。在那裡他跟隨教堂唱詩班領唱Antonín Liehmann學習鋼琴和管風琴。在此期間，他有時演奏管風琴補貼家計。他還在他老師的樂團中演奏，並且開始作曲。有一個由來已久而且由一封偽造的滿師證書所支持的傳言，說德弗札克的雙親強迫安東尼學習屠宰技術，但目前沒有任何證據證明這個傳言的真實性。
1856年秋德弗札克去了捷克卡梅尼采，據推測他是為了進修德語，並且準備到德語教學的布拉格管風琴學校上課。1857年10月他上了兩年的管風琴學校，也在一所普通學校上過學，還作為中提琴手在一年登台兩次的Cäcilien協會樂團中演出。
職業音樂家的第一步
德弗札克本想謀一個管風琴師的職位，但失敗了。1859年夏天開始他就在Karl Komzák的樂團裡面當中提琴手，在咖啡館，或是公眾場合演奏樂曲集錦，序曲和舞曲。德弗札克這樣過了十一年，其間沒有發表作品。從這段時間流出下來的作品判斷，他是自學的作曲，而且可以說是按部就班的，從開始的莫札特，經孟德爾頌和舒曼直到1870年代末的華格納。剛開始他的重點是弦樂四重奏。
1862起Komzák的樂團在新開的布拉格臨時劇院登台，約在1865年升級為歌劇樂團。在國家劇院落成之前，這座臨時劇院是第一所捷克歌劇戲劇的用武之地。其中史麥塔納貢獻良多，他的《布蘭登堡人在波希米亞》和《被出賣的新嫁娘》1866年就是在此首演的。
1865年起德弗札克除在樂團的工作外，還開始在劇院教授鋼琴。他的女學生有姐妹倆Josefina和Anna Čermáková。當時德弗札克愛上了17歲的Josefina，可惜未成眷屬，但當時11歲的Anna，卻在8年後，即1873年11月17日與德弗札克成婚。
成名
1870年德弗札克寫下第一部歌劇《阿爾弗雷德》，德語劇本，但歌劇在他生前都不曾獲得上演機會，可以看作是一次練筆。第一部為觀眾所接受的作品是歌劇《國王與燒炭工》，Bernhard J. Lobeský寫的捷克語劇本。1871年7月他辭去了樂團工作，只為了多點時間作曲。在1871年到1873年，他發表了歌劇，室內樂和為合唱和樂團而寫的讚美詩《白色山的遺產》，這些作品得到了熱情的讚美與肯定。
只是其歌劇《國王與燒炭工》不盡如人意。1873年臨時劇院已經開始排演，但是不得不中斷，據稱原因是這部歌劇太難而不可能演唱。德弗札克再次重新審視其曲風，並且拋棄了新德國學派的那一套重新作曲，1874年首演，結果是大獲成功。
1874年開始他開始到私立音樂學校授課，2月他得到了一個管風琴職位，在此職位上他一直工作到1877年。
蜚聲國際
1874年到1877年間他都得到國家獎學金。愛德華·漢斯力克是這個評委會的成員，後來還有布拉姆斯，後者成就了德弗札克的決定性突破——通過與之友好的出版商西姆羅克，德弗札克的二重唱合集《摩拉維亞之聲》得以出版。同時，這也標誌著兩位大作曲家終身友誼的開始。
出國旅遊
1884年德弗札克接受愛樂協會的邀請第一次前往倫敦。這兩年內寫成的《鬼新娘》（露莎卡，根據Karel Jaromír Erben的敘事詩寫成）和《聖潔的魯米那》是伯明罕和利茲的委託之作。
第一次倫敦之行後，德弗札克到普日布拉姆（Příbram）旁的維索卡山（Vysoka）避暑，在那裡他可以充分遠離城市享受大自然。1877年起他的公眾露面停息，只接受少量的委託，修改舊作，寫作歌劇《雅各賓派人》。
1889年初德弗札克應俄羅斯皇家音樂協會之邀到訪莫斯科和聖彼得堡。在再一次的倫敦之旅後他回到布拉格，在那裡他接受了卡爾斯大學榮譽博士頭銜，1890年10月他成為音樂學院教授。其實1889年一月他就收到聘任提議，但由於他當時事務繁忙不得不推掉。
在新世界
照片中1893年德弗札克一家和他的朋友在紐約。從左到右是：他的妻子安娜，兒子安東寧，莎蒂·西伯特，約瑟夫·科瓦里克，莎蒂·西伯特的母親，女兒奧提莉，最右為德弗札克本人。
1892年至1895年間，德弗札克到紐約市的美國國家音樂學院擔任院長，年薪為當時的15000美元，這對德弗札克的財政狀況來說是非常具有吸引力的。但他也要考慮到家庭團聚的問題，他的妻子，女兒Otilie和兒子Antonín陪同前往。其他四個孩子只在1893年夏天來美國。那時一家在愛荷華州的捷克移民村斯畢維里歡度美好時光。
聘任建議是由慈善家珍妮特·瑟伯夫人提出的，她想把美國從歐洲音樂一統天下的局面中解放出來，並且樹立美國自己的藝術偶像。她建議作曲家從美國詩人亨利·沃茲沃思·朗費羅的長詩《海華沙之歌》選取題材，寫一部美國歌劇。德弗札克深深認同美國黑人和印第安人音樂應該是美國音樂的發展基石，認為通過它們將會找到美國音樂自己的風格。德弗札克在紐約遇到了他後來的學生哈里·布雷——最早的美國黑人作曲家之一。他向德弗札克介紹了美國黑人的傳統靈歌。
1893年，德弗札克從《海華沙之歌》這個描寫印第安人的偉大詩篇中找到靈感，再結合自己對印第安人和美國黑人音樂的研究，最終為紐約愛樂樂團寫出了很出名的作品：第9號交響曲《來自新大陸》。1893年12月16日，德弗札克的朋友安東·塞德爾指揮紐約愛樂樂團在紐約著名的卡內基音樂廳首演了這部交響曲，獲得熱烈歡迎。他在紐約還寫有《感恩贊》和第12號弦樂四重奏，就是《美國弦樂四重奏》。從中可看到美國的音樂元素的滲入，例如五聲音階，一個降低的導音和切分音的應用。
德弗札克在音樂學院的主要工作是作曲課，他的學生有魯賓·高德馬克。
從美國歸來
本來他的任期為兩年，後來延長兩年，可是1895年4月德弗札克就回國了，原因可能是贊助人Thurber經過一次經濟危機後財政情況急劇惡化，導致德弗札克被多次拖欠薪水。
德弗札克在維索卡山平靜地度過了幾個月，11月份再次到布拉格音樂學院上任。他曾打算過搬到維也納，在那得到一個位置應該不成問題，但最後還是沒有付諸現實。期間誕生了他最後一部弦樂四重奏。
交響詩
1896年德弗札克與絕對音樂劃清界限。雖然他之前寫過一些被稱之為標題音樂的作品，如1889年的為鋼琴而作的《詩意聲樂畫》，他稱之為「標題音樂，但是是舒曼式的」，或是同年的Dumky三重奏（鋼琴三重奏）。但現在他直接轉向交響詩的創作。這是一種音樂體裁，在李斯特和華格納的新德國學派里，它是爭論的焦點之一。
這一年之內他寫了《露莎卡》、《午時女巫》、《金紡車》和《野鴿》。這些作品都是根據捷克詩人Karel Jaromír Erben的敘事詩集《Kytice》創作的。他用散文式的音樂告訴聽眾這些故事的情節。下一年他還寫了《英雄之歌》，雖然他並沒有公開其大綱，但是他在一封信中卻對之作了解釋。
最後歲月
布拉格德弗札克像
此時的德弗札克已經完成了其室內樂和管弦樂的創作。在他最後的歲月里他只寫歌劇：1898年《魔鬼與凱特》、1900年《露莎卡》和1902/3年的《阿米達》。
在《阿米達》首演的時候，德弗札克因腿疼而不得不中途離開。幾天後因為感冒，只能在床上休息。1904年5月1日他在家人的陪伴下悄然離世，死因是中風而去世，享壽62歲。在逝世的第四天，捷克為他舉行國葬。
2005年6月捷克票選「最偉大的捷克人」（Největší Čech）中，他排名第八。
創作背景
1892年九月底，德弗札克前往到紐約擔任國家音樂學院校長。雖然德弗札克只在紐約工作短短三年（1892-1895），但這期間他先出了最著名的第九號交響曲《新世界》（當時出版順序是第五號），隨後的他跟著創作了兩首以《美國》（American）的弦樂四重奏（String Quartet No. 12 in F major "American"）與弦樂五重奏（雙小提琴、雙中提琴與大提琴 String Quintet No. 3 in E♭ major "American"）
環顧德弗札克的弦樂四重奏創作時間，其實也遍及他整個創作生涯：第一號弦樂四重奏（String Quartet No. 1 in A major）可追溯自1861年，也就是德弗札克（Antonín Dvořák, 1841-1904）20歲時的年輕歲月；有趣的是，同一年他也創作了第一號弦樂五重奏（String Quintet No. 1 in A minor）。
附錄：德弗札克創作年表
在1893年德弗札克以相當快的速度完成「新世界」之後（1-3月），5月份他遇見了先前在布拉格音樂院與他學習之學生Josef Jan Kovařík。Josef Jan Kovařík一家為移民至美國的捷克家庭，定居在愛荷華州 - Spillville小鎮。
德弗札克非常信任他，因此提出了秘書的聘約，要他之後來到紐約協助各項事宜。
Josef Jan Kovařík提到了自己在美國的故鄉Spillville小鎮的風光，吸引了德弗札克的興趣，便決定應學生家長之邀請，前往當時許多捷克移民居住的愛荷華州 - Spillville小鎮來渡過居住在美國的第一個暑假。
愛荷華州 - Spillville 位置
抵達Spillville小鎮的德弗札克對這個有許多捷克人居住的地方感到感到非常自在而歡喜，當時他寫給朋友的信件中也提到：「我從6月3日抵達捷克村Spillville小鎮度假，會待到9月下半旬我才會返回紐約。孩子們從歐洲安全抵達，我們都在一起很開心。我們非常喜歡這裡，感謝上帝，我正在努力工作，我很健康，精神很好。」
隨著開心的度假日子，德弗札克也在驚人的極短時間內譜寫《美國》弦樂四重奏，剛好提供學生柯華瑞克（Josef Jan Kovařík）的家庭音樂會演奏。創作時間是1893年6月8日著手譜曲，僅在3天之內寫好草稿，6月23日就完成全曲創作完成。德弗札克也非常滿意這首弦樂四重奏的創作速度，他寫下：「感謝上帝，我很開心～創作速度非常快！」（Thank God! I am content. It was fast.）
旋律靈感來源
德弗札克曾表述：「就對我的創作而言，我認為這個國家的影響（黑人、印度人、愛爾蘭人等民歌元素）的影響是有待觀察的。而現在我的創作（在美國寫的）與我的之前其他作品的以及色彩和性格都大不相同（ in couleur as in character）。
德弗札克經常邀請非裔美籍的年輕男中音歌手Harry T. Burleigh為他演唱黑人靈歌，Harry T. Burleigh説：「我經常為他（德弗札克）演唱我們的黑人歌曲。在他要開始創作之前，這謝歌曲為他帶來了充滿美國土地古老的精神與心靈感受。」
德弗札克自己則說：「在美國的黑人旋律中（Negro melodies of America），我發現了一個偉大而高貴的音樂流派所需要的一切。」
是的，當時的社會背景，連德弗札克都稱黑人音樂為「Negro melodies of America」，而這首《美國》弦樂四重奏最初的名稱，也被作曲家本人稱之為是「Negro and Nigger」，這也是時代的印記。
海頓的潛在影響
德弗札克的弦樂四重奏創作，直到第12號《美國》之前，都未曾出現過如此清晰的架構與音樂的高度平衡，我們甚至可以說，第12號弦樂四重奏的創作，是德弗札克自創作此種曲式以來，最為優美動聽，且架構平衡的一首。
對此改變，或可從德弗札克內心坦言看出一些端倪：「當我1893年在Spillville小鎮捷克社區寫下這首四重奏時，我曾經一度想寫一些非常悅耳和直截了當的音樂；而親愛的海頓爸爸一直出現在我的眼前，而那這就是為什麼這一切音樂都變得如此單純的原因。而且這樣的創作方向很好。」（When I wrote this quartet in the Czech community of Spillville in 1893, I wanted to write something for once that was very melodious and straightforward, and dear Papa Haydn kept appearing before my eyes, and that is why it all turned out so simply. And it's good that it did.）
創作時德弗札克同樣未給予此曲標題，《美國》之名為事後補上。
此曲也是繼《新世界》交響曲後，作曲家於美國創作的第二首樂曲。
首演
《美國》弦樂四重奏除了暑假時在學生學生柯華瑞克家中演奏之外，此曲後再安排於於1894年1月1日在波士頓完成首演。樂曲同樣由德弗札克熟悉的西姆洛克出版社（N. Simrock）於1894年進行出版。
樂曲架構
編制：小提琴I、小提琴II、中提琴、大提琴。
第一樂章：不甚快的快板（Allegro ma non troppo）F大調
奏鳴曲快板曲式
第一樂章在第一小提琴與第二小提琴輪流奏出的F大調分解和弦下，由中提琴奏出具有五聲音階風格的第一主題。之後在活潑生動的風格下，繼續進行：
第二主題則為小提琴於A大調奏出的溫柔旋律。節奏與語法也更有變化：
完整第一樂章（樂譜版本）
https://youtu.be/_b_rwtDlUXA
完整第一樂章（音樂會版本）
https://youtu.be/7TOagGoeoJs
第二樂章：緩板（Lento）d小調
A-B-A' 三段體
第二樂章的主題同樣讓人容易聯想起黑人精神的靈歌音樂或美洲印第安人曲調。這看似單純的主題與 簡單的旋律，伴隨著第二小提琴和中提琴的脈動伴奏著，確實讓人想起靈歌或甚至是來自遠東的儀式音樂。第二樂章也使用與第一樂章相同地使用了五聲音階素材，但主要調性改為使用小調（d小調）而非大調。
主題以第一小提琴奏出，並在大提琴中重複。 德弗札克在延長的中間段落，持續發展主題，然後在大提琴聲部重複主題。但其他聲部的輕巧伴奏聲響之下，交替著弓弦演奏和撥弦奏法，帶來更豐富的音樂內容與效果。
第二樂章 樂譜版本欣賞
https://youtu.be/shvlS_Kys3g
第二樂章 樂曲解說版本欣賞
https://youtu.be/_b_rwtDlUXA?t=544
第三樂章：非常快的（Molto vivace）F大調
詼諧曲，A-B-A-B-A曲式。
A主題的設計也相似於第一樂章，可以聽見上揚的二度與四度音，帶來陽光與朝氣。
B段音樂也若干時候轉為小調，帶有確定的節奏型態伴奏，也可視為是A段主題的變奏形式。
第三樂章 樂譜版本欣賞
https://youtu.be/_b_rwtDlUXA?t=1010
靈感來源：
據說德弗札克在Spillville聽到了當地常常鳴叫小鳥聲，鳥名是「Scarlet Tanager」。公鳥有著一身鮮紅色亮麗羽毛，非常顯眼；母鳥則暗黃綠色為主的外羽。唐納雀是一種中型的美國鳴禽。直到近年，「Scarlet Tanager」才被歸類為唐納雀（Tanager）家族一員。
圖片來源（鳥鳴）
也有另一種說法說德弗札克引用的並非是唐納雀的鳥鳴，而是另一種愛唱歌的鳥兒：紅眼鶯雀（Red-Eyed Vireo）的鳴叫，依照這種鳥類在北美的分布特性來說，也確實有可能。
圖片來源（鳥鳴）
第三樂章 音樂會版本欣賞
https://youtu.be/7TOagGoeoJs?t=1175
第四樂章：終曲：不太快的甚快板（Finale: vivace ma non troppo）
迴旋曲形式，A-B-A-C-A-B-A。
樂曲在輕快的節奏之下，小提琴一奏出猶如鳥鳴般的主題，同樣以五聲音階素材為主，發展出一段又一段精彩的音樂內容。
第四樂章 樂譜版本欣賞
https://youtu.be/_b_rwtDlUXA?t=1229
第四樂章 音樂會版本欣賞
總結
德弗札克的音樂創作，從年輕至過世為止，在作曲技法上承襲德國古典音樂創作技法與曲式架構（海頓、莫札特、貝多芬、舒伯特、布拉姆斯），融入了他對故鄉的情感以及對於民謠題材特殊的愛，因此除了傳統曲式架構，我們亦能聽見斯拉夫音樂、舞曲、民謠等等在他音樂中產生的影響力。而他赴美的三年期間，雖對他的作品產生潛移默化的作用，但最後的創作內涵，仍是德弗札克消化這一切新的音樂元素，內化為自己的想法後，才創作成為全新作品。
因此，這堅信自己與古典傳統，不被當時厚重的德國華格納，身邊的李斯特炫技語法，日益興起的法國印象全音階所影響，堅持走出一條自己的道路，正是德弗札克身為音樂家，最為我們所敬佩之處。
《母親教我的歌》～改編自藝術歌曲
Dvořák: "Songs My Mother Taught Me"
《母親教我的歌》是德弗札克1880年從詩人阿多爾夫.黑杜克（Adolf Heyduk）的詩集中選出七首歌曲所創作的《吉普賽歌曲集》，歌曲旋律動聽優美，易唱且帶著微微的幽思與淡淡的哀愁，雖然旋律起伏大，但氣氛極為安詳且充滿感情，歌詞內容觸及到普世的親情感受，細讀品味後都令人不禁淚眼潸然。 《母親教我的歌》原詩就有德文與捷克文版本，被翻譯成英文更廣為流傳，小提琴家克萊斯勒（F. Kreisler）也於1914年發表其改編為小提琴與鋼琴版本，隨著他的巡迴於世界各地演出，也是許多演奏家的最愛。
歌詞與翻譯（來源連結）
| 德文歌詞
Als die alte Mutter mich noch lehrte singen, |
中文歌詞
當我年幼的時候，母親教我歌唱 |
https://youtu.be/zwqPq03Bw8M
藝術歌曲版本
https://youtu.be/q8AuPWZNxpY
我寫的．都是捷克音樂
在人生晚年，已臻化境的作曲家德弗札克僅以一句話，謙虛地概括他自己畢生之創作。
他說：「我所留下的作品，永遠只是普通的捷克音樂。」
【BON話題】三大主題比一比
首次聽到德弗札克大提琴協奏曲、弦樂四重奏《美國》跟《新世界》交響曲時，某些段落有沒有一種「似曾相識」的感覺呀？
其實當我們拿出大提琴第一樂章主題與《新世界》交響曲第四樂章主題並列比較時，各位會發現，這兩者其實有著許多驚人的相似之處～也難怪聽起來如此熟悉（XD）：
大提琴協奏曲主題
《新世界》交響曲主題
然後我們再加入《美國》的第一樂章主題進來比一比：
《美國》弦樂四重奏主題
（寫於1893年，《新世界》之後，在美國的第二首作品）
從上面三個譜例，看出來德弗札克旋律中的「美國味」是什麼了嗎？（XD）
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【苗北講堂】2022上半年系列（五）奧地利．馬勒－天地萬物交響之聲
【苗北講堂】2022上半年系列（五）奧地利．馬勒－天地萬物交響之聲
Miaobei Art Center X BONART Music lecture 2022-5
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積厚流光 音樂群雄
橫跨歐洲五國．十九世紀的最美的音樂人文風情
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歐洲五國．五種音樂風情
（五）奧地利．馬勒－天地萬物交響之聲
111年4月07日(星期日)10:00
馬勒曾經自述：「交響曲必須包含整個世界，必須包含萬事萬物的聲音。」在他的交響曲中，世界自成一格，並且包含宇宙之聲。綜觀馬勒一生的創作生涯，他不斷地在交響樂的各種創作領域與作曲手法中，將音樂推展至極致，他的音樂是這天地之間全新的創作，彷彿黎明之前的破曉。
✦ 馬勒生平與交響曲創作之關聯性
✦ 馬勒交響曲使用樂器原聲之來源
✦ 馬勒樂譜閱讀與術語理解之建議
研究馬勒的音樂，在現代，是一門顯學，更是一門從交響曲延伸至宇宙萬物之聲的音樂生命哲學 對於馬勒的音樂創作，理解與認識他的生平與生命歷程是必要的；許多出現在交響曲中的號角聲，以及是特定的音程與主題，甚至使用藝術歌曲做為創作靈感旋律來源，到獨特的生死哲學，都是我們認識這位晚了幾乎半世紀才被世界肯定的作曲家的重要線索。 在本場《為何聽馬勒？從交響曲至宇宙萬物之聲的生命哲學》專題演講中，蹦藝術林仁斌老師將以豐富的影音材料，搭配樂譜閱讀，帶領所有聽眾們再次回味馬勒迷人的音樂世界。
先讓馬勒本人原音重現
馬勒珍貴的1905年紙捲鋼琴錄音欣賞與介紹
https://bonart.com.tw/mahler-plays-mahler-piano-rolls-recordings-1905/
馬勒曾經自述：「交響曲必須包含整個世界，必須包含萬事萬物的聲音。」在他的交響曲中，世界自成一格，並且包含宇宙之聲。
綜觀馬勒一生的創作生涯，他不斷地在交響樂的各種創作領域與作曲手法中，將音樂推展至極致。對於這位已在在21世紀當代備受喜愛的作曲家，他的音樂是這天地之間全新的創作彷彿黎明之前的破曉，但在他所生活的20世紀初期，他的音樂仍處在毀譽參半的狀態。
馬勒曾說過：「我的時代終將來臨！」
在馬勒已經逝世一百多年之後的現在～全球滿滿都是馬迷
這也印證了馬勒曾說的「別人擁有當代，然而我卻掌握了未來！」
這句話，看似豪語，但果然在二十世紀中期，逐漸得到了印證
——馬勒的時代，確實已然到來！
✦ 馬勒生平與交響曲創作之關聯性
為何要聽馬勒？該如何聽馬勒？
45首歌曲．十首交響曲
從生平與人生故事說起...
為何聽馬勒？
https://youtu.be/jL1kL4EARAM
延伸閱讀（維基百科）
作曲家馬勒生平
出生在無名之地．伊格勞
馬勒的故鄉伊格勞（Iglau）屬於捷克共和國的一部分，維也納到布拉格之間的一個省級中轉站，也是當時奧地利帝國在地理戰略上保衛國家免於被普魯士侵略的軍事重鎮之一。（現在這裡因為馬勒，變得超有名XD）
延伸閱讀
第一號交響曲《巨人》
https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-1-titan-2/
延伸閱讀
馬勒：《旅人之歌》聯篇歌曲 介紹
https://bonart.com.tw/mahler-lieder-eines-fahrenden-gesellen/
✦ 馬勒交響曲使用樂器原聲之來源
【馬勒紀錄片 - Part.1 起源】
Keeping Score | Gustav Mahler: Origins (FULL DOCUMENTARY AND CONCERT)
https://youtu.be/v5DfYcT5icY
【馬勒紀錄片 - Part.2 遺產】
Keeping Score | Gustav Mahler: Legacy (FULL DOCUMENTARY AND CONCERT)
https://youtu.be/2qv_vCHZkcg
馬勒第一號交響曲 V.S. 貝多芬與布拉姆斯
馬勒第一號 第一樂章
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
貝多芬：第九號 第一樂章
https://youtu.be/ixpfgm_xxSE
布拉姆斯第二號 第四樂章
https://youtu.be/HCkSpCh4Wcw?t=2083
延伸閱讀
第二號交響曲《復活》
https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-2-resurrection/
無以名狀的漂泊感．三重無國籍
終身漂泊，一生憂患意識極高的馬勒曾說：「我是一個『三重』無國籍的人：奧地利人說我出生在波希米亞，德國人說我是奧地利人，世界上的其他人則認定我是猶太人。不管哪一個地方都勉強地收容了我，可是卻沒有一個地方真正歡迎我...我是一個三重無國籍的流浪者...」
馬勒生平傳記 紀錄片
《BBC Great Composer》：Mahler
https://youtu.be/OnBNFRzdkIM
您～也能成為馬勒專家！
✦ 馬勒樂譜閱讀與術語理解之建議
關於馬勒作品中的音樂術語
譜例：第一號交響曲《巨人》總譜第一～三頁
總譜閱讀
第一號交響曲《巨人》總譜
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
譜例：第二號交響曲《復活》總譜 扉頁與第一頁
總譜閱讀
第二號交響曲《復活》總譜
https://youtu.be/q5rEzHN8IKA
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：現代芭蕾舞先驅─史特拉汶斯基《火鳥》
【BON音樂】大人的音樂欣賞：現代芭蕾舞先驅─史特拉汶斯基《火鳥》
The Ballet "Firebird"
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你喜歡優美曼妙的芭蕾舞嗎？
你對結合劇情與舞蹈的芭蕾舞劇有興趣嗎？
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《大人社團》與蹦藝術攜手合作的音樂欣賞課，這一期將探索芭蕾音樂。你會認識世界三大芭蕾舞劇《天鵝湖》、《睡美人》、《胡桃鉗》以及現代芭蕾的先驅《火鳥》《彼得洛希卡》。林仁斌老師將帶領學員們認識這種結合舞蹈、音樂與劇情的音樂類型。好好感受芭蕾音樂的豐富內涵，更進一步了解創作背景以及芭蕾舞蹈的特色，聽懂樂曲的編排，了解作者的風格與巧思；搭配影音欣賞及講義解說，無論你是否有基礎，都能和音樂更靠近！邀請你透過線上直播的方式，加入音樂與表演藝術的世界，讓生活更加繽紛！
2022年林仁斌老師近期課程
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
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第四堂│現代芭蕾舞先驅─史特拉汶斯基《火鳥》
隨著二十世紀的文明鼎盛，1909 年，俄羅斯藝術家迪亞佳吉列夫（Sergei Diaghilev）創立了俄羅斯芭蕾舞團（Ballets Russes），在歐洲推行俄羅斯芭蕾舞：從舞者、編舞家到作曲家、布景及服裝設計師，更是精心細選。1910年，時年28歲的史特拉汶斯基以改編自俄羅斯民間童話的《火鳥》成功敲響近代芭蕾的閃亮火花。而這部《火鳥》也是他的代表作與成名作，在這堂課中，老師將帶學員們回到這段人文薈萃的美好年代，品味現代芭蕾的各種玄妙之處。
作曲家 史特拉汶斯基（Igor Stravinsky, 1882-1971）
→生平介紹
照片．1903年的史特拉汶斯基
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
《火鳥》 (法語：L'Oiseau de feu；是俄羅斯作曲家伊果·史特拉汶斯基的代表作與成名作，和 春之祭、彼得洛希卡一同被列為史特拉汶斯基三大芭蕾舞劇，《火鳥》之故事題材取材自俄羅斯童話。
史特拉汶斯基原為法律系學生，後拜知名作曲家林姆斯基．高沙可夫為師，學習作曲，於1903-1908年間追隨林姆斯基．高沙可夫上課，也是他真正入門作曲之關鍵時期。
1909年2月6日，史特拉汶斯基在完成作品 ⟨幻想詼諧曲⟩（Scherzo fantastique）與 ⟨煙火⟩（Feu d’artifice）兩項作品後，與俄羅斯芭蕾舞團團長迪亞吉列夫（Serge de Diaghilev）首次碰面，彼此留下深刻印象。
迪亞吉列夫不斷努力於歐洲推廣俄羅斯芭蕾舞蹈之美，，其作品也逐漸獲得肯定，在1909年取得巴黎演出成功佳績之後，便向當時 27歲的青年作曲家提出邀約創作。史特拉斯基在眾多作曲家中獲團長雀屏中選，除了深信自己的能力可以得到發揮之外，也戰戰兢兢地選擇了俄羅斯童話《火鳥》，希望能以更俄羅斯化的題材，結合芭蕾舞，讓近代俄羅斯芭蕾發揚至全世界（這也是迪亞吉列夫最大的心願）。
於是《火鳥》在邀稿不到半年左右的 1910年 5月18日完成手稿，史特拉汶斯基將樂譜帶至巴黎開始進行彩排等演出事宜。團長迪亞吉列夫對於這齣新作品的音樂讚不絕口，曾說過「大家注意了～這是一位即將擁有極大成功的年輕人。」（Notez-le bien. C’est un homme à la veille de la gloire.）
編舞與首演
全劇編舞由近代天才芭蕾舞者/編舞家米蓋爾．佛金（Mikhaïl Fokine）擔任編舞與男主角、雷翁．巴克斯（Léon Bakst）擔任海報與人物服裝繪製。後於 1910年6月25日由法國指揮家皮耶奈（Gabriel Pierné）指揮於巴黎國立歌劇院成功首演。
《火鳥》首演的絕大成功，更讓首次嘗試芭蕾舞劇創作的青年史特拉汶斯基一戰成名，成為法國樂界眾所矚目的作曲新星。
隔年他將再繼續創作《彼得洛希卡》（1911）與兩年後的充滿爭議的世紀大作《春之祭》（1913）；雖然《春之祭》當時毀譽參半，但卻讓他真正成為知名作曲家，人生在世享譽一甲子，作品更是傳世一世紀，是傳奇中的傳奇。
史特拉汶斯基主要作品（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
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【BON音樂】史特拉汶斯基：芭蕾舞劇《火鳥》（L’Oiseau de feu）介紹
【BON音樂】史特拉汶斯基：芭蕾舞劇《彼得洛希卡》（Petrouchka）介紹
【BON音樂】史特拉汶斯基：芭蕾舞劇《春之祭》（The Rite of Spring）介紹
狼．火鳥．魔法師．王子與公主
《火鳥》的芭蕾編舞家佛金在設計編舞時，受到年輕詩人皮奧特·波托姆金（Piotr Potiomine）詩作所啟發，再結合亞歷山大·阿凡納西耶夫（Alexandre Afanassiev, 1826-1871）寫作發行的童話故事：： 《伊凡·薩瑟維奇》（Ivan Tsarevich）、《火鳥》（Firebird）與《灰狼》（Gray Wolf）等故事，以想像結合虛構，重新發展出包含四個重點「狼．火鳥．魔法師．王子與公主」的全新芭蕾舞劇《火鳥》不思議劇情：
插畫家 Ivan Bilibine (1876-1942) 根據三個童話的全新故事《火鳥》所繪製的插畫。
作者註： 「伊凡·特薩里維奇」（Ivan Tsarevich）（俄語為“Иван-царевич”，直譯為「伊凡王子」）是俄羅斯民間文學藝術的主要英雄之一。通常擔任故事主角，經常與科赫切伊（Kochtcheï）作戰。「伊凡王子」其中的一個角色因為史特拉汶斯基將其設定於俄羅斯芭蕾舞劇《火鳥》（Firebird）的大受歡迎，而在全世界廣被認識。 畫家Viktor Vasnetsov繪製之「伊凡王子-騎著灰狼的英雄騎士」（Ivan Tsarévitch chevauchant le loup gris）：
法語版 故事前言： 在夢中，我看到自己騎著狼 Et dans mes rêves je me vois chevauchant un loup 沿著森林的長長小徑 Le long d'un sentier dans une forêt, 有位沙皇巫師 Parti combattre un tsar sorcier 在這公主被俘虜的土地上 Dans ce pays où une princesse captive 厚厚的高牆之後有著深深哀嘆。（倒裝句） Se lamente derrière des murs épais. 在一個美麗的花園中間升起了一座玻璃宮殿， Au milieu d'un jardin merveilleux s'élève un palais de verre, 火鳥整夜在那唱著歌 Et un oiseau de feu y chante toute la nuit 在金色果樹上被發現。（倒裝句） Becquetant sur un arbre des fruits dorés".
《火鳥》故事概說
1920年畫家畢卡索繪製之史特拉汶斯基半身畫像
俄羅斯插畫家 里昂·巴克斯（Léon Bakst, 1866-1924）為《火鳥》繪製之海報原創角色繪圖（Firebird, Ballerina, 1910）：
史特拉汶斯基：芭蕾舞劇《火鳥》（1910年）總譜封面
巴克斯為擔任芭蕾女伶 Tamara Karsavina繪製之服裝海報：
首演美麗的芭蕾女星塔瑪拉·卡莎維娜（Tamara Karsavina, 1885-1978） ，1911年樣貌：
《火鳥》的著裝扮相：
首演卡司
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
美麗的芭蕾女星塔瑪拉·卡莎維娜（Tamara Karsavina, 1885-1978）與天才男舞者佛金（Mikhaïl Fokine）於1910年《火鳥》首演版本的照片檔案。而莎莉芙娜公主佛金娜（Vera Fokina）、魔法師凱許齊由布爾加科夫（Alexey Bulgakov）擔任。
史特拉汶斯基在巴黎與拉威爾的合照
1910年芭蕾版 段落與劇情
演奏時間約48分鐘
- 序曲
- 魔法師凱許齊的魔法庭園
- 火鳥出現，伊凡王子尾隨
- 火鳥之舞
- 王子捕獲火鳥
- 火鳥的懇求
- 被魔法控制的十三位公主
- 公主們與金蘋果
- 伊凡王子的突然出現
- 公主們的輪旋曲
- 黎明
- 凱許齊的怪物士兵登場、捕獲伊凡王子
- 不死魔王凱許齊的登場
- 凱許齊與伊凡的對話
- 公主們的求情
- 火鳥的出現
- 妖怪們的瘋狂之舞（火鳥法術）
- 凱許齊魔法地獄之舞
- 火鳥的催眠曲
- 凱許齊的甦醒
- 凱許齊之死
- 一片深黑
- 凱許齊之花園重現、魔法的毀滅、被化為石頭的騎士們復活、大團圓
《火鳥》芭蕾全劇電影版欣賞
Choreography - Michael Fokine
Cast: Nina Ananiashvili, Andris Liepa, Ekaterina Liepa.
Director: Andris Liepa.
Bolshoi State Academic Theatre Orchestra
conductor Andréy Chistiakov.
https://youtu.be/b_WJnRF5o0g
1910年版本 完整演奏與樂譜欣賞
https://youtu.be/38R_MIrKgtc
Stravinsky: The Firebird
Gergiev · Vienna Philarmonic
Salzburg Festival 2000
https://youtu.be/RZkIAVGlfWk
《火鳥》除了有1907年的早期手稿版本與1910年首演版本之外，後來史特拉汶斯基多次改寫，分別有三次管弦樂組曲版本：1910、1919年與1945年等三個演奏版本，留給後世更多演出選擇。
版本比較
管弦樂配器
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
1910年芭蕾舞劇版本，以後期浪漫派管絃配器常用之四管編制，如下：
| 《火鳥》芭蕾舞劇配器 |
| 弦樂 |
| 16 小提琴一premiers violons, 16小提琴二 seconds violons, 14 中提琴 altos, 8 大提琴 violoncelles, 6 低音大提琴 contrebasses, 3 部豎琴 harpes |
| 木管 |
| 4部長笛 flûtes, 第二與第三部兼吹短笛 piccolos, 三部雙簧管 hautbois, 1 部英國管cor anglais, 3 部A調豎笛 clarinettes en la, 第三部豎笛兼吹D調豎笛, 1 部低音豎笛 clarinette basse, 3 部低音管 bassons, 第三部兼吹第二部倍低音管 contrebasson, 1 部倍低音管 contrebasson |
| 銅管 |
| 4 部法國號 cors, 3 部C調小號 trompettes en ut, 3部 長號 trombones, 1 部低音號 tuba |
| 打擊 |
| 定音鼓、三角鐵、雙鈸、大鼓、中鼓、鐘琴、鐵琴、鋼琴、鋼片琴 timbales, triangle, cymbales, grosse caisse, tam-tam, glockenspiel, xylophone, 1 piano, 1 célesta |
-
各版本音樂會組曲
史特拉汶斯基於1911、1919與1945年三度改編《火鳥》原作，以下為各不同版本的段落（最左欄為1910年芭蕾完整版本）：
| 1910年芭蕾完整段落 | 1911年組曲 （約22分鐘） |
1919年組曲 （約24分鐘） |
1945年組曲 （約32分鐘） |
| 序曲 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 魔法師凱許齊的魔法庭園 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 火鳥出現，伊凡王子尾隨 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 火鳥之舞 | ✘ | ✓ | ✓ （啞劇I） |
| 王子捕獲火鳥 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 火鳥的懇求 | ✘ | ✘ | ✓ |
| 被魔法控制的十三位公主 | ✘ | ✘ | ✓ （啞劇II） |
| 公主們與金蘋果 | ✘ | ✘ | ✓ |
| 伊凡王子的突然出現 | ✘ | ✘ | ✓ （啞劇III） |
| 公主們的輪旋曲 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 黎明 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 凱許齊的怪物士兵登場 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 捕獲伊凡王子 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 不死魔王凱許齊的登場 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 凱斯齊與伊凡的對話 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 公主們的求情 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 火鳥的出現 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 火鳥之咒語與妖怪們的瘋狂之舞 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 斯許齊魔法地獄之舞 | ✓ | ✓ |
✓ |
| 火鳥的催眠曲 | ✓ | ✓ | ✓ |
| 凱許齊的甦醒 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 凱許齊之死 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 一片深黑 | ✘ | ✘ | ✘ |
| 凱許齊之花園重現、魔法的解除、被化為石頭的騎士們復活、大團圓 | ✓ | ✓ | ✓ |
史特拉汶斯基與《火鳥》首演後，多次修改樂譜，以下為三次修改管弦樂版本年份與樂章比較：
1911年 組曲第一套組曲有五個樂章，順序與原始芭蕾舞的編排保持一致。
|
布列茲於1968年曾指揮灌錄1911年的版本
The Firebird - Ballet Suite (1911) : I. Introduction - Kashchei's Magic Garden and Dance of the Firebird
https://youtu.be/NN4wpzJlYOI
1919年 組曲第二套組曲同樣包括五個樂章，音樂選擇與1910年版有所不同。樂團編制則從原始四管編制精簡為兩管編制，展現更加精巧的木管風格。
|
Firebird Suite (1919 version)
https://youtu.be/2VbQ6SgYFc4
1945年 組曲最後一套組曲，也常被稱為芭蕾舞組曲，創作於美國時期。長度也為三套組曲中最長，共有十個段落，順序與芭蕾舞作相同，演奏時間則約半小時。
|
Stravinsky Conducts The Firebird Suite, Japan 1959
(1945 revised version)
https://youtu.be/U-u33i1M0fI
Stravinsky: The Firebird Suite (1945 revised version)
Codarts Symphony Orchestra: Firebird Ballet Suite (1945) by Igor Stravinsky
https://youtu.be/m1TsCiHTICU
伯恩斯坦邀請史特拉汶斯基 指揮紐約愛樂《火鳥》芭蕾最終三景
1960.01.31. 錄影
https://youtu.be/IrMGqAmjbug
1965年，82歲的史特拉汶斯基於英國指揮《火鳥》芭蕾 ⟨搖籃曲⟩ 與 ⟨讚美詩⟩
Royal Festival Hall，英國倫敦
https://youtu.be/5tGA6bpscj8
延伸影片欣賞
指揮家Gerard Schwarz 分析介紹《火鳥》
Stravinsky Firebird Suite: Analysis by Gerard Schwarz
https://youtu.be/LUKATBkwuso
史特拉汶斯基的和聲使用
Stravinsky and his Harmony
https://youtu.be/fGYWebr_6cg
Yuzuru Hanyu 羽生結弦 — The Firebird 火の鳥 (4K)
https://youtu.be/lNHFi8OQ7ZQ
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【BON音樂】德弗札克：第九號交響曲《新世界》
【BON音樂】德弗札克：第九號交響曲《新世界》
Dvořák: Symphony No.9 in E minor Op.95 'From the New World'
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→德弗札克生平簡介
樂曲簡述
1891年，五十歲的德弗札克（Antonín Dvořák, 1841-1904）受到來自美國的邀約，想聘請他到美國國家音樂學院（National Conservatory of Music of America ）擔任音樂院院長（1892-1895年），1892年他帶著家人遠從捷克赴美，展開他人生下半場的新世界之旅。
1892年來到美國的德佛札克，雖有家人在旁陪伴，也喜愛在美國這個新世界所見所聞，一方面接收著這來自新世界的養分，但另一方面，也經常時時思念著自己的故鄉。在美國的他，融合了心中的波西米亞的旋律、美國民謠與黑人靈歌等等素材，在他心中醞釀兒成為了一種全新的語彙，深切動聽，讓人一聽難忘。
德弗札克的第九號交響曲《新世界》，第二樂章英國管奏旋律優美無比，更個勾人鄉愁與愁思，許多人誤以為這旋律是直接取自美國民謠，但其實是德弗札克的原創旋律。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/dvorak-string-quartet-in-f-major-op-96-american/
https://bonart.com.tw/all-about-dvoraks-cello-concerto/
我寫的．都是捷克音樂
在人生晚年，已臻化境的作曲家德弗札克僅以一句話，謙虛地概括他自己畢生之創作。
他說：「我所留下的作品，永遠只是普通的捷克音樂。」
作曲家簡介
（引用自維基百科，連結）
德弗札克（Antonín Dvořák，1841年9月8日－1904年5月1日），捷克國民樂派作曲家。
追隨著浪漫主義時期民族主義者的典範貝多伊齊·史麥塔納，德弗札克經常在他的作品中使用摩拉維亞和他的故鄉波希米亞（當時屬於奧匈帝國，現屬捷克）的民謠音樂的旋律及其他方面。德弗札克自己的風格經常被描述為「吸收了民歌的影響並找到有效的方式利用它們，用交響樂的傳統最完滿的再現了一個民族的特色」。其代表作有第九交響曲《新世界交響曲》、《B小調大提琴協奏曲》、《斯拉夫舞曲》、歌劇《露莎卡》。他被認為「可能是他那個時代創作最多面向的作曲家」。
出生和年輕時代
德弗札克出生地
德弗札克出生在布拉格（當時屬於奧匈帝國，現屬於捷克）附近的內拉霍奇夫斯鎮伏爾塔瓦河旁的磨房內，他的父親František Dvořák經營祖傳的客棧和肉店。他的母親Anna Zděnková是一名貨物看守的女兒。安東尼是他們第一個兒子，安東尼總共有八個弟弟。
他6歲的時候在Nelahozeves上小學，在那裡他第一次上小提琴課。1853年他遷往茲洛尼采學習德語。當時德語是波希米亞的生存之本。在那裡他跟隨教堂唱詩班領唱Antonín Liehmann學習鋼琴和管風琴。在此期間，他有時演奏管風琴補貼家計。他還在他老師的樂團中演奏，並且開始作曲。有一個由來已久而且由一封偽造的滿師證書所支持的傳言，說德弗札克的雙親強迫安東尼學習屠宰技術，但目前沒有任何證據證明這個傳言的真實性。
1856年秋德弗札克去了捷克卡梅尼采，據推測他是為了進修德語，並且準備到德語教學的布拉格管風琴學校上課。1857年10月他上了兩年的管風琴學校，也在一所普通學校上過學，還作為中提琴手在一年登台兩次的Cäcilien協會樂團中演出。
職業音樂家的第一步
德弗札克本想謀一個管風琴師的職位，但失敗了。1859年夏天開始他就在Karl Komzák的樂團裡面當中提琴手，在咖啡館，或是公眾場合演奏樂曲集錦，序曲和舞曲。德弗札克這樣過了十一年，其間沒有發表作品。從這段時間流出下來的作品判斷，他是自學的作曲，而且可以說是按部就班的，從開始的莫札特，經孟德爾頌和舒曼直到1870年代末的華格納。剛開始他的重點是弦樂四重奏。
1862起Komzák的樂團在新開的布拉格臨時劇院登台，約在1865年升級為歌劇樂團。在國家劇院落成之前，這座臨時劇院是第一所捷克歌劇戲劇的用武之地。其中史麥塔納貢獻良多，他的《布蘭登堡人在波希米亞》和《被出賣的新嫁娘》1866年就是在此首演的。
1865年起德弗札克除在樂團的工作外，還開始在劇院教授鋼琴。他的女學生有姐妹倆Josefina和Anna Čermáková。當時德弗札克愛上了17歲的Josefina，可惜未成眷屬，但當時11歲的Anna，卻在8年後，即1873年11月17日與德弗札克成婚。
成名
1870年德弗札克寫下第一部歌劇《阿爾弗雷德》，德語劇本，但歌劇在他生前都不曾獲得上演機會，可以看作是一次練筆。第一部為觀眾所接受的作品是歌劇《國王與燒炭工》，Bernhard J. Lobeský寫的捷克語劇本。1871年7月他辭去了樂團工作，只為了多點時間作曲。在1871年到1873年，他發表了歌劇，室內樂和為合唱和樂團而寫的讚美詩《白色山的遺產》，這些作品得到了熱情的讚美與肯定。
只是其歌劇《國王與燒炭工》不盡如人意。1873年臨時劇院已經開始排演，但是不得不中斷，據稱原因是這部歌劇太難而不可能演唱。德弗札克再次重新審視其曲風，並且拋棄了新德國學派的那一套重新作曲，1874年首演，結果是大獲成功。
1874年開始他開始到私立音樂學校授課，2月他得到了一個管風琴職位，在此職位上他一直工作到1877年。
蜚聲國際
1874年到1877年間他都得到國家獎學金。愛德華·漢斯力克是這個評委會的成員，後來還有布拉姆斯，後者成就了德弗札克的決定性突破——通過與之友好的出版商西姆羅克，德弗札克的二重唱合集《摩拉維亞之聲》得以出版。同時，這也標誌著兩位大作曲家終身友誼的開始。
出國旅遊
1884年德弗札克接受愛樂協會的邀請第一次前往倫敦。這兩年內寫成的《鬼新娘》（露莎卡，根據Karel Jaromír Erben的敘事詩寫成）和《聖潔的魯米那》是伯明罕和利茲的委託之作。
第一次倫敦之行後，德弗札克到普日布拉姆（Příbram）旁的維索卡山（Vysoka）避暑，在那裡他可以充分遠離城市享受大自然。1877年起他的公眾露面停息，只接受少量的委託，修改舊作，寫作歌劇《雅各賓派人》。
1889年初德弗札克應俄羅斯皇家音樂協會之邀到訪莫斯科和聖彼得堡。在再一次的倫敦之旅後他回到布拉格，在那裡他接受了卡爾斯大學榮譽博士頭銜，1890年10月他成為音樂學院教授。其實1889年一月他就收到聘任提議，但由於他當時事務繁忙不得不推掉。
在新世界
照片中1893年德弗札克一家和他的朋友在紐約。從左到右是：他的妻子安娜，兒子安東寧，莎蒂·西伯特，約瑟夫·科瓦里克，莎蒂·西伯特的母親，女兒奧提莉，最右為德弗札克本人。
1892年至1895年間，德弗札克到紐約市的美國國家音樂學院擔任院長，年薪為當時的15000美元，這對德弗札克的財政狀況來說是非常具有吸引力的。但他也要考慮到家庭團聚的問題，他的妻子，女兒Otilie和兒子Antonín陪同前往。其他四個孩子只在1893年夏天來美國。那時一家在愛荷華州的捷克移民村斯畢維里歡度美好時光。
聘任建議是由慈善家珍妮特·瑟伯夫人提出的，她想把美國從歐洲音樂一統天下的局面中解放出來，並且樹立美國自己的藝術偶像。她建議作曲家從美國詩人亨利·沃茲沃思·朗費羅的長詩《海華沙之歌》選取題材，寫一部美國歌劇。德弗札克深深認同美國黑人和印第安人音樂應該是美國音樂的發展基石，認為通過它們將會找到美國音樂自己的風格。德弗札克在紐約遇到了他後來的學生哈里·布雷——最早的美國黑人作曲家之一。他向德弗札克介紹了美國黑人的傳統靈歌。
1893年，德弗札克從《海華沙之歌》這個描寫印第安人的偉大詩篇中找到靈感，再結合自己對印第安人和美國黑人音樂的研究，最終為紐約愛樂樂團寫出了很出名的作品：第9號交響曲《來自新大陸》。1893年12月16日，德弗札克的朋友安東·塞德爾指揮紐約愛樂樂團在紐約著名的卡內基音樂廳首演了這部交響曲，獲得熱烈歡迎。他在紐約還寫有《感恩贊》和第12號弦樂四重奏，就是《美國弦樂四重奏》。從中可看到美國的音樂元素的滲入，例如五聲音階，一個降低的導音和切分音的應用。
德弗札克在音樂學院的主要工作是作曲課，他的學生有魯賓·高德馬克。
從美國歸來
本來他的任期為兩年，後來延長兩年，可是1895年4月德弗札克就回國了，原因可能是贊助人Thurber經過一次經濟危機後財政情況急劇惡化，導致德弗札克被多次拖欠薪水。
德弗札克在維索卡山平靜地度過了幾個月，11月份再次到布拉格音樂學院上任。他曾打算過搬到維也納，在那得到一個位置應該不成問題，但最後還是沒有付諸現實。期間誕生了他最後一部弦樂四重奏。
交響詩
1896年德弗札克與絕對音樂劃清界限。雖然他之前寫過一些被稱之為標題音樂的作品，如1889年的為鋼琴而作的《詩意聲樂畫》，他稱之為「標題音樂，但是是舒曼式的」，或是同年的Dumky三重奏（鋼琴三重奏）。但現在他直接轉向交響詩的創作。這是一種音樂體裁，在李斯特和華格納的新德國學派里，它是爭論的焦點之一。
這一年之內他寫了《露莎卡》、《午時女巫》、《金紡車》和《野鴿》。這些作品都是根據捷克詩人Karel Jaromír Erben的敘事詩集《Kytice》創作的。他用散文式的音樂告訴聽眾這些故事的情節。下一年他還寫了《英雄之歌》，雖然他並沒有公開其大綱，但是他在一封信中卻對之作了解釋。
最後歲月
布拉格德弗札克像
此時的德弗札克已經完成了其室內樂和管弦樂的創作。在他最後的歲月里他只寫歌劇：1898年《魔鬼與凱特》、1900年《露莎卡》和1902/3年的《阿米達》。
在《阿米達》首演的時候，德弗札克因腿疼而不得不中途離開。幾天後因為感冒，只能在床上休息。1904年5月1日他在家人的陪伴下悄然離世，死因是中風而去世，享壽62歲。在逝世的第四天，捷克為他舉行國葬。
2005年6月捷克票選「最偉大的捷克人」（Největší Čech）中，他排名第八。（作曲家簡介引用自維基百科）
創作過程
1892年在開始美國生活並擔任音樂院院長之後，隨著生活的安定德弗札克逐漸開始構思在美國的創作。在整理了心中的想法之後，1893年他也開始了全新交響曲的創作：1893年1月10日正式開始創作，1月21日便完成了第一樂章，1月25日完成第二樂章，1月31日完成第三樂章，作曲速度非常迅速；但第四樂章則等到3月12日才完成，終於完成全曲。而喜歡上美國本地音樂的德弗札克也在1893年夏天訪問愛荷華州，位於斯皮爾維爾的BilyCloks House，與當地的美洲原住民共度時光，並仔細研究當地原住民音樂風格。
樂曲編號
當年《新世界》交響曲首度出版時，編號其實是「第5號」（出版順序），後來學者再重新根據創作時間編號後，《新世界》才改列為第9號。
關於首演
《新世界》交響曲完成於1893年，並於同年12月16日由指揮家安東.塞爾德（Anton Seidl, 1850-1898）指揮紐約愛樂交響樂團（現紐約愛樂前身）於卡內基音樂廳首演。
安東.塞爾德指揮紐約愛樂交響樂團首演現場速寫圖
報紙樂評：
德弗札克偉大的交響曲：由紐約愛樂擔任首演
關於這無與倫比的美：
First Movement the most Tragic,
Second the most beautiful,
Third the most Sprightly.
創作時德弗札克並無給予標題。
但在首演前，德弗札克不但加上了《新世界》（from the new world）的標題，在之後的倫敦首演之前，德弗札克也寫下給倫敦首演的介紹：
"我稱此交響曲為《新世界》，因為它是我在美國寫的第一首作品。依我的看法，這個國家的影響（意指黑人、印地安人、愛爾蘭人的民謠旋律）很容易看見。這首和其他在美國寫作的曲子，和我早先的作品，在色彩和個性上都很不一樣──但是我不會自我分析。我希望英國的聽眾能夠像以往一樣了解我。很遺憾我不能在首演時親臨指揮。你們能好心讓我知道演出反應如何，並寄給我倫敦輿論的批評嗎？慢板和序奏部分應該非常緩慢。對了，速度！速度是很可怕的事情。"（取自維基百科網頁：連結）
德弗札克的總譜首頁手稿
樂曲編制
如下方總譜所示，本曲為兩管編制交響曲。
| 《新世界》交響曲編制
兩部長笛（二部兼吹短笛） 兩部雙簧管（二部兼吹英國管） 兩部A調與bB調單簧管 兩部低音管 四部法國號（E調, C調與F調） 兩部小號（E調, C調與E♭調） 中音長號、次中音長號與低音長號 低音號（僅第二樂章） 定音鼓 三角鐵（僅第三樂章） 雙鈸（僅第四樂章） 弦樂五部 |
樂章介紹
第一樂章 - e小調，4/8拍，奏鳴曲快板曲式。
慢板（Adagio）- 甚快的快板（Allegro molto）
序奏（慢板）主題
樂譜版本欣賞（序奏慢板）
甚快的快板 主題
樂譜版本欣賞（快板）
第一樂章 曲式結構
| 慢板前奏 | 呈示部 第一主題 | 呈示部 第二主題 | 呈示部 第三主題 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 |
| Introduction | Exposition - First Theme |
Exposition - Second Theme |
Exposition - Third Theme |
Development | Recapitulation | Coda |
第二樂章 - 降D大調，4/4拍，三段體A-B-A’。
最緩板（Largo）
前奏譜例
英國管慢板主題（念故鄉）
B段主題（長笛＋雙簧管）
第二樂章 曲式結構
| 前奏 | A段 Section A |
B段 Section B |
Ａ'段 Section A' |
尾奏終止式 Ending Third |
| Choral of Trombone: 10:07 | English Horn Solo: 10:59 Bassoon solo: 12:15 Clarinete solo: 12:31 Choral of Winds: 12:49 Strings Choral: 13:18 English Horn Solo: 14:17 Bassoon Solo: 14:31 Horn Choral: 15:00 |
Chora of Oboe and Flute: 15:26 Choral of Winds: 16:04 Clarinete Solo: 18:00 Strigns choral: 18:00 Oboe solo: 19:19 Choral of Winds : 19:23 Theme of the 4th movement: 19:44 |
English Horn Solo: 20:16 Strings Choral: 20:46 Violin Solo: 21:33 Cello Solo: 21:33 Winds Choral: 22:02 |
Choral of trombone: 22:51 Last Chord: 23:49 |
第三樂章 - e小調，3/4拍，輪旋曲式
活潑的甚快板（Molto vivace）
A主題譜例
B段主題譜例
中段（Trio）譜例
第三樂章 曲式結構
| 第一主題 | 第二主題 | 中段 | 尾聲 |
| Theme A | Theme B | Trio | Coda |
第四樂章 - e小調，4/4拍，奏鳴曲快板曲式
火熱的快板（Allegro con fuoco）
快板主題譜例：
第四樂章 曲式結構
| 序奏 | 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 |
| Introduction | 第一主題 | Development | Recapitulation | Coda |
【BON話題1】三大主題比一比
首次聽到德弗札克大提琴協奏曲、弦樂四重奏《美國》跟《新世界》交響曲時，某些段落有沒有一種「似曾相識」的感覺呀？
其實當我們拿出大提琴第一樂章主題與《新世界》交響曲第四樂章主題並列比較時，各位會發現，這兩者其實有著許多驚人的相似之處～也難怪聽起來如此熟悉（XD）：
大提琴協奏曲主題
《新世界》交響曲主題
然後我們再加入《美國》的第一樂章主題進來比一比：
《美國》弦樂四重奏主題
（寫於1893年，《新世界》之後，在美國的第二首作品）
從上面三個譜例，看出來德弗札克旋律中的「美國味」是什麼了嗎？（XD）
【BON話題2】《新世界》交響曲登月球？
1969年，太空人阿姆斯壯（Neil Armstrong）執行阿波羅11號登陸月球任務時，也帶了一捲德弗札克《新世界》交響曲在太空船上播放，不曉得是阿姆斯壯特別喜愛這首曲子？抑或這代表著1969年時人類認為登陸月球就是正在探索未來的「新世界」？
我們無法得知背後的原因，但這件事情但當年也成為新聞內容與話題。
https://youtu.be/9_IoONiH3tM
【BON話題3】大白鯊也瘋狂？
電影配樂作曲家約翰威廉斯的《大白鯊》兩音主題名聞遐邇，可說是電影配樂早期最具創意的動機設計。但如果您聽過德弗札克《新世界》第四樂章前奏之後，可能會訝異地發現兩者是如此相近...
https://youtu.be/UPAxg-L0xrM
意外嗎？還有進階版喔～
現在...《星際大戰》也要瘋狂了～～
借來的動機XD
https://youtu.be/JtRU8cMp0Nk
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【苗北講堂】2022上半年系列（四）芬蘭．西貝流士－自由奮戰正義之聲
【苗北講堂】2022上半年系列（四）芬蘭．西貝流士－自由奮戰正義之聲
Miaobei Art Center X BONART Music lecture 2022-4
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積厚流光 音樂群雄
橫跨歐洲五國．十九世紀的最美的音樂人文風情
藝文講堂為日前重要的藝文參與模式，為營造藝文共學常態環境，本系列講座以「積厚流光 音樂群雄」為設想，橫跨歐洲五國，以十九世紀最美的音樂人文風情為主軸，由超人氣音樂導聆人林仁斌老師用精彩的故事，帶您穿越時空，輕鬆悠遊古典音樂美妙的領域，讓您瞬間化身音樂欣賞達人。
主講：林仁斌老師（蹦藝術網站執行長）
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歐洲五國．五種音樂風情
（四）芬蘭．西貝流士－自由奮戰正義之聲
111年4月07日(星期日)10:00
西貝流士生活在受到俄羅斯帝國侵佔的芬蘭，當時的芬蘭，喪失國家自治權。他透過樂曲，展現芬蘭人不屈不撓、為自由奮戰精神；透過音樂古典曲式融合國家故事，清晰傳達芬蘭民族象徵、凝聚芬蘭民族精神，更是感動全球樂迷。北國音樂之魂，在西貝流士作品中展露無遺。
芬蘭國寶 西貝流士
西貝流士不僅是芬蘭國寶級的作曲家，更是國民樂派的代表性人物。他除了是芬蘭最重要作曲家，更是民族主義音樂和浪漫主義音樂晚期重要代表。西貝流士以擅長於寫作雄渾、壯闊的大型管弦樂曲而知名：蘇格蘭作曲家、音樂評論家與作家 Cecil Gray 更是推崇 西貝流士為 和布拉姆斯之後最優秀的交響曲大師。
終其一生，西貝流士總共完成七首交響曲，比起稍早的布拉姆斯、布魯克納、馬勒，毫不遜色。這位國民樂派芬蘭作曲家創作譽滿全球，堪稱最具有芬蘭魂之作曲家。他的音樂中滿滿的芬蘭味，道盡祖國歷史、人文，甚至地理與風土，更能表現出芬蘭人堅忍精神；他讓世人藉由音樂感受了解他的祖國，是上個世紀最偉大的作曲家之一。
蹦藝術 延伸閱讀
【BON音樂】西貝流士：第1號 e小調 交響曲 介紹
【BON音樂】西貝流士：第2號 D大調 交響曲 介紹
西貝流士 生平
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
西貝流士（Jean Sibelius, 1865-1957）出生在芬蘭海門林納，父親為一名醫生，但在他3歲(1868年)時便因長年照顧飢荒災民而惹上傷寒而過世，後隨母親回娘家生活。因歷史因素、地域原因及文化差異，西貝流士自小便在瑞典語的環境下長大，反而是後來因想考進一所能直升中學的芬蘭語學校，才開始學習芬蘭語。
童年時期外婆為西貝流士提供了不少學習音樂的機會，轉入芬蘭語學校後，西貝流士開始學習小提琴，亦參與了學校的樂團訓練，也開始寫了一些小品樂曲，中學畢業後，他考進赫爾辛基大學學習法律，同時也獲特別安排，於赫爾辛基音樂學校（今西貝流士音樂學院）學習音樂，師隨韋格流士學習作曲；華斯耶夫（Mitrofan Wasiljeff）學習小提琴。西貝流士對音樂的興趣與日俱增，最後決定留在赫爾辛基音樂學校學習。24歲(1889年)時赴柏林和維也納深造。三年後回芬蘭作了第一首音樂詩《薩迦》（「傳奇」），立即轟動。34歲(1899年)，他創作了著名的《芬蘭頌》。西貝流士不喜歡城市的喧囂，而選擇居住在鄉村，靠政府的年金過著舒適的創作生活。46歲(1911年)，他接受了喉部大手術。61歲(1926年)後，基本停止了創作活動，其原因成為音樂史上的未解之謎之一。
西貝流士一生橫跨了浪漫、國民及現代樂派，但他的創作生涯卻僅僅佔據人生的 1/3。1926年，西貝流士完成交響詩 (Symphonic Poem)《塔比奧拉》後，毅然決然停止創作，往後三十年當中，再無任何作品問世。歷史也許隨時間被淡忘，但音樂卻穿越時空，締造出永恆不朽的價值。被視為芬蘭國寶的西貝流士，備受政府與人民的禮遇，在他50歲生日那天，芬蘭政府甚至宣告全國放假慶祝，並將他的生日12月8日訂為國定假日（芬蘭音樂日 - Day of Finnish Music），綜觀古今中外音樂大師，能享有如此殊榮的，大概也只有西貝流士吧！
西貝流士的創作重心是管絃樂作品。他善於使用管樂器營造出陰鬱，幽森暗沈的氣息，令人聯想到芬蘭的自然風景，同時也善於表達雄壯，恢弘的音樂效果。雖然許多人將他歸類在民族樂派下，在音樂語言上，基本上呈浪漫主義風格，但後期部分作品的和聲有所突破。西貝流士是一位較為保守的作曲家，其優秀作品雖然數量較多，水準也很高，但大部分其他作品，特別是非管絃樂作品則多數屬於沙龍音樂性質，意義不大。
西貝流士的音樂對英國和美國作曲家影響尤大，在英美兩國他曾被視為最重要的當代作曲家。他的管弦樂作品，多取材於民族史詩或民間傳說。根據由芬蘭民間詩歌和神話編成的史詩題材進行創作。許多英國作曲家，如巴克斯、班托克、艾爾蘭等都曾模仿西貝流士的創作風格。另外，荀貝格也認為他是當代最重要的交響曲作者。
芬蘭歷史 簡說
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
19世紀初的 1808年芬蘭戰爭中，瑞典與俄羅斯交戰落敗，俄羅斯帝國入侵並佔領瑞典，於是芬蘭被俄羅斯沙皇亞歷山大一世的軍隊占領，原本屬於瑞典固有領土的芬蘭就如此割讓予俄羅斯帝國。從此芬蘭成為了成為俄羅斯帝國內的自治大公國，同時亦更名為芬蘭大公國（Grand Duchy of Finland），並由沙皇兼任大公直到1917年。 1917年12月6日俄國布爾什維克革命（十月革命）後不久，芬蘭宣布獨立。 1918年這個國家經歷了一次短暫的內戰。第二次世界大戰期間芬蘭與蘇聯兩度交手：1939—1940年的冬季戰爭以及1941—1944年的繼續戰爭，繼續戰爭其實就是芬蘭加入德國的巴巴羅薩行動的戰役，1941年6月25日，德國侵蘇行動的三日後芬蘭對蘇聯宣戰，動員兵力47萬人入侵蘇聯，其間收復了冬季戰爭前的領土，為建立「大芬蘭」，芬蘭進一步入侵卡累利阿，9月控制奧涅加湖並攻占彼得羅扎沃茨克，但在摩爾曼斯克，芬德聯軍受到阻滯。 1944年6月蘇聯反攻芬蘭，於維堡-彼得羅扎沃茨克攻勢重新擊敗芬軍，同時德軍在愛沙尼亞被蘇軍戰敗，於是在9月同蘇聯簽停戰協定，在盟軍和蘇聯壓力下，芬蘭發動拉普蘭戰爭，芬蘭將德軍趕出了芬蘭北部地區。 1947年和1948年與蘇聯簽署的多份條約規定了芬蘭對蘇聯的義務與限制，芬蘭在1940年合約的基礎上，更多的東部領土遭到蘇聯侵佔。為免進一步受蘇聯控制，芬蘭和瑞典、奧地利一樣成為中立國，並拒絕加入北約和華約。 1991年蘇聯解體後，芬蘭終於可以自行決定獨立的外交政策，並且在1995年加入歐盟。 2007年3月18日議會選舉，芬蘭中間黨在議會選舉中獲勝，獲得200個議席中的51席，成為第一大黨，聯合黨獲得50席，社會民主黨獲得45席，左翼聯盟獲得17個議席，綠色聯盟獲得15個議席，瑞典族人民黨和芬蘭基督教民主黨分別獲得9個和7個議席。4月19日，以馬蒂·萬哈寧為總理的政府宣誓就職，政府由中間黨、聯合黨、綠色聯盟和瑞典族人民黨組成。 2015年4月19日議會選舉，芬蘭中間黨在議會選舉中獲勝，獲得200個議席中的49席，有右翼民粹主義傾向的正統芬蘭人黨獲得38席，聯合黨獲得37席，三黨其後組成中間偏右聯合政府。正統芬蘭人黨在2017年6月13日出現分裂，部分黨員退出正統芬蘭人黨，繼續與中間黨和聯合黨組成聯合政府。
芬蘭地理簡說
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芬蘭總面積共338,000平方公里（大約是台灣的9倍大），國土分佈屬於狹長型國家，是歐洲第八大國。南北最長距離達1,157公里，東西最寬為542公里。 芬蘭被譽為「千島之國」與「千湖之國」：精確來說全國共有188,000個湖泊（面積500平方米以上的）和179,000個島嶼。芬蘭地勢平坦，拉普蘭北部地區位於芬蘭、挪威邊界的哈爾蒂亞峰位於挪威一側的最高峰海拔1,365米，其位於芬蘭一側的海拔1,328米的山坡處，為芬蘭最高點[22]。芬蘭最長的河流是凱米河，長550公里[23]。 除了湖泊之外，全國為大片森林覆蓋，佔國土面積的69%。可耕種面積較少，僅占8%。島嶼集中最多的地方是在西南部位於芬蘭大陸和奧蘭群島主島之間的群島海里。 芬蘭地處北溫帶，冬天寒冷，有時嚴寒，夏天則比較溫暖。芬蘭地處北緯60度到70度之間，有四分之一的地方處在北極圈內，最北的地區夏天有73天太陽不落於地平線下，冬天則有51天不出太陽。 芬蘭擁有世界上緯度第二高的首都赫爾辛基，僅次於冰島首都雷克雅維克。
芬蘭地圖：
⟪芬蘭頌⟫ 的由來
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《芬蘭頌》，作品26（Finlandia, Op.26）乃是芬蘭作曲家西貝流士所創作的交響詩，全長約9分鐘。西貝流士除了交響曲外，他利用芬蘭的歷史題材在管弦樂作品的創作表現出色，並在1899年為愛國歷史劇《歷史的情景》所寫的配樂，其後在1900年為了法國巴黎萬國博覽會演出再稍事修正編成《芬蘭頌》， 並成為西貝流士聞名全世界的最重要代表作。
好文閱讀：
【曠野藝文∕喚醒國魂的西貝流士】 文. 陳茂生（林仁斌補充） 芬蘭，這多災多難的北歐小國，在經歷了五百多年瑞典帝國的統治之後，卻於一八○九年落入另一個大帝國──沙皇時代的俄羅斯帝國的統治。 西貝流士出生之時，適逢歐洲民族主義抬頭，當時的芬蘭也籠罩在民族意識覺醒的氛圍之中。別人用槍和大砲革命，熱愛祖國的西貝流士則用筆和五線譜，開啟了芬蘭民族主義運動；一場非武力革命，就此沸騰展開。民族獨立的種籽，經由西貝流士筆下一首首動人樂曲，在芬蘭的天空飄散開來，激起了人民的愛國熱忱與反抗決心。 不同的是，俄羅斯將芬蘭併為「大公爵領地」；在亞歷山大第一及第二世皇帝統治下的八十多年之間，芬蘭人享有了「自治區」的自由及喜樂，但許多芬蘭人更憧憬著光明的前途...。 未料，一八九四年時，尼古拉二世接掌王權之後，為了貫徹他的「皇民化」政策，也就是使芬蘭全面「俄羅斯化」（與當年日本人要將臺灣「皇民化」的情況似乎如出一轍），俄皇派出一位大將軍 勃博力可夫（General Bobrikov）到芬蘭首都赫爾辛基坐鎮。芬蘭的天空頓時黯淡無光。一八九九年，勃博力可夫將軍更頒布了「二月宣言」，芬蘭自治區就此告終，俄語成為各級學校的主要語言，政府機構上自省長、市長、軍長，下至警察、戶政人員全被換成俄國人。 芬蘭人原本的言論及集會自由不再，勃博力可夫將軍的密探更是四伏，任何違法者馬上被送進牢獄。 該年十一月三至五日，芬蘭人民在忍無可忍下，終於在首都赫爾辛基廣場舉辦所謂的「新聞節慶」，表面上是為紀念芬蘭的新聞事業、文學、教育及文化發展而舉行的「募捐及慈善活動」，事實上卻是在抗議俄羅斯帝國的迫害。（註1） 歷史是何等詭譎，芬蘭人雖早在一八三○年左右就已開始了民族的覺醒，但若沒有勃博力可夫將軍的「鐵腕」鎮壓，芬蘭人或許仍然「沉醉」於所謂的「自治區」那種假民主、偽自由的狀況之中，國家被併吞、民族被同化了還毫無知覺。 「新聞節慶」的重頭戲是歷史劇《歷史的情景》，該劇由當時的劇院經理貝爾邦利.芬內（KaarloBergbom）撰寫劇本，戲劇性地將芬蘭歷史中不同時代的重要代表事件，從最古老的印刷術史、小學教育的濫殤，一直到蒸汽火車的發明，最後則以十九世紀的事件作結，共分六段演出。 當時三十五歲的西貝流士，已是芬蘭最有名氣的作曲家。該年，他的第一交響曲首演的非凡成功，可能使得芬蘭人更期待他為這大事件譜寫音樂。西貝流士果然不負眾望，不但作了曲，還親自指揮樂團，配合歷史劇的演出及詩詞的朗誦。 愛國心強烈的西貝流士，把前五段的音樂寫成騷動不安、刻畫芬蘭人民「國家掙扎」之環境，但是在第六段結尾的「芬蘭，醒來吧」（Heraa Suomi）（註2）時，西貝流士先是以銅管樂帶出仍然擾人的混亂，但不久之後，「呼喚人們醒覺」的號角聲出現，那急促的節奏，催促著人們沉睡的心靈，定音鼓則在最低層中攪動，管弦樂支撐著在最高音上一陣陣的號角催逼聲，清脆的鈴聲更像在喚醒人心；隨後「戰鼓齊鳴」之中，管弦樂如波濤洶湧地匯集而成氣勢磅礡的渴望自由之聲。但是，突然之間，木管樂以近乎聖詩式的四部和聲，帶出了充滿信心的音樂。單純寧靜的旋律，似乎在告訴人們要沉著以赴，音樂在一種紛擾動盪之中，突顯出特殊的靜謐力量。 樂曲《芬蘭覺醒》（「呼喚人們醒覺」）是在1899年11月4日，於赫爾辛基的瑞典劇院以愛國歷史劇中的配樂型態演出，由西貝流士親自指揮赫爾辛基愛樂管弦樂團舉行首演。而1900年改寫的獨立的《芬蘭頌》交響詩，則是在1900年7月2日，由芬蘭派遣至法國參加「巴黎萬國博覽會」 (Paris World Exhibition) 之赫爾辛基愛樂管弦樂團，在指揮家 卡雅奴斯（Robert Kajanus）指揮下完成首演。 西貝流士以弦樂器的合奏重複主題而呈現出聖詩式的音樂內聚力。結尾樂段則是以所有樂器合奏的手法，強調在首段的紛擾之中，人們的心已覺醒了，燦爛輝煌的銅管樂，把那充滿信心的主題，再度呈現，全曲把萬眾期待勝利之心匯集於「阿們」的樂聲之中，達到最高潮而結束。廣場上的芬蘭人繼續以被灼熱的愛國心，不斷吟唱著那日後被全世界尊敬的《芬蘭頌》（Filandia），而西貝流士更是盡情地指揮著樂團，一再重複演奏。（註3） 這首不到九分鐘的音樂，竟成為喚醒芬蘭國魂的《芬蘭頌》～成功地喚起了芬蘭人民心底的共鳴，讓飽受俄國殘暴統治的芬蘭同胞們心中所堆積的滿腔仇恨，藉由樂音，終於得以釋放。不但使西貝流士成為芬蘭的國寶級大人物，從此也成為芬蘭爭取國家獨立的「戰歌」，它是直接促進第一次世界大戰之後，芬蘭宣布獨立而定名為「芬蘭民主共和國」最偉大的力量之一。（註4） 註釋： 1.參考“Jean Sibelius”,Harold E. Johnson著，89-90頁。Alfred A. Knopf, New York, 1959. 2.Haraa Suomi，芬蘭語，Suomi就是芬蘭。譯為《芬蘭，醒來吧！》的這首聖詩式的四部合唱，是1881年芬蘭一位相當有名氣的合唱音樂作曲家Emil Genetz（1852-1930）所作 ；為的是慶祝芬蘭史詩名家Elias Lonnrot（1802-1884）八十歲大壽而創作的。Lonnrot先生是1830年代，促使芬蘭人民「民族覺醒」的重要推手。當時，西貝流士仍是16歲的中學生，對這首作品應已是耳熟能詳，因為全國各級學校都唱著它，西氏在這個特殊的節慶中，下意識地採用了這首被傳唱已近10年的「愛國歌曲」之旋律片段，似乎是很自然的事。 3.同註1.，92頁。 4.1917年12月7日，芬蘭宣布獨立。5.Aino Jarnefelt的家族人才輩出，產生了不少藝術家、音樂家、詩詞家。
現代語錄：指揮家沙隆年談西貝流士與芬蘭的獨立運動
https://youtu.be/G6_LLuri3qE
生而逢辰，左右逢源 西貝流士（Jean Sibelius, 1865-1957），一八六五年十二月八日出生於芬蘭首都赫爾辛基郊外的小鎮罕明林納（Hameanlinna）。父母都是芬蘭血統的後裔。他的父親是該地相當出名的醫師，母親則是出身於牧師家庭、受到良好音樂及藝術教育的才女。雙方的家庭都是路德會的忠實會友、熱心的基督信徒。小西貝流士在不到三歲時，父親突然病逝，母親馬利亞在不得已的情況下，帶了三個小孩回到娘家。 小西貝流士（後來芬蘭人都親暱地稱呼他為約翰Janne）排行第二，姊姊Linda比他大三歲，弟弟Christian卻是遺腹子。雖然後來只有約翰成為音樂家，但是姊弟三人卻在一八八○年時，就因自組的三重奏團而小有名氣，演奏曲目中已常有西貝流士的作品。 西貝流士的音樂才華，從小就被母親發現而鼓勵有加，五歲時，就常在鋼琴中尋找不同的旋律及和聲，不到十歲，就能以鋼琴即興演奏一些耳熟能詳的芬蘭曲調。十五歲才開始對小提琴產生濃厚的興趣，不久就為自組的「家庭三重奏團」寫出相當成熟的處女作──《水滴》（為小提琴、大提琴及鋼琴）。 與許多前輩音樂家如韓德爾一樣，西貝流士在二十歲時，成為首都赫爾辛基大學的法學院學生。但他也同時在赫爾辛基音樂院修習小提琴，除了琴藝突飛猛進，更在音樂理論、對位、和聲及作曲上下了苦工夫。 一八八九年至一八九一年，獲得獎學金，赴柏林及維也納這兩個歐洲的音樂城深造。雖然只有兩年多的學習，但是在當時的名師指導以及歐洲最佳的音樂環境之中，西貝流士的藝術視野大為擴張；不但得以學習及欣賞全世界最著名的音樂作品、最頂尖之演奏家及最精采的演奏會，更認識了不少藝術界及音樂界的名家；而在維也納時，更因未婚妻Aino Jarnefelt的鼓勵（註5），鑽研祖國芬蘭的史詩巨作“Kalevala”（註6），進而著手創作管弦樂曲“Kullervo”（取自史詩“Kullervo”中，描寫芬蘭悲劇人物Kullervo的詩）。 一八九一年，西貝流士回到祖國芬蘭，隨即積極尋根，挖掘家園泥土的芬芳。一八九二年，“Kullervo”以大型的管弦樂團、兩位獨唱以及男聲合唱之姿態，呈現在芬蘭人面前。聽眾熱烈的反應及其後樂界的評論，讓「芬蘭音樂」終於「出頭天」了。西貝流士一夕之間，被尊稱為芬蘭最重要的作曲家。他的聲名遠播，特別是在一九○○年巴黎的世界博覽會中，「赫爾辛基愛樂協會」連串演出他的作品，《芬蘭頌》更是每天迴盪在來自全世界各地的觀光客耳際，芬蘭人在國際舞臺上昂首闊步，而西貝流士就此被公認為世界級的作曲家，享受了芬蘭國民樂派「祖師爺」的榮銜。芬蘭人在往後的年歲中，幾乎把西貝流士「神」化了，他們口上總是掛著「我們偉大的西貝流士」。他是芬蘭的國寶，是芬蘭的國家象徵。（註7） 西貝流士八十五歲生日那天，當時的總統代表芬蘭全國人民，以大陣仗的車隊，從赫爾辛基駛往西貝流士在Jarvenpaa的住處，為壽星祝壽致敬，而西氏九十歲生日那年（1956），全世界似乎都在演奏他的音樂，為他祝壽。 註釋： 5.西貝流士妻子 Aino Jarnefelt的家族人才輩出，產生了不少藝術家、音樂家、詩詞家。Aino在1891年與西貝流士訂婚，隔年結婚之後，更把娘家的「愛國精神」發陽光大，與夫婿手牽手地成為芬蘭「出頭天」的偉大力量之一。 6.“Kalevala”是芬蘭的史詩巨作。也就是Elias Lonnrot先生在1835年編集的巨大芬蘭史詩集，它的芬蘭語原意是「英雄之地」；Kullervo則是“Kalevala”中的一位悲劇人物，後來被芬蘭人尊為英雄。這本史詩後來成為芬蘭人甚至全世界的人尋求「芬蘭藝術」獨一無二的資源史詩。Lonnrot先生是一位謙卑的醫生、植物學家、語言學家及詩人，他因收集芬蘭的民詩、史詩，而成為廣受尊重的藝文界人士，他熱愛芬蘭的心促使他在人生的最後幾年，投入芬蘭辭典的彙著工程中。 7.同註1.，第93頁。 8.參考，“The Essential Cannon of Classical Music”,David Dubal著，464-466頁，North Point Press, New York, 2001. 9.參考《音樂辭典》，王沛倫著，第493頁，樂友書房，臺北，1969。 10.同註8.，第463頁。 11.參考“Companion to the United Methodist Hymnal”,Carlton R. Young主編，227-228頁。Abingdon press, Nashrille, 1992.
西貝流士85歲生日慶祝紀錄片
https://youtu.be/HWw-3RNS0Cs
西貝流士與妻子Aino Jarnefelt之郵票
管弦樂曲中的芬蘭味
挪威有葛利格音樂裡滿滿北海碼頭的「鱈魚味」，而西貝流士音樂中道地的「芬蘭味」，也存在每個芬蘭人心中。這樣的「芬蘭味」或許在他與其傳記作家友人班吉.東恩（Bengt de Torne）某次對談中所說的一些話裡表露無遺：
班吉.東恩是西貝流士傳記之作者，他詳實地記下與西貝流士對談的情景：「有一天我提到，當我橫度波羅地海回到芬蘭時，總有一種印象緊握著我，是那些在旅途中最早出現，令我覺得就要到家的淡紅色花岡岩礁石，微微浮露在暗淡藍色的海面上，孤島群帶著間時古老的美感，有數以百計的白色海鷗棲息其上。最後我說，在好幾個世紀以前，這片海域是維京人的發祥地。」
「你說的沒錯」西貝流士急切地應著我的話。
他眼神發亮：「還有，當我們見到這些花岡岩礁石，就會明白，為什麼我們可以如此利用管弦樂團表現樂曲。」
-出自 陳大鈞譯 ⟪西貝流士⟫(Sibelius)，智庫文化出版
現在，讓我們一起認識西貝流士最為舉世稱頌的《芬蘭頌》吧～
《芬蘭頌》之樂曲結構與曲式
本曲為具有三段體之交響詩形式，共 214小節，演奏時間約 9分鐘。
點下方↓藍色小節數字與速度段落，可直接進入音樂
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小節數 |
速度術語 |
結構 |
 拍號 |
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稍慢的行板 |
慢板導奏 |
2/2拍 |
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中等的快板 |
A |
4/4拍 |
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快板 |
A’ |
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mm. 132-178 |
B |
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A’ |
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coda |
2/2拍 |
影音欣賞
卡拉揚 指揮版本（Sibelius recordings Sep 1976 - Jan 1981）。
本影像「狂野斯堪納第亞」（Wild Scandinavia） 由導演 Oliver Goetzl 耗時這部紀錄片拍攝時間超過650天所拍攝，收錄許多精彩畫面，搭配《芬蘭頌》更是顯得非常適合。
https://www.youtube.com/watch?v=F5zg_af9b8c
慶祝芬蘭獨立百週年，由指揮家Sakari Oramo與英國 BBC交響樂團與合唱團共同演出之現場版本。（Music by Sibelius marks the 100th anniversary of Finnish Independence. Performed by the BBC Singers, BBC Symphony Chorus and the BBC Symphony Orchestra, conducted by Sakari Oramo.）
https://www.youtube.com/watch?v=fE0RbPsC9uE
西貝流士的 Ainola 別墅
現在西貝流士（1865 – 1957）生前的 Ainola 別墅，在西貝流士於 1957年過世之後，全家仍於此居住至 1972年。自1972年起，西貝流士女兒將此別墅售予芬蘭政府，由芬蘭教育部重新整修之後，目前作為西貝流士博物館開放給民眾預約參觀。每年開放預約期間為每年的五月至九月份，大家可以於此探索當年西貝流士作曲的生活感受。
→預約網址
森林圍繞的別墅外觀
出太陽時，藍給白雲樹木環繞，遠處又有河岸景緻，真是世外桃源。
室內起居環境
西貝流士 於 Ainola 別墅裡作曲中之照片
以下是重新開放後拍攝之現代照片
起居室
臥房與書桌
琴房藝文空間
當然要有西貝流士本人的頭部雕像（ I am watching you~~~）
【珍貴紀錄片】 西貝流士與妻子、女兒居家影像紀錄
1927年拍攝，也是最初有西貝流士影像的的珍貴影像記錄
https://youtu.be/EDqn3Z1ktpk
【央廣國際新聞】幸福國家排行榜 芬蘭蟬聯第一台灣東亞第一
https://youtu.be/YD5fGaH5tlw
【經緯線】芬蘭 學習快樂（香港紀錄片 ）
https://www.youtube.com/watch?v=cCGqaQ2HOu8
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冰封爆—芬蘭荒原的熱音符 - 西貝流士創作的四個時期
延伸閱讀
【BON音樂】西貝流士：d小調小提琴協奏曲 op.47 介紹與欣賞
小提琴協奏曲
1902 年 11 月 2 日，西貝流士舉行交響詩《傳說》首演音樂會時，認識了來自德國的小提琴家布爾麥斯特（Willy Burmester, 1869-1933）。布爾麥斯特除了師承匈牙利小提琴大師姚阿幸（Joseph Joachim, 1831-1907），學識豐富擅長各學派演奏風格之外，他的妻子也是芬蘭人，因此布爾麥斯特亦對北國芬蘭抱持著濃厚的情感，於是他便鼓勵西貝流士創作具有芬蘭民族情感的小提琴協奏曲。
以《芬蘭頌》與七首交響曲聞名於世的作曲家西貝流士，擅於譜寫描繪自然景致以及祖國芬蘭的多樣風光，甚至在他的音樂中，經常能展現有別於其他作曲家的北國冷冽風情，他特有的許多交響化音響效果，都與芬蘭的一切息息相關。
有別於《芬蘭頌》，西貝流士唯一之器樂協奏曲，也是唯一小提琴協奏曲，創作於 1903年-1904年，定稿於 1905年，更是他聞名於世的另一首重要大作，經常於各國際大賽與音樂會中演出，為小提琴曲目中的經典之作。
https://bonart.com.tw/sibelius-violin-concerto-in-d-minor/
【BON音樂】西貝流士：第1號 e小調 交響曲 介紹
【第一交響曲 指揮語錄】
“這是一個年輕巨人的音樂，對他的國家充滿激情，對其壓迫者充滿蔑視。交響樂可以被視為芬蘭的天體。這兩部作品都是讚美作曲家摯愛國家的歌曲。 痛苦的。“（”It is music of a young giant, full of a fiery love for his country and flaming defiance against its oppressors. The symphony can be seen as the celestial counterpart of Finlandia. Both works are songs of praise to the beloved native land at a time of distress.”）
– 芬蘭指揮家 Simon Parmet（1955）
【版本欣賞】西貝流士第一號交響曲
伯恩斯坦指揮維也納愛樂（1992年）
點開影片之後，一系列芬蘭之地理影像，以及許多模擬戰亂畫面，充分反映出西貝流士創作時芬蘭特殊的歷史背景，可以感受到西貝流士音樂中那股對於暴政不屈服的堅忍意志，更能讓人體會到會和芬蘭人那麼愛他。
https://bonart.com.tw/sibelius-symphony-no-1-in-e-minor-op-39/
【BON音樂】西貝流士：第2號 D大調 交響曲 介紹
最有名的交響曲 – 第2號
西貝流士不僅是芬蘭國寶級的作曲家，更是國民樂派的代表性人物。如果提到西貝流士最有名的交響作品，應該非 ⟪芬蘭頌⟫ （Finlandia, Op.26）莫屬；但如果提到西貝流士最著名的交響曲，則絕對是第2號交響曲當之無愧。
他的音樂風格充滿豐沛深邃的北歐神秘感，在古典音樂的世界中，他的《芬蘭頌》、七首交響曲（編按：西貝流士留下有編號的 7首交響曲與一首沒有編號的「庫列魯沃」交響曲（Kullervo, 1892）。）以及經典無比的 d小調小提琴協奏曲，充滿冷峻但動人的北國之音，更為音樂愛好者們帶來了北歐古典音樂的豐富內容，「芬蘭一哥」與國寶級作曲家之重要代表性，以及音樂中無可取代的「芬蘭魂」，可說在西貝流士的身上展露無遺。
作曲年份：1900 - 1902年
首演年份：1902年 3月 8日
首演地點：芬蘭 赫爾辛基
首演指揮：西貝流士（Jean Sibelius）
作曲家 西貝流士（1913年）/ Sibelius in 1913
https://bonart.com.tw/sibelius-symphony-no-2-in-d-major/
【珍貴資料】西貝流士1948年聲音訪談記錄
Janne Sibelius's Interview 6th Dec, 1948 revisited.
西貝流士唯一的一次的受訪聲音記錄，記錄於1948年。平時沈默寡言，也從不談論自己創作的他，或許因為外曾孫Kalevi Kilpi擔任記者工作，一方面又是自己孫子，又擁有記者訪談專業，也因此讓外公卸下心防，極為難得地輕鬆地聊到許多話題，是非常珍貴的記錄。（背景女性的聲音應該是西貝流士的太太Aino）
https://youtu.be/7NBrwJi4WoU
Shaping Finland's Cultural Landscape | Classical Destinations | Perspective
https://youtu.be/XQwZ-y9rRWI
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【BON音樂】布拉姆斯: D大調小提琴協奏曲 op.77
【BON音樂】布拉姆斯: D大調小提琴協奏曲 op.77
Johannes Brahms: Violin Concerto in D major op.77
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音樂純粹．所以偉大
布拉姆斯小提琴協奏曲（1878）擁有恢宏的樂曲格局，與貝多芬小提琴協奏曲（1806）同為D大調，調性設計均為非常適合小提琴定弦之調性，除了擁有深刻的精神內涵與完整架構，創作時期與貝多芬相隔72年遙遙相望、相互輝映，成為浪漫時期一前一後偉大的兩首小提琴協奏曲。
1873年的布拉姆斯照片
寫作年份
布拉姆斯小提琴協奏曲，也是唯一一首寫作於1878年，順序在第二號交響曲之後。作曲已進入成熟階段的他，此成功突破困擾多年的「交響曲障礙」，欣賞過布魯赫、薩拉沙泰等優秀名家的小提琴作品後，更開始產生想要寫作小提琴協奏曲的想法。
從布拉姆斯和姚阿幸通信的書信中可得知，本首小提琴協奏曲最原始的概念可能是一首四樂章的協奏曲。
在寫作過程中，布拉姆斯最終刪去了中間兩個樂章，並改以慢板代替，成為了與貝多芬小提琴協奏曲相同的三樂章設計。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-2/
首演時間
1879年1月1日首演於萊比錫，由布拉姆斯親自擔任指揮指揮布商大廈管絃樂團，好友小提琴家姚阿幸擔任獨奏演出。
當時姚阿幸做了一個音樂上的堅持，現在看來非常有意思：他堅持以貝多芬小提琴協奏曲作為音樂會開場，然後以布拉姆斯小提琴協奏曲作為結尾。因為這兩首小提琴協奏曲均以D大調寫成，連結上毫無違和感，並且以貝多芬起始，布拉姆斯收尾，其實是非常有意思的安排。
但布拉姆斯當時卻不贊同，他認為這樣會有「太多的D大調」（XD）
但現在我們回到忠實客觀的角度看這件安排，有幾項特色：
首先姚阿幸可能希望觀眾們「溫故知新」，先從貝多芬聽起，再進入布拉姆斯，感受經典與當代的不同。
其次，布拉姆斯在樂曲設計上，有許多像貝多芬致敬之處：例如調性的設計、樂章的數目，以及管弦樂法的安排：貝多芬小提琴協奏曲以「五聲定音鼓」起始，並持續以「五聲定音鼓」串起前奏，這段前奏也常被戲稱為定音鼓協奏曲；布拉姆斯小提琴協奏曲則是在輝煌的前奏之後，安排小提琴與定音鼓同時開始演奏。因此布拉姆斯這個管弦樂法的細緻安排，就有著向樂聖致敬的意味。
貝多芬小提琴協奏曲的「五聲定音鼓」起始：
https://youtu.be/cokCgWPRZPg?t=69
布拉姆斯的小提琴與定音鼓同時入場（2'55"定音鼓滾奏）
姚阿幸與布拉姆斯
姚阿幸與布拉姆斯在年輕時便認識，早年布拉姆斯與匈牙利小提琴家雷門尼（Ede Reményi）結識並一起巡演時，便認識了姚阿幸。除了意氣相投之外，姚阿幸也非常欣賞布拉姆斯的才華，便推薦他前往杜賽朵夫前往認識舒曼夫婦，浪漫時期一段音樂佳緣才就此誕生。
下圖為布拉姆斯（坐）與姚阿幸（站）年輕時之合照
延伸閱讀
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而布拉姆斯亦曾以姚阿幸充滿魅力的演奏風格寫作樂曲《偉大姚阿幸風格》：
布拉姆斯作曲於1853年之弦樂四重奏曲《偉大姚阿幸風格》
編制：兩把小提琴、大提琴與低音大提琴
Brahms’s “Hymn in Veneration of the Great Joachim
姚阿幸的珍貴錄音
小提琴家姚阿幸（Joseph Joachim, 1831-1907）因為活得夠長，因此我們有機會欣賞到他珍貴的錄音資料。這是1903年他錄下的布拉姆斯：《第一號匈牙利舞曲》錄音，珍貴且難得，實在令人感動。
姚阿幸也被認為是歷史上最早留下錄音資料的第一位小提琴演奏家。
https://youtu.be/f-p8YeIQkxs
四大小提琴協奏曲
偉大的小提琴家姚阿幸曾在75歲的生日宴會上這麼說道：「德國有四首經典小提琴協奏曲，最偉大的毫無疑問是貝多芬Ｄ大調小提琴協奏曲，那是王者之巔～而布拉姆斯的協奏曲則寫作嚴謹，架構完整亦步亦趨，緊緊追隨於其後。而其中音樂最豐富、最浪漫的當推是布魯赫；但，最內斂、最有內涵的，則是孟德爾頌的作品～那是每位音樂家內心裡的一顆寶石。」（The Germans have four violin concertos. The greatest, most uncompromising is Beethoven's. The one by Brahms vies with it in seriousness. The richest, the most seductive, was written by Max Bruch. But the most inward, the heart's jewel, is Mendelssohn's.）
如果我們反過來，不以小提琴協奏曲為主軸，而以小提琴家姚阿幸的一生來反觀，更會發現另一種驚人的事實，因為姚阿幸自年輕至成為一代名家為止，這四首小提琴協奏曲就是他以演奏家身份，見證音樂史演進與小提琴協奏曲創作的完美見證。
事實上，布拉姆斯小提琴協奏曲的確寫出了豐厚的音樂內涵，不禁音樂內容沒有華而不實的炫技（當然在演奏技術上仍需超卓），他與貝多芬相同地，重視樂曲深刻精神層面的內涵與恢宏的格局，在各方面均與貝多芬的小提琴協奏曲相互呼應，更是則是這首布拉姆斯小提琴協奏曲之所以如此偉大的重要原因。
【BON話題】連西貝流士小提琴協奏曲也與姚阿幸有關！？
欲知詳情，請點閱本篇文章↓
https://bonart.com.tw/sibelius-violin-concerto-in-d-minor/
樂曲編制與架構
布拉姆斯小提琴協奏曲為管弦樂團為兩管編制，如下方總譜所示，由高至低為：兩部長笛、兩部雙簧管、兩部A調單簧管、兩部低音管、四部法國號、兩部D調小號、定音鼓、弦樂五部。
布拉姆斯的手稿
名家怎麼說？
姚阿幸：「那首D大調小提琴協奏曲超難的，是一位超難相處的人寫的！」
維尼奧夫斯基（Henryk Wieniawski）曾說此曲：「無法演奏！」
薩拉沙泰則說：「我才不要站在台上手握小提琴，然後聽著雙簧管獨奏出整個曲子唯一的一段旋律（指第二樂章的開頭）」（當然第一樂章的開頭樂團，也是另一段讓獨奏小提琴抱著琴但無法演奏之處）
指揮Josef Hellmesberger：「與其說這是為小提琴寫的曲子，不如說是為了反對小提琴才寫的。」
小提琴演奏家Bronislaw Hubermann：「這是為了讓小提琴對抗管弦樂團而寫的曲子～最後小提琴贏了！」
林仁斌：「布拉姆斯承襲了貝多芬的音樂格局與舒曼的交響協奏理念，所帶給全世界的成熟交響協奏曲示範」
音樂欣賞
第一樂章：不甚快的快板（Allegro non troppo） D大調
具有雙重呈示部的奏鳴曲式
樂曲架構
| 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 |
| 樂團呈示部
|
發展部 | 再現部 | 裝飾奏後樂團再現至結尾 |
https://youtu.be/1L29nRXWoCM
第二樂章：慢板（Adagio）F大調
A-B-A' 三段體
https://youtu.be/1L29nRXWoCM?t=1431
第三樂章：玩笑似地快板，但不要太快（Allegro giocoso, ma non troppo vivace ）
輪旋曲式（A-B-A'-C-B'-A"-Coda）
https://youtu.be/1L29nRXWoCM?t=2011
精彩版本欣賞
Brahms - Violin concerto - Oistrakh / Klemperer（1960）
https://youtu.be/KkfgFuCUe8w
Itzhak Perlman: Brahms - Violin Concerto in D major, Op. 77（1978, Live'）
https://youtu.be/7C_U7eUbVd8
Brahms: Violinkonzert ∙ hr-Sinfonieorchester ∙ Hilary Hahn ∙ Paavo Järvi（2014, Live'）
https://youtu.be/UFl9xuYP5T8
Janine Jansen - Brahms - Violin Concerto in D major - Haitink
https://youtu.be/527Z4x-K6-k
[HQ] Jascha Heifetz - Brahms' Violin Concerto in D major, Op. 77
https://youtu.be/7iG9tUJ7Am4
https://youtu.be/NTaNqM1HCeU
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：柴可夫斯基三大芭蕾舞系列之三：《胡桃鉗》Nutcracker
【BON音樂】大人的音樂欣賞：柴可夫斯基三大芭蕾舞系列之三：《胡桃鉗》Nutcracker
The Ballet "Nutcracker"
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延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
本期的音樂欣賞課，超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師將帶領大人認識當代著名的音樂演奏家。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大演奏家為主題，讓學員透過音樂家的個人經歷及音樂作品，了解他們詮釋音樂的獨特方式。你會更了解世界知名的男高音帕華洛帝，也會認識極具天賦的知名女性小提琴家慕特與小提琴大師帕爾曼，以及當代鋼琴家葛莉茉及卡蒂雅，細細品味音樂中的豐沛的情感，也了解演奏家的際遇為他們的音樂上了哪些色彩，更為自己的生活注入更多繽紛。
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❤️《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋，看他們用音樂為生活注入繽紛
第一堂：柴可夫斯基三大芭蕾舞系列之三：《胡桃鉗》
世界三大芭蕾舞劇中的《胡桃鉗》也是柴可夫斯基的經典作品，內容改編自德國作家霍夫曼(E.T.A. Hoffmann)的《胡桃鉗與老鼠王》(The Nutcracker and the Mouse King)，柴可夫斯基逝世前一年，此時他的作曲技法已經相當成熟圓融，加上奇幻又充滿浪漫色彩的劇情內容，讓《胡桃鉗》成為聖誕節老少咸宜的傳統芭蕾最佳選劇節目。在這堂課中，林仁斌老師將帶所有大人朋友們一同認識《胡桃鉗》的創作背景與這部歷久不衰的經典芭蕾舞劇。
作曲家：柴可夫斯基
https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/
| 柴可夫斯基三大芭蕾舞劇 |
創作過程與首演
本劇創作於柴可夫斯基過世前一年的1892年。
在1890 年《睡美人》之後，馬林斯基帝國劇院的總監伊凡.維賽夫羅斯基（Ivan Vsevolozhsky）繼續委託柴可夫斯基創作了一部融合以歌劇與芭蕾舞劇的雙特色重要節目。在芭蕾舞劇部分，柴可夫斯基再次與馬呂斯·佩蒂帕（Marius Petipa）合作。決定劇目為《胡桃鉗》之後，這次由馬呂斯·佩蒂帕（Marius Petipa）擔任編劇，改編自大仲馬（Alexandre Dumas）所著的《胡桃鉗的故事》。而大仲馬的版本是改編自 E. T. A. 霍夫曼1816年的原創童話故事《胡桃鉗與老鼠王》（Nussknacker und Mausekönig）。
E. T. A. 霍夫曼的原創故事《胡桃鉗與老鼠王》原著共有14章，共分為三部分：第一部分敘述在平安夜時女主角瑪麗（Marie）得到了胡桃鉗禮物，修復之後胡桃鉗變為真人王子，瑪麗胡桃鉗與一起跟七頭鼠王打鬥，最後戰勝；第二部分為胡桃鉗原本為參議員教父卓賽爾麥亞（Drosselmeier）的姪子，如何被施下魔法而變為胡桃鉗的故事；第三部分則是胡桃鉗成為真人，表明了身分帶著瑪麗到糖果王國的奇遇故事。
芭蕾版本的故事被佩蒂帕簡化為附上序奏的兩幕芭蕾。刪除了原著裡的第二部分，略去王子變成胡桃鉗的原因，也因此芭蕾中的故事架構簡略許多。佩蒂帕再告訴柴可夫斯基他心中對於每個段落的舞蹈組成方式，詳細到甚至包括了節奏的進行與小節數。
1892年當柴可夫斯基進行美國訪問演出的25天旅行（也包括了卡內基音樂廳開幕音樂會），作曲工作也因此延長。
1892年12月17日於俄羅斯聖彼德堡的馬林斯基劇院首演。
登場角色
（登場角色整理取材自維基百科，附上連結以供參考）
*依據出場順序排列
Act I 第一幕
- Herr Stahlbaum
- His wife
- His children, including:
- Clara, his daughter, sometimes known as Marie or Masha
- Fritz, his son
- Louise, his daughter
- Children Guests
- Parents dressed as incroyables
- Herr Drosselmeyer
- His nephew (in some versions) who resembles the Nutcracker Prince and is played by the same dancer
- Dolls (spring-activated, sometimes all three dancers instead):
- Harlequin and Columbine, appearing out of a cabbage (1st gift)
- Vivandière and a Soldier (2nd gift)
- Nutcracker (3rd gift, at first a normal-sized toy, then full-sized and "speaking", then a Prince)
- Owl (on clock, changing into Drosselmeyer)
- Mice
- Sentinel (speaking role)
- The Bunny
- Soldiers (of the Nutcracker)
- Mouse King
- Snowflakes (sometimes Snow Crystals, sometimes accompanying a Snow Queen and King)
Act II 第二幕
- Angels and/or Fairies
- Sugar Plum Fairy
- Clara/Marie
- The Nutcracker Prince
- 12 Pages
- Eminent members of the court
- Spanish dancers (Chocolate)
- Arabian dancers (Coffee)
- Chinese dancers (Tea)
- Russian dancers (Candy Canes)
- Danish shepherdesses / French mirliton players (Marzipan)
- Mother Ginger
- Polichinelles (Mother Ginger's Children)
- Dewdrop
- Flowers
- Sugar Plum Fairy's Cavalier
《胡桃鉗》劇情敘述 《胡桃鉗》（Nutcracker）的芭蕾版本故事是這樣的：（整理於網路並附上連結以供參考） 百年前的一個聖誕節平安夜，在一個名叫日耳曼的小鎮上，斯塔爾鮑姆博士的家中舉行慶祝晚會，親朋好友紛紛來到。他家的兩個孩子克拉拉和弗里茲帶著讚歎的眼光看著美麗的聖誕樹～樹上掛滿了金蘋果、銀蘋果和不同的糖果，好像開滿了花一樣。克拉拉的教父卓賽爾麥亞（Drosselmeier）送給他的教女克拉拉一份特別的聖誕禮物－軍官造型的胡桃鉗。而淘氣的弟弟弗里茲也想要這件禮物。他要在克拉拉手裡把胡桃鉗搶過去，卻不小心把它給弄壞了。克拉拉傷心得哭了，但卓賽爾麥亞很快又把它修好了，又笑著幫克拉拉擦乾了眼淚。入夜了，晚會結束了，客人們也陸續離去，兩個孩子也被帶到臥室去睡覺。可是克拉拉怎麼也睡不著，她偷偷下了床，輕手輕腳地下了樓梯，要去看一看她心愛的胡桃鉗。到了大廳，她找到了胡桃鉗並把它緊緊抱在懷裡爬到沙發上，沒想到朦朦朧朧就睡著了。 這時大鐘敲了十二下，大廳裡黑影聳動，突然間一大群老鼠闖進了客廳，到處亂竄，並開始攻擊克拉拉。這時教父卓賽爾麥亞突然出現，告訴克拉拉，胡桃鉗能保護她，接著又神奇消失了。此時大廳裡閃起五顏六色的光。聖誕樹不斷長高。胡桃鉗居然活過來了，並領著他的一群玩具與老鼠兵作戰。但老鼠們很強大，胡桃鉗的軍隊處於劣勢。克拉拉撿起一把劍，衝向老鼠王並給了它致命的一擊。老鼠們抬著它們的國王敗走。勝負已分。 胡桃鉗也受了重傷，突然奇蹟出現，胡桃鉗康復了，而且變成了一個英俊的王子，並要帶克拉拉到「冰雪王國」與「糖果王國」。他們先穿過白雪覆蓋的聖誕樹林（森林之行）。兩旁來了一群雪花仙子哼著歌跳著舞（雪花圓舞曲）為他們伴行，王子和雪花仙子更跳了一段美麗的雙人舞。讓克拉拉看得如癡如醉。之後他們繼續前行。 王子與克拉拉來到了「糖果王國」宮殿。衛兵在夾道等候。王子和克拉拉乘著一輛雪橇來到宮殿前。原來這裡是花團錦簇的糖果城堡（Marchpane Castles），胡桃鉗是這個王國的王子。胡桃鉗向女王講述勇敢的克拉拉如何殺死了老鼠王並救了他的命。這時，重大臣出來歡迎。王子帶著克拉拉來到糖果王國的皇宮，美麗的糖梅仙子安排了各種異國風格的舞蹈表演來招待他們：有西班牙舞、阿拉伯舞、中國舞、俄羅斯舞和蘆笛舞等等舞蹈表演以回報克拉拉。接著花仙子伴著著名的《花之圓舞曲》跳出了一段華爾茲。 看完表演後王子送克拉拉回家。《胡桃鉗》的最後是第二天早上克拉拉抱著心愛的胡桃鉗玩偶在沙發上醒來，驚覺昨晚的奇遇記其實是一場好夢（劇終）。也有些版本會讓克拉拉與變回真人的胡桃鉗，以現實中的身份（教父的姪子）相認。（在原著裡的劇情，則是胡桃鉗向瑪麗求婚，兩人一起回到糖果城堡，過著幸福快樂的生活）
《胡桃鉗》全劇架構說明
《胡桃鉗》芭蕾舞劇是一個音樂童話，共由一首序曲和兩幕組成。（引用自維基百科並附上連結以供參考）
- 序曲
- 第一幕，第一景
-
- 1. 聖誕晚會。裝飾和熠熠生輝的聖誕樹（Украшение и зажигание ёлки）
- 2. 進行曲（Марш）
- 3. 小朋友的加洛普舞曲，父母的登場（Детский галоп и выход родителей）
- 4. 舞蹈場景（Сцена с танцами）。參議員杜塞梅爾的聖誕禮物
- 5. 場景和老爺爺的舞蹈（Сцена и Гросфатер）
- 6. 場景-克拉拉和胡桃鉗（Сцена — Мари и Щелкунчик）。賓客離席。
- 7. 場景-老鼠與玩具兵的戰役（Появление мышей и сражение）
- 第二景
-
- 8. 場景-雪夜松林（Еловый лес зимой），亦即穿越雪地之旅
- 9. 雪花之圓舞曲（Вальс снежных хлопьев）
- 第二幕，第三景
-
- 10. 場景-糖果王國的魔法宮殿（Дворец сластей Конфитюренбург）
- 11. 場景-克拉拉與王子（Прибытие Мари и Щелкунчика）
- 12. 間奏
- a) 巧克力仙子（Шоколад） — 西班牙舞曲（испанский танец）
- b) 咖啡仙子（Кофе） — 阿拉伯舞曲（арабский танец）
- c) 茶仙子（Чай） — 中國舞曲（китайский танец）
- d) 特科帕克舞曲（Трепак） — 俄羅斯舞曲（русский танец）
- e) 蘆笛之舞（Танец пастушков）
- f) 仙鶴媽媽與她的小丑孩子們（Мамаша Гигонь и паяцы）
- 13. 花之圓舞曲（Вальс цветов）
- 14. 大雙人舞（Па-де-де）
- a) 引子 — 夜曲
- b) 變奏I：塔朗泰拉舞（тарантелла）
- c) 變奏II：糖梅仙子之舞（танец Феи Драже）
- d) 結尾 — 歡慶之舞
- 15. 終曲華爾茲和昇華（Апофеоз）
《胡桃鉗》全劇欣賞
2012年馬林斯基劇院版
Tchaikovsky - The Nutcracker, Ballet in two acts | Mariinsky Theatre (2012)
| From the Mariinsky Theatre in St Petersburg, December 2012
Valery Gergiev - conductor Piotr Tchaikovsky - The Nutcracker Chapters: 0:00 Overture 29:39 Act I 52:08 Prelude to Act II 55:58 Act II Spanish Dance 1:02:29 Act II Eastern Dance 1:07:12 Act II Chinese Dance 1:08:36 Act II Trepak - Russian Dance 1:09:59 Act II Pas de trois - Dance of the reed pipes 1:13:38 Act II Waltz of the Flowers 1:21:05 Act II Pas de deux - Intrada 1:27:57 Act II Pas de deux - Tarantella 1:29:05 Act II Pas de deux - Dance of the sugar plum fairy 1:31:31 Act II Pas de deux - Coda 1:33:32 Final Waltz and Apotheosis |
https://youtu.be/xtLoaMfinbU
1999年瑞典皇家芭蕾舞團（瑞典皇家歌劇院管弦樂團）版本
| 0:00 胡桃鉗
1:00 序曲 4:16 第一場 47:46 第二場 48:08 第二場：糖果國里的魔法城堡 51:00 第二場：克拉拉及胡桃鉗王子的到來 54:22 第二場：西班牙舞 55:45 第二場：中國舞 1:02:33 第二場：特烈帕克 – 俄羅斯舞 1:03:50 第二場：三人舞 – 蘆笛之舞 1:06:30 第二場 舞蹈 1:09:35 第二場：花之華爾茲 1:15:35 第二場：雙人舞小序曲 1:21:48 第二場：雙人舞塔蘭特拉 1:22:51 第二場：雙人舞 糖梅仙子之舞 1:25:35 第二場：雙人舞尾聲 1:27:18 結束：華爾茲與童話 |
https://youtu.be/9wlrD-73NeM
第三版本（全劇）
https://youtu.be/_hJ9t28D4EI
《胡桃鉗》10分鐘精華版
https://youtu.be/HRuhsiq79ag
精彩段落
烏克蘭國家歌劇院芭蕾舞團首席女舞者 Iuliia Moskalenk，在《胡桃鉗》中總是扮演女主角克拉拉，但在此段影片中，她亦擔任糖梅仙子角色，將這個角色舞至「仙氣飄飄」的境界啊～
'Dance of the Sugar Plum Fairy' - NUTCRACKER (Tchaikovsky) - National Opera of Ukraine
https://youtu.be/lHqurhmcWLc
第二幕 阿拉伯舞
https://youtu.be/heNk-DuQLSA
第二幕 蘆笛之舞
https://youtu.be/V32zWkB1MiY
第二幕 糖梅仙子與王子的雙人舞（英國皇家芭蕾舞團）
The Nutcracker – Sugar Plum pas de deux: Adagio (Nuñez, Muntagirov, The Royal Ballet)
https://youtu.be/qy6dlGpC3Ns
第二幕 糖梅仙子與王子的雙人舞（烏克蘭國家歌劇院芭蕾舞團）
'Grand Pas de Deux - Adagio' - NUTCRACKER (Tchaikovsky) - National Opera of Ukraine
https://youtu.be/RusC5iqkXMo
管弦樂組曲 樂譜版
柴可夫斯基曾針對《胡桃鉗》裡的優美段落，集結後再撰寫成為《胡桃鉗組曲》op.71a
| 00:00 Miniature Overture
03:20 March 06:03 Dance of the Sugar Plum Fairy 07:47 Russian Dance (Trepak) 09:02 Arabian Dance 11:49 Chinese Dance 12:57 Dance of the Mirltons (Reed Flutes) 15:29 Waltz of the Flowers |
https://youtu.be/yQNJvhdh-Y0
【影片欣賞】
從舞步到妝髮，跟著芭蕾舞者在一天內學會《胡桃鉗》的「糖梅仙子之舞」｜Vogue冷知識｜Vogue Taiwan
https://youtu.be/0sNPcTanEr8
【版本比較】
1. Nina Kaptsova (Bolshoi's Prima Ballerina)
"Dance of the Sugar Plum Fairy - NUTCRACKER (Tchaikovsky)
https://youtu.be/0Wz4cG5phfA
2. Iuliia Moskalenko (National Ballet of Ukraine's Prima Ballerina)
'Dance of the Sugar Plum Fairy' - NUTCRACKER (Tchaikovsky)
https://youtu.be/lHqurhmcWLc
3.Alina Somova（Mariinsky Theatre Ballet）
Mariinsky Orchestra & Valery Gergiev – Tchaikovsky: The Nutcracker 'Danse de la fée dragée'
https://youtu.be/HNTsaOobbI4
如何綁出漂亮的芭蕾包包頭
https://youtu.be/eCo3sEFnq_g
昂貴的手工芭蕾舞鞋．居然只能用三天？
https://youtu.be/VWoU8m-Hggw
芭蕾舞者的足部保養不會除掉繭：它們就像是「OK蹦」A Ballerina’s Entire Routine｜Vogue Taiwan
https://youtu.be/cv5q0rSVYdY
【影片欣賞】英國皇家芭蕾舞團彩排記錄
你所擁有的進步，與你所投入的時間成正比
https://youtu.be/O2xIz8ZCW4Y
Rio Anderson的芭蕾夢
全美芭蕾大賽銀獎的年輕芭蕾舞者Rio Anderson，14歲才開始學習芭蕾，經常每天哭著出教室再回來繼續練習。她努力多年後獲得獎項後， 在訪談裡說出的話，讓人感動：
「當我開始練習芭蕾時，我根本不是班上頂尖的學生
我從未想過能有今天的成就...
當我發現古典芭蕾時，我愛上了她
這樣說可能有點奇怪...
但我最喜歡芭蕾的地方是她的挑戰性
你所擁有的進步，與你所投入的時間成正比
而你所實現的進步取決於你努力的比例
你決定你有多努力
你決定實現多少進步
這一切都取決於你
這全部都在於你的決定
在芭蕾裡，這樣的獨立性與掌控感
是非常令人滿意的...」
https://youtu.be/T5rnD6u5EtY
【芭蕾】24段最美經典芭蕾獨舞
【芭蕾】25段不可錯過的絕美獨舞
【有片】各劇旋轉不停歇大合輯
【芭蕾紀錄片】《芭蕾舞者Ballerina》法國2006（五大頂級芭蕾女神的生涯）
【高能炫技】芭蕾女神們的超逆天足尖技術
補充資料
馬修·伯恩《胡桃鉗》現代版
英國編舞家與劇場導演馬修·伯恩（Matthew Bourne）現代劇場版《胡桃鉗》舞劇，以全新的舞台視覺及冒險故事，帶給現代觀眾們全新的《胡桃鉗》～
https://youtu.be/e_wJOTmmpn4
Matthew Bourne's Nutcracker! 2022' NEW TRAILER
https://youtu.be/NaIENOjfnVo
《胡桃鉗》雙人舞慢板 Nutcracker - Pas de deux (Adagio) by Matthew Bourne
https://youtu.be/LSPzavG6Ys0
2018年 迪士尼電影《胡桃鉗》
迪士尼真人電影繼《黑魔女：沉睡魔咒》、《仙履奇緣》、《美女與野獸》等重新演繹經典童話真人版大獲好評之後，在2018年12月，再推出另一部超讓人期待的《胡桃鉗與奇幻四國》（The Nutcracker and the Four Realms）。電影中也大量使用柴可夫斯基的《胡桃鉗》原創音樂。
這次新版的《胡桃鉗與奇幻四國》劇情，講述剛失去母親的少女克拉拉，母親在過逝後，留下一個鎖上了的音樂盒，克拉拉想知道母親的遺物裡究竟有甚麼秘密？也因為這段尋找音樂盒神秘鑰匙，進而開啟了一段夢幻的童話故事之旅～
在Disney+可以完整欣賞喔😘
《胡桃鉗與奇幻四國》電影預告
https://youtu.be/-gzN5RYi2eM
Lang Lang - The Nutcracker Suite (From "The Nutcracker and the Four Realms")
在《梅糖仙子之舞》原始版本中，其實柴可夫斯基並未加入鋼琴，而是使用了外形與鋼琴相當近似的鋼片琴（Celesta）
鋼片琴的音色與銀鈴聲非常相近，且又具有精確的音高，一彈奏就能充滿童話迷人的氣氛～在迪士尼的配樂版本裡，邀請了郎朗改編並彈奏鋼琴部份，讓《胡桃鉗》的樂音，更充滿了新時代的氛圍。
https://youtu.be/Iz1J_mwnMQc
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各類合作提案，聯繫方式：
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【BON音樂】雲林科技大學專題演講 - 談電影中的古典音樂-應用與藝術性
【BON音樂】雲林科技大學專題演講 - 談電影中的古典音樂-應用與藝術性
Classical music in movies
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART
講座內容簡介： 這是個說故事的年代。 電影，是許多人放鬆生活的方式，更是一項高度專業的產業。藉由編導的眼光，配樂家的想像力，還有一段又一段我們所不知道的故事，帶領大眾進入幻想的國度，解放生活壓力，也學習新知... 本場雲林科技大學專題演講將由林仁斌老師串連引導，分享電影製作方式與各項配樂特色，結合高度濃縮式的完整資料，讓您快速融會貫通電影配樂的眉眉角角，加入古典音樂的使用與理解，進而輕鬆享受每部電影音樂作曲家用心製作之歌曲與音樂。
講師簡介
蹦藝術執行長 林仁斌 演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家。 節慶長笛樂團｜團長＆樂團指揮 蹦藝術|BONART 藝術網站 執行長 https://mediumpurple-hippopotamus-983203.hostingersite.com 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院 École Normale Supérieure de paris 學成返國後，以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳；演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》（林仁斌＆周欣穎）《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術｜BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人。多年來撰文拍攝訪問音樂家，更以文字與攝影見長，每年演講場次超過百場；為國家交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之導聆與撰稿人，更是公認的超人氣音樂欣賞名家。
先讓我們以「提神醒腦」的方式，開啟今天講座的序幕：
電視影集《人魔》（Hannibal）的烹飪段落
Hannibal's cooks with his favourite music "Goldberg Variations"
https://youtu.be/fmU3-5WmaeA
原創使用：電影《沈默的羔羊》
https://youtu.be/Jgza7PwUr6k
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/bonart-x-kit-armstrong-goldberg-variations/
進入主題：
電影《電影配樂傳奇》（Score）海報
在我們的心中 一切都有配樂！
回想我們每日的生活點滴，快樂時你唱些什麼旋律？憂傷時你想奢什麼音樂？面對每一種情緒，幾乎我們心中都有著屬於自己的配樂，只是需要時間與自己相處，慢慢衝新發覺這些美好的內心聲音～
快樂泉源 來自腦部
音樂的面向極其廣闊，也間接影響我們腦部活動很大。（26'44"）
不同的音樂刺激腦部不同的地方：例如旋律類型的音樂，或是節奏速度相關類型的音樂，又會由不同的中樞系統接收；我們的身體則會對這些音樂做出反應（例如雞皮疙瘩等等身體自然反應）。而最有趣的是我們腦袋中名為「腹側紋狀體」以及「伏隔核」的地方，以功能上來說是人體的「獎賞中樞」。平常我們做出讓身體愉悅的事情（例如吃巧克力，或是性方面的愉悅）時，大腦的「獎賞中樞」會產生反應，分泌出「多巴胺」，給予人們愉快的感受。而相同的大腦反應，也會在我們聽音樂時出現～奇妙吧！
不一定每個人欣賞電影的過程中，都會百分百留意每一段音樂的出現與配樂者的處理；但不約而同地，我們幾乎都會對電影中的震撼場景、最感人之處留下深刻印象，其實...這往往是音樂在我們大腦裡所埋下的種子。（27'55"）
你的眼球動得快嗎？
我們看一部90分鐘的電影，（30'52"），眼睛大約會動兩萬一千次，或甚至更多。
儘管我們以為自己可以控制要看什麼地方，但根據許多眼睛研究專家的研究顯示，其實我們觀賞影片時，眼睛經常看著螢幕上相同固定的地方。眼睛則需要被引導，才會開始看向畫面不同的地方，而這些「正確的引導」，音樂更是與影像相互合作，發揮了極大的作用。
舉例：上升的畫面，搭配上行音階之音樂；下降的畫面，搭配下行音階音樂。
談電影音樂三大類型：
ㄧ、原創音樂（Original Music）
電影《天外奇蹟》（UP）
當聽覺藝術與視覺藝術完美結合時，就是電影那一刻永遠停留的心跳聲。（30'52"）
https://youtu.be/KrtoqIpQXkY
二、非原創音樂（Non Original Music）
在電影《第六感生死戀》中，引用了「正義兄弟合唱團」（The Righteous Brothers）1965年全美排行第4名的抒情經典歌曲《奔放的旋律》（Unchained Melody），詮釋男女主角跨越人鬼的戀情，當時讓者首老歌重新造成轟動。
https://youtu.be/soP0r6N7_2g
張學友演唱《李香蘭》歌曲 ⟨秋意濃⟩，由松井五郎 作詞，玉置浩二 作曲。原曲為《不要走》（行かないで），是日本富士電視台播出的30年紀念電視劇《再見李香蘭》主題歌曲，收錄在歌手玉置浩二第五張個人專輯。
張學友現場演唱版：
https://youtu.be/lo4F-RRyD94?t=65
https://youtu.be/lz8zjlWqgH0
日語原創 - 玉置浩二原唱版
https://youtu.be/gJoALEVeLNY
玉置浩二 香港 Live'
https://youtu.be/Sq9kzilICos
三、來源音樂（Source Music）
「來源音樂」（Source Music）用在劇情中出現真正聲音來源，必須取信於觀眾時。因此主要為寫實，聲音均出自電影演員或現場。
電影《海上鋼琴師》（1900）中的錄音片段，既是「原創音樂」，也是「來源音樂」，因此份外動人：
https://youtu.be/MUIgReYNMac
電影《海上鋼琴師》（1900）經典的海上鬥琴片段：
https://youtu.be/7BIpuOUz0GE
電影《第五元素》
藍色橡皮外星人登場，看似突兀，但一開口就是美聲：歌曲前半段詠嘆調，改編自由義大利美聲歌劇作家董尼采第（Gaetano Donizetti）原創的美聲歌劇《拉美默的露琪亞》（Lucia di Lammermoor）第 3 幕第 2 場 之「瘋狂場景」：《艾德卡爾多！那柔和的聲音》（Oh, giusto cielo!…Il dolce suono），後半段則以誇張不可思議之音域，重現人類不可能達到之「夢幻花腔」，堪稱影史經典：
https://youtu.be/a7Dh5QoXv2c
電影《英倫情人》（The English Patient）
茱麗葉畢諾許發現了一架廢墟裡的斷腳鋼琴，但她開心地彈起巴赫《郭德堡變奏曲》中的音樂，讓我們對於電影中的實境有了鮮明的感受，更加融入劇中的人物情境與劇情：
https://youtu.be/JP2qaeja6bM
電影中的古典音樂
知名的古典音樂歷史短片
7分鐘護一生，不是啦～是7分鐘通曉古典音樂史😘
https://youtu.be/zzM1-wWXCoY
好的～就讓我們繼續今天的內容吧：
《阿瑪迪斯》莫札特
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《阿瑪迪斯》（英語：Amadeus，中國大陸、香港譯《莫扎特傳》）是美國導演米洛斯·福曼於1984年所執導的電影，編劇是英國劇作家彼得·謝弗爵士，改編自謝弗於1979年的舞台劇《Amadeus》。描述音樂神童沃爾夫岡·阿瑪迪斯·莫札特傳奇的一生。
《阿瑪迪斯》於1985年獲得奧斯卡獎八項大獎，包括最佳影片獎、最佳導演獎和最佳男主角獎。1998年，美國電影學會將本片列為AFI百年百大電影中的第53位。
《土耳其進行曲》＋電影選粹
https://youtu.be/Cy10pGVmc20
莫札特《魔笛》夜后詠嘆調： ‹復仇的怒火在我心中燃燒› 由來
https://youtu.be/YQpTGKXAxqA
《阿瑪迪斯》薩里耶里說著與莫札特的心結
https://youtu.be/j9NG_NPLktA
《阿瑪迪斯》莫札特病重之際，與薩里耶里合作譜寫遺作《安魂曲》場景
https://youtu.be/USe-wZ0AOQQ
電影：蜜蜂與遠雷
延伸閱讀：【BON音樂】日本獲獎無數小說改編音樂電影《蜜蜂與遠雷》介紹
動人的《月光主題》四手聯彈
電影《蜜蜂與遠雷》透過四位主角：亞夜、馬薩爾、風間塵、明石四位角色在日本國際鋼琴大賽中的互相競爭與合作，探討音樂的真正本質與其對人的代表意義
明石的溫暖，也體現在賽後主動協助亞夜找到練琴的鋼琴工廠，間接讓尾隨而來的風間塵，能與亞夜來了一段即興鋼琴四手聯彈。
就在這一幕，明石間接帶動了亞夜與風間塵兩人想立即彈琴的心情，在鋼琴工廠裡這段以「月光主題」的四手聯彈。
從德布西《月光》出發，再進入 Nat King Cole 《It’s Only a Paper Moon》，再帶到貝多芬《月光》，連續三首都與月亮相關～更是讓人感受到音樂編曲的用心，拍攝更是以Low key極弱光線照亮兩位主角，我覺得這段攝影美極了，尤其是導演對於光線的運用。
如同電影《蜜蜂與遠雷》小說裡提到的蜜蜂振翅聲音，我們能否能通過樂音聽見來自世間萬物的鳴響？
電影《羅馬浴場》
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
古羅馬人建造了無數大大小小的公共浴場，各具規模，每個浴場有熱水廳、溫水廳和冷水廳三部分，大型的公共浴場甚至可供一、兩千人同時入浴，還附有休息、娛樂和運動的空間。可見羅馬浴場不僅僅是用來洗澡而已，更是社交與休閒娛樂的重要場所，同時也展現了古羅馬人的建築智慧與藝術美感。
古羅馬人愛泡澡，一天之中除了工作之外，剩下的時間用來吃飯、睡覺和泡澡：泡澡之於羅馬人，幾乎是生活不可或缺的事。
因此這部電影，便是同名漫畫《羅馬浴場》做為基礎，真人化再加上大量特效與古典音樂，成為了超級賣座片～
https://youtu.be/e8TjF_GCvZ8
從漫畫談起
《羅馬浴場》
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
《羅馬浴場》（日語：テルマエ・ロマエ）是日本漫畫家山崎麻里的日本漫畫作品。原在《Comic Beam》（Enterbrain）上進行不定期連載，自2010年4月開始改為定期連載。本作《羅馬浴場》於2010年獲第三屆的漫畫大獎。同年又獲第14屆手塚治虫文化獎短篇獎。2010年度「漫畫大獎」、2011年度「《這本漫畫真厲害！》少年漫畫第2名」以及2011年度「全國書店店員推薦漫畫第3名」等榮譽。
從希臘文化到羅馬文化
https://youtu.be/-9_tcJw7iiM
電影版
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
2012年公布《羅馬浴場》改編為電影的消息，主演阿部寬、上戶彩。
《羅馬浴場》由擅長改編漫畫作品的武內英樹執導，武內導演不但完美重現漫畫中輕鬆搞笑的風格，更將大膽誇張的手法自然融入劇情中，並且與電影《電車男》編劇武藤將吾再度合作，精準觸及觀眾的笑點。《羅馬浴場》找來身高189公分，輪廓深邃的阿部寬飾演古代羅馬人，原著漫畫的一大笑點即是古羅馬人認真的對現代日本的一切事物感到驚奇和不解，光看預告中阿部寬嚴肅的瞪大眼睛陷入沉思的搞笑畫面，就能確定電影版完全能忠實的把漫畫中最獨特、最精髓的笑點表現出來，透過阿部寬的演出甚至還增添了更多的樂趣。
登場人物
| 演員 | 粵語配音 | 角色 | 備註 |
| 阿部寬 | 陳欣 | 路西斯·昆特斯·慕德斯特（Lucius Quintus Modestus） | 古羅馬的澡堂建築家。 |
| 上戶彩 | 曾佩儀 | 山越真實 | 個性迷糊的漫畫家。 |
| 北村一輝 | 潘文柏 | 魯奇烏斯·凱歐尼烏斯·康茂德 | 哈德良養子。皇帝候選人。 |
| 市村正親 | 朱子聰 | 普布里烏斯·埃里烏斯·哈德良安努斯 | 古羅馬第14代皇帝。 |
| 宍戶開 | 陳卓智 | 安敦尼奧·派阿斯 | 哈德良後即位之羅馬皇帝。 |
| 笹野高史 | 招世亮 | 山越修造 | 真實的父親。 |
| 木村綠子 | 雷碧娜 | 山越由美 | 真實的母親。 |
| 竹內力 | 葉振聲 | 館 野 | 山越旅館的常客。 |
故事
在古羅馬時代，去澡堂放鬆心情是最流行的文化，也是當時最重要的社交場所。對工作充滿熱誠的澡堂建築師路西斯（阿部寬 飾），時常感嘆羅馬的澡堂缺乏新意，但自己卻苦無靈感，在某次意外後，在工作上遇到挫折的浴場設計師路西斯因為不明的原因穿越到現代的日本，與家中經營溫泉的日本女性山越真實（上戶彩 飾）相遇，路西斯對日本的溫泉文化和現代的衛浴設施大為訝異，便將這樣的設計運用在古羅馬時代。他竟然能穿梭於古代羅馬和現代日本的澡堂之間，一切嶄新的現代澡堂技術都超乎路西斯的想像，擁有高度澡堂文明的「扁臉族」（日本人）更是震撼路西斯的心靈，在時代的衝擊和文化的差異下，路西斯從日本澡堂中獲得許多靈感，回到古羅馬時代，將所見所聞應用在浴場的設計上，例如在浴場裝飾維蘇威火山大型壁畫，泡澡時的清涼飲品、溫泉蛋，家庭用的簡單浴室、抽水馬桶……等。路西斯透過一次又一次往來於現代與未來間，建造出許多新潮又風格獨具的浴場，不但成為全國知名的建築師，更成為皇帝身邊的紅人。
故事中最有趣的部分，還有路西斯來到現代日本，一次又一次地感受到文明的巨大衝擊。
因為穿越場所僅限於浴池，所以路西斯總是光溜溜地出現在日本人面前，有時在澡堂，有時在浴缸，還有出現在戶外溫泉。
第一次穿越，見到溫泉中洗浴的老人們時～路西斯以為這些「扁臉族」都是奴隸，身為優越的羅馬帝國子民，一方面瞧不起他們，一方面又驚訝於竟有如此厲害的技術與巧思。
路西斯那驚嚇、享受又掙扎的表情，生動極了！還有他內心不斷冒出的OS：「我身為羅馬人的驕傲又動搖了」，一臉正經，卻讓人莫名發笑。
當他首次「體驗」到現代科技帶來的便利之時，流下了男兒感動之淚（背景音樂：舒伯特《聖母頌》）
《羅馬浴場》的衛浴賣場片段
https://youtu.be/8hHu0A6Hueo?t=1921
進入主題：與古典音樂的美妙連結
（整理劇情與音樂之連結，並附超連結方便蹦友們欣賞喔😘）
| 電影場景 | 音樂使用 |
| 路西斯首次在羅馬澡堂穿越時空，抵達現代日本大眾澡堂的穿越配樂 | 威爾第：歌劇《阿依達》第三幕，<叛徒>（Traditor） |
| 路西斯首次穿越時空，從日本回到羅馬，成功地建造出嶄新創意的大浴場 | 威爾第：歌劇《弄臣》第三幕，<善變的女人>（La Donna e mobile ） |
| 路西斯首次從羅馬澡堂穿越時空，抵達日本總編家的個人浴室，幫總編父親洗澡 | 威爾第：歌劇《阿依達》第三幕，<叛徒>（Traditor） |
| 路西斯第三次穿越時空到女主角工作的衛浴賣場，坐在馬桶上，馬桶自動播放音樂，路西斯使用自動噴水功能，感動落淚 | 舒伯特：《聖母頌》（Ave Maria） |
| 羅馬皇帝哈德良因男寵愛人安蒂諾斯於過世埃及尼羅河畔意外身亡，皇帝思念愛人無暇公務 | 佛瑞：合唱曲《拉希內贊歌》（Cantique de Jean Racine） |
| 路西斯第四次穿越時空，誤闖了日本東北地區陽具崇拜信仰「金精神」祭典，被誤以為是「金精神」本尊，信眾撲倒他，導致再次穿越時空，來到女主角山越真實正在相親約會的動物園鱷魚池中，兩人再次相遇 | 普契尼：歌劇《托斯卡》（Tosca）第三幕，<快點，快起來，馬力歐、馬力歐>（Presto! Su, Mario! Mario!） |
| 路西斯拿著香蕉與女主角山越真實在溫泉街中散步，猴子卻突然出現，將路西斯手中的香蕉搶走 | 威爾第：《安魂曲》（Requiem），<神怒之日>（Dies Irea） |
| 路西斯追著野猴來到河邊，卻間接發現露天溫泉，並了解的露天泉的設計方式。看到在河中出現的香蕉皮浮出，跳入河中企圖揀取香蕉皮。 | 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<請憐憫我的痛苦>（Pieta Ti Prenda del Mio Dolor） |
| 心中愛慕的路西斯的女主角山越真實，倒在路西斯懷中，與他一同穿越到古羅馬場景 | 普契尼：歌劇《蝴蝶夫人》（Madame Butterfly）第二幕，<美好的一日>（Un del di） |
| 路西斯拒絕皇帝哈德良提出為養子凱奧尼斯建造浴場的要求，讓哈德良震怒 | 威爾第：《安魂曲》（Requiem），<威嚴赫赫的君王>（Rex tremendae） |
| 路西斯無意間得知凱奧尼斯不願意神格化哈德良，被凱奧尼斯指出自己的設計與創意皆來自抄襲，獨自一人在街頭鬱鬱寡歡，女主角山越真實找到他並安慰。 | 普契尼：歌劇《托斯卡》（Tosca）第二幕，<今夜星光燦爛>（E lucevan le stelle） |
| 在女主角山越真實家中的溫泉旅館，五位老人也穿越了時空，巧合地與山越真實與路西斯重逢。一行人認真地討論要如何在戰地建造暖坑為士兵們療傷，並延伸為建造戰地溫泉等一系列場景。（共使用四段音樂） | 1. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<兒童黑奴之舞>（Danza di Piccoli Schiavi）
2. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<就讓花朵與桂冠>（Pieta Ti Prenda del Mio Dolor） 3. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<祖國乃神聖之地>（Gloria All'Egitto, Ad Iside） 4. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<榮耀祖國>（Gloria All'Egitto） |
| 羅馬這邊戰爭終於結束，日出的燦爛陽光照耀著戰場與傷亡者，也照耀著在溫泉療養所中所有慶賀戰爭勝利的羅馬人 | 普契尼：歌劇《西部少女》（La fanciulla del West）第三幕，<就讓她以為我已經自由遠走>（Ch'ella mi creda） |
| 山越真實與路西斯在夜晚的營火前互訴心事，確認了彼此的心意 | 普契尼：歌劇《蝴蝶夫人》（Madame Butterfly）第二幕，<美好的一日>（Un del di） |
| 山越真實平安回到現代日本，看著天空，場景逐漸轉換到古代羅馬慶典，慶祝戰爭勝利。皇帝哈德良表彰路西斯於戰爭期間之傑出貢獻。 | 普契尼：歌劇《杜蘭朵公主》（Turandot）第三幕，<今夜無人能眠>（Nessum dorma） |
| 劇終前以字幕呈現主要角色哈德良、凱奧尼斯與路西斯之後續。 | 威爾第：歌劇《唐卡羅》第三幕，<歡喜之日突然到來>（Spuntato ecco il di d'esultanza） |
| 電影劇終。片尾字幕。 | 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<榮耀祖國>（Gloria All'Egitto） |
電影版在日本創下的輝煌紀錄
《絕代艷姬》：Farinelli、Handel
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
法里內利（義大利語：Farinelli）（1705年1月24日－1782年9月16日），原名卡洛爾·瑪利亞·布羅斯基（Carlo Maria Broschi），為十八世紀義大利著名閹伶。
生長於那不勒斯，唱假女高音，號稱「女神的顫音」。 先從尼古拉·波爾波拉學唱，後拜Bernachi為師。 1733年在倫敦演唱，被譽為「一個上帝、一個法里內利」（One God, One Farnelli），其生平事跡被拍成電影《絕代艷姬》（Farinelli ），電影原聲裡的法里內利，聲音其實是透過電腦科技，融合了一位假聲男高音與女中音的音色，重新混音模擬出這種現代人難以唱出的獨特音質。
1712年，法里內利的哥哥里卡多·布羅斯基進入聖雷多聖母堂音樂學院（那不勒斯音樂學院前身之一）學習作曲。作為童聲就天賦難掩的法里內利被引薦給那不勒斯最著名的聲樂老師,巴洛克作曲家尼古拉·波波拉。波波拉的弟子包括眾多著名閹伶（Felice Salimbeni, Gaetano Majorano）和女歌唱家(Regina Mingotti, Vittoria Tesi)。
1717年，法里內利的父親年僅36歲突然離世。也許是因為失去了家庭經濟來源的保障，法里內利被閹割，以保存完美的嗓音。此決定通常被認為是由他的哥哥所作（通俗演義中甚至被描繪為他的哥哥親手執行）。即使在當時，手術也需要一個掩人耳目的理由——在電影中則歸咎為一次墜馬事故。
電影預告片
https://youtu.be/nbX2diR9b4U
韓德爾歌劇《Rinaldo》裡知名詠嘆調
Handel «Rinaldo» – “Lascia ch’io pianga”（讓我哭泣）
https://youtu.be/645ayYMgTcE
這是一首哀傷 悲嘆的歌曲 選自韓德爾 "Rinaldo" 的詠嘆調 是許多聲樂家喜歡演唱的歌曲之一，歌詞內容描寫被魔女阿米達軟禁在魔法園中純真無邪的阿米瑞娜對異國國王哥弗里多演唱的詠嘆調。 Lascia ch'io pianga 讓我哭泣吧 Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, 讓我為自己悲慘的命運哭泣， E che sospiri la libertà！而我渴望自由！ E che sospiri, 我渴望， e che sospiri la libertà！我渴望自由！ Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, 讓我為我悲慘的命運哭泣， E che sospiri la libertà！而我渴望自由！ Il duolo infranga queste ritorte de miei martiri sol per pietà, 這場爭鬥模糊了我所遭逢的許多痛苦， de miei martiri sol per pietà. 我祈求我的痛苦能獲得仁慈的解脫。 E che sospiri la libertà！而我渴望自由！
次女高音 Joyce Didonado 演唱版本
Handel «Rinaldo» – “Lascia ch’io pianga”（讓我哭泣）
https://youtu.be/PrJTmpt43hg
Joyce Didonado 現場 Live'
https://youtu.be/oJJnhp2CYnk
真實歷史上「閹人歌手」
亞歷山德羅·莫雷斯基（Alessandro Moreschi (1858-1922)）為19世紀末的義大利閹伶歌手，他也是歷史上唯一一位留下錄音的的閹伶歌手。
錄音：The Last Castrato: "Crucifixus"
https://youtu.be/2xirGtxdVEE
《遠離非洲》
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《遠離非洲》（英語：Out of Africa）是1985年出品的美國電影，導演是薛尼·波勒，主演勞勃·瑞福、梅莉·史翠普和Klaus Maria Brandauer。
該片先後獲得過28個電影獎，其中包括奧斯卡金像獎的七項獎。
《遠離非洲》電影根據丹麥女作家凱倫畢斯的小說改編，故事的時空背景是1920年代的東非，故事的重心在於她在非洲的愛情遭遇與生活。曾經於非洲居住短暫的歲月中，有兩個男人對她影響很大，一個是她丈夫波爾，一個是她的情人丹尼斯。
波爾給了她承諾卻根本不想遵守，她從丈夫身上獲得的只是一紙婚姻證書、男爵夫人的名號以及差點要她命的梅毒；丹尼斯從不給她任何承諾，但是卻給了真愛、自由以及如何以更寬廣的眼光來看這個世界。
遠離非洲－Out of Africa
內容描寫文字非常動人，取自張晚Youtube影片
丹麥優渥家庭出身的凱倫， 操煩即將晉升為大齡剩女， 決意完成一場財富與名銜的交易婚姻， 下嫁予同溫層友朋瑞典布列克森男爵。 兩人連袂遠赴非洲 開拓新事業與新生活。 不過，她顯然缺乏管理長才， 她的丈夫則更樂於追逐其他異性或是動物， 經營婚姻與經營咖啡園 都注定將付之一炬以失敗告終。 唯一留下記憶的只有那塊 廣袤、無垠的沉睡大陸 以及在土地上奔疾馳聘的一個身影。 他叫丹尼斯，熱愛打獵和莫札特， 他曾允諾：總有一天要帶她比翼飛行。 那個允諾，很快便實現⋯⋯ 而關於這一段翱翔的往事， 將由我用贅筆再謄寫一遍。 雙翼飛機像隻炫耀的大黃蜂， 嗡嗡嘈嘈地降落。 彷彿孩子發現隱匿的禮物， 她忍不住興奮地打聽： 『你在哪買下了它？』 『蒙巴沙！』 他扶她登機， 她又質疑地轉身詢問： 『你幾時學會了飛行？』 『昨天！』 簡單的答案， 讓她來不及回神地吃驚。 唯在起飛的瞬間， 她因涉險而害怕的表情， 迅即為好奇的快樂取代。 大黃蜂鬧哄哄地冉冉上昇， 由單簧管鄭重而神秘的低音 為他們的巡禮揭開序曲。 溯流前往，兩岸蔥蘢羅列的 是向大自然致敬的植被隊伍。 塔納河猶如巨蠎蜿蜒， 緩緩蠕動的碧鱗在烈日下光燦閃耀。 他們穿越山顛，遙見瀑布水從天來。 那是太白『飛流直下三千尺， 疑是銀河落九天。』的寫照。 他們滑入荒野，俯瞰草原一望無際。 那是謫仙『山隨平野盡， 江入大荒流。』的境界。 他們不懂，只能在背景裡 用聖樂般的和弦讚美造物。 他們在東非大地塹的懸崖邊緣翻騰嬉戲， 在阿伯德爾草原上， 依循動物遷徙的路線， 他們與萬蹄撼動的羚羊長跑。 繞過背蔭的幽谷。 在納古魯湖心， 探訪水鳥生養的棲所， 他們與千羽幻化的火鶴共舞。 終於，早已蓄勢待發的眾聲齊鳴， 雍容、優雅的主旋律響徹晴空。 他們面迎驕陽， 他們直上凌霄。 在天地悠悠之間， 澎湃、洶湧的心情讓她泫然欲泣。 她把手揚起，託付給他， 她要他緊緊地握住， 在死生契闊之間。 穿透亂雲堆雪的層層迷障， 此際，樂曲停歇，大音希聲。 唯獨恍若天籟的風吹相送。 他們正無念無悔地飛向 自己的天堂。 在電影中， 他迷上她 天馬行空的奇幻故事， 也害怕講述故事的她之需索羈絆； 她戀上他， 豹隱淡泊的直覺本能， 也恐懼如許本能的他之自由來去。 結局是：答應替凱倫送行的丹尼斯 用飛機失事做了永別。 這樣地安排 其實蠻好！ 酷嗜狩獵的他， 埋骨高坡，獅子一般俯視著他的莽莽草原； 愛說故事的她， 賦歸原鄉，青鳥似地詠嘆著她的文學篇章。
https://youtu.be/qHByIVrrkDo
莫札特《豎笛協奏曲》
https://youtu.be/8muh5tvnCC0
隨著莫札特的音樂起飛．空瞰非洲之壯麗
片中最浪漫感人的一幕是丹尼斯駕著飛機載著凱倫在非洲大草原上翱翔，這場戲不僅是《遠離非洲》電影最浪漫之橋段，亦讓觀眾帶著浪漫愉悅的心情欣賞非洲草原遼闊的自然美景。
https://youtu.be/sPIAtkd3Wpk
而約翰貝瑞的配樂裡，除了自己的創作之外，中協調地引用了莫札特的《單簧管協奏曲》的慢板部分，古今結合，深情悠遠，烘托出影片再現女主角陳年往事的懷舊氣氛。《遠離非洲》的配樂音樂2005年被列入《AFI百年百大電影配樂》，被譽為美國電影音樂作品的經典。
https://youtu.be/zTzZiqv4vw0
《永遠的愛人》：貝多芬
貝多芬終身未婚，但藉由死後於抽屜裡發現的三封未發出信件，上面僅署名致我「永遠的愛人」（Immortal Beloved）。導演藉由這三封信，以倒敘手法引導觀眾去尋找貝多芬的「秘密情人」。
到底是：
一、富商之女茱麗亞
二、是匈牙利女公爵安娜
還是影片以偵探手法一步步「證明」的「永遠的愛人」：喬安娜—貝多芬的弟媳婦～一位被認爲聲名狼籍的女人呢？電影只是電影，但貝多芬卻是音樂史上永遠的樂聖。
《永遠的愛人》影片預告
https://youtu.be/e2ql5wODeMY
《月光》鋼琴奏鳴曲場景
Immortal Beloved Moonlight Sonata Scene
電影中，貝多芬在茱麗亞家中，打開新琴的琴蓋，耳朶貼近鋼琴未掀的面板，閉上眼睛全心感受聲波的振動，手指間漸漸流洩出來的，正是《月光》奏鳴曲的第一樂章。
https://youtu.be/524VlYD0PVw
《皇帝》鋼琴協奏曲 場景
https://www.youtube.com/watch?v=BF1Sd_blb8U
《快樂頌》：貝多芬
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《快樂頌》（英語：Copying Beethoven），關於樂聖貝多芬的虛構傳記電影，描寫他晚年創作《第九交響曲》時的遭遇。本片由波蘭導演安格妮茲卡·賀蘭執導，兩位編劇兼任製片，2006年11月10日由米高梅公司發行上映，於2007年4月30日發行DVD。
1824年，樂聖貝多芬正在趕工完成新作。這些年來，他孤家寡人，飽受感情創傷，耳疾折磨，距離上次創作出受眾人激賞的作品已有年月。在作品完成的最後階段，貝多芬的御用抄譜員不幸病入膏肓，缺少深通樂理的抄譜員，演奏時樂團勢將無譜可奏。安娜是音樂學院推薦的女抄譜員，胸懷大志，希望藉由這次機會讓貝多芬品評她的創作。脾性狂躁的貝多芬起初懷疑女子能否有才擔此大任，在隨後的相處中，他不只慢慢依賴安娜的幫助，還對安娜產生好感，到最後，安娜成為貝多芬生命中不可忽視的存在，開啟了他心底的那扇門窗。
電影預告
https://youtu.be/Zj7_LoZm_MQ
最終場景：第九號交響曲之首演
https://youtu.be/Xkj0TeZeZuo
《戰地琴人》
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《戰地琴人》（英語：The Pianist），羅曼·波蘭斯基導演的以納粹德國侵略波蘭並進攻華沙為背景，主要反映波蘭猶太人遭遇的故事片。電影取材來自波蘭猶太作曲家和鋼琴家華迪史洛·史匹曼的回憶錄。
2002年，《戰地琴人》獲得法國坎城影展最高榮譽金棕櫚獎。2003年，《戰地琴人》又奪得三項奧斯卡大獎，包括最佳導演、最佳男主角和最佳改編劇本獎。
史匹曼的鋼琴生涯始於華沙音樂學院，1931年受邀到德國柏林藝術學院學習。1933年希特勒掌權後，史匹曼回到華沙，很快成為一位著名的鋼琴家和作曲家。
1935年4月1日，史匹曼加入波蘭電台，表演古典音樂和爵士音樂，直到1939年9月德國入侵波蘭華沙。納粹政府在華沙在內的很多波蘭城市成立了猶太人居住區，史匹曼和家人的公寓也在其中。為了勉強支持一家六口的生計（父母、兩個姐姐、一個弟弟和他本人），史匹曼在猶太區的一間餐廳繼續彈奏鋼琴。1942年，史匹曼的其餘家人被送至特雷布林卡集中營，在毒氣室被殺害，史匹曼則艱苦的四處躲藏努力求生，期間亦接受過對猶太人深感同情的德軍軍官威爾姆·歐森菲德的援助。而二戰結束時，史匹曼全家只有史匹曼一人奇蹟似的存活下來。
蕭邦夜曲/敘事曲
https://youtu.be/jTkKMRHQAKA
蕭邦：第一號敘事曲 場景
https://youtu.be/aS4YDuTfJ7Y
影片男主角 Wladyslaw Szpilman 真實演奏
https://youtu.be/mWOL_58-qF4
《鋼琴師》（Shine）
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《鋼琴師》（Shine）是一部1996年澳洲傳記劇情片，根據患上躁鬱症精神疾病的澳洲鋼琴家大衛·赫夫考的生平改編而成。史考特·希克斯執導，Jan Sardi編劇。扮演成年赫夫考的傑弗瑞·拉什憑藉其精彩演出獲得金球獎、英國學院獎和奧斯卡最佳男主角獎。
大衛從小就在父親皮特的嚴厲教導下練習鋼琴並取得優異的成績。還被當地的鋼琴家羅斯發掘才能並親自輔導。年少的大衛想去美國留學，然而其父卻拒絕其子離家出國。到了青年時期，大衛受到澳洲女性小說家Katharine Susannah Prichard的親密對待和資助，大衛終於獲得來自倫敦的皇家音樂學院的獎學金，在凱薩琳女士的鼓勵下，大衛不顧父親的阻撓執意出國留學，生氣的父親發誓要與其斷絕一切關係。
到了皇家學院，大衛受到專業教師的指導，並在一次鋼琴比賽中演奏其父從小就想讓他演奏的異常難演的拉赫曼尼諾夫創作的第3鋼琴協奏曲，雖然他的演出獲得聽眾的熱烈喝彩，其精神狀態卻在長時間的演奏中變得越來越焦躁，並在表演結束時頭部著地受傷導致其患上精神疾病。此後他在精神病醫院並接受過電痙攣療法治療。
回到澳洲後，其父還是拒絕接納他。大衛病情發作繼續受到心理治療，幾年後他遇到一個女性義工吉莉安的治療，吉莉安發現他比一般病人需要更多耐心細心的治療。大衛儘管受到疾病的困擾，內心仍然渴望演奏鋼琴，終於在一家餐廳里盡力為大家演奏，並收穫聽眾的喝彩。最終大衛與吉莉安相愛並結婚，在對方的幫助下，大衛也逐漸重新走入公眾視野，在演奏大廳為聽眾表演。最後兩人來到大衛父親的墓地看望之，並期待著美好的明天。
酒館裡《大黃蜂的飛行》場景
https://youtu.be/8_p6-cAMr_g
拉赫曼尼諾夫《第三號鋼琴協奏曲》場景
https://www.youtube.com/watch?v=N29WamXg4pY
《琴戀克拉拉》：舒曼、布拉姆斯
（電影解說整理自網路）
本片是素有「德國新電影教母」美譽的賀瑪桑德斯布拉姆斯的最新代表作，電影敘述音樂史上最著名的一段三角戀，也就是德國三大音樂家布拉姆斯、舒曼以及舒曼的妻子克拉拉，三人纏戀了一生的愛情。這不但是這段當年最轟動的「八卦」，首度被搬上大銀幕，而拍攝此片的導演桑德斯布拉姆斯更是布拉姆斯家族的後人，她會如何講述自己先人的這段緋聞，也使這部電影令人矚目。
1854年，就在舒曼投河後不久，布拉姆斯寫了一封信給姚阿幸，信中提到：「我想我已經愛上她了，我克制著不要把手放在她的肩上……然而她卻對這個自然的舉動絲毫不介意。我想我是不可能再愛上其他年輕女子了，至少我腦海裡想的都不是她們。或許她們能許諾我一個天堂，但克拉拉，她早已將天堂展現在我面前。」
在舒曼過世後不久，克拉拉曾寫信告訴子女，如此描寫布拉姆斯：「他就像是一位真摯的朋友，他分攤了我所有的憂傷，挺住了我瀕臨破碎的心，振奮了我的精神，也照亮了我的靈魂」。
電影預告
https://youtu.be/HOri3L9KUDY
《似曾相識》
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《似曾相識》（Somewhere In Time），是1980年吉諾特·茲瓦克執導的浪漫奇幻電影。改編自理察·麥瑟森1975年小說《重返的時刻》（Bid Time Return）。獲第53屆奧斯卡最佳服裝設計獎提名及第38屆金球獎最佳原創音樂獎提名。
電影在發行之初並不賣座，就連導演吉諾特·茲瓦克後來也不得不承認，儘管他與全體製作人員都對這部片有莫大期望，《似曾相識》的票房以及獎項都曾令他感到難過。當時影片試映時，並沒有受到觀眾的愛戴，所以也就沒辦法在戲院播放。
事隔多年，這部影片無意間被一個電視台高層工作者發現了，他給這段動人的愛情故事深深打動，於是將之在有線頻道播放，結果觀眾反應熱烈。《似曾相識》這部差點被埋沒的好片子就這樣重見天日，成為經典電影。
拉赫曼尼諾夫《帕格尼尼主題狂想曲》
https://youtu.be/h4N1mxN5JbU
⟨Somewhere in Time⟩電影主題與精彩劇情剪輯：
https://youtu.be/5X3DNJjMtfk
《紅色小提琴》
（電影解說整理自網路）
十七世紀的義大利小提琴製造大師尼可洛布索提（卡羅榭奇 飾），趕製他這一生中最得意的作品，作為兒子誕生時的見面禮，沒想到妻兒都難產而死，他為了追念亡妻，努力製作一把絕無僅有的小提琴，於是傳說中的紅色小提琴誕生。
這把小提琴被奧地利的一家修道院買去，輾轉傳到孤兒卡斯柏威斯手中，法國音樂大師喬治普桑（尚盧比度）決定調教他，卡斯柏威斯苦練多時，卻在演奏時身亡，小提琴因而成為陪葬品，沒想到又被盜墓者偷出，重現見日。
1893年黑髮吉普賽美麗女子，在家人面前演奏古老樂曲，優揚的樂聲引來了鬼才作曲家兼小提琴樂師的腓特烈波普（傑生富萊明 飾），用交換條件得到這把小提琴。後來因為女友死亡，腓特烈也自殺了。他的男僕帶著紅色小提琴回到上海，並當了小提琴，小提琴在當鋪躺了幾十年，直到一位婦人將它買下送給她的女兒項蓓。1965年，項蓓捲入中國文化大革命的旋渦中，她推動的文化革命運動獲得黨中央的讚賞，但黨卻禁止使用小提琴，項蓓因而忍痛與小提琴分離。
文化大革命後，中共當局對這位音樂老師的貢獻給予正面評價，並將紅色小提琴送到蒙特婁拍賣，小提琴鑑定師查爾斯摩里茲（山繆傑克森 飾）一眼就看中了不起眼的紅色小提琴，並查出這把小提琴就是十七世紀布索提的畢生傑作，而小提琴的色漆正是來自布索提的亡妻。
這個消息迅速為人所知後，蒙特婁的拍賣會場擠得水泄不通，奧地利修道院的代表、中國的商人、英國波普家族都來搶購這把紅色小提琴，究竟這把紅色小提琴最後花落誰家，未來的命運會如何，三百年前便依附在這把紅色小提琴上的預言又是否會到此為止呢？
電影預告
https://youtu.be/3feDUcDRNAg
Kaspar 場景
https://youtu.be/hbh9X2pt1IM
Frederick Pope 炫技獨奏音樂會場景
https://youtu.be/lvD6coI0DEw
約書亞貝爾現場演繹《紅色小提琴》
https://youtu.be/oto-PQ9iKE0
《魂斷威尼斯》
（電影解說整理自網路）
《魂斷威尼斯》（義大利語：Morte a Venezia，英語：Death in Venice）是一套1971年首映的義大利電影，由盧奇諾·維斯孔蒂執導，狄·保加第（Dirk Bogarde）及伯恩·安德森等主演。此片亦是是維斯孔蒂「德國三部曲」中的第二部。
故事改編自托馬斯·曼的同名小說《威尼斯之死》，描述一位中年作曲家在威尼斯度假時的經歷。
延伸閱讀：
https://news.readmoo.com/2015/10/21/der-tod-in-venedig/
馬勒第五號交響曲 慢板
電影預告
https://www.youtube.com/watch?v=-pxn49yWVJk&t=26s
電影最終場景
https://youtu.be/36QBU474nqM
阿巴多指揮琉森節慶管弦樂團 Live'
https://youtu.be/vOvXhyldUko?t=2718
《不可能的任務V》
談起歌劇《杜蘭朵公主》，大家都知道是義大利作曲家普契尼的三幕歌劇作品，然而他在尚未寫完全歌劇時便去世，由弟子繼續將遺作完成。
《不可能的任務 V》劇情內容出現了一個勇猛又聰明美麗的女主角伊爾莎佛斯特，彷彿她就是杜蘭朵公主的化身一般，整集的故事情節圍繞在帥氣的伊森韓特與伊爾莎佛斯特身上。
杜蘭朵公主的背景發生在中國，由於對於祖母之死感到怨恨，因此下令想娶她為妻的王子們必須答對她所出的三道謎語，這三道謎語分別為「希望」、「鮮血」和「杜蘭朵」，若沒有答對這三道謎語則要被處以死刑，由於公主擁有傾國傾城的美，有許多王子慕名而來但最後被斬首，而卡拉富則是最後成功打動她的王子。
電影裡的一個場景發生在維也納歌劇院，邪惡組織「辛迪加」想暗殺正在歌劇院觀賞杜蘭朵公主的奧地利總理，女主角伊爾莎佛斯特則是負責暗殺的人，在一席金黃色禮服下帥氣當起女槍手，此時的電影配樂響起知名的歌劇音樂。隨著劇情進展，不但追捕過程緊張刺激，打鬥也富饒幽默與趣味，隨之融合於劇情的，更是歌劇《杜蘭朵公主》絕美的一段段音樂與～詠嘆調《公主徹夜未眠》。
《公主徹夜未眠》（Nessun Dorma）男高音樂譜：
重點高音：
音樂．不分國界
《哈利波特》電影主題
威翰威廉斯指揮維也納愛樂 | 慕特小提琴獨奏
https://www.youtube.com/watch?v=qsCZP3wdF4w
永恆經典．星戰主題
https://www.youtube.com/watch?v=-3qqHdiewSE
冒險英雄．印第安納瓊斯
https://www.youtube.com/watch?v=_U519RdznMA
哈里遜福特致詞讚美約翰威廉斯
https://www.youtube.com/watch?v=nVt-QAWjPcY
大導演史帝芬史匹伯（Steven Allan Spielberg, b. 1946）曾經說過：「音樂是電影的一半。」，這句話完全深深打動我。
電影《辛德勒的名單》最後片段
眾人為了感念辛德勒為拯救猶太人所做的一切，用僅存的資源（連假牙的黃金都挖出來了）打造了一枚戒指感謝他。而自知戰後可能背負戰亂罪行的辛德勒，不得不離開，與眾人依依不捨前地離別。臨行前，已經從事太多善舉的他，仍然想著自己做得不夠，讓許多人紅了眼眶...
各位想想，如果再回頭讓大家看沒有聲音的畫面，您會有多少感動呢？
https://youtu.be/fhA5GIx51Kg
史蒂芬史匹伯讚美約翰威廉斯（E.T 配樂創作珍貴紀錄）
https://www.youtube.com/watch?v=tJY5l6I253c
《辛德勒的名單》動人主題
https://www.youtube.com/watch?v=cLgJQ8Zj3AA
《藝伎回憶錄》的柔美與動感
https://youtu.be/FoYFEO2ZU6k
約翰威廉斯與馬友友
https://youtu.be/sY5nw37xYIw
約翰威廉斯如何創作電影配樂之「動機」
How John Williams Composes His Motifs
https://youtu.be/mK5zThj7uFI
作曲家介紹
https://youtu.be/skh9N2UH1Fo
有關配樂創作過程．人人想法不同
Hans Zimmer 漢斯季默 Hns Zimmer說，他永遠學不會拒絕有興趣的配樂邀約。總是一開頭就跟導演說沒問題，隨即想到毫無想法，過了幾周甚至想請導演不妨去找配樂大師 John Williams...XD。 不過這麼多年來他體認到這些都是必經的過程，就算自己作曲經驗豐富，每次仍然如臨大敵。 Howard Shore 霍華.蕭 Howard Shore 談到幫《魔戒三部曲》配樂，過程需要好幾年，所以每天訂出工作進度很重要，才能循序漸進完成系列電影的配樂。 他會先閱讀小說和研究作者，了解帶給後世的影響，然後把所有資料放在一旁，散個步，打個盹，思考帶給自己的意義，再針對最有印象的畫面作曲。 Rachel Portman 瑞秋.波特曼 Rachel Portman 很留意作曲時不聽其他任何的音樂。因為她怕自己跟海綿一樣照單全收，受到不必要的影響。另外，她也經常會把作好的曲子放在一旁，隔天起床看是不是還覺得不錯，如果不行就從頭再來。 Steve Jablonsky 史蒂夫.賈布隆斯基 「隔日測試法」也是 Steve Jablonsky 很常採用的手法。 Steve Jablonsky 每天都作曲到晚上11到12點，長時間投入那麼多時間之後，難免失去客觀的創造力，在主觀的情感上自我感覺良好。因此他會刻意等到隔天或幾天之後，假如對旋律的感覺沒變，才拿去給導演試聽，不然就繼續修改、直接放棄或暫時保留，也許能用在其他地方。
火紅韓劇《魷魚遊戲》配樂
起床音樂：海頓降E大調小號協奏曲第三樂章
https://youtu.be/aT_ZPsoSRXc
集合音樂：小約翰.史特勞斯：《藍色多瑙河》
https://youtu.be/3c27hYHxCaQ
起床集合音樂：柴可夫斯基《弦樂小夜曲》第二樂章 Wlatz
https://youtu.be/Aqe8r6b_C90
韓劇《39》中的拉赫曼尼諾夫
分享近期孫藝珍、田美都主演的韓劇《39》，劇中以拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴協奏曲作為電視劇中的音樂主軸。首先是剛好男女主角都喜歡這位作曲家，兩人共同之處，與陌生之處，一切都剛剛好～不多也不少，CP走向吊足觀眾胃口。
首先是剛好男女主角都喜歡這位作曲家，兩人共同之處與陌生之處，一切都這麼剛剛好～不多也不少，CP愛情讓觀眾非常期待。
其次是在第五集《拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴協奏曲》中，片頭使用了浪漫唯美的第二樂章旋律，讓觀眾知道了小時候被收養的車美昭（孫藝珍飾），是如何在音樂的自然催化之下，感受到收養家庭媽媽的溫暖，而終於能在新家庭裡感受著家人的愛而成長。
再來是在同一集的片尾，拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴協奏曲再次出現。
但改為使用第一樂章開頭的鋼琴沈重獨奏和弦與c小調第一主題旋律，突顯出男友金善優同樣被收養的妹妹金昭元見到養父不友善時的沈重心情。
對於這種不安感同身受的車美昭，緊緊握住了男友妹妹金昭元的手，心中更燃起了想要安慰對方的心情，她在心中告訴自己：「我想成為她的拉赫曼尼諾夫...」
妹妹的人生可能因此得到了治癒和恢復。
雖然只是古典音樂在電視影集的運用，但不得不佩服編劇與配樂家的巧思，讓音樂昇華並且感動觀劇者～這也是韓劇厲害的地方。
蹦藝術Podcast 聊古典音樂～也聊韓劇
蹦藝術 S4 EP1｜從韓劇《39》聊拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴協奏曲 用耳朵閱讀古典音樂 - 蹦藝術 | BONART🎙 主持：林仁斌 各平台一鍵通： https://linktr.ee/bonart 本集精彩內容介紹： 蹦藝術節目邁入第四季了🎊 近期韓劇《39》（서른, 아홉）由孫藝珍、田美都與金智賢三位女主角共同擔綱演出，是一套充滿友情溫暖、追求理想愛情與美好生活的影劇小品；在劇中，拉赫曼尼諾夫的第二號鋼琴協奏曲成為了串起角色與劇情的重要媒介。 本集節目中，主持人林仁斌為您細說韓劇製作、拍攝方式到音樂設計所下的功夫，並從拉赫曼尼諾夫的第二號鋼琴協奏曲創作背景入手，讓您在沈浸劇情之餘，更加理解音樂在劇情中所扮演的重要性。 蹦藝術每週精彩的音樂內容，值得您一聽再聽、反覆回味。 歡迎點擊贊助蹦藝術，支持蹦藝術製播更多獨家精彩的節目～一起用耳朵閱讀古典音樂🌹 ☕一杯咖啡．一點心意．贊助蹦藝術❤️️️️ https://pay.soundon.fm/podcasts/4905a7d8-e9ce-4140-99ce-c4c6f4c6aaa2
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【苗北講堂】2022上半年系列（三）義大利．威爾第－寫實震憾歌劇美聲
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歐洲五國．五種音樂風情
（三）義大利．威爾第－寫實震憾歌劇美聲
111年4月07日(星期日)10:00
在義大利的美聲時期開始發展後，威爾第帶動了一種更直接，更震撼的新愛國風格，以更具義大利民族主義的宏觀，影響了當代的歌劇觀眾，讓威爾第成為義大利統一運動的代表人物之一，也讓威爾第成為義大利人眼中的英雄人物，並此展示義大利歌劇的複雜與精密。
不朽的威爾第
作者．劉詩嶸（林仁斌潤飾）
（原文出處：《威爾第：納布科》歌劇經典23 - 台北市：世界文物出版社，2000年）
威爾第可以說是世界上知名的歌劇作曲家。
威爾第從他的第一部歌劇《博尼法喬伯爵 - 奥貝爾托》（Oberto,contedi San Bonifacio）開始質露才華，以《納布果》、《埃爾納尼》（Erani）奠定他在歌劇界的地位，然後以《馬克白》（Macbeth）開了以歌劇嚴肅地改編莎士比亞傑作之先河，又通過《弄臣》(Rigoletto)、《遊唱詩人》（Il trovator）和《茶花女》（Latraviata）達到自己創作事業的第一個高峰；然而，他並不就此安享榮譽，而是繼續進行更高一步的探索，寫出了在宏偉歷史背景下的《西西里的鐘聲》和《西蒙・波卡涅拉》（SimonBoccanega）、《假面舞會》（Unballo in maschera)、《命運之力》（La forza del destino）、《唐卡洛》（Don Carlo）等鉅作。
然後，威爾第又在前面幾部鉅作所積累的經驗基礎上，於花甲之年寫出了自己的也是歐洲歌劇的又一部巔峰之作《阿依達》（Aida），並且奇蹟般地在古稀之年和耄耋之年又創作了撼人心弦的莎翁四大悲劇《奥泰羅》（Otello）和悅人心目的喜劇《法斯塔夫》（Falstaff）
威爾第在他漫長的五十餘年創作生涯裡，僅僅寫出了廿六部歌劇、一部偉大的《安魂曲》Requiem)和若干小型聲、器樂作品，算不得是多產的作家；然而他嚴於律己，尤其創作中期以後，對每一部作品都要再三推敲多次修改，甚至為等待理想的腳本竟至終身的壯志未酬～例如他心儀已久的莎翁傑作《李爾王》（King Lear）。因此他的作品大多能經得起歷史的考驗，創作中至少有一半是今日仍在世界各歌劇院經常上演、深受歡迎的劇目。
威爾第出生於布塞托市郊區的一個清寒家庭，祖輩沒有絲毫音樂傳統，父親在村中經營著一間兼賣雜貨的小旅店。他給自幼熱愛音樂的威爾第買了一架二手的、像玩具一樣的古鋼琴，從此威爾第就用它學習彈奏鍵盤樂器，並用它試奏了最初的習作。
當威爾第到布塞托上中學時，他顯示出來的音樂才能頗獲當地愛樂協會的負責人巴雷齊（Barezzi）的賞識。
巴雷齊是一位熱愛音樂的商人，會演奏好幾種樂器，威爾第的父親因批發貨物早就和他相識；如今，巴雷齊發現了威爾第出眾的音樂才能，便對之照顧有加，讓威爾第於求學時期住在自己家裡，在愛樂協會的活動中演奏了威爾第的幾首管弦樂習作，還讓威爾第教自己的長女瑪格麗特（Margherita）唱歌，並資助他到米蘭去深造。
後來，當威爾第從米蘭學成歸來，擔任布塞托市的教堂樂長，順其自然地便和瑪格麗特結了婚。
雖然瑪格麗特不幸早逝，但是巴雷齊與威爾第一直保持著密切的關係情同父子，威爾第的《馬克白》便是題獻給這位綽號「快樂的瘋子」的岳父大人的。
威爾第本來打算去米蘭投考那裡著名的音樂學院，但是當時他已經十八歲入學年齡，而且基礎知識也被考官認為「不合規範」而未被錄取。
幸好該院的註冊副主任、對位法教師皮央坦尼（Piantanida）慧眼識人，他看了威爾第的試卷以後，認為學院的嚴格教學反而會限制想像力。另一位考官米蘭歌劇院的指揮和作曲教授羅拉（Rolla）也同意了此觀點，於是他們建議威爾第就留在米蘭找私人教師學習。
他們不僅幫他介紹教師，還建議岳父巴雷齊給他買米蘭歌劇院的觀摩季票，使他從求學一開始就生活、學習在濃郁的歌劇氛圍裡。別看威爾第的學習過程似乎是「福星高照」，然而當他開始步入歌劇創作的戰場時卻不是那麽順利，甚至還遭遇到意外的坎坷。
威爾第的第一部歌劇《博尼法喬伯罸奧貝爾托》於1839年10月在米蘭史卡拉歌劇院上演，獲得了一定的成功並且受到當時擔任劇院主要女高音演員的斯特雷波尼（Strepponi）的青睞；但是緊接著威爾第的愛妻和幼小的兒女相繼病逝，這使他的心情沮喪到了極點。
由於合約尚未約束，傷心的他還得勉為其難繼續為劇院創作一部名叫《一日之王》（Un giorno di regno）的喜歌劇。
心神俱疲之下的創作，想當然這齣喜劇理所當然地遭到了慘敗，威爾第更是灰心已極，幾乎要放棄歌劇事業了。
但那個逼著他寫喜劇的史卡拉歌劇院經理（Merelli）此時將一卷厚厚的歌劇劇本硬塞給了威爾第，使他逐漸地被腳本中激動人心的情節和詞句所吸引，終於寫出了他的成名之作《納布果》！
《納布果》劇中藉古喩今的愛國思想激動著每一個觀眾，當他們步出歌劇院時，大都已學會了歌劇裡這段被異國侵略者俘虜的希伯來人的思鄉合唱：〈思想啊，乘著金色翅膀飛翔〉（飛吧！思想，乘著金色的翅膀）。這首合唱曲至今仍是義大利最知名流行的愛國歌曲之一。
《納布果》歌劇中的大合唱〈思想啊，乘著金色翅膀飛翔〉，也稱為「奴隸大合唱」：
https://youtu.be/UqaPGi6XOnc
在《納布果》中扮演女主角的，便是後來成為威爾第第二位夫人的斯特雷波尼。
當年威爾第所生活的義大利，尚是大部分受奧地利統治的四分五裂的聯邦，十九世紀之初拿破崙一度入侵義大利趕走了奧軍，法國人帶來的自由、平等、博愛思想和他們掠奪義大利的財富，尤其是搜刮破壞古代文物的行徑，都對義大利人民留下了深刻的影響。
拿破崙失敗後，義大利人民在愛國志士加里波的（Garibaldi）和馬濟尼（Mazzini）等人的領導下團結奮起，和捲土重來的奥地利占領當局進行了不懈的鬥爭，終於在十九世紀70年代才贏得了完全的獨立和統一。
富於愛國、民主思想的威爾第從十九世紀40年代起寫出了如《納布果》、《十字軍中的倫巴第人》(Lombardi allaprimacrociate和《聖女貞德》（Giovanna d'Arco）等頌揚抵抗外敵入侵的精神的作品，可說是自然而然的真情流露。
威爾第在他的一生中，始終不渝地從精神和物質上支持著義大利的獨立、統一事業，在他接近晚年的時候，還為了痛悼偉大的愛國作家和政治家曼佐尼的逝世而創作了感人肺腑的《安魂曲》。
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將社會上的「卑賤」人物作為正歌劇（尤其是悲劇）的主角，又是威爾第創作上的又一偉大成就，也是他民主思想的體現：
十八世紀以來，雖然平民已經經常成為喜歌劇之主角，例如如塞碧娜《女僕作夫人》（La servapadrona）、《費加洛的婚禮》等等，但是正歌劇和悲劇的主角仍然侷限在只能是神仙、帝王或貴族，似乎只有這些高貴的人們的不幸才值得同情。
但是威爾第在他接下來創作中期的三部傑作裡打破了這個慣例：
《弄臣》中的主角里戈萊托（Rigoletto）是個可憐的殘疾人，根據中世紀歐洲某些國家的法律，殘疾人除非投靠某一位貴族才能居住在城市裡，否則一律趕到鄉村去任其自生自滅。這對於缺乏勞動能力的他們無疑是死路一條，因此里戈萊托才如此卑躬屈辱地為公爵作弄臣，為了餬口甚至不惜出賣良心，既可恨亦復可憐。
威爾第也藉著對里戈萊托父女悲慘遭遇的描寫，痛責了封建制度的暴虐和封建主的荒淫無道。
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又例如《遊唱詩人》中的阿祖切娜和曼里科，都是被社會排斥和賤視的吉普賽人。曼里科雖擁有貴族血統（他本人不知），但是自幼就被阿祖切娜抱養視若親生，因此當曼里科衝破社會階級限制和萊奧諾拉相愛時，便自然地受到了他的政敵和情敵盧納伯爵的殘酷迫害。
直到最後一幕在火刑台上的阿祖切娜向著伯爵大喊：「蠢貨！你殺死的是你的親生弟弟⋯」才以劇力萬鈞姿態結束了這齣悲劇。
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《茶花女》中的薇奥萊塔儘管生活在珠圍翠繞的環境裡，但她也原是出身貧苦，棲身於「半上流社會」作貴族紳商的玩物，欲求作良家婦女而不能。
當時的社會偏見扼殺了她與阿爾弗雷多的愛情，最後孤獨淒涼地離開了人世。
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再加上稍前在《露易莎・米勒》（Luisa Miller）中表現出來的對老兵父女不幸遭遇的深刻同情，以及透過《強盜》（Il masnadieri）、《海盜》（Il corsaro）兩部歌劇對封建社會「逼良為盜」的本質的揭露，十分鮮明地表示出威爾第對劇中人物的愛憎。
從《弄臣》等中期三部傑作到晚期的《阿依達》間，威爾第還寫了五部歌劇，它們大多是結構宏偉的歷史劇，作家的争取民主、反抗封建壓迫害的思想仍然貫穿於每一部作品中，例如《西西里的鐘聲》就是描寫十三世紀時西西里島上的人民反抗法國占領軍的起義，這次起義雖然由於統治者的強大、陰險和起義者内部的不堅定而失敗了，但是威爾第的心卻始終向著起義的人民。
《西蒙·波卡涅拉》則是描寫西卡涅拉雖然是海盜出身，但是他當選為熱那亞自治共和國的執政以後，努力團結國内各政治派別，一心想讓國家繁榮安定。儘管他壯志未酬便遭野心家殺害，但是威爾第意圖透過歷史悲劇來表達自己對祖國統一的渴望心情，已經躍然於樂譜與歌劇上了。
至於從席勒的同名話劇改編的《唐卡洛》，則是一部既是史有所據，又充分發揚藝術家的理想與想像的感人悲劇，而且餘味無窮。
唐卡洛是十六世紀時西班牙國王腓力二世的王儲，由於自己的未婚妻（法國公主伊莉莎白）被父王據為皇后，加上同情在西班牙的暴政殘酷統治下的法蘭德斯人民，以及他和父王在政見上的矛盾，父子之間展開了一場情感上和政治衝突，使這齣悲劇的思想境界，從家庭的感情糾葛，提高到了治國該用仁政還是暴政的大命題方面去，而且作者的感情是強烈地傾向於反對暴政，同情受壓迫的法蘭德斯人民以及主張仁政的羅德里戈與唐卡洛一方的。
《唐卡洛》上演於1867年，這時的歐洲歌劇已經進入了她的黃金時期，各國均有藝術上已經爐火純靑而又風格各異的歌劇傑作誕生：
例如德國華格納的《紐倫堡名歌手》(Die Meistersinger von Nürnberg, 1868）和《萊茵的黄金》(Das Rheingold, 1876）；法國有古諾（Gounod）的《羅密歐與茱麗葉》(Romeo et Juliette, 1867）和比才的《卡門》(Carmen, 1875）；俄羅斯則有穆索斯基（Musorgsky）的《鮑里斯・戈杜諾夫》（Boris Godunov, 1874）和柴可夫斯基的《尤金・奥涅金》（Eugene Onegin, 1879）等傑作。
威爾第的《阿依達》就是在這個歌劇名家輩出，新作繁花似錦的年代產生的。
此時，年近花甲的威爾第已經積累了二十三部歌劇的創作經驗，名聲已經遠播全歐洲，不僅西歐的法、英邀請他去創作，就連遙遠的俄羅斯也請他到彼得堡去為皇家歌劇院創作了《命運之力》（1862）；法國埃及學家馬里埃（Mariet）寫了《阿依達》的故事梗概，交給《唐卡洛》的腳本作者之一、巴黎喜歌劇劇院院長迪・洛己萊（DuLocle），說這故事可以請威爾第譜成歌劇。
威爾第很快地就答應了。
在寫作的過程中，威爾第向馬里埃詳細詢問了埃及俗習慣和自然景物，以便自己的歌劇能生動、準確地體現地域和民族的風貌來。尤其可貴的是，他並不是在這裡僅僅擷取一素材來作為自己作品的裝飾，而是從内心深處創作出無與倫比的古埃及的歷史環境和情調來。
對此，他有一句名言：「模仿現實也許不錯，但是去創造現實却更好，而且要好得多！」
《阿依達》的創作進展十分順利，但是由於普法戰争的阻隔，在法國訂製的該劇的服裝、布景無法及時運到，首演延至1871年的聖誕夜方得以在開羅舉行。
次年2月18日該劇又在米蘭史卡拉歌劇院舉行了她的義大利首演，均獲得了轟動性的成功，至今仍然是世界上最受歡迎的歌劇傑作之一。
誠然，在《阿依達》中的古代祭典儀式、軍隊出征和凱旋等等場面是既賞心悅目又激動人心的，但是這齣歌劇的成功絕非僅僅靠著這些宏偉熱鬧的大場面，而是靠著對劇中人物心理生動深刻的刻畫，靠著對人物形象活龍活現的塑造而取得的。
威爾第在這裡也並未去歌頌古埃及統治者的豐功偉績，相反地通過了阿依達與將軍拉達梅斯二人之間的愛情悲劇，譴責了古代國家以強凌弱的行為和不義的侵略戰争。
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具有諷刺意味的是：在十九世紀英、法、義諸國争奪非洲殖民地的過程中，英國還曾於1875年唆使埃及入侵衣索比亞，結果以埃及慘敗而告終，但歌劇中的歷史居然被現實給顛倒了過來！
十九世紀末，義大利多次侵略衣索比亞屢遭失敗，敗北後竟至在衣索比亞首都「雅迪斯阿貝巴」簽定和約並向衣索比亞賠款一千萬里拉、以及承認該國的完全獨立。
歷史充分肯定了威爾第遠見卓識和強烈的正義感，這也就是為什麽《阿依達》在眾多大場面的「豪華」歌劇中卓然不群的根本原因。
1873年5月22日，義大利偉大的愛國作家、政治家曼佐尼逝世了，威爾第認為除音樂外任何悼詞都不足以表達自己的哀思，便創作了《安魂曲》敬獻給曼佐尼，以及所有為義大利的獨立解放而獻出生命和靑春的人們。
雖然它使用的是傳統的宗教音樂體裁，以拉丁文演唱，但是作品中卻充滿了戲劇性和昂揚的戰鬥精神，在劇院裡演出要比在教堂裡好得多。
自從《安魂曲》於1874年問世以後，威爾第多次以作曲家同時又是國家代表的身分到歐洲各國去指揮本作品演出，到處均受到隆重的歡迎。
此時的威爾第已經年逾花甲，以《阿依達》為代表為數甚豐之歌劇創作，不但演遍了歐洲，甚至遍及南北美洲，他靠著豐厚的上演歌劇版稅完全可以和羅西尼一樣度過一個安富尊榮的晚年，而且由於自從《阿依達》和《安魂曲》後，他又有多年不寫大型的作品，人們逐漸以為他真的要步羅西尼的後塵了。
但其實，創作的欲望一直在他的内心湧動著，只是由於他對於劇方的要求越來越嚴格，一時難以找到和他的豐富經驗以及高超作曲能力相配的腳本作家，以致一擱筆就是十來年，直到重新遇見作曲和編劇雙絕的鮑益多（Boito）來到了威爾第的面前，情況終於改觀。
這時，與威爾第合作多年的皮亞威（Piave）已經辭世，為《阿依達》寫腳本的吉斯蘭佐尼（Ghislanzoni）本來也是威爾第樂於與之合作的作家之一，但是這位才子的興趣廣泛，涉獵的文藝領域頗多，不可能像過去的皮亞威那樣忠心耿耿地專門投入歌劇腳本創作，而鮑益這位比威爾第年輕29歲的藝術家，便成了最恰當的人選。
鮑益多本身就能創作歌劇，既有很高的音樂、戲劇才能，又對歐洲各國的文學都有很精深的修養，曾將雨果的話劇《安傑羅》（Angelo, Tyran de Padoue）改編爲歌劇腳本，由龐基耶利（Ponchielli）作曲獲得了很大的成功，這就是以情節緊張、音樂激動人心著稱的《歌女喬宮達》（La Gioconda）；他自己編劇並作曲的《梅菲斯托費勒斯》（Mefistofele）是歐洲的「浮士德題材歌劇」中足以能和古諾的《浮士德》（Faust）分庭抗禮的少數作品之一。
經音樂出版商家里科迪（Ricordi）之介紹，將對《阿依達》佩服得五體投地的鮑益多介紹給威爾第，而博伊托也心甘情願地對威爾第執弟子之禮，先為之加工《西蒙·波卡涅拉》的腳本作為試筆，使該劇於1881年重演時面貌一新，然後便相繼為之改編了《奥泰羅》與《法斯塔夫》，使世界歌劇寶庫得以擁有三位藝術家的天才結的鴻篇鉅作。（莎士比亞＋威爾第＋鮑益多）
鮑益多（左）與威爾第（右）
早在1816年，義大利就有由羅西尼作曲的《奧泰羅》上演，其中也有特別感人的場面：
例如最後奧泰羅殺死德絲蒂莫娜的那場戲，但是由於整個腳本距莎翁的原著太遠而不夠成功。
但這次威爾第新版創作中，劇作家鮑益多和威爾第緊緊地抓住原著的精髓並且作了出色的發揮創造：
例如為雅戈所寫的那段獨白一〈信經〉（Credo），就是一段集天下奸惡、陰暗心理之大成的傑作，從音樂上和戲劇上將人物的形象十分生動地突顯出來。
另外，歌劇的開場暴風雨場景，兩人不僅僅用嚴謹的戲劇結構和震撼人心的音樂，將奧泰羅率艦隊在與風浪搏鬥中凱旋歸來的場面描繪得非常生動，而且還不露痕跡地將雅戈的嫉妒、恨不得奧泰羅的艦隊在風浪中覆滅的罪惡念頭一筆帶了出來；
類似的精彩音樂戲劇場面在劇中還有多處：
如奧泰羅迎接威尼斯的使節時由於政治上和感情上的失意而過於激動以致昏倒，雅戈洋洋自得地用腳尖點著他說：「瞧！這就是威尼斯的雄獅！」等等橋段，都是歐洲歌劇裡不可多得經典妙筆。
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威爾第此時的音樂創作手已經達到爐火純青之境，在人生最後的兩部歌劇作品中，他將從《阿伊達》時即開始的逐步取消分曲作曲手法，嘗試作了進一步的發展：讓音樂隨著戲劇的進行猶如長江大河似地奔流而下，時而湍急時而婉轉，最後匯入戲劇高潮的大海，達到音樂與劇情完美合而為一的境界。
《奧泰羅》於1887年2月5日在史卡拉歌劇院首演，這轉眼間居然已是《阿依達》首演的16年之後了。觀眾們都為威爾第竟能在73歲高齡時仍然有如此旺盛的創作熱情，並寫出了這樣全新、充滿青春激情的音樂而欣喜若狂。
聽眾們走上街頭徹夜狂歡，呼喊著「威爾第萬歲！」直到凌晨。
《奧賽羅》的成功又激發了大眾對威爾第的渴望，人們切盼他能再寫出一部新作品來。
鮑益多（左）與威爾第（右）
於是威爾第與鮑益多再度合作寫出了以莎士比亞的《温莎的風流娘兒們》（The Merry Wives of Windsor）和《亨利四世》（King Henry IV）等劇為基礎，以英國歴史上有名的喜歌劇人物：約翰・法斯塔夫公爵為主角的歌劇《法斯塔夫》，它堪稱是義大利歌劇史上繼《塞維利亞理髮師》（Il barbiere di Siviglia）之後最偉大的喜歌劇。
Ricordi出版社之歌劇《法斯塔夫》樂譜封面
威爾第在這部歌劇裡比《奧泰羅》更進一步地揚棄了編碼分曲的音樂結構，使全劇的音樂像一連串的珠玉不停地落入玉盤裡；無論是法斯塔夫吹噓自己當年風華時所唱的〈我曾經是親王駕前的小廝〉，還是芬頓和南妮這對情侶的纏綿情話，或是艾莉絲等一群「溫莎的風流娘兒們」設計捉弄法斯塔夫時如雀鳥噪林般的精美的重唱，以及用漸強的管弦樂團合奏來形容法斯塔夫喝了酒渾身上下的毛孔都散發出來的絲絲快意⋯⋯，這些效果奇美的音樂都好似被威爾第信手拈來卻是麗質天生。
威爾第一生都將「用莎士比亞的作品來改編歌劇」作為自身創作的最高追求，如今，這個願望終於在另一位起橋樑作用的天才的努力下得以充分實現，這位天才就是鮑益多；而也只有威爾第此時所達到的作曲功力，才足以將莎翁的戲劇所體現的生活、思想深度和人物形象的生動詳實地表達出來。
《法斯塔夫》於1893年2月、距他的八十大壽僅８個月的時候上演，觀眾為這位八十老翁竟能寫出如此充滿青春活力的音樂而欣喜若狂，期待著他能再寫出一部從莎翁的劇作改編的歌劇來。
鮑益多甚至都為他選好了題目:《安東尼與克里奧佩特拉》( Antony and Cleopatra)。但是威爾第究竟已經是步入暮的老人了，他除了每天寫一小段音樂以自娛外，便深居簡出，將大部分時間與精力放在「威爾第之家」老年音樂家休養所的籌建工作上，只在1894年去巴黎參加了《奧泰羅》在那裡上演的首演式，同時作為法國政府的貴賓出席古諾逝世一週年的紀念活動，並接受法國政府授予的榮譽十字勳章，這是他和老伴斯特雷波尼最後的一次遠行和參加公開活動了。
威爾第一向痛感義大利的歌劇院管理體制的弊端，晚年自費創辦「威爾第之家」，更是令人敬佩。
因為在義大利的歌劇從業者的待遇不僅低於德法等國，而且當他們年老失去工作能力之後，生活也毫無保障，就連皮亞韋這樣知名的劇本作家也全靠威爾第等生前好友來為他料理後事和贍養遺孤。
威爾第也曾以議員的籲政府資助歌劇事業，但是這個願望要直到他去世以後的二十世紀初才得以實現。
早在1889年，威爾第就為建立「威爾第之家」音樂家休養所購置好了土地，如今他便將建築的事宜交託給鮑益多的長兄、著名的建築師卡米洛（Camillo）。
他在遺囑中規定將自己的版稅和遺產的一半作為維持休養所和他原來建立的一所慈善醫院的費用，但是這「威爾第之家」直到威爾第逝世一年之後方才完成。
根據設計，「威爾第之家」（Casa Verdi）休養所可以容納四十名女性和六十名男性老年音樂家，兩人居住一室既不擁擠又不至於太寂寞，而且生活上彼此可以互相照顧。
按規定凡是年滿六十五歲而且老年生活無著的義大利籍音樂家，無論是作曲家、演員、指揮或是器樂演奏者都在「威爾第之家」接納之列，但是也有一個例外：那就是原籍羅馬尼亞、第一個創造托斯卡的歌劇舞台形象的女高音歌唱家達爾克列（Darclee）。她以非凡的美麗形象和音域寬廣、音色醇美的歌喉於十九世紀末征服了巴黎、倫敦和米蘭等地的歌劇觀眾，可惜在中年就由於嗓音的變故而離開了舞台，在威爾第的休養所度過了淒涼的晚年。
「威爾第之家」（Casa Verdi）中文介紹
https://youtu.be/q_Z28iHPxxs
威爾第的體格一向健壯，就是到了八十高齡依然腰桿挺直步履輕便，但是小他兩歲的太太斯特雷波尼卻已經腰彎背駝，行走需要威爾第的攙扶。
到了1897年的11月14日，她終於因患肺炎而和自己風雨同舟54年的老伴暫時分手了...
對於威爾第來說，結褵54年的老伴斯特雷波尼真不愧為賢内助，當她還是史卡拉歌劇院的首席女高音時便能慧眼識人，對初登歌劇藝術殿堂的威爾第另眼相看，並在後來一直是威爾第創作活動的堅定支持者、積極的誘導者和高明的評論者。
威爾第的性格内向不善於處世，太太斯特雷波尼便以她作歌劇演員時鍛鍊出來的社交經驗幫助他克服了許多人際關係中的困難。
而已至耄耋之年的老倆口中忽然逝去一人，想必另一人的哀傷心情是難以用言語來形容，也難以用常規來判斷的。
悲傷使得威爾第的健康迅速衰退，他的視力減弱雙手顫抖，兩腿也似乎站立不穩了。
環顧與他同輩的一代藝術家多已故去，幸好還有晚一輩的好友如鮑益多、里科迪、斯托爾茲和瓦爾德曼日，以及繼女瑪麗亞（Maria）一家時常來相伴，才使得老景不至於過分孤單。
但就在威爾第的親友們認為他的健康狀況尚佳的時候，他卻於1901年1月21日清晨突然在他下榻的米蘭大飯店倒下不省人事，在昏迷中挣扎了好幾天後，終於在1月27日離開了人世。
當威爾第彌留之際，飯店門口每天都擠滿了來打聽病情的群眾，為了怕干擾他的休息，人們自發地在飯店門前的馬路上鋪滿了稻草，好減弱路過馬車的磷磷車輪聲。
在移靈儀式的那一天，有二十萬民眾的米蘭市民自發地在靈車行經的道路兩旁默哀，有多位社會名流及政要為之執紼；指揮家托斯卡尼尼（Toscanin）指揮了有800人參加的合唱團在墓門口唱著〈飛吧，思緒，乘著金色的翅膀〉，葬禮之隆重絲毫不亞於國家元首。
威爾第從來沒有自詡為革新者，他不像華格納那樣將自己對於歌劇的新概念強加給觀衆，而是認為自己始終是竭誠為公衆服服的僕人，一生像一頭老黃牛似的在歌劇的園地中苦苦地耕耘著。
他順應時代前進的潮流，將義大利歌劇的水平，從羅西尼等人所達到的美聲歌劇成就裡又提高了一步。
威爾第的創作生涯中有過幾次成功的高潮，但每次他都並未在成功中自我陶醉停滯不前，而是持續不計成敗地進行新的探索，並最終能攀上更高的巓峰。
今日，威爾第的歌劇作品仍然在世界各國歌劇院的劇目名單上名列前茅，這個事實絕對是任何文字或口頭讚頌遠遠比不上的至高評價！
人生中最後一張照片
1901年威爾第的喪禮．民眾自發性的夾道相送
威爾第的葬禮 - 街頭為他送行的民眾與行列
https://www.youtube.com/watch?v=Uc9fCcrFEa0
延伸閱讀
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《大人社團》與蹦藝術攜手合作的音樂欣賞課，這一期將探索芭蕾音樂。你會認識世界三大芭蕾舞劇《天鵝湖》、《睡美人》、《胡桃鉗》以及現代芭蕾的先驅《火鳥》《彼得路希卡》。林仁斌老師將帶領學員們認識這種結合舞蹈、音樂與劇情的音樂類型。好好感受芭蕾音樂的豐富內涵，更進一步了解創作背景以及芭蕾舞蹈的特色，聽懂樂曲的編排，了解作者的風格與巧思；搭配影音欣賞及講義解說，無論你是否有基礎，都能和音樂更靠近！邀請你透過線上直播的方式，加入音樂與表演藝術的世界，讓生活更加繽紛！
2022年林仁斌老師近期課程
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
本期的音樂欣賞課，超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師將帶領大人認識當代著名的音樂演奏家。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大演奏家為主題，讓學員透過音樂家的個人經歷及音樂作品，了解他們詮釋音樂的獨特方式。你會更了解世界知名的男高音帕華洛帝，也會認識極具天賦的知名女性小提琴家慕特與小提琴大師帕爾曼，以及當代鋼琴家葛莉茉及卡蒂雅，細細品味音樂中的豐沛的情感，也了解演奏家的際遇為他們的音樂上了哪些色彩，更為自己的生活注入更多繽紛。
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第一堂：柴可夫斯基三大芭蕾舞系列之二：《睡美人》
三大芭蕾舞中的《睡美人》也是俄羅斯作曲家柴可夫斯基的知名作品。改編自法國童話作家夏爾·佩羅（Charles Perrault）的知名故事《林中睡美人》（La Belle au bois Dormant），整部劇充滿了歡快綺麗的夢想，明亮優雅的旋律及繽紛瑰麗的色彩，更是芭蕾歷史中結合了音樂、舞蹈與劇情的經典知名作品，受到許多人喜愛的芭蕾舞劇。在這堂課中，老師將帶領學員們了解這部歡快又洋溢著蓬勃生機的《睡美人》作品，一起認識它的創作背景以及精彩音樂。
作曲家：柴可夫斯基
https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/
| 柴可夫斯基三大芭蕾舞劇 |
創作過程與首演
芭蕾舞劇《睡美人》開始創作於1888年並完成管弦配器於1889年5月30日，架構為序幕＋三幕芭蕾，於1890年1月首演，是柴可夫斯基的第二部芭蕾舞劇配樂。
1888年5月25日，聖彼得堡帝國劇院總監伊凡.維賽夫羅斯基（Ivan Vsevolozhsky ）與柴可夫斯基聯繫接洽，討論創作一齣新的芭蕾舞劇，原始故事希望以西方人所熟知的《水妖》（Undine）故事為主題。後來經過討論之後，柴可夫斯基決定改以法國童話作家夏爾·佩羅（Charles Perrault）的《林中睡美人》（La Belle au bois Dormant）。對於此項委託，柴可夫斯基毫不猶豫地接受了，儘管他他之前唯一的芭蕾舞劇《天鵝湖》首演並不算成功，且當時1888年，日後的《天鵝湖》復興尚未到來。但筆者相信柴可夫斯基的心中，必然知道自己創作的芭蕾絕對是好音樂，也非常傑出，只是...「時候未到」。
最初的場景設計係由伊凡.維賽夫羅斯基（Ivan Vsevolozhsky）設計，編舞家是馬呂斯·佩蒂帕（Marius Petipa），與《天鵝湖》相同。1890年1月15日於聖彼得堡馬林斯基大劇院（Mariinsky Theatre in St. Petersburg）首演。
夏爾.佩羅的童話創作（取自維基百科，並附上連結方便檢索）
- 韻文故事《格麗瑟莉蒂絲》（la Patience de Griselidis ），1691年。
- 散文童話《睡美人》（La Belle au bois dormant），1697年。
- 散文童話《小紅帽》（Le Petit Chaperon rouge），1697年。
- 散文童話《藍鬍子》（La Barbe bleue），1697年。
- 散文童話《灰姑娘》（Cendrillon），1697年。
- 散文童話《小拇指》（Le Petit Poucet），1697年。
- 散文童話《穿長靴的貓》（Le Chat botté），1697年。
故事與最後一幕修訂
除採用夏爾.佩羅所創作的童話作為故事主軸，柴可夫斯基與伊凡.維賽夫羅斯基也參考了格林童話版本的《睡美人》（Dornröschen），將劇情修改為睡美人與父母的王國在沈睡了100年終於得以破解魔咒之後，最後一幕為了慶祝公主與王子的婚禮，佩羅童話故事中的其他角色居然一一出現在芭蕾舞劇中為王子與公主的婚宴跳舞慶賀，登場角色如：穿靴子的貓、小紅帽、灰姑娘、藍鳥、藍鬍子、毛茸茸的瑞奇和大拇指湯姆，以及其他法國童話人物：漂亮金髮姑娘與白貓等等，算是意想不到的驚喜。
令人惋惜的是，雖然《睡美人》的首演比較起《天鵝湖》成功許多，獲得了更多的媒體與各界讚譽，但柴可夫斯基本人從未有幸親眼目睹他的芭蕾作品在俄羅斯以外的劇院取得成功。
柴可夫斯基於 1893 年去世。
但到了1903年，《睡美人》持續大受歡迎，在10年之間就輝煌上演了200 次，更成為當時帝國劇院芭蕾舞劇目中史上第二受歡迎的芭蕾舞劇。當時的第一名芭蕾舞劇是由馬呂斯·佩蒂帕（Marius Petipa）編舞之《法老王的女兒》（Pugni The Pharaoh's Daughter）。
《法老王的女兒》第二幕欣賞
Svetlana Zakharova Pharao's Daughter Variation 2nd Act
https://youtu.be/nbWm6x_dmfo
1921起，《睡美人》在英國獲得極高的讚譽，開始獲得全球性的矚目，終於成為國際認可的知名芭蕾舞劇；到了1999年，馬林斯基芭蕾舞團則重新還原了1890年的《睡美人》原版芭蕾製作，包括原始佈景與當時服裝的複製再製作。
照片為1890年《睡美人》版本芭蕾舞劇舞星們，正中央的Carlotta Brianza飾演奧蘿拉公主：
登場角色
（角色整理取材自維基百科，附上連結以供參考）
皇室宮廷 The Royal Court
- 國王 King Florestan XXIV
- 皇后 Queen
- 奧蘿拉公主 Princess Aurora or The Sleeping Beauty
- 司儀 Catalabutte (the Master-of-Ceremonies)
- 朝臣、婢女、侍從等 Courtiers, Maids of Honor, Pages, and Lackeys
仙女 The Fairies
- 水晶噴泉仙子 Crystal Fountain Fairy
- 魔法花園仙子 Enchanted Garden Fairy
- 林地曠野仙子 Woodland Glade fairy.
- 歌鳥仙子 Fairy of Songbirds.
- 金藤仙子 Violente (Force), or Fairy of Golden Vine.
- 紫丁香仙子 The Lilac Fairy
- 金仙子（The Gold Fairy）
- 銀仙子（The Silver Fairy）
- 藍寶石仙子（The Sapphire Fairy）
- 鑽石仙子（The Diamond Fairy）
- 卡拉博絲．邪惡仙子 Carabosse, the evil fairy
四位追求者 The Four Suitors
- 親愛王子 Prince Chéri
- 迷人王子 Prince Charmant
- 幸運王子 Prince Fortuné
- 青荳花 Prince Fleur de Pois
王子狩獵隊伍 The Prince's Hunting Party
- 德西雷王子 Prince Désiré (Florimund)
- 德西雷王子的導師 Gallifron, Prince Désiré's tutor
- 德西雷王子的友人們 The Prince's friends, Duchesses, Marchionesses, Countesses, Viscountesses, Baronesses
童話人物 Fairy-Tale Characters
- 穿靴子的貓 Puss-in-Boots
- 白貓 The White Cat
- 仙度瑞拉 Cinderella
- 白馬王子 Prince Charming
- 弗洛琳公主 Princess Florine
- 青鳥 Bluebird
- 小紅帽 Little Red Riding Hood
- 大野狼 The Gray Wolf...等等
《睡美人》劇情敘述
《睡美人》共包括序幕（Prologue）＋三幕芭蕾，按照柴可夫斯基原始總譜，演奏起來最完整長度應至少有三個小時，現則依劇院與芭蕾舞團決定以何種長度表演。
序幕（公主出生受洗）
弗羅瑞斯坦第二十四世（Florestan XXIV） 國王和他的皇后喜獲麟兒，迎來了他們的第一個孩子：奧蘿拉公主（Princess Aurora），並宣布在皇宮裡舉行盛大的洗禮儀式以慶祝小公主的誕生。在歡樂的進行曲中，宮廷裡的紳士名媛們緩緩走上舞台，接著皇宮的大總管Catalabutte手持貴賓名單出場。
在核對完名單上所有的客人之後，他看起來非常開心，因為沒有任何一位嘉賓被遺漏。
接著，奧蘿拉公主的嬰兒籃被提出來，大家爭先恐後地想看看小公主可愛的面貌。
六位美麗的仙子們被邀請參加儀式，也會是小公主的教母，她們陸續在華爾滋悠揚的樂聲中出場：除了法力最強大的智慧仙子，紫丁香仙子（Lilac Fairy）之外，另外五位仙子，她們在著名的「六人舞」（Pas de six)）段落裡，將以舞蹈與話語致贈小公主各種善良的品德：分別是溫柔謙和、無憂無慮、慷慨大方、活撥樂觀和勇敢堅強。
在團舞結束後，六位仙子的獨舞緊接著登場：
首先登場的是水晶噴泉仙子（Crystal Fountain Fairy）（變奏1），她代表著鈴蘭花，花語有著純潔、溫馨與春天的氣息。第二位登場的是魔法花園仙子（Enchanted Garden Fairy），她將致贈小公主一顆純潔的心（變奏2）。第三位登場的是林地曠野仙子（Woodland Glade fairy），她帶來的是麵粉花之舞～也是食物的精靈（變奏3）；接著第四位是精彩的歌鳥仙子（Fairy of Songbirds）快速又可愛的舞蹈與表演（變奏4）；第五位登場的金藤仙子（Fairy of Golden Vine），雖然有點魯莽，但是充滿著滿滿的愛（變奏5）。
最後登場的是最善良的智慧精靈紫丁香仙子（The Lilac Fairy），也是本部芭蕾中最重要的核心人物之一，她靈氣十足的舞蹈讓在場所有人都開心極了（變奏6）。
介紹序幕中的這段仙子六人舞-精彩獨舞的安排： 仙子六人舞 Grand adage. Petit allégro(a.k.a. Pas de six) 變奏一 Variation I - Candide 變奏二 Variation II - Coulante–Fleur de farine 變奏三 Variation III - Miettes–qui tombent 變奏四 Variation IV - Canari–qui chante 變奏五 Variation V - Violente–échevelée 變奏六 Variation VI - La Fée des lilas–voluptueuse 群體舞蹈結尾 Coda générale
紫丁香仙子賜予奧蘿拉公主生日禮物之時，邪惡仙女卡拉博絲（Carabosse）帶著她的鼠輩爪牙出現在皇宮。
邪惡仙女卡拉博絲憤怒地質問國王和皇后，為什麼就獨獨沒有邀請她？
原來，負責生日宴會賓客名單的司儀Catalabutte，真的不小心忘記邀請卡拉博絲。
卡拉博絲生氣地撕下司儀的假髮，並用拐杖打他。然後，餘怒未消的她，轉而生氣地詛咒奧蘿拉公主：奧蘿拉會長大成為一位美麗、健康、令人喜愛的年輕公主，但...在她十六歲生日時，將會被紡錘刺破她的手指而死去。
國王和皇后聽到詛咒之後嚇壞了，連忙向卡拉博絲求饒，但她並不願解除詛咒。
紫丁香仙子介入了。雖然她沒有足夠的力量來完全解除詛咒，但她以法力改變了它：她讓紡錘的死亡力量改為令公主沈睡百年，而非死亡。
在那一百年的盡頭，奧蘿拉公主將被英俊王子的真情之吻喚醒。
大家聽到奧蘿拉公主生命終將得以倖免於難，終於讓皇宮裡的所有人放下一顆心。
第一幕（魔力強大咒語）
時光匆匆，16年已過。今天正是奧蘿拉公主的十六歲生日。慶生派對正在進行中，儘管國王仍對當年卡拉博絲的詛咒隱約兆感到不安，但仍舊為女兒的順利成長感到喜悅。
司儀Catalabutte發現幾位農婦拿著紡織針嬉戲，並警告國王，國王於是要判處這些婦女嚴厲的懲罰。皇后溫和地勸說他放過無辜的公民，國王也同意了。
隨著精心製作的華爾茲舞曲演奏，奧蘿拉公主也出現於舞會到來。
寵愛女兒的國王與皇后，為小公主安排了四位俊美的追求者，分別是來自英國、印度、西班牙與義大利的王子。奧蘿拉公主和年輕王子表演著名的玫瑰慢板（Rose Adagio）。接過玫瑰花完成了舞蹈之後，公主並未答應這四位王子的追求。（因為真愛還未出現啊～XD）
不久，一位披著斗篷的陌生人出現，並給公主送了一件禮物：藏了紡錘的一束玫瑰花。
從未見過紡錘的奧蘿拉，好奇地檢視著這個奇怪的禮物。然後開心雀躍地跳著舞。
沒想到跳著跳著～正如16年前的詛咒所言，奧蘿拉果然被藏在玫瑰花中的紡錘刺破了她的手指。
最初看起來奧蘿拉似乎沒事了，但隨著音樂急轉直下以及數次雙鈸擊響所帶來的不安與震撼，一次一次地音樂變慢又變快，也奧蘿拉逐漸體力不支，在定音鼓滾奏與雙鈸聲以低沉的銅管、快速弦樂聲下陷入昏迷，就這樣沈沈地昏睡了過去。
果不其然，這位披著斗篷的壞心陌生人就是邪惡仙女卡拉博絲，她出現就是為了應驗16年前的邪惡詛咒，喊叫著：「詛咒依然存在，公主已經死了！」
國王與皇后感到絕望之際，善良的紫丁香仙子出現，她再一次平息了皇宮裡的喧囂與不安，她告訴國王與皇后：奧蘿拉只是睡著了，不用驚慌。於是公主被抬上床睡覺，而紫丁香仙子接著對整個王國施下了一個睡眠咒語，這一切只有在奧蘿拉醒來時才會被打破，王國方能甦醒。
於是，一層厚厚的帶刺植物，逐漸生長披滿在皇宮上方，慢慢地將皇宮密密麻麻蓋滿，整個王國就這樣終於消失至看不見了。
第二幕（王子解咒願景）
轉眼間，一百年靜悄悄地過了。
德西雷王子（Désiré）正與同伴們參加一個狩獵派對。儘管他的同伴因為外出狩獵很顯得很快樂，但王子心情卻很不好，他突然想一個人獨處，靜一靜。
原來，這也是紫丁香仙子的法力。
紫丁香仙子選擇了德西雷王子來喚醒奧蘿拉公主。
她讓獨自一人的德西雷王子在森林裡遇見了自己，並向他展示了美麗公主的樣貌，德西雷王子立即被迷住了。（有的舞團會安排奧蘿拉公主出現，來一段德西雷王子與奧蘿拉公主的雙人舞）
紫丁香仙子解釋了情況，已然愛上了奧蘿拉公主的德西雷請求仙子帶他去見公主。
接著紫丁香仙子帶領德西雷王子找到了隱藏的城堡。
在魔咒解開之前，一整段由樂團首席小提琴獨奏的《間奏曲》（En'trate），非常困難，但實在美極了～
https://youtu.be/UvAVaJxrsbo?t=5617
進入城堡後，邪惡仙女卡拉博絲與眾黨羽再次出現，以法力試圖鞏固她的邪惡詛咒，但紫丁香仙子和王子最終設法一起擊敗了她。
德西雷以一個深吻喚醒了沈睡了百年的奧蘿拉公主。
這時，皇宮裡的其他人也都跟著醒了；當王子求婚而公主接受時，國王和皇后也都欣然同意。
第三幕（幸福快樂婚禮）
皇宮裡充滿了歡樂喜悅的氣氛，因為德西雷王子與奧蘿拉公主的皇室婚禮正在進行中。
現場熱鬧極了：與會嘉賓包括美麗的仙女們：鑽石、金、銀和藍寶石等仙子，當然還有紫丁香仙子。接下來更多的驚喜出現了，來自各個童話的主要角色紛紛出席：居然有穿靴子的貓、小紅帽、灰姑娘、藍鳥、藍鬍子、毛茸茸的瑞奇和大拇指湯姆，以及其他法國童話人物：美女與野獸、漂亮金髮姑娘與白貓等等，
其實這算跨童話的「夢幻場景」，在現在可能就像漫威與DC，復仇者聯盟與超人、蝙蝠俠、神力女超人等等齊聚一堂吧～哈哈
舞會裡，奧蘿拉公主與德西雷王子這對佳偶，更表演了一段盛大的雙人舞（Pas de Deux），以及盛大的團體舞蹈。（也有舞團會於此段舞蹈中加入紫丁香，形成三人舞）
最後在丁香仙子的祝福下，王子和公主結為連理，幸福快樂。（劇終）
芭蕾全劇版本欣賞
兩幕短版製作（一小時50分）
https://youtu.be/EDFlRq5RnbQ
葛濟耶夫指揮馬林斯基劇院與芭蕾舞團製作（2小時37分）
Princess Aurora: Alina Somova
Prince Désiré: Vladimir Shklyarov
The Lilac Fairy: Kristina Shapran
The Diamond Fairy: Sofia Ivanova-Skoblikova
Carabosse: Igor Kolb
Princess Florine: Oxana Skorik
Bluebird: Alexei Timofeyev
| Adagio 10:44
favorite dance 25:20 Rntrance of Aurora 43:35 玫瑰慢板 44:19 Carabosse anciana 1:01:01 1st Act ending 1:03:59 Prince Scene 1:17:14 Variación de Aurora 1:27:00 王子遇見紫丁香仙子 1:31:48 王子親吻公主1:39:52 第三幕開場 1:46:24 Blue bird 2:07:23 Grand Pas de deux 2:16:50 Pirouette 2:19:35 Coda 2:27:03 Last song 2:32:20 |
https://youtu.be/UvAVaJxrsbo
第一幕 奧蘿拉公主精彩獨舞
This clip features First Soloist of The Royal Ballet Fumi Kaneko (Princess Aurora) as broadcast live to cinemas in January 2020
https://youtu.be/DOpl9nMptPg
第一幕 著名的《玫瑰慢板》（Rose Adagio）
什麼是《玫瑰慢板》？ 無論是《吉賽爾》的足尖跳躍，《天鵝湖》的32鞭轉——古典芭蕾裡充滿了讓世界上最傑出的芭蕾舞者感到噩夢連連的困難時刻。（但是對觀眾來說則是「夢幻時刻」啦～） 在《睡美人》中，這最經典的一刻出現在第一幕的《玫瑰慢板》中，這同時是古典芭蕾中最著名（也是最危險的）時刻之一。 在《玫瑰慢板》這段編舞裡，因為每位王子將遞給奧蘿拉公主一朵玫瑰，並與之輪流舞蹈而得名。 奧蘿拉在這段舞蹈中，將與四位追求者輪流共舞，以決定她心中的最愛，想嫁給誰？ 佩蒂帕當年編舞時，編排了奧蘿拉與四位王子均舞出相同的舞步，這其實就像通關考試：好似在測試哪一個追求者將是奧蘿拉最好的舞伴～當然也是她的伴侶。 而《玫瑰慢板》又有什麼困難之處呢？ 主要是，奧蘿拉與四個追求者中的每一位王子舞蹈時，都需進行兩次轉體平衡：第一次是在舞蹈開始時，第二次則會在舞蹈結束前時。 這些平衡看似不難，但其實相當高難度：當奧蘿拉全時以足尖上站立時，每一個追求者王子均會與她行握手禮。然後奧蘿拉必須放開每一位王子的手，持續用單腳保持平衡，接著再抓住下一個追求者的手，而整個過程中，足尖單腳平衡不能失敗。 這是對古典舞蹈技術的考驗，也是對奧蘿拉舞蹈時獨立性的展示。 到了最後第三幕時，這套平衡舞蹈將在奧蘿拉公主與德西雷王子的雙人舞中重新出現：當在婚禮上兩人跳著雙人舞時，這一次，奧蘿拉不再持續單腳獨立，而轉變成了兩人貼身雙人舞時刻～這表明，這個男人最終是她的真愛。 這～就是幸福的展現。（真的好佩服佩蒂帕的編舞啊～～～）
https://youtu.be/qqejv_BQ7Zg
童話篇：
白貓與穿長靴的貓 雙人舞
https://youtu.be/omIZgkAPsPU
青鳥 雙人舞
https://youtu.be/WCvpfvwXxWI
小紅帽與大野狼
https://youtu.be/LmToL4F2DJ4
【影片欣賞】你所擁有的進步，與你所投入的時間成正比
Rio Anderson的芭蕾夢
全美芭蕾大賽銀獎的年輕芭蕾舞者Rio Anderson，14歲才開始學習芭蕾，經常每天哭著出教室再回來繼續練習。她努力多年後獲得獎項後， 在訪談裡說出的話，讓人感動：
「當我開始練習芭蕾時，我根本不是班上頂尖的學生
我從未想過能有今天的成就...
當我發現古典芭蕾時，我愛上了她
這樣說可能有點奇怪...
但我最喜歡芭蕾的地方是她的挑戰性
你所擁有的進步，與你所投入的時間成正比
而你所實現的進步取決於你努力的比例
你決定你有多努力
你決定實現多少進步
這一切都取決於你
這全部都在於你的決定
在芭蕾裡，這樣的獨立性與掌控感
是非常令人滿意的...」
https://youtu.be/T5rnD6u5EtY
【有片】各劇旋轉不停歇大合輯
管弦樂組曲
柴可夫斯基曾針對《睡美人》裡的優美段落，集結後再撰寫成為《睡美人組曲》op.66a
00:36 Suite Op.66a no.1 Introduction, La fée de lilas
5:32 Ballet Op.66 No.28b Adagio
10:03 Suite Op.66a no.3 Pas de caractere – Le chat botté
12:25 Suite Op.66a no.4 Panorama
14:58 Suite Op.66a no. 2 TH 324 Pas d’action: Rose Adagio
21:01 Ballet Op.66 Act III no.22 Polacca
25:15 Ballet Op.66 Act III no.21 Marche
28:46 Suite Op.66a no.5 Valse
https://youtu.be/EzCGjZZDW_o
優美的《睡美人》華爾滋
https://youtu.be/42WWTJgYcxc?t=700
《睡美人組曲》op.66a 鋼琴樂譜版本
0:30 I. Prologue
6:40 II. Dance of the Pages
8:28 III. Vision
9:40 IV. Andante
14:21 V. Silver Fairy
15:27 VI. Puss-in-Boots and the White Cat
17:51 VII. Gavotte
18:46 VIII. The Singing Canary
19:18 IX. Little Red Riding Hood and the Wolf
20:35 X. Adagio
25:04 XI. Finale
https://youtu.be/qd2wQndkSmM
補充資料
巴黎迪士尼樂園裡的「睡美人套房」 - 麥可傑克森也住過喔～XD
https://youtu.be/cpbULLLUtgA
Once upon a time...《睡美人》現代版
英國編舞家與劇場導演馬修·伯恩（Matthew Bourne ）現代版芭蕾舞劇《睡美人》，首演於2012年，同樣使用柴可夫斯基的音樂，但風格變為「歌德風」，劇情也徹底顛覆...睡美人被詛咒之後很快地就被王子喚醒，並且有能力一起對抗女巫...1911年邪惡女巫過世，大家以為這個魔咒也隨著他的過世而消失，沒想到...馬修·伯恩還為我們帶來了另一段全新的新時代愛情故事...
https://youtu.be/ziGUJXb5a34
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【BON音樂】蔚藍人文堂第119場Ｘ樂賞基金會 - 談管弦樂指揮（上）：向偉大經典致敬
【BON音樂】蔚藍人文堂第119場Ｘ樂賞基金會 - 談管弦樂指揮（上）：向偉大經典致敬
Tribute to great conductors
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蹦藝術 | BONART
主講：林仁斌（旅法音樂家．蹦藝術執行長）
講座時間 美西時間：週六 4/02晚上七點開始 台灣時間：週日 4/03上午十點開始
談偉大指揮家：向偉大經典致敬
前幾年看過一則音樂新聞：有位管弦樂團指揮向媒體「自首」說，自己在演奏中完全沒有發出任何聲音，因此實在不好意思領這麼高的薪水…
結果新聞報導出來後，形成了兩派截然不同的爭論：有人贊成，覺得既然不演奏，指揮應該減薪；有人反對，認為指揮肩負重任，主導整個音樂內容的呈現。
是的～管弦樂指揮這位「無聲的音樂家」，確實在舞台上音樂會演出的現場是無聲的一位；但指揮所肩負的任務，就像一艘船的船長或一家公司的CEO：他們不是負責去執行細項小業務，但卻得面對每個決策的成與敗。
然而，大眾評斷一位指揮的成功與否，看的究竟是舞台上的明星？還是排練中的大師？這些不同的觀點又有什麼區別？這就是本篇文章〈指揮簡史〉要細細帶領大家品味的關鍵了～
破題第一問：管弦樂指揮的薪情？究竟賺多少錢？
答：沒有固定薪資，隨著不同樂團與不同國家而異。
先別著急，筆者可是非常有誠意回答這個問題～只是隨著許多因素的改變，指揮的「薪情」確實有所不同是事實。
為了取得一個基準點，讓我們以國人最熟悉，職業音樂市場也高度成熟的北美薪資做介紹：
根據美國管弦樂管理網站顧問Drew McManus於2015年的文章“REVEALED: THE WEALTHIEST MUSIC DIRECTORS IN AMERICA”裡，依據以往直言風格，揭露了美國十大最高薪管弦樂團音樂總監名單～他的用意在於公布薪資結構，讓所有人知道行業裡的狀況，以及樂團財政透明，才能讓每一位音樂工作者獲得合理收入報酬。
他根據各樂團給國稅局之IRS Form 90s表格所整理出之美國前十大最高薪音樂總監/指揮，接下來我們一起看前三名：
第一名：國家交響樂團（National Symphony）
艾森巴哈（Christoph Eschen-bach）
年薪 $2,728,671 美金（加薪 41.02%）
第二名：芝加哥交響樂團（Chicago Symphony）
里卡多·穆蒂（Riccardo Muti）
年薪 $2,504,336 美金（加薪 15.65%）
第三名：芝加哥交響樂團（San Francisco Symphony）
邁可·提爾森·湯瑪斯 （Michael Tilson Thomas）
年薪 $2,364,775 美金（加薪 16.64%）
有沒有嚇一跳？平心而論，許多樂手平均10-20萬美元的年薪，以樂團首席來說，40萬美金左右的年薪已是頂尖；因此音樂總監收入非常高，屬於金字塔頂端的一群～無怪乎音樂總監之位人人覬覦。
而其實上面還不是最高薪的，接著筆者要公佈真正高手中的高手～指揮界薪資有史以來最高薪！
這位指揮的薪資不但高，而且打破歷史紀錄～2012-13年樂季他的法定年薪雖只有$1,505,052 美金（光本薪已直接名列當年全美第五名），透過資料顯示，達拉斯交響樂團於2013-14樂季，透過 Bajada Productions LLC.公司，確實支付了他高達美金511萬元（$5,110,538.），這已改寫管弦樂指揮年薪之歷史紀錄！
這位頂級音樂總監就是：梵志登 （Jaap van Zweden），也是現任紐約愛樂音樂總監/樂團指揮。
梵志登實際支領年薪超過500萬美金～這個數字已經遠遠超越他前一年年薪的三倍（前一年為150萬美金），打破美國有史以來的管弦樂團音樂總監最高薪紀錄！
註：在他之前最高薪為指揮家是洛林·馬捷爾（Lorin Maazel）於紐約愛樂卸任前最後一年所創下的 329萬美金天價（$3,291,791.）。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/top-paid-music-conductor-in-america/
再接再厲第二問：指揮的功能？到底都做些什麼？
讓筆者來為各位讀者們科普一下：
當我們以音樂人最熟悉的《新葛羅夫音樂辭典》網路版（2020.11月），輸入關鍵字「History of Conducting」後，會出現當代對指揮定義的「三大功能」：
- 指揮於演出時以指揮棒或雙手打出樂曲節奏。（the conductor beats time with his hands or with a baton in performance）
- 指揮透過彩排以及演出，進行音樂作品詮釋之決定。（the conductor makes interpretative decisions about musical works and implements these decisions in rehearsal and performance）
- 指揮參與音樂團體之行政事務。（the conductor participates in the administration of the musical ensemble）
因此，現代社會對於指揮的職責，往往多了「音樂總監」的實質意涵在內～無怪乎許多樂團的「樂團指揮」與「音樂總監」往往是同一人，因為音樂演奏的詮釋，實在無法多頭馬車進行，所以指揮家的高薪，往往代表著他肩上的重責大任。
三問：關於指揮的起源
若要談論指揮的緣起，除了在許多的歷史文物與圖文考古中可見的史料之外，一般來說會從中世紀的教會音樂說起：在教會儀式進行時，合唱團裡通常有一位領唱，或者一位負責以手勢帶領歌手們演唱之負責人，在功能上這應該就屬於指揮的源起了。
而音樂發展進入多聲部音樂（Polophonie）後，各聲部穿插流動，對位法讓音樂也更加複雜，因此指揮的功能益發重要。尤其進入巴洛克時期之後，音樂創作發展曲式再進入繁花錦盛時期：各種器樂曲式、樂團編制紛紛推陳出新，這時的「指揮」並不侷限一位音樂家站在樂團之前打拍子，往往樂團首席或鍵盤樂器演奏者，抑或是演奏出色之團員領導樂曲拍點，皆有可能。
四問：歷史上第一位拿著指揮棒指揮的音樂家？
早期的指揮用棒，其實較接近像是一根長棍，並非現代我們認知的現代指揮棒如此纖細。
法國17世紀路易十四時的宮廷樂長盧利（Jean-Baptiste Lully, 1632-1687）便因為指揮樂團時不慎揮棒上下敲打揮舞而打中自己的腳趾掌引發壞疽，最終感染了到大腦，最終導致死亡。
一般音樂史上認為第一位以現代指揮棒成功指揮樂團的是浪漫時期曾擔任萊比錫音樂院院長的音樂家孟德爾頌（Felix Mendelssohn, 1809-1847）。
不過其實有位德國音樂家比他更早從口袋中拿出棒子來指揮樂團，而且成果斐然，這位創舉音樂家是路易.史博（Louis Spohr, 1784-1859）：根據他的自傳，他於1820年赴英國倫敦的音樂彩排時，嘗試從外套口袋中拿出預藏的指揮棒帶領樂團，預示拍點以及速度，當晚音樂會並因他使用指揮棒統整樂團而取得相當大的成功喔～（註：https://www.wpr.org/shocking-conductor）
五問：指揮之於作品的直接影響
歷史上有作曲家，同時也擔任指揮家，因為最了解自己的作品，亦是創作的最佳詮釋者：海頓、莫札特、貝多芬、孟德爾頌、李斯特、布拉姆斯、柴可夫斯基、華格納、威爾第、馬勒、史特拉汶斯基等諸多作曲家，都曾親自指揮自己的作品演奏而名留青史。
六問：談指揮棒的使用
在此筆者想引用美國指揮家伯恩斯坦（Leonard Bernstein）曾說的話：「若一個指揮家使用指揮棒，則該棒必須成為活物，如有一股電流在其中，致使它的一小移動都成為有意義的移動。同樣地，若指揮家不用指揮棒，他就要靠雙手做到同樣的東西。無論有指揮棒與否，其表情必是首要，音樂上一定要顯得有意義。」
因此，無論持棒與否，「音樂上的意義」才是真正的首要之務；指揮家以自身肢體動作，將樂譜中的節拍、速度、強弱、力度、表情等等清晰地傳達出來～而「為音樂服務」更是指揮家精神上的最高指標。
孟德爾頌使用過之指揮棒
孟德爾頌也是首位以現代指揮棒指揮樂團的指揮家，1835年26歲時擔任萊比錫布商大廈管弦樂團指揮。
下方珍貴圖片，是目前珍藏於英國市政廳，1846年孟德爾頌使用過之指揮棒。
由於孟德爾頌的啟發，現代指揮棒發展雖然有材質、握柄與長短等多樣變化，但萬變不離其中：
七問：職務與功能變革
在白遼士的專書：「論管弦樂指揮與其藝術」（The Orchestral Conductor Theory of His Art）中，不但對於指揮的意義與功能有著清楚的論述，對於不同音樂的指揮手勢更是有著詳盡的解說；我們可以說到了此時期，管弦樂指揮終於不再只是一個拿著各種材質指揮棒（鯨魚骨、木頭等）在樂團前負責打拍子的人體節拍器，而是已實質上進化為「指導、「指示」音樂方向與內容，統整樂團邁向共同詮釋的音樂家。（關於指揮的指示方式，可觀看此備註：http://www.gutenberg.org/files/27646/27646-h/27646-h.htm）
八問：什麼是《指揮十誡》？
理查·史特勞斯這位浪漫後期大師，除了作曲家身份之外，本身也是位傑出的指揮家，他曾說：「指揮是項極其困難，人生未達70歲之前很難充分理解的藝術。」、「最重要的是以「耳朵」指揮，而不是「手臂」；若做對了一切就將順其自然地正確。」
理查·史特勞斯論指揮：
- 指揮是項極其困難，人生未達70歲之前很難充分理解的藝術。
- 最重要的事以「耳朵」指揮，而不是「手臂」；若做對了一切就將順其自然地正確。
著名的《指揮十誡》
理查·史特勞斯身為知名管弦樂團指揮，曾寫下《指揮十誡》：
首先看看理查·史特勞斯的指揮姿態
輕鬆指揮的大師
從影片中，我們可以看到他的指揮基本上是「一派輕鬆」，「眼手並用」。
還聽說他指揮時可以左手插在口袋，或拿出懷錶看看時間，左看看右看看～開心的時候更用雙手齊揮，甚至也掂起腳尖一起「加入」樂團演奏…（其實影片中也看得出來 XD）
這位近代後期浪漫樂派大師，曾經以自身經驗歸納出指揮樂團的心得，除了上述兩點之外，他總共擬出了十條樂團指揮的金科玉律，更被尊稱為《指揮十誡》。
對比於現在的樂壇指揮各式各樣「花式指揮法」來說，重看《指揮十誡》，其實非常有意思。
無論是非，沒有對錯～讓我們一起來看看這《指揮十誡》究竟有哪些吧：
-
1. 請記得，演奏音樂的目的不在於娛樂自己；而是取悅聽眾。（Remember that you are making music not to amuse yourself, but to delight your audience.）
-
2. 指揮自己不應出汗；只有觀眾才應該感到音樂的熱力。（You should not perspire when you are conducting; only the audience should get warm.）
-
3. 演奏《莎樂美》與《伊蕾克特拉》時，要如同孟德爾頌神幻音樂般詮釋。（Conduct Salome and Elektra as if they were Mendelssohn; fairy music.）
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4. 對銅管樂手絕對不要投以鼓勵的眼神；除了重要段落的提示，否則千萬別與他們對上眼。（Never look at the brass encouragingly; except with a quick glance for an important lead-in.）
-
5. 反之，千萬別讓法國號和木管離開你的視線，如果你聽到他們的聲音，那就表示已經太大聲了。On the contrary, never let the horns and woodwind out of your sight; if you hear them at all they are already too loud.
-
6. 如果你覺得銅管力度不夠，就將他們的音色調暗。If you think the brass is not strong enough, tone them down two points further.
-
7. 只有你自己聽見獨唱者的每個咬字是不夠的；因為你已經背妥歌詞。要讓觀眾毫不費力地跟得上音樂～因為如果他們不了解歌詞的含意，馬上就會睡著。It is not enough yourself to hear every word of the singer–which you know by heart anyway; the public must also be able to follow it without effort. If they don’t understand what is happening, they fall asleep.
-
8. 樂團伴奏必須要讓聲樂家能毫不費力地演唱。Always accompany the singer so as to enable him to sing without exertion.
-
9. 當你認為速度已經達到最急板極限時，再讓速度加快一倍。When you think you have reached the limits of prestissimo, double the pace.
-
10. 如果你遵守以上的規則，再加上自己的天賦和成就，就能永遠成為觀眾們的明星寵兒。If you follow these rules carefully, you will, with your fine gifts and your great accomplishments, always be the darling of your listeners.
九問：首位女性指揮？
嗯～這是個非常重要的問題。在維基百科上我們剛好可以看到這項問題的專頁，洋洋灑灑資訊非常豐富，列舉歷史前三：
1.第一位歷史最早的女性指揮：Elfrida Andrée（瑞典）
2.第一位被職業樂團任命為音樂總監/首席指揮的女性：Marin Alsop（美國）
3.第一位指揮倫敦交響樂團的女指揮家：Nadia Boulanger（法國）
（註：https://en.wikipedia.org/wiki/List_of_female_classical_conductors）
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/the-conductor-movie/
十問：合唱指揮與管弦樂指揮的分野
不知何時開始，突然間許多人對於「合唱指揮」與「管弦樂指揮」之間，不但壁壘分明而且相當計較？
筆者曾聽過一個說法：因為合唱指揮往往將合唱團訓練完成之後，「送給」交響樂團彩排演出，但最終舞台上卻只有交響樂團指揮指揮全局，先前辛苦訓練合唱的「合唱指揮」因為無法上台表演，經常只能在節目單上掛著「合唱指導」…
也許多年來的新仇＋舊恨，讓這兩派指揮不斷處在「合作」與「競爭」之間。
但也可以從另一角度切入，就是確實指揮合唱與指揮管弦樂團，從訓練方法、甚至拍點給法與音樂詮釋方式都完全不同；因此項目分開、各司其職，或許反而是個好的做法？
無論是非，沒有絕對的對與錯～相信今天的〈指揮簡史〉帶來這麼多豐富話題，從指揮源起聊到實務，從十誡聊到年薪，期待能讓愛樂的您增添許多閱讀樂趣～我們下回再見！
（原文由林仁斌撰寫，刊載於表演藝術雜誌第336期 / 2020年12月號封面故事 Cover Story 指揮．不指揮╱指揮概述《十個問號，掀開「他」的神秘面紗 關於「無聲音樂家」的小秘密》）
指揮談指揮．妙趣無窮
Itay Talgam: Lead like the great conductors
https://youtu.be/R9g3Q-qvtss
偉大指揮家紀錄片
| 00:25 Arturo Toscanini, NBC Symphony Orchestra, Beethoven Symphony No.5
00:59 Herbert von Karajan, Berlin Philharmonic Orchestra, Beethoven Symphony No.5 01:54 Otto Klemperer, Baden-Baden Philharmonic, Beethoven Symphony No.5 02:28 George Szell, Chicago Symphony Orchestra, Beethoven Symphony No.5 03:11 Leonard Bernstein, London Symphony Orchestra, Shostakovich Symphony No.5 04:40 John Barbirolli, Halle Orchestra, Bruckner Symphony No.7 06:40 Thomas Beecham, Royal Philharmonic Orchestra, Faust (Gounod) 11:26 Arthur Nikisch – no Sound 12:38 Richard Strauss, Vienaa Philharmonic, Till Eulenspiegel 15:33 Felix Weingartner, Paris Symphony Orchestra, Die Freischutz Overture (Weber) 24:54 Fritz Busch, Dresden Staatskapelle, Tannhauser Oveture 35:50 Bruno Walter, Berlin Philharmonic, Mozart Symphony No.40 38:12 Bruno Walter, Vancouver Festival Orchestra, Brahms Symphony No. 2 45:15, Otto Klemperer, Philharmonia Orchestra, Egmont Overture 47:01 Otto Klemperer, New Philharmonia Orchestra, Beethoven Symphony No.9 50:23, Wilhelm Furtwangler, Berlin Philharmonic Orchestra, Die Meistersinger Overture 52:19, Wilhelm Furtwangler, Berlin Philharmonic Orchestra, Schubert Symphony No. 8 56:43, Wilhelm Furtwangler, Berlin Philharmonic Orchestra, Brahms Symphony No. 4 59:58 Arturo Toscanini, NBC Symphony Orchestra, La Forza del Destino Overture 1:07:05 Arturo Toscanini, unknown orchestra, La Traviata 1:08:28 Arturo Toscanini, Unknown Orchestra, The Pines of Rome 1:10:34 Leopold Stokowski, BBC Symphony Orchestra, “Dido’s Lament” from Dido and Aeneas (Purcell – Stokowski) 1:14:38 Leopold Stokowski, New York Philharmonic, Tchaikovsky Symphony No.5 1:17:04 Leopold Stokowski, BBC Symphony Orchestra, Toccata and Fugue in D minor 1:19:15 Serge Koussevitsky, Boston Symphony Orchestra, Egmond Overture 1:24:18 Fritz Reiner, New York Philharmonic, Tchaikovsky Violin Concerto (with Jascha Heifetz) 1:26:30 Fritz Reiner, Chicago Symphony Orchestra, Beethoven Symphony No. 7 1:32:45 George Szell, Cleveland Orchestra, Academic Festival Overture 1:39:01 George Szell, Cleveland Orchestra, Beethoven Symphony No. 5 1:40:45 Herbert von Karajan, Berlin Philharmonic Orchestra, Beethoven Symphony No. 5 1:46:12 Herbert von Karajan, Berlin Philharmonic Orchestra, La Mer 1:47:49, Leonard Bernstein, Vienna Philharmonic Orchestra, Mahler Symphony No. 4 1:49:52 Leonard Bernstein, London Symphony Orchestra, Shostakovich Symphony No. 5 1:53:37, Unknown Conductor (looks like Karl Bohm from behind), Unknown Orchestra, Beethoven Symphony No. 9 |
https://youtu.be/LYnqU4AJvtA
卡洛斯.克萊柏 紀錄片
https://youtu.be/Ta8Tqjn7Suo
Stokowski Rehearsal - Barber 'Adagio for Strings'
https://youtu.be/gDrm809p2u4
史特拉汶斯基指揮《火鳥》最後三場景
伯恩斯坦主持/紐約愛樂
https://youtu.be/IrMGqAmjbug
地獄式版本比較
在這部影片裡，一共有43種貝多芬第五號交響曲《命運》的開頭樂段「三短一長」的各種精彩演奏還有不同指揮家詮釋與思維，手勢與動作。
有快有慢，有激情有冷靜，仔細比較後真的非常有趣；相信愛樂的您，一定也很喜歡這段壞壞的影片吧～
先讀一下管弦樂樂譜
https://youtu.be/ltzWeNyLWn8
【BON話題】20位史上偉大指揮家
【BON話題】50位史上偉大指揮家
Q&A時間
補充資料
伯恩斯坦告誡年輕指揮：不要假裝
https://youtu.be/e2t9A83i6b0
Vocalist Disagrees With Bernstein's Tempo
https://youtu.be/f32bhICi-zI
《西城故事》錄音紀錄片 - 伯恩斯坦與卡列拉斯
https://youtu.be/UoKZlcidbms
要求三角鐵的音色
https://youtu.be/ebf6_7nHciw
Herbert von Karajan - Beethoven's 9th Symphony - Rehearsal 30.12.1977
https://youtu.be/nMWHqB1gxQg
演出時的卡拉揚
https://youtu.be/EfuBE5EPMZs
領教一下托斯卡尼尼的彩排
https://youtu.be/i-1KtSOwLXE
蕭提與彩排與演出 -《展覽會之畫》
https://youtu.be/bF30XA3OUEQ
柴利比達克「光榮回歸」柏林愛樂
Celibidache in rehearsal with the Berliner Philharmoniker
https://youtu.be/KOq_mSIvlbI
貝姆指揮《唐璜》彩排與演出
Strauss "Don Juan" - Karl Bohm with Vienna Philharmonic (Rehearsal and Concert)
Recorded at the Grosser Musivereinssaal, Vienna- 17-18 September 1970
https://youtu.be/SKqPrtLLHLQ
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【BON音樂】布拉姆斯：《悲劇序曲》（Tragische Ouvertüre）op.81
【BON音樂】布拉姆斯：《悲劇序曲》（Tragische Ouvertüre）op.81
Brahms: Tragische Ouvertüre op.81
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延伸閱讀
布拉姆斯四大創作階段
布拉姆斯（Johannes Brahms, 1833-1897）是浪漫時期德國作曲家裡的中流砥柱，更被譽為「浪漫時期中的古典主義」，一般而言，他的創作時期可分為四大階段，年份分類方式依研究者而略有差異，在本篇文章中，抓取整數年份：
創作早期：1840-1860年（27歲之前）
此時的作品主要以歌曲及鋼琴曲為主，他的C大調第1號鋼琴奏鳴曲，op.1 創作於1852-1853年，題獻給好友姚阿幸。而d小調第1號鋼琴協奏曲則創作於1858年。
成熟時期：1860-1870（37歲）
此階段重要的作品有《德意志安魂曲》op.45、《帕格尼尼主題變奏曲》op.35、《海頓主題變奏曲》op.56等等
巔峰時期：1870-1890年（47歲）
這段時期是布拉姆斯創造力最旺盛的巔峰階段，重要作品有：四首交響曲、D大調小提琴協奏曲、《大學慶典序曲》op.80與《悲劇序曲》op.81等等
晚期：自1890年起自1897年逝世
晚年的沈寂與內化，布拉姆斯的寫作作品規模趨於短小精緻，有多首鋼琴作品《幻想曲》、《間奏曲》等，以及以單簧管為主的室內樂作品。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-academic-festival-overture-op-80/
關於創作過程
在接受到波蘭德語區的布列斯勞大學（University of Breslau）將頒發榮譽博士學位給自己之後，布拉姆斯原本想寫張謝卡就動身前往領取學位。但布列斯勞大學希望布拉姆斯身為當代備受敬重的嚴肅音樂作曲家，能夠得到作曲家的作品作為學位的回禮，也更顯得學位頒發正式而隆重。
於是布拉姆斯寫了這首長約十分鐘的《大學慶典序曲》，布拉姆斯在 1880 年夏天開始動筆， 並在 1881 年 1 月 4 日於布雷斯勞大學首演。
詳細過程： 兩次獲頒榮譽博士 1872至1875年，他擔任維也納音樂之友協會的音樂總監。1868年布拉姆斯的大型合唱作品《德意志安魂曲》的首演鞏固了作曲家在歐洲音樂界的地位。許多人認為他超越了貝多芬。1876年布拉姆斯更完成了第一號交響曲，四十年磨出最為鋒利一劍，更被譽為「貝多芬第十號」。 第一次是在1877年，英國劍橋大學要頒發榮譽博士學位給布拉姆斯，但因為程序複雜且要求布拉姆斯要親自要英國領取學位，布拉姆斯因為無法赴英國親自領取榮譽博士學位而拒絕了劍橋大學的名譽音樂博士學位。 第二次是在1879年3月，位於波蘭境內，波蘭德語區的布列斯勞大學（University of Breslau）因布拉姆斯的音樂傑出成就，要頒發榮譽博士學位給他，並在頒授要點中不附帶任何條件，並稱布拉姆斯為「當時德國嚴肅音樂創作上的第一名家」。 原本布拉姆斯要回寫一張明信片表達謝意，但布雷斯勞大學其實期望布拉姆斯能相贈一首新曲，在友人建議之下，布拉姆斯也正面回應大學的期望，寫了這首長約十分鐘的《大學慶典序曲》，布拉姆斯在 1880 年夏天開始動筆， 並在 1881 年 1 月 4 日於布雷斯勞大學首演。 這～就是《大學慶典序曲》的創作背景。（嘿嘿嘿..當初.劍橋大學還規定布拉姆斯一定要親自到校領取榮譽博士學位才要授與他學位，如果知道因此錯失了這首名曲，應該很扼腕吧～XD） 布雷斯勞大學頒授學位原因所稱的 「嚴肅音樂」，所強調的正是布氏那種源自傳統的嚴謹、保守的作風。然而在寫作這首序曲時，為了使其具有一種富於青春氣息的校園氣氛，布拉姆斯暫時放棄了他那一向嚴謹深沉的曲風，而採用「混合自由曲式」（pot-pourri）這種較為自由的曲式（ABCDE…等），布拉姆斯將當時一般大學生都耳熟能詳的四首「校園歌曲」串連在一起。
《大學慶典序曲》完成後， 一向喜歡「在薄暮森林深處幻想著法國號低鳴」，創作嚴肅音樂的布拉姆斯，或許始終覺得此曲顯得有些輕浮，於是便趕忙創作了另一首比較暗晦，結構更為緊密的《悲劇序曲》（Tragic Overture） 作為心裡補償，後來他也自稱：「這兩首序曲，一首在歡笑，另一首在啜泣。」
簡說音樂會序曲
所謂「序曲」，一般通常是指歌劇演出前的開場管弦樂序曲（Ouverture），但也有不少序曲是單獨寫作的管弦樂「音樂會序曲」，例如孟德爾頌的《仲夏夜之夢》序曲、《芬加爾洞窟》序曲與柴可夫斯基的《羅密歐與茱麗葉幻想序曲》、《哈姆雷特幻想序曲》等等，就是「音樂會序曲」的最佳實例。
《新葛夫音樂辭典》對「音樂會序曲」之詞條的解釋：
序曲中發展出來的一種特殊樂種，其規模類似歌劇或戲劇序曲，為單樂章的管絃樂作品，並常常附帶著標題，暗示著文學或其他描述性的內容。
因此，音樂會序曲與一般普通序曲最大的不同之處，就在於「獨立的存在」。並且依據標題與文字的不同，我們可以充滿感受到作曲家所賦予本作品的文學性、藝術性之獨特意義，從中感受此作品之獨一無二。
而李斯特更把「音樂會序曲」進化發展為「交響詩」，成為了完全獨立的單曲交響作品。
關於首演
《悲劇序曲》完成於1880年夏天，並於作曲家總結樂譜之後，由指揮家漢斯·里希特（Hans Richter）首演於同年12月26日，維也納。
管弦配器
管弦編制為兩管編制。
樂曲架構
《悲劇序曲》共包含三大段落，以d小調寫成。
第一部分：不甚快的快板（Allegro ma non troppo）
第二部分：非常中等溫和的（Molto più moderato）
第三部分：回到最初速度但寧靜的（Tempo primo ma tranquillo）
BON話題：兩大作品超級比一比
貝多芬第五號第四樂章最後段落，低音管奏出的弱起拍主題
https://youtu.be/yKl4T5BnhOA
布拉姆斯《悲劇序曲》第二小節弱起拍第一主題
https://youtu.be/3ixfKBIkz1U
貝多芬第五號第四樂章 最後結束樂句
https://youtu.be/yKl4T5BnhOA?t=1750
布拉姆斯《悲劇序曲》最後結束段落
https://youtu.be/3ixfKBIkz1U?t=838
音樂上與貝多芬相似之處
貝多芬這位管弦樂巨人，不但留下了九座高山給所有後人，更給後輩音樂家們留下無數難以超越之標準。布拉姆斯除了在音樂上向貝多芬看齊之外，我們亦能在「先悲傷而後喜悅」、「先小調而後大調」「充滿奮鬥精神的樂曲內涵」這些顯著的特色中，發現在布拉姆斯心裡，始終有貝多芬的影子～值得愛樂朋友們在聆聽這些作品時慢慢欣賞、觀察。
樂譜版本欣賞
卡拉揚與柏林愛樂
Herbert von Karajan | Berlin Philharmonic
https://youtu.be/3ixfKBIkz1U
音樂會版本欣賞
伯恩斯坦與維也納愛樂
https://youtu.be/siYoz9CLA2c
丹尼爾.加提與阿姆斯特丹大會堂管弦樂團
Brahms: Tragische Ouvertüre - Royal Concertgebouw Orchestra
https://youtu.be/TQ5NEdUiIec
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：柴可夫斯基三大芭蕾舞系列之一：《天鵝湖》Swan Lake
【BON音樂】大人的音樂欣賞：柴可夫斯基三大芭蕾舞系列之一：《天鵝湖》Swan Lake
The Ballet "Swan Lake"
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蹦藝術 | BONART
你喜歡優美曼妙的芭蕾舞嗎？
你對結合劇情與舞蹈的芭蕾舞劇有興趣嗎？
那就跟著老師的腳步，一起回到那段大放異彩的芭蕾音樂時期！
《大人社團》與蹦藝術攜手合作的音樂欣賞課，這一期將探索芭蕾音樂。你會認識世界三大芭蕾舞劇《天鵝湖》、《睡美人》、《胡桃鉗》以及現代芭蕾的先驅《火鳥》《彼得路希卡》。林仁斌老師將帶領學員們認識這種結合舞蹈、音樂與劇情的音樂類型。好好感受芭蕾音樂的豐富內涵，更進一步了解創作背景以及芭蕾舞蹈的特色，聽懂樂曲的編排，了解作者的風格與巧思；搭配影音欣賞及講義解說，無論你是否有基礎，都能和音樂更靠近！邀請你透過線上直播的方式，加入音樂與表演藝術的世界，讓生活更加繽紛！
2022年林仁斌老師近期課程
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
本期的音樂欣賞課，超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師將帶領大人認識當代著名的音樂演奏家。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大演奏家為主題，讓學員透過音樂家的個人經歷及音樂作品，了解他們詮釋音樂的獨特方式。你會更了解世界知名的男高音帕華洛帝，也會認識極具天賦的知名女性小提琴家慕特與小提琴大師帕爾曼，以及當代鋼琴家葛莉茉及卡蒂雅，細細品味音樂中的豐沛的情感，也了解演奏家的際遇為他們的音樂上了哪些色彩，更為自己的生活注入更多繽紛。
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第一堂：柴可夫斯基三大芭蕾舞系列之一：《天鵝湖》
俄羅斯作曲家柴可夫斯基，除了精彩的交響作品之外，更在芭蕾舞音樂中留下鉅獻。《天鵝湖》無疑是世界上最廣為人知的芭蕾舞劇，再加上後世的各種改編作品，其知名程度幾乎與芭蕾舞直接畫上等號。在《天鵝湖》中芭蕾女伶需要一個人分飾黑天鵝與白天鵝兩個角色，是難度相當高的挑戰。柔媚婉約的白天鵝，極具魅力的黑天鵝及精彩的「32鞭轉」，加上細緻動人的主題音樂，交織出這部芭蕾舞音樂中的經典。老師將帶領學員一起認識《天鵝湖》的創作背景與精彩音樂。
作曲家：柴可夫斯基
https://bonart.com.tw/russian-composer-pyotr-ilyich-tchaikovsky/
| 柴可夫斯基三大芭蕾舞劇 |
創作過程與首演
1875年，柴可夫斯基還任教於莫斯科音樂學院。他的好友貝吉耶夫（Begichev），也是莫斯科大劇院的藝術總監邀請他創作為大型芭蕾舞劇《天鵝湖》音樂，當時的酬金是八百盧布。經過一年創作，柴可夫斯基於1876年完成。《天鵝湖》芭蕾舞劇由波修瓦巴蕾舞團（Bolshoi Ballet）於波修瓦歌劇院（Bolshoi Theatre）於1877年2月20日在莫斯科首次公演。由於許多因素並未成熟，當時首演並不成功，直至後來此劇漸漸受到肯定，並最終成為柴可夫斯基最為不朽的芭蕾名作。
演出版本
《天鵝湖》自首演以來陸續以許多不同的版本呈現，但現今多數芭蕾舞團的服裝、佈景、編舞、劇情與音樂都基於柴可夫斯基過世之後的1895年馬呂斯·佩蒂帕 (Marius Petipa) 和列夫·伊万諾夫 (Lev Ivanov) 的版本，該版本於1895年1月15日在聖彼得堡的馬林斯基劇院首次演出，由帝國芭蕾舞團擔綱演出。
而當次演出時，柴可夫斯基所創作的樂譜也曾由聖彼得堡帝國劇院的首席指揮兼作曲家里卡多·德里戈（Riccardo Drigo）進行了修訂。
不同結局
有關天鵝湖的結局，大致有兩種版本，喜劇與悲劇。
悲劇結局．魔法師獲勝，王子與公主雙雙殉情。
喜劇結局．魔法師失敗，王子與公主解除魔咒，從此擺脫魔咒，過著幸福快樂的生活。
但也看過許多文章，發現居然《天鵝湖》可能有九種不同結局（驚～），以下整理各種結局：（文章出處：9種天鵝湖大結局，你看過幾個？| 芭蕾舞姬之死） ㄧ、皆大歡喜。王子戰勝魔王，與公主在一起 二、公主拒絕王子。公主不肯原諒王子，王子摘去她的王冠。 三、男版天鵝湖。天鵝們一擁而上戰勝魔王。 四、皆爲幻象，王子自殺。所有人物都是王子心中的幻象。 五、王子被殺死，公主被擄走。王子搏鬥失敗，望着公主被擄走。 六、王子被擄走，公主獨傷心。王子和魔王消失在暴風雪之中。 七、王子誤殺公主。王子準備射殺魔王，卻誤殺了公主。 八、男版天鵝湖，魔王被羣毆，眾天鵝們一擁而上戰勝魔王。（展現鄉民的力量） 九、前所未見～黑白天鵝正邪交鋒 十、白天鵝負氣離開，王子黑化後與黑天鵝在一起。 OMG...你看看 妳看看 這黑化之後的王子，身披黑色斗篷還開心地牽著黑天鵝的手...XD
【有片專訪】港芭全新創作《天鵝湖》 世界首演 黑白天鵝正邪交鋒 傳統中求突破
https://youtu.be/DAp7Rrdu5ao?si=dPjgGqKs9Ddo1Bvb
極具話題的「黑天鵝32鞭轉」
《天鵝湖》，是所有喜愛芭蕾舞的朋友們絕對不會錯過的舞碼。劇中女主角需一人分飾兩角黑天鵝與白天鵝之挑戰，「著名的32鞭轉」高難度舞蹈動作，源源不斷的柴可夫斯基美妙音樂以及充滿戲劇張力的劇情，都令全球風靡不已。
我們現在熟悉的《天鵝湖》，是1895年於聖彼得堡的馬林斯基劇院重新編舞演出的版本，當年由佩堤帕及伊凡諾夫兩人重新編排全劇舞蹈，雖然結局不一，有喜劇有悲劇版，但不同結局並不影響觀看整部芭蕾舞劇觀感，主要端看舞團製作如何選擇。
劇情摘要 純愛對抗黑暗的悲情《天鵝湖》 由西歐傳說故事改編的《天鵝湖》舞劇，情節簡單：公主奧黛特（Odette）被魔法師羅斯霸特（Von Rothbart）施下惡咒變成天鵝，她與同伴們只能在午夜過後短暫地恢復她們原本的少女形象。一晚她在湖邊偶遇王子齊格菲（Siegfried），王子對她一見鍾情並發誓替她解除魔咒。城堡的舞會中，齊格菲銜命選妃；羅斯霸特以騎士裝扮帶著女兒奧迪兒（Odile）一起出現，後者化身為面貌酷似奧黛特的黑天鵝。齊格菲不察，受其魅惑而宣布與她訂婚；接著奧黛特現身。齊格菲這才驚覺自己打破了對公主的誓言，急忙趕往湖邊。在此，奧黛特與同伴們哀嘆著自己的命運。齊格菲對愛人坦承不忠，最終得到公主寬恕。然而在羅斯霸特興風作浪的魔法下，這一對情侶仍慘遭溺斃。 當然也有Happy Ending的版本：齊格菲勇鬥羅斯霸特，破除魔咒，解救了奧黛特與同伴。亦還有添加序幕的版本：奧黛特與同伴在湖濱摘花，驚逢羅斯霸特邪惡的施咒將她們變成天鵝。（取自PAR雜誌由芭蕾研究者李巧介紹文）
《天鵝湖》劇情敘述
這是個關於王子、天鵝公主與與魔法師的故事
一切就開始於很遙遠、很遙遠的國度
這天，是齊格弗里德王子21歲的生日
就在王子與朋友們一起玩樂時，皇后駕臨了
皇后告訴王子，他必須在中多公主之中挑選一位作為他的王妃，並開始學習治理國度
此時意識到自己就要告別自由自在生活的王子，卻只想逃避離開...
齊格弗里德王子悶悶不樂地離開皇宮，並來到了陌生的森林
就在此時，一群天鵝從他的以前天空飛過
這群天鵝是如此耀眼，美得非常特別，王子看呆了
於是他忍不住追隨這群天鵝，進入了森林的更深處，他不曾離開皇宮如此遙遠
就在眾天鵝中，有一隻特別耀眼而美麗，她的羽毛在眾鵝之中，更是顯得如此閃耀迷人...
王子在樹林裡停下了腳步，呆呆地欣賞著
樹葉也在此時飄落著
但樹葉間隙，讓他看見閃閃發光的湖泊
天鵝群就休息而群聚在水邊
隨著天色變暗，神奇的事情發生了～這群天鵝開始逐漸顯露出人的模樣
連湖水也開始斯乎隨著天鵝而開始發出歌唱
四隻小天鵝就這樣翩翩起舞...
逐漸地，夜幕低垂
最美麗的那隻天鵝也變為一位美麗絕倫的公主
看見了齊格弗里德王子
她說：「歡迎來到天鵝湖」「這裡很少有訪客，我是奧黛特公主」「因為被邪惡的魔法師施了魔法，白天我們便變成天鵝，到了晚上才能變回人形...」
到底是誰如此邪惡，齊格弗里德王子生氣地大喊著
「是魔法師羅斯霸特的詛咒，他很邪惡，還會化身為貓頭鷹的模樣」奧黛特說
「該怎麼解除這個詛咒呢？」齊格弗里德王子問
「真愛，只有真愛的承諾，才能破解。」
王子覺得奧黛特公主如此耀眼，實在美極了，便邀她共舞，一顆心也漸漸地飛到了她身上...
但就在黑暗中，魔王羅斯霸特暗暗地觀察著...
羅斯霸特看出，眼前這兩位青年男女似乎愛上了對方，
便開始想方設法要破壞兩人
於是他現身，施了咒語讓天鵝們亂飛
硬生生地讓王子與公主分開
「今晚，請妳到我的皇宮裡！」王子大喊著（我一定要選妃娶到妳啦～）
於是王子被魔法驅逐出森林，也回到了宮殿等待著奧黛特公主的來臨...
齊格弗里德王子回到皇宮之後，皇后早已安排盛大的舞會，邀請各國佳麗蒞臨登場跳舞，要讓心愛的兒子挑選出自己的最愛
王子看著一位又一位公主佳麗上場舞蹈，但絲毫提不起興致，因為經過森林的相遇，他一顆心早已心屬奧黛特
以下為第三幕劇情，穿插筆者另一篇文章
https://bonart.com.tw/2019-classical-ballet-swan-lake-at-taipei/
就在突然間，王子看見了一位與非常奧黛特非常相似的黑衣公主，心跳加速...
與在森林時的白衣不同，但分明就是同一人
身上的禮服同樣閃閃發光，也耀眼動人～這似乎就是森林裡他愛上的奧黛特，不是嗎？王子心兒怦怦地跳著
但這位黑天鵝，是由魔法師女兒奧迪兒所假扮的公主，她的現身就是要讓王子錯亂，進而破壞真愛的魔咒
奧迪兒一步一步走向舞池中央，也吸引了所有人的目光
美麗的黑衣公主奧迪兒似乎有點跟穿著白衣時有點不一樣
但王子實在太開心了，便不疑有他地將所有的注意力關注在她身上
黑衣公主奧迪兒開心地與王子跳著舞，
舞著舞著，奧迪兒實在太美太耀眼～王子一顆心再次飄到她身上
就在介紹給皇后這是自己的愛人之後，王子跪下求婚，許下愛的誓言...
但是這一切完全就是魔法師的詭計！
現在，邪惡的詛咒將使王子與黑天鵝奧迪兒結婚，而不是白天鵝奧黛特
珊珊來遲的奧黛特在窗外見到了這一幕，傷心欲絕
此時，羅斯霸特與女兒奧迪兒奸計得逞，狂放地笑著...
奧迪兒在大笑中，與魔法師一同離開了皇宮，留下了錯愕的王子與眾人...
王子發現自己鑄下大錯，便追了出去
即使是向奧黛特百般解釋，但確實他已經向奧迪兒許下婚姻的終身承諾，
魔咒已不能解
這時候王子想到一個辦法：如果能夠打倒邪惡的魔法師，是否就能打破這個詛咒呢？
此時羅斯霸特也已然趕到森林，王子便與他開始決鬥...緊張氣氛瀰漫全場
最後結局大致以悲劇或喜劇這兩大走向為主：
悲劇結局．魔法師獲勝，王子與公主雙雙殉情。
喜劇結局．魔法師失敗，王子與公主解除魔咒，從此擺脫魔咒，過著幸福快樂的生活。
芭蕾舞劇．故事分幕
（取自維基百科《天鵝湖》）
- 第一幕
王子齊格弗里德（Зигфрид）在生日前夕，其母親告訴他，已成年的齊格弗里德要在第二天選一位新娘。而到了晚上，王子去天鵝湖捕獵天鵝。
- 第二幕
齊格弗里德遇上被羅特巴特（Ротбарт）施咒的公主奧傑塔（Одета）。她白天是天鵝，晚上卻會化成一位少女。只有當某位男子真誠地愛上她時，她才能得救。齊格弗里德邀請她第二天晚上來參加舞會，並會向母親表示，願意娶奧傑塔為妻。
- 第三幕
各國的公主和使節都來出席齊格弗里德的生日宴會。羅特巴特也帶著他的女兒奧吉莉亞（Одилия）來了。奧吉莉亞顯示的是奧傑塔的形象，只是身著黑裝。齊格弗里德被迷惑並與她締結了婚約。當齊格弗里德意識到這一切的時候，大為震驚，並立即趕往天鵝湖。
- 第四幕
王子請求奧傑塔的寬恕，而奧傑塔也原諒了他。這時羅特巴特用魔法捲起大浪，要淹死齊格弗里德。奧傑塔為了救他縱身躍入湖內。根據導演編排的不同，結尾也不一樣：或者是雙雙逝去形成悲劇式的結尾（或王子被魔王打敗），或者是天鵝恢復人形，王子救起公主，愛情終於戰勝了邪惡。
動畫版《天鵝湖》故事（參考用）
https://www.youtube.com/watch?v=ppgNpAGganI
芭蕾全劇版本欣賞
https://youtu.be/6LKyWPmtX7Y
選段欣賞
黑天鵝獨舞
Swan Lake - Odile/Black Swan solo (Natalia Osipova, The Royal Ballet)
https://youtu.be/3SKLSOGtayE
第三幕雙人舞
Swan Lake - Coda from the Black Swan pas de deux in Act III (The Royal Ballet)
https://youtu.be/XfmSv0z205s
補充資料
| 2015年5月7日 烏里安娜·洛帕特金娜演出精華版
王子：Yevgeny Ivanchenko 魔王：Andrey Ermakov |
推薦紀錄片《天鵝湖畔的芭蕾伶娜》
法國紀錄片女導演馬琳尤奈斯庫的作品。電影《黑天鵝》主角原型的俄羅斯首席舞星烏里安娜洛帕特金娜（Ulyana Lopatkina），舞出無數經典，是現今古典與現代芭蕾皆遊刃有餘的傳奇舞星。本片是以她為主角的紀錄片，回顧她的十大經典舞作，邀請現今芭蕾舞壇知名的編舞家、與她合作過的頂尖舞者、排練教師，以及烏里安娜現身說法，談從未想過程為芭蕾伶娜的她，如何成為俄羅斯馬林斯基劇院的代表人物。 本片述說了帕特金娜與俄國馬林斯基劇院的藝術之路，以及她客座巴黎歌劇院時，連結了俄法兩國最高芭蕾殿堂的榮耀合作。片中出現的人物，都是當今芭蕾舞壇最高等級的編舞家、大師，以及馬林斯基最頂尖的首席舞星等。 巴黎歌劇院「女神級」Etoile首席巨星阿妮耶思雷特思圖，以及編舞大師皮耶拉寇特也在片中現身說法，暢談洛帕特金娜鮮為人知的一面。儘管洛帕特金娜極力避談自己的感情生活，卻在片中敘說舞劇《愛的傳說》（The Legend of Love）時，眼裡的閃動光芒，不經意地流露出了她對愛的直覺與執著…。"
【有片】七段黑天鵝32鞭轉（Fouetté）合輯
→【知識篇】Fouetté究竟有多難？
Fouetté 知識教學
黑天鵝變奏舞：三大版本比較
Black Swan / Odile VariationSvetlana Zakharova (00:00) Natalia Osipova (01:32) Marianela Nunez (03:45) |
https://youtu.be/sYIHjStEQrk
兩大黑天鵝PK比一比
Black Swan Variation (Split Screen): Nunez, Osipova
https://youtu.be/Tx0dxyHhjWQ
【有片】各版本《天鵝湖》黑天鵝變奏/鞭轉合輯
【有片】各劇旋轉不停歇大合輯
【有片】娜塔莉波曼的《黑天鵝》集錦
黑天鵝與白天鵝．永遠的話題
補充資料：
男版天鵝湖 Matthew Bourne's Swan Lake（2012）
https://youtu.be/BvMT5MblXX4
各種不同結局版本之《天鵝湖》整理
https://youtu.be/RuHI30slv6A
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【BON音樂】為何聽舒伯特的藝術歌曲？從歌曲《魔王》到三大聯篇藝術歌曲之精彩創作
【BON音樂】為何聽舒伯特的藝術歌曲？從歌曲《魔王》到三大聯篇藝術歌曲之精彩創作
All about Schubert: 3 Song Cycles
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART
「為何聽舒伯特的藝術歌曲？從歌曲《魔王》到三大聯篇藝術歌曲之精彩創作」（免費入場）
主講：林仁斌（蹦藝術網站執行長）
※活動時間：
3月26日(週六)下午2:00~5:00
※活動地點：
臺北市立圖書館西湖分館4樓音樂廳
(臺北市內湖區內湖路一段594號)
※活動講師：
林仁斌老師
(蹦藝術｜BONART 藝術網站執行長)
※洽詢電話：
02-27973183
3月西湖愛樂賞析講座，邀您一同認識舒伯特精彩的歌曲創作世界!
超人氣音樂導聆林仁斌老師將從舒伯特生平談起，帶您進入作曲家之藝術歌曲創作歷程，進一步解析舒伯特在音樂史上佔有舉足輕重地位的「聯篇歌曲集」，並將帶領現場聽眾們欣賞舒伯特三大聯篇藝術歌曲《美麗的磨坊少女》、《冬之旅》與《天鵝之歌》的精髓美妙之處，歡迎愛樂的朋友們相約到場參加。
讓我們先從舒伯特的生平認識起～
舒伯特的生平
只活了31歲的浪漫初期奧地利作曲家舒伯特（Franz Schubert, 1797-1828），曾說過一輩子最愛的就是「作曲」。
光是看這句口號是不夠的，根據目前全球的舒伯特專家們考據，列出舒伯特超過1500闕的各式畢生音樂創作，他的一生，根本就是驚人的創作量能大爆發：
→舒伯特作品列表
大致以種類整理看看數量：
超過650首藝術歌曲（包括聯篇藝術歌曲集）
13首交響曲
交響序曲
宗教儀式歌曲40首（包括彌撒曲）
合唱歌曲150首
各式舞台作品20部（包括歌劇）
21首鋼琴奏鳴曲
20首弦樂重奏
5重奏
3重奏
2重奏
...等等，創作數量與創作力實在驚人。
完整內容可以入上面超連結觀看詳細表格。
根據英國BBC音樂雜誌統計，以全球來說，舒伯特最受歡迎的五首曲目分別是：
- 《鱒魚》五重奏（The Trout Quintet）
Schubert - Piano Quintet in A major, D. 667 "Die Forelle" (Menahem Pressler, Quatuor Ebène)
https://youtu.be/0YNcI_SzADg?t=1381
非常推薦的珍貴紀錄片👍🏻
Schubert Piano Quintet D667 The Trout Jacqueline du Pre, Daniel Barenboim, Itzhak Perlman, Pinchas
https://youtu.be/ZZdXoER96is
- 《美麗的磨坊少女》（Die Schöne Müllerin）
Schubert Die schöne Müllerin Ian Bostridge Mitsuko Uchida
https://youtu.be/mqk8INXCfOg
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-die-schone-mullerin/
- 《冬之旅》（Die Winterreise）
Schubert: 'Winterreise' - Ian Bostridge - Live concert HD
https://youtu.be/tnuvs2w7ges
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-winterreise/
- 第九號交響曲《偉大》（Symphony No. 9 "The Great"）
Schubert: "Große C-Dur" Sinfonie mit Herbert Blomstedt | NDR Elbphilharmonie Orchester
https://youtu.be/niypmws6n4I
- 鋼琴奏鳴曲 D.960（Piano Sonata D.960）
Schubert Piano Sonata No 21 D 960 B flat major Alfred Brendel
https://youtu.be/TKy0Lyl4g-s
關於舒伯特的音樂，鋼琴家布蘭德爾曾說：「在貝多芬的音樂裡，我們不曾迷失方向；就另一層面來說，在舒伯特的音樂裡，則把我們推入夢境之中。貝多芬的音樂，就如同偉大建築般雄偉可靠，舒伯特的音樂，則像是『夢遊者』（Sleepwalker）。」
爲什麼呢？因為舒伯特的音樂裡，總是充滿醉人的旋律、精緻細膩的和聲，還有迷人的轉調：
Krystian Zimerman - Schubert 4 Improptus Op.90 / D899
https://youtu.be/4T-BxVYpbSE?t=874
五首～不夠啦😁
我想再補充...😘
第六首最知名作品：《未完成》交響曲！
Schubert: "Unvollendete" mit Günter Wand (1988) | NDR Elbphilharmonie Orchester
https://youtu.be/xSvFF6Vg9X4
這迷人的旋律、高雅的氣質，都讓《未完成》成為歷史的謎團與樂迷的最愛💕
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/schubert-symphony-no-8-unfinished-d-759/
以上，您聽過多少呢？
為什麼我們應該聽舒伯特？
生不逢時？
沒有才能？
那這是什麼？？？？
→舒伯特作品列表
不熱愛創作？
No!!! 17歲時的舒伯特，一天就能創作兩首藝術歌曲，一輩子（31歲），更創作了超過1500首各式各樣的樂曲。
沒有旋律？
No!!! 他的旋律源源不絕，終其一生從未缺乏旋律之美❤️
藝術歌曲早期先驅《紡車旁的葛麗卿》
翻譯出處：舒伯特／歌德(浮士德)：紡車旁的葛麗卿
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| 舒伯特／歌德(浮士德)：紡車旁的葛麗卿
Gretchen am Spinnrade Meine Ruh' ist hin, Wo ich ihn nicht hab', Mein armer Kopf Meine Ruh' ist hin, Nach ihm nur schau' ich Sein hoher Gang, Und seiner Rede Meine Ruh' ist hin, Mein Busen drängt Und küssen ihn, |
舒伯特／歌德(浮士德)：紡車旁的葛麗卿
紡車旁的葛麗卿 我的平靜失落， 沒有他的地方， 我可憐的腦袋， 我的平靜失落， 我望著窗外， 他矯健的步伐， 他絕妙的言談 我的平靜失落， 我炙熱的渴望 U並如我所欲的 |
https://youtu.be/_ZEemKHUDpY
藝術歌曲《魔王》
演唱者須一人分飾四角：說書人、父親、兒子與魔王
魔王歌詞
https://youtu.be/JS91p-vmSf0
藝術歌曲《魔王》樂譜版本
https://youtu.be/XoBo8dlPcQo
讓我們將時代退回一點點，欣賞一下被認為是德國藝術歌曲起源的一首歌曲：
莫札特：《紫羅蘭》
https://youtu.be/zDSSLo0OSMw
| 紫羅蘭 原詩 | 紫羅蘭 翻譯 |
| Ein Veilchen auf der Wiese stand, gebückt in sich und unbekannt; es war ein herzigs Veilchen. Da kam ein' junge Schäferin mit leichtem Schritt und munterm Sinn daher, daher, die Wiese her und sang.Ach! denkt das Veilchen, wär' ich nur die schönste Blume der Natur, ach, nur ein kleines Weilchen, bis mich das Liebchen abgepflückt und an dem Busen matt gedrückt, ach, nur, ach nur ein Viertelstündchen lang!Ach, aber ach! Das Mädchen kam und nicht in acht das Veilchen nahm, ertrat das arme Veilchen. Es sank und starb, und freut' sich noch: und sterb' ich denn, so sterb' ich doch durch sie, durch sie, zu ihren Füßen doch! |
紫羅蘭開在草原上，低著頭兒，無人欣賞； 多可愛的紫羅蘭。 年輕的牧羊姑娘走來， 腳步輕鬆，心情愉快， 走來，走來， 唱著歌兒走向草原。 紫羅蘭想，但願我啊， 是自然界最美的花， 只要短短的時光， 等待戀人採我下來， 抱在懷裏，幾乎壓壞！ 只要，只要 一刻鐘的時光！ 唉！多可憐！姑娘走近， 對紫羅蘭毫未留心， 竟踏壞了紫羅蘭。 它倒斃了， 卻很高興： 「我雖喪命，送我的命， 是她，是她， 我死在她的足下。 |
接著繼續回到舒伯特的藝術歌曲，以及延伸成為著名的弦樂四重奏主題之作品《死與少女》：
藝術歌曲《死與少女》
Schubert: Death and the Maiden, op. 7 no. 3
《死與少女》（Der Tod und Das Madchen），也可翻譯為《死神與少女》。這首藝術歌曲寫作於1817年，七年之後成為了d 小調弦樂四重奏 D.810第二樂章之主題（變奏曲式），也讓這首弦樂四重奏因而得名：《死與少女》。
中德文對照翻譯
| 德文歌詞
Das Madchen: Voruber! Ach, voruber! Der Tod: |
中文翻譯
少女： 快走！喔～快走！ 死神： |
Franz Schubert: Death and the Maiden, op. 7 no. 3
https://youtu.be/DgvM0g4fGBE
9年之後的1826年，《死與少女》藝術歌曲主題被舒伯特運用於d小調第十四號絃樂四重奏第二樂章，成為著名的變奏樂章，而這首弦樂四重奏也因此得名：
Schubert: String Quartet D.810 mvt.2 "Death and the Maiden" - Takacs Quartet (1998)
https://youtu.be/7daW-UBBdKs
知名度不夠？
這是極為可能的原因。
舒伯特一生貧困，經常連生活溫飽都有問題，常常缺錢，連買樂譜紙的錢，都需要朋友接濟。
過世之前，更是以一首藝術歌曲一塊錢的低價，賣給出版商換現金...
貝多芬過世於1827年，舒伯特過世於隔年1828年
在巨人的光環之下，小蘑菇想要成為大巨人，不是不可能
但在他壯志未酬之際，卻以31歲弱冠之齡過世，令人唏噓不已
多年來，我們一直未把舒伯特在音樂史上的地位，放在與巴赫、莫札特、貝多芬同等的地位...
雖然只是假設，
如果舒伯特多活幾年，能在當時維也納音樂巨人貝多芬的巨大影響力之下逐漸走出個人風格，能夠有機會在世之時就獲得交響曲的演奏機會...
這一切，會不會大不相同？
舒伯特三大聯篇藝術歌曲：《美麗的磨坊少女》、《冬之旅》與《天鵝之歌》，現在讓我們一首一首進入這美好的藝術歌曲領域～
《美麗的磨坊少女》│ 舒伯特 V.S. 繆勒
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《冬之旅》│ 舒伯特 V.S. 繆勒
https://bonart.com.tw/all-about-winterreise/
《天鵝之歌》舒伯特 V.S. 路德維希·萊爾斯塔勃、海因里希·海涅與約翰·加布里爾·塞德爾
取自萊爾斯塔勃的詩
- 愛的使者（Liebesbotschaft）
- 士兵的預感（Kriegers Ahnung）
- 春天的渴望（Frühlingssehnsucht）
- 小夜曲（Ständchen）
- 休息處（Aufenthalt）
- 在遠方（In der Ferne）
- 告別（Abschied）
取自海涅的詩
- 阿特拉斯（Der Atlas）
- 她的肖像（Ihr Bild）
- 漁家少女（Das Fischermädchen）
- 城市（Die Stadt）
- 海邊（Am Meer）
- 另一個她（Der Doppelgänger）
取自塞德爾的詩
- 飛鴿傳書（Taubenpost）
舒伯特：《天鵝之歌》樂譜欣賞
https://youtu.be/tCkYPjRkgxw
《小夜曲》欣賞：
https://youtu.be/u6ATehWt92E
《飛鴿傳書》欣賞：
https://youtu.be/fJfcnaKA9rc
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【BON活動】蹦藝術Ｘ大人社團 直擊鋼琴美技對決：四年一度范克萊本大賽
【BON活動】蹦藝術Ｘ大人社團 直擊鋼琴美技對決：四年一度范克萊本大賽
Bonart special online course - 2022 Van Cliburn Competition
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直擊鋼琴美技對決(5/4週三晚上班，共8堂)：四年一度 范克萊本大賽
去年蹦藝術與大人社團首度在疫情期間聯手舉辦的《蕭邦鋼琴大賽講堂》，八堂課完整以網路方式直擊欣賞國際最知名最具話題的波蘭蕭邦鋼琴大賽，受到所有參與學員的高度滿意肯定以及廣大的迴響～ 今年2022年5月起，蹦藝術與大人社團再次聯手出擊，鎖定四年一度最具的話題的美國范克來本鋼琴大賽，同樣將以線上課程搭配回看，讓所有學員以居家最放送、舒適的方式，透過網路收看課程，同時透過名師的觀點與解說，深入認識了解國際大賽之內外全貌，透過這套系列課程，您也將成為國際音樂大賽的觀賞達人～
課程介紹
喜歡音樂的你，在眾多樂器中最愛鋼琴嗎？
如果你著迷於鋼琴的百變風貌，那就不能錯過這場范‧克萊本鋼琴大賽
《大人社團》與蹦藝術執行長林仁斌老師共同推出的「直擊鋼琴美技對決」
四年一度的范‧克萊本鋼琴大賽，是美國鋼琴大師范‧克萊本(Van Cliburn)創辦的賽事，並選在他的故鄉德州Fort Worth舉辦，為國際鋼琴四大賽之一。接待家庭如照顧家人般的特色更是這項國際鋼琴比賽充滿人情味的特色之一；開辦以來話題不斷，而注重室內樂合作精神與獨奏並重的特色，也讓這場賽事難度大增，被譽為是世界最困難的賽事之一。喜愛古典樂的大人一定要把握這個難得的機會，與專業導聆一起享受追賽事的緊張感與期待感，體驗更有層次的音樂盛事。
《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋，看他們用音樂為生活注入繽紛
直擊鋼琴美技對決的課程三大特色
- 結合線上直播課程與線下討論群組，享受追賽事的緊張感與臨場感
- 輔以精心準備的影音資訊與相關知識，學員可以更深入的了解音樂
- 四年一次機會難得，讓職人導聆，輕鬆地聽懂一票難求的國際大賽
主講：林仁斌老師（蹦藝術執行長）
知名的旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家；近年他創辦《蹦藝術 | BONART》網站，更是眾多單位邀約之知名音樂導聆人。透過精彩系列課程規劃與《蹦藝術 | BONART》豐富音樂影音資料庫，讓更多人能輕鬆無壓力地參與音樂欣賞這項全民運動。
《延伸閱讀》知名音樂家、導聆人林仁斌：讀懂音樂背後的故事，換來的是更多感動
《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋，看他們用音樂為生活注入繽紛
直擊鋼琴美技對決課程大綱
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│第一堂5/4(三)：范‧克萊本大賽緣起│
成立於1962年的范‧克萊本國際鋼琴大賽，在今年滿60週年，除了為接續音樂演奏人才的崇高目的而設立，更因為發起人鋼琴家范‧克萊本的演奏與得獎的傳奇故事，使得這項大賽得以成立。以四年一度的賽事規格舉行，並逐漸變成全球最頂尖，也最有難度的鋼琴賽事之一。在這第一堂直播課中，老師將帶領學員回到美蘇冷戰時期，了解范‧克萊本的崛起，與它獨特的賽制與歷史沿革。
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│第二堂5/11(三)：眾星雲集，談范‧克萊本大賽的優秀得獎者們(上)│
有60年歷史的范‧克萊本國際鋼琴大賽，四年一度的賽制讓每屆的比賽皆成為年輕世代鋼琴家的重要戰場，這堂課老師將搭配紀錄片，為學員詳細解說歷屆獲獎者們的細節，並細數音樂家們珍貴的比賽演奏片段。
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│第三堂5/18(三)：眾星雲集，談范‧克萊本大賽的優秀得獎者們(中)│
有60年歷史的范‧克萊本國際鋼琴大賽，四年一度的賽制讓每屆的比賽皆成為年輕世代鋼琴家的重要戰場，這堂課老師將搭配紀錄片，為學員詳細解說歷屆獲獎者們的細節，並細數音樂家們珍貴的比賽演奏片段。
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│第四堂5/25(三)：眾星雲集，談范‧克萊本大賽的優秀得獎者們(下)│
有60年歷史的范‧克萊本國際鋼琴大賽，四年一度的賽制讓每屆的比賽皆成為年輕世代鋼琴家的重要戰場，這堂課老師將搭配紀錄片，為學員詳細解說歷屆獲獎者們的細節，並細數音樂家們珍貴的比賽演奏片段。
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│第五堂6/1：第一輪曲目介紹x分析大賽趨勢│
經過3月的視訊演奏淘汰賽之後，獲邀參與大賽的年輕音樂家將會前往范‧克萊本的故鄉德州Fort Worth進行正規賽事。在這堂課中老師將結合3月的視訊演奏影片，為學員們一一介紹本屆參與賽事的優秀選手們，並且分析其中的資訊與特色。
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│第六堂6/8(三)：第二輪與第三輪曲目介紹：談莫札特的鋼琴協奏曲│
能在國際賽事中闖進第二輪，就已經代表是本屆賽事的佼佼者了，而在這堂課，老師將針對選手們的第一輪演奏與第二輪曲目進行資訊的分析與整理，學員可以跟著老師的脈絡更了解每位選手的特色。第三輪除了個人演奏之外，還加入了「音樂界的大魔王-莫札特」的關卡，必彈的莫札特鋼琴協奏曲究竟難度多高？讓老師帶你了解。
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│第七堂6/15(三)：決賽曲目解說與決賽細節解析│
范‧克萊本鋼琴大賽的決賽有個特色，每位參賽選手都需要彈奏兩首鋼琴協奏曲。在大賽給予的兩類範圍中各自挑選一首，分別展現音樂性、靈活思維、詮釋風格與技術完整度等，可說是年輕鋼琴家最高難度的挑戰之一。在這堂課中，老師將解說大賽指定的決賽協奏曲目以及它的代表性，讓學員可以進一步了解大賽主辦方的用意。
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│最終堂6/23(四)：為何范‧克萊本大賽是世界最艱難的鋼琴大賽之一│
我們從大賽起源到歷史沿革一一細數，也認識了歷屆優秀參賽者與今年的大賽得主，在最後一堂課中，老師將總評今年的賽事精采亮點，並與學員們互動交流，激發出更多不同角度的欣賞與思考，以樂會友，從熱情出發，享受每一次豐富的聆賞樂趣。
※本課程大綱僅供參考，授課老師將視班級學員學習進度有所調整。
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課程時間：5/4週三晚上班，每週三晚上7:30-9:30(只有最後一堂是週四晚上)
課程時數：共8堂，每週上課一次。
課程日期：5/4、5/11、5/18、5/25、6/1、6/8、6/15、6/23(四)，共8堂
課程費用：早鳥優惠價3,800元/人(定價4,200，開課前七天將恢復定價)
視訊軟體：ZOOM
課前請務必安裝視訊軟體。軟體下載及操作方式，請參考連結說明：
ZOOM下載請點我https://zoomnow.net/zntw_zoom_download.php?showType=ALL
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【BON音樂】普契尼四大歌劇之 ⟪蝴蝶夫人⟫ （Madama Butterfly） 背景與簡介
【BON音樂】普契尼四大歌劇之 ⟪蝴蝶夫人⟫ （Madama Butterfly） 背景與簡介
Madama Butterfly by Giacomo Puccini
– 資訊整理共享於網路，欣賞古典音樂之美 –
蹦藝術 | BONART
筆者以 2017年 Royal Opera House 與 1904年 首演 ⟪蝴蝶夫人⟫ 海報融合之再製照片：
普契尼 寫實歌劇頂峰
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
義大利歌劇大師 普契尼（Giacomo Puccini, 1858-1924）是眾所公認的音樂史歌劇大師。寫實主義歌劇到他手中，完全昇華至令人聲淚俱下、肝腸寸斷的境界；而他所譜寫出的美妙旋律，更是聽過難忘，巧妙地與歌劇劇情與角色緊緊相扣，深植於全球歌劇音樂愛好者的心中。
⟪蝴蝶夫人⟫（Madama Butterfly）是 普契尼 歌劇三大名作之一，另外兩部作品是是 ⟪波希米亞人⟫（La Boheme）和 ⟪托斯卡⟫（Tosca）。
喜愛普契尼作品的人，並不會只聽這三部歌劇；不過在聽過其他普氏的歌劇之後，您也一定夠明白這三部為何總是獨佔鰲頭，甚至是全球歌劇上演率最高的前幾名。
| 普契尼 歌劇創作年表 |
|---|
普契尼博物館官方網站
博物館空間規劃與位置圖
《蝴蝶夫人》 故事源起
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
《蝴蝶夫人》（Madama Butterfly）歌劇劇本由 雷基·伊利卡 及 喬賽普·賈科薩 兩位劇作家根據美國作家 約翰·路瑟·朗（John Luther Long, 1861-1927）的 1897年同名短篇小說《蝴蝶夫人》作為藍本。據說 普契尼亦參考了法國小說家並曾任海軍軍官的 皮耶·洛蒂（Pierre Loti, 1850-1923）的 1887年於法國出版之小說《菊夫人》（Madame Chrysanthème）編寫而成。
這兩部小說與歌劇之年份關係分別是： 法國小說：皮耶·洛蒂《菊夫人》 Madame Chrysanthème, 1887年 美國小說：約翰·路瑟·朗《蝴蝶夫人》 Madama Butterfly, 1897年 義大利歌劇： 普契尼 ⟪蝴蝶夫人⟫ Madama Butterfly, 1904年
法國軍官作家皮埃爾·洛蒂之小說《菊夫人》（Madame Chrysanthème）故事： 《菊夫人》（Madame Chrysanthème）是 皮耶·洛蒂 以海軍軍官之自傳形式出版的一部小說。他以這名海軍上尉軍官在日本長崎駐紮時，短期與一名日本婦女結婚之故事為藍本，時間地點設定在 1885年的日本長崎十善寺（Jūzenji）與十人町（Jūninmachi）地區。《菊夫人》最初以法文撰寫並於 1887年出版，出版當時獲得非常大的成功，並在出版的前五年內已經發行了 25個版本，翻譯成包括英語在內的多種語言。在20世紀之交，《菊夫人》小說也被認為是塑造西方對日本態度的關鍵文本之一。 編按：皮耶·洛蒂本人就是在海軍服役時，曾到過近東和遠東，這些經驗，為他的作品提供了豐富的資源。他的作品因為自身經驗，對西方人而言極富異國情調，在當代非常受到歡迎。1900年 八國聯軍進佔北京時，他軍銜是海軍上尉，也曾來到北京，並記述當時來京見聞，寫作成《在北京最後的日子》（Les derniers jours de Pékin）一書。
《蝴蝶夫人》劇情簡介 《蝴蝶夫人》故事以二十世紀初日本明治時代的九州海岸城市長崎港區為背景。 美國海軍軍官平克頓經婚姻掮客五郎介紹，娶了年僅 15歲的日本年輕藝妓秋秋桑（即蝴蝶夫人）為妻。但這位短期駐紮的美國軍人，因為享有美軍軍事於當地所帶來的各項特權，對此樁婚事其實僅只抱持嚐鮮的遊戲態度，因此在與秋秋桑新婚不久後便即隨艦隊返回美國，將她留在日本長崎。 雖然丈夫離開身邊的而獨立生活的秋秋桑，有著東方女性對愛情從一而終的美德與堅韌不拔的性格，不改初衷而終日癡心等待。日復一日臨海遙望，就這樣過了三年，她與平克頓婚姻當時所生的孩子，也慢慢長大。 終於等到三年後，遠遠望見平克頓之美軍船艦駛回日本時，蝴蝶夫人開心雀躍極了：她堅信自己的好日子終於來臨...沒想到平克頓此行帶來了他的美國妻子，並且要求帶走與蝴蝶夫人所生的小孩...。 心痛並知道事已無可轉圜的蝴蝶夫人，也只能在極度痛心的狀況下，以生命來「應允」她心中的唯一的天，也就是丈夫平克頓的請求。在與孩子做了最後永別之後，她選擇了以自殺的方式，結束了這場大時代異國婚姻悲劇...
歌劇主要角色 蝴蝶夫人（女高音） 秋秋桑 鈴木（次女高音）蝴蝶夫人的女僕 平克頓 B. F. Pinkerton（男高音）美國海軍上尉 夏普勒斯 Sharpless（男中音）美國駐長崎領事 五郎（男高音）婚姻掮客 山鳥（男中音）蝴蝶夫人的求婚者 和尚（男低音）蝴蝶夫人的叔父 其他登場角色 蝴蝶夫人的母親、嬸母、表姐妹、親戚、蝴蝶夫人的兒子「小苦惱兒」（Sorrow）、皇家事務官，登記官等等。
首演與分幕
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《蝴蝶夫人》首演於 1904年 2月 17日，義大利米蘭市的史卡拉歌劇院，原始設定為兩幕歌劇。可惜首演卻未能成功。
然而，首演失敗的 普契尼並沒有氣餒，反而大幅修改劇本，將較為長的第二幕分作兩幕。
重新改編完成的新版本之後於 1904年 5月 28日由烏克蘭著名女高音 索羅米亞·庫舒尼卡於小鎮布雷西亞 演出，最終獲得空前成功。其後該《蝴蝶夫人》再於 1907年以火熱姿態登陸美國紐約市的大都會歌劇院演出。
因此最初於義大利的《蝴蝶夫人》首演有兩幕，經 普契尼修改後在美國演出的版本則有三幕（將原本冗長的第二幕再細分為兩幕）。
最具代表性的蝴蝶，共有兩位：《蝴蝶夫人》首演的演唱者，由 羅西娜·史托爾齊歐（Rosina Storchio, 1872-1945）飾演；上世紀著名的日本女高音 三浦環（Tamaki Miura）以真正的東方女性扮演蝴蝶夫人，一直以來被認為最經典，並獲得作曲家普契尼本人的讚賞，稱之為「永遠的蝴蝶」。
歷史上第一位蝴蝶夫人
首演者 - 羅西娜·史托爾齊歐 Rosina Storchio
【珍貴照片】
歌劇史上 東方第一位蝴蝶夫人
永遠的蝴蝶 - 三浦環 Tamaki Miura
【珍貴照片】
歷史上第一位飾演《蝴蝶夫人》的東方人是日本女高音 三浦環（Tamaki Miura, 1884-1946）。
三浦環畢生共在舞台上演唱《蝴蝶夫人》達 2000場次以上，也是作曲家本人最愛的「永遠的蝴蝶」。
普契尼的書房裡，有著當時最新進的留聲機，大師從收集的唱片裡獲得東方旋律的靈感：
因為普契尼偉大的歌劇《蝴蝶夫人》歌劇歌頌表揚日本大和民族女子的忠貞，日本人特別喜歡和感動，一直將這齣歌劇視為國寶。今日，日本政府已經在長崎當年歌劇故事設定發生的日本長崎縣長崎市南山手町地區，修建了「格洛弗花園」（Glover Garden），供世界遊客來訪遊旅參觀。
在「格洛弗花園」內建有西式洋樓一座，樓腳下有一堵用長方形石磚建成的牆壁，牆壁上安裝彩燈和看不見的喇叭，24小時不停歇地播放蝴蝶夫人的詠嘆調 ⟨美好的一日⟩ "Un bel dì vedremo..."。牆壁前屹立着蝴蝶夫人和她孩子的雕像；而這蝴蝶夫人雕像的造型就是以東方第一位蝴蝶夫人 - 三浦環 為藍本而造成。
蝴蝶夫人雕像旁，還屹立着另一個雕像，就是歌劇的作者 普契尼～普契尼的名字，將在此永遠被日本人與來訪的遊客們紀念。
「格洛弗花園」簡介：（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索） 「格洛弗花園」| 哥拉巴園（日文：グラバー園）是位於日本長崎縣長崎市南山手町地區的一個旅遊景點，為1859年長崎開放外國通商後，英國商人湯瑪士．布雷克．哥拉巴、弗雷德裡克．林格與 William J. Alt在此的住所。現被列為世界遺產九州、山口的近代化工業遺產群。 為木造平房，建築面積510.8平方公尺，附屬建築也是木造平屋，建築面積129.2平方公尺。為英國商人湯瑪士·布雷克·哥拉巴（Thomas Blake Glover, 1838年 - 1911年）的住所，現發現有1861年的借地記錄，以及在修理建築時發現有1863年的文件資料，現被認定為日本現存最古老的木造西式建築。 （日文網頁→） 哥拉巴園官方網頁
今日，從「格洛弗花園」眺望長崎港之風景：
長崎「格洛弗花園」內蝴蝶夫人雕像：
日本長崎「格洛弗花園」的普契尼雕像：
日本女高音三浦環演唱的《蝴蝶夫人》⟨美好的一日⟩ 詠嘆調：
https://www.youtube.com/watch?v=0-2RkcOlhfo&feature=youtu.be
日本女高音三浦環榮登美國《浮華世界》雜誌名人堂。（ 1915年9月份，第44頁）
2024．首演120週年
《蝴蝶夫人》首演於1904年2月，並不成功。或許是其中的東方元素在當時未能全面被知曉，也或許最初的劇情設定並不廣被接受，但在120後的今天，《蝴蝶夫人》成為家喻戶曉的歌劇作品，不斷被傳唱，更被所有日本人覺得能夠代表大和民族，女性溫柔婉約，為愛為家犧牲一切的傳統精神最佳解讀。
而當年的首演失利，普契尼並未氣餒，他曾經說：「蝴蝶充滿生命與真理，她必將復活，我深深地相信著...」
今年的普契尼歌劇音樂節，首演120週年的《蝴蝶夫人》，更將成為壓軸登場的最精彩歌劇製作！
https://www.youtube.com/watch?v=PmJwlf--jfI&t=5s
《蝴蝶夫人》劇情解說：
（基本資料整理於網路與維基百科）
第一幕
場景是十九世紀末的日本長崎海港。
幕啟時，為長崎近郊的小山上，遠處可望到長崎海灣，左邊為美國海軍上尉平克頓的新居。平克頓因為要在長崎停留數年之久，於是便想找一位日本妻子。由日本婚姻掮客五郎，介紹與秋秋桑會面認識，說明這件婚姻的有效期間，以男方同意與女方同居為限，分離之後女方仍可再嫁。因平克頓一有調遣命令，即須歸國，由婚姻掮客看定的秋秋桑作為臨時夫人，也不過逢場作戲聊以消遣。
這一天，五郎帶著即將新婚的美國海軍軍官平克頓走上山丘，前來觀看新房，小小的木屋加上精緻的花園，幽雅大方，美麗而有趣。五郎向平克頓解說日本式平房隔間的奧妙，並介紹未來服侍新人的傭人們。不久，美國駐日本領事夏普勒斯揮汗如雨、一步步走上山來，平克頓上前熱情迎接，便將這件事說給他聽：「我們美國佬浪跡天涯，四處為家，不斷尋找歡樂與滿足，擄獲各地美女芳心。」
夏普勒斯覺得平克頓態度有些輕佻，他便很鄭重地這位年輕的海軍軍官，說：「此事不可當兒戲，千萬不能傷了日本姑娘的心，則將會是件大罪過。」倆人展開一段二重唱：《戀愛與遊戲》音韻和藹而帶有輕視和玩笑的意味！
在倆人舉杯慶祝，談笑風生時，遙見一群女子結隊而來，此時，五郎趕來稟報：「新娘隊伍來了！」
一陣美麗的女聲合唱，遠遠地從山坡下傳上山頭，新娘秋秋桑在親友的陪伴下，緩步蓮移，拾階而上，沿途還歌頌著大自然的美景與夢幻般的愛情。
平克頓憐惜地上前慰問一路辛苦的秋秋桑，夏普勒斯則是詢問起秋秋桑的家世；秋秋桑回答說：「她原本是長崎當地世家，後來父親逝世，與母親相依為命。家道中落，她早早就學著做一名賣唱獻舞的藝妓，以此謀生。她忍受著痛苦和人們的恥笑。她講述的時候，神情是那樣真摯，讓人不由得產生深深的憐愛。五郎大概是曾經吹噓過秋秋桑的家庭，他怕這傻乎乎的姑娘說漏了嘴，在一旁插話說：「她的母親是一位高貴的太太。」可是秋秋桑歎息道：「她是多麼命苦，貧窮永遠在折磨著她。」
領事夏普勒斯關切地問她：「你的父親在哪裡？」「他死了。」秋秋桑顯得很不安，女友們也都低下了頭，為了打破這尷尬的局面，領事夏普勒斯又問道：「你今年多大了」
秋秋桑俏皮地要兩位美國紳士先猜一猜；平克頓與夏普勒斯猜了幾回後，秋秋桑則公佈了正確答案：她今年已經十五歲，算很老了！領事不由得歎了口氣：在美國，這還是無憂無慮的童年呢！還正是玩耍的年紀，眼前這位日本女孩竟然說這樣已經很老了，他們覺得實在不可思議！
隨後日本天皇特使與婚姻公證人駕到。秋秋桑率眾人行跪禮，平克頓在眾人面前簽了婚約，簽過字又照例交出 100元日幣作為禮金。這時候秋秋桑打扮得體，亭亭玉立與美國新娘一般。照例，新娘初次見面，必有禮物贈給新郎，秋秋桑便從大袖口內取出贈品：一條絲巾，一支煙斗，一粒銀鈕，一柄小扇，一瓶香水，最後很慎重地取出來一支匕首鞘。平克頓看見匕首鞘，覺得有些不解，便問五郎，五郎含含糊糊地說，匕首鞘是日本天皇賜給秋秋桑父親自盡的紀念品。
平克頓又問：「她父親怎麼啦？」
「光榮地死去。」五郎說完就走了。
秋秋桑不願意繼續這個話題，她又從衣袖裡拿出了幾個小雕像，告訴平克頓，這是她的祖先。然後她懷著敬意講述道：「我要告訴你一件秘密。昨天我一個人走進了教堂。這事誰都不知道，連我的和尚叔父也不知道。我要相信我丈夫的上帝，因為我要把我的一切都交給你。」
秋秋桑忠誠的表情使平克頓的內心震動了，但他其實並不懂得改變信仰對秋秋桑以及對一個日本人，在當時是件多麼嚴重的事。而且，他對這樁婚姻也遠沒有秋秋桑的那種神聖感婚禮舉行後，正當秋秋桑與平克頓接受眾人道賀時，忽然傳來一陣怒吼聲，原來是秋秋桑的和尚叔父來了。
和尚叔父憤怒地指著秋秋桑對大家說：「諸位聽著，她已經背叛了我們，背叛了自己的祖先。她相信了別人的神！」
這些句話著實讓大家吃了一驚。他們轉過頭去，生氣地對著瑟瑟發抖的新娘秋秋桑發出噓聲。和尚喊著日本神的名字，繼續大聲詛咒秋秋桑道：「你已經背叛了我們，就讓魔鬼把你捉去吧！」平克頓忍不住了，他對這和尚說：「不准在這裡吵鬧！」和尚狠狠地瞪了這美國人一眼，嘴裡繼續罵著。平克頓火了，他大聲命令道：「馬上給我滾出去！我是這裡的主人，不准任何人在這裡瞎喊亂叫！」眾人聞言，紛紛離去，只留下被遺棄的秋秋桑獨自飲泣。
望著可憐的小新娘，平克頓心裡充滿了憐愛，他溫柔地摟住秋秋桑的肩膀，勸慰說：「你們日本的宗教和所有的親戚朋友，都不值得我美麗的姑娘心中難受。我一定要好好地愛你。」這時，屋裡傳來喃喃的低語聲，秋秋桑說，那是女僕鈴木在向神作祈禱。此時夜幕低垂，一輪淡月伴著閃爍著的星星，倆人唱著甜蜜而又令人陶醉的二重唱《月白天青》：「親愛的，你的眼睛這樣明亮，穿上這身潔白的衣裳，就像一支百合花。可愛的姑娘，我的熱情為你而奔放。」秋秋桑柔聲回答道：「我像一個美麗的女神，從天空中月亮裡輕輕地走下來。我親愛的，我願和你一起飛到天堂。」隨後兩人相偕入房，共享新婚之夜的歡愉。
第二幕
蝴蝶夫人家中（秋秋桑已婚，筆者改稱之為 蝴蝶夫人）
幕起時，已是平克頓隨艦隊返美三年之後。平克頓返美國杳無消息，蝴蝶夫人已生下一個兒子。母子倆人住在這幢精巧的小屋中倒也舒適，從敞開著的門望進去，只見蝴蝶夫人在榻榻米上躺著，女僕鈴木在神龕前喃喃地祈禱。蝴蝶夫人對女僕鈴木的祈禱感到厭煩，她在一旁諷刺地說：「日本的神明最懶惰，從不聽她的禱告，她相信美國的的上帝比較勤快，只要你去祈禱，他就很快給你回答，但是我擔心，我們受苦，他不知道。」
顯然，他們的日子很拮据，從家裡的擺設和兩人身上的衣裝就看得出來。女僕鈴木歎息道：「如果他把我們都已忘掉，那日子可怎麼過下去？」
這話蝴蝶夫人可不愛聽了，她坐了起來：「為什麼你不相信我的丈夫一定會回來？他決不會拋棄他的小蝴蝶！」「我從來沒有聽說過，外國丈夫會重新回來。」蝴蝶夫人真的生氣了，她抓住鈴木的衣領用力地搖：「什麼？你說什麼？」然後，她對著鈴木，更是對著她自己唱道：「當那天我們分別的時候，他曾溫柔地對我講：「啊，小蝴蝶，當那玫瑰花兒開放，當那春暖花開的日子裡小燕子在天空高高地飛翔，我就會回到你的身旁。」
鈴木早就聽夠了她的這些話，對此不抱任何希望，蝴蝶夫人則是堅定地表示：「她心愛的丈夫平克頓一定會回來，「蝴蝶夫人站起身來，對著大海開始表演著她天天幻想的情景（詠歎調：在那美好的一天）：「在那晴朗的一天，那遙遠的海面上，我們看見了一縷黑煙，有一隻軍艦出現。那白色的軍艦駛進港灣。禮炮轟鳴，看吧，他已來到！我不去和他相見，站在山坡這邊長久地向海港張望，期待著和他幸福地會面。他快速地奔跑，越來越近，奔向這邊。
「我親愛的小蝴蝶，你在哪裡？」我一句話也不講，悄悄躲在一旁。我的心兒狂跳，滿腔的熱情像火焰在燃燒。他在不停地喊叫：「我最親愛的小蝴蝶，快快投入我的懷抱！」
這聲音還像以前一樣美好，一切的痛苦都會忘掉。相信我吧，鈴木，他一定會來到！主僕倆正討論這件事的時候，美國駐日本領事夏普勒斯登門拜訪，他此番前來就是要告訴蝴蝶夫人：他已經收到平克頓的來信。說他在美國已經結婚，煩夏普勒斯將此事告訴蝴蝶夫人，讓她依照日本手續解除婚約。看到純潔的蝴蝶夫人，對平克頓異常忠貞。夏普勒斯左右為難。
就在此時，婚姻掮客五郎帶著日本貴族山鳥公爵上門，說是要幫蝴蝶夫人再次相親（因為根據日本習俗，如果丈夫遺棄了妻子，就視同離婚）；蝴蝶夫人表示，自己嫁給了美國人，就應該依照美國的法律，哪還管日本的習俗呢？說罷，便將五郎與山鳥公爵請出門。這時，夏普勒斯才將平克頓的來信慢慢讀給蝴蝶夫人聽：「親愛的朋友，請你幫忙去看看我那美麗的小蝴蝶……」「他這樣說嗎？」蝴蝶夫人高興地叫了起來。「是這樣寫著。領事接著讀：「從那個難忘的日子起，已經過了整整三年。」蝴蝶夫人自言自語道：「沒錯！」
「可能我的小蝴蝶已經忘掉了我。」
「忘掉他？鈴木，你說我能嗎？」鈴木沒吭聲。領事接著讀：「如果她還記得我，等我到現在，……」「當然啦，我是在等呀！」「朋友，我請求你，」領事很不情願地繼續讀道，「相信你一定能辦好此事，悄悄準備好一切……」蝴蝶夫人有點不安地問：「他想怎麼樣？」
領事小聲自言自語說：「把她拋棄。」
夏普勒斯試探地問蝴蝶夫人，如果平克頓不再回來時，你將怎麼辦？蝴蝶夫人毫不猶豫地回答：「一種是重理舊業為藝妓賣歌娛客，另一種即是自殺。夏普勒斯聽了大驚，他勸蝴蝶夫人還是答應嫁給山鳥公爵。她聽了這些話，便開始懷疑平克頓是否真的負心了，她叫鈴木將她的兒子抱來。鈴木跑進裡間，從裡面抱出一個金黃色卷髮的小男孩，說孩子的名字叫「苦惱兒」
這可把夏普勒斯難住了，滿臉是淚的蝴蝶夫人，緊緊抱著孩子，跪在地上淒惻哀怨地唱著：「我親愛的孩子，你可知道？也許有一天，我和你一起流浪在街頭，在暴風雨中，我們向路人伸出可憐的雙手。也許要忍受著屈辱，不，永遠不！這樣的日子實在太痛苦！想到今後，蝴蝶夫人絕望至極。領事先生也難過地流下了眼淚，他不忍再和 蝴蝶夫人談下去了，便向母子倆道別，離開了這座充滿了悲哀的房子。
這時，女僕鈴木喊叫著衝進來，手裡拽著一個人，原來是五郎。 鈴木告訴蝴蝶夫人，這個該死的傢伙在外面胡說八道，說 蝴蝶夫人的孩子將遭到噩運。蝴蝶夫人氣得衝向五郎，大聲罵他，又從牆上摘下匕首，威脅著要殺了他。趁鈴木去抱孩子的當兒，驚惶失措的五郎跑了。
蝴蝶夫人呆立在房間中央。突如其來的事情讓她發懵。女僕又在喊了，「聽啊，海邊碼頭有炮聲！」
兩人奔向窗口，向外面的大海張望。果然，有一艘白色的軍艦駛進了港灣，上面還飄揚著醒目的星條旗。蝴蝶夫人激動得心都要停止跳動了，她已經看到了軍艦上的字：林肯號。
「就是它，我丈夫的軍艦！」她大聲喊道：他馬上就要來啦，啊，我是多麼幸福！」蝴蝶夫人讓鈴木趕快把花園裡的花朵全部摘下來，擺滿房間，迎接歸來的丈夫。鈴木也被 蝴蝶夫人的快活感染了，她們唱起了一首活潑的花之二重唱：「我們要讓屋子裡，充滿春天的芳香，讓這裡就像花園一樣，春光蕩漾！」
不一會兒，花園裡只剩下光禿禿的枝子了，而房間裡的地上，榻榻米上，鋪上了一層花瓣。蝴蝶夫人急急地在鏡子前坐下來，讓鈴木幫她化妝。她多麼希望丈夫仍然像過去那樣愛她，叫她「我親愛的小蝴蝶」。她讓鈴木把新婚時的衣服取來，整整齊齊地穿在身上，又在髮際插上了鮮艷的花朵。把孩子也打扮得漂漂亮亮的，一切都準備停當了。
天色漸漸黑了。蝴蝶夫人在面朝大海的那扇紙門上用手指捅了三個洞：一個為自己，一個給鈴木，還有一個低低的，是給孩子的。她們一起靜靜地向外張望，等待著那激動人心的時刻。月亮照進來，把三個佇立的人影映在紙門上。不遠處的大海傳來陣陣濤聲。女僕鈴木和孩子禁不住睏倦，倒在榻榻米上睡著了。蝴蝶夫人則一動也不動地站在那兒，彷彿是一座雕像。
第三幕
蝴蝶夫人家中
女僕和孩子睡著，蝴蝶夫人佇立在門前。可是夜已過去，黎明到來了。
海灣裡除了傳來陣陣濤聲以外，還可以隱約聽到水手們的歌聲。太陽升起，照亮了屋子裡滿地的花瓣。
女僕醒了，她站起身來，輕輕碰了碰蝴蝶夫人：「妳等得太疲乏了，去睡一會兒吧。如果他來了，我會叫妳的。」
蝴蝶夫人確實累極了。她彎下身子，抱起沉睡的孩子，一邊唱著搖籃曲，一邊向裡間屋走去。「睡吧，小寶貝，你將要到那遙遠的地方。」
漸漸地，聽不到她的聲音了。 鈴木跪在神像前開始祈禱。
有人敲門。 鈴木側耳傾聽。敲門聲更響了。她連忙站起身來，拉開門。走在前面的領事先生就打了個手勢讓她別出聲。平克頓跟著走了進來，他們輕手輕腳地，彷彿有什麼秘密，鈴木告訴他們，蝴蝶夫人等了一夜，現在剛剛睡著。平克頓驚奇地問道：「她怎麼知道我會來？」
鈴木回答說：這裡已經三年沒有來過一隻船。蝴蝶夫人天天都在等你回來。瞧，這滿地的花朵，我們昨天就已經準備好。」她高興地想立刻進屋去叫蝴蝶夫人，可是平克頓攔住了她。鈴木偶一回頭，發現門外的花園裡，還有一個外國婦女。「她是誰？」平克頓遲疑著沒說出來，領事回答說：「平克頓的妻子。」鈴木一下子呆住了：「天啊，完了！所有的希望都完了！」
她撲倒在地上哭泣起來。
平克頓很不自在，他感到自己沒臉見蝴蝶夫人，恨不得馬上逃離這間屋子。領事先生也十分生氣，他責備平克頓傷害了蝴蝶夫人的感情。但為了妥善處理這件不幸的事，領事決定由他來面對可憐的蝴蝶夫人，他勸平克頓趕緊離開。
平克頓環顧這間曾經令他度過愉快時光的屋子，望著滿地的花瓣，他內心受到了深深的譴責：「再見吧，安靜的家，再見吧，曾經度過的時光。我忘不了那雙憂鬱的眼睛，她將永遠出現在我的面前。多麼羞恥，多麼痛心，滾滾的熱淚流不盡。再見吧，我此刻只有逃走！平克頓匆匆走了。他的妻子卻走過來對鈴木說，他們想把孩子帶走，並保證說將會好好待他。鈴木悲傷地歎息道：蝴蝶夫人是那樣地愛她的孩子，讓他們分離，實在是太殘忍。
這時，屋子裡傳來蝴蝶夫人的聲音：「鈴木！鈴木！你快來一下！」鈴木嚇壞了，她趕緊走過去，試圖阻止蝴蝶夫人走出來，可是，來不及了，只見蝴蝶夫人滿臉激動的神情，在四處張望，可是，她看見的是領事先生，和躲在花園裡的外國太太。好像明白了什麼；鈴木和領事急步走上前來，想扶住她，可蝴蝶夫人推開他們，緊張地問道：想幹什麼？帶走我的孩子？」
領事先生勸道：「就讓他帶走吧，免得孩子受苦，」。蝴蝶夫人的眼神變得十分可怕，但是她的口氣卻是冷靜的：「和孩子分開！……好吧，我會盡我的義務的。」聽到這話，平克頓的妻子走過來，小心翼翼地問她：「你能原諒我嗎？蝴蝶夫人？你願意把孩子交給我？」
蝴蝶夫人筆直地站著，看著她，一字一頓地答道：「我遵從他父親的意志，一定親自交給他。請再等一會兒，我會準備好一切。」領事和平克頓太太退出去了。蝴蝶夫人再也堅持不住了，她倒在地上，絕望地哭泣，鈴木想安慰她，可是她自己也流著淚，說不出話來。
蝴蝶夫人抬起頭來，請鈴木把窗子都關上，她不願意看見明媚的陽光。屋子裡黑下來了，她吩咐鈴木：「你去看看孩子，到他那裡去。」鈴木哭著不肯走，蝴蝶夫人不由分說地推走了她，關上了屋門。
她擦去臉上的淚水，鎮靜地走到日本神像前，跪下來，低頭禱告。
過了好一會兒，她站起身來，從衣櫥裡取出一條長長的白圍巾，掛在屏風上，又從牆上摘下那把匕首。她再次跪倒在神像前，慢慢抽出匕首，聲音低沉卻十分清晰地讀出上面刻的一行字「寧可懷著榮譽而死，決不受屈辱而生。」就把匕首對準自己的喉嚨...，這時，門開了走進來的是她的兒子。
她一下子丟開匕首，撲過去把孩子緊緊摟在懷裡：「啊，我的希望，我的愛情，我的生命和歡樂！」她悲痛欲絕地對著孩子天真的眼睛，唱起最後的歌：我親愛的孩子，你的媽媽再也忍受不了痛苦，因為你就要離開我，到那遙遠的國度，而我卻要走向那黑暗的墳墓。我親愛的孩子，請你記住我，記住你可憐的媽媽，再見吧，再見吧，你要記住我！
蝴蝶夫人泣不成聲，她把孩子放下來，給了他一個小木偶人和一面小小的美國國旗，又用一條手帕把孩子的眼睛蒙了起來，然後退到屏風後面。孩子以為媽媽是和他鬧著玩兒，笑嘻嘻地等著。屏風後面傳來噹啷的一聲。蝴蝶夫人跌跌撞撞地裹著白圍巾走了出來，這時候平克頓同夏普勒斯趕了進來，垂死的蝴蝶夫人見到了他們兩人，便用手指著兒子「小苦惱兒」，便倒在血泊中死去。平克頓跪在她身旁痛哭失聲，可是已經晚了，再也喚不回蝴蝶的生命！...（劇終）
歌劇總譜欣賞
Act 1- 00:00
Act 2, Part One- 54:46
Act 2, Part Two- 1:49:39
https://www.youtube.com/watch?v=2axQP3o1PzM
音樂欣賞
《蝴蝶夫人》一直以來是暢銷全球的重要歌劇，錄音非常多，以後蹦藝術會再慢慢介紹各版本錄音之特色。
今天分享兩個筆者很喜歡的版本：
ㄧ、
1995年，中國女高音 黃英（b. 1968- ）擔任秋秋桑的法國歌劇電影《蝴蝶夫人》版本
歌劇電影欣賞（英文字幕）
東方人的黃英，錄音時聲音稚嫩青春，十分真實還原年幼的蝴蝶夫人，嬌羞中帶著雀躍的音色，讓然看了、聽了，又愛又憐。
https://youtu.be/3stgof-xyN0
二、卡拉揚、帕華洛帝、芙蕾妮及維也納愛樂。
卡拉揚、帕華洛帝、芙蕾妮及維也納愛樂超級黃金組合，使本錄音成為同時榮獲英國企鵝唱片評鑑（Penguin Guide）三星帶花、日本唱片藝術三百首名曲第一名的經典之作。本錄音錄音於 1974年一月由錄音師詹姆士．拉克（James Lock）、傑克．勞（Jack Law）及高登．佩利（Gordon Parry）於維也納索芬廳（Sofiensaal）共同合作完成，生動捕捉了錄音現場的空間效果。而帕華洛帝與芙蕾妮之音色更都在黃金鼎盛之時期，絕對值得一聽。
歌劇全曲錄音（英國企鵝唱片評鑑 三星帶花版本）
第一幕（本段影片為全劇錄音）
| Act 1
00:00 E soffitto.. E Pareti Act 2-1 Act 2-2 |
https://youtu.be/J1vowF35N_0
第二幕
https://www.youtube.com/watch?v=abIgSHdxEjQ&t=31s
第三幕
https://www.youtube.com/watch?v=oiuBNRyiRNQ&t=32s
第一幕 經典詠嘆調 ⟨請好好地愛我⟩（Vogliatemi Bene）
Madama Butterfly - Vogliatemi bene - Jonas Kaufmann and Angela Gheorghiu
https://youtu.be/9Op7RmV7S3c
【推薦近年錄音】普契尼：歌劇「蝴蝶夫人」 / 喬琪歐、考夫曼演唱，帕帕諾 指揮 聖西西里亞國立管弦樂團與合唱團
Jonas Kaufmann and Angela Gheorghiu
唱片解說：在這份由喬琪歐飾的「蝴蝶夫人」問世之前，EMI已經有43年沒有再灌錄過這部歌劇了，若不是喬琪歐在蝴蝶這個角色上出色並大獲好評的演出，不可能說服唱片公司耗費眾多財力和人力再度推出一套前面已經有卡拉絲、史科朵、安赫莉絲等名盤的歌劇。更何況全球目前如此的不景氣、許多唱片公司都已經許多年不再灌錄歌劇錄音，即使有也都只是在歌劇院現場灌錄，很少像本片這樣大費周章訂下錄音室，把管弦樂團和眾多巨星一同請去錄音的。前一套EMI灌錄的馬斯奈「曼儂」錄音，為她贏得2001和2002年留聲機和葛萊美大獎年度最佳歌劇錄音雙料大獎，喬琪歐是當代女高音中最有堅持的，她甚至敢因為導演動輒不顧原著精神和故事內涵，突發奇想設計歌劇而拒演，這讓她和當今許多頂尖歌劇院都產生齟齬，像九零年代她就因為演出「波西米亞人」和大都會歌劇院鬧得不愉快，三年後又因為演「卡門」時不肯戴金髮和大導演柴菲瑞里大吵。由她這樣的堅持，我們就知道，除非這次的「蝴蝶夫人」在音樂、卡司和錄音效果上都符合喬琪歐的期待，她不可能首肯錄音，也不可能同意錄音發行。43年沒有灌錄「蝴蝶夫人」，意味著最近的一份EMI「蝴蝶夫人」錄音，由史科朵灌錄的經典，也是早期立體聲的效果；也表示EMI從來沒有過一份以數位錄音捕捉到這齣歌劇各種聲音細節的錄音，事實上，幾乎全球各大唱片公司都沒有過，所以這套「蝴蝶夫人」，不僅僅是喬琪歐極力讚同肯定的錄音，也是一份錄音音質能夠符合更多人期待與滿意的作品。這份錄音中的男高音考夫曼這五年間迅速崛起，雖然在九零年代就在德國受到矚目，但他這幾年積極從自己拿手的德語歌劇走出來，開始擁抱法語和義語歌劇，則成為他成功轉型、快速把他推上國際上炙手可熱當紅戲劇和抒情男高音的轉捩點，才剛在去年於Decca推出個人第一張詠嘆調專輯的他，由於出色的外型，更讓他成為國際歌劇院爭相邀請的對象。（取自「博客來網路書店」官網）
總譜大考究 - 《蝴蝶夫人》裡的日本旋律
特別感謝：NSO長笛副首席宮崎千佳老師提供筆者資料
第一幕 Act. 1
段落37，中提琴、大提琴與低音管出現《越後獅子》（Echigo Lion）：
《越後獅子》芸妓版本：
https://youtu.be/VqXbM5ubn48
《越後獅子》兒童版本：
我們可以以此版本想像當時出嫁的秋秋桑唱歌的樣貌
https://youtu.be/nyAvYVz9gcQ
段落59，結婚場景，弦樂聲部與低音管Bsn 出現日本國歌（National Anthem ）「君が代」：
「君が代」音樂欣賞：
https://youtu.be/MCRqJIUS-EQ
段落75，雙簧管 Oboe聲部，演奏「櫻花」（さくらさくら / Sakura, Sakura），此曲芸妓表演的必備經典曲目，在台灣大家應該也耳熟能詳：
「櫻花」- 宮城道雄/ 曲
https://youtu.be/MKmWDL1wJvA
段落87，小提琴演奏出《お江戸日本橋》（Oedo Nihonbashi）：
《お江戸日本橋》原曲調欣賞：
https://youtu.be/7wDQK_w4rZM
第二幕 Act. 2
段落3-4之間，長笛聲部奏出日本兒歌《善良好善良》（せっせっせーのよいよいよい）旋律：
日本兒歌《善良好善良》曲調：
https://youtu.be/t5kJxa4WZJ4
段落50，樂團齊奏奏出《かっぽれ/豊年節》
《かっぽれ/豊年節》曲調欣賞（1' 30"處）
https://youtu.be/YN6Xer-zkXk?t=88
另外多處出現這兩首旋律曲調：
《元禄賞花舞/元禄花見踊り》（Genroku flower dance）
https://youtu.be/pSBB5s8AOTw
二、三幕之間多處出現《宮さん宮さん》（Miya-san, Miya-san）曲調，這也是日本慶應四年至明治元年間（明治維新時期）的最初軍歌進行曲：
https://youtu.be/shVw_dbiGw8
美麗的歌劇演出海報
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【苗北講堂】2022上半年系列（二）法國．德布西－牧神午後管弦新聲
【苗北講堂】2022上半年系列（二）法國．德布西－牧神午後管弦新聲
Miaobei Art Center X BONART Music lecture 2022-2
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART
積厚流光 音樂群雄
橫跨歐洲五國．十九世紀的最美的音樂人文風情
藝文講堂為日前重要的藝文參與模式，為營造藝文共學常態環境，本系列講座以「積厚流光 音樂群雄」為設想，橫跨歐洲五國，以十九世紀最美的音樂人文風情為主軸，由超人氣音樂導聆人林仁斌老師用精彩的故事，帶您穿越時空，輕鬆悠遊古典音樂美妙的領域，讓您瞬間化身音樂欣賞達人。
主講：林仁斌老師（蹦藝術網站執行長）
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歐洲五國．五種音樂風情
（二）法國．德布西－牧神午後管弦新聲
111年3月27日(星期日)10:00
德布西以一曲《牧神午後前奏曲》敲響了近代管絃音樂的新聲，他以融合東方音樂與纖細法式層次的管弦樂法，打開了法國二十世紀音樂領域的全新一頁，成為了開創性的英雄人物。在講堂上我們將認識德布西的生平與音樂創作，從中的點點滴滴，了解近代法國音樂獨特的音響效果與配器，打通音樂欣賞的任督二脈。
- 「月光、牧神、阿拉貝斯克」法國印象樂派作曲家德布西(Debussy)
德布西生平、作品介紹與音樂欣賞
以一曲《牧神的午後》前奏曲敲響現代管弦之聲的法國作曲家德布西，其獨特的全音階使用，呼應甘美朗音樂的多層次朦朧美，讓他在所有近代作曲家中獨樹一格，並被法國人視為最具代表性之音樂家之一。
鋼琴曲《月光》更是許多影視作品中廣為引用之經典作品（如電影《暮光之城》）；而德布西從鋼琴作品、歌曲至管弦樂創作，皆有獨到之處，其充滿個人色彩之細膩音樂作曲風格也是本場講座中最值得聽眾們細細品味之處。
電影《暮光之城》的《月光》片段
https://youtu.be/YIjwMEVfPwM
《月光》五分鐘教學 - 巴倫波因
https://youtu.be/XiWfPJLp2ko
法國音樂的榮光．德布西
1913年，德布西於巴黎錄下的「Welte-Mignon系統」珍貴錄音：
《葛拉納達的黃昏》（La soirée dan Grenade）
https://youtu.be/PekrB_IuGIc
青少年時期（1862-1887）
（作曲家基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
德布西在1862年8月22日誕生於法國巴黎近郊聖日耳曼昂萊鎮（Saint-Germain-en-Laye, FR），德布西來自於中產階級的小家庭：父親馬努耶爾-阿希爾（Manuel-Achille Debussy, 1836-1910）與母親薇托琳（Victorine Manoury Debussy, 1836-1915）開在小鎮裡的陶器店。三歲時陶器店因業績不佳而倒閉，不久後，全家搬入巴黎市區展開新生活，這期間為維持家計，父親曾任售貨員以及印刷工廠工人，母親則轉任裁縫師，一家人攜手過著簡單的日子。
1906年左右，德布西與雙親的合照
現在，德布西位於聖日耳曼昂萊鎮（Saint-Germain-en-Laye, FR）的出生房子，已經修建為德布西博物館：
音樂之路的開始
1871年時，父親馬努耶爾因「巴黎公社事件」而入獄，在獄中結識了詩人魏倫 (Paul-Marie Verlaine, 1884-1896) 的岳母：莫泰夫
人 (Mme Mauté de Fleurville, 1823-1883)，後來德布西透過父親而認識她。
象徵派詩人 - 魏倫 （Paul-Marie Verlaine, 1884-1896）照片，德布西著名的《月光》靈感正來自於魏爾倫的同名詩《月光》，而魏倫詩中所提到的Bergamasques，也成為了德布西創作的《貝加馬斯克組曲》（Suite bergamasque）標題名稱 。（筆者註：《貝加馬斯克組曲》由⟨前奏曲⟩（Prélude）、⟨小步舞曲⟩（Menuet）、⟨月光⟩（Clair de lune）和⟨巴瑟比埃舞曲⟩（Passepied）等四個樂章組成）
魏倫《月光》中法翻譯
─ 保爾‧魏爾倫（Paul Verlaine），〈月光〉（Clair de Lune）
（翻譯出處連結）
| 法文 | 中文 |
|---|---|
| Votre âme est un paysage choisi
Que vont charmant masques et bergamasques Jouant du luth et dansant et quasi Tristes sous leurs déguisements fantasques. Tout en chantant sur le mode mineur L'amour vainqueur et la vie opportune Ils n'ont pas l'air de croire à leur bonheur Et leur chanson se mêle au clair de lune,Au calme clair de lune triste et beau, Qui fait rêver les oiseaux dans les arbres Et sangloter d'extase les jets d'eau, Les grands jets d'eau sveltes parmi les marbres. |
你的靈魂是絕美風景，
貝加馬斯克面具令人忘情， 魯特琴伴奏中舞蹈歌唱， 奇特裝扮下暗藏傷心。 他們以小調吟唱， 詠歎愛的勝利與生之歡慶， 他們似乎不相信自己的幸福， 歌聲混在月光裡。寂靜月光，哀愁美麗， 讓鳥兒在樹叢中入夢， 使噴泉因狂喜而啜泣， 在大理石像間飛騰入空。 |
莫泰夫人（Mme Mauté de Fleurville）本身是一位優秀的鋼琴家，曾是蕭邦 (Frédéric Chopin, 1810-1849) 的入室弟子，也可說是德布西音樂才華的啟蒙者。
她教授德布西彈鋼琴，並在1872年時，幫助德布西進入巴黎音樂院，負擔起他大部分的學費。
入學巴黎音樂院後，德布西師從鋼琴家安東尼.馬蒙泰 （Antoine François Marmontel, 1816-1898）鋼琴高級班，馬蒙泰教授也是最先發掘德布西的音樂特質 與眾不同的老師，並且也肯定了他的音樂才能。
馬蒙泰於 1848年至 1887年間任教於巴黎音樂院，他所教過的傑出學生有：比才（Georges Bizet）、丹第（Vincent d' Indy）、Francis Plante、Louis Diémer、Émile Paladilhe、Albert Lavignac、德布西（Claude Debussy）與瑪格麗特.隆（Marguerite Long）等等。
求學過程
1884年時，德布西以《浪子》(L’Enfant Prodigue, 1884) 這部作品奪得羅馬大獎，並獲得到羅馬留學的機會，在此期間他也認識了李斯特 （Franz Liszt, 1811-1886）。李斯特鼓勵他在羅馬的小教堂內演奏文藝復興時期作曲家帕勒斯替那 (Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525-1594) 及 拉索 (Orlando di Lasso, 1532-1594) 的作品，他們的對位寫作方式令德布西讚嘆不已，並開啟了他日後創作的不同視野。
德布西《浪子》手稿
雕刻家 羅丹（Auguste Rodin, 1840-1917）同名作品欣賞
浪子 L'enfant prodigue
德布西於1884年獲得羅馬大獎後的2月份，居住於義大利羅馬梅帝奇別墅（Villa Médicis）：
年輕的德布西，1885年與友人們留影於義大利梅帝奇別墅：（找得到德布西在哪裡嗎？）
看來在那個年代，這邊應該是「網美」景點XD
音樂風格大轉變
1879年的德布西照片（17歲）
1887年起，德布西兩次走訪華格納 (Richard Wagner, 1813-1883) 歌劇的演出主場：拜魯特 (Bayreuth)，聆聽華格納知名作品《崔斯坦與伊索德》(Tristan und Isolde, 1859) 以及《帕西法爾》(Parsifal, 1877-1882)。
當時法國的音樂環境氣氛明顯受到普法戰爭的戰敗結果所影響，一派以法蘭克等作家為首之作曲家，認為以華格納為首的輝煌交響效果，是音樂家接應該仿效的。
另一派以聖桑、薩提為代表，則認為法國人應該找出自己的音樂風格，走出屬於自己的路。
德布西原本十分傾慕華格納，但後來其思想受俄國國民樂派、東方音樂以及象徵主義的影響，並有感於華格納旋風的威脅，決心要創作出屬於法國的音樂，不屈服於歐洲的華格納風潮下。
聖桑的特殊貢獻 1870年，聖桑參與了國家防衛軍，並參加了普法戰爭。1871年普法戰爭後，為激勵法國作曲家的創作與發揚法國新音樂精神，而創立國家音樂協會（National Society of Music）。聖桑以組織主席身分，公開首演社團成員的作品，包括佛瑞、法朗克、拉羅及他本人的作品，逐漸地他成為塑造法國音樂將來的重要人物。 聖桑一生中的各項活躍，顯現他是一位思慮完整且充滿創新與復古精神並存的矛盾傑出人物：作為一個古典主義出發的藝術創作者者，他同時也在自己所生活的浪漫主義時代，寫作出帶有浪漫風格的創作，但在作曲手法與風格上，卻不落俗套且深受古典主義影響。而作為當代法國交響樂和室內樂的先驅，他的努力寫作與推廣，更讓他成為了當代權威音樂家。 提攜後輩的不遺餘力，並對當代法國音樂發展有著影響卓著的貢獻。 回顧法國在普法戰爭（1870年）中戰敗後，他的思想中即出現了明確的民族主義，並於1871年與巴黎音樂學院的歌唱教授羅曼·布辛（Romain Bussine）一起創立了法國國家音樂學院——正如當時的一份成立聲明所述：「幫助法國作曲家創作和普及所有嚴肅作品，無論是否出版」。而音樂學院早期的成員包括 Duparc、Fauré、Franck 和 Massenet等人。 如果當時沒有成立法國國家音樂學院，許多我們現在熟知的19世紀晚期法國最重要的管弦樂和室內樂作品，您可能永遠不會聽到——或者，事實上，不會被寫出來。
至此，德布西已經準備走向全新的未來。
音樂欣賞：《水的倒影》（Reflets dans l'eau）
https://youtu.be/L47SRue0gt8
印象派的由來
ㄧ、攝相技術的發明
二、繪畫風格之轉變
萬國博覽會
1889年德布西參觀了在巴黎舉行的萬國博覽會（Universal Exhibition），首次接觸了來自爪哇的甘美朗音樂（Gamelan）， 立即被此形式與節奏的自由、具有東方神秘色彩、五聲音階調式的新鮮音樂風格所深深吸引，他對東方異國情調的音樂產生濃厚的興趣。加上他對華格納音樂的理解，由認同改為要與之抗衡～於是他的內心開始進行了激烈的想法，思考著未來創作的方向。
1889年萬國博覽會 1889年世界博覽會在法國首都巴黎舉行，自5月6日至10月31日，為期共150天，目的是紀念法國大革命起點——巴士底監獄暴動——百週年，在這場世界博覽會，艾菲爾鐵塔成為最耀眼的代表，於1889年建立完成，並且以它作為展覽會場的入口。 這場博覽會有三十五個國家參展，佔地0.96平方公里（九十六公頃），包括戰神廣場、the Trocadéro、奧塞碼頭、一部份的塞納河和榮軍院。總計花費：41,500,000法郎，回收金額49,500,000法郎，人次：32,250,297人。
《海》與甘美朗音樂（5'26"）
德布西《版畫》組曲中，共包含三首小品，分別為塔（Pagodes）、格拉納達的黃昏（Soirée dans Grenade）、雨中庭園（Jardins sous lapluie）。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-debussys-estampes/
塔（Pagodes）（文字引用自鋼琴家廖皎含音樂網站）
1889年，德布西在巴黎世界博覽會中聽到甘美朗（Gamelan）音樂，立刻被具有濃厚東方色彩的音樂所吸引，因而激盪出創作靈感，寫下〈塔〉，當中使用中國五聲音階的羽調式，融合甘美朗音樂中的多層音色渲染，以不同節奏的變化方式反覆出現，營造出濃厚的東方神秘風格，使人聯想起遠東某一場所或建築的映象，此曲不侷限於單純的描寫，而是藉著難以言傳的氣氛，將聽眾引導到如夢似幻、光線纖細的國度。
塔（Pagodes） - 鋼琴版附樂譜
https://youtu.be/lswHSnJ0Rlw
https://youtu.be/-S39pjLQB1s
塔（Pagodes） - André Caplet (1878-1925) 管弦樂版
https://youtu.be/yYncDQnjhqg
詩人．藝術家的週六聚會
逐漸與詩人、藝術家為友的德布西，也加入了象徵主義詩人們的聚會，開始受到詩人們描繪藝術的各種風格影響，他也開始持續醞釀著音樂上的創作。
牧神午後前奏曲
終於1894年，他根據詩人馬拉梅（Stéphane Mallarmé, 1842-1898）的詩所譜寫的《牧神的午後前奏曲》（Preludé á L’apres-midi d’un faune, 1892-1894）完成，大受各界好評與歡迎，德布西終於從「一位普通的青年作曲家」，轉型成為「具有才氣、光明未來的年輕音樂家」，他終於找到了自己未來的方性，也因為他確立了未來音樂風格的走向，更為法國接下來的20世紀音樂，開創出一條全新的道路。
延伸閱讀
【BON音樂】淺談德布西《牧神午後前奏曲》
音樂欣賞：德布西：<水妖>（Sirenes）
https://youtu.be/-QMAlGAoiuQ
法語歌劇
1893年，德布西在看過梅特林克的象徵派話劇「佩利亞與梅麗桑」（Pélleas et Mélisande）後，便構思以此為題材來創作歌劇，在歷經長時間的創作及不斷修改後，終於在1902年在巴黎首演同名歌劇作品《佩利亞與梅麗桑》，雖然首演時未能全面受到好評，但隨著時間的證明，《佩利亞與梅麗桑》不但成為德布西的代表作，更成為法國歌劇界的代表作品之一。
創作力源源不絕
自此之後，德布西成功地開創新的印象主義音樂風格，不斷寫作各類型音樂作品。
自1901年起的十幾年裡，他創作了許多具代表性的印象派作品，例如：《版畫》(Estampes, 1903)、 《海》(La Mer, 1903-1905)、兩集《映象》 (Images, 1905, 1907)、《兒童世界》 (Children’s Corner, 1906-1908)、《快樂島》(L’isle Joyeuse, 1904) 等等，
兩段婚姻
德布西的前後兩任妻子
德布西與女兒 Claude-Emma（小名 ChouChou）
《兒童天地》完成於1908年，在樂譜的扉頁，德布西寫道：「以下這些曲子，是父親最溫柔的心聲，獻給我最寶貝的秀秀。」秀秀 (Chou-Chou) 是德布西對愛女的暱稱。在這部作品中，可發現德布西的幽默、輕妙、譏誚及對童年的追憶，並藉此抒發了他身為人父，對兒童世界的真摯情感。
共由六曲組成：
《老頑固》(Doctor Gradus ad Parnassum)
《大象催眠曲》(Jimbo’s lullaby)
《洋娃娃小夜曲》(Serenade of the doll)
《粉雪飛舞》(The snow is dancing)
《小牧羊人》(The little shepherd)
《黑娃娃步態舞》(Golliwogg,s Cake-Walk)。
《兒童天地》樂譜版本欣賞
Debussy: Children's Corner (Crossley, Bavouzet)
https://youtu.be/1k_OLrK4ZuE
Seong-Jin Cho – Debussy: Golliwog's Cakewalk
https://youtu.be/p5Rhv1E3tEM
德布西與海
延伸閱讀
【BON音樂】淺談德布西：交響素描 «海»（La Mer）
《海》初版封面
日本浮世繪畫家葛飾北齋所匯《富嶽三十六景》之 ⟨神奈川沖浪裏⟩
樂譜封面
20法郎紙幣．背後有玄機
生活照
中國文物．也吸引德布西
除了日本浮世繪之外，德布西也喜愛中國文物，有執扇銅像瓷器、特殊紋路的木櫃、各種動物瓷器與銅器器等等，都是自中國旅遊的友人們知道德布西喜愛東方文物，因此特別帶回法國致贈給他，作為收藏。
回歸絕對音樂
1915年時德布西的創作手法開始回歸絕對音樂，他應用了奏鳴曲式回歸最傳統的作曲手法，並計畫寫作六首奏鳴曲，但只完成三首便與世長辭，這三首作品分別是： 《大提琴與鋼琴奏鳴曲》 《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》 《小提琴與鋼琴奏鳴曲》 《長笛、中提琴與豎琴奏鳴曲》（Sonate pour Flute, Alto et Harp），是由牧歌（Pastorale）、間奏曲（Interlude）和終曲（Final）三個樂章所組成。這是德布西晚年所寫的三重奏鳴曲中規模最大的一曲，三種平常難得被湊在一起的樂器，透過德布西精密和聲與音域之安排，展現出魅力無窮，且充滿全新色彩的獨創性與演奏效果。
原創．探索音樂中的神秘
5 Minutes On... Debussy - Estampes 1. Pagodes | Daniel Barenboim
https://youtu.be/OdB2lkzG_v4
5 Minutes On... Debussy - Estampes 2. Soirée dans Grenade | Daniel Barenboim
https://youtu.be/mWDA1OKpOrA
5 Minutes On... Debussy - Estampes 3. Jardins Sous La Pluie | Daniel Barenboim
https://youtu.be/Ybr7pR_d_x0
德布西的樂思源源不絕，一層又一層的音色反映在他使用的三行記譜上：
在德布西故居博物館裡，也有著這樣的《金魚》立體版畫收藏品：
兩冊前奏曲集
1913年德布西完成了二十四首前奏曲，《前奏曲》分為兩集，一集各有十二首樂曲，細膩的創作內容將其鋼琴創作推到顛峰：
第一冊前奏曲，由以下十二首樂曲所組成：《特爾菲的舞姬們》(Danseuses de Delphes)、《帆》(Voiles)、《吹過原野之風》(Le vent dans la plaine)、《飄散在暮色中的聲音和香味 》 (Les sons et les parfumes tournent dans l’air du soir) 、《 阿納卡普利的丘陵 》(Les collines d' Anacapri)、《雪泥蹤跡》(Des pas sur la neige)、 《西風所見的東西》(Ce qu'a vule vent d'Ouest)、《棕髮女郎》(La fille aux cheveux de lin)、《中斷的小夜曲》(La serenade interompue)、《沈沒的教堂》(La cathedale engloutie)、《迫克之舞》(La danse de Puck)、《遊吟詩人》(Minstrels)。
第二冊前奏曲，同樣有十二首樂曲：《霧 》(Brouillards)、《枯葉》(Feuilles mortes)、《威諾之門》(La Puerta del Vino)、《妖精是出色的舞者》(Les fées sont d’exquises danseuses)、《石南叢生的荒地》(Bruyéres)、《古怪的拉威奴將軍》(General Lavine-eccentric)、《月光下的陽台》(La terrasse des audiences au clair de lune)、《水妖》(Ondine)、《皮克威克卿禮讚 》(Hommage à S. Pickwich, Esq., PPMPC)、《骨壺》(Canope)、《交替的三度》(Les tierces alternées)、《煙火》(Feux d’artifice)。
Debussy: The Complete Preludes (Zimerman)
https://youtu.be/FcnYbpJhpN4
十二首練習曲集
《十二首練習曲集》完成於1915年，並題獻給蕭邦。德布西在曲集首頁寫下：「為了懷念蕭邦 (1810-1849)」， 以表達對他的敬意。這部作品在和聲、節奏等技巧上，可說是集德布西獨特鋼琴技法之大成，是一部技巧艱深的練習曲。
值得注意的是，德布西在曲中未標示出指法。他在序中指出：「在這部練習曲中，我刻意不註明指法，因為每一個人的手指構造不同，如果硬要指定他人用什麼指法彈奏的話，恐怕不太合理。」由此可得知這部練習曲的與眾不同之處。
這套練習曲集中包括了十二首樂曲:《為全部五隻手指》(Pour les cing doigts)、《為三度的》(Pour les tierces)、《為四度的》(Pour les quartes)、《為六度的》 (Pour les sixtes)、《為八度的》(Pour les octvaes)、《為八隻手指的》(Pour les huit doigts)、《為半音階的》(Pour les degres chromatiques)、《為裝飾音的》(Pour les agrements)、《為重複音》(Pour les notes repetees)、《為對比音響的》(Pour les sonorites oposees)、《為琶音的》(Pour les arpeges composes)、《為和弦的》(Pour les accords)。
Debussy - Étude 1 pour les cinq doigts d'après Monsieur Czerny（Walter Gieseking）
https://youtube.com/playlist?list=PLlWjMgPZmnaV2_74hIqYbRKU2F0I2kdUW
最後遺容與墳墓
1917年9月14日舉行了德布西的最後一場作品音樂會（小提琴奏鳴曲首演）之後，德布西於1918年初開始臥床不起，後於1918年3月25日，德布西因直腸癌於巴黎逝世，未能等到第一次世界大戰結束的和平再臨，享年55歲。
德布西的手稿去處
德布西過世之後，遺孀Emma Bardac則將他的手稿整理並開始出售給各單位，法國國家圖書館是主要的購買方。也因此目前許多德布西重要手稿均可在法國國家圖書館中閱覽，給後世音樂學者與音樂家們研究這珍貴的音樂遺產
德布西珍貴美麗的手寫樂譜，實在漂亮
德布西音樂與其他領域美妙的結合
筆者非常喜愛的滑冰選手 - 金妍兒（月光）
https://youtu.be/6V10m-fuqZY
金妍兒（夢幻曲）
Yu-na kim montage (Debussy-Reverie).
https://youtu.be/i1FdwH-8zMk
《月光》與劇場表演相結合
Clair de lune (Debussy): Alexandre Tharaud, Yoann Bourgeois - piano & dance
https://youtu.be/SFRiHQ-Lwzk
【補充資料】
德布西生平簡介
https://youtu.be/4tgf2gcPqbU
1999年巴倫波因的德布西紀錄片
https://youtu.be/EZ5h10GlT04
德布西的愛與人生
https://youtu.be/489EF2Tgyw8
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【BON音樂】台灣馬勒愛樂協會第92次講座《為何聽馬勒？從交響曲至宇宙萬物之聲的生命哲學》
【BON音樂】台灣馬勒愛樂協會第92次講座《為何聽馬勒？從交響曲至宇宙萬物之聲的生命哲學》
Mahler Lecture - Why Listen to Mahler?
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台灣馬勒愛樂協會 第92次講座
《為何聽馬勒？從交響曲至宇宙萬物之聲的生命哲學》
林仁斌 老師主講
✦ 馬勒生平與交響曲創作之關聯性
✦ 馬勒交響曲使用樂器原聲之來源
✦ 馬勒樂譜閱讀與術語理解之建議
研究馬勒的音樂，在現代，是一門顯學，更是一門從交響曲延伸至宇宙萬物之聲的音樂生命哲學 對於馬勒的音樂創作，理解與認識他的生平與生命歷程是必要的；許多出現在交響曲中的號角聲，以及是特定的音程與主題，甚至使用藝術歌曲做為創作靈感旋律來源，到獨特的生死哲學，都是我們認識這位晚了幾乎半世紀才被世界肯定的作曲家的重要線索。 在本場《為何聽馬勒？從交響曲至宇宙萬物之聲的生命哲學》專題演講中，蹦藝術林仁斌老師將以豐富的影音材料，搭配樂譜閱讀，帶領所有聽眾們再次回味馬勒迷人的音樂世界。
先讓馬勒本人原音重現
馬勒珍貴的1905年紙捲鋼琴錄音欣賞與介紹
https://bonart.com.tw/mahler-plays-mahler-piano-rolls-recordings-1905/
馬勒曾經自述：「交響曲必須包含整個世界，必須包含萬事萬物的聲音。」在他的交響曲中，世界自成一格，並且包含宇宙之聲。
綜觀馬勒一生的創作生涯，他不斷地在交響樂的各種創作領域與作曲手法中，將音樂推展至極致。對於這位已在在21世紀當代備受喜愛的作曲家，他的音樂是這天地之間全新的創作彷彿黎明之前的破曉，但在他所生活的20世紀初期，他的音樂仍處在毀譽參半的狀態。
馬勒曾說過：「我的時代終將來臨！」
在馬勒已經逝世一百多年之後的現在～全球滿滿都是馬迷
這也印證了馬勒曾說的「別人擁有當代，然而我卻掌握了未來！」
這句話，看似豪語，但果然在二十世紀中期，逐漸得到了印證
——馬勒的時代，確實已然到來！
✦ 馬勒生平與交響曲創作之關聯性
為何要聽馬勒？該如何聽馬勒？
45首歌曲．十首交響曲
從生平與人生故事說起...
為何聽馬勒？
https://youtu.be/jL1kL4EARAM
延伸閱讀（維基百科）
作曲家馬勒生平
出生在無名之地．伊格勞
馬勒的故鄉伊格勞（Iglau）屬於捷克共和國的一部分，維也納到布拉格之間的一個省級中轉站，也是當時奧地利帝國在地理戰略上保衛國家免於被普魯士侵略的軍事重鎮之一。（現在這裡因為馬勒，變得超有名XD）
延伸閱讀
第一號交響曲《巨人》
https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-1-titan-2/
延伸閱讀
馬勒：《旅人之歌》聯篇歌曲 介紹
https://bonart.com.tw/mahler-lieder-eines-fahrenden-gesellen/
✦ 馬勒交響曲使用樂器原聲之來源
【馬勒紀錄片 - Part.1 起源】
Keeping Score | Gustav Mahler: Origins (FULL DOCUMENTARY AND CONCERT)
https://youtu.be/v5DfYcT5icY
【馬勒紀錄片 - Part.2 遺產】
Keeping Score | Gustav Mahler: Legacy (FULL DOCUMENTARY AND CONCERT)
https://youtu.be/2qv_vCHZkcg
馬勒第一號交響曲 V.S. 貝多芬與布拉姆斯
馬勒第一號 第一樂章
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
貝多芬：第九號 第一樂章
https://youtu.be/ixpfgm_xxSE
布拉姆斯第二號 第四樂章
https://youtu.be/HCkSpCh4Wcw?t=2083
延伸閱讀
第二號交響曲《復活》
https://bonart.com.tw/mahler-symphony-no-2-resurrection/
無以名狀的漂泊感．三重無國籍
終身漂泊，一生憂患意識極高的馬勒曾說：「我是一個『三重』無國籍的人：奧地利人說我出生在波希米亞，德國人說我是奧地利人，世界上的其他人則認定我是猶太人。不管哪一個地方都勉強地收容了我，可是卻沒有一個地方真正歡迎我...我是一個三重無國籍的流浪者...」
馬勒生平傳記 紀錄片
《BBC Great Composer》：Mahler
https://youtu.be/OnBNFRzdkIM
您～也能成為馬勒專家！
✦ 馬勒樂譜閱讀與術語理解之建議
關於馬勒作品中的音樂術語
譜例：第一號交響曲《巨人》總譜第一～三頁
總譜閱讀
第一號交響曲《巨人》總譜
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
譜例：第二號交響曲《復活》總譜 扉頁與第一頁
總譜閱讀
第二號交響曲《復活》總譜
https://youtu.be/q5rEzHN8IKA
推薦APP《Mahler Translation》
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：美麗鋼琴家 卡蒂雅·布尼亞季什維利 Khatia Buniatishvili
【BON音樂】大人的音樂欣賞：美麗鋼琴家 卡蒂雅·布尼亞季什維利 Khatia Buniatishvili
Beautiful International Pianist - Khatia Buniatishvili
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大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-演奏家(2022/2/17週四下午班，共5堂)：解讀五大演奏家│帕華洛帝X慕特X葛莉茉
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-芭蕾音樂(2022/3/31週四下午班，共5堂)：《天鵝湖》《胡桃鉗》《火鳥》
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
本期的音樂欣賞課，超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師將帶領大人認識當代著名的音樂演奏家。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大演奏家為主題，讓學員透過音樂家的個人經歷及音樂作品，了解他們詮釋音樂的獨特方式。你會更了解世界知名的男高音帕華洛帝，也會認識極具天賦的知名女性小提琴家慕特與小提琴大師帕爾曼，以及當代鋼琴家葛莉茉及卡蒂雅，細細品味音樂中的豐沛的情感，也了解演奏家的際遇為他們的音樂上了哪些色彩，更為自己的生活注入更多繽紛。
❤️《延伸閱讀》大人的音樂欣賞線上直播課程好嗎？學員真實回饋分享
❤️《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋，看他們用音樂為生活注入繽紛
第5堂：來自喬治亞～美麗鋼琴家卡蒂雅·布尼亞季什維利
新生代鋼琴家卡蒂雅·布尼亞季什維利（Khatia Buniatishvili），本身就自帶明星光環，更是全球公認的音樂之星。來自喬治亞的海濱城市巴統，從三歲就開始學習鋼琴，年僅六歲便舉辦了第一場個人協奏曲音樂會，並於2008年獲得第12屆魯賓斯坦國際鋼琴大賽第三名，同時是SONY的簽約唱片明星。在本堂課中，林仁斌老師將深度剖析卡蒂雅的演奏特色與唱片曲目，帶領學員好好認識這位擁有過人天分的演奏家。
今天的音樂名家：卡蒂雅·布尼亞季什維利 （Khatia Buniatishvili, b,1987.06.21.），是來自喬治亞的美麗新生代鋼琴家。
→官方網站
數位平台．唱片欣賞
卡蒂雅於1987年出生於喬治亞海濱城市商業重城巴統（喬治亞語
卡蒂雅近期音樂會行程
外交部網站資訊：喬治亞
「鋼琴女王」阿格麗希如此評價她：「卡蒂雅是一個十分傑出的青年鋼琴家，我對她不凡的鋼琴天分、自然流露的音樂性、想像力，以及光輝燦爛的技巧印象深刻。」
1998年卡蒂雅上鋼琴大師班紀錄片
A young Khatia Buniatishvili in Masterclass with Professor Michel Sogny
https://youtu.be/hIKkwaLx77o
2003年贏得基輔霍洛維茨鋼琴比賽特別獎和伊麗莎白L
卡蒂雅·布尼亞季什維利 唱片整理：
2011 - Franz Liszt, Solo Piano album (Sony Classical)
2012 - Chopin, with the Orchestre de Paris, Paavo Järvi (Sony Classical)
2014 - Motherland, Solo Piano album (Sony Classical)
2016 - Kaleidoscope, Solo Piano album (Sony Classical)
2016 - Liszt Beethoven with the Israel Philharmonic Orchestra, Zubin Mehta (Sony Classical, DVD/Blu-Ray )
喬治亞48小時快閃 - 紀錄片
https://youtu.be/daBYKmAAEqQ
2017 - Rachmaninoff with the Czech Philharmonic, Paavo Järvi (Sony Classical)
除了喬治亞語，深具語言天賦的卡蒂雅還能說流利的法語、英語、德
卡蒂雅的姐姐Gvantsa Buniatishvili也是鋼琴家，兩人常常一起
Khatia Buniatişvili Gvantsa Buniatişvili Concert for Pianos and Orchestra：
https://www.youtube.com/watch?v=UEjLQxTG7SQ
演奏動聽的小品，卡蒂雅總能帶著滿滿的情緒以及深刻的樂句：
Khatia Buniatishvili - Erik Satie: Gymnopédie No.1
https://youtu.be/TL0xzp4zzBE
欣賞卡蒂雅精彩的協奏曲演出：舒曼a小調鋼琴協奏曲
https://www.youtube.com/watch?v=YqXvrVX6lU4
欣賞卡蒂雅精彩的森林音樂會演出：（Das Waldkonzert）
https://www.youtube.com/watch?v=T_5ybBn-2Xk&t=20s
2017年 Khatia Buniatishvili Live' at iTunes Festival
演奏曲目與時間： 1. Frederic Chopin - Étude Op. 10, No. 12 in C Minor, Revolutionary Étude 0:20 2. Claude Debussy - Suite Bergamasque No. 3 in D-Flat Major: Clair de Lune 2:56 3. Franz Liszt - Mephisto Waltz No. 1 8:26 4. Franz Liszt - Liebesträume No. 3 18:25 5. Frederic Chopin - Waltz in C sharp Minor Op. 64, No. 2 24:05 6. Georg Friedrich Händel - Menuet from Suite in G Minor, HWV 439 27:55 7. Maurice Ravel - La Valse 31:45 8. Johann Sebastian Bach - Cantata BWV 208, Aria: Schafe können sicher weiden (arr. E. Petri for piano) 41:37
https://www.youtube.com/watch?v=QbgRfwwNRJU
Khatia Buniatishvili 的拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲 Live'
https://youtu.be/TLpufG9s0QY
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【苗北講堂】2022上半年系列（一）德國．布拉姆斯－浪漫時期古典精神
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Miaobei Art Center X BONART Music lecture 2022-1
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積厚流光 音樂群雄
橫跨歐洲五國．十九世紀的最美的音樂人文風情
藝文講堂為日前重要的藝文參與模式，為營造藝文共學常態環境，本系列講座以「積厚流光 音樂群雄」為設想，橫跨歐洲五國，以十九世紀最美的音樂人文風情為主軸，由超人氣音樂導聆人林仁斌老師用精彩的故事，帶您穿越時空，輕鬆悠遊古典音樂美妙的領域，讓您瞬間化身音樂欣賞達人。
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歐洲五國．五種音樂風情
（一）德國．布拉姆斯－浪漫時期古典精神
111年3月20日(星期日)10:00
布拉姆斯承襲舒曼的浪漫精神與貝多芬的古典主義作曲方向，在十九世紀浪漫主義興盛的時代，以其完美主義著稱，更是當代維也納與德意志風格的音樂領袖人物。「純白如雪，亮如晶鑽」不但是當年舒曼慧眼識英雄的至高評價，更是我們當代欣賞其音樂的重要指標。
約翰尼斯·布拉姆斯（Johannes Brahms, 1833-1897）是浪漫主義中期德國重要作曲家。他的音樂風格自始至終追隨貝多芬之後的古典主義，雖然浪漫主義對他影響亦非常深刻巨大，但終其一生其音樂風格皆為德國浪漫時期中流砥柱，是您欣賞古典音樂不容錯過的重要音樂家。
三B音樂家
19世紀重要德國指揮家、鋼琴家和作曲家，漢斯·馮·畢羅將布拉姆斯與巴哈、貝多芬並陳，稱為「三B」，留下了這項音樂史的偉大稱號。
20歲的布拉姆斯畫像
生平早年
（資料整理於於網路與維基百科，並附上連結供參考）
布拉姆斯的父親——約翰·雅各布·布拉姆斯（Johann Jakob Brahms,1806－1872）是位業餘音樂家，從迪特馬爾申來到漢堡尋求音樂演奏的工作。他擅長多項樂器，但主要演奏小號和低音提琴。1830年，他娶長他17歲的裁縫約翰娜·亨麗卡·克麗斯蒂安·尼森（Johanna Henrika Christiane Nissen，1789－1865）為妻，由於父母親的血緣關係，布拉姆斯屬於純正北德國人血統。
布拉姆斯的父親：約翰.雅各布.布拉姆斯：
出生於1833年的二子布拉姆斯上有一姊，下有一弟。布拉姆斯出生後，全家先是在漢堡通道區（工人階級的住區）住了六個月，然後搬到內阿爾斯特湖旁的達姆托瓦街（Dammtorwall）。
布拉姆斯也短暫地學習過大提琴，年輕時也在漢堡開過幾場公開演奏會，直到十九歲進行巡演之後，才逐漸打響名聲。
與匈牙利音樂家結緣
1853年四月到五月，布拉姆斯擔任匈牙利小提琴家愛德華.雷門尼（Eduard Remenyi, 1828-1898 ）的鋼琴伴奏，一同巡迴演出。
途中他在漢諾威遇到了同為小提琴家和作曲家的約瑟夫·姚阿幸（Joseph Joachim），在威瑪宮廷又認識了李斯特（Franz Liszt）。二人見面時，李斯特親自視奏了布拉姆斯的《詼諧曲》。
但據資料記載，布拉姆斯可能在李斯特演奏作品《b小調鋼琴奏鳴曲》時打了瞌睡…後來布拉姆斯對於音樂會中睡著的解釋是自己在旅途中過於勞累，在音樂理念未能彼此認同的因素之下，因此未能與李斯特進一步熟識。
結束了威瑪之旅，布拉姆斯繼續搭火車到了杜塞道夫，帶著約姚阿幸的推薦信終於見到了當時著名的音樂夫妻檔舒曼與其夫人克拉拉。
布拉姆斯作曲於1853年之弦樂四重奏曲《偉大姚阿幸風格》
編制：兩把小提琴、大提琴與低音大提琴
Brahms’s “Hymn in Veneration of the Great Joachim
布拉姆斯與舒曼夫婦的緣分
前因．1850年
1850年時，17歲的布拉姆斯曾將自己的作品送到舒曼住處，想得到知名的舒曼的評論與教導。然而，他所得到的反應並不如預期：送過去的作品有的被退回，或甚至直接被忽視。
終於．1853年
1853年時，布拉姆斯因認識姚阿幸，再次得到姚阿幸建議，強烈建議布拉姆斯到杜塞道夫親自造訪舒曼夫妻，並幫他寫了推薦函。也許這次他身上帶了姚阿幸的推薦信，舒曼知道後很歡迎他：1853年9月30日，布拉姆斯到杜塞道夫造訪舒曼夫妻。
據說當天夫妻倆不在，因此布拉姆斯等到次日，也就是10月1日，才終於見到這對知名夫妻音樂家。
這年，布拉姆斯20歲，舒曼43歲，克拉拉34歲。
布拉姆斯這次也帶著作品登門造訪，希望能獲得舒曼的建議…。
演奏後，布拉姆斯的音樂才華當場令舒曼驚為天人，立刻請來克拉拉一同聆聽。由於十分欣賞布拉姆斯，舒曼決定留他住下…。
電影《琴戀克拉拉》劇照
在舒曼（Robert Schumann, 1810-1856）的傳記中，女兒尤金妮‧舒曼（Eugenie Schumann） 曾對於她父親和布拉姆斯首次相見的過程中做了一番描述：
「1853 年某天的中午，有位英俊且留著金色長髮的年輕人帶著自己的作品登門造訪我父親，才彈了數小節後，父親馬上打斷年輕人的彈奏並說道：「請等一下，我必須叫我的妻子來。」
等到中餐時，夫妻倆ㄧ再興奮地談論這位有天份的拜訪者，他的名字是布拉姆斯。
純如白雪、亮若晶鑽
1854年，21歲的布拉姆斯照片
身為杜塞道夫音樂總監的舒曼為當時年僅二十歲的布拉姆斯的才華傾倒，並在當時的《新音樂雜誌》裡寫了一篇名為《一條全新道路》的文章，向公眾介紹這位年輕人，公開宣稱其「必然會最完美地表達出這個時代」：舒曼更以「純如白雪、亮若晶鑽」形容布拉姆斯，這也應該是藝術家對於其他藝術家能做出的最高讚美。
寄居舒曼家庭期間，布拉姆斯對羅伯特·舒曼的夫人、長他14歲的作曲家、鋼琴家克拉拉·舒曼產生了感情。這段撲朔迷離的感情，成為兩人一生中緊緊相連的羈絆，直到克拉拉過世為止。
作品欣賞
布拉姆斯第二號鋼琴奏鳴曲 op.2（1852年創作，1853出版）
樂曲題獻給：克拉拉.舒曼（Clara Schumann）
00:00 – I.Allegro non troppo, ma energico (F♯ minor)
06:09 – II.Andante con espressione (B minor)
12:28 – III.Scherzo: Allegro — Poco più moderato (B minor – D major – B minor)
17:01 – IV.Finale: Sostenuto — Allegro non troppo e rubato — Molto sostenuto (F♯ minor, ending in F♯ major)
布拉姆斯第二號鋼琴奏鳴曲之第二樂章「富表情的行板」，是一首根據中世紀「遊唱詩人/戀歌樂人」（Minnesänger）所傳唱的歌曲《我在受罪》（Mir ist leide）主題改編而成的變奏曲。欣賞這美麗動聽的中世紀戀歌：
這激烈的情感，終其一生未曾消逝。
布拉姆斯作品：《舒曼主題變奏曲》（主題當然是描述克拉拉）
Brahms: Variations on a Theme by Schumann, Op.9
28歲的布拉姆斯
布拉姆斯一生未婚，1859年曾與哥廷根一名教授的女兒訂了婚又取消。
1854年舒曼跳萊茵河自殺未遂、進入精神病院後，布拉姆斯作為克拉拉和她丈夫之間主要的中間人，在一段時間內成了實際的一家之長。舒曼死後，布拉姆斯趕到杜塞道夫，在舒曼家附近的公寓裡居住，並為克拉拉而犧牲了他的事業與藝術，但兩年後他離開了克拉拉。
布拉姆斯與克拉拉·舒曼的關係與貝多芬「永恆的愛人」並列為音樂史上最撲朔迷離的謎團：他們是否互相愛戀不得而知，但從他們毀掉相互間的書信一事，可以推測其中或有難言之隱。
跨出作曲．擔任指揮
1856年舒曼去世之後，布拉姆斯時而在漢堡指揮一個女性合唱團，時而在代特莫爾德指揮樂團、教授學生。1859年，他作為獨奏家首演了他的《第一鋼琴協奏曲》。
音樂欣賞：第一號鋼琴協奏曲
齊瑪曼與伯恩斯坦、維也納愛樂名演
布拉姆斯創作此曲是1854年，當年作曲家舒曼跳入萊茵河自殺獲救。克拉拉懷孕與舒曼的第八個孩子，布拉姆斯成為舒曼一家最大的支柱。協奏曲是標準三樂章協奏曲，第一樂章完全反映出布拉姆斯內心吶喊與糾結的混亂感情，而第二樂章之抒情旋律部分更體現出他心中高度溫柔的一面。
1862年，他第一次來到維也納，次年被任命為維也納歌唱學院的指揮。儘管1864年布拉姆斯就辭去了這個職位，並且考慮在別處繼續指揮，他一直主要以維也納為基地。
1869年，他創作了《匈牙利舞曲》（Hungarian Dances），這是一系列共21首主要以匈牙利主題為基礎的的歡快舞曲，包含了他所採集之快慢匈牙利舞曲、民歌、與旋律所譜寫成，每一首的長度大約為1－4分鐘。
《匈牙利舞曲》是布拉姆斯最暢銷與長期最受歡迎的作品，也是他所獲得收入最高之音樂作品。（根據維基百科資料，其實全集裡只有第11、14、16 號是布拉姆斯親自作曲，其餘均為民謠改寫而成）
第一、二輯出版於1869年，第三、四輯出版於1880年：
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第一號《匈牙利舞曲》：
第五號《匈牙利舞曲》：
第六號《匈牙利舞曲》：
榮譽博士學位
1872至1875年，他擔任維也納音樂之友協會的音樂總監。1877年他因為無法赴英國親自領取榮譽博士學位而拒絕了劍橋大學的名譽音樂博士學位，但在1879年接受了布雷斯勞大學的學位，並創作了《大學慶典序曲》以示感謝。（嘿嘿嘿..當初.劍橋大學還規定布拉姆斯一定要親自到校領取榮譽博士學位才要授與他學位，如果知道錯失了這首獻給名曲，應該很扼腕吧～XD）
華語區著名的民謠《遊子吟》，其主旋律就是源自於這首布拉姆斯《大學慶典序曲》主題：
筆者補充：
位於波蘭德語區的布雷斯勞大學（Universität Breslau）創辦於1702年。由創立開始，它一直是德語區內最享福盛名的大學之一，直到第二次世界大戰之後這片領土重劃給予波蘭所有。大學亦是目前下西里西亞區域最大規模的大學，自1945年起已經有超過100,000名畢業生和超過2,000名研究人員，當中很多都取得極高的學術成就。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-academic-festival-overture-op-80/
伯恩斯坦指揮 布拉姆斯《大學慶典序曲》
布拉姆斯熱愛指揮
布拉姆斯十分喜歡指揮，一生中投入相當大的努力與創作來豐富他的指揮。
他才華洋溢的音樂造詣、作曲與一向對於事前準備用心的態度，一步一步成就了他偉大而真實的音樂生涯；累計從1847年至 1875 年間，布拉姆斯共至少接任了五次正式的指揮職務（有樂團也有合唱團）。
下方圖為畫家威利.馮.貝克拉特（Willy von Beckerath）於1895年繪製布拉姆斯指揮神情之精彩素描
奠定指揮名聲
1868年布拉姆斯大型合唱作品《德意志安魂曲》的首演鞏固了作曲家在歐洲音樂界的地位。許多人認為他超越了貝多芬。這也讓布拉姆斯有信心完成一些自己長年缺少進展的作品，比如清唱劇《雷納爾多》、《第一弦樂四重奏》、《第三鋼琴四重奏》，以及最有名的《第一交響曲》：
40年磨一劍．第一號交響曲
儘管布拉姆斯從1860年代初就構思過交響曲的第一樂章，但這部重量級大作直至1876年才終於面世。沈厚的樂思被譽為貝多芬第十號交響曲。
搞笑一下
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-1/
但在1877到1885年短短的八年間，又有接續三部交響曲相繼誕生。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-2/
第三號交響曲 第三樂章 不很慢的稍快板：
寫作於布拉姆斯50歲的成熟之年，彷彿深秋般的濃厚情緒，是他最著名的交響旋律之一
第四號交響曲
創作於布拉姆斯整闕交響曲隨處可見布拉姆斯的匠心獨具，一開始竟是哽咽的哀訴，真是絕無僅有的起頭，然後發展部和再現部又層層堆砌憂鬱感與戲劇性，呈現內心征戰的第一樂章。第二樂章由法國號前導的序奏引導，木管吹出帶著孤寂的樸素旋律，仍然充滿淡淡的憂愁。第三樂章的設計非比尋常，使用戲謔感十足的詼諧曲來打破前二樂章的枯寂氣氛，激昂沸騰的第一主題以樂團總奏出現，其間穿插了典雅的第二主題，而不時冒出清脆的三角鐵鳴聲，使這個樂章顯得分外歡樂。最後是大膽且具有原創力的第四樂章，以夏康（Chaconne）舞曲為主軸，分為一個主題、30個變奏、與一個結尾，主題取材自巴哈第150號清唱劇中的樂段，布拉姆斯早有預謀寫這樣的東西，早在1877年，也就是寫作e小調交響曲8年前的一封給克拉拉的信上及寫道：「在我看來，夏康舞曲是最美妙也最難理解的音樂了⋯⋯，如果我也能創作出這樣的音樂來，相信那種高度的興奮和情感的張力，會令我發狂的。」八年後，理想付諸實現，此一夏康舞曲樂章時而悲痛、時而低吟、時而意氣風發，簡直是布拉姆斯精緻技法的集大成，在反覆變奏中情緒越來越高昇，多采多姿的變奏曲第四樂章終在激昂的尾奏中告一段落，空留惆悵的餘音裊裊。（介紹取自MUZIK聆聽指南）
第四號交響曲 桑得林（Kurt Sanderling, 1912-2011）大師班（張宇安翻譯）
1881年開始，布拉姆斯的作品可以由邁寧根公爵的宮廷樂團試奏，該樂團的指揮是漢斯·馮·畢羅。1881年，布拉姆斯著名的《第二鋼琴協奏曲》在匈牙利布達佩斯首演，由作曲家本人演奏。
布拉姆斯經常旅行，無論是為了公事、演出還是休閒。1878年起，他經常在春季到義大利的鄉村，並在夏天作曲。他喜愛散步，尤其喜歡在戶外思考音樂，因為新鮮空氣讓他頭腦清晰。
創作於1878年的小提琴協奏曲，題獻給好友小提琴演奏家 姚阿幸（Joseph Joachim），由於姚阿幸的協助，充分展現小提琴各個不同音域之美感以及絲絲入扣之演奏技法，被譽為史上最偉大四大小提琴協奏曲之一：
1889年，美國發明家愛迪生的代表西奧·旺格曼來到維也納，與布拉姆斯合作錄製了一張試驗性的LP錄音。布拉姆斯在鋼琴上演奏了一小段他的第一首匈牙利舞曲。儘管錄音開頭的語音簡介清晰可辨，音樂本身卻被噪音淹沒。史丹福大學曾試圖改進過錄音質量。這是最早的一張知名作曲家本人的錄音。
更完整的布拉姆斯演奏 有聲整理版本
1889年，布拉姆斯獲得「漢堡榮譽市民」。
1890年，57歲的布拉姆斯打算停止作曲，但並沒做到。他的許多傑作都誕生於此時直到他過世前的這段時間。在讚賞邁寧根樂團的單簧管演奏家之餘，布拉姆斯創作了一系列包含單簧管的室內樂，包括《單簧管三重奏》、《單簧管五重奏》和兩首《單簧管奏鳴曲》。他也寫了一些鋼琴作品、藝術歌曲和管風琴作品。
布拉姆斯經典優美的《單簧管五重奏》：
優美的第二號單簧管奏鳴曲：
職人精神
「沒有技術，靈感也僅是在風中搖曳的蘆葦。」— 作曲家布拉姆斯
晚期的布拉姆斯，創作越來越走入內心
題獻給克拉拉的op.118六首間奏曲，非常優美。由其是 op.118 No.2，實在浪漫唯美～同時也是電影《色戒》中使用的經典配樂（兩人於上海凱司令咖啡廳見面時的配樂）
間奏曲 op.118 No.2
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-late-piano-works/
op.118 六首鋼琴小品全集（魯岡斯基 Live’）
單簧管演奏版本op.118 No.2
op.117，三首間奏曲，同樣是安慰人心的傑作
op.117，三首間奏曲
完成作品121「四首嚴肅歌曲」後，布拉姆斯也發現罹患癌症...
1896年於Rheinland渡假留下的與Weyermann友人家族合照照片
因為癌症病情日益嚴重，加上克拉拉（Clara Schumann，1819年9月13日－1896年5月20日）逝去，對他心情造成極大影響，他的病情漸漸惡化，1897年4月3日因肝臟病變逝世於維也納，安葬於維也納中央公墓（Wiener Zentralfriedhof），享壽64歲（1833年5月7日－1897年4月3日）。
補充資料．布拉姆斯作品總整理
延伸閱讀
【漫畫】舒曼、克拉拉與布拉姆斯──古典樂史上有名的三角悲戀
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【節慶長笛樂團】2022年暑期《蘭陽長笛音樂節》第十一屆節慶長笛樂團年度活動🎉
【節慶長笛樂團】2022年暑期《蘭陽長笛音樂節》第十一屆節慶長笛樂團年度活動🎉
2022 Festival Flute Ensemble summer music Festival
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節慶長笛樂團Ｘ蘭陽博物館
2022年蘭陽長笛音樂節火熱登場🔥
歡迎與節慶長笛樂團一起在「蘭陽博物館」演出。
以長笛音樂交流，共享一日美好午後時光。
7月2日週六下午14:00-15:30，一起到場欣賞我們的音樂會～
主辦單位：節慶長笛樂團簡介
「2022蘭陽長笛音樂節」各團精彩的節目單
本屆參加團隊介紹🎉
節慶中低音長笛團
媄樂笛長笛樂團
孩童絕技長笛重奏團
歡樂夢想長笛樂團
Amuse長笛室內樂團
特約打擊協演 - 劉元平
特約作曲家 - 李鎮豪
特約低音號演奏家 - 林予捷
協辦單位與演出場館介紹
蘭陽博物館
蘭陽博物館地景音樂廳照片（照片取自網路）
歡樂．專業．玩音樂
活動內容諮詢窗口↓（請掃QR Code）
音樂總監 周欣穎老師 Line條碼
地表最帥．最美．編制最齊全的節慶長笛樂團
節慶長笛樂團擁有最完整的長笛家族樂器：從短笛、長笛、中音長笛、低音長笛，到…低音砲（是…低音號😘啦～）以及最有特色之演出曲目，專屬為長笛特色與團員程度編曲之各種風格樂譜，包含古典、電影、流行、動漫、影集與韓劇，是國內發展最具規模、團員人數也最多之長笛家族室內樂團。（照片攝於2019年樂團於日本福岡ACROS大廳）
音樂總監 – 周欣穎老師
樂團指揮 – 林仁斌老師
2022蘭陽長笛節 音樂會資訊
時間：2022年7月2日（週六）14:00-16:00
地點：蘭陽博物館 地景音樂廳
歡迎加入節慶長笛樂團的行列🎉
👍🏻【節慶長笛樂團】節慶長笛二～六團 週週團練 持續招募團員中～
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節慶長笛樂團歷年精彩活動照片回顧
2019年 節慶長笛樂團年度音樂會
2019年8月份 日本福岡長笛年會
精彩照片
20190810_節慶長笛樂團大合奏 團體照
2018年8月份《暑假瘋長笛～快速學習 Let’s play!!!》活動照片
2018年7月份《節慶樂團華泰瑞苑》音樂營活動照片
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【BON音樂】Sony數位教室專題演講 -超華麗～來趟爆棚音效的管弦樂之旅吧！
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Bursting music in Classical Music
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講座簡介
古典音樂蘊含著數百年音樂家們心血結晶，而管弦樂更是集所有樂器於大成的最完整樂器；每當管弦樂團在指揮驅使之下，逐步邁向音樂高峰時，發出的樂音總能激盪樂迷的心，繞樑三日不絕。 本場音樂講座中，超人氣古典音樂欣賞名家林仁斌將為您細數爆棚管弦樂名曲，搭配Sony最新360環繞音響系統，帶給您極致如真的管弦樂欣賞體驗。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
精彩的管弦樂世界
常見的管弦樂位置圖
→基礎管弦樂團知識
好和弦的管弦樂影片，做得很棒喔～
https://youtu.be/7ZDGgmN8atM
先來欣賞一首精彩的管弦樂爆棚專輯：
羅西尼：歌劇《威廉泰爾》序曲
https://youtu.be/vlYytyZ57pY
完整專輯資訊：
| 1 Light Cavalry 2 Fra Diavolo 3 Zampa 4 Poet And Peasant 5 Donna Diana 6 Orpheus In The Underworld 7 William Tell |
從樂曲背景出發吧：
https://bonart.com.tw/rossini-overture-to-william-tell/
了解樂曲背景與曲式之後，Kuso一下是需要的😆
媽媽之歌
這位媽媽因為演唱《媽媽之歌》紅遍全球之後，把自己變漂亮了～然後加碼再唱了《爸爸之歌》：
《爸爸之歌》
再來一張精彩無比的管弦樂專輯：
柴可夫斯基：《1812序曲》op.49
辛辛那提第一版（2001年）
搭配合唱團演唱，真實加農砲助威
https://youtu.be/0qVscsEKGIM
完整專輯資訊：
柴可夫斯基：《1812序曲》op.49
辛辛那提第二版（2004年）
真實加農砲再次重現江湖🎉
https://youtu.be/vMrX7mjs7fQ
從背景與曲式開始了解柴可夫斯基《1812序曲》：
https://bonart.com.tw/tchaikovsky-1812-overture/
見證真正加農砲發射時，搭配音樂的震撼力：
https://youtu.be/LGPqtXv72Wg
當然，還有這樣的管弦樂爆棚音效專輯：
Erich Kunzel & The Cincinnati Pops Orchestra - Round Up
Youtube上的完整專輯欣賞：
| 0:01 Sounds of the West
0:57 Rossini- William Tell Overture 4:33 Elmer Bernstein (arr. Christopher Palmer)- The Magnificent Seven 10:08 Waxman- The Furies Suite 14:15 Christopher Palmer, arranger- Round-up: Anthology of TV Western Themes (Frankie Laine, vocals) 18:47 Alfred Newman (arr. C. Palmer)- How the West Was Won 26:12 Dimitri Tiomkin- Gunfight at the OK Corral (F. Laine et al, vocals) 34:49 Richard Hayman: Pops Hoedown 42:03 Jerome Moross- Big Country 45:06 D. Tiomkin (arr. Palmer)- High Noon (F. Laine, vocals) 47:43 Coyote & Crackling Campfire 48:46 R. Hayman, arranger- Western Medley (Men of the May Festival Chorus) 58:56 Bruce Broughton- Themes from Silverado |
https://youtu.be/wL5fYNdwFPo
也有這樣，鬼怪鬼怪的爆棚音效專輯...XD😆
Erich Kunzel & The Cincinnati Pops Orchestra - Chiller
穆索斯基《荒山之夜》
https://youtu.be/ftwOy1sUFQ0
想要再來多一些嗎？Here you are！
來幾段布魯克納的音樂
除了馬勒、蕭斯塔柯維契、華格納之外，布魯克納應該是最能將管弦樂團能量發揮到極致的作曲家了❤️
第四號交響曲
第三樂章
第四樂章
布魯克納：第五號交響曲
布魯克納：第八號交響曲
蕭士塔高維契：第十號交響曲
蕭士塔高維契：第十號交響曲
第二樂章
蕭士塔高維契：第十號交響曲
第二樂章
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：法國鋼琴家 - 葛莉茉 Hélène Grimaud
【BON音樂】大人的音樂欣賞：法國鋼琴家 - 葛莉茉 Hélène Grimaud
Beautiful International Pianist - Hélène Grimaud
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大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-演奏家(2022/2/17週四下午班，共5堂)：解讀五大演奏家│帕華洛帝X慕特X葛莉茉
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-芭蕾音樂(2022/3/31週四下午班，共5堂)：《天鵝湖》《胡桃鉗》《火鳥》
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
本期的音樂欣賞課，超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師將帶領大人認識當代著名的音樂演奏家。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大演奏家為主題，讓學員透過音樂家的個人經歷及音樂作品，了解他們詮釋音樂的獨特方式。你會更了解世界知名的男高音帕華洛帝，也會認識極具天賦的知名女性小提琴家慕特與小提琴大師帕爾曼，以及當代鋼琴家葛莉茉及卡蒂雅，細細品味音樂中的豐沛的情感，也了解演奏家的際遇為他們的音樂上了哪些色彩，更為自己的生活注入更多繽紛。
❤️《延伸閱讀》大人的音樂欣賞線上直播課程好嗎？學員真實回饋分享
❤️《延伸閱讀》大人的音樂欣賞課學員回饋，看他們用音樂為生活注入繽紛
- 第4堂：充滿個人魅力的法國當代鋼琴家─艾蓮娜.葛莉茉
法國知名的美麗鋼琴家葛莉茉(Hélène Grimaud），是鋼琴界跨廠牌的唱片明星，更擁有全球性的高知名度。年輕時期的她有強迫症與精力過盛的問題，學習鋼琴成為了她發洩過多精力的最佳解方：「現代醫學經常提出注意力不足過動症，我雖然過動，但不是注意力不足，而是專注過度。這樣的特質，反而在我學琴的道路上有所幫助。」在本堂課中，林仁斌老師將為大人們介紹這位極富話題性、內外皆美的鋼琴音樂家。
→葛莉茉的官方網站
多重特別的身份
羅曼羅蘭曾說：「音樂家們總是比音樂本身有趣。」
葛莉茉的身份很特別：猶太裔法國女鋼琴家、古典樂壇鋼琴巨星、野狼保育人士、暢銷書《野性的變奏》作者。
猶太裔法國鋼琴名家
來自法國的美麗鋼琴家 伊蓮.葛莉茉（Hélène Grimaud , b.1969-），有著出眾的外貌、優雅的氣質、冷洌卻深刻的琴音，以及非常傳奇的人生歷程（過動症、強迫症患者）。雙親皆為猶太血統之法國人：在法國羅訥河口省普羅旺斯地區艾克斯出生，父親是柏柏爾猶太人，母親是科西嘉島的塞法迪猶太人。
怪胎特質 造就鋼琴巨星
小學時，葛莉茉在聽課時總是無法安靜地坐在椅子上，還會不停舉手發問，讓老師同學十分困擾。
書桌兩旁擺的筆支數一定要一樣、衣櫥裡的衣服一定要照顏色、款式、size、材料分門別類折疊、完美地擺好，葛莉茉因此被同學嘲笑、疏遠，度過一段非常孤立的日子，而這些被稱為「怪胎」的特質卻在葛莉茉開始學琴之後，造就她成為一位鋼琴巨星 。
鋼琴 讓人生美好
葛莉茉7歲學琴～因為鋼琴，她的人生開始變得美好：「接觸到鋼琴、音樂，我才能把自己過度專注的性格好好地發揮。」葛莉茉說。
接受訪談時，看到自己14歲時的演奏影片
https://youtu.be/tFTultrD6ZE?t=106
李斯特是燦爛的金黃色！
知覺相連症 讓色彩翩然起舞
此外，葛莉茉擁有罕見的感官能力 ─ 知覺相連症（Synaesthesia）。她的五感能夠將感覺互相串連、彼此傳遞，並產生一般人沒有的感受，例如彈奏鋼琴時，葛莉茉的眼前會出現許多不同色彩。
點擊下方影片↓，葛莉茉接受訪談，談到每個調性都有自己的顏色：
https://youtu.be/N_dw9-Bt_sM?t=365
「每個調性都有自己的顏色！音樂的屬調和聲更是給予我感受調性的顏色重要來源～小時候彈奏巴赫#f小調平均律時，我看到各種顏色出現在我的眼前～C總是黑色的，B是藍色，F是紅色...。顏色的多層次更成為許多情緒的代表，讓我的音樂呈現出多種色彩的環境。紅色、橘色、藍色和黑色...。李斯特則是燦爛的金黃色！尤其是他的b小調奏鳴曲。」
出色而完整學習經歷
憑藉著天生比常人更多的專注力、音感及感官能力，葛莉茉接觸鋼琴之後顯現出天才般學習及演奏能力，十一歲就進入艾克斯音樂學院學習，十三歲獲巴黎音樂學院破格錄取，師從鋼琴大師 Jacques Rouvier。 學琴的初期也受到鋼琴家巴倫波因、佛萊雪的讚譽，開啟了她不凡的鋼琴家之路。
漂亮的雙重初出道（Début）
1985年，葛莉茉獲得巴黎音樂院第一獎畢業、並以拉赫曼尼諾夫的《Piano Sonata No. 2》獲得 L'Académie Charles Cros 之唱片大獎（Grand Prix du Disque）。1987年，她展開事業生涯，同時在巴黎舉行獨奏會，又與巴黎管弦樂團合作演出，由丹尼爾·巴倫波因指揮。
唱片與演奏事業兩得意
多年來，葛莉茉於DG唱片出版一系列唱片，這是她於DG官網的Artist Page專頁：
葛莉茉並於youtube頻道上擁有為數驚人的音樂粉絲數量與點閱率，相信許多愛樂者都是透過youtube頻道欣賞到她精彩的多樣演奏，以下讓我們一起欣賞葛莉茉幾段精彩的演奏：
筆者非常喜愛的拉威爾鋼琴協奏曲第二樂章：
https://www.youtube.com/watch?v=NRTWLQ4nI6Q
莫札特第23號鋼琴協奏曲第2樂章：
https://www.youtube.com/watch?v=j8e0fBlvEMQ
2018年 葛莉茉最新獨奏專輯 «Memory»
Hélène Grimaud 自己的口述旁白專輯製作介紹：
https://www.youtube.com/watch?v=744KLkq0RO4
「狼女」稱號 來自對野狼真誠的愛
熱愛野狼與尊重生命～多年來葛莉茉認真投入大量時間關注並以實際行動關心野生狼之保育議題，讓她更獲得「狼女」的稱號。
葛莉茉年輕時的紀錄片《與狼共存》
Hélène Grimaud - Living with Wolves. 2002
| 出現曲目：
Rachmaninov: Piano Concerto No.2 Rachmaninov: Corelli Variations Bach/Busoni: Chaconne in D minor Rachmaninov: Etude tableau No. 1 in F minor Beethoven: Piano Sonata No. 31 in A flat Schumann: Piano Quintet Brahms: Piano Concerto No. 1 Gershwin: Piano Concerto Beethoven: Piano Concerto No. 4 Brahms: Violin Sonata No. 3 |
https://youtu.be/uE2P2nitE48
https://www.youtube.com/watch?v=N_dw9-Bt_sM&feature=youtu.be
如同葛莉茉的個人簡歷所述：「葛莉茉毫無疑問地是全方位藝術家。她對於音樂演奏事業與唱片錄音深層地投入，反映在她對於文學與環境的深度探索與追求」（Hélène Grimaud is undoubtedly a multi-faceted artist. Her deep dedication to her musical career, both in performances and recordings, is reflected and reciprocally amplified by the scope and depth of her environmental and literary pursuits.）
又一部年輕的紀錄片《活在詮釋中》：
https://youtu.be/4VOuFOzRKQM
Hélène Grimaud plays BEETHOVEN: Piano Concerto # 5 / Paavo Järvi -Frankfort Symphony
https://youtu.be/kXtj2Z5jT2k
身為葛莉茉的樂迷之一，筆者相信這一切仍在美好地進行式之中，未來亦將在「蹦藝術」網站繼續更新葛莉茉的各項資訊，敬請大家期待～
附錄：葛莉茉歷年專輯整理：（資料引自維基百科）
- On Denon
- Rachmaninoff Piano Sonata No. 2, Etudes-Tableaux, Op. 33 (1986)
- Chopin Ballade No. 1, Liszt Après une Lecture de Dante, Schumann Sonata for Piano (1987)
- Schumann Kreisleriana, Brahms Piano Sonata No. 2 (1989)
- Brahms Piano Sonata No. 3, Klavierstücke (1992)
- Rachmaninoff Piano Concerto No. 2, Ravel Piano Concerto (1993)
- On Erato
- Schumann Piano Concerto, Richard Strauss Burleske (1995)
- Brahms Piano Pieces Op. 116–119 (1996)
- Gershwin Piano Concerto, Ravel Piano Concerto (1997)
- Brahms Piano Concerto No. 1 (1998)
- On Teldec
- Beethoven Piano Concerto No. 4, Piano Sonata No. 30, Piano Sonata No. 31 (1999)
- Rachmaninoff Piano Concerto No. 2, Prelude Op. 32/12, Études-Tableaux Op. 33/1, 2 and 9, Variations on a Theme of Corelli (2001)
- Credo John Corigliano Fantasia on an Ostinato, Beethoven Piano Sonata No. 17 "Tempest", Choral Fantasy, Arvo Pärt Credo (2003)
- Chopin | Rachmaninoff (2005)
- Bartók The Piano Concertos (on the third) (2005)
- Reflection Schumann Piano Concerto, Various by Brahms and Clara Schumann (2006)
- Beethoven Piano Concerto No. 5 "Emperor", Piano Sonata No. 28 (2007)
- Bach Various (2008)
- Resonances Mozart: Sonata No. 8, Berg: Sonata op.1, Liszt: Sonata in B minor, Bartok: Romanian Folk Dances (2010)
- Mozart Piano Concerto No. 19, Piano Concerto No. 23, Ch'io mi scordi di te? (with Mojca Erdmann, soprano) (2011)
- Duo (with Sol Gabetta, cello) Works by Schumann, Brahms, Debussy, and Shostakovich (2012)
- Brahms Piano Concertos Nos. 1 & 2 with the Bavarian Radio SO and Vienna PO, conducted by Andris Nelsons (2013)
- Water Various (with Nitin Sawhney) (2016)
- On Philips
- Schumann Sonata for Violin and Piano in A minor, Op. 105, Gidon Kremer violin and Helene Grimaud piano. Recording date: 7/1989. Release: Lockenhaus Festival 1982–1992 A Decade of Music-Making (1997)
- On ACA Digital Recording, Inc
- Bassoon Music Of The Americas, Composers on Bassoon Music Of The Americas: Alvin Etler, Waldir Azevedo, Jose Siqueira, Magda Santos/Pó, Pixinguinha, Heitor Villa-Lobos, Willson Osborne. Jeff Keesecker – bassoon & Hélène Grimaud – piano (2002)
與阿巴多兩人曾爆發唱片錄音紛爭
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回顧兩人於琉森音樂節的精彩合作
https://youtu.be/Uyz0kuw4dv8
韓劇《39》中的拉赫曼尼諾夫
首先是剛好男女主角都喜歡這位作曲家，兩人共同之處與陌生之處，一切都這麼剛剛好～不多也不少，CP愛情讓觀眾非常期待。
其次是在第五集《拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴協奏曲》中，片頭使用了浪漫唯美的第二樂章旋律，讓觀眾知道了小時候被收養的車美昭（孫藝珍飾），是如何在音樂的自然催化之下，感受到收養家庭媽媽的溫暖，而終於能在新家庭裡感受著家人的愛而成長。
再來是在同一集的片尾，拉赫曼尼諾夫第二號鋼琴協奏曲再次出現。
但改為使用第一樂章開頭的鋼琴沈重獨奏和弦與c小調第一主題旋律，突顯出男友金善優同樣被收養的妹妹金昭元見到養父不友善時的沈重心情。
對於這種不安感同身受的車美昭，緊緊握住了男友妹妹金昭元的手，心中更燃起了想要安慰對方的心情，她在心中告訴自己：「我想成為她的拉赫曼尼諾夫...」
妹妹的人生可能因此得到了治癒和恢復。
雖然只是古典音樂在電視影集的運用，但不得不佩服編劇與配樂家的巧思，讓音樂昇華並且感動觀劇者～這也是韓劇厲害的地方。
更多精彩音樂欣賞
Hélène Grimaud – Brahms: Piano Concerto No.1 & 2 - Wiener Philharmoniker (Trailer)
https://youtu.be/0sfG_l5Npcg
Hélène Grimaud – Beethoven Piano Concerto No.5 - 2nd.mov
https://youtu.be/FcTs9s89quM
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Mahler plays Mahler, piano rolls recordings (1905)
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百年前的發明．一刻成永恆
聽過紙捲錄音嗎？
https://youtu.be/RK2O3POg1RY
紙捲錄音這項技術於19世紀發明，並被運用在鋼琴上。
紙捲錄音這項技術並不是直接將聲音錄下來，而是透過機器裝置「類比而真實地」將鋼琴演奏者的演奏動作，通過打孔的方式記錄在專門的紙捲上，再透過相同裝置將記錄下的紙捲演奏，在鋼琴上忠實播放還原。
透過這項技術，我們能聽見幾乎本人真實演奏再現。
而這種紙捲記錄裝置，能夠適應當時的幾乎所有鋼琴，隨着它的完善，能夠完整的記錄下演奏者在彈奏時的旋律、速度、力度，甚至連踏板的運用都能夠被精確的記錄下來。
這是錄音後，製作完成之後的紙捲保存方式：
大學時我曾協助唱片公司校訂過一整套數十張CD的紙捲記錄裝置-現代錄音發行專輯（需整套每張專輯聽完，確認有無數位錄音產生之任何瑕疵）；當時有拉赫曼尼諾夫、馬勒、德布西、蓋希文、20幾歲霍洛維茲等等，都是歷史上赫赫有名的近代音樂家❤️
當時覺得很有趣，現在回想起來，這些都是大師們演奏真跡重現，實在太珍貴了
雖然現代我們看不到馬勒指揮管弦樂團的身影與影像畫面，但幸運的是，1905年馬勒在萊比錫，使用Welte-Mignon鋼琴系統，留下了親自彈奏鋼琴的四卷珍貴紙捲錄音，在此與蹦友們分享欣賞：
四首馬勒親自演奏的曲目：
| *《我歡欣地穿越蔥綠的森林》（Ich ging mit Lust durch einen grünen Wald）
*《清晨我走過田野》（Ich ging mit Lust durch einen grünen Wald） *《天國的生活》(Das himmlische Leben) - 第四號交響曲 *《送葬進行曲》 (Trauermarsch) - 第五號交響曲 |
https://youtu.be/PScJkkQPwwE
大家覺得如何，聽到馬勒演奏自己的作品，以紙捲方式重現於數位錄音，是否有種「復活」的感覺呀～😆
凡生存之物，必將消滅
凡消滅之物，必將復活
在現代，能聽到馬勒自己演奏，還是非常開心興奮之事，您說是嗎？
【紀錄片】馬勒的紙捲鋼琴（馬勒基金會提供）
Mahler plays Mahler at the Gustav Mahler Museum in Hamburg | ENGLISH SUBTITLES
https://youtu.be/uqoRX_Uo-OQ
加碼欣賞
25歲的霍洛維茲演奏兩首蕭邦練習曲紙捲鋼琴 重新數位錄音
這份錄音使用當時新發明的「Duo-Art system」系統錄製，標榜「藝術家不在現場也有完美音樂可聽」
這份紙捲錄音也是霍洛維茲可能最早期的錄音演奏，現在聽來真的十分珍貴～
https://youtu.be/F-OPTYpYuS8
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：小提琴大師 - 帕爾曼
【BON音樂】大人的音樂欣賞：小提琴大師 - 帕爾曼
Great Violinist: Itzhak Perlman
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大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-演奏家(2022/2/17週四下午班，共5堂)：解讀五大演奏家│帕華洛帝X慕特X葛莉茉
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-芭蕾音樂(2022/3/31週四下午班，共5堂)：《天鵝湖》《胡桃鉗》《火鳥》
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
本期的音樂欣賞課，超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師將帶領大人認識當代著名的音樂演奏家。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大演奏家為主題，讓學員透過音樂家的個人經歷及音樂作品，了解他們詮釋音樂的獨特方式。你會更了解世界知名的男高音帕華洛帝，也會認識極具天賦的知名女性小提琴家慕特與小提琴大師帕爾曼，以及當代鋼琴家葛莉茉及卡蒂雅，細細品味音樂中的豐沛的情感，也了解演奏家的際遇為他們的音樂上了哪些色彩，更為自己的生活注入更多繽紛。
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第3堂：幽默．美聲．小提琴─談帕爾曼與他的動人琴音
以《辛德勒的名單》電影配樂成為全球最佳電影琴人的小提琴大師帕爾曼，成名數十載，更是多屆葛萊美獎以及音樂大獎的得主。被認為是20世紀後期最出色的小提琴家之一的帕爾曼，來自以色列猶太裔家庭，除了擁有過人的天份，他也不斷的增進自身能力，持續努力奮鬥，躍上國際樂壇。這堂課，林仁斌老師將帶領學員們認識帕爾曼傳奇的演奏人生，與大師光環幕後不為人知的秘辛。
77歲．77張CD錄音大全集
https://youtu.be/_uQifxu2jHU
大師地位．實至名歸
伊扎克·帕爾曼（Itzhak Perlman, b.1945）毫無疑地問是當權帶全球公認的小提琴大師，在古典音樂界屬於超級巨星的他，謙遜幽默的個性，充滿魅力、人性的光輝與音樂才華；帕爾曼也跨足樂團指揮與電影配樂演奏、傳統克萊茲美爾音樂演奏，非凡的藝術性與獨特的音色，深受全世界觀眾喜愛。
帕爾曼曾與全球各大管弦樂團和音樂廳合作，曾獲16項格萊美獎、4項艾美獎、甘迺迪中心榮譽獎、格萊美終身成就獎和創世紀獎、還有多項來自美國政府與總統頒發之多項榮譽：2015 年奧巴馬總統頒發的總統自由勳章，國家最高平民榮譽，2003 年肯尼迪中心榮譽，2000 年克林頓總統頒發的國家藝術獎章，以及1986年雷根總統所頒發的自由勳章，可謂功成名就的大師級人物。
帕爾曼1945年出生於以色列特拉維夫，也在故鄉特拉維夫音樂學院完成了他的學業。因為傑出的演奏能力獲選為美國-以色列文化基金會獎學金獲得者並得到獎學金而到美國紐約茱莉亞音樂院延續學習。進入茱莉亞之後，帕爾曼追隨葛拉米安（Ivan Galamian） 與狄蕾（Dorothy DeLay）兩位名師學習。
年輕時的帕爾曼
很別的是1958 年帕爾曼獲邀上「蘇利文電視秀」（Ed Sullivan）節目，天生小兒麻痺的他，坐在椅子上演奏多首名曲《大黃蜂飛行》與孟德爾頌小提琴協奏曲等等，流利技巧與大將之風，讓他獲得了全國性的注目。
Itzhak Perlman "Flight Of The Bumblebee" on The Ed Sullivan Show（1958）
Youtube上是寫1959年，不過根據帕爾曼官方網站是寫1958年，因此以帕爾曼官網所載年份為主。
https://youtu.be/v8NORN2hS1U
Itzhak Perlman 13 years old Mendelssohn Violin Concerto
https://youtu.be/4eLoWm9swbM
雖然早期的他自己也不懂「到底是因為天生殘疾讓他成名」，還是「小提琴拉得好讓他成名」，但憑藉著努力不懈的練習與基本功，加上狄蕾對他施以全才教育，打開了他對美的各項認識，帕爾曼於1964 年贏得了美國於卡內基音樂廳舉行著名的列文崔特音樂大賽（Leventritt Competition）並獲得首獎，終於證明了自己的能力，開始步上演奏家之路。
於是，從19歲起，「帕爾曼」一步一步邁向古典音樂界大師之路，他的名字逐漸家喻戶曉。
Itzhak Perlman: Virtuoso Violinist, I know I played every note - Documentary of 1978
https://youtu.be/haxPfFi58ww
《偉大小提琴演奏家》紀錄片
The Art of Violin - Great Violinists of the 20th Century, a film by Bruno Monsaingeon
https://youtu.be/UZTtTCR-Smk
The Trout, Music Film of 1969 with Du Pré, Perlman, Barenboim, Mehta & Zukerman
https://youtu.be/b8-H0r0iL6Q
Jascha Heifetz Tests Itzhak Perlman's Skills
https://youtu.be/AIQCg1n49EU
Itzhak Perlman & Pinchas Zukerman playing Wieniawski - at the end of their European tour
https://youtu.be/_P0ov5dW6mk
Itzhak Perlman and Pinchas Zukerman - Grand Duo 1 (1978)
https://youtu.be/PwWVf9Y525o
Itzhak Perlman and Pinchas Zukerman - Grand Duo 2 (1978)
https://youtu.be/SSC5EyUUxn4
Itzhak Perlman and Vladimir Ashkenazy
https://youtu.be/t_fMxYXhGYE
Itzhak Perlman Sarasate Zigeunerweisen
https://youtu.be/wEmbFSiJzEQ
Itzhak Perlman: Brahms - Violin Concerto in D major, Op. 77（1978）
https://youtu.be/7C_U7eUbVd8
Perlman Tchaikovsky Concerto Moscow 1990
https://youtu.be/W607slpsXp8
Itzhak Perlman – Beethoven: Violin Concerto (with Daniel Barenboim, Berliner Philharmoniker) 1992
https://youtu.be/cokCgWPRZPg
Itzhak Perlman - Bach Partita Nº 2, BWV 1004
https://youtu.be/KpYUaRg0aDw
Itzhak Perlman Performs at the White House 2012
https://youtu.be/kYpMlOV0wrI
The Genesis Prize: 2016 Laureate Itzhak Perlman
https://youtu.be/J8GjqdHJYBQ
得獎紀錄片《帕爾曼的音樂遍歷》
影片簡介（取自博客來網路書局網頁）
★ 琴音響徹五十年，魅力橫跨兩世紀，小提琴巨匠帕爾曼傳記電影 ★ 從罹患小兒麻痺症，到獲頒4座艾美獎、15座葛萊美音樂獎與終身成就獎的傳奇音樂人生 ★《辛德勒的名單》、《新天堂樂園》等電影配樂小提琴演奏幕後揭密 ★ 阿格麗希、紀辛、麥斯基等重量級演奏家好友助拳拍攝 在古典樂圈，帕爾曼 (Itzhak Perlman)是無人不知，無人不曉，且至今仍持續巡迴演奏，所到之處，場場一票難求的傳奇小提琴演奏巨匠。在普羅大眾圈，憑藉著《辛德勒的名單》中淒美又溫暖的小提琴主題曲，更是一舉感動全球千萬人心，成為當今世界上最著名的小提琴演奏家。 出生於以色列特拉維夫的帕爾曼，四歲時便罹患小兒麻痹症，導致終身不良於行，卻也開啟他的傳奇篇章。幼時，從電台廣播聆聽到海飛茲(Jascha Heifetz)的演奏後，帕爾曼便下定決心要成為小提琴演奏家，自此開始苦練，並展現過人天賦。13歲那年，帕爾曼受邀至美國CBS「艾德．蘇利文秀」(The Ed Sullivan Show)作轉播演出，他即時演奏了林姆斯基－高沙可夫 (Nikolai Rimsky-Korsakov)的炫技名曲〈大黃蜂的飛行〉(The Flight Of The Bumble Bee) 以及韋尼奧夫斯基 (Henryk Wieniawsk)的〈華麗波蘭舞曲〉(Polonaise Brillante in A major Op.21)，遂一炮而紅，從此定居美國深造。20歲時，帕爾曼首度登上卡內基音樂廳，隔年參加列文垂特國際小提琴大賽 (Leventritt competition) 贏得首獎，更令帕爾曼成為職業演奏家。 回顧逾50年的職業演奏生涯，帕爾曼曾與許多指揮大師、演奏家合作，留下一場又一場傳奇名演，也錄下一張又一張經典唱片。 同時，熱愛跨足電視、電影配樂演奏的帕爾曼，也獲頒四次艾美獎、15座葛萊美獎的殊榮，畢生成就可謂輝煌，儘管如此，帕爾曼依然謙遜如往昔。在《帕爾曼的音樂遍歷》片中，樂迷觀眾將聽到帕爾曼親口分享許多不為人知的生平逸事，還有他音樂路上的心路歷程，更重要的是聽他講解音樂所謂何事，堪比一個半小時的音樂大師班。除此之外，片中亦可見帕爾曼私底下幽默風趣，毫無架子的樂天性格，以及他與阿格麗希、紀辛等演奏名家排練時的珍貴錄像，值得音樂圈演奏家、樂迷一看再看。
https://youtu.be/MUCm9_ZQBdc
三顆音符改變一生🎶
帕爾曼擁有擁有自己史特拉底瓦里名琴．超級夢幻的過程
在影片中，帕爾曼聊到當年他大約23歲，事業出發了一小段時間，婚後剛買了房子，不過年輕提琴家總是會到處尋找適合自己的各種義大利琴
在他與曼紐因的會面之後，「不小心」開口借拉了曼紐因的史特拉底瓦里琴
才拉了「三顆音符🎶」，他心想：「完蛋了，我會死...」
因為他從沒有聽過如此美妙的聲音...
然後他大膽地告訴曼紐因，「如果您有朝一日考慮要賣掉這把琴，請務必讓我知道」
沒想到隔了一段時間之後，曼紐因真的想賣琴；但曼紐因卻不是告訴帕爾曼本人，而是告訴了另一位朋友😎
巧合的是，這位朋友剛好就是帕爾曼的好友兼「尋琴間諜」（Violin Spy）
「我早就請他每天幫我注意曼紐因有沒有要賣琴...（絕對不能賣給別人😆）」
清晨六點，帕爾曼接到這位好友急急來電，說曼紐因想賣你要的史特拉底瓦里了，而且現在琴就在我家🤪
「我看這把琴不是你買，就是我買...」這位好朋友說
帕爾曼當時剛買了房子，身上一窮二白還背了房貸
他硬著頭皮詢問太太托比的意見
托比說：「既然你喜歡，我們再貸一個貸款，把琴買下來！」
於是這把從帕爾曼23歲起就跟著他一輩子的史特拉底瓦里名琴，就是我們聽到的「帕爾曼之聲」❤️
甜美的音色、如歌的共鳴、帕爾曼說到自己的琴：「這就是我的聲音，他就是我！」
太太托比，更是帕爾曼真正的知音，也是最忠實的支持者💕
https://youtu.be/EcUprL2ET-4
曾經失竊茱莉亞音樂院借他的名琴，居然在當鋪找到，小偷居然只當了15元😎😂
Itzhak Perlman Lost A $20,000 Violin Then Found It In A Pawn Shop For $15 | Letterman
https://youtu.be/vKzuwItNgJ0
Violinist Itzhak Perlman | VC 20 Questions Interview
https://youtu.be/qhfnCGABFzg
帕爾曼的教育志業
"在教學、指揮與演奏這三項不同層面的音樂領域中，有一個元素是相同的，就是「傾聽」" - 帕爾曼
帕爾曼線上大師班課程
專屬網頁
https://youtu.be/6D9E4v2qtq4
帕爾曼室內樂音樂節
專屬網站
“我相信年輕人在被傾聽而不是被評判的氛圍中，能夠表現最好，並深信他們願意嘗試冒險與新的想法。” — 托比·帕爾曼
帕爾曼室內樂音樂節（The Perlman Music Program (PMP)）由帕爾曼妻子托比（Toby Perlman）於1994年發起，他們深信在彼此聆聽的音樂會環境中，對於培養未來下一代傑出音樂家，會有正面的示範引導作用，因此成立了這個著名的室內樂音樂節。
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【BON活動】林仁斌老師蹦藝術音樂講座週四班 2022' 上半年課程
【BON活動】林仁斌老師蹦藝術音樂講座週四班 2022' 上半年課程
Music Lecture of Bonart 2022-1
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蹦藝術執行長/知名音樂導聆人林仁斌老師，每週四晚間19:00-21:10之愛樂班音樂欣賞講座：結合古典音樂理論基礎，欣賞延伸音樂各類主題、電影音樂、爵士音樂與歌劇、音樂劇與芭蕾舞劇等等，帶給愛樂同學們多元化之音樂藝術饗宴。歡迎您的加入～
講座地點
每週四晚間之演講地點於「崇友文教基金會」（台北市100公園路30號10樓A室）。
鄰近捷運「台北車站」或「台大醫院站」（可點按↓地圖進入 Google Map 頁面）
報名資訊與費用 每期15堂課共3600元整（可預約報名旁聽一堂） 課程負責人：Ruby 聯絡電話：0937-067-628 (請於14:00-20:00來電)
2022年上半年講題一覽
本期講題主軸：
法國音樂家：聖桑與他的精彩音樂作品
https://bonart.com.tw/all-about-saint-saens/
https://bonart.com.tw/all-about-le-carnaval-des-animaux/
https://bonart.com.tw/third-symphony-of-saint-saens-organ/
德國音樂家：布拉姆斯與他的精彩音樂作品
https://bonart.com.tw/johannes-brahms/
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-1/
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-2/
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-academic-festival-overture-op-80/
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-late-piano-works/
※今年因為新冠肺炎 COVID-19 的嚴重疫情，全世界都受到嚴重影響。講堂學員位置與上課位置，亦拉開安全距離，讓大家在欣賞音樂之餘，能夠對於上課環境更加放心。
歡樂的每週四音樂講座課堂，邀請您一同參與我們，感受音樂藝術之美～
2021年1月21日同學們歡樂攝影留念
用心的班長Ruby，每學期末還會舉辦聯誼聚餐或旅遊活動，聯繫同學們的感情
20181216 音樂講座十週年盛大聚餐，滿滿96人歡慶 🎉
20180701 愛樂音樂欣賞班班遊活動《尋古、花宴、回憶》合照
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【BON活動】華泰王子大飯店音樂講座 2022第ㄧ季課程（2月-4月）
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Music Lecture of Gloria Prince Hotel 2022-1
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蹦藝術執行長林仁斌老師於華泰王子大飯店每週一之音樂講座，除了經典樂曲導聆欣賞、樂曲解析、結合台灣音樂界藝文表演節目與知名各國音樂家介紹之外，也經常邀約不同領域之達人，共同激發與音樂美好的瞬間。
2022年第ㄧ季課程林仁斌老師主講之華泰王子大飯店音樂講座，將以音樂人物＋馬勒聯篇歌曲集《旅人之歌》與第二號交響曲，加上三場捷克作曲家德弗札克主題音樂：弦樂四重奏《美國》、大提琴協奏曲與最知名的第九號《新世界》交響曲為主軸，讓所有愛樂朋友們感受全方位的音樂賞析之美。
講座每週一舉行，包含飯店西式午餐、音樂講座與精緻下午茶飲品，歡迎喜愛音樂朋友們報名參與：
本期講題主軸：
國際樂壇炙手可熱的指揮家 - 亞尼克．聶澤-賽金介紹
https://bonart.com.tw/all-about-yannick-nezet-seguin/
馬勒：聯篇歌曲《流浪青年旅人之歌》
https://bonart.com.tw/mahler-lieder-eines-fahrenden-gesellen/
馬勒：第二號交響曲《復活》（上）
馬勒：第二號交響曲《復活》（中）
馬勒：第二號交響曲《復活》（下）
德弗札克專題ㄧ：「無盡相思」～談b小調大提琴協奏曲
德弗札克專題二：「世紀之音」～談《新世界》交響曲
德弗札克專題三：「來自新世界」～談《美國》弦樂四重奏
華泰生活學堂報名資訊 親自報名： 請至華泰王子大飯店 台北市中山區林森北路369號 電話報名： 請洽華泰王子大飯店 宴會行銷 02-7721-6688 #1551
*音樂講座可事先報名，亦可講座開課當日歡迎現場報名。 上課地點： 華泰王子大飯店（台北市中山區林森北路369號） 用餐：1樓 驢子餐廳 上課：2樓 華泰會館
※今年因為新冠肺炎 COVID-19 的嚴重疫情，全世界都受到嚴重影響。飯店這邊除了出入嚴格管控體溫與要求每位出入者確實以酒精消毒之外，音樂講座學員的用餐位置與上課位置，亦拉開安全距離，讓大家在欣賞音樂之餘，能夠對於上課環境更加放心。
近期精彩活動
春日．美聲．蹦藝術
兩日一夜精緻音樂美食之旅
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【BON音樂】歌劇巨星丹妮爾.迪.妮絲 - 發聲＆暖身歌唱方法詳解
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How to warm up your singing voice with Danielle de Niese
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澳洲美麗的抒情女高音丹妮爾.迪.妮絲（Danielle de Niese, b.1979）是近年快速崛起的澳裔美籍歌劇明星，擁有亮麗外型與一口金嗓好聲。
丹妮爾（b.1979）出生於澳洲維多利亞州的墨爾本，擁有斯里蘭卡、荷蘭和蘇格蘭血統，她的父母 Chris 和 Beverly 都在十幾歲時從斯里蘭卡移民到澳洲。 1988年，9歲的丹妮爾便以優異的歌唱天賦贏得澳大利亞電視才藝大賽Young Talent Time，成為該節目有史以來最年輕的冠軍得主（9歲！），當時在。 在比賽裡，她演唱了惠特尼休斯頓的全新編曲混合曲，贏得了 5,000 澳元獎金，以及一架Yamaha小型平台鋼琴，對年輕的小朋友來說，這是一份莫大的鼓勵。
1990年，丹妮爾11歲時全家移民到洛杉磯，順利取得美國籍。之後她也繼續以在那裡優一個歌唱成為電視節目常客，15 歲時在洛杉磯歌劇院首次登台參與職業歌劇演唱處女作，劇目是韓德爾歌劇《凱撒大帝》（Cleopetra）；之後她成為有史以來獲選加入大都會歌劇院青年藝術家工作室（Young Artists Studio at the Metropolitan Opera）之最年輕的歌手，接著16歲時更獲得艾美獎肯定。
"音樂對我來說，就像自己的DNA一樣，不可或缺。"
丹妮爾的音色氣質乾淨明亮，幾乎適合自巴洛克時期至19世紀美聲唱法的所有音樂：
韓德爾專輯預告片
https://youtu.be/dcVg1UtQLNQ
莫札特專輯：
https://youtu.be/l6sg-EvAFyA
Vocal tips for opera singers: Danielle de Niese Masterclass in full (The Royal Opera)
https://youtu.be/2Rmjmaic5d0
筆者在本文中，為蹦友們分析並點出丹妮爾認為最重要的發聲觀念與步驟：
- 「暖身」（Warm-up）的重要概念就是暖身，不一定要馬上唱得完美無缺；這時候妳既不是參加甄選，也不是馬上要表演，妳最需要的就是「讓自己的樂器（聲音）甦醒」。
- 首先，我會從「呼吸練習」開始。運用音階，唱出流暢的八度發音練習，要注意「氣的流動」（Airflow）
- 接下來，我會特別注意打開我的「頭部共鳴」（Head Resonance），這也會幫助我打開臉部內在肌肉與雙頰空間；這對於我們歌唱時聲音的傳遞有很大的幫助。
影片中您也可以看見她的暖身過程：如同一位「聲音的運動員」般，演唱時的音色、發音與共鳴，才是歌唱的一切
再來是「鼻腔共振」（Nasal Resonance），她笑著說「我應該會很後悔在鏡頭前做這個示範」
- 實際練起來，會很像打哈欠的誘發，可以開啟鼻腔內部的軟組織群與共鳴，她可愛的樣子非常值得一看（顆顆）
丹妮爾說，鼻腔共鳴是比較困難的，她也必須花很多時間去開啟鍛鍊，這部分有歌唱的朋友們，應該感受更加強烈：
- 再來是「顫動練習」（Thrilling）：舌頭震動、嘴唇震動，用以提高各種共鳴，這部分要看影片一起練練看～非常有意思：（直接點按影片，時間軸於 2'03"起）
https://youtu.be/2Rmjmaic5d0?t=123
丹妮爾說，常見的「顫動練習」是「嘴唇震動」，不過她的是「加強版」😆，是「舌頭到嘴唇，一起顫動」。這樣才能真正讓舌頭放鬆
現在，各位應該能夠更加感受到舞台上的放鬆，是奠定於各項紮實的基本動作訓練：
- 完成了各項暖身動作之後，其實就是為了啟動身體內核心的運作，產生「穩定度」（Stablization）～其實「穩定度」這才是「職業」與「半職業」的最大差異喔～（她也提到共鳴需要與「母音發音」結合在一起）
- 丹妮爾強調，許多人忽略了一個最重要的關鍵技巧，「呼吸」（Breathing），好的呼吸才是歌唱的最重要關鍵：而隱藏在歌唱裡，貫穿一切的技巧，就是「氣流」（Airflow）！
一起欣賞丹妮爾.迪.妮絲精彩的演唱：
TED 中英雙語字幕: Danielle de Niese：妖冶調情的詠嘆調
https://youtu.be/Kz7294qKMpA
Danielle de Niese: 'Habanera' from Carmen (The Organ Room Sessions)
https://youtu.be/LKRxO_bdQT4
Giulio Cesare: 'V’adoro, pupille' - Glyndebourne
https://youtu.be/EyNFyiTCrVo
音樂劇《真善美》組曲 Live'
https://youtu.be/_hn16D9lqc8
有興趣繼續了解歌唱技巧的蹦友們，可以繼續觀賞丹妮爾的公開大師班課程：
Vocal tips for opera singers: Danielle de Niese Masterclass in full (The Royal Opera)
https://youtu.be/MKh6gC3nuQc
歌劇明星的不藏私發聲＆暖身，還不趕快學起來？😉
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第2堂：屹立樂壇數十載│小提琴演奏名家─安.蘇菲.慕特
提起全世界最知名女性小提琴演奏家，第一位首席之選永遠是安‧蘇菲‧慕特（Anne-Sophie Mutter）。她從小便展現出在小提琴演奏上的過人天賦，1976年即以13歲的姿態在琉森音樂節登台演出，慕特甜美的外型及高超的琴藝隨即就受到全世界的矚目；而她與卡拉揚合作灌錄的《四季》小提琴協奏曲更是古典音樂唱片中最暢銷的演奏專輯。在這堂課中，老師將帶領大人們認識這位小提琴天后的精彩演奏與音樂思維。
慕特2019年訪台介紹影片
慕特於1963年6月29日出生於德國鄰近瑞士的的城市萊茵費爾登（Rheinfeldin）
5歲左右，慕特先學習鋼琴（Good Start😉），之後她的主要樂器便轉為小提琴，至此結下一生不解之緣份～
６歲時榮獲「小小音樂家」獎項的紀念照
兩位主要的老師：Erna Honigberger 與 Aida Stucki
第一位老師：Erna Honigberger
慕特曾說：「我的第一位小提琴老師是Erna Honigberger，她曾是卡爾·弗萊什（Carl Flesch, 1873-1944）的學生。因為她有一半個猶太人血統，二次世界大戰戰爭期間從柏林來到我們家這邊的小村莊。雖然維持著各種演出活動並音樂家身份活躍，但她總稱自己為Erna Mottl，因為她可能並不想被認出真實的身份...」
第二位老師：Aida Stucki
知名的小提琴家和教育家Aida Stucki出生於埃及開羅，父母來自瑞士和意大利，曾師從 Stefi Geyer 和 Carl Flesch。在1940年代開始她的職業生涯，曾在 Hermann Scherchen 和 Armin Jordan 等指揮家棒下演出協奏曲，也曾與 Clara Haskil、Pina Pozzi 和 Christoph Lieske 組成二重奏演出。後與丈夫～蘇黎世首席小提琴手朱塞佩·皮拉奇尼（Giuseppe Piraccini）共同創立了皮拉奇尼-斯塔基四重奏。
自1948年起，Aida Stucki在瑞士溫瑟圖爾音樂學院（Wintherthur Conservatoire）教授小提琴和室內樂。慕特是她眾多學生中最著名的一位。
慕特曾在2009年"The Strad"的訪問中提過：「Aida Stucki有一個非常敏銳的分析大腦，她能從演奏中立即判斷出每位學生藝術能力的強項在哪裡。」
Aida Stucki與慕特
慕特說，Aida Stucki是她一輩子關係最緊密的小提琴老師
為了敬愛的老師，感念師恩的慕特更以Aida Stucki老師為名，創立了鼓勵年輕音樂家的獎學金：
THE AIDA STUCKI AWARD
小提琴宗師人物之一卡爾·弗萊什（Carl Flesch, 1873-1944）承襲自韋瓦第、帕格尼尼的偉大Family Tree圖解：
由於出色的演奏陸續獲得了許多小提琴比賽得獎項，年輕的慕特的演奏逐漸為人所稱道。
1972年的慕特（當時演奏Mozart's Violin Concerto D major, KV. 211）：
慕特非常非常早期的精彩演奏
https://youtu.be/eX5Jr8AYicU
在1976年，年僅13歲的她，就在瑞士琉森音樂節裡首次正式登台演出。
1976年於瑞士琉森的慕特
慕特13歲時的訪問紀錄片
https://youtu.be/-l02_xom2hg
隨後，連卡拉揚也開始好奇慕特的演奏，便邀約慕特到柏林為他試奏。慕特回憶：「第一次的見面，卡拉揚只聽了我拉貝多芬小提琴協奏曲獨奏開始的10-12小節，什麼都沒說就叫我回家了，明年再來...XD」
「這是我生平第一次遭逢如此巨大的挫折...」
「但我回家之後，變下定決心從頭開始苦練」
「隔年卡拉揚果然依約再次見我」
「這次的我已經截然不同，再次演奏之後，他告訴我：『我很開心與妳在下一次的薩爾茲堡音樂節合作，與柏林愛樂』！」
「我成功了！❤️」
卡拉揚聽過慕特的演奏後（其實是兩次，中間間隔一年），便開口邀請她在1977年的薩爾茲堡音樂節與柏林愛樂合作，慕特正式步上「準音樂大師」之路，一路成為音樂界備受注目的寵兒
（播放慕特的《貝多芬與我》紀錄片）
慕特與卡拉揚培養出跨越數十年的好交情
慕特與卡拉揚之早期紀錄片：貝多芬小提琴協奏曲
https://www.youtube.com/watch?v=-4t0Tr-0MqY&t=2543s
1984年（21歲），兩人再次攜手重新演繹貝多芬小提琴協奏曲
https://www.youtube.com/watch?v=0Cdg-5nEeqA
經典唱片封面欣賞
兩人合作的韋瓦第《四季》協奏曲，更是古今中外最暢銷的古典音樂專輯
https://www.youtube.com/watch?v=J2qO8WosfTg
2015年與阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團＆尼爾森合作之西貝流士
【紀錄片】邂逅孟德爾頌
圓滑演奏大PK...誰能勝出呢？
https://www.youtube.com/watch?v=TNrm79ydB5E&t=367s
【附錄】慕特紀錄片
https://www.youtube.com/watch?v=yX7dk7IN-sY&t=1421s
Anne-Sophie Mutter, Yo-Yo Ma & Daniel Barenboim on Beethoven’s Triple Concerto
https://www.youtube.com/watch?v=e4Xr9h_fwYc
慕特於「紀念卡拉揚音樂會」中，與小澤征爾合作貝多芬小提琴協奏曲（中文字幕）：
https://www.youtube.com/watch?v=9gRcZpGIcs8
“Across the Stars” – Anne-Sophie Mutter and John Williams (Trailer)
近年與約翰威廉斯的精彩合作
https://www.youtube.com/watch?v=nf0BB0q1VGs&t=172s
Anne-Sophie Mutter – John Williams: Across The Stars (Love Theme)
https://www.youtube.com/watch?v=q5i6hCr0C5o
John Williams | In Vienna with Anne-Sophie Mutter | Remembrances from Schindler's List
https://www.youtube.com/watch?v=9E7mU8OvQ78
John Williams & Vienna Philharmonic feat. Anne-Sophie Mutter – “Hedwig’s Theme” From “Harry Potter”
https://www.youtube.com/watch?v=qsCZP3wdF4w
2021年 慕特專訪《審訊安．蘇菲．慕特》
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【BON旅行】蹦藝術Ｘ新進旅行社 2022｜ 春日．美聲．蹦藝術 新竹2日 音樂美食獨家行程
【BON VOYAGE】蹦藝術Ｘ新進旅行社
2022｜ 春日．美聲．蹦藝術 新竹2日 音樂美食獨家行程
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「蹦藝術」Ｘ「新進旅行社 」＝「BON VOYAGE」❤️
2022年3/23 - 3/24，蹦藝術Ｘ新進旅行社再次推出佳評如潮的音樂藝術美食之旅🎉
《春日．美聲．蹦藝術》由林仁斌老師親自規劃特別安排兩位歌劇明星與鋼琴家隨行，讓您近距離親近音樂家與互動，並規劃帶來精采無比之專屬歌劇選粹詠嘆沙龍音樂會與美聲歌唱專題演講，滿滿兩天一夜都是音樂與藝術最美妙的結合。
陣容堅強的卡司．與音樂家最近距離的接觸
旅途．驚喜連連
尊榮．舒適安全
全程九人座BENZ V-Class接送，四人一車盡享尊榮與完整空間
音樂藝術．都在
Day.1 精緻美聲獨家音樂會
蹦藝術專屬沙龍音樂會《天籟美聲》
女高音：蔣啟真 男中音：丁一憲 鋼琴：黃郁文 主持：林仁斌 本場音樂會由台灣最知名抒情女高音蔣啟真與來自南韓最炙手可熱的國際級男中音丁一憲與旅德鋼琴家黃郁文共同擔綱，再結合林仁斌老師精彩導聆，為您聯袂帶來一場默契絕佳的多樣化音樂會：從獨唱到重唱，舒伯特藝術歌曲《冬之旅》選粹，到馬斯奈、比才與普契尼等觸動心弦之動聽歌劇詠嘆，還有全球最受歡迎之輕歌劇《風流寡婦》選粹...曲目精彩絕倫，知性與感性的完美組合將帶給大家充滿聲的幸福音樂午後時光～
品味美食．最高檔
藝術領域．探新知
Day.2 專場音樂專題演講
蹦藝術專屬音樂專題演講《初探美聲唱法》
主講示範：蔣啟真 對談：丁一憲 主持：林仁斌 美聲唱法相信是許多朋友們充滿好奇而想一探究竟之歌唱之秘～從呼吸到發聲，從咬字到吐氣，樣樣充滿至高努力辛勤的付出與耕耘，才能至臻化境。本場專題演講《初探美聲歌唱》由台灣最知名抒情女高音蔣啟真為您講解示範美聲唱法之必備基本功，並將現場帶領大家體驗如何演唱出道地美聲歌曲喔～
輕鬆愜意．舒適遊
報名方式：
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【BON音樂】何不聽聽舒伯特？一段31年的璀璨音樂之旅
【BON音樂】何不聽聽舒伯特？一段31年的璀璨音樂之旅
All about Schubert's works and life
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蹦藝術 | BONART
【武營來開槓】何不聽聽舒伯特？一段31年的璀璨音樂之旅
舒伯特以31歲弱冠之齡英年早逝，卻留下600多首藝術歌曲、九首交響曲以及為數甚豐的室內樂作品與令人未盡的喟嘆～他的美妙音樂，更是古典晚期與浪漫初期之間最美的綻放。
這位懷才不遇的音樂天才，無論是創作題材到內容，皆有著獨樹一幟的風格與歷久彌新的內涵。
本場《武營來開槓》邀請蹦藝術執行長林仁斌，以獨到的觀點、深入淺出剖析、影音欣賞為您開展舒伯特音樂的處處精妙，解析為何錯過舒伯特的音樂，將是一件多麼可惜之事。
★ 誰來開槓：蹦藝術執行長│林仁斌
活動時間：2022/2/19(六) 14:00
參加對象：歡迎喜愛藝術活動的朋友，一起來開槓！
報名方式：報名參加，免費入場（限量100名，額滿為止）
報名網址： 報名請點我
活動地點：衛武營國家藝術文化中心3F演講廳
林仁斌｜蹦藝術執行長
知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家林仁斌以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳；演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》（林仁斌＆周欣穎）《動物狂歡節》….等。現為音樂藝文網站「蹦藝術｜BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人，深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家，也以文字與攝影見長，年演講場次超過兩百場；為國家交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心、中正紀念堂、大人社團、50+等各單位邀約之音樂講座、策展、音樂導聆與撰稿人，更是公認的超人氣音樂欣賞名家。
只活了31歲的浪漫初期奧地利作曲家舒伯特（Franz Schubert, 1797-1828），曾說過一輩子最愛的就是「作曲」。
光是看這句口號是不夠的，根據目前全球的舒伯特專家們考據，列出舒伯特超過1500闕的各式畢生音樂創作，他的一生，根本就是驚人的創作量能大爆發：
→舒伯特作品列表
大致以種類整理看看數量：
超過650首藝術歌曲（包括聯篇藝術歌曲集）
13首交響曲
交響序曲
宗教儀式歌曲40首（包括彌撒曲）
合唱歌曲150首
各式舞台作品20部（包括歌劇）
21首鋼琴奏鳴曲
20首弦樂重奏
5重奏
3重奏
2重奏
...等等，創作數量與創作力實在驚人。
完整內容可以入上面超連結觀看詳細表格。
根據英國BBC音樂雜誌統計，以全球來說，舒伯特最受歡迎的五首曲目分別是：
- 《鱒魚》五重奏（The Trout Quintet）
Schubert - Piano Quintet in A major, D. 667 "Die Forelle" (Menahem Pressler, Quatuor Ebène)
https://youtu.be/0YNcI_SzADg?t=1381
非常推薦的珍貴紀錄片👍🏻
Schubert Piano Quintet D667 The Trout Jacqueline du Pre, Daniel Barenboim, Itzhak Perlman, Pinchas
https://youtu.be/ZZdXoER96is
現在知道為什麼這次的【2022衛武營新春燈會系列】《瘋迷24舒伯特》主視覺，是這樣設計了吧～😉
- 《美麗的磨坊少女》（Die Schöne Müllerin）
Schubert Die schöne Müllerin Ian Bostridge Mitsuko Uchida
https://youtu.be/mqk8INXCfOg
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-die-schone-mullerin/
- 《冬之旅》（Die Winterreise）
Schubert: 'Winterreise' - Ian Bostridge - Live concert HD
https://youtu.be/tnuvs2w7ges
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-winterreise/
- 第九號交響曲《偉大》（Symphony No. 9 "The Great"）
Schubert: "Große C-Dur" Sinfonie mit Herbert Blomstedt | NDR Elbphilharmonie Orchester
https://youtu.be/niypmws6n4I
- 鋼琴奏鳴曲 D.960（Piano Sonata D.960）
Schubert Piano Sonata No 21 D 960 B flat major Alfred Brendel
https://youtu.be/TKy0Lyl4g-s
關於舒伯特的音樂，鋼琴家布蘭德爾曾說：「在貝多芬的音樂裡，我們不曾迷失方向；就另一層面來說，在舒伯特的音樂裡，則把我們推入夢境之中。貝多芬的音樂，就如同偉大建築般雄偉可靠，舒伯特的音樂，則像是『夢遊者』（Sleepwalker）。」
爲什麼呢？因為舒伯特的音樂裡，總是充滿醉人的旋律、精緻細膩的和聲，還有迷人的轉調：
Krystian Zimerman - Schubert 4 Improptus Op.90 / D899
https://youtu.be/4T-BxVYpbSE?t=874
五首～不夠啦😁
我想再補充...😘
第六首最知名作品：《未完成》交響曲！
Schubert: "Unvollendete" mit Günter Wand (1988) | NDR Elbphilharmonie Orchester
https://youtu.be/xSvFF6Vg9X4
這迷人的旋律、高雅的氣質，都讓《未完成》成為歷史的謎團與樂迷的最愛💕
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/schubert-symphony-no-8-unfinished-d-759/
以上，您聽過多少呢？
這次的活動主軸：
為什麼我們應該聽舒伯特？
生不逢時？
沒有才能？
那這是什麼？？？？
→舒伯特作品列表
不熱愛創作？
No!!! 17歲時的舒伯特，一天就能創作兩首藝術歌曲，一輩子（31歲），更創作了超過1500首各式各樣的樂曲。
沒有旋律？
No!!! 他的旋律源源不絕，終其一生從未缺乏旋律之美❤️
藝術歌曲早期先驅《紡車旁的葛麗卿》
翻譯出處：舒伯特／歌德(浮士德)：紡車旁的葛麗卿
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| 舒伯特／歌德(浮士德)：紡車旁的葛麗卿
Gretchen am Spinnrade Meine Ruh' ist hin, Wo ich ihn nicht hab', Mein armer Kopf Meine Ruh' ist hin, Nach ihm nur schau' ich Sein hoher Gang, Und seiner Rede Meine Ruh' ist hin, Mein Busen drängt Und küssen ihn, |
舒伯特／歌德(浮士德)：紡車旁的葛麗卿
紡車旁的葛麗卿 我的平靜失落， 沒有他的地方， 我可憐的腦袋， 我的平靜失落， 我望著窗外， 他矯健的步伐， 他絕妙的言談 我的平靜失落， 我炙熱的渴望 U並如我所欲的 |
https://youtu.be/_ZEemKHUDpY
藝術歌曲《魔王》
演唱者須一人分飾四角：說書人、父親、兒子與魔王
https://youtu.be/SWjujB_Q5cs
https://youtu.be/or4-6bdd3gM
藝術歌曲《死與少女》
Schubert: Death and the Maiden, op. 7 no. 3
《死與少女》（Der Tod und Das Madchen），也可翻譯為《死神與少女》。這首藝術歌曲寫作於1817年，七年之後成為了d 小調弦樂四重奏 D.810第二樂章之主題（變奏曲式），也讓這首弦樂四重奏因而得名：《死與少女》。
中德文對照翻譯
| 德文歌詞
Das Madchen: Voruber! Ach, voruber! Der Tod: |
中文翻譯
少女： 快走！喔～快走！ 死神： |
Franz Schubert: Death and the Maiden, op. 7 no. 3
https://youtu.be/DgvM0g4fGBE
9年之後的1826年，《死與少女》藝術歌曲主題被舒伯特運用於d小調第十四號絃樂四重奏第二樂章，成為著名的變奏樂章，而這首弦樂四重奏也因此得名：
Schubert: String Quartet D.810 mvt.2 "Death and the Maiden" - Takacs Quartet (1998)
https://youtu.be/7daW-UBBdKs
知名度不夠？
這是極為可能的原因。
舒伯特一生貧困，經常連生活溫飽都有問題，常常缺錢，連買樂譜紙的錢，都需要朋友接濟。
過世之前，更是以一首藝術歌曲一塊錢的低價，賣給出版商換現金...
貝多芬過世於1827年，舒伯特過世於隔年1828年
在巨人的光環之下，小蘑菇想要成為大巨人，不是不可能
但在他壯志未酬之際，卻以31歲弱冠之齡過世，令人唏噓不已
多年來，我們一直未把舒伯特在音樂史上的地位，放在與巴赫、莫札特、貝多芬同等的地位...
雖然只是假設，
如果舒伯特多活幾年，能在當時維也納音樂巨人貝多芬的巨大影響力之下逐漸走出個人風格，能夠有機會在世之時就獲得交響曲的演奏機會...
這一切，會不會大不相同？
BON話題1：《吾愛未盡》- 舒伯特的愛情故事
蹦藝術Podcast 214 情人節特集
用耳朵閱讀古典音樂 - 蹦藝術 | BONART🎙
主持：林仁斌
各平台一鍵通：
https://linktr.ee/bonart
| Apple | Spotify | Sound On | Google | KKBOX |
BON話題2：AI作曲，能超越舒伯特！？
某手機公司，創立了AI作曲App，在輸入了足夠的作曲家音樂風格與數據之後，便能直接以手機作曲，仿真效果惟妙惟肖，值得大家聽聽：
新聞來源：
Schubert's 'Unfinished' Symphony completed by artificial intelligence
AI版舒伯特《未完成》交響曲全曲風貌
| 1st Movement: 0:05
2nd Movement: 13:54 3rd Movement: 24:34 4th Movement: 35:51 |
https://youtu.be/_6OUGRsslJY
不得不承認，這中間有些時刻，真的寫得非常美艷：
https://youtu.be/_6OUGRsslJY?t=2028
第四樂章結束前最後2分鐘段落，您覺得聽起來像什麼音樂呢？
https://youtu.be/_6OUGRsslJY?t=2578
其實，我覺得比較像「Film Music」了😁
Star Wars Main Theme
https://youtu.be/_D0ZQPqeJkk?t=277
第五號交響曲：
Franz Schubert: Sinfonie Nr. 5 mit Günter Wand (1997) | NDR Elbphilharmonie Orchester
https://youtu.be/ddQt9m5k_9w
在接下來的24小時之中，讓我們一起跟著衛武營精彩的節目設計與各樂團的精采演出，一起尋找這未竟之謎吧❤️
音樂廳及表演廳套票節目
| 音樂廳 套票節目 ($500) |
表演廳 套票節目 ($300) |
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| 2022年2月19日（六） | ||
| 17:00 | 【交響樂全系列】 第三號&第四號交響樂 17:00-18:00 |
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| 18:00 | 【舒伯特 Talk & Show】 舒伯特生命的24 moments（上） 18:15-19:15 於音樂廳3F大廳 |
【精選室內樂】 G大調第十五號弦樂四重奏 18:15-19:10 |
| 19:00 | 【交響樂全系列】 第九號交響樂 19:30-20:30 |
|
| 20:00 | 【舒伯特 Talk & Show】 《阿貝鳩奈琴》 20:45-21:10 於音樂廳3F大廳 |
【精選室內樂】 《羅莎蒙德》 20:45-21:25 |
| 21:00 | 【交響樂全系列】 第一號&第二號交響樂 21:40-22:40 |
|
| 22:00 | ||
| 23:00 | 【舒伯特 Talk & Show】 Ｃ大調幻想曲 23:00-23:25 於音樂廳3F大廳 |
【夜間夢遊】 抒情男高音林健吉獨唱會 23:00-23:45 |
| 2022年2月20日（日） | ||
| 00:00 | 【夜間夢遊】 情迷舒伯特 爵士午夜場 陳若玗爵士三重奏 00:00-01:00 |
【精選室內樂】 降B大調第一號鋼琴三重奏 00:15-01:00 |
| 01:00 | 【夜間夢遊】 ｃ小調鋼琴奏鳴曲 01:15-02:00 |
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| 【夜間夢遊】 巨匠經典影片放映 放映時間：01:15-03:35 於音樂廳3F大廳 |
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| 02:00 | 【夜間夢遊】 Ｇ大調鋼琴奏鳴曲《幻想》 02:15-03:00 |
|
| 03:00 | 【夜間夢遊】 即興曲 03:00-03:50 |
|
| 04:00 | ||
| 05:00 | 【夜間夢遊】 Ａ大調鋼琴奏鳴曲 05:00-05:45 |
|
| 06:00 | ||
| 07:00 | 【晨間散步】 降Ｂ大調鋼琴奏鳴曲 07:00-07:45 |
|
| 08:00 | ||
| 09:00 | 【精選室內樂】 降E大調第二號鋼琴三重奏 09:00-09:45 |
|
| 10:00 | 【舒伯特 Talk & Show】 舒伯特生命的24 moments（下） 10:00-10:45 於音樂廳3F大廳 |
【精選室內樂】 《死與少女》 10:00-10:45 |
| 11:00 | 【交響樂全系列】 第七號&第八號交響樂 11:00-12:00 |
|
| 12:00 | 【舒伯特 Talk & Show】 四手聯彈I 12:50-13:15 於音樂廳3F大廳 |
【精選室內樂】 C大調弦樂五重奏，作品 956 12:15-13:05 |
| 13:00 | 舒伯特第5號彌撒曲 13:30-14:15 |
|
| 14:00 | 【舒伯特 Talk & Show】 四手聯彈II 14:30-14:50 於音樂廳3F大廳 |
【精選室內樂】 《在河上》、《鱒魚》 14:30-15:15 |
| 15:00 | 【交響樂全系列】 第五號&第六號交響樂 15:30-16:30 |
|
| 16:00 | 【精選室內樂】F大調八重奏 16:45-17:45 |
|
| 17:00 | ||
親子音樂會節目
時間：
- 2022/2/20(日)10:30-11:10
- 2022/2/20(日)14:00-14:40
地點：排練室B313
票價：$150元（單場）
演講廳活動
時間：
- 2022/2/19(六)14:00
地點：演講廳
主講人：林仁斌（蹦藝術執行長）
時間：
- 2022/2/20(日)15:00
地點：演講廳
線上報名：$450元
公共鋼琴限定計畫
時間：
- 2/19(六)17:00-23:00
- 2/20(日)08:00-17:45
地點：公共鋼琴
自由參與
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【BON音樂】馬勒：《旅人之歌》聯篇歌曲 介紹
【BON音樂】馬勒：《旅人之歌》聯篇歌曲 介紹
Mahler: Lieder eines fahrenden Gesellen
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馬勒的首部聯篇歌曲《旅人之歌》（Lieder eines fahrenden Gesellen）大約於1884-1885年完成，一共包含四首歌曲，是見證馬勒年輕歲月才華的光芒初現之作。
1885年左右的馬勒
（圖片來源：馬勒基金會）
有關曲名翻譯
《旅人之歌》（Lieder eines fahrenden Gesellen）的英文翻譯為「Songs of a Wayfarer」，因此筆者翻譯為「旅人之歌」。也有人翻譯成《年輕旅人之歌》，主因是德文的「Gesellen」一詞，是指熟練的技術工人。因此在國外「馬勒基金會」網站中，亦提及歌曲中的旅人主角，應該已經完成技術相關訓練的年輕旅人之故。
但不知原因，這位青年旅人卻輾轉漂泊與工作技能實習與謀求正職的流浪之旅。
其實這就如同年輕的馬勒已於1878年（18歲）畢業，但想要邁向正式指揮之旅，在接下來的幾年之間的各城市流浪漂泊，頗有異曲同工的相似心情。
其次，「流浪者」（Wayfarer）這樣的主題，無論是文學、繪畫與音樂，皆是浪漫時期藝術家偏愛的題材，或許因為流浪帶來的孤寂、旅途中的變化，都能成為藝術家心中的靈感來源。
舉例來說，舒伯特的兩套聯篇藝術歌曲集《美麗的磨坊少女》與《冬之旅》，皆以流浪為題材而發展出不同的故事。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-die-schone-mullerin/
延伸閱讀
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樂曲特色
特別值得一提的特色有以下幾點：
第一，可能寫作於1884年-1885年，原始創作規模為六首，但後來只留下四首完成。
第二，除第一首《愛人結婚之時》可能靈感來源來自《少年魔號》（Des Knaben Wunderhorn）詩篇歌詞，其餘全部為馬勒自己創作。
第三，創作時，馬勒戀愛了，但也莫名其妙地失戀。對象是卡賽爾歌劇院的知名女高音約翰娜．里希特（Johanna Richter），這段感情無疾而終，可能帶給馬勒一定程度的沮喪與心情打擊。
第四，馬勒為了音樂之路雖然非常勤奮努力，但一路上他面臨短期合約與不斷更換工作城市的鍛鍊期，謀取一份好的正職指揮工作對他而言是最重要目標，但卻不是一蹴而就之事，因此，「流浪」的不確定感，想必是他此時心中的最大憂鬱心情來源。
第五，原始為鋼琴＋獨唱版，後來馬勒再重新配器成為管弦樂＋獨唱版本。
筆者補充馬勒工作資歷： 1880年，得到第一份指揮的工作：是在奧地利東北部城市林茨以南的溫泉小鎮，擔任輕歌劇院指揮。 1881年，搬到萊巴赫（Laibach，今斯洛維尼亞首都盧布爾雅那）擔任劇院指揮 1882年，維也納，在卡爾劇院擔任兼職合唱指揮。 1883年，捷克奧洛摩次（Olomouc）劇院指揮。 1883年，德國北部卡塞爾市（Kassel）皇家劇院音樂總監。 1885年，布拉格國家劇院助理指揮。 1886年，萊比錫新國家歌劇院指揮。 1888年，布達佩斯歌劇院指揮。 1891年，漢堡歌劇院首席指揮。 1897年，2月皈依羅馬天主教，10月終於成為國立維也納歌劇院音樂總監。 1907年，赴美至紐約大都會歌劇院擔任指揮。（1908年1月１日首次登場演出） 1909年，成為紐約愛樂音樂總監至過世為止（1911年2月21日最後一場音樂會，同年5月18日過世）。
據「馬勒基金會」網站指出，聯篇歌曲《旅人之歌》的創作歷程無法明確考據，因為1882-85年間，馬勒自身亦處於工作不穩定，經常需要搬家轉換工作城市，從上方筆者整理之馬勒工作時序，亦能看出的確馬勒幾乎每年都在換工作與搬家。
樂曲首演
1886年3月16日，由男中音Anton Sistermans (1867-1926) 首演「管弦樂＋獨唱版」於德國柏林。
本套聯篇藝術歌曲主要寫給低音聲部演唱（例如男中音Baritone），首演時便由男中音擔任。
樂譜出版
鋼琴初版於1897年出版。（Weinberger出版社）
管弦樂團版於1912年出版。（Weinberger出版社）
馬勒與出版商約瑟夫·溫伯格（Josef Weinberger, 1855–1928）的往來是如何開始的，已不可考。不過根據資料指出，就在1897馬勒抵達維也納的幾個月內，他們便於1897年9月27日，簽署了出版《旅人之歌》（ Lieder eines fahrenden Geselle）之合約，當年最初出版的便是鋼琴與聲樂之版本。
早期經典錄音版本
知名次女高音露德維希（Christa Ludwig, 1928-2021）於1958年於哥倫比雅唱片公司出版，指揮為Adrian Boult (1889-1983)。
| Gustav Mahler: Lieder eines fahrenden Gesellen
0:00 Wenn mein Schatz Hochzeit macht 4:23 Ging heut' morgen übers Feld 9:12 Ich hab' ein glühend Messer 12:21 Die zwei blauen Augen von meinem Schatz Christa Ludwig Studio recording, London, 18.X.1958 |
https://youtu.be/R6UwCW1GBzE
接下來，讓我們先從鋼琴版本開始欣賞：
第一首：愛人結婚之時
A-B-C 三段體
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Wenn mein Schatz Hochzeit macht, B Blümlein blau! Blümlein blau! C Singet nicht! Blühet nicht! |
A
愛人結婚之時， B 藍色的小花！ 藍色的小花！ C 鳥兒莫再唱！花兒莫再開！ |
https://youtu.be/RxmGLjumt7Q
第二首：清晨我走過田野
A-A‘-B 三段體 + Coda
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Ging heut morgen übers Feld, A‘ Auch die Glockenblum'am Feld B Und da fing im Sonnenschein "Guten tag, Coda Nun fängt auch mein Glück wohl an?! |
A
今早我走過田野； A’ 還有，田野裡的風鈴草精神抖擻 B 然後，在陽光下 「你好， Coda 現在，我的快樂日子也將來臨嗎？！ |
https://www.youtube.com/watch?v=RxmGLjumt7Q&t=221s
第三首：我胸口有把熾熱的刀
A-B 兩段體+Coda
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Ich hab'ein glühend Messer, B |
A
我有一把熾熱的刀， B |
https://www.youtube.com/watch?v=RxmGLjumt7Q&t=463s
第四首：愛人的那雙藍眼睛
A-A'-B 三段體
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Die zwei blauen Augen A' O Augen blau, Ich bin ausgegangen in stiller Nacht B Auf der Straße steht ein Lindenbaum, |
A
那雙藍藍的明眸 A' 藍藍的眼睛啊， 我走出去，步入寧靜的夜， B 路上佇立著一棵菩提樹， |
https://www.youtube.com/watch?v=RxmGLjumt7Q&t=651s
管弦樂版本欣賞
| Gustav Mahler - Lieder eines fahrenden Gesellen (Songs of a Wayfarer) (1885)
Hermann Prey (Baritone), 0:00 I. Wenn mein Schatz Hochzeit macht 4:01 II. Ging heut' Morgen über's Feld 8:18 III. Ich hab' ein glühend Messer 11:15 IV. Die zwei blauen Augen von meinem Schatz |
https://youtu.be/qs994tQu2ZY
音樂會版本
Christian Gerhaher, baritone
Gustav Mahler Jugendorchester
Herbert Blomstedt London, Proms 2010
| 0:00 I. Wenn mein Schatz Hochzeit macht
4:07 II. Ging heut' Morgen über's Feld 8:05 III. Ich hab' ein glühend Messer 11:28 IV. Die zwei blauen Augen von meinem Schatz |
https://youtu.be/SI_0YaG-HsY
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：帕華洛帝：世紀男高音 Luciano Pavarotti
【BON音樂】大人的音樂欣賞：帕華洛帝：世紀男高音 Luciano Pavarotti
Luciano Pavarotti: The great tenor
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞音樂藝術之美 –
蹦藝術 | BONART
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-演奏家(2022/2/17週四下午班，共5堂)：解讀五大演奏家│帕華洛帝X慕特X葛莉茉
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-芭蕾音樂(2022/3/31週四下午班，共5堂)：《天鵝湖》《胡桃鉗》《火鳥》
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
本期的音樂欣賞課，超人氣音樂欣賞名家林仁斌老師將帶領大人認識當代著名的音樂演奏家。《大人社團》與蹦藝術攜手再開新班，以經典的五大演奏家為主題，讓學員透過音樂家的個人經歷及音樂作品，了解他們詮釋音樂的獨特方式。你會更了解世界知名的男高音帕華洛帝，也會認識極具天賦的知名女性小提琴家慕特與小提琴大師帕爾曼，以及當代鋼琴家葛莉茉及卡蒂雅，細細品味音樂中的豐沛的情感，也了解演奏家的際遇為他們的音樂上了哪些色彩，更為自己的生活注入更多繽紛。
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關於世紀男高音帕華洛帝（Luciano Pavarotti, 1935-2007），大家一定都非常熟悉❤️
對於他歌唱事業的早期源起，許多網路資料都介紹的非常概略；許多人只知道他於1968年的11月首次登上大都會歌劇院演唱歌劇《波希米亞人》之後，便聲名大噪，後來Decca唱片發行他的唱片，封他為「高音C之王」，以及之後的許多精彩故事。
今天蹦藝術文章，就是要與大家分享帕華洛帝從小到大的故事，讓大家更加地認識這位一代偉大男高音～
藉著大導演朗.霍華（Ron Howard ）的紀錄片《帕華洛帝：世紀男高音》，我們可以了解這位20世紀最具知名度、話題性與親和力的男高音，從小時候到職業生涯的許多幕後秘辛，有許多內容更是值得我們更加深入了解～
電影預告
https://youtu.be/CnPPrjwyLW8
帕華洛帝第二任妻子 Nicoletta Mantovani，在影片開始時，緩緩說道：
「他不是擅長規劃的人
事情總是自然而然的發生
他很容易相信人
他相信每個人都有善良的一面
他很樂觀隨時散發正能量
帕華洛帝一直很清楚的知道
上帝賦予了他獨特的天賦
不僅僅是歌唱技巧
也關乎生命的層次...」
當帕華洛帝被問到「百年後你希望人們如何記住你？」這個問題時，
他的回答是：
「從歌唱事業的角度來講
我希望在大家心中留下
我曾致力於將歌劇帶給大眾
希望大家記得我的歌唱涉獵廣泛
能從《我心愛的人》唱到《奧泰羅》（從通俗唱到真正嚴肅的歌劇）
希望大家記住我嘗試創新突破
試圖開創歌劇的新詮釋
作為一名聲樂家
這些是我的期望
希望大家記得我的堅強
從不畏懼各方的批判」
看到這些真誠地回答，筆者非常動容。
出生．成長於摩德納
出生於義大利摩德納（Modena）的帕華洛帝，形容自己的故鄉是「世界上最美麗的城市」
1935年，嬰兒時期的帕華洛帝
他說：「我們這份專業十分與眾不同
不太可能一夕爆紅
必須日積月累
一步一腳印的走
無法預知自己能走到哪裡
我出生於戰亂
戰爭影響我很深
揮之不去
我算是相當幸運
在全世界最美的地方長大」
父親是烘焙師．擁有一副好歌喉
「我的父親是個烘焙師，也是一位男高音
我很幸運能跟父親一起在教堂唱歌
小男孩總喜歡模仿自己的父親
換句話說他是我的啟蒙老師
父親擁有一副絕佳的歌喉
嗓音非常動人比我還要好
大家都不相信～但確實如此」
言談間，帕華洛帝透露出對父親深深的愛
參加合唱團．比賽獲獎
我們這個合唱團裡面有50幾個成員
大家一起去英國的威爾斯參加比賽
我們在1955年拿下了冠軍
那是我生命中最重要的一天
記憶猶新，永遠無法忘懷
轉捩點．母親的鼓勵
得獎那年，當時我只是個小學老師
父親告訴我說：「努力讀書，去大城市當個教授。」
因為爸爸沒能在男高音的領域闖出名號
他知道這不容易，即使有一副好歌喉
我原本打算聽從父親的建議
我媽媽卻有不同的看法，
媽媽卻說
每當聆聽我兒子的歌聲，都會感受到深深地被觸動了
我說，
因為妳是我媽媽才這麼說
她很堅持說：「不不不不，我聽你爸爸唱歌時，就沒有這種感動（笑）」
她讓我去追求自己的興趣
我認為，那應該也是我的天職
於是，我從1955年開始學習聲樂。
1961年義大利正式登台
六年之後，帕華洛帝於1961年首次登台
演唱劇目為普契尼歌劇《波西米亞人》：
一名年輕而窮困的藝術家魯道夫
獨自在巴黎，遇見了咪咪
卻感受到人間最深刻的愛與失落...
1961年的帕華洛帝
一起欣賞1961年的帕華洛帝《波西米亞人》Live'錄音
Luciano Pavarotti - Che Gelida Manina 1961 live (his debut!)
https://youtu.be/G890jG02RbI
帕華洛帝說：「我在音樂比賽中脫穎而出，比賽的獎勵就是登台演出，並且與交響樂團合作演出完整歌劇，因此我有終於有了機會正式登台演唱歌劇。」
我的首演就在1961年4月29號
飾演《波西米亞人》魯道夫
在義大利雷焦艾米莉亞市立劇院（Teatro Minicipale，Reggio Emilia， Italy）
關於這次的首次登台
帕華洛帝說得非常客氣：「那一晚的演出不算是太有亮點～但我想大家應該很享受，尤其是我母親...XD」
於是
1961年4月29號
一個國小老師登上舞台
演唱的《波西米亞人》裡面的魯道夫
他從此搖身一變
成為了職業男高音～
步入家庭．三個女兒相繼報到
正式成為男高音後，他逐漸累積演出場次，也談了戀愛～
與 Adua Veroni 相戀，兩人迅速熱戀而決定步入婚姻
在四年七個月之間，兩人共生了三個女兒
三位他永遠最愛的女兒
1963年．英國柯芬園大獲成功
1963年倫敦～是個不可思議的城市
科芬園花園歌劇院
是我跨足國際的重要據點
我在1963年的演出相當成功
當時《波希米亞人》在科芬園連續演出了10場
這系列原本是男高音史帝芬諾（Giuseppe di Stefano）擔任男主角
史帝芬諾是史上最偉大的男高音之一
但是他卻在抵達倫敦時生病了
不得不放棄演出
歌劇院方由我頂替他的角色
這件事情成了大新聞
還上了報紙
畢竟史蒂芬諾不是普通人
而那個幸運接替上台年輕的男高音就是我
我終於達到了那個高度
能夠自在地掌控舞台
這不容易
但並非辦不到
而我...真的辦到了
1965年與弗雷妮於義大利史卡拉歌劇院合作．再創高峰
1967年，帕華洛帝與女高音瓊．蘇瑟蘭合作，展開澳洲巡演。
帕華洛帝曾於接受訪問時說：「和瓊安一起去澳洲巡迴演出，我必須非常認真看待，展現我的專業度。」
「我從她身上學習呼吸的技巧，聽起來很簡單，事實上是最困難的。」
「我試著用手感受，了解她如何發聲與演唱」
「我感受到橫膈膜肌肉的律動，她能妥善的控制橫膈膜的肌肉，準確地發數每一個音。」
「總而言之～她的技巧堪稱完美，或許是我見過最厲害的人，無人能及～真的。」
以下是他於另一段大師班，提及這段過往，以及「橫隔膜呼吸技巧」時，所說的話：
https://youtu.be/DYrnunDW0Jg
讓我們一起欣賞影片裡的中文翻譯～
|
*影片完整翻譯（林仁斌）
影片中帕華洛帝接受現場提問之後，開始說： 「我的父親是一位男高音，小時後他把我們家鄉的男高音唱片全部「搬」回家欣賞 「要成為男高音，你必須下定決心！」（態度轉為認真） 對我最困難的問題，一直都是「橫隔膜」（Diaphragm） 後來我開始進入舞台表演生涯，但我其實還不清楚橫隔膜支撐歌唱技巧如何運作。 我跟女高音 瓊·蘇莎蘭（Dame Joan Alston Sutherland, 1926-2010）於澳洲巡迴演唱，大概3個月40場音樂會，期間藉由與她的合作，我見證了”橫隔膜“這項無比巨大的樂器（帕華洛帝比了橫隔膜的位置） 我一直覺得「這裡面一定有些什麼技巧」（搔搔腦袋，現場大笑） 於是巡演期間我不斷向蘇沙蘭這位前輩提問，而她也總是親切地回答我所有的疑惑。
蘇沙蘭當時回答：「Wait before you begin!!!」 「如果你沒有充分準備，是沒有用處的。」 「因為這樣你會不小心去使用喉部，進而破壞這一切的聲音。」 「如果橫隔膜還沒準備好，就以運動（Gymnastic）的方式鍛練出來！」
帕華洛帝：「最佳的範例是『小孩子的哭泣』」。 小孩子可以哭一整夜…，但是喉部卻不會緊縮而沒聲音（現場大笑）
帕華洛帝笑著再說：「這是絕對正確的方法！」 原因是：「小孩子就是用橫隔膜的力量在哭泣的～」（帕華洛帝再次比出橫隔膜位置並示範小孩子的啊～啊～啊～，現場哄堂大笑） 帕華洛帝：「就是聲樂家的優勢！！！」 如果他懂得「橫隔膜支撐歌唱技巧」，那麼唱一整個晚上也不會累（笑）～～～ |
男高音的困難之處
帕華洛帝擁有史上最完美的嗓音
他的歌聲直擊人心
他的嗓音極為純粹
極為善感
既熱情又美好
無庸置疑，就是天籟
大家應該都要知道
女高音和男中音是最自然的狀態
因為男人的音域通常在男中音的位置
因此要成為男高音是另外一回事了
必須挑戰自然的限制
男生講話的聲音
跟男高音所發出的聲音，
大家如果仔細聽聽看
其實真的不一樣
所以說
如何造就偉大的男高音？
就是想辦法讓聽眾感覺那個高音很自然
但若想達到帕華洛帝的等級
你必須唱的到高音C
這是至關重要的一點
一般的男高音也可以唱的很好
但是唱的到高音C
才能成為頂尖
高音C之王．誕生
1973年，帕華洛帝於大都會歌劇院現場演唱董尼才第歌劇《聯隊之花》，連續飆出九個高音 High C現場演出：
https://youtu.be/lu4-jaw8yKo
較佳錄音品質欣賞：
https://youtu.be/c6NkMeR2Z0M
這齣歌劇正是讓他聲名大噪的另外一個轉捩點，從此他進入美國演唱市場，逐漸開拓顯著名聲。
每個人都想在歌劇領域中獨佔鰲頭，而帕華洛帝是萬中選一的那位
接下來帕華洛帝在各地的歌劇院應邀演出：柯芬園，維也納，拉斯卡拉大劇院，大都會歌劇院，到處都有他的足跡～
笛卡唱片（Decca）更直接封他為高音C之王
超級迷信．彎曲鐵釘帶來好運
帕華洛帝說：「藝術家們通常有一些迷信～我也不例外。
例如英文裡面「摸木頭」（Touch wood）說有好運
而我們義大利折相信「摸鐵片」（Touch iron ）有好運
彎曲的指甲加上鐵片＝彎曲的鐵釘
就能帶來雙重好運～
其實我是這麼虔誠的天主教徒
不過我還是有我自己的迷信：雙重保障，以防萬一嘛～」
白手帕習慣的緣起
在經紀人的推薦之下， 1973年起，怕華洛帝開始舉辦個人演唱會
平常習慣了演出前梳化變裝，扮演成歌劇角色的他
在演唱會只有一個人在台上的狀況之下，感到焦慮
於是他問經紀人：「我的雙手該放哪裡？」
經紀人回答：「拿出你的白手帕牢牢地握著」
從此以後握著白手帕～就變成了帕華洛帝的演出習慣。
後來經紀人說，
如果你不喜歡的話，你就不要這麼做...
於是帕華洛帝說：「我的確不喜歡…我超愛！」（I really don't like it... I Love it!!!）
奇妙節食法
大都會歌劇院的經紀人透露了帕華洛帝節食的妙方：
帕華洛帝吃飯時
總是吃很多的義大利麵以及肉，
並且還喜歡挖四大球的冰淇淋
然後迅雷不及掩耳的先直接吃掉三球冰淇淋...
接著，他把剩下最後一球的冰淇淋的盤子推到旁邊
說：「剩下最後一球不要吃...這樣節食就對了，我保證你一定會瘦下來～」
這就是他的節食方法😅
居然說最後一球不要吃，這樣節食就對了...（很道地的義大利人吼）
結語
今天與大家分享了許多男高音帕華洛帝事業之初的成長過程與成名之後趣事，希望大家喜歡～
再分享一個超級好消息～蹦藝術將於2021年3月1日起，正式跨足 Podcast囉🎊
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【BON音樂】國際樂壇炙手可熱的指揮家 - 亞尼克．聶澤-賽金介紹
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紀錄片推薦《指揮巨星亞尼克》
他定義指揮家的新高度，讓全世界觀眾仰望… 《指揮巨星亞尼克》Ensemble ◎榮獲美國明尼阿波利斯-聖保羅國際影展 最佳紀錄片提名 10歲，他立志成為指揮家 25歲，他掌管蒙特婁管弦樂團 35歲，他拯救了費城管弦樂團… 加拿大導演 尚‧尼可拉斯‧歐宏 Jean-Nicolas Orhon 指揮巨星亞尼克‧聶澤-賽金（Yannick Nezet-Seguin） 蒙特婁大都會管弦樂團（L’Orchestre Metropolitain De Montreal） 音樂紀錄電影《指揮巨星亞尼克》（Ensemble）描述當今樂壇最炙手可熱的指揮家亞尼克．聶澤-賽金（Yannick Nezet-Seguin），與他發跡的「蒙特婁大都會管弦樂團」（L’Orchestre Metropolitain De Montreal）音樂家們，長達20年的濃郁感情與合作默契。該團於2017年成立35週年時，展開了八天之內、連續七場的首次歐洲巡演。加拿大導演尚‧尼可拉斯‧歐宏（Jean Nicolas Orhon）不僅扛機拍攝這趟亞尼克率領「大都會管弦樂團」征戰歐洲的完整過程，更費時四年將這些音樂家的巡演準備、演出心聲一一收錄，完美呈現這位「指揮巨星」亞尼克的豐沛才華與驚人魅力，被美國〈紐約時報〉盛讚「敲響了天堂之門」。 這部音樂紀錄電影《指揮巨星亞尼克》，不僅完整收錄「蒙特婁大都會管弦樂團」在亞尼克領軍下，征戰德國多特蒙德、科隆、漢堡演奏廳，荷蘭阿姆斯特丹、鹿特丹音樂廳，以及巴黎愛樂廳等連續七場的精彩演出。更華麗呈現布拉姆斯《圓舞曲華爾滋》、艾爾加《謎語變奏曲》、蕭士塔高維奇《第四號交響曲》、貝多芬《第六號交響曲：田園》、高沙可夫《西班牙隨想曲》、德弗札克《斯拉夫舞曲》及莫札特《第39號交響曲》等名曲，尤其招牌曲的馬勒《第五號交響曲》，更被亞尼克視為「終極享受」，讓含蓄的古典樂迷變得痴狂，被歐媒讚嘆形容「誰在觀眾飲料偷加興奮劑？」。（本段介紹文字取自Swallow Wings Films海鵬影業Youtube）
https://youtu.be/7PvUJqRGpig
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資歷傲人的中生代指揮家 - 亞尼克．聶澤-賽金
2000年獲聘蒙特婁大都會管弦樂團（Orchestre Métropolitain）首席指揮(2000年至今) 2008年獲聘為鹿特丹愛樂交響樂團（Rotterdam Philharmonic Orchestra）(2008年–2018年) 2012年起獲聘為費城管弦樂團（Philadelphia Orchestra）首席指揮（2012年至今） 2018年起獲聘為紐約大都會歌劇院（Metropolitan Opera）首席指揮（2018年至今） 2019年，蒙特婁大都會管弦樂團正式宣佈與亞尼克簽下「終生音樂總監合約」。
【專訪】Yannick Nézet-Séguin on exposing classical music to a younger generation
訪問者趣問：觀看你的彩排，一直都比欣賞正式音樂會還要更加有趣
亞尼克妙答：因為彩排就像是「在廚房做菜」，演出則像是「在飯廳用餐」...XD
https://youtu.be/VW0-XNh01uw
初戀．永遠最美
1975年3月6日出生加拿大蒙特利爾的亞尼克‧聶澤-賽金（Yannick Nezet-Seguin, b.1975），於2000年被任命成為蒙特利爾大都會管弦樂團的音樂總監，也在2003 年成為維多利亞交響樂團（加拿大不列顛哥倫比亞省）的首席客座指揮。
由於與蒙特利爾大都會管弦樂團的合作非常愉快，樂團不斷與他提前續約，先延長到2010年，再延長至2015年。2015 年 9 月，樂團再宣布將他的合約延長至2020-21樂季，之後就是2019年9月，樂團再次宣布與亞尼克簽訂終身音樂總監合約。
面對故鄉樂團這麼積極的實質肯定，對於亞尼克來說一定是非常溫暖的，因此我們在影片中看到的所有互動，其實就來自許多真實的情感激盪而出的美妙音樂。
最有趣的一個數據統計是，正式成立於1981年的蒙特利爾大都會管弦樂團，至今（2022年）才剛滿41年；而亞尼克（2000年起）至2022年為止已經指揮這個樂團超過21年，也就是已超過樂團團齡的一半以上～因此年紀輕輕的他，早已經是樂團最資深的音樂總監XD
與費城...很來電
「當我們合體，就是非常來電」－ 費城管弦音樂總監亞尼克．聶澤-賽金
https://youtu.be/CD3s9yfViVw
探索樂團本質．忠於自己
亞尼克說：「從與費城管弦樂團合作的第一天開始，我就愛上了他們了。即使我從小就夢想與他們合作，但我當時沒有想過會這麼年輕就職掌這個曾經有這麼多優秀指揮的樂團。但是我覺得，當我們之間的化學反應對了，當我感受到我想與費城管弦樂團一起傳達一些理念，為費城這個城市做一些事，那我就沒有理由擔心被比較，這反而是一個榮譽和喜悅，讓我接下這個樂團的歷史，創造屬於我的一刻，並有機會去創造下一個世代。」
從「漸強」（Crescendo）走入「最強」（Fortissimo）
對於樂團的發展，亞尼克有著極為清晰的思維，他說：「我前幾個樂季的主要目標，是要延續我擔任準音樂總監以來的工作，就像音樂上的『漸強』，通向強而有力的切入點（笑）。在這些樂團的拿手曲目中，探索樂團的歷史：包括德國的浪漫音樂，以及非常多的俄國音樂...。但我同時也是一個不拘一格的音樂家，我喜歡探索很多現代音樂，而且我來自合唱的背景...我喜歡巴洛克音樂，所以我想要樂團可以在所有的樂曲中，去呈現它的多樣性。而且我相信在一開始的幾季，我們會擴大樂團及觀眾的視野。」
嶄新領域．大都會歌劇院
大都會歌劇院自2009 年開始與亞尼克合作，當時雙方合作的第一個劇目是《卡門》。這個製作卡司陣容堅強，由Elina Garanca飾演女主角卡門，Roberto Alanga飾演男主角唐賀賽。音樂活靈活現，非常動聽，至今都是Youtube上非常收歡迎的近年示範及參考版本：
Carmen: "Près des remparts de Séville" (Elina Garanca)
https://youtu.be/sHjnVz7Ayyw
Carmen: "L'amour est un oiseau rebelle" (Elina Garanca)
https://youtu.be/K2snTkaD64U
亞尼克與大都會歌劇院接下來的合作是威爾第歌劇《唐卡羅》（於2010年與2015年兩度製作）、2011 年的古諾：《浮士德》、 2013 年的威爾第《茶花女》與2014 年的德弗札克《露莎卡/水仙女》（Rusalka）。多年下來大都會歌劇院越來越倚重亞尼克許多新的音樂觀點與音樂詮釋。
2015年9月，由亞尼克再次負責開季重要歌劇製作：威爾第《奧泰羅》，同樣叫好叫座。
2016年6月2日，大都會歌劇院看來已經無法離開亞尼克的魅力～正式宣布任命亞尼克為下一任音樂總監，合約自2020-2021樂季起生效，首次合約時間為期四年。
紀錄片《Yannick: An Artist's Journey》精彩部分內容：
https://youtu.be/efaXgn3ZLmo
因此從2017-18樂季起，亞尼克正式以「準音樂總監」繼續與大都會歌劇院合作，接下來他的重要製作是華格納《漂泊的荷蘭人》（Der fliegende Holländer）。
而令人意外的變化總是不在眾人預料之中，畢竟，意外就是意外嘛～2017年前大都會桂冠音樂總監詹姆斯·萊汶（James Levine）在爆發多起性騷擾醜聞後，被劇院解聘；因此亞尼克任期原定2020年開始的音樂總監任期，也因此提前兩年上任，他在2018-2019樂季起正式上場救援，也一路丟出好成績至今，帶領樂團成就與指揮功力實在非凡。
音樂新聞來源：
Yannick Nézet-Séguin to Become New York Met Music Director Two Seasons Earlier Than Originally Planned
2021-22年樂季，亞尼克在大都會歌劇院的最新製作《托斯卡》選粹：
Sondra Radvanovsky Sings "Vissi d'Arte"
Production: David McVicar. Conductor: Yannick Nézet-Séguin
https://youtu.be/CAU6MvkMQ5U
於紐約大都會歌劇院逐步攀向指揮生涯高峰的亞尼克，展現出招牌燦爛笑容：
鋼琴．彈得一極棒
與女高音芙萊明合作
Puts:《Evening》
Renée Fleming · Yannick Nézet-Séguin
https://youtu.be/2UBTHzpYVVI
Renée Fleming - Fauré: Rêve d’amour, Op.5 (Live' Session video)
https://youtu.be/H7Fa3npoXjQ
與次女高音狄杜娜朵（Joyce DiDonato）合作
舒伯特著名聯篇歌曲集《冬之旅》由於內容明確，描寫失意的流浪男子於冬日之夜啟程，流浪於過往的愛情與回憶之間，是眾多男性聲樂家均會演唱之重要曲目。也由於詩集劇情設定為男性，因此一般來說，女聲演唱《冬之旅》之機會與錄音極少。
但這張唱片中，著名次女高音狄杜娜朵與亞尼克合作錄製，便為極少數女聲之《冬之旅》完整聯篇歌曲集錄音。
在這份錄音裡，我們可以聽見狄杜娜朵以非常具有優勢之音色與極其連貫的呼吸，更加細膩地詮釋繆勒詩中，以及舒伯特音樂裡那份惆悵、失落，甚至絕望的情緒，而亞尼克傑出優異的琴藝，更是襯托這份精緻演唱版本的最佳搭擋：
Joyce DiDonato, Yannick Nézet-Séguin – Schubert: Winterreise: I. Gute Nacht ("Good Night")
https://youtu.be/a8I5Gn3bVN0
筆者自己也很喜歡亞尼克指揮鹿特丹愛樂時灌錄的唱片，下方是其中一張與長笛天王帕胡德合作的《歌劇院之夜》（A Night at the Opera）錄音實況：
https://youtu.be/uk5XEV_YzJw
之前帕胡德也曾經跟筆者聊過這張專輯的音樂內容設計，他以長笛模仿歌劇女高音之演唱方式，主要就是他認為長笛的共鳴方式與氣流支撐，均與聲樂歌者非常相似；當然也提到了這張唱片的錄音經驗，亞尼克非常了解歌劇音樂內容，對於他的音樂詮釋也做出了最大與非常靈活的音樂性支援，都讓他印象深刻。
平衡報導
網路的世界資訊多元，網友看法與角度也越來越多，你以為名人就能遠離被批評嗎？錯了～人越紅，相對的各種批評隨之而來...
在此提供也有人以不同觀點看待亞尼克的音樂觀念。
針對內容部分不做評論，有興趣的朋友們自行理解內容，並做出自己的判斷。
附上影片：
How to DESTROY opera with Yannick Nezet Seguin
https://youtu.be/zK6RmaMNvk8
迎向挑戰．邁向顛峰
面對近年迎來的快速崛起，頻繁分身於世界三大一流職業樂團（蒙特婁大都會管弦樂團、費城管弦樂團與大都會歌劇院），應該是連鐵打的身體都會累垮吧。果然，2021年12月19日起他宣布休假四周，希望擁有一段好好休息的時間，要以充分的準備面對2月份開始的下半年樂季。
新聞來源
Nézet-Séguin to take 4 weeks off from conducting
對亞尼克來說，許多美好的事正在發生，是現在進行式
對喜愛音樂的我們來說，欣見這位充滿創意、活力四射的47歲壯年指揮，繼續在樂壇上散發熱力，帶給世界更多美妙的音樂～Bravo~Yannick Nézet-Séguin🌟
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【BON音樂】聖桑：《動物狂歡節》簡介與賞析
【BON音樂】聖桑：《動物狂歡節》簡介與賞析
All about "Le Carnaval des animaux"
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最棒的古典音樂入門教材
聖桑（Camille Saint-Saëns）的管弦名作《動物狂歡節》（Le carnaval des animaux）多年來廣為被所有喜愛音樂的朋友接受與喜愛，並被認為是「最棒的古典音樂入門教材」，但您知道，其實原本創作時，聖桑認為這是一首私人沙龍娛樂之作，還曾經要求出版商不能出版喔～
關於作者 延伸閱讀
https://bonart.com.tw/all-about-saint-saens/
《動物狂歡節》是聖桑在國際間最著名的作品之一，但其實他的第三交響曲《管風琴》、鋼琴、小提琴大提琴等等器樂協奏曲與奏鳴曲，及歌劇《參孫與大利拉》、交響詩《骷髏之舞》（Danse Macabre）等等，都是喜愛音樂的朋友們不可錯過的珍品。
《動物狂歡節》創作起源
聖桑的《動物狂歡節》寫作於1886年，當時他正在奧地利的小村莊享受休閒的度假時光。雖然帶著許多的童心未泯與樂趣而創作本曲，然而，他心中隱隱懷疑這樣「不正經的作品」，可能會妨礙他一直以來在音樂圈那種成熟和嚴肅作曲家的公眾形象。畢竟，聖桑一直以來非常重視自己的聲譽：雖然他確信這套樂曲能夠讓所有聽眾莞爾一笑，更能讓聽眾們因為音樂裡隱藏的各種「梗」而開心；但，謹慎的他，仍然在他去世之前，一直禁止這套作品該所有的公開表演。
1886年左右的聖桑照片
但～只有一個樂章除外，有先行出版喔～
猜到了嗎？這個樂章就是⟨天鵝⟩（Le Cygne）～⟨天鵝⟩ 在1887年便已經在聖桑授權下單獨出版。
直到聖桑即將去世前，終於在遺囑中解禁了《動物狂歡節》之演出禁令，因此在他逝世隔年的1922年，《動物狂歡節》終於正式舉辦演出：
《動物狂歡節》首演
《動物狂歡節》於 聖桑逝世的隔年1922 年2月26日才正式舉辦首演，其實距離他創作的1886年已經26年過去～所有的聽眾也因此才於1922年之後，認識這首幽默之中帶著戲謔，但從任何角度來說，都是一首高度智慧與精妙寫作的曲目。
知名俄羅斯芭蕾舞星安娜．帕芙洛娃（Anna Pavlova, 1881-1931）也曾以聖桑⟨天鵝⟩為靈感，設計了兩分多鐘的獨舞代表作《垂死的天鵝》（The Dying Swan），享譽全球：
Anna Pavlova Dances 'The Swan', 1920's
https://youtu.be/5SIhAVGDGPs
帕芙若娃（Anna Pavlova, 1881-1931）與《垂死的天鵝》（The Dying Swan）的故事：
https://youtu.be/XzD1ppkq68A
在現代，《垂死的天鵝》已經成為每位芭蕾女伶必然挑戰的經典舞碼：
https://youtu.be/kJ4uowripdw
《動物狂歡節》編制
這套樂曲共由14個樂段組成，成為一套完整音樂組曲。
編制部分，聖桑使用了長笛（兼短笛）、單簧管（bB調與C調）、弦樂五部（小提琴X2部、中提琴、大提琴與低音大提琴）、兩架鋼琴、木琴（Xylophone）與相當特別的「玻璃琴」（Glass Harmonica）-->也可由「鐘琴」（Glockenspiel）代替。
編制參考總譜：
玻璃琴（Glass Harmonica）據說是發明避雷針的美國發明家班傑明．富蘭克林於1876年所發明的樂器，相當特別，一起欣賞特別精緻的音色：
https://youtu.be/eEKlRUvk9zc
玻璃琴（Glass Harmonica）演奏欣賞：
"Dance of the Sugar Plum Fairy" on the Glass Armonica
https://youtu.be/eQemvyyJ--g
聖桑《動物狂歡節》介紹
Camille Saint-Saens: Le Carnaval des Animaux
- 序曲與獅王進行曲（Introduction et Marche royale du Lion）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=0s
- 公雞與母雞（Poules et Coqs）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=119s
- 野驢（Hemiones）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=163s
- 烏龜（Tortues）
出現戲謔模仿段落：
奧芬巴哈（Jacques Offenbach）歌劇《天堂與地獄》（Orphée aux enfers）〈康康舞〉（can-can）主題
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=202s
- 大象（L’Elephant）
出現戲謔模仿段落：
孟德爾頌《仲夏夜之夢》（A Midsummer Night's Dream）詼諧曲
白遼士《浮士德的天譴》（La damnation de Faust）中《仙女之舞》（Ballet des sylphes）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=325s
孟德爾頌《仲夏夜之夢》（A Midsummer Night's Dream）詼諧曲
https://youtu.be/sUm41WqTix8
白遼士《浮士德的天譴》（La damnation de Faust）中《仙女之舞》（Ballet des sylphes）
https://youtu.be/4SmgiATMSWk
大象動畫版：
https://youtu.be/OcTDz4_Tv7o
- 袋鼠（Kangourous）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=415s
- 水族館（Aquarium）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=415s
- 長耳人（Personnages a longues Oreilles）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=415s
- 深山中的布穀鳥（Le coucou au fond des bois）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=635s
- 大鳥籠（Volière）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=635s
- 鋼琴家（Pianistes）
出現戲謔模仿段落：
哈農（Charles-Louis Hanon）與徹爾尼（Carl Czerny）風格之機械性音階練習
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=832s
鋼琴初學者比經歷程：哈農練習XD
https://youtu.be/BZAOSDc0L6w
- 化石（Fossiles）
出現戲謔模仿段落：
法國民謠《小星星》
羅西尼（Gioachino Rossini）歌劇《賽維爾理髮師》（Le Barbier de Séville）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=916s
聖桑在手稿上的親筆的素描「化石」（Fossiles）
- 天鵝（Le Cygne）
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=1001s
- 終曲（Final）
精彩的大雜燴幻想風格
https://www.youtube.com/watch?v=uUBmdsaIeN4&t=1180s
《動物狂歡節》全曲欣賞
Camille Saint-Saëns - Le Carnaval des animaux/The Carnival Of The Animals
| 0:00 I. Introduction et marche royale du lion (Introduction and Royal March of the Lion)
1:59 II. Poules et coqs (Hens and Roosters) 2:43 III. Hémiones (animaux véloces) (Wild Asses (Swift Animals)) 3:22 IV. Tortues (Tortoises) 5:25 V. L'Éléphant (The Elephant) 6:55 VI. Kangourous (Kangaroos) 7:51 VII. Aquarium 9:58 VIII. Personnages à longues oreilles (Characters with Long Ears) 10:35 IX. Le Coucou au fond des bois (The Cuckoo in the Depths of the Woods) 12:41 X. Volière (Aviary) 13:52 XI. Pianistes (Pianists) 15:16 XII. Fossiles (Fossils) 16:41 XIII. Le cygne (The Swan) 19:40 XIV. Final (Finale) |
https://youtu.be/uUBmdsaIeN4
加入動畫效果的演出版本
https://youtu.be/obzbLu3sLyM
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【BON攝影】古典芭蕾舞劇《天鵝湖》- 聖彼得堡芭蕾舞團藝術攝影分享
【BON攝影】古典芭蕾舞劇《天鵝湖》- 聖彼得堡芭蕾舞團藝術攝影分享
2019 Classical Ballet “Swan Lake” at Taipei
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《天鵝湖》，是所有喜愛芭蕾舞的朋友們絕對不會錯過的舞碼。劇中女主角需一人分飾兩角黑天鵝與白天鵝之挑戰，「著名的32鞭轉」高難度舞蹈動作，源源不斷的柴可夫斯基美妙音樂以及充滿戲劇張力的劇情，都令全球風靡不已。
我們現在熟悉的《天鵝湖》，是1895年於聖彼得堡的馬林斯基劇院重新編舞演出的版本，當年由佩堤帕及伊凡諾夫兩人重新編排全劇舞蹈，雖然結局不一，有喜劇有悲劇版，但不同結局並不影響觀看整部芭蕾舞劇觀感，主要端看舞團製作如何選擇。
劇情摘要 純愛對抗黑暗的悲情《天鵝湖》 由西歐傳說故事改編的《天鵝湖》舞劇，情節簡單：公主奧黛特被魔法師羅斯霸特施下惡咒變成天鵝，她與同伴們只能在午夜過後短暫地恢復她們原本的少女形象。一晚她在湖邊偶遇王子齊格菲，王子對她一見鍾情並發誓替她解除魔咒。城堡的舞會中，齊格菲銜命選妃；羅斯霸特以騎士裝扮帶著女兒奧迪兒一起出現，後者化身為面貌酷似奧黛特的黑天鵝。齊格菲不察，受其魅惑而宣布與她訂婚；接著奧黛特現身。齊格菲這才驚覺自己打破了對公主的誓言，急忙趕往湖邊。在此，奧黛特與同伴們哀嘆著自己的命運。齊格菲對愛人坦承不忠，最終得到公主寬恕。然而在羅斯霸特興風作浪的魔法下，這一對情侶仍慘遭溺斃。 當然也有Happy Ending的版本：齊格菲勇鬥羅斯霸特，破除魔咒，解救了奧黛特與同伴。亦還有添加序幕的版本：奧黛特與同伴在湖濱摘花，驚逢羅斯霸特邪惡的施咒將她們變成天鵝。（取自PAR雜誌由芭蕾研究者李巧介紹文）
今日文章主要分享2019年應聯合數位文創之邀，於國家戲劇院拍攝聖彼得堡芭蕾舞團《天鵝湖》演出之難得經驗，至今仍人烙於心，期待下次再有機會參與這美麗的演出。
本次拍攝活動之新聞稿
一生一定要看一次！經典《天鵝湖》《舞姬》夢幻登台！聖彼得堡芭蕾舞團Irina Kolesnikova攜手首席Dmitriy及炫技代表金基珉攜手演出
網路預告影片
伊蓮娜·歌勒妮高娃 與 聖彼得堡芭蕾舞團-天鵝湖
https://youtu.be/i_mXZx6p6Lk
更多．精彩影像片段
聖彼得堡芭蕾舞團：天鵝湖‧胡桃鉗｜精彩兩分半｜udn x 瘋活動
1'02"起是《天鵝湖》精彩片段
https://youtu.be/hxuhOxB7PVw?t=63
這次的拍攝位置是在二樓，由上而下俯視拍攝，比較像是「影片紀錄式拍法」；雖然還是不錯的位置，但我個人其實更偏好能「平視角」拍攝，這樣可以有機會拍出更多細緻的張力與動作特色：
開演前的架機～真是開心又興奮
今晚一樣出動雙系統雙機，左為Sony A7R 3+70-200GM，右為 Canon EOS-R+200mm F2，相機皆為靜音快門機種，方能在表演過程中維持拍攝絕對地無聲安靜
在我旁邊的幾位攝影師，都是以錄影方式紀錄今晚的演出。
不同的機器機位，會有不一樣的畫面；一場好的演出紀錄，就是需要多機多角度，才能呈現出如臨現場，甚至更甚現場的觀賞體驗。（嘿嘿我的200mmF2看起來真是威😁）
因為是演出現場需絕對安靜，加上架機機位限制，無法依據演出狀況自由構圖，因此許多天鵝群舞與白天鵝細緻的動作就不特別在此分享，另一原因也是期待未來更多人能因這些照片影影，願意走進劇院欣賞芭蕾～本篇僅擷取最精彩的第三幕部分內容與謝幕照片與大家分享～
第三幕．皇宮內的化妝舞會
齊格弗里德王子（Siegfried ）愛上的，是被施咒的白天鵝奧黛特（Odette）；但黑暗巫師羅斯霸特（Rothbart）巧妙地將自己女兒奧迪兒（Odile）施術成為黑天鵝，來參加皇宮舉辦的王子選妃舞會，曼妙的舞姿與容貌，也迷惑了戀愛中的王子深信不疑眼前這位黑天鵝，就是自己於第二幕時遇見的白天鵝...（所以說，愛情使人盲目，黑的都會看成是白的😎）
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
黑天鵝出現皇宮，奧迪兒活躍於皇宮舞池，美妙舞技擄獲眾人的心
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
王子齊格弗里德的雀躍心情，也以精彩不斷地飛躍呈現著
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
伊蓮娜的許多精彩的舞蹈動作，在現場觀看更加令人喜愛與震撼
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
伊蓮娜獨舞後的謝幕動作
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
王子已經深深愛上黑天鵝，混然不知已然中計被騙
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
女兒：「妳過來一下...」（羅斯霸特）
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
講一下悄悄話...
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
嘿嘿～計謀得逞（叮～）
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
如此這般...知道了吼～
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
王子迫不及待地想再次回到奧迪兒身邊
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
介紹愛人給自己母后認識
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
送上鮮花一束，表達心意（你們看看伊蓮娜這超級厲害的奸笑表情：奧迪兒樂歪了～）
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
願意接受我的愛情嗎？這是象徵婚姻的誓萌
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
奧迪兒陶醉之餘，黑暗巫師羅斯霸特再次阻撓
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
看偶法術的厲害～～
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
術現～瞬間天地變色，被施咒的白天鵝奧黛特若隱若現於後方屏幕，黑天鵝奧迪兒的大笑夾雜著轟隆震耳的音效
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
王子奔至後方欲尋找白天鵝奧黛特的蹤跡，而黑天鵝奧迪兒與父親走步行至台前狂笑著計謀得逞
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
雖然僅是舞台燈光變色，但伊蓮娜憑藉著過人的眼神、演技與肢體動作，就展現出黑天鵝氣勢凌人的一方霸氣
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
隨著黑天鵝奧迪兒越狂笑得意，觀眾們的心就越沉
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
接下來的精彩第三幕結束前的畫面，充滿戲劇張力，筆者直接以16連拍動作呈現
甩完花之後，黑天鵝奧迪兒直接走人，留下錯愕的王子。
這段黑天鵝巧扮白天鵝，欺騙皇室與王子之愛的劇情，可以說是第三幕裡最為經典的一段。
第三幕在熱烈的掌聲下結束，王子與奧迪兒行至台前接受所有觀眾們的掌聲與歡呼
攝影. 林仁斌 ｜Photography. Jen-Pin LIN
行文與分享照片至此，相信透過照片，蹦友們亦能有如臨現場之感～
被譽為「俄羅斯第一天鵝」的伊蓮娜（Irina Kolesnikova），現場果然不同凡響。
英國《泰晤士報》報導形容：「歌勒妮高娃是真正的藝術家，她有充滿表情的雙臂，柔順的身軀，以及緩慢流動、且富含情緒的風格，深深吸引住觀眾……歌勒妮高娃就是夢想中的白天鵝。」
未來若再有機會，大家千萬別錯過這麼棒的製作。
再次感謝主辦單位聯合數位文創❤️
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【BON攝影】精彩每一刻．剎那即永恆～論音樂家的藝術攝影
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如何呈現音樂家演奏的神采．瞬間一刻到永恆的時間藝術
林仁斌
藝術攝影經歷
鵬博藝術 特約合作攝影師
新北市樂壇新星 專案攝影師
音樂攝影（*依姓氏英文字母排序）
阿方納西耶夫（Valery Afanassiev）
阿密達弦樂四重奏（The Armida Quartet）
周善祥（Kit Armstrong）
伊拉克里．阿瓦里亞尼（Irakly Avaliani）
巴伐利亞廣播交響樂團（Bavarian Radio Symphony Orchestra）
雅諾敘．巴林特（János Bállint）
貝爾琪亞四重奏（Belcea Quartet）
歐哈德．班-阿里（Ohad Ben-Ari）
諾亞．班迪克斯－巴格利（Noah Bendix-Balgley）
尚-路易．玻瑪迪耶（Jean-Louis Beaumadier）
菲利普．班諾德（Philippe Bernold）
柯爾亞・布拉赫（Kolja Blache）
高塔古樂團（Capella de la Torre）
雷諾．卡普松（Renaud Capuçon）
貝特朗．夏瑪尤（Bertrand Chamayou）
陳必先（Pi-Hsien CHEN ）
陳毓襄（Gwhyneth Chen）
崔娜卿（Jasmine Choi）
丹奈爾四重奏（Quatuor Danel）
尼可拉斯．多堤庫赫（Nicolas Dautricourt）
羅伯．迪克（Robert Dick）
迪里拜爾（Dilbèr Yunus）
迪歐提瑪四重奏（Quatuor Diotima ）
多利克弦樂四重奏（Doric String Quartet）
迪耶夫（Andrei Diev）
伊莎貝爾．佛斯特（Isabelle Faust）
維托爾．費南德茲（Vitor Fernandes）
派崔克．加洛瓦（Patrick Gallois）
泰歐·蓋爾基（Teo Gheorghiu）
大衛．格里摩（David Grimal）
哈根四重奏（Hagen Quartet）
愛瑪仕四重奏（Hermès Quartet）
丹尼爾．霍普（Daniel Hope）
胡瀞云（Ching-Yun Hu）
黃俊文（Paul Huang）
耶路撒冷四重奏（Jerusalem Quartet）
樫本大進（Daishin Kashimoto）
川島余理（Yori Kawashima）
霍洛登科（Vadym Kholodenko）
亞歷山大．克尼亞瑟夫（Alexander Kniazev）
亞歷山大．寇柏林（Alex Kobrin）
麥可‧馬丁‧寇伏勒（Michael Martin Kofler）
麥可．柯斯提克（Michael Korstick）
羅曼‧勒盧（Romain Leleu）
米哈伊．利費茲（Michail Lifits）
康斯坦丁．列夫席茲（Konstantin Lifschitz）
林易（Steven Lin）
阿列克謝．魯比莫夫（Alexei Lubimov）
尚-馬克．路易沙達（Jean-Marc Luisada）
米夏．麥斯基（Mischa Maisky）
亞歷山大．梅尼可夫（Alexander Melnikov）
祖賓·梅塔（Zubin Mehta）
帕弗哈斯四重奏（Pavel Haas Quartet ）
瑪麗娜‧碧芝莉妮（Marina Piccinini）
尼爾斯・孟克梅耶（Nils Mönkemeyer）
丹尼爾・繆勒-修特（Daniel Müller-Schott）
帕胡德（Emmanuel Pahud）
白建宇（Kun Woo PAIK）
菲利普．皮耶洛（Philippe Pierlot）
克里斯蒂安．波特拉（Christian Poltéra）
吉拉．普雷（Gérard Poulet）
尚-古漢．奎拉斯（Jean-Guihen Queyras）
彼得・羅塞爾（Peter Rösel）
康斯坦丁.薛巴柯夫（Konstantin Scherbakov）
卡爾．海因茨．舒茲（Karl-Heinz Schütz）
安德拉斯．席夫爵士（Sir András Schiff）
安德瑞．修爾（Andreas Scholl）
羅倫佐.蘇勒斯（Lorenzo Soulès）
宋允鵬
馬丁．史岱費爾德（Martin Stadtfeld）
安德烈亞斯．史戴爾（Andreas Staier）
艾琳娜．史塔琴絲卡雅（Irina Stachinskaya）
齊瑪諾夫斯基四重奏（Szymanowski Quartet）
辻井伸行（Nobuyuki Tsujii）
安德魯．泰森（Andrew Tyson）
范．庫易克四重奏（Van Kuijk Quartet）
凡賽斯爵士三重奏（Versace Jazz Trio）
史蒂凡．弗拉達（Stefan Vladar）
克莉斯汀·瓦列芙斯卡（Christine Walevska）
魏靖儀（William WEI）
尹威廉（William Youn）
橫山幸雄（Yukio Yokoyama）
莉莉亞．齊柏斯坦（Lilya Zilberstein）
小林 研一郎（管弦樂指揮）
讀賣日本交響樂團（Yomiuri Nippon Symphony Orchestra）
聖彼得堡國家芭蕾舞團
我的啟蒙．爵士音樂家群像
→Jazz Photography
幾張精彩照片與大家分享（照片皆取自"Jazz Photography"網站）
Billie Holiday
Billie Holiday - "Strange Fruit" Live 1959 [Reelin' In The Years Archives]
https://youtu.be/-DGY9HvChXk
Ella Fitzgerald
Ella Fitzgerald Live - Scat Singing
https://youtu.be/OkcXxqgFId4
Ray Brown
Louis Armstrong
Louis Armstrong - When The Saints Go Marching In
https://youtu.be/wyLjbMBpGDA
Dizzy Gillespie
Nat King Cole
布列松的報導記實攝影
"對我而言，相機就是我的素描本，一個讓直覺與自發性作用的工具，更是瞬間的掌控者，它用視覺的方式發問，又同時做出決定。為了給世界賦予意義，就必須先體驗到自己是置身在透過觀景窗所裁切出來的那個世界裡，這樣的態度需要專注力、心靈的鍛鍊、敏感度，以及幾何感。唯有通過極度簡約的手法，才能獲得最洗鍊的表達。攝影時，永遠要對拍攝對象與自己保持最高敬意。" - 布列松
古典音樂家．精美形象照
參考網站：
INTERNATIONAL MANAGEMENT & PROMOTION
照片取自「LIU KOTOW INTERNATIONAL MANAGEMENT & PROMOTION」官網
小提琴家 - Nemanja Radulovic
Nemanja Radulović plays JS Bach: Violin Concerto in D Minor, BWV 1052R: I. Allegro
https://www.youtube.com/watch?v=bitvaEfdtsI
攝影．是用光的藝術
色階
什麼是攝影的「色階」（Levels）？
我們可以這樣想：色階就是「色彩亮度的台階」，在數位攝影的世界裡，我們將所有色彩顯示「階梯化」，是最暗到最亮，會形成一種亮度層級。至於這中間，要走過幾個階層，才能完整顯示最暗到最亮，就叫做色階。
黑白色階圖
彩色色階圖
在修圖軟體上的色階圖
實例
在這張陳鋭音樂會敬禮謝幕照片中，當我們注意右上角的「色階分佈圖」時，就能觀察到照片裡的「色階」與所有色彩層次分佈。這對於攝影師修圖時非常重要，因為這些色階資訊是客觀的，不會受到不同人的眼睛判斷不同而有不同結果，也不容易受到不同品牌螢幕顯示效果不同，而出現誤判的情形。
這篇文章「【修照片的基礎 (1) 】什麼是色階分佈圖，以及如何使用它來修圖？」也非常推薦閱讀，能夠更加理解色階在照片裡的概念
焦段
什麼是攝影的「焦段」（Focal Length）？
攝影的焦段，簡言之就是「鏡頭的廣度」，也就是你的鏡頭能「看到多廣的風景」，或者「看到多遠的地方」
有片
Camera Basics - Focal Length
https://youtu.be/4CoEsqePADw
實戰看不同焦段所呈現之照片感覺
壓縮感，真的存在嗎？
https://youtu.be/_TTXY1Se0eg
漸漸地，我們可以知道，一張照片的整體構圖與拍攝成果，來自於：
相機的位置
主體的距離
背景的距離
這三者的關聯，密不可分
賀禎禎老師的這篇文章，我也非常推薦：
認識鏡頭大小事 Vol01. – 什麼是焦段
鏡頭
讓我們進入Sony官網鏡頭區，一覽所有的相機鏡頭...跟價格XD
如果我要拍鳥，就必須用正確的鏡頭（600mm F4, 400mm F2.8...等）
上面的車拍，其實是在拍沙灘上的遊隼
關於「什麼是最好的選擇」，沒有結論，因為答案是開放的～
給大家做個選擇題，你的選擇是什麼：
- 買自己最需要的鏡頭
- 買CP值最高的鏡頭
- 買品質最好的鏡頭
- 買最便宜的鏡頭
- 買最貴的鏡頭
- 買光圈最大的鏡頭（F數字越小，光圈越大）
- 買焦段最長的鏡頭（70mm->400mm，數字越高越大）
- 你/妳的答案是？
照片中的EXIF資訊
數位相機在拍攝時，會自動儲存照片檔案裡的「EXIF」資訊在該照片中。這些資訊通常包含相機型號、拍攝時間、焦距、快門速度、光圈、曝光模式、白平衡、ISO值、測光模式….等等細節。
簡易方式：滑鼠選擇照片檔案
照片是2022年1月，小提琴家陳鋭音樂會現場謝幕時，我坐於觀眾席內所拍攝之照片（當天謝幕開放拍照）
我在檔案上按下右鍵，再選擇「內容」（或Mac電腦「取得資訊」）
或者，利用專業軟體例如「ImageExifViewer」，讀取照片內部的完整資訊：
為何需要讀取Exif資訊呢？
主要功能有二：
- 想更了解攝影的人，可以藉由EXIF中記載的各項資訊，學習喜愛的照片之曝光、ISO或光圈、快門速度…等等設定，進而了解照片如何被拍出。
- 如果有人使用了S牌相機，但宣稱是C牌所拍攝，那麼這樣是行不通的，也就是「回到照片最真實的資訊」。
好啦～講了這麼多基礎理論，讓我們來看一些音樂攝影實例照片與拍攝細節
我的攝影故事
https://bonart.com.tw/music-photography-timeless-memories/
鋼琴家薛巴可夫的彩排攝影（Konstantin Scherbakov）
照片分享
來自德國的高塔古樂團 2018’首次訪台-國家音樂廳彩排
https://bonart.com.tw/capella-de-la-torre-taipei-rehearsal-session/
2019 貝爾琪亞四重奏Belcea Quartet 首度來台彩排攝影
https://bonart.com.tw/belcea-quartet-rehearsal-session-2019/
因為拍了貝爾琪亞四重奏，因此產生了想介紹他們是如何使用iPad於音樂演奏上，從硬體到軟體App全都介紹：
https://bonart.com.tw/forscore-music-reader-app/
我很喜歡的法國小號演奏家：羅曼‧勒盧（Romain Leleu）
偶像級的假聲男高音歌手 - 修爾（Andreas Scholl）
2019年幫范克萊本鋼琴大賽金牌獎鋼琴家辻井伸行（Nobuyuki Tsujii）拍照
超級無敵帥的大提琴家 - Daniel Müller-Schott
2021年的周善祥台灣炫風
簡秀枝》疫情讓台灣音樂界寫奇蹟
筆者拍攝之一系列周善祥音樂海報（感謝鵬博藝術製作）
音樂會現場Live'
與 Kit Armstrong 合辦互動演奏式音樂講座
長笛鋼琴合奏李斯特《浮士德》交響曲第二樂章
鵬博、Kit與我的一同合照
2022年四月與五月即將到來的兩場高市交白建宇協奏曲與室內樂音樂會，海報設計也是來自我的攝影作品：
KSAF《白建宇的浪漫交響》高市交音樂會
KSAF《白建宇&高市交小樂集》
「高雄春天藝術節」宣傳影片
https://youtu.be/RcJt23r4HmY
攝影話題
靜音快門
早期的專業攝影相機使用機械快門，因此拍攝時，快門聲音清脆響亮，甚至高階機種的快門聲連拍時，會讓攝影師覺得很「High」，因爲這握在手中的相機發出的快門聲音很紮實、很快樂，也很療癒XD
https://youtu.be/ycQ2nb-puhA
但在近10年間，出現了「無反光鏡相機」，縮短了法蘭距，因此能夠有效縮小相機尺寸，讓數位攝影越來越走向「小而美」。除了體積縮小，液晶螢幕「所見即所得」之外，最大的優勢便是「靜音快門」（Silent Shutter/Mute Shutter）了。
PK比較一下：
https://youtu.be/1R7fJpEc-vM?t=35
現在，來看一小段我拍照的現場影片
→看影片
攝影風格 - 修圖
建議軟體
Adobe Bridge
Adobe Lightroom
Adobe Photoshop
我的Workflow
加碼分享
鳥類攝影
短耳鴞 -日本拍攝現場
https://bonart.com.tw/short-eared-owl/
芭蕾舞攝影
https://bonart.com.tw/2019-classical-ballet-la-bayadere-at-taipei/
https://bonart.com.tw/2019-classical-ballet-swan-lake-at-taipei/
國標舞攝影
Ｑ＆Ａ時間
照片的風格，建立在你的品味裡❤️
對了～最後還有一句話，很重要：攝影．是用光的藝術，包括金錢。
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【BON音樂】2022年上半年苗北講堂開課囉🎊 蹦藝術Ｘ苗北藝文中心
【BON音樂】2022年上半年苗北講堂開課囉🎊 蹦藝術Ｘ苗北藝文中心
Miaobei Art Center X BONART 2022-1
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蹦藝術 | BONART
各位喜愛音樂與藝術的朋友們大家恭喜新年好🎊～祝福所有朋友虎年大吉🐯＋虎虎生豐🧧
蹦藝術執行長林仁斌老師2022年上半年於苗北藝文中心的苗北講堂之專題演講，課程已經出爐也開始接受報名囉🎉
課程詳細資訊
時間 _ 2022.03.20 ~ 04.24 10:00 地點 _ 視聽中心 限額 _ 50位 費用 _ 套票5場$350 (截至3/27前) | 單堂$100 辦理單位 _ 指導/苗栗縣政府 主辦/苗栗縣苗北藝文中心 授課教師 _ 林仁斌(蹦藝術BONART執行長) ∗因應新型冠狀病毒(COVID-19)疫情防範，學員上課均需全程配戴口罩，並遵守本中心防疫措施相關規定，違反規定將無法入場上課。 ∗課程相關事宜洽詢：活動企劃部黃小姐037-612669轉511 ychuang@miaobeiac.org
課程主軸：
積厚流光 音樂群雄✨
橫跨歐洲五國．十九世紀的最美的音樂人文風情
藝文講堂為日前重要的藝文參與模式，為營造藝文共學常態環境，本系列苗北講堂音樂講座以「積厚流光 音樂群雄」為發想，橫跨歐洲五國，以十九世紀最美的音樂人文風情為主軸～由超人氣音樂導聆人林仁斌老師用精彩的故事，帶您穿越時空，輕鬆悠遊古典音樂美妙的領域，讓您瞬間化身音樂欣賞達人。
「積厚流光 音樂群雄」2022上半年苗北講堂（林仁斌）
歐洲五國．五種音樂風情
（一）德國．布拉姆斯－浪漫時期古典精神
111年3月20日(星期日)10:00
布拉姆斯承襲舒曼的浪漫精神與貝多芬的古典主義作曲方向，在十九世紀浪漫主義興盛的時代，以其完美主義著稱，更是當代維也納與德意志風格的音樂領袖人物。「純白如雪，亮如晶鑽」不但是當年舒曼慧眼識英雄的至高評價，更是我們當代欣賞其音樂的重要指標。
（二）法國．德布西－牧神午後管弦新聲
111年3月27日(星期日)10:00
德布西以一曲《牧神午後前奏曲》敲響了近代管絃音樂的新聲，他以融合東方音樂與纖細法式層次的管弦樂法，打開了法國二十世紀音樂領域的全新一頁，成為了開創性的英雄人物。在講堂上我們將認識德布西的生平與音樂創作，從中的點點滴滴，了解近代法國音樂獨特的音響效果與配器，打通音樂欣賞的任督二脈。
（三）義大利．威爾第－寫實震憾歌劇美聲
111年4月10日(星期日)10:00
在義大利的美聲時期開始發展後，威爾第帶動了一種更直接，更震撼的新愛國風格，以更具義大利民族主義的宏觀，影響了當代的歌劇觀眾，讓威爾第成為義大利統一運動的代表人物之一，也讓威爾第成為義大利人眼中的英雄人物，並此展示義大利歌劇的複雜與精密。
（四）芬蘭．西貝流士－自由奮戰正義之聲
111年4月17日(星期日)10:00
西貝流士生活在受到俄羅斯帝國侵佔的芬蘭，當時的芬蘭，喪失國家自治權。他透過樂曲，展現芬蘭人不屈不撓、為自由奮戰精神；透過音樂古典曲式融合國家故事，清晰傳達芬蘭民族象徵、凝聚芬蘭民族精神，更是感動全球樂迷。北國音樂之魂，在西貝流士作品中展露無遺。
（五）奧地利．馬勒－天地萬物交響之聲
111年4月24日(星期日)10:00
馬勒曾經自述：「交響曲必須包含整個世界，必須包含萬事萬物的聲音。」在他的交響曲中，世界自成一格，並且包含宇宙之聲。綜觀馬勒一生的創作生涯，他不斷地在交響樂的各種創作領域與作曲手法中，將音樂推展至極致，他的音樂是這天地之間全新的創作，彷彿黎明之前的破曉。
主講人｜林仁斌
蹦藝術 | BONART 執行長
知名長笛演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家 旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院（École Normale Supérieure de paris）學成返國後，以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳；演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》（林仁斌＆周欣穎）《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術｜BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人，深受各界樂迷喜愛。多年來撰文拍攝訪問音樂家，更以文字與攝影見長，每年演講場次超過百場；為國家交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之音樂講座策展、音樂導聆與撰稿人，更是公認的超人氣音樂欣賞名家。
報名資訊
(一)報名方式：
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◆臨櫃報名，至苗北藝文中心服務台填寫報名表，並完成繳費。
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(二)繳費資訊
◆ 現場繳費：請攜帶報名表至苗北藝文中心服務台
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相關附件 - 111-1苗北講堂-紙本報名表.pdf
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【BON攝影】台灣特有種 - 烏頭翁（Formosan Bulbul）
【BON攝影】台灣特有種 - 烏頭翁（Formosan Bulbul）
Formosan Bulbul
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2022年的農曆新年前，有一段小小假期，便規劃墾丁/恆春半島為主的一趟旅遊。好久沒有拍鳥，身上只帶了Sony A7R4與28-200旅遊鏡，放輕鬆地邊玩邊拍，有什麼拍什麼隨心所致享受年前的這段度假時光～
午後與茱麗葉到龍磐草原沿著公路走走，緊鄰著蔚藍太平洋的廣闊景緻，是我們多年來最喜愛的景點之一。
樹梢上總是飛來幾隻南台灣/東岸特有種之烏頭翁，呼叫同伴之後邊一同飛走，感覺愜意。
聽著同伴的叫聲，循聲會合
根據網路上資料，烏頭翁屬於台灣特有種鳥類，英文名為「Formosan Bulbul」，其分布特性是「只分佈於花蓮、台東及恆春半島等地，和白頭翁有相當明顯的地理隔離現象。」
記得之前在台南藝術大學錄音，校區內生態極佳，當時住了三天，天天早上被白頭翁的叫聲給吵醒，是蠻愉快的經驗XD...
推薦一個鳥類網站給大家，照片精緻漂亮，中英文介紹詳細，可以作為鳥類辨識的資料庫喔～
「eBird - 發現賞鳥新世界」
輸入查詢「烏頭翁」後，可以看見許多資料：28488筆觀察資料，537張照片與33段 Bird Call錄音，下圖右還可以看見他們的分布範圍：
我自己很喜歡這樣的照片：將拍攝的大環境（緊鄰太平洋）記錄下來，背景海上白白的長型散景，其實是附近航行中的船隻
能有機會快門，即使只有中焦段（200mm全幅），但能鳥站枯枝、具備乾淨有環境特色之背景，加上順光拍攝，即使是烏頭翁，也可以是最佳明星～完成「海邊烏頭翁」拍照～今天下午真開心。
拍鳥還有一點小訣竅，「先求有，再求好」。
因為如果不是看到的當下立刻拍攝，下一張照片...可能就會是這樣...
...
烏頭翁走光圖🤣
還有一件事：「鳥越追越小，越等越大隻。」
一般來說，鳥類感覺的安全距離至少5公尺，因鳥個性與實際狀況而異。許多人在野外看到鳥之後，感覺新奇，一定追過去，這時鳥一定馬上飛走；但相對的，如果讓鳥「感覺安全」，不追，用等的，成功拍攝機率一定會提高。
當然，等待時，「鳥無情地飛走」更是常有的事。
所以，拍鳥的平常心需要慢慢養成。
自開始拍鳥起，這項興趣給了我許多的新視野與個性上的磨鍊，也是我因此非常喜愛的原因之一。
與蹦友們分享😉
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【BON音樂】大人的音樂欣賞：夜曲，只能在晚上聽嗎？今天～讓我們一起聊聊《夜曲》
【BON音樂】大人的音樂欣賞：夜曲，只能在晚上聽嗎？今天～讓我們一起聊聊《夜曲》
All about Nocturne
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第5堂：夜曲，只能在晚上聽嗎？今天～讓我們一起聊聊《夜曲》
《夜曲》（Nocturne）的起源自拉丁文「Nox」，原意為「晚禱」，屬於宗教禮儀。而作曲家約翰.費爾德以分解和弦搭配靜謐柔美旋律的浪漫曲式 《夜曲》，成為樂曲開山始祖；蕭邦則讓《夜曲》登峰造極～在這堂特別課程，讓林仁斌老師將帶領學員品味《夜曲》的發展與精髓所在。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
2021年最新課程資訊
| ※課程諮詢請於週一至週五09:30~17:30，電話報名請洽客服專線02-2662-0332，課程相關諮詢請洽02-25078627分機885 (巫小姐) |
週二班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-協奏曲(12/28週二下午班，共5堂)：橫跨200年經典弦樂協奏曲
週四班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-音樂電影(12/23週四下午班，共5堂)：五大音樂電影，聽懂經典配樂
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-演奏家(2022/2/17週四下午班，共5堂)：解讀五大演奏家│帕華洛帝X慕特X葛莉茉
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-芭蕾音樂(2022/3/31週四下午班，共5堂)：《天鵝湖》《胡桃鉗》《火鳥》
夜曲的開端
我們現代人熟悉的曲式《夜曲》（Nocturne），這個名詞來源於拉丁文「Nox」，原意為「晚禱」，屬於宗教禮儀，也有「夜神｣的意思。
而正式的《夜曲》曲式最早出現於十八世紀，盛行開始於十九世紀，主要是以鋼琴演奏的一種以分解和弦伴奏，並帶有浪漫唯美旋律之特色小品。
在《夜曲》（Nocturne）尚未正式誕生之前，《小夜曲》（Sérénade）（傍晚演奏的聲樂曲或是器樂曲) ，以及多樂章組曲之「嬉遊曲」（Divertimento）（器樂形式樂曲）皆擁有相似之風格，旋律悠揚，適合戶外演奏的曲風。
一直以來，在情人的窗下，昏暗夜色襯托之下，彈撥著吉他或曼陀鈴為愛人演唱的獨唱曲或是重唱曲，常被都稱為《小夜曲》（Sérénade）。
舒伯特知名的《小夜曲》（Sérénade）
https://youtu.be/l4ImL0Rblk8
貝多芬：《小夜曲》，給長笛、小提琴與中提琴
https://youtu.be/djKJ3PBSaY0
柴可夫斯基：《弦樂小夜曲》（Sérénade）
https://youtu.be/M2ZU-1EyVOw
延伸閱讀
【BON音樂】柴可夫斯基 C大調絃樂小夜曲 op.48 介紹
布列頓：《小夜曲》op.31（Sérénade）
| Serenade Op. 31
I. Prologue 00:00 |
https://youtu.be/WxVnSkX4Fco
甚至以古典時期為例，《小夜曲》與《嬉遊曲》這兩項曲式的曲式風格，似乎有著高度相似之處。
以莫札特的創作為例：
莫札特：《小夜曲》K.525
https://youtu.be/MeaQ595tzxQ
莫札特：《嬉遊曲》 K.136
https://youtu.be/7FRYoBy7iT8
直到1812年，愛爾蘭作曲家費爾德（John Field, 1782-1837）為他所創作的鋼琴小品附上「夜曲」的名稱之後，才開始出現各式各樣帶現代所指的「夜曲」含意：
夜曲的英文為「Nocturn」，法文為「Nocturne」，義大利文為「Nocturno」，不論是何種語言，其字根都是從拉丁文的「Nox」所演變而來的，原意為羅馬神話中的「夜神」。
愛爾蘭作曲家約翰.費爾德（John Field, 1782-1837）簡介
菲爾德出生在一個新教家庭，自幼學習鋼琴，10歲時公開演出，11歲隨家人移居倫敦，師從穆齊奧·克萊門蒂。同時他也結識了海頓並受其讚賞。1801年隨克萊門蒂到歐洲大陸演出，後來又到俄羅斯。菲爾德在俄羅斯頗受歡迎，後來他決定定居在聖彼得堡。1831年，他到歐洲旅行，結識了徹爾尼，並聽了李斯特的演出。回到莫斯科後病逝。菲爾德主要寫作鋼琴曲。他的作品旋律優美，和聲明晰，技巧豐富，在當時頗受歡迎。他首創了鋼琴獨奏的夜曲體裁，蕭邦之創作方式亦深受其影響。（取自維基百科）
而貝多芬著名的學生，知名鋼琴教育家卡爾・徹爾尼（Carl Czerny, 1791-1857）曾於十九世紀開始流行鋼琴獨奏作品《夜曲》提出以下之解釋：「為鋼琴所作之《夜曲》，是為了模仿那些標題為《小夜曲》的聲樂作品而作的，這些曲子主要都在夜晚所演奏，其音樂深植於內心。因此，《夜曲》必須創造出一種具有柔和、夢想、優美、浪漫的印象，或甚至是情感豐富之感，而不是尖銳的音樂分風格或像是奏鳴曲中的行板，慢速最適合夜曲的風格特性。」
《夜曲》曲式
一般來說，《夜曲》皆為簡短、旋律清晰易懂、情感豐富、短小、具有夢幻氣氛以及哀愁感的鋼琴曲，曲式大多為三段體（A-B-A）。
John Field: Nocturne Nr. 1 in E Flat Major
https://youtu.be/aXwA4JkTiFM
John Field, Nocturne n. 2 in C minor
https://youtu.be/BrnSxYyG2ZE
John Field - Nocturne no. 4 in A major
https://youtu.be/IVoPTK7f2D4
徹爾尼的夜曲
Carl Czerny- Op.604 Noctune Romantic 1-"L'hommage"
https://youtu.be/ECnPZgpWAzc
夜曲的黃金年代 - 蕭邦
1827至1846年間，蕭邦共創作了21首夜曲，皆為短篇的鋼琴獨奏曲。它們普遍被認為是最優美的短篇器樂獨奏之一，而蕭邦亦被認為是將夜曲發揚光大的重要作曲家。
蕭邦絕大多數的夜曲，曲式均採用三段體曲式（ABA），全曲常使用使用單一種類拍號。在清新動人的旋律中，伴隨著分解和弦與琶音，洋溢著憂鬱動人的情緒。
夜曲列表（引自維基百科）
| 編號 | 調 | 作品號 | 出版年份 | 創作年份 | 旋律 | 音檔 |
|---|---|---|---|---|---|---|
| 1 | 降B小調 | Op. 9 No. 1 | 1833 | 1830–1832 |  |
|
| 2 | 降E大調 | Op. 9 No. 2 | 1833 | 1830–1832 |  |
|
| 3 | B大調 | Op. 9 No. 3 | 1833 | 1830–1832 |  |
|
| 4 | F大調 | Op. 15 No. 1 | 1833 | 1830–1832 |  |
|
| 5 | 升F大調 | Op. 15 No. 2 | 1833 | 1830–1832 |  |
|
| 6 | G小調 | Op. 15 No. 3 | 1833 | 1833 |  |
|
| 7 | 升C小調 | Op. 27 No. 1 | 1835 | 1835 |  |
|
| 8 | 降D大調 | Op. 27 No. 2 | 1837 | 1835 |  |
|
| 9 | B大調 | Op. 32 No. 1 | 1837 | 1837 |  |
|
| 10 | 降A大調 | Op. 32 No. 2 | 1837 | 1837 |  |
|
| 11 | G小調 | Op. 37 No. 1 | 1840 | 1838 |  |
|
| 12 | G大調 | Op. 37 No. 2 | 1840 | 1839 |  |
|
| 13 | C小調 | Op. 48 No. 1 | 1841 | 1841 |  |
|
| 14 | 升F小調 | Op. 48 No. 2 | 1841 | 1841 |  |
|
| 15 | F小調 | Op. 55 No. 1 | 1844 | 1842–1844 |  |
|
| 16 | 降E大調 | Op. 55 No. 2 | 1844 | 1842–1844 |  |
|
| 17 | B大調 | Op. 62 No. 1 | 1846 | 1846 |  |
|
| 18 | E大調 | Op. 62 No. 2 | 1846 | 1846 |  |
|
| 19 | E小調 | Op. 72 No. 1 | 1855 | 1827-29 |  |
|
| 20 | 升C小調 | P 1 No. 16 | 1870 | 1830 |  |
|
| 21 | C小調 | P 2 No. 8 | 1870 | 1837 |  |
樂譜版本欣賞（魯賓斯坦演奏）
| 詳細樂曲分軌 |
| 0:00 – Nocturne No.1, Op.9 No.
15:28 – Nocturne No.2, Op.9 No.2 9:56 – Nocturne No.3, Op.9 No.3 16:46 – Nocturne No.4, Op.15 No.1 21:08 – Nocturne No.5, Op.15 No.2 25:08 – Nocturne No.6, Op.15 No.3 30:13 – Nocturne No.7, Op.27 No.1 35:54 – Nocturne No.8, Op.27 No.2 42:11 – Nocturne No.9, Op.32 No.1 46:55 – Nocturne No.10, Op.32 No.2 52:45 – Nocturne No.11, Op.37 No.1 59:09 – Nocturne No.12, Op.37 No.2 1:06:05 – Nocturne No.13, Op.48 No.1 1:12:02 – Nocturne No.14, Op.48 No.2 1:19:23 – Nocturne No.15, Op.55 No.1 1:25:05 – Nocturne No.16, Op.55 No.2 1:30:54 – Nocturne No.17, Op.62 No.1 1:37:46 – Nocturne No.18, Op.62 No.2 1:43:08 – Nocturne No.19, Op.72 No.1 |
費爾德對於蕭邦的影響
費爾德的《夜曲》主題發展並不多，也並不特別強調鋼琴技巧，主要特色是右手如即興般自由的歌唱，伴隨著左手規律的分解和弦。樂曲不會包含太多不同的情緒，大多以優美、淡淡哀愁的或是柔美的風格為主。
蕭邦共寫21首夜曲，創作年份幾乎包含了蕭邦整個創作期。蕭邦於巴黎演出時也曾彈奏費爾德的作品，並使用費爾德的作品做為教學，雖然他的最愛是巴哈、莫札特、貝多芬與自己的創作（XD），但仍可見蕭邦對於費爾德的作品一直有一定程度的喜愛。
以伴奏型態而言：費爾德之《夜曲》作品大多為主音音樂（Homophonie）為主要寫作方式。左手部分經常以分解和弦為主，規律的伴奏節奏中帶著明確的韻律感。右手之旋律高貴典雅，帶著濃濃的抒情歌唱性。蕭邦的創作亦非常接近這樣的風格，在音樂中可明顯感受到費爾德對之影響。而蕭邦喜愛的左手伴奏型態，比起費爾德更偏向使用大跳的分散和絃（十度），且旋律設計更為精緻、優美，音域更寬，具備每一次旋律發展更有著不同的發展性，旋律密度與精緻感則上上一層，尤其在技巧方面：雙音、裝飾音，華麗的多變旋律與和絃的結構，也讓他的音樂更加豐富而緊密。
費爾德知名的第五號《夜曲》，可以欣賞到左手美麗而規律的分解和弦伴奏形式，右手旋律高貴典雅，帶著濃濃的抒情歌唱性。
https://youtu.be/14QphtxLZ3w
蕭邦的《夜曲》，在伴奏部分雖然相似，但整體變化性更高，無論伴奏與旋律、音樂內容皆是：
Chopin - Nocturne Op. 27 No. 2 (Rubinstein)
https://youtu.be/WJ8RVjm49hE
以和聲與作曲手法而言，費爾德也身處浪漫時期，對於半音階、裝飾音與各種變化節奏之旋律，纖細敏感。音樂旋律常用三度和六度音程，多使用近系調，和古典時期以來的傳統的轉調手法差異不大。蕭邦的和聲使用更加纖細，音樂聽感、線條、節奏、層次也更豐富多變，各種七和絃、九和絃與、十一、十三和絃等等，使用非常頻繁，色彩更加豐富。
除了傳統三度、六度之外，平行八度和五度的使用，蕭邦的旋律寫作更是音樂史裡的一絕。
以音樂呈現特色而言：費爾德與蕭邦都是予人非常高貴優雅感受之人，巧合的是兩人的音樂風格亦非常相似，曲風上也多為是旋律加上分解和絃伴奏，所以許多人認為兩人的音樂風格有相關性。當然在音樂史上，費爾德的光彩遠遠不及不上蕭邦，但仔細考究他的音樂特色以及他在俄羅斯鋼琴歷史上帶來的奠基影響，仍然非常具有重要性。而相信他給予蕭邦的音樂啟發，更是蕭邦更多美麗創作的靈感來源。
最後是音樂境界的感受。費爾德的音樂帶來的音樂感受，除了音樂之美，也帶著淡淡憂傷，有撫慰人心之感。而鋼琴詩人蕭邦之音樂則在憂傷感性之餘，音樂中更添值得細細品味之藝術性，在許多夜曲的中段，充滿爆發力與各種音樂情緒變化，聽來更加令人如沐春風，造就這獨一無二的《夜曲》浪漫唯美境界～是以在費爾德開創此種曲式之後，蕭邦能繼以《夜曲》創作獨步樂林，深受喜愛。
慢慢地，與蕭邦頗有交情之李斯特，亦發展出另一種作品形式《安慰曲》（Consolation），此為最著名之第三號，亦有著與《夜曲》相似之分解和弦架構、和聲與即興演奏般的旋律美感，同樣引人入勝：
Liszt - Consolation No. 3, S. 172 (Horowitz)
https://youtu.be/MfDmUk7ie6s
補充資料：知名夜曲作曲家（資料取自維基百科）
Principal composers of nocturnes
- Charles-Valentin Alkan: five for solo piano
- Anton Stepanovich Arensky: two nocturnes for piano, each part of a set: No. 1 from Six Pieces, Op. 5 (1884); No. 3 from Twenty-four Characteristic Pieces, Op. 36 (1894); a nocturne for two pianos, no. 8 from Variations (Suite No. 3), Op. 33
- Arno Babajanyan: his nocturne, a lyrical piece in easy listening genre and a song performed by Muslim Magomayev, is one of his most popular works
- Samuel Barber: the last of Four Songs, for voice and piano, Op. 13 (1938–40) is titled "Nocturne" (to a text by Frederic Prokosch), and this song also exists in a version with orchestra; Nocturne (Homage to John Field), for piano, Op. 33 (1959)
- William Basinski: Nocturnes
- Arnold Bax: Nocturnes, for soprano and orchestra (1911)
- Jackson Berkey: 24 Nocturnes for solo piano and Four Nocturnes for Orchestra
- Georges Bizet: Premier nocturne en fa majeur Op. 2 and Nocturne in D major.
- Alexander Borodin: his String Quartet No. 2 third movement Notturno contains one of his most popular melodies (1881)
- Lili Boulanger: Nocturne pour violon et piano (1911)
- Benjamin Britten: Nocturne, from On This Island, Op. 11
- Frédéric Chopin: 21 for solo piano
- Carl Czerny: 17 for solo piano
- Claude Debussy: 3 for orchestra and choir, one for solo piano
- Norman Dello Joio: Two Nocturnes, for piano (E major, F♯ major, 1946)
- Antonin Dvořák: Nocturne in B for string orchestra (1883)
- Roger Evernden: 10 Nocturnes for solo piano (2019)
- Gabriel Fauré: 13 for solo piano
- John Field: originator of the piano nocturne, wrote 18 of them
- Irving Fine: Notturno, for strings and harp (1950–51)
- Mikhail Glinka: three nocturnes: E-flat major, "La Separation" in F minor, "Le Regret" (lost)
- Louis Moreau Gottschalk: four for piano solo, "Pensée poétique" (1852–53), "Solitude" (1856), "Murmures Eoliens" (1860), "La chute des feuilles" (1860)
- Edvard Grieg: the fourth piece of his Lyric Pieces, Op 54 is a nocturne
- Arthur Honegger: Nocturne for orchestra (1936, partly based on music from ballet Sémiramis)
- Vasily Kalinnikov: Nocturne in F♯ minor, for piano (1894)
- Jan Kalivoda: Six Nocturnes for Viola and Piano, op. 186
- Friedrich Kalkbrenner: 4 nocturnes for solo piano
- Kevin Keller: 10 nocturnes for piano and treatments
- Ignace Leybach: now known only for his Fifth Nocturne
- Lowell Liebermann: 11 for solo piano and Nocturne for Orchestra
- Franz Liszt: one for solo piano entitled En reve ("In a dream" or "While dreaming"), plus his collection of three Liebesträume (Love Dreams), a series of three Notturnos, of which no.3 is the most famous, Les cloches de Genève: Nocturne (The Bells of Geneva: Nocturne) in B major
- Donald Martino: Notturno, for six instrumentalists (1973, winner of the 1974 Pulitzer Prize for Music)
- Felix Mendelssohn Bartholdy wrote the incidental music, for William Shakespeare's play, A Midsummer Night's Dream
- Johann Kaspar Mertz: 3 Nocturnes for Guitar, opus 4.
- Ernest John Moeran: Nocturne, for baritone, chorus, and orchestra (1934, text by Robert Nichols)
- Andrzej Panufnik: Nocturne for orchestra (1947, rev. 1955)
- Francis Poulenc: eight for solo piano (1929)
- Sergei Rachmaninoff: three for solo piano (1887–1888) and one Op. 10 No. 1 from Morceaux de Salon (1894)
- Ottorino Respighi: one piano nocturne as part of his Six Piano Pieces R.44 (1904)
- Erik Satie: five for solo piano (1919)
- Maria Schneider: Nocturne, on her album Allégresse (2000)
- Clara Schumann (Clara Josephine Wieck): Nocturne in F major Op.6 No.2 from Soirées Musicales (1819–1896)
- Robert Schumann: four Nachtstücke
- Alexander Scriabin: four nocturnes, including one written for the left hand only (opus 9, 1894)
- Kaikhosru Shapurji Sorabji: over 30 for solo piano[5]
- Maria Agata Szymanowska: Nocturne in B-flat and Nocturne Le Murmure
- Alexandre Tansman: Four Nocturnes, for piano (1952)
- Sigismond Thalberg: 7 nocturnes for piano (Op. 16, 21, 28, 51 and 1 without op. number)
- Edgard Varèse: Nocturnal, for soprano, bass, chorus, and small orchestra (text from Anaïs Nin: The House of Incest, 1961), and Nocturnal II (Nuit), for soprano, flute, oboe, clarinet, 1 or 2 trumpets, 2 trombones, percussion, and double bass (text from Anaïs Nin: The House of Incest, 1961–65)
- Ralph Vaughan Williams: Three Nocturnes, for baritone, semi-chorus, and orchestra (text by Walt Whitman, 1908); "nocturne", the first of Three Poems by Walt Whitman (1925)
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【BON音樂】我的時代終將來臨：馬勒第一號交響曲《巨人》
【BON音樂】我的時代終將來臨：馬勒第一號交響曲《巨人》
Mahler Symphony No.1 "Titan"
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞古典音樂之美 –
蹦藝術 | BONART
2021年是作曲家馬勒逝世110周年，因而也被稱為「馬勒年」，全球許多樂團與音樂家都用音樂紀念這位交響樂「巨人」。
延伸閱讀（維基百科）
作曲家馬勒生平
為何聽馬勒？
https://youtu.be/jL1kL4EARAM
馬勒曾經自述：「交響曲必須包含整個世界，必須包含萬事萬物的聲音。」在他的交響曲中，世界自成一格，並且包含宇宙之聲。
綜觀馬勒一生的創作生涯，他不斷地在交響樂的各種創作領域與作曲手法中，將音樂推展至極致。對於這位已在在21世紀當代備受喜愛的作曲家，他的音樂是這天地之間全新的創作彷彿黎明之前的破曉，但在他所生活的20世紀初期，他的音樂仍處在毀譽參半的狀態。
馬勒曾說過：「我的時代終將來臨！」，讓我們跟隨蹦藝術節目主持人林仁斌的導引與介紹，慢慢帶您知曉為何在21世紀的現在，馬勒的時代，已然到來！
蹦藝術 Podcast 精選
S2 EP8｜談馬勒與他的交響人生（上）
S2 EP8｜談馬勒與他的交響人生（下）
推薦閱讀
「鄉民馬勒指南」馬勒 D大調第一號交響曲
作曲年份
1884年-1888年
世界首演
五樂章版本，兩大部分50分鐘
1889年11月20日由馬勒指揮布達佩斯愛樂交響樂團
樂譜出版
維也納Weinberger版（1899年2月）
維也納Universal版（1906年5月）
維也納Universal決定版（1967年）
樂團編制
《巨人》交響曲所需樂團編制較大，，各聲部均四管編制（視段落變化為家族樂器）為基本需求，法國號更達到7部，小號也使用到F調富魯格號。
| 木管樂器 | 銅管樂器 | 弦樂器 | 打擊樂器 |
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|
每個樂章需要演奏聲部稍有不同，並不需要持續最大量聲部，在此以第四樂章開頭與終段「勝利主題」為例，列出最大樂團編制如下：
第四樂章開頭譜例：
第四樂章終段「勝利主題譜例
第一號交響曲《巨人》馬勒手稿
首演之後的演出記錄
|
第一號交響曲《巨人》樂曲樂章
目前全球經常演出有兩大版本：五樂章與四樂章兩種版本。
1889年11月20日晚間，藝文界重要人士紛紛趕赴布達佩斯威嘉朵音樂廳（Vigadó Concert Hall）：作曲家兼指揮馬勒步上指揮台，首先以凱魯畢尼(Luigi Cherubini)的序曲作為音樂會開場，緊接著在一陣神秘深邃的聲音中，開啟了一首五個樂章的「交響詩」～這是他正式公開自己的交響曲作品，期待甚深。縱使上半部幾個樂章之後，觀眾都給予鼓掌肯定，但是從「送葬進行曲」樂章開始，大家紛紛傳出不自在或者驚恐的反應。最後，樂曲結束於熱情激昂的澎派尾聲，但台下的觀眾卻早已按捺不住情緒，眾人稀疏的掌聲之間甚至交雜著噓聲。
首演的演出失利，帶給馬勒非常巨大的打擊。在後來的十年間，他不斷地改寫樂曲的結構與配置，不僅將兩部份五樂章交響詩的型式調整為四個樂章的交響曲，並且還加上了《巨人》(Titan)的標題，這～也就是我們現在所熟知的D大調第一號交響曲《巨人》之由來。
關於五樂章版本：
| 簡說：
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索） 在最初的三場演出中，第一和第二樂章之間還有一個稱為「百花」（Blumine）的樂章。「百花」樂章原先是馬勒為約瑟夫·舍菲爾的1884年話劇《賽金根的號手》（德語：Der Trompeter von Säckingen）所作的配樂中的一曲。馬勒在1894年魏瑪的演出之後捨棄了這個樂章。自此該樂章一直失傳，直到1966年作家唐納德·米切爾發現了這份樂譜。1967年，英國指揮家和作曲家班傑明·布列頓首次在馬勒去世後演出了這個樂章。如今《第一交響曲》的演出基本是不包括該「百花」樂章，只是有時候會被單獨演奏。 1970年尤金.奧曼第指揮費城交響樂團首次錄製了帶有「百花」版本的馬勒第一交響曲。目前全球亦有數十版本馬一以五樂章規格錄製。 |
五樂章共分為兩大部分，大約60分鐘： 第一部：「青春歲月，年輕、成熟與苦惱」 (一)無盡之春，黎明之初，山河大地復甦(序奏描寫清晨大自然的甦醒) (二)百花樂章(這是附有小號獨奏、牧歌風優美的樂章，但在出版時馬勒卻把它刪除了) (三)一帆風順 第二部：「人間喜劇」 (四)觸礁(葬禮進行曲) (五)從地獄到天國
百花樂章 樂譜版本
https://youtu.be/e4H1QiulzyQ
完整五樂章版本欣賞（有百花樂章）
https://youtu.be/eFj9D-Mx31U
四樂章版，也是現在全球最通用版本，全長約50分鐘。
總譜版本欣賞
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
馬勒：第一號交響曲樂曲分析↵
第一樂章 曲式表↵
D大調，4/4拍，奏鳴曲式
| 序奏 | 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 | ||||||
| ：第一主題 | 反覆A段 | 反覆B段 | 結束段落 ： | A | B | C | 第一主題 | 結束段落 | ||
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
Introduction:
The tempo of the introduction section alternates between:
- Langsam. Schleppend (Slowly. Dragging) - Depicts nature's slumber.
- Più mosso (more movement). - Awakening calls of fanfares on clarinet and trumpet.
The strings hold the note A, spread over a range of seven octaves, the violins using harmonics for the highest registers. A two-note motif is gradually developed in the woodwinds establishing the following repeated pattern of descending fourths, reminiscent of the first movement of Beethoven’s 9th Symphony in d minor:
This ‘nature’ theme is interrupted by a fanfare ‘awakening call’ played by the clarinets, and later by muted offstage trumpets, indicated in the score: "In sehr weiter Entfernung aufgestellt" ("At a very far distance"):
A slow and mellow melody is later introduced in the horns with directions to be "sung very softly":
After more interruptions by the trumpets playing the fanfare theme, a rising chromatic motif is played by the double bass’ and cellos, with the nature theme layered on top by the trumpets.
The ending of the introduction leads seamlessly into the exposition through the gradual build up of the descending two-note cuckoo motif which transforms itself into the main theme of the first movement, marking the beginning of the exposition.
| Bar: 1-9 |
Langsam. Schleppend (Slowly. Dragging) Wie ein Naturlaut |
Theme of fourths (Nature Theme) |
| 9-15 | Più mosso | Clarinet fanfare (Awakening call) |
| 16-21 | Tempo I | Theme of fourths |
| 22-27 | Più mosso | Trumpet fanfare (Awakening call) |
| 28-29 | Tempo I | Theme of fourths |
| 30-31 | Più mosso | Cuckoo calls |
| 32-35 | Tempo I | Slow mellow horn melody |
| 36-39 | Più mosso | Trumpet fanfare |
| 40-43 | Tempo I | Slow Mellow horn melody |
| 44-46 | Più mosso | Trumpet fanfare and cuckoo calls |
| 47-58 | Tempo I | Chromatic bass motif and theme of fourths |
Exposition:
The exposition breaks free from the tense atmosphere established in the introduction section, becoming carefree and light. The main theme takes its melody from the second song from Mahler’s Lieder eines fahrendon Gesellen, titled: "Ging heut' Morgen übers Feld". The songs lyrics: "Isn't it becoming a fine world?; Chirp! Chirp! Fair and sharp!; How the world delights me!" translate beautifully both musically and semantically.
This melody first appears in the cellos and gradually builds in dynamic as it makes its way through the different sections of the orchestra, eventually being played by the entire brass section. A new bird call is introduced towards the end of the exposition: the Tirilli motif. It begins in the woodwinds and is later shared with the strings:
| 62-74 | Song theme |
| 75-108 | Music from third verse of 2nd song from: Lieder eines fahrendon Gesellen |
| 109-135 | Music from first verse of 2nd song from: Lieder eines fahrendon Gesellen |
| 136-162 | Final group (taken from Tirili motif) |
Development:
The development section begins as a new form of the introduction, keeping the drone A and cuckoo calls, the clarinet and trumpet fanfare motif is however, suppressed until later in the section. The opening also incorporates the newly introduced Tirilli motif. A cantabile cello theme is introduced which functions as a secondary theme:
| 163-206 | Part I: New form of introduction (now with gradual retard) without use of clarinet and trumpet fanfares, with the inclusion of the Tirili motif; preparation of cello theme |
| 207-304 | Part II: |
| 209-220 | Fanfare theme of the horns |
| 221-229 | Cantabile cello theme (functioning as a secondary theme) |
| 225-304 | Renewed statement and development of the song motif in changing colors, including the cantabile cello theme |
| 305-357 | Part III: A foreshadowing of the inferno in anticipation of a section from the Finale (bars 574-628) |
| 352-357 | "Breakthrough": Trumpet fanfares and woodwind and horn signals |
Recapitulation:
| 358-442 | Recapitulation |
| 443-450 | Coda |
關於藝術歌曲之使用（一）
馬勒於第一號交響曲中使用了自己最初寫作的聯篇歌曲《流浪青年旅人之歌》（旅人之歌）中的歌曲《清晨當我穿過草原》（Lieder eines fahrenden Gesellen）音樂旋律。
《清晨當我穿過草原》演唱版本
https://youtu.be/yrGMh3LQWeY
《清晨當我穿過草原》
藝術歌曲中的第二首曲目《清晨當我穿過草原》（Ging heut Morgen übers Feld），是整套作品當中最愉快的旋律。這是一首喜樂之歌。
流浪者面對大自然的美景，例如簡單卻婉轉動聽的鳥鳴聲，草原上的露珠等都十分歡喜和驚奇，鳥兒還歌唱提醒著他說：「這不是一個可愛的世界嗎？」然而，流浪者在最後被提醒，儘管這一切皆美，但他的喜樂因愛人的離開而不再回來。
管弦樂的配器也非常細緻而優雅，運用了長笛和弦樂的高音音域富有歌唱性，三角鐵在這樂章亦發揮重要的襯托作用。這首歌曲的大部份旋律，均在馬勒第一交響曲第一樂章的第一主題裡，再次被引用且發展微精彩動聽的完整段落。
清晨我走過田野
A-A‘-B 三段體 + Coda
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Ging heut morgen übers Feld, A‘ Auch die Glockenblum'am Feld B Und da fing im Sonnenschein "Guten tag, Coda Nun fängt auch mein Glück wohl an?! |
A
今早我走過田野； A’ 還有，田野裡的風鈴草精神抖擻 B 然後，在陽光下 「你好， Coda 現在，我的快樂日子也將來臨嗎？！ |
對照第一號交響曲第一主題
https://youtu.be/4XbHLFkg_Mw?t=276
第二樂章 曲式表↵
A大調，3/4拍，三段體
| A段 | B段 | A段 |
尾聲 |
|||
| ： A ： | B | A | C | D | A | |
https://youtu.be/ypClfhEwwCw?t=987
| Bar Number: | Section: | Mahler’s Tempo Markings |
| 1-174 | Opening main section | minim (half-note) = 66 |
| 175-358 | Trio | minim (half-note) = 54 |
The movement opens with with the following motif played by the bass:
The Ländler’s main theme is then introduced in the woodwinds over the top of the bass motif:
蘭德勒舞曲與舞蹈
https://youtu.be/zkDr5rnhMag
民俗舞跳的蘭德勒舞曲
https://youtu.be/4rZPKc8CK24
電影《真善美》裡使用的蘭德勒舞曲
https://youtu.be/BgUwg28cSiU
第三樂章 曲式表↵
d小調，4/4拍，三段體
|
A段 |
B段 |
A段 |
尾聲 |
|||
| A | B | A | B | A+B | ||
https://youtu.be/ypClfhEwwCw?t=1530
The movement begins with the timpani softly beating a two note ostinato in isolation:
《雅克弟兄》（兩隻老虎）（法文：Frère Jacques）譜例：
A Capella 演場版本
https://youtu.be/Pa2_oWshsRM
Mahler gives directions in the score: "Solemn and measured without dragging". After two bars, the main melodic theme forming the basis of the movement is introduced on a solo Contrabass, an innovative role for the instrument.
Mahler reproduced this melody note for note from the popular round "Bruder Martin" (Brother Martin), also known as ‘Frère Jacques’ described by August Beer as "a humorous round sung in Germany by male choirs and young men in pubs in a jocular, chanting manner." The canon section (bars 1-38) slowly builds momentum as the round is picked up by different instruments in a highly unusual order, jumping from different sections of the orchestra resulting in timbre combinations that are characteristically Mahler:
| Bar: 3 | Double-bass solo |
| 11 | Muted cellos |
| 15 | Bass tuba |
| 17 | First bassoon & first clarinet |
| 19 | Muted violas |
| 21 | First horn |
| 23 | Four flutes |
| 25 | English horn, two clarinets, & bass clarinet |
| 27 | Violas & cellos one octave apart |
| 29 | Four muted horns & harp |
In a conversation with Natalie Bauer-Lechner, Mahler stated: "in the round, the new entrance always is distinct, in a surprising timbre, drawing attention to itself."
The oboe introduces the following counter melody in bar 19, which is heard again in bar 29 with the addition of the E-flat clarinet (The first appearance of the instrument in the symphony):
Mahler then introduces a new section lasting from bar 39-44. The oboe is given a swaying melody in thirds and sixths (See Pic below) with the trumpets providing a counter melody underneath. This counter melody continues into the parody section acting as a bridge between the contrasting ‘Bruder Martin’ opening and Parody section which follows.
關於藝術歌曲之使用（二）
馬勒於第一號交響曲中使用了自己最初寫作的聯篇歌曲《流浪青年旅人之歌》（旅人之歌）中的歌曲《那雙藍藍的明眸》（Die zwei blauen Augen）音樂旋律。
《那雙藍藍的明眸》演唱版本
https://youtu.be/9qBUiqWdixM
歌詞翻譯
這首歌曲標題為《那雙藍藍的明眸》（Die zwei blauen Augen von meinem Schatz），在歌詞裡，我們可以感受到這不是一雙代表快樂的眼睛，因為「是雙藍藍的明眸，是我愛人的眼睛」，但「我不得不告別這至愛之地」、「現在我要面對永恆的哀愁」，這幾句與藍色眼睛對比的失落與離愁，更讓我們感受到流浪者的心痛。
是什麼原因讓他心碎？無法處理如此多的傷痛？使他無法以渾身傷痛而身處目前的環境裡？
馬勒並未給出答案，就如同舒伯特的聯篇藝術歌曲集《冬之旅》，在歌詞中，流浪者因心神疲憊躺臥於一棵菩提樹下，讓花在他身上落下，作著美夢無數。
我們不知道旅人是否想要回到他之前的生活，抑或已然下定決心要追尋新的目標，甚至可能預示著即將離開這個世界？
可以肯定的是，他是懷抱著深深的愛，做出讓自己沉痛的決定，面對每項事物，無論是愛和悲傷，整個世界與美夢...
提示：藍眼睛、流浪、菩提樹、夜間旅行、悲傷地離開...
愛人的那雙藍眼睛
A-A'-B 三段體
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Die zwei blauen Augen A' O Augen blau, Ich bin ausgegangen in stiller Nacht B Auf der Straße steht ein Lindenbaum, |
A
那雙藍藍的明眸 A' 藍藍的眼睛啊， 我走出去，步入寧靜的夜， B 路上佇立著一棵菩提樹， |
樂譜版本欣賞
Thomas Hampson, 男中低音
Mariss Jansons, 指揮
https://youtu.be/e9lwdn5lmRU
第四樂章 曲式表↵
f小調，2/2拍，奏鳴曲式
| 序奏 | 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 | ||||||||||
| 第一主題 | 發展段落 | 過渡段落 | 第二主題 | 結束段落 | A | 勝利主題 | B | 勝利主題 | 結束段落 | 第二主題 | 第一主題 | 勝利主題 | ||
https://youtu.be/ypClfhEwwCw?t=2155
第四樂章使用動機與音樂↵
Fourth Movement: Dall' Inferno al Paradiso
("From the Inferno to Paradise")
Although Mahler does not use the traditional sonata-allegro form for the final movement of the symphony, it is possible to analyse the movement as such, being dividing it into three sections: exposition, development and recapitulation. Material from previous movements are revisited, with additional motifs inspired by Liszt and Wagner included. The programmatic title for the movement ‘From the Inferno to Paradise’ is clearly depicted in the music. Mahler uses the key of F minor to symbolise the inferno, contrasted against the distant key of D major representing Paradise:
Introduction Breakdown (bars 1-54):
| 1-5 | Dissonance, interpreted by Mahler as Aufschrei eines im Tiefsten verwundeten Herzens (Outcry of a deeply wounded heart) |
| 6-8 | The Cross symbol in the minor version |
| 8-18 | Inferno triplets |
| 19-21 | Anticipation of a motif from the main theme |
| 21-24 | Inferno triplets |
| 25-32 | Wail (cf. Das klagende Lied, No. 81) |
| 32-39 | Inferno triplets |
| 39-54 | Fourfold Cross motif in the minor version |
The final movement continues directly on from the previous movement without interruption. An abrupt cymbal crash opens the movement, which is immediately followed by a strikingly dissonant chord produced by the woodwinds, string and brass sections, reinforced by a bass drum hit. This ferocious opening alludes to the inferno, creating a tremendous contrast to the faint, distant ending of the previous movement. Mahler described this opening as "The sudden outburst... of despair of a deeply wounded and broken heart." (From a letter Mahler wrote to Bernhard Schuster in 1901)
Some of the key motifs representing the inferno were borrowed from Liszt’s Dante Symphony (1856), a work Mahler would have assumed familiar with his audience.
For example the Cross motif which appears in bars 6-8 was taken from Liszt’s symphony:
The final movement continues directly on from the previous movement without interruption. An abrupt cymbal crash opens the movement, which is immediately followed by a strikingly dissonant chord produced by the woodwinds, string and brass sections, reinforced by a bass drum hit. This ferocious opening alludes to the inferno, creating a tremendous contrast to the faint, distant ending of the previous movement. Mahler described this opening as "The sudden outburst... of despair of a deeply wounded and broken heart." (From a letter Mahler wrote to Bernhard Schuster in 1901)
Some of the key motifs representing the inferno were borrowed from Liszt’s Dante Symphony (1856), a work Mahler would have assumed familiar with his audience.
For example the Cross motif which appears in bars 6-8 was taken from Liszt’s symphony:
This aural symbol of the Cross, originating from old Gregorian music, is found in two forms in the movement. The Cross symbol is used by Mahler as a device to break-through from the world of the inferno to the realm of the paradiso. The symbol of the Cross only ever appears in the minor version when the music is in the world of inferno:
1) minor version - intervals of a minor second and major third
2) major version - intervals of a major second and major third
The chromatically descending triplet motif first heard in bars 8-18 (Inferno Triplets) was another motif also taken from Liszt’s symphony:
|
After the introduction section, the following theme in F minor is presented boldly in the brass and woodwinds (bar 55). Pic
This theme is expanded and developed gaining momentum, until it transforms into the swelling brass section (bar 143), followed by a brief mellow transition section which leads into the beautifully lyrical secondary section in D flat major:
The expositions concluding section (bars 238-253) recalls the slow introduction from the main section beginning in bar 55, along with the inferno triplet motif.
| 254-289 | First part in G minor (As at the beginning) |
| 290-316 | First statement of the "victorious" motif in C major, pianissimo |
| 317-369 | Second part in C minor |
| 370-427 | Second entrance of the "victorious" motif (Pesante) (Modulation from C major to D major) and Chorale theme in D major (Paradiso) |
| 428-457 | Recall of motif of the main section (very slow); Mahler, "wundervoller Anklang an die Jugend des Helden" ["wonderful allusion to the hero's youth"] |
The development section begins with another inferno motif taken from Liszt’s Dante Symphony (bar 254) played by the horns, clarinets and oboe in G minor:
The The ‘victorious’ motif in C major begins in bar 290 with the Cross motif making its first appearance in its major form played pianissimo by the first trumpet in bar 296.
This section includes a secondary motif forming the following theme:
The above theme is a rhythmic variation of the Grail theme from Richard Wagner’s Parsifal opera crafted in a manner which enables Liszt’s Cross symbol to be combined with the Dresden amen sequence used in Wagner’s Parsifal.
The second section of the development in C minor begins in bar 317. The ‘victorious’ theme makes its second appearance in bars 370-375, however, this time the dynamic markings are pesante and fortissimo (previously pianissimo), victory is seemingly in reach of the hero. The section begins in C major, modulating to D major - the realm of the paradiso.
Mahler elaborated on this victorious section to Bauer-LechnerIn during 1893:
"Maybe this was even more obvious in my First Symphony, at a transition that gave me so much trouble. There the concern was to gain a triumphant, lasting victory, after the music, having expressed short rays of hope, would always fall back into deepest despair. After a long search, it became obvious to me that I had to modulate from one key to the next higher one from C major to D major, the tonic of the piece. One could have accomplished this easily by using the half-step in between, moving up from C to C-sharp and then to D, but everyone would have known it to be the next step. Instead, my D chord, had to sound as if it had fallen from heaven, as if it had come from another world. Thus I found the transition by way of a very free and bold modulation that for the longest time I did not want to use. And if there is anything great about the whole symphony, then it is this passage which, I am convinced, has no equal."
The Chorale theme in D major contains a modified version of the nature theme from the first movement.
Nature theme, First movement, bars 18-21:
Chorale theme, Final movement, bars 388-391:
A slow section concludes the development section in bars 428-457. Many motifs and themes from the first movement return as the hero remembers his carefree youth: the nature theme, the fanfare awakenings, bird calls (quail call, cuckoo call and Tirili motif), the chromatic bass-step motif. These previous musical ideas are intertwined with newly introduced material such as the inferno triplets (bar 433-434).
Recapitulation (Bars 458-695)
| 458-532 | Secondary section with transition in F major |
| 533-573 | Main theme in F minor (Tempo I): the Inferno image now has been moved to the distance (ppp) |
| 574-622 | Intensification of material from the main section |
| 623-695 | Höchste Kraft (Utmost strength): breakthrough, third occurrence of the "victorious" motif and Chorale theme in D major (Paradiso)０ |
Coda:
| 696-731 | Coda |
全曲最後一段音樂：開首奮鬥般的音型又再出現，但更為激烈，爆發出無比的能量，這就是馬勒眼中的大自然：既強大但又溫柔，充滿生機但同時又可以操控死亡。銅管再次奏出主題，更加宏偉、更加激昂，小號與法國號樂手都站起來吹奏，結束在光輝燦爛的D大調。
https://youtu.be/4XbHLFkg_Mw?t=3254
完整演奏
四樂章版本完整演奏
阿巴多於琉森音樂節
https://youtu.be/4XbHLFkg_Mw
四樂章版本完整演奏
Fabio Luisi 指揮德勒斯登愛樂
https://youtu.be/cjTayqXDdrI
延伸閱讀
https://youtu.be/v5DfYcT5icY
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【BON音樂】荷蘭國際影展最佳演技大獎 - 電影《首席指揮家》（The Conductor）
【BON音樂】荷蘭國際影展最佳演技大獎 - 電影《首席指揮家》（The Conductor）
The Conductor - movie
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蹦藝術 | BONART
首位指揮柏林愛樂女指揮家真實故事改編
"這是一部看似充滿坎坷、力抗時代不同觀念，卻見到力爭上游的人性之美，以及帶來溫暖的電影" - 林仁斌
推薦這部勇奪荷蘭國際影展最佳演技大獎的的電影《首席指揮家》（The Conductor），講述首位獲邀紐約愛樂、柏林愛樂樂團演出的女性指揮家安東尼婭布麗可（Antonia Brico），人生充滿夢想、命運與愛情的傳奇故事。
她為在男性主導的樂壇聖殿嶄露頭角，不僅毅然拒絕富二代的追求，並靠著加倍的努力及毅力，成功打破時代桎梏、創辦史上第一個女性交響樂團，獲封「史上最偉大女指揮家」。這段激勵人心的勵志故事，不僅感動許多觀眾，就連荷蘭知名媒體都讚嘆該片「強大震撼」。
荷蘭戲院上映長達半年，超過14萬觀眾爭睹「荷蘭之光」的傳奇人生
在音樂史上享有崇高地位的女指揮家布麗可，其實出身自美國紐約的貧寒家庭。她從小就懷抱音樂夢想，勇敢進入以男性為主的音樂界，奮鬥過程中雖飽受性別歧視，卻絲毫不因挫折而輕言放棄。
她鍥而不捨的毅力，感動了當時的第一夫人羅斯福女士，親自搶票出席她的首場演奏會，讓她從此成為全球樂壇焦點。布麗可從無名之輩到樂史留名的精彩人生，在電影《首席指揮家》戲劇性地交織，宛如交響樂般奔騰而出，全片高潮迭起、令人讚嘆。
這部由荷蘭名導瑪利亞彼得斯（Maria Peters）執導的《首席指揮家》，除故事改編真人實事外，片中燈光、布景及服裝也十分考究，華麗重現眾聲喧嘩的紐約音樂圈，古典與現代交融的表演場景，充滿壯闊的大時代氛圍。此外，劇組更重金聘請「荷蘭廣播愛樂樂團」現場配樂，精彩演繹舒伯特、巴哈、馬勒、德布西等名作曲家的經典之作，完美襯托主角布麗可的奮鬥歷程，更在關鍵時刻、展現她指揮功力脫胎換骨的強大氣勢，為電影帶出高亢激昂的震撼結局，讓觀眾得以藉這部意義非凡的電影，見證女性時代的來臨。
電影介紹（取自官網介紹）
她為音樂飛赴柏林，他卻要她為愛情留步... 獲譽「史上最偉大女指揮家」的安東尼婭布麗可（Antonia Brico），不僅是首位獲邀紐約愛樂、柏林愛樂等頂尖樂團演出的女指揮家，更一手創辦由女性組成的交響樂團。在她光鮮亮麗的成就背後，卻是一段充滿淚水、激勵人心的故事…。 安東尼婭年輕時曾擔任演奏廳的服務生，在性別歧視普遍存在的20年代，她勇敢追逐著自己的音樂夢。認真進取的她，從不放過任何學習機會，卻因為身為女性，在邁向指揮家之路飽受冷嘲熱諷，就連家人都不支持，更將她最珍愛的鋼琴拆毀，逼她淪落街頭。 不願向命運低頭的安東尼婭，為理想義無反顧、搭上飛往德國的飛機，準備赴柏林皇家音樂學院爭取機會，沒想到她心愛的男人卻希望她能為愛情留步...。當愛情與夢想陷入兩難，面對現實的殘酷、命運的佈局，安東尼婭該如何去何從？（荷蘭，137min）
電影預告欣賞
https://youtu.be/-Oq8reTzvhg
新銳女演員獲電影節大獎
荷蘭新銳演員克莉斯汀德布恩（Christanne de Bruijn），從小就熱愛音樂與表演，並在家人的支持下，6歲開始學習鋼琴，8歲時更接觸表演課程。德布恩為了兼顧自己對音樂及表演的興趣，決定進入歷史悠久的方提斯藝術學院（Fontys Conservatory）攻讀「音樂劇場」，畢業後便立刻受歐洲知名劇團延攬，演出多齣膾炙人口的音樂劇大受好評，也因此吸引同鄉的女導演瑪利亞彼得斯（Maria Peters）注意，力邀她跨界演出首部電影《首席指揮家》（The Conductor）。
德布恩在片中飾演傳奇指揮家安東尼婭布麗可（Antonia Brico），一心想進入由男性主導的音樂圈，面對打壓、歧視卻毫不低頭，更用了加倍努力去證明自己的實力，成績果然讓眾人跌破眼鏡。該片是德布恩首次演出電影，卻完美發揮她的音樂及表演長才，將安東尼婭邁向指揮之路的心路歷程，詮釋得情感深刻且振奮人心。她並藉機反擊長期受男性把持的古典樂壇，痛批性別歧視，讓人為她的勇氣鼓掌叫好。克莉斯汀德布恩在電影《首席指揮家》為夢想斬情絲，人生每每遇到困難，她絕不妥協放棄的堅毅精神，不僅讓觀眾動容，更助她一舉勇奪「荷蘭新銳電影節」最佳女主角大獎。
女主角真實人生（資料整理自網路與維基百科）
安東尼婭·路易莎·布里科（Antonia Louisa Brico，1902年6月26日－1989年8月3日），美國荷蘭裔指揮家。
簡介
布里科出生於荷蘭鹿特丹，從小被親生父親遺棄，兩歲時被收養。養父母給她改名為威廉明娜·沃爾特赫斯（Wilhelmina Wolthuis），1908年全家移民美國，定居加州。10歲時，作為治療咬甲癖的方法，在醫生推薦下開始學習鋼琴[3]。1919年在奧克蘭高中畢業時，布里科已經是一名優秀的鋼琴家，也有了指揮的經驗[4]。1923年畢業於加州大學伯克利分校，在校時兼職舊金山歌劇院指揮保羅·施泰因多夫的助理。畢業後，布里科繼續學習鋼琴，曾師從波蘭鋼琴家齊格蒙特·斯托約夫斯基。
1927年至1929年，布里科就讀柏林國立音樂學院，是首位在該校獲得指揮專業學位的美國人。在此期間，她被漢堡愛樂樂團指揮卡爾·穆克(Karl Muck)收為學生，1928年曾作為聲樂指導在拜律特音樂節工作[3]。1930年2月，布里科與柏林愛樂樂團合作，首次登台指揮，之後客座指揮了洛杉磯愛樂樂團、舊金山交響樂團、漢堡愛樂樂團等團體，1932年回到美國紐約。 1933年，布里科與音樂家交響樂團（Musicians' Symphony Orchestra）合作，在大都會歌劇院演出兩次，廣受好評。但第三次演出被迫取消，原因是男中音約翰·查爾斯·托馬斯以女性指揮家會轉移觀眾注意力為由，拒絕參演。1934年，布里科成立了全由女性樂手組成的女子交響樂團（Women's Symphony Orchestra），後來加入了部分男性樂手，1939年改名為布里科交響樂團（Brico Symphony Orchestra），但是該樂團運營了一年便告終止。1938年7月，布里科成為首個指揮紐約愛樂的女性，同年歸化為美國籍。1939年，她受邀在紐約世界博覽會上指揮演出[2]。 然而，小有成就的布里科未能在紐約謀得一份樂團指揮職務，於是1942年移居丹佛市，做了一名鋼琴教師。1945年她求職丹佛市立管弦樂團（Denver Civic Orchestra），也未能成功。隨後布里科前往歐洲巡演，曾受阿德里安·博爾特邀請指揮倫敦愛樂樂團，受讓·西貝流士之邀指揮赫爾辛基愛樂樂團[5]。 1947年至1981年間，布里科指揮了業餘樂手為主的丹佛商人管弦樂團（Denver Businessmen's Orchestra），1967年該團改名為布里科交響樂團（Brico Symphony，丹佛愛樂樂團的前身）[6]。這是她職業生涯中唯一的常任指揮職位，在50和60年代默默無聞。1974年上映的講述布里科經歷的紀錄片《安東尼婭：女人的肖像》讓布里科重獲關注，該片製作人之一是布里科的鋼琴學生、民謠歌手朱迪·柯林斯，1975年獲得了奧斯卡獎提名。由於這部紀錄片，布里科重新獲得了許多客座演出機會，包括和許多著名交響樂團的合作。1981年後，布里科結束了指揮事業，專職教授鋼琴。1989年逝世於丹佛一家養老院，安葬在利特爾頓[3]。（取自Wiki百科）
「若想打破世人成見，就得付出加倍的努力。」 — 安東尼婭布麗可Antonia Brico
享譽古典樂界的知名女指揮家安東尼婭布麗可（Antonia Brico），1902年出生於荷蘭，被養父母帶至美國紐約生活。從小就熱愛音樂的她，夢想成為古典樂指揮家，因此進入藝術表演廳擔任服務員，藉此增加聆聽的機會。沒想到她的這個夢想，卻遭當時由男性主導的音樂界嗤之以鼻，不斷對她冷嘲熱諷，她的家人也因生活貧窮，而拒絕提供任何支持與協助，甚至將她最珍愛的鋼琴砸毀。
不甘就此認輸的安東尼婭，決定暫時離開美國，買了單程機票來到荷蘭，一邊尋找學習音樂的機會，同時也找尋自己的身世之謎。在她堅持不懈的努力奔波下，終於獲得德國指揮家卡爾穆克（Karl Muck）的信任，將她收入門下，更幫助她進入柏林皇家音樂學院攻讀指揮。幾年後，在歐洲樂壇大放異彩、被盛讚為年度新秀的安東尼婭，帶著出色的成績回到美國，憑藉一己之力創辦了全由女性音樂家所組成的交響樂團，成果獲得當時的美國第一夫人羅斯福女士激賞，讚許她的努力「顛覆過去樂壇全由男性主導的情勢」。
電影語錄：
音樂家離開了樂器就甚麼都不是，我是一個指揮家，我的樂器就是你們。
正式工作
1947到1981年間，她在紐約丹佛的商人管弦樂團（Denver Businessmen’ s Orchestra）擔任樂團指揮，這是她唯一獲得的正式而永久的工作。
唯一錄音
1975–1976年在紐約莫札特音樂節（Mostly Mozart Festival），參與了兩場音樂會，並錄製了唯一的錄音。在此筆者亦分享於Youtube找到之兩首樂曲錄音：
莫札特： 《魔笛》歌劇序曲（1975）
Antonia Brico conducts Mozart - Overture to ‘Don Giovanni' (1975)
https://youtu.be/JoayIgNzOYc
莫札特： 《唐．喬望尼》歌劇序曲（1975）
Antonia Brico conducts Mozart - Overture to ‘Don Giovanni' (1975)
https://youtu.be/CT8ZEBuAnyg
真實紀錄片
1950–1960年代，安東尼婭並沒有備受重視。美國民謠歌手朱蒂柯林斯(Judy Collins)和美國導演吉爾葛美露(Jill Godmilow)製作了一部介紹安東尼婭的紀錄片「安東尼婭：一位女性的肖像」（Antonia: A Portrait of the Woman）並獲得奧斯卡金像獎提名，終於讓這位畢生努力不懈的指揮家，逐漸重獲世人的關注。
精彩紀錄片
Antonia: A Portrait of the Woman（1 of 2）
https://youtu.be/LyB1T94EcxI
Antonia: A Portrait of the Woman（2 of 2）
https://youtu.be/Vy3Znl8UKw0
IMDb資料庫：Antonia: A Portrait of the Woman
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【BON音樂】大人的音樂欣賞協奏曲系列：大提琴的絕美歌唱─德弗札克大提琴協奏曲
【BON音樂】大人的音樂欣賞協奏曲系列：大提琴的絕美歌唱─德弗札克大提琴協奏曲
All about Dvorak's cello concerto
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第4堂：大提琴的絕美歌唱─德弗札克大提琴協奏曲
德弗札克創作於1895年的b小調大提琴協奏曲，與《新世界交響曲》同一時期，都屬於他晚期的作品，也是最著名的作品之一。除了充滿波希米亞風情如歌般的旋律，融合著強烈複雜的思鄉情緒以及大提琴中高音域使用的全新技法突破之外，還隱藏著使用了曾經創作的藝術歌曲之情感秘辛。從音樂聽見更多背後的故事，與林仁斌老師一同賞析這首近代大提琴最浪漫的協奏曲作品。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
2021年最新課程資訊
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週二班
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德弗札克：b小調大提琴協奏曲 簡介
1892年至1895年間，德弗札克到紐約市的美國國家音樂學院擔任院長，在這三年旅美期間，德弗札克的思鄉情愁也充分反映在作品中，在美國時期的他，陸續寫下了《新世界》交響曲 Op.95、弦樂四重奏《美國》Op.96與 b 小調大提琴協奏曲 Op.104等名作。
德弗札克之b小調大提琴協奏曲op.104與第九號《新世界》交響曲同時期，是德弗札克在美國期間最後一年的作品：在音樂內容裡充分結合了美國黑人靈歌、印地安原住民旋律及來最熟悉的波西米亞舞曲節奏等等特色，這幾套作品都反映出思鄉情切，也能看出德弗札克融合更多國家風格的民歌素材，最終融會貫通並集之大成之豐厚結果。
據說布拉姆斯看過此曲的總譜後，感嘆說：「我怎麼不知道大提琴協奏曲，也可以寫得這麼美？如果之前曉得，我一定自己譜寫一曲。」
作曲家簡介（引用自維基百科）
德弗札克（Antonín Dvořák，1841年9月8日－1904年5月1日），捷克國民樂派作曲家。
追隨著浪漫主義時期民族主義者的典範貝多伊齊·史麥塔納，德弗札克經常在他的作品中使用摩拉維亞和他的故鄉波希米亞（當時屬於奧匈帝國，現屬捷克）的民謠音樂的旋律及其他方面。德弗札克自己的風格經常被描述為「吸收了民歌的影響並找到有效的方式利用它們，用交響樂的傳統最完滿的再現了一個民族的特色」。其代表作有第九交響曲《新世界交響曲》、《B小調大提琴協奏曲》、《斯拉夫舞曲》、歌劇《露莎卡》。他被認為「可能是他那個時代創作最多面向的作曲家」。
出生和年輕時代
德弗札克出生地
德弗札克出生在布拉格（當時屬於奧匈帝國，現屬於捷克）附近的內拉霍奇夫斯鎮伏爾塔瓦河旁的磨房內，他的父親František Dvořák經營祖傳的客棧和肉店。他的母親Anna Zděnková是一名貨物看守的女兒。安東尼是他們第一個兒子，安東尼總共有八個弟弟。
他6歲的時候在Nelahozeves上小學，在那裡他第一次上小提琴課。1853年他遷往茲洛尼采學習德語。當時德語是波希米亞的生存之本。在那裡他跟隨教堂唱詩班領唱Antonín Liehmann學習鋼琴和管風琴。在此期間，他有時演奏管風琴補貼家計。他還在他老師的樂團中演奏，並且開始作曲。有一個由來已久而且由一封偽造的滿師證書所支持的傳言，說德弗札克的雙親強迫安東尼學習屠宰技術，但目前沒有任何證據證明這個傳言的真實性。
1856年秋德弗札克去了捷克卡梅尼采，據推測他是為了進修德語，並且準備到德語教學的布拉格管風琴學校上課。1857年10月他上了兩年的管風琴學校，也在一所普通學校上過學，還作為中提琴手在一年登台兩次的Cäcilien協會樂團中演出。
職業音樂家的第一步
德弗札克本想謀一個管風琴師的職位，但失敗了。1859年夏天開始他就在Karl Komzák的樂團裡面當中提琴手，在咖啡館，或是公眾場合演奏樂曲集錦，序曲和舞曲。德弗札克這樣過了十一年，其間沒有發表作品。從這段時間流出下來的作品判斷，他是自學的作曲，而且可以說是按部就班的，從開始的莫札特，經孟德爾頌和舒曼直到1870年代末的華格納。剛開始他的重點是弦樂四重奏。
1862起Komzák的樂團在新開的布拉格臨時劇院登台，約在1865年升級為歌劇樂團。在國家劇院落成之前，這座臨時劇院是第一所捷克歌劇戲劇的用武之地。其中史麥塔納貢獻良多，他的《布蘭登堡人在波希米亞》和《被出賣的新嫁娘》1866年就是在此首演的。
1865年起德弗札克除在樂團的工作外，還開始在劇院教授鋼琴。他的女學生有姐妹倆Josefina和Anna Čermáková。當時德弗札克愛上了17歲的Josefina，可惜未成眷屬，但當時11歲的Anna，卻在8年後，即1873年11月17日與德弗札克成婚。
成名
1870年德弗札克寫下第一部歌劇《阿爾弗雷德》，德語劇本，但歌劇在他生前都不曾獲得上演機會，可以看作是一次練筆。第一部為觀眾所接受的作品是歌劇《國王與燒炭工》，Bernhard J. Lobeský寫的捷克語劇本。1871年7月他辭去了樂團工作，只為了多點時間作曲。在1871年到1873年，他發表了歌劇，室內樂和為合唱和樂團而寫的讚美詩《白色山的遺產》，這些作品得到了熱情的讚美與肯定。
只是其歌劇《國王與燒炭工》不盡如人意。1873年臨時劇院已經開始排演，但是不得不中斷，據稱原因是這部歌劇太難而不可能演唱。德弗札克再次重新審視其曲風，並且拋棄了新德國學派的那一套重新作曲，1874年首演，結果是大獲成功。
1874年開始他開始到私立音樂學校授課，2月他得到了一個管風琴職位，在此職位上他一直工作到1877年。
蜚聲國際
1874年到1877年間他都得到國家獎學金。愛德華·漢斯力克是這個評委會的成員，後來還有布拉姆斯，後者成就了德弗札克的決定性突破——通過與之友好的出版商西姆羅克，德弗札克的二重唱合集《摩拉維亞之聲》得以出版。同時，這也標誌著兩位大作曲家終身友誼的開始。
出國旅遊
1884年德弗札克接受愛樂協會的邀請第一次前往倫敦。這兩年內寫成的《鬼新娘》（露莎卡，根據Karel Jaromír Erben的敘事詩寫成）和《聖潔的魯米那》是伯明罕和利茲的委託之作。
第一次倫敦之行後，德弗札克到普日布拉姆（Příbram）旁的維索卡山（Vysoka）避暑，在那裡他可以充分遠離城市享受大自然。1877年起他的公眾露面停息，只接受少量的委託，修改舊作，寫作歌劇《雅各賓派人》。
1889年初德弗札克應俄羅斯皇家音樂協會之邀到訪莫斯科和聖彼得堡。在再一次的倫敦之旅後他回到布拉格，在那裡他接受了卡爾斯大學榮譽博士頭銜，1890年10月他成為音樂學院教授。其實1889年一月他就收到聘任提議，但由於他當時事務繁忙不得不推掉。
在新世界
照片中1893年德弗札克一家和他的朋友在紐約。從左到右是：他的妻子安娜，兒子安東寧，莎蒂·西伯特，約瑟夫·科瓦里克，莎蒂·西伯特的母親，女兒奧提莉，最右為德弗札克本人。
1892年至1895年間，德弗札克到紐約市的美國國家音樂學院擔任院長，年薪為當時的15000美元，這對德弗札克的財政狀況來說是非常具有吸引力的。但他也要考慮到家庭團聚的問題，他的妻子，女兒Otilie和兒子Antonín陪同前往。其他四個孩子只在1893年夏天來美國。那時一家在愛荷華州的捷克移民村斯畢維里歡度美好時光。
聘任建議是由慈善家珍妮特·瑟伯夫人提出的，她想把美國從歐洲音樂一統天下的局面中解放出來，並且樹立美國自己的藝術偶像。她建議作曲家從美國詩人亨利·沃茲沃思·朗費羅的長詩《海華沙之歌》選取題材，寫一部美國歌劇。德弗札克深深認同美國黑人和印第安人音樂應該是美國音樂的發展基石，認為通過它們將會找到美國音樂自己的風格。德弗札克在紐約遇到了他後來的學生哈里·布雷——最早的美國黑人作曲家之一。他向德弗札克介紹了美國黑人的傳統靈歌。
1893年，德弗札克從《海華沙之歌》這個描寫印第安人的偉大詩篇中找到靈感，再結合自己對印第安人和美國黑人音樂的研究，最終為紐約愛樂樂團寫出了很出名的作品：第9號交響曲《來自新大陸》。1893年12月16日，德弗札克的朋友安東·塞德爾指揮紐約愛樂樂團在紐約著名的卡內基音樂廳首演了這部交響曲，獲得熱烈歡迎。他在紐約還寫有《感恩贊》和第12號弦樂四重奏，就是《美國弦樂四重奏》。從中可看到美國的音樂元素的滲入，例如五聲音階，一個降低的導音和切分音的應用。
德弗札克在音樂學院的主要工作是作曲課，他的學生有魯賓·高德馬克。
從美國歸來
本來他的任期為兩年，後來延長兩年，可是1895年4月德弗札克就回國了，原因可能是贊助人Thurber經過一次經濟危機後財政情況急劇惡化，導致德弗札克被多次拖欠薪水。
德弗札克在維索卡山平靜地度過了幾個月，11月份再次到布拉格音樂學院上任。他曾打算過搬到維也納，在那得到一個位置應該不成問題，但最後還是沒有付諸現實。期間誕生了他最後一部弦樂四重奏。
交響詩
1896年德弗札克與絕對音樂劃清界限。雖然他之前寫過一些被稱之為標題音樂的作品，如1889年的為鋼琴而作的《詩意聲樂畫》，他稱之為「標題音樂，但是是舒曼式的」，或是同年的Dumky三重奏（鋼琴三重奏）。但現在他直接轉向交響詩的創作。這是一種音樂體裁，在李斯特和華格納的新德國學派里，它是爭論的焦點之一。
這一年之內他寫了《露莎卡》、《午時女巫》、《金紡車》和《野鴿》。這些作品都是根據捷克詩人Karel Jaromír Erben的敘事詩集《Kytice》創作的。他用散文式的音樂告訴聽眾這些故事的情節。下一年他還寫了《英雄之歌》，雖然他並沒有公開其大綱，但是他在一封信中卻對之作了解釋。
最後歲月
布拉格德弗札克像
此時的德弗札克已經完成了其室內樂和管弦樂的創作。在他最後的歲月里他只寫歌劇：1898年《魔鬼與凱特》、1900年《露莎卡》和1902/3年的《阿米達》。
在《阿米達》首演的時候，德弗札克因腿疼而不得不中途離開。幾天後因為感冒，只能在床上休息。1904年5月1日他在家人的陪伴下悄然離世，死因是中風而去世，享壽62歲。在逝世的第四天，捷克為他舉行國葬。
2005年6月捷克票選「最偉大的捷克人」（Největší Čech）中，他排名第八。（作曲家簡介引用自維基百科）
創作背景
1892至1895年間，德弗札克受邀至美國，擔任剛成立的紐約國家音樂學院院長之職。在這段期間，德弗札克吸收了許多美國文化與風情，尤其對黑人靈歌及印第安民謠特別感興趣。
任職期間，德弗札克雖然欣賞美國多元且自由的風氣，但其實不到三年時間，他迫不及待的想要辭職返鄉。在美國的最後一年，德弗札克動筆譜寫了這首《B 小調大提琴協奏曲》，此曲可說是他於美國期間的最後鉅作。不但洋溢著優美動人的旋律與樂曲內涵，更因為將當時美國地方色彩和德弗札克源自波希米亞之民謠曲調巧妙融合傳聯，因此產生了非常獨特的魅力。
克服創作隱憂的背後原因
據說原本德弗札克對於以大提琴作為獨奏樂器曾有疑慮，主要是擔心大提琴的音量無法跟整個交響樂團的音響相互抗衡，特別是銅管樂器加入時，大提琴的聲音幾乎聽不見，因此，德弗札克在先前創作的小提琴協奏曲裡，其實都曾經刻意將銅管聲部的配置降到最低。
但德弗札克在紐約的現場音樂會中，因為聆賞了維克多.赫伯特（Victor Herbert, 1859-1924）的第二號大提琴協奏曲，而感受到原來大提琴這項樂器之演奏能力與可塑性非常高，因而重新產生創作之可行性，決心開始譜寫一首規模龐大的大提琴協奏曲。
維克多.赫伯特：第二號大提琴協奏曲
https://youtu.be/szZYZtf2lRw
因為維克多.赫伯特在配器上也使用了銅管樂器，例如長號、低音長號等銅管樂器，且交響效果出色：
有了維克多.赫伯特者首大提琴協奏曲如此成功的案例，讓德弗札克感到信心十足，便滿心歡喜地想試試自己的創作，《b小調大提琴協奏曲》於是有了全新的契機。
德弗札克大約於1894年11月8日開始動筆，大約一年的創作期至隔年便完成整首協奏曲的完整創作。完成之後，德弗札克將這首協奏曲題獻給同鄉好友大提琴家哈奴斯.韋翰 ( Hanuš Wihan )，再將樂譜交由柏林的Simrock出版社出版。
樂曲首演
協奏曲的首演於1896年，德弗札克已完成美國任期之後，1896年在英國倫敦演出時。擔任首演音樂會獨奏大提琴的是英國本地大提琴家里奧.史坦（Leo Stern, 1862 - 1904）。
這是一首極度優美、浪漫圓融而有著壯闊感之協奏曲音樂作品，自從首演問世以來之後，著名的大提琴家皆爭相演奏，更不用說錄音的版本不計其數。
德弗札克亦對曾表示說:「除 《新世界交響曲》外，我最喜愛的就是《大提琴協奏曲》。每當我親自指揮此曲的第一樂章時，都會產生新的感動。」
→關於樂曲首演的經過
樂曲介紹
本曲為三樂章協奏曲形式，演奏時間約40分鐘。
- b小調轉B大調，快板
- G大調，不太慢的慢板
- b小調轉B大調，中庸的快板–行板–活躍的快板
第一樂章樂曲架構
快板( Allegro )，b 小調，4/4 拍，奏鳴曲式
| 再現部 | 尾聲 | |||
| 1-86
第一主題＋第二主題 |
87-204 獨奏呈示部 |
204-266
管弦樂團主奏＋第一主題 |
267-318 第二主題＋推移段落 |
319-354
第一主題動機為主等段落 |
樂譜版本欣賞
樂曲一開始，即由A調單簧管輕柔地以奏出主題，低音管於第三小節跟隨進入，完成完整樂句。（樂曲的第一主題也會在第三樂章的最後部分再次出現，也讓協奏曲出現首尾呼應與完整感。）
接著，管弦樂團進入全團齊奏演奏主題，氣勢恢弘
接下來，由法國號奏出了抒情的第二主題。
接下來經歷全團氣勢恢弘的尾奏之後，獨奏大提琴以自由奔放的方式展開B大調的主題：
德弗札克大提琴協奏曲需要非常多樣化之技巧，：八度音、快速音階，精緻分弓與許多複音演奏...等等
第一樂章樂譜版本欣賞：
https://youtu.be/t6fJO4hhRtQ
第二樂章（15:47）
不太慢的慢板 (Adagio ma non troppo )，G 大調，3/4 拍，三段體。
| 第一段 A | 第二段 B | 第三段 A' |
| 1-38 | 39-94 | 95-166 |
精彩樂音之背景故事
第二樂章的曲調中隱藏了最有名的一段逸事，就是第二樂章的中段主題的背景故事。
這段主題源自德弗札克的藝術歌曲《讓我孤獨吧》（Kéž duch můj sám）的旋律。
此曲是寫給他自己年輕時的情人 Josefina Kounicova：德弗札克年輕時與 Josefina 相戀，但因自己出身低微貧困，尚未成名，父親也只是個屠夫...，因此這樁婚事遭到女方父母反對而未有結果。
後來或許是這段情愫褪之不去，德弗札克娶了Josefina 的妹妹 Anna，而 Josefina 則嫁給了捷克貴族、政治家和藝術贊助人VACLAV KOUNIC。
約瑟芬娜（CERMAKOVA, JOSEFINA (KOUNICOVA) ,1849 - 1895）
VACLAV KOUNIC (1848 - 1913)
回憶當年這段沒有結局的愛情，讓德弗札克懷著憂傷，以詩人 Gustav Pfleger-Moravsky 的作品寫下了聯篇藝術歌曲集 op.82。（Cycle Four Songs, Op. 82.）
這套作品中，Josefina 最喜愛的歌曲，便是《讓我孤獨吧》（Kéž duch můj sám）
《讓我孤獨吧》（Kéž duch můj sám）現場演唱版
https://youtu.be/6DJViesIlns
《讓我孤獨吧》（Kéž duch můj sám）唱片錄音版
https://youtu.be/h1eEY9q3Fs0
《讓我孤獨吧》（Kéž duch můj sám）大提琴獨奏＋重奏團版
https://youtu.be/UusbBOX6TI8
而大提琴協奏曲之所以用到這段主題，是因為德弗札克在紐約期間，聽聞Josefina已身染重病；德弗札克加進這段藝術歌曲主題，將第二樂章發展為具有憂鬱風格之動人樂章，顯然是為了回憶Josefina而寫下之音樂。
待德弗札克於1895年回到波希米亞後，約瑟芬娜也接著過世了。
第二樂章是典型的抒情的慢板樂章，由A調單簧管為主，奏出田園風格旋律，雙簧管與低音管則同時奏出和聲與副旋律，讓音樂氣氛美極了：
獨奏大提琴於第8小節承接主旋律，展開一段美麗的自由歌唱：
29小節開始，長笛演奏出一段美妙的旋律，與大提琴獨奏呼應：（後續亦有不斷呼應之對話旋律）
樂團的齊奏主題，與第一樂章亦有相似之呼應：
大提琴陸續演奏雙音、跨弦大音程和聲、撥奏等等多樣技巧：
中間段落開始（Bar.39, B段），我們可以聽見《讓我孤獨吧》（Kéž duch můj sám）的旋律開始出現：
https://youtu.be/t6fJO4hhRtQ?t=1127
大提琴如泣如訴地獨奏著
而法國號演奏的優美主題，悠揚中伴隨著淡淡鄉愁，非常動聽：
整個樂章故事感非常豐富，如同帶領聽眾講述作者充滿愛與憂傷的回憶故事般，非常精彩且令人動容。
最終段落大提琴非常安祥寧靜地演奏，伴隨在樂團靜謐和聲下，緩緩結束第二樂章。
第二樂章完整樂譜欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=t6fJO4hhRtQ&t=947s
第三樂章（28:30）
本樂章以自由的輪旋曲（Rondo）形式寫成，是一個充滿蓬勃生氣的樂章。
德弗札克巧妙地運用黑人靈歌旋律與波西米亞民俗舞曲節奏，結合輪旋曲曲式，由法國號奏出主要主題動機，隨後在其它樂器上予以一一發展
獨奏大提琴進入之後，亦會強有力地再次演奏輪旋曲主題：
第一副主題在長笛演奏之下出現，速度稍減，音樂也變得優雅而抒情：（大提琴則進入忙碌無比的複音多聲部與炫技）
第二主題段落：
而第二副主題為樂團齊奏，精神十足的節奏化波希米亞舞曲風格段落：
尾奏從行板，單簧管奏出第一樂章開頭動機後，法國號承接，轉為莊嚴的行板，然後增加音量與速度，以生動的快板的合奏推向高潮結束。
第三主題譜例：
樂章邁入結束前，第一樂章主題由A調單簧管演奏再次出現，首尾呼應：
德弗札克回到波希米亞之後，Josefina 也過世了，悲傷的他在出版前重新改寫第三樂章最後段落，自448小節起，他重寫了一段長達60小節的尾聲，如泣如訴又平靜安詳，彷彿是這輩子對於 Josefina 的思念與情感，盡付於其中，極其動人：
https://youtu.be/t6fJO4hhRtQ?t=2327
468小節後半拍起，《讓我孤獨吧》（Kéž duch můj sám）旋律再次出現於獨奏小提琴聲部，或許這整段音樂可視為德弗札克寫給 Josefina 的墓誌銘：
到了481小節，一整段大提琴如泣如訴的樂段，連續的下行，彷彿就如同呼應著德弗札克哀戚地訴說出心中的悲痛，以音樂追憶這位年輕時的摯愛...
第三樂章完整樂譜欣賞：
https://www.youtube.com/watch?v=t6fJO4hhRtQ&t=1710s
大提琴協奏曲主題與《新世界交響曲》主題比較
首次聽到這首大提琴協奏曲時，有沒有一種「似曾相識」的感覺呀？其實當我們拿出第一樂章主題與《新世界》交響曲第四樂章主題並列比較時，各位會發現，這兩者其實有著許多驚人的相似之處～也難怪聽起來如此熟悉（XD）：
大提琴協奏曲主題
《新世界》交響曲主題
我寫的．都是捷克音樂
在晚年，德弗札克僅以一句話，謙虛地概括他自己畢生之創作：「我所留下的作品，永遠只是普通的捷克音樂。」
捷克風景結合《新世界》第二樂章欣賞
https://youtu.be/yWcbi0hx4L0
精彩版本分享
杜普蕾與巴倫波因
https://youtu.be/U_yxtaeFuEQ
羅斯托波維奇
https://youtu.be/nJSlmoXpzfM
馬友友
https://youtu.be/jcb4dAvpOIs
Gautier Capuçon
https://youtu.be/YKsuuM_iews
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【BON音樂】先鋒、悖論與創新 - 法國作曲家聖桑介紹（Saint-Saëns ）
【BON音樂】先鋒、悖論與創新 - 法國作曲家聖桑介紹（Saint-Saëns ）
All about Saint-Saëns
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法國作曲家聖桑
聖桑是一位複雜而矛盾的作曲家，他認為自己其實是一個折衷主義者，他的音樂發展出明確的民族主義傾向，但試圖不在自己的音樂中顯露出過多私人情感。
他的創作對法國樂壇及後世帶來深遠的影響，重要的作品有《動物狂歡節》、《骷髏之舞》、歌劇《參孫與達利拉》等。
卡米爾．聖桑（Camille Saint-Saens，1835 ∼1921）出生於十九世紀中葉的巴黎，當時作曲家與音樂蕭邦、李斯特、白遼士皆曾活躍於此；文學家波特萊爾 （Charles Baudelaire, 1821-1867）巴爾札克（Honore de Balzac, 1799-1850）、雨果（Victor Hugo, 1802-1885），大仲馬（Alexandre Dumas, 1802-1870）與小仲馬（Alexandre Dumas fils, 1824-1895）父子等名家皆前後薈萃於這充滿藝術氣息的迷人城市。聖桑在這樣藝文起飛的環境下誕生。
1835年，聖桑於法國巴黎出生，其父於他出生後數月辭世。聖桑的母親及姨母均為音樂愛好者，在他們的薰陶下，聖桑從嬰孩開始便認識到音樂的奇妙，對周圍所有聲音均甚感與趣。聖桑兩歲時隨他的姨母習琴，且不久便懂得作曲，他的第一份鋼琴作品至今仍保存於法國國家圖書館中。
聖桑的才華並不侷限於音樂上，他對一切事物都感興趣，積極自行研習，而且擁有超凡的記憶力，只要聽過、讀過的，他都能毫無錯漏的放在腦袋裡。他於三歲便懂書寫，七歲時學懂拉丁文，更自行研讀唐·喬望尼的總譜。1842年，聖桑開始跟隨卡米爾·瑪麗·斯坦蒂習琴。
1848年，聖桑進入巴黎音樂學院，並進修管風琴及師隨阿萊維學習作曲。聖桑曾贏得多個獎項，但卻無緣於1852年及1864年贏取知名的羅馬大獎。聖桑的天分及名氣令他與名鋼琴家李斯特結緣，並且成為要好的朋友。聖桑十六歲時完成了他的第一交響曲；他的第二交響樂則以降E大調第一交響樂之名面世，並且於1853年公演，令到不少作曲家及評論家驚訝。音樂家白遼士曾這樣稱許聖桑：「他懂得所有事物，只是缺少經驗而已。」白遼士後來更成為聖桑的好友之一。
1835年的巴黎街景
1835年 巴黎協和廣場一景
1835年 凡多姆廣場一景（蕭邦曾居住於此）
繼莫札特之後的神童
我們常說的神童：「 一歲會走、二歲拿筆、三歲寫文、四歲作詩」（閩南語）如果套用在聖桑身上，簡直是再適合不過了
聖桑是位神童，2歲時在姨媽的啟蒙下開始學習鋼琴，不僅能夠準確的識譜，更對音樂有驚人的理解力；年僅3歲半就創作了個人第一首小曲，這首創作至今仍被保存在法國的國家圖書館中。
幼時的聖桑畫像
1846年 11歲的聖桑
生涯中期
聖桑於巴黎各教堂中以演奏管風琴為生。1857年，他更取代了Lefébure-Wely這位傑出風琴師的地位，於Église de la Madeleine當了二十年風琴師。他每週的即興演奏更震攝了巴黎大眾，1866年，李斯特更稱譽聖桑為世上最偉大的風琴家。
1861年至1865年，聖桑於École Niedermeyer任職鋼琴教授，並把當代的音樂，如李斯特、古諾、舒曼、白遼士、華格納等，納入於學校以巴哈和莫扎特為要的保守課程中。他最成功的門生有梅薩熱及佛瑞。佛瑞是聖桑得意門徒，不久更成為好友。
1870年，聖桑參與了法國防衛軍，並參加了普法戰爭。短短半年的戰爭，令聖桑心中留了下了一道永不磨滅的疤痕。1871年，聖桑與Romain Bussine成立國家音樂社團組織，藉此推廣新的法國音樂。巴黎公社瓦解後，聖桑以社團組織主席身分，公開首演社團成員的作品，包括佛瑞、塞薩爾·法蘭克、拉羅及他本人的作品，令他成為塑造法國音樂將來的重要人物。
擅長管風琴演奏的聖桑，曾於巴黎各教堂中以演奏管風琴為生。1857年，他更取代了 Lefébure-Wely 這位傑出管風琴師的地位，於 Église de la Madeleine 任職二十年，他以每週音樂即興演奏吸引了無數巴黎大眾，1866年時，李斯特更尊稱聖桑為世界上最偉大的管風琴家。
*以上作曲家資料整理於網路與維基百科
Église de la Madeleine 大教堂外貌
Église de la Madeleine 教堂內部
延伸閱讀
聖桑的歌劇創作
| Genre | Opus | R | Date | French title (original title) | English title | Notes |
|---|---|---|---|---|---|---|
| Opera 01 | — | 289 | 1864–1865 | Le timbre d'argent | The Silver Bell | Drame lyrique in 4 acts; libretto by Jules Barbier and Michel Carré; first performance in 1877 |
| Opera 02 | 30 | 287 | 1872 | La princesse jaune | The Yellow Princess | Opéra comique in 1 act; libretto by Louis Gallet |
| Opera 03 | 47 | 288 | 1877 | Samson et Dalila | Samson and Dalila | Opera in 3 acts; libretto by Ferdinand Lemaire |
| Opera 04 | — | 290 | 1879 | Étienne Marcel | Étienne Marcel | Opera in 4 acts; libretto by Louis Gallet |
| Opera 05 | — | 291 | 1881–1882 | Henry VIII | Henry VIII | Opera in 4 acts; libretto by Léonce Détroyat and Armand Silvestre |
| Opera 06 | — | 292 | 1887 | Proserpine | Proserpine | Drame lyrique in 4 acts; libretto by Louis Gallet after Auguste Vacquerie |
| Opera 07 | — | 293 | 1887–1888 | Ascanio | Ascanio | Opera in 5 acts; libretto by Louis Gallet after the play Benvenuto Cellini by Paul Meurice |
| Opera 08 | — | 294 | 1893 | Phryné | Phryné | Opéra comique in 2 acts; libretto by Lucien Augé de Lassus |
| Opera 09 | — | 1895 | Frédégonde | Frédégonde | Drame lyrique in 5 acts; libretto by Louis Gallet | |
| Opera 10 | — | 295 | 1900–1901 | Les barbares | Tragédie lyrique in 3 acts; libretto by Victorien Sardouand Pierre-Barthélemy Gheusi | |
| Opera 11 | — | 296 | 1902–1903 | Hélène | Hélène | Poème lyrique in 1 act; libretto by the composer |
| Opera 12 | — | 297 | 1905 | L'ancêtre | L'ancêtre | Drame lyrique in 3 acts; libretto by Lucien Augé de Lassus |
| Opera 13 | — | 298 | 1909–1910 | Déjanire | Déjanire | Drame lyrique in 4 acts; libretto by the composer after the play by Louis Gallet; original version: 1892 incidental music for the play by Gallet |
1877年的歌劇《參孫與大利拉》詠嘆調 ⟨我的心門為你開⟩
《參孫與大利拉》（Samson et Dalila）是聖桑創作的13齣歌劇中，被認為是生涯代表作的作品。這部3幕歌劇取材於舊約聖經「士師記」第13章到第16章中，有關藉著上帝所賜極大的力氣，徒手擊殺雄獅並隻身與以色列的外敵非利士人之悲劇英雄人物參孫的故事。（有關參孫詳細的故事，請參見維基百科「參孫」）。
《參孫與大利拉》歌劇的全曲首演要到1877年12月2日，在威瑪的宮廷歌劇院以德語上演。
首演指揮是威瑪宮廷歌劇院總監愛德華.拉桑（Edouard Lassan），而知名作曲家李斯特，亦是歌劇院前任總監，非常看好聖桑的音樂創作，李斯特在這歌劇完成創作前就一直與聖桑保持聯繫，了解作曲進度。
法國首演是在1890年3月3日，地點是魯昂，同年10月31日在巴黎上演，但在巴黎歌劇院上演則要等到1892年11月23日。雖然這不歌劇是以法語劇本作曲寫成，也曾被翻譯成德語首演，但後世演出與錄音皆以法語版為主要版本。
本詠嘆調出現於歌劇第二幕第3景。大利拉色誘參孫。要參孫告知他力量來源的秘密時所演唱的二重唱「你的聲音敲開我的心扉」(Mon coeur s'ouvre à ta voix)。
Mezzo: Elina Garanca. Ópera-Gala en Baden-Baden,2007.
https://youtu.be/LoXqkUZW7do
歌詞翻譯
| Mon coeur s'ouvre à ta voix,
comme s'ouvrent les fleurs Aux baiser de l'aurore！ Mais, ô mon bienaimé, pour mieux sécher mes pleurs, Que ta voix parle encore! Dis-moi qu'à Dalila tu reviens pour jamais, Redis à ma tendresse Les serments d'autrefois, ces serments que j'aimais!Ah! réponds à ma tendresse! Verse-moi, verse-moi l'ivresse! Ainsi qu'on voit des blés les épis onduler Sous la brise légère, Ainsi frémit mon coeur, prêt à se consoler, A ta voix qui m'est chère! La flèche est moins rapide à porter le trépas, Que ne l'est ton amante à voler dans tes bras!Ah! réponds à ma tendresse! Verse-moi, verse-moi l'ivresse! |
你的聲音敲開我的心扉，
像花朵般綻開， 就在黎明的接吻時！ 但是，噢，我愛， 要弄乾我的眼淚， 就得再讓我聽到你的聲音！ 告訴我，告訴大利拉 你會永遠回到我身邊， 再一次對我的柔情說 那昔日的盟誓， 那我喜愛的盟誓！啊！請回應我的柔情！ 讓我陶醉，讓我陶醉吧！ 就像麥穗的葉片 起伏波動在 微風當中， 我的心直在抖擻， 一直準備要得到安慰， 就等你溫柔對我的聲音！ 那會射殺人的飛箭 也不會比 你愛人跳進你懷裡那麼快！ 啊！請回應我的柔情！ 讓我陶醉，讓我陶醉吧！ |
Olga Borodina 與 José Cura 錄音現場
https://youtu.be/hHiySQuS_ws
第三幕第2景。非利士人得美女大利拉之助，終於知曉大力士參孫之秘，抓住機會剪去參孫頭髮而終於抓到他，因而得以征服希伯來人。事後非利士人高興得在神廟中開始舉行酒宴：這時使用的熱鬧芭蕾音樂《酒宴狂歡舞》(Bacchanale)（或譯《酒祭之舞》、《酒神之舞》）。
此曲以小調音階，雙簧管獨奏起始，帶著濃濃的異國風與狂歡感，音樂隨著一段段充滿奔放節奏與小調增二度旋律的發展，似乎描述著酒酣耳熱旋律奔放，最後結束於狂歡興烈之中。非常知名，也經常在音樂會中成為各大交響樂團最愛演奏之曲目。
歌劇版本場景
https://youtu.be/FdpmTuxzs3Q
音樂會版本
Bacchanale - Samson et Dalila - Act III - Gustavo Dudamel
New Year's Eve Concert 2010 | Berliner Philharmoniker conducted by Gustavo Dudamel
https://youtu.be/vd75oBXzpIQ
法國另一重要作曲家佛瑞於 Église de la Madeleine 司琴之演奏姿態：
Église de la Madeleine 歷任管風琴演奏家（取自維基百科）
|
從根本上說，我喜歡的既不是巴赫，也不是貝多芬，也不是華格納，而是藝術～我是一個不拘一格的人。
--- 聖桑
聖桑多才多藝，早年曾涉獵地質學、考古學、植物學及昆蟲學，他亦是一位數學專家。
除了作曲、演奏及撰寫音樂評論外，他還與歐洲知名的科學家進行討論，以及撰寫關於聲學、巫術科學、羅馬劇院裝修及古老樂器的學術文章。
聖桑亦是法國天文學會的成員；他舉辦關於海市蜃樓的講座，又懂得按自己的要求製作望遠鏡，以及按如日食般的天文現象來計劃演奏會。
1870年，聖桑參與了國家防衛軍，並參加了普法戰爭。1871年普法戰爭後，為激勵法國作曲家的創作與發揚法國新音樂精神，而創立國家音樂協會（National Society of Music）。聖桑以組織主席身分，公開首演社團成員的作品，包括佛瑞、法朗克、拉羅及他本人的作品，逐漸地他成為塑造法國音樂將來的重要人物。
聖桑一生中的各項活躍，顯現他是一位思慮完整且充滿創新與復古精神並存的矛盾傑出人物：作為一個古典主義出發的藝術創作者者，他同時也在自己所生活的浪漫主義時代，寫作出帶有浪漫風格的創作，但在作曲手法與風格上，卻不落俗套且深受古典主義影響。而作為當代法國交響樂和室內樂的先驅，他的努力寫作與推廣，更讓他成為了當代權威音樂家。
提攜後輩的不遺餘力，對當代法國音樂發展有著影響卓著的貢獻。
1913年聖桑的告別音樂會，由指揮家皮耶.孟都指揮
在聖桑86年的生命歷程中所創作的作品類型、數量皆眾多，他還是第一位寫作電影音樂的著名作曲家，1908年他為電影《暗殺吉斯大公》配樂。除了兩次羅馬大獎的失利，在作曲和演奏的事業上可謂相當順遂。
聖桑表示自己作曲就像「蘋果樹結果般的自然」，一生共創作了五首交響曲，四首管弦音詩、十三部歌劇、五首鋼琴、兩首大提琴和三首小提琴協奏曲，以及許多的鋼琴、聲樂、室內樂曲等。
聖桑於1886年完成著名的《動物狂歡節》及《第三交響曲》，他並將第三號交響曲題獻給同年1886年逝世的好友作曲家李斯特。
https://youtu.be/k2RPKMJmSp0
同年，聖桑被解除音樂社團的會籍。兩年後他的母親逝世，為免睹物思人，聖桑易名為Sannois及離開法國往加那利群島。接著的數年他遊歷各國，遊遍歐洲、北非、東南亞及南美等地。
聖桑著名與完整作品整理
- 5首交響曲，其中3首為已編號，當中又以第3首因運用了管風琴而成為名作。
- 5首鋼琴協奏曲
- 3首小提琴協奏曲
- 2首大提琴協奏曲
- 13 齣歌劇，包括《參孫與大利拉》（Samson et Dalila）
- 多首交響作品，其中交響詩《骷髏之舞》（Danse Macabre）、《溫法爾之紡車》（Le rouet d'Omphale）、《費頓》（Phaéton）、《年青的海格勒》（La jeunesse d'Hercule ）等都非常著名。
- Carnaval des Animaux 《動物狂歡節》（該作品只是聖桑戲謔其他音樂家之作，在有生之年不願公開。僅有「天鵝」一曲是在他生前願意公開而已）
聖桑：第三號交響曲《管風琴》
首演資訊
樂曲完成於1886年，獻給好友作曲家李斯特。
首演於同年5月19日，英國倫敦 St. James Hall，由聖桑本人擔任指揮家，指揮皇家愛樂樂團（Royal Philharmonic Society）
加入管風琴 恢宏雋永
聖桑本身也是琴藝超群的管風琴家，他人生進入成熟圓融階段創作此曲，更完美呈現管風琴氣勢恢弘、與管弦樂團融合的華麗多彩的音色。尤其第二樂章（1b.）美極了，或許成為聖桑紀念與詮釋好友李斯特一生的墓誌銘，優美與超凡入聖之氛圍，非常值得一聽。
獻給李斯特
第三號交響曲《管風琴》，可說是聖桑最廣為人知的交響作品，也是晚年集身作曲與演奏之大成。本曲獻給作曲家好友李斯特，雖然李斯特於當年（1886年）逝世，但樂曲構思過程兩人皆保持有交流互動。李斯特意知道聖桑將此曲題獻給自己，但因身體因素無法參與出席英國首演；首演於五月完成之後，李斯特於7月逝世，聖桑更在樂譜上註明「紀念李斯特」（A la mémoire de Franz Liszt）
而在創作的過程中，聖桑也深深明白，這樣的樂曲編制（交響曲＋管風琴）將是他一生中唯一的嘗試，自此不會再有類似的作品出現。他曾說過：「我已將我的所有灌注其中，我所完成的一切，將很難再有第二次達到的機會。」
《管風琴》於1886年倫敦首演，由聖桑親自指揮完成。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/third-symphony-of-saint-saens-organ/
楊頌斯指揮巴伐利亞廣播交響樂團
Mariss Jansons 指揮
Iveta Apkalna 管風琴
Camille Saint-Saëns
Symphony No 3 in C minor, Op 78 'Organ'
- 1 Adagio - Allegro moderato - Poco adagio
- 2 Allegro moderato - Presto - Maestoso - Allegro
| 1:00 - 1a. Adagio — 2:13 Allegro moderato
11:24 - 1b. Poco adagio 21:09 - 2a. Allegro Moderato — Presto 28:59 - 2b. Maestoso — Allegro |
https://youtu.be/y60L-N9iY9k
錄音和學術極大地改變了我們對聖桑歌劇的理解。越來越多的錄音計畫，讓大眾更加認識聖桑作品的不同面貌，而不在僅只於大眾所熟悉的幾首作品，這也會是未來學術研究的主要出發點。
最終成就和遺產
在聖桑生命的最後幾十年裡，他的脾氣變得出了名的暴躁，他的民族主義在第一次世界大戰期間變得尖銳，當時他主張從法國劇目中禁止德奧音樂——甚至是莫札特和貝多芬。
回顧法國在普法戰爭（1870 年）中戰敗後，他的思想中即出現了明確的民族主義，並於 1871 年與巴黎音樂學院的歌唱教授羅曼·布辛（Romain Bussine）一起創立了法國國家音樂學院——正如當時的一份成立聲明所述：「幫助法國作曲家創作和普及所有嚴肅作品，無論是否出版」。而音樂學院早期的成員包括 Duparc、Fauré、Franck 和 Massenet等人。
如果當時沒有成立法國國家音樂學院，許多我們現在熟知的19世紀晚期法國最重要的管弦樂和室內樂作品，您可能永遠不會聽到——或者，事實上，不會被寫出來。
聖桑有時被描述為反華格納主義者，儘管他的態度有時模棱兩可：「我非常欽佩華格納的作品，儘管它們有著奇異的一面...」，他寫道「他們優越而強大；這對我來說已經足夠了。但我過去不是，現在不是，未來也永遠不會是華格納宗教的信徒。」
聖桑到了晚年，其實仍致力創作，近年他有更多的作品一一被發掘並預備出版。像是改編自索福克勒斯的《特拉奇斯的女人》，是為了法國南部貝濟耶的羅馬圓形劇場演出而寫，這部歌劇編制龐大，除了演員之外，還有200人合唱團與兩組管弦樂團等等。
1904年，他進入錄音室錄製第二鋼琴協奏曲的開場曲片段，留下錄音資料更是難得。
下方為筆者找到，1908 年聖桑首度為無聲電影配樂之電影《暗殺吉斯公爵 》（L'assassinat du duc de Guise）影片，與大家分享：
筆者在Youtube欣喜地找到電影啦～😘與大家分享
https://youtu.be/bh0tonXPEKQ
和德布西相似，他在去世時正在創作一系列回歸古典音樂傳統的器樂奏鳴曲，這些奏鳴曲同樣仍未能全部完成，但我們仍能在這一系列作品中再次感受到他回歸古典音樂傳統與本質的精神。
聖桑的晚期器樂奏鳴曲與室內樂作品列表（取自維基百科）
| Chamber music | 123 | 135 | 1905 | Sonate pour violoncelle nº 2 en fa majeur | Cello Sonata No. 2 in F major | for cello and piano | |
| Chamber music | 124 | 1907 | Fantaisie | Fantaisie | for violin and harp | ||
| Chamber music | 132 | 1910 | La muse et le poète en mi mineur | La muse et le poète in E minor | for violin, cello and piano (or orchestra) | ||
| Chamber music | 136 | 1912 | Tryptique
|
Tryptique | for violin and piano | ||
| Chamber music | 143 | 1915 | Élégie | Élégie [No. 1] | for violin and piano | ||
| Chamber music | 144 | 140 | 1915 | Cavatine en ré bémol majeur | Cavatine in D♭ major | for trombone and piano | |
| Chamber music | — | c.1918 | L'air de la pendule | for violin and piano | |||
| Chamber music | 153 | 1918 | Quatuor à cordes nº 2 en sol majeur | String Quartet No. 2 in G major | for 2 violins, viola and cello | ||
| Chamber music | 158 | 143 | 1919 | Prière | for cello (or violin) and organ | ||
| Chamber music | 160 | 145 | 1920 | Élégie | Élégie [No. 2] | for violin and piano | |
| Chamber music | 166 | 146 | 1921 | Sonate pour hautbois en ré majeur | Oboe Sonata in D major | for oboe and piano | |
| Chamber music | 167 | 147 | 1921 | Sonate pour clarinette en mi bémol majeur | Clarinet Sonata in E♭ major | for clarinet and piano | |
| Chamber music | 168 | 148 | 1921 | Sonate pour basson en sol majeur | Bassoon Sonata in G major | for bassoon and piano |
1915 年在海上旅行中的聖桑
聖桑仍繼續他音樂、科學、歷史方面的著作，並經常到處遊歷。他晚年居於阿爾及利亞的阿爾及爾。
聖桑多才多藝且貢獻良多，法國政府後來以榮譽軍團勳章來表彰聖桑的成就。1921年12月16日，聖桑於阿爾及爾因肺炎病逝，遺體被運返法國，於馬德萊娜教堂舉行了隆重的國葬，後葬於今巴黎的蒙帕納斯公墓。
來個聖桑的Spotify推薦歌單吧❤️
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【BON音樂】大人音樂電影欣賞系列（四）一代女高音卡拉絲最新紀錄片《為愛而聲》賞析
【BON音樂】大人音樂電影欣賞系列（四）一代女高音卡拉絲最新紀錄片《為愛而聲》賞析
The Movie "Maria Callas"
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- 第4堂：一代女高音卡拉絲最新紀錄片《為愛而聲》賞析
史上最偉大的歌劇女皇瑪麗亞‧卡拉絲(Maria Callas)已經過世超過40年，但在樂迷心目中，女神的地位卻是恆久不變的。她最為人津津樂道的除了充滿戲劇性的歌聲之外，還有她的成長故事與愛情故事。這部紀錄片《卡拉絲：為愛而聲》不只紀念這位傳奇女高音逝世40週年，更透過大量的生前書信手稿以及未曝光的影像等珍貴資料進一步貼近真實，塑造出更為飽滿且有溫度的人物樣貌。
這堂課林仁斌老師將帶領學員藉由這部紀錄片，以不同的角度一窺卡拉絲波瀾壯闊的傳奇一生。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
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卡拉絲：為愛而聲
「我用我所詮釋的樂曲，寫了自己的回憶錄，那是我唯一了解的語言。」
──瑪麗亞卡拉絲（Maria Callas）
https://youtu.be/zXgcagkJcoQ
為藝術犧牲愛情，為愛情犧牲事業
瑪麗亞卡拉絲逝世40週年紀念電影，全片以卡拉絲親筆寫下的書信，一窺這位一代名伶的傳奇人生。
（部分資料整理自網路與維基百科）
《卡拉絲：為愛而聲》特別請來凱薩獎影后芬妮亞當擔任旁白與讀信人，因為曾在舞台劇《Master Class》與電影《永遠的卡拉絲》（Callas Forever）中完美詮釋了卡拉絲，讓她對卡拉絲的生平與情感有深刻的瞭解及體會。電影不但收錄許多從未曝光的珍貴影像，更因為法國影后芬妮亞當（Fanny Ardant）的旁白，獻聲演繹卡拉絲的私密信件，讓觀眾得以透過卡拉絲親筆寫下的字句，深入瞭解一代名伶的美麗與哀愁。
芬妮亞當在片中用充滿感情的聲線，演繹卡拉絲從未曝光過的私密信件。其中包括卡拉絲寫給丈夫的情書，信裡她活脫脫就是一個沉浸在愛情中的小女人，一切以丈夫為尊；反觀她寫給歌唱老師的信，則搖身一變，成為野心勃勃的歌唱家，不顧一切地爭取事業上的成功。
一生為歌劇藝術而活
卡拉絲生前重要的演出搭檔──男高音史帝法諾說：「她的一生似乎就是為了歌劇藝術而活，但最後卻又為了愛情而犧牲自己的事業、甚至是生命。她對藝術與愛情投入毫無保留的愛，歌聲就是她的傳記。」
二次世界大戰後，擁有無與倫比才華的卡拉絲成為世界知名的歌劇名伶，儼然站在古典樂界的頂峰，然而她內心渴望的卻是擁有真正的愛情和幸福的家庭。她的第一段婚姻因為婚外情以離婚收場，而她的情人正是世界知名的花花公子「希臘船王」歐納西斯，兩人苦戀9年，然而最後歐納西斯卻拋棄了卡拉絲，而娶了美國總統約翰甘迺迪的遺孀賈桂琳。
卡拉絲這段戀情受到舉世的注目，也注定了她悲劇性的結局。
片中許多卡拉絲親筆寫下的私密書信、珍貴的影像專訪，和大量從未曝光過的家庭影像、以及經過彩色修復的珍貴影像資料。
推薦閱讀
藍祖蔚專欄 《卡拉絲：為愛而聲》：聲音的二重奏
卡拉絲生平
瑪麗亞·卡拉絲（英文：Maria Callas；希臘文：Μαρία Άννα Σοφία Καικιλία Καλογεροπούλου，1923年12月2日－1977年9月16日），美國籍希臘女高音歌唱家。卡拉絲是義大利「美聲歌劇」（bel canto）復興的代表人物。她兼備高超的演唱技巧和超凡的舞台表演能力，被認為是歷史上最有影響力的女高音之一。卡拉絲能夠勝任各種風格的歌劇，出演的歌劇涵蓋從早期古典歌劇直到晚近的威爾第和普契尼的作品。
→卡拉絲生平（取自維基百科）
1923年出生於美國的卡拉絲在1937年和母親回到祖國希臘，母親看出她的音樂才華，安排她7歲學鋼琴，並在返回希臘後讓她進入雅典的音樂學院。從小卡拉絲就在母親的嚴格督促下，學習音樂、不斷練唱，沒有歡樂的童年。卡拉絲曾表示，姊姊從小苗條美麗加上性情和善，但她卻是個醜小鴨，又胖又笨拙、人緣不佳，母親也總是偏袒姊姊。
除了抱怨被母親剝奪童年，在二次大戰期間母親強迫卡拉絲與不同男性、尤其是德國和義大利軍人外出，藉此換取金錢和食物養家，更讓卡拉絲日後難以原諒母親。後來卡拉絲逐漸在樂壇嶄露頭角，並在1949年嫁給大她30歲的企業家喬瓦尼梅內吉尼，母女關係愈趨惡劣，兩人從1950年後再沒有見面。母女翻臉的事情於1956年登上《時代雜誌》封面，鬧得人盡皆知，母親也在1960年出版《我的女兒：瑪麗亞卡拉絲》（My Daughter–Maria Callas）讓母女醜聞再掀話題。
卡拉絲童年是醜小鴨，長大後卻蛻變成天鵝。原本體型豐滿的她，後來不只歌聲動人，還是時尚指標。1953年到1954年初，她為了演出歌劇《美狄亞》，減重達80磅（約36公斤），一雙明眸與纖瘦身材成為歌劇舞台上最亮眼的女明星。
在感情生活中，卡拉絲雖然嫁給事業有成的企業家喬瓦尼梅內吉尼（Giovanni Meneghini），兩人在1949年結婚。婚後梅內吉尼成為卡拉絲的經紀人，直到1959年兩人分居為止。梅內吉尼的支持照顧使得卡拉絲在義大利能夠立足和發展。在他後來的回憶錄中，他提到卡拉絲的幸福是他的唯一所求。但卡拉絲在婚姻關係中，也表達過對方接手經營她的歌唱事業，讓卡拉絲覺得自己只是對方手上的生財工具。
1957年卡拉絲初識大她17歲的希臘船王歐納西斯，2年後歐納西斯又邀請卡拉絲夫婦與邱吉爾等一票名流好友搭乘遊艇出遊，2人雖各自有婚姻卻因這次的「愛之船」譜出戀曲。礙於身分，戀情就算傳開，仍難以公開承認，但卡拉絲卻在受訪時坦承和歐納西斯是非常投緣的好朋友。
卡拉絲與歐納西斯的戀情維持約9年，卡拉絲還曾經為了與歐納西斯結婚，宣布放棄美國國籍。但1968年，歐納西斯忽然迎娶美國前總統甘迺迪遺孀賈桂琳，卡拉絲隱忍9年卻一無所有，甚至還是從報紙上得知歐納西斯的婚訊，痛苦之深難以平復。
1977年9月16日卡拉絲因心臟病過世，得年53歲。艱難的歲月、情愛的磨難和對音樂獨到的詮釋，讓卡拉絲儼然是「愛情代言人」，無論演唱「聖潔的女神」、「卡門」或「我親愛的爸爸」等名曲，都彷彿發自深處的由衷慨歎，熨貼每個世代、無數受傷的心。
卡拉絲與希臘船王亞里斯多德·歐納西斯保持了多年的親密關係。這一直吸引了媒體和社會相當的關注。卡拉絲在1957年一次演出後的聚會上與歐納西斯相識。1959年11月，她離開丈夫梅內吉尼，與歐納西斯同居。曾有報導稱，卡拉絲在1960年曾為歐納西斯生育過一個男孩，不過產後數小時內就夭折了。兩人的關係在九年後終結。歐納西斯離開卡拉絲，轉而追求美國前總統約翰·甘迺迪的遺孀賈桂琳·甘迺迪。
卡拉絲此後一直獨自居住在巴黎，直到去世。1977年9月16日，卡拉絲在她的住所死於由於用藥過量引起的心臟衰竭，時年53歲。葬禮在1977年9月20日在巴黎十六區的希臘正教會聖司提反主教座堂舉行。死後按照遺願，她的骨灰被撒入愛琴海。
補充資料
卡拉絲生平網站
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【BON音樂】大人的音樂欣賞協奏曲系列：孤獨而絕美的詩篇─蕭邦第一號鋼琴協奏曲
【BON音樂】大人的音樂欣賞協奏曲系列：孤獨而絕美的詩篇─蕭邦第一號鋼琴協奏曲
All about Chopin's Concerto No.1
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第3堂：孤獨而絕美的詩篇─蕭邦第一號鋼琴協奏曲
蕭邦e小調第一號鋼琴協奏曲雖名為「第一號」，但實際上寫作時間是在第二號之後，係因出版順序不同。於 1830年 6月所寫的信件中，蕭邦曾提到對第二樂章之感受：「…這首E大調的慢板樂章具有浪漫、寧靜、有點憂鬱的情緒在其中，好像正在凝視著某一處般，咀嚼許多幸福的回憶；有點像在春天的夜色中，沐浴在月光下的冥想與沉思……這正是弦樂加上弱音器的最好時機。 」有時候，解說這樣浪漫的絕對音樂，您只需要一顆充滿愛的心，就能更貼近感受這位鋼琴詩人想要表達的深刻。
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「鋼琴詩人」蕭邦（Frédéric François Chopin, 1810年3月1日－1849年10月17日）畢生的創作以鋼琴曲為主。
雖然他不少作品技巧艱深，但是蕭邦的音樂從不以炫技為最終目的，樂曲中特有的詩意和細膩的情感，為他博得「鋼琴詩人」雅稱，也是最為後世喜愛的作曲家之一。
蕭邦簡介（整理自網路與維基百科）
1810年蕭邦出生於距離波蘭首都 華沙（Warszawa）大約 57公里之近郊小鎮 薩拉佐瓦沃拉 (Zelazowa Wala)，現在有 Google Map真是方便，點按下方圖片更可直接進入地圖喔↓～
出生於波蘭，活躍於法國的蕭邦，毫無疑問是歷史上最具影響力和最受歡迎的鋼琴家與作曲家，也是歐洲19世紀浪漫主義音樂的代表人物之一，更是波蘭音樂史上最重要的音樂家，在筆者的心中，更是唯一～沒有之一。
關於出生日期
蕭邦父親 尼古拉.蕭邦（Nicolas Chopin）是法國人，母親是波蘭人。他的真實出生日期目前仍有爭議，其拉丁文出生文獻（出生證明和教堂受洗紀錄）上記載為 1810年 2月 22日，但其父母與家人均以3月1日作為蕭邦生日。目前音樂史學界的考證，傾向3月1日為其正確出生日期，而2月22日為當的父親在報戶口時，誤算了出生週數所致（比實際出生日期提早整整一星期）。（此資料引用於維基百科「蕭邦」）
19歲的蕭邦畫像（Ambroży Mieroszewski 1829年繪製），也是他大約創作第一號鋼琴協奏曲之年紀（1830年，20歲）。
第一號鋼琴協奏曲
背景
「音樂神童」莫札特死後之第19年，蕭邦出生於波蘭。
蕭邦出生的年代，波蘭已被俄羅斯帝國、普魯士與哈布斯堡帝國瓜分，不復為統一主權國家（參見瓜分波蘭）。
蕭邦的母親是波蘭人，父親尼古拉·蕭邦（1771年—1844年）是波蘭籍法國人，原本居住在洛林的一座從父輩繼承下來的葡萄園，1787年移居波蘭並加入波蘭籍，參加過 1792年的俄波戰爭和 1794年的科希丘什科起義。蕭邦的父親也得到了在中學教授法語的工作。一家人於 1810年搬到華沙。
蕭邦在波蘭被視為神童，1816年 6歲的時候開始學習鋼琴，相繼由他的姐姐和母親教授鋼琴演奏技巧。蕭邦 7歲便能作曲，與莫札特相同，從小就展現出驚人的音樂天賦：他的第一首作品 B大調和 g小調波蘭舞曲創作於 1817年（7歲），在華沙他被獲譽為「莫札特的繼承人」、「莫札特第二」。
1818年，8歲的蕭邦在一次慈善音樂會上演奏了阿達爾伯特·吉羅維茨的作品，這是蕭邦的第一次登台演奏，從此躋身波蘭貴族的沙龍。
四個創作階段 一般常依蕭邦的生命歷程，將他的創作分為四個時期： 第一時期：少年時期至離開波蘭（1810-1830） 第二時期：維也納時期（1830-1831） 第三時期：巴黎生活時期（1831-1839） 第四時期：人生後期（1839-1849）
蕭邦共創作了兩首鋼琴協奏曲，第一號 e小調與第二號 f小調。
有趣的是，這兩首作品之完成時間正好與編號相反，原因其實是出版時間之緣故：
| 曲名 | 寫作完成年份 | 出版年份 |
| 第一號鋼琴協奏曲 | 1830 | 1833 |
| 第二號鋼琴協奏曲 | 1829 | 1836 |
由上表可見：第一號完成時間為 1830年，出版年份為 1833年，第二號完成時間為 1829年，出版年份為 1836年。雖然第二號之創作時間較第一號早，但因出版年份關係而有了新順序。多年來學界雖已考據清楚，但尊重此一既定結果，不要重新更改順序。（音樂史上亦有許多作曲家有創作與出版年份之順序之問題，例如：貝多芬、孟德爾頌等等）
筆者將蕭邦所有與管弦樂團協奏作品，依作品編號列出： 蕭邦：莫札特歌劇《唐‧喬望尼》「讓我們手牽著手」主題變奏 op.2 蕭邦：e小調第一號鋼琴協奏曲 op.11 蕭邦：波蘭民謠大幻想曲 op.13 蕭邦：克拉科維亞克舞曲 op.14 蕭邦：f小調第二號鋼琴協奏曲 op.21 蕭邦：流暢的行板與華麗大波蘭舞曲 op.22
而今天介紹的 e小調第一號鋼琴協奏曲雖名為「第一號」，但實際上是蕭邦寫過的鋼琴與管弦樂團作品中最晚創作的一首。
此曲題獻給當時他所崇拜的當代法國鋼琴家卡克布蘭納（Frèdèric Kalkbrenner, 1785- 1849），首演由蕭邦之老師 - 華沙音樂學院院長 艾爾斯納指揮，蕭邦自己擔任鋼琴主奏部份。
寫作第一號鋼琴協奏曲時蕭邦才 19-20歲，剛從華沙音樂院畢業，因此這首協奏曲在各方面，都有著古典時期協奏曲的傳統特色有許多相似之處。 由於此曲的技巧艱困而華麗，多年來始終被譽為蕭邦最為光輝燦爛的大型音樂創作之一。
第一號鋼琴協奏曲 特色解說
| 三樂章曲式分別為：I. 奏鳴曲快板曲式（Concerto - Sonata form）、II. 二段體型式（Binary form）與 III. 輪旋曲式（Rondo)， 依循古典時期相同之 快-慢-快 三樂章架構 |
| 三樂章 拍號為 3/4、4/4、2/4，為傳統節奏設定型態，未多做出更多變化。 |
| 協奏曲之管弦樂團編制採古典時期常用之兩管編制：除獨奏鋼琴外，長笛、雙簧管、單簧管，低音管等木管樂器各兩部。四部法國號、兩部小號、一部低音號、定音鼓、弦樂五部。 |
| 三樂章調性為 e小調、E大調、E大調。 樂章之間採取「平行大小調」設定，屬於傳統用法。 |
當年蕭邦於波蘭華沙市政廳首演此曲時（1830 年 10 月 11 日），也是他告別祖國的最後演出～離開波蘭之後，蕭邦就不曾再寫作大型與管弦樂團之協奏作品，因此第一號鋼琴協奏曲是蕭邦離開波蘭前的最後大型作品。
結束第一號鋼琴協奏曲首演音樂會後，蕭邦便整理行囊，離開故鄉波蘭，出發前往維也納。
蕭邦於 1830年底離開波蘭，在抵達巴黎之前，於維也納住了幾個月（1830年11月～1831年9月）。但當時社會背景波蘭正面臨與俄羅斯戰爭之緊張態勢，而奧地利政治採親俄立場而敵視波蘭與波蘭人，故蕭邦在短期居住之後，決定前往巴黎發展。
另，蕭邦著名的《流暢的行板與華麗大波蘭舞曲》op.22，則創作於維也納，時間約為 1831年 7月間完成，也是他人生中最後一首為鋼琴與管弦樂團創作之大型音樂作品。
在 1831年 9月，蕭邦終於來到了巴黎。
19世紀的巴黎，在法國大革命後的開明思潮影響下，吸引許多的文學家、畫家及音樂家都在此聚集，藝術領域一片欣欣向榮，人文薈萃。蕭邦也於巴黎認識許多音樂家與文學家、藝術家等等：例如白遼士（Hector Berlioz, 1803-1869）、 李斯特（Franz Liszt, 1811-1886）、孟德爾頌（Felix Mendelssohn Bartholdy, 1809-1847）、 塔爾貝格（Sigismond Thalberg, 1812-1871）、費迪南•希勒（Ferdinand Hiller, 1811-1885）， 文學家繆塞（Alfred de Musset, 1810-1857）、巴爾扎克（Honoré de Balzac, 1799-1850）、 海涅（Christian Johann Heinrich Heine, 1797-1856）、喬治•桑（George Sand, 1804-1876） 和畫家德拉克洛瓦（Eugène Delacroix, 1798-1863）等等，豐富了他的人生與音樂生命。
父親也同為法國人的蕭邦，很快就適應巴黎的生活。 他曾於友人的信件中說到：「巴黎是世界上最美麗的城市，這裡讓我覺得心曠神怡，這裡有全世界最好的音樂家和一流的歌劇院。」
延伸閱讀
鋼琴詩人蕭邦 - 生平詳細介紹
https://bonart.com.tw/all-master-class-about-frederic-chopin-1/
第一樂章
簡說
本協奏曲第一樂章為「奏鳴曲快板曲式」（Sonata form）設定，也就是具備「呈示部」、「發展部」與「再現部」。
其中「呈示部」於前奏部分，蕭邦沿用了古典時期常使用的「雙重的呈示部」（Double exposition）。
所謂「雙重呈示部」，即管弦樂團完整演奏「第一主題」與「第二主題」。將兩段主題完整演奏後，鋼琴獨奏者進來再將兩個主題完整演奏後，才完成整個呈示部。
「第一主題」譜例：
e小調，果決而精神抖擻地第一主題設定，雄偉地開啟協奏曲。
「第二主題」譜例：
轉為E大調，如歌似的，也更增添旋律與歌唱性。
樂曲架構
| 段落 | 主題區與過門 | 調性 | 小節數 |
| 呈示部 | 主題 1-1+1-2 | E | 1-60 |
| 主題 2 | E | 61-138 | |
| 主題 1-1+1-2 | E | 139-178 | |
| 過門 1 | E | 179-221 | |
| 主題 2 | E | 222-282 | |
| 過門 2 | E | 283-332 | |
|
發展部 |
主題 1-1 片段 | e-C | 333-384 |
| 主題 1-2 | C-a(V)-e | 385-485 | |
| 再現部 | 主題 1-1 | E | 486-509 |
| 主題 1-2 | E | 510-533 | |
| 過門 3 （相當於過門 1） |
e-G | 534-572 | |
| 主題 2 | G-e | 573-620 | |
| 尾奏 | 前半 | E | 621-670 |
| 後半 | E | 671-689 |
第一樂章 譜例音樂欣賞：
https://www.youtube.com/watch?v=QTKNrWxkUSE
https://www.youtube.com/watch?v=JJJInfdeKgg
第二樂章
簡說
第二樂章標題為「浪漫曲」（Romance），形式為「二段體型式」（Binary form），也是 19世紀浪漫主義音樂時期 (Romanticism period) 鋼琴獨奏曲大多採用或作為擴充之曲式。
在蕭邦於 1830年 6月所寫的信件中，曾提到他對第二樂章之感受：「...這首 E大調的慢板樂章具有浪漫、寧靜、有點憂鬱的情緒在其中，好像正在凝視著某一處般，咀嚼許多幸福的回憶；有點像在春天的夜色中，沐浴在月光下的冥想與沉思......這正是弦樂加上弱音器的最好時機。 」
而樂團前奏結束後，獨奏鋼琴之寫作方式，蕭邦就以類似「夜曲」的主旋律＋分解和弦，創作出他心中「在春天的夜色中，沐浴在月光下的冥想與沉思」的鮮明感受。
第二樂章 鋼琴第一樂句譜例：
樂曲架構
| 主題/段落 | 調性/和聲 | 小節數 | |
| 第 一 段 落
A |
管弦樂導奏 | E | 1- 12 |
| 樂句 a | I | 13- 22 | |
| 樂句 b1 | V | 23- 30 | |
| 樂句 b2 | V | 31- 45 | |
| 小尾奏 | ----- | 46- 53 | |
| 第 二 段 落
B |
樂句 a’ | E( I ) | 54- 63 |
| 樂句 c | c#( i ) | 64- 71 | |
| 樂句 b1’ | c#( v ) | 72- 79 | |
| 樂句 b2’ | C#( V ) | 80- 94 | |
| 小尾奏 | ---- | 95- 100 | |
| 第 三 段 落
A' |
裝飾奏 | ---- | 101- 104 |
| 樂句 a’’ | E( I ) | 105- 113 | |
| 尾奏 | I | 114- 126 | |
第二樂章 譜例音樂欣賞：
https://www.youtube.com/watch?v=FIackkOX2BU
第三樂章
簡說
第三樂章的標題為「輪旋曲」(Rondo)。我們由下方架構表最左段落分析中可以見到，蕭邦的安排是「A- B- A’- B’- 尾奏」，並非傳統「輪旋曲」之「A- B- A- C- A- 尾奏 」寫作方式。
第三樂章 樂團序奏與鋼琴主題 A 譜例：
第三樂章 鋼琴主題 B 譜例：
第三樂章 尾奏譜例：
樂曲架構
| 段落 | 主題區 | 調性與和聲 | 小節數 |
| 管弦樂團序奏 | V/ vi--- V--- I | 1- 17 | |
| 段落 A | 主題 1 （樂句 a- a- b - a’- 插句- a’’） |
E major(I) | 17- 100 |
| 管弦樂團間奏 | 100- 120 | ||
| 過門 1 | vi---V/IV | 121- 168 | |
| 段落 B | 主題 2 | A major ( IV ) | 169- 212 |
| 過門 2 | IV---V---b I | 212- 280 | |
| 段落 A’ | 主題 1 （樂句 a’- 插句- a’’） |
E major ( I ) | 280- 328 |
| 管弦樂團間奏 | 329- 340 | ||
| 過門 3 | vi---V/V | 340- 412 | |
| 段落 B’ | 主題 2 | V | 412- 455 |
| 尾奏 | I | 456- 520 |
第三樂章 譜例音樂欣賞：
https://youtu.be/Eb2Fc3mCgd0
版本欣賞
蕭邦第一號是每一位鋼琴家幾乎必彈的曲目，因此版本實在太多，僅於此文最後挑選一些筆者喜愛之版本與大家一同分享
全曲樂譜版本欣賞
Piano: 齊瑪曼 Krystian Zimerman
Orchestra: Polish Festival Orchestra
00:00 1. Allegro maestoso (E minor)
23:31 2. Romanze: Larghetto (E major)
36:04 3. Rondo: Vivace (E major)
https://youtu.be/R3azyotbXgg
阿格麗希 2010年 Live' 現場版 Jacek Kaspszyk, conductor Martha Argerich, piano Sinfonia Varsovia Orchestra Chopin - Piano Concerto No. 1 in E minor, Op. 11 00:43 - Allegro Maestoso 21:08 - Romanze 30:57 Rondo 40:46 Chopin: Mazurka in C major, Op. 24 No. 2 43:40 - Schumann: Traumes Wirren, Op. 12
https://www.youtube.com/watch?v=gV_x_QY1P5c
齊瑪曼獨奏/指揮 DG版
Piano&Conductor: Krystian Zimerman
Orchestra：Polish Festival Orchestra
https://www.youtube.com/watch?v=S1Iv2JJc-Qc
2015年 蕭邦鋼琴大賽首獎 趙成珍 大賽現場 Live'
17TH INTERNATIONAL FRYDERYK CHOPIN PIANO COMPETITION
18 October 2015,
Warsaw Philharmonic Concert Hall Final Stage
Seong-Jin Cho – piano
Jacek Kaspszyk – conductor Warsaw Philharmonic Orchestra
https://www.youtube.com/watch?v=614oSsDS734
Olga Scheps 歐爾佳.席普斯 2014年 Live'
live at Tonhalle Dusseldorf with the Chamber Orchestra of Polish Radio,
conductor Agnieszka Duczmal.
Jan. 22, 2014
00:00 1. Maestoso
22:02 2. Romance
33:38 3. Rondo
https://www.youtube.com/watch?v=2bFo65szAP0&t=1862s
紀新 2011 與以色列愛樂 Live' 版
Israel Philharmonic Orchestra 75th Anniversary
Evgeny Kissin - piano
Israel Philharmonic Orchestra Zubin Mehta - conductor
Frédéric Chopin - Piano Concerto No. 1, Op 11
0:07 I. Allegro maestoso
20:52 II. Romance – Larghetto
30:36 III. Rondo – Vivace
https://www.youtube.com/watch?v=ZR9HayZcZ2o
2005年蕭邦國際鋼琴大賽首獎 - 拉法爾·布雷哈馳（Rafal Blechacz, b.1985 ），波蘭籍古典鋼琴家。
拉法爾·布雷哈馳是歷屆唯一同時囊括所有特別獎獎項全壘打最佳演奏獎的鋼琴家（包括「波蘭舞曲」、「協奏曲」、「馬祖卡舞曲」以及「奏鳴曲」），是繼 1975年齊瑪曼榮獲首獎 30年之後，再次獲得此大賽首獎之波蘭鋼琴家。
第一樂章：
https://www.youtube.com/watch?v=7cHarrxMXiw
第二樂章：
https://www.youtube.com/watch?v=qAz7rMIOfyI
第三樂章：
https://www.youtube.com/watch?v=opoVkvHyA7o
2021年蕭邦鋼琴大賽補充資料
本屆評審全家福合照
得獎者總名單
開打半個多月的波蘭蕭邦鋼琴大賽，已正式公告最終結果
-
首獎：劉曉禹 Bruce (Xiaoyu) Liu, Canada
-
二獎：兩位並列
Alexander Gadjiev (Italy/Slovenia)
反田恭平 Kyohei Sorita (Japan) -
三獎：Martin Garcia Garcia, Spain
-
四獎：兩位並列
小林愛実 Aimi Kobayashi, Japan
Jakub Kuszlik, Poland -
五獎：Leonora Armellini, Italy
-
六獎：白君立 J J Jun Li Bui, Canada
-
最佳馬祖卡舞曲獎：Jakub Kuszlik
-
最佳協奏曲獎：Mr Martin Garcia Garcia
-
最佳奏鳴曲獎：Alexander Gadjiev
宣佈得獎時的影片記錄
https://youtu.be/7w5q0XtXG7k
六獎：白君立 J J Jun Li Bui, Canada
https://youtu.be/GCnLuJd8l1c
五獎：Leonora Armellini, Italy
https://youtu.be/RLZ7zYh9oQg
四獎：兩位並列
小林愛実 Aimi Kobayashi, Japan
https://youtu.be/XcXEL-D-M5Q
Jakub Kuszlik, Poland
https://youtu.be/l-TdSuc0mUc
三獎：Martin Garcia Garcia, Spain
https://youtu.be/KAo0AVuXTbU
二獎：兩位並列
Alexander Gadjiev (Italy/Slovenia)
https://youtu.be/UEfKWSVewWQ
反田恭平 Kyohei Sorita (Japan)
https://youtu.be/3bMF5wS7Mr4
首獎：劉曉禹 Bruce (Xiaoyu) Liu, Canada
https://youtu.be/UcOjKXIR8Iw
結果發表 照片花絮
延伸閱讀
蕭邦國際鋼琴大賽 華裔鋼琴家劉曉禹獲首獎
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【BON音樂】大人音樂電影欣賞系列（三）熱血不回頭的青春血淚─聊音樂電影《進擊的鼓手》
【BON音樂】大人音樂電影欣賞系列（三）熱血不回頭的青春血淚─聊音樂電影《進擊的鼓手》
The Movie "Whiplash"
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- 第3堂：熱血不回頭的青春血淚─聊音樂電影《進擊的鼓手》
立志成為頂尖爵士鼓手的安德魯進入音樂學院的第一天，就遇上魔鬼教師費查。費查被安德魯狂熱擊鼓的模樣攫住眼球，邀請他進入競爭激烈的薛佛學院爵士樂團。安德魯在進入樂團後才發現費查不近人情的一面，手段激烈，無所不用其極，而安德魯也不計代價瘋狂練習，甚至打鼓打到磨破手指，血染鼓面...
這部電影把師徒間的張力描繪的淋漓盡致，加上原本就令人熱血沸騰的爵士鼓，整部電影帶著強勁的節奏與力度，充滿了青春的溫度。老師將帶領學員賞析電影中的經典橋段與巧妙的編曲用心。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
2021年最新課程資訊
| ※課程諮詢請於週一至週五09:30~17:30，電話報名請洽客服專線02-2662-0332，課程相關諮詢請洽02-25078627分機885 (巫小姐) |
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大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-協奏曲(12/28週二下午班，共5堂)：橫跨200年經典弦樂協奏曲
週四班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-音樂電影(12/23週四下午班，共5堂)：五大音樂電影，聽懂經典配樂
電影《進擊的鼓手》
《進擊的鼓手》（英語：Whiplash）是一部於2014年上映的美國劇情片，由達米恩·查澤雷自編自導，麥爾斯·泰勒、J·K·西蒙斯與保羅·萊瑟等人主演。該片講述一名胸懷壯志的鼓手安德魯·奈曼（Andrew Neiman，泰勒飾演）在嚴師泰倫斯·佛烈契（Terence Fletcher，西蒙斯飾演）的嚴厲教導下，不斷精進及努力的故事[註 1]。 該片的劇本源自編導查澤雷就學時，參加爵士樂團時的真實經歷，而嚴師佛烈契一角就是以查澤雷的前樂團教師為藍本。為了籌得資金，布倫屋製片公司和Right of Way影業幫助查澤雷將一部份劇本拍成一部18分鐘的短片，2013年在第29屆日舞影展放映後大獲好評，最終吸引Bold Films投資330萬美元，劇本得以登上大螢幕。《進擊的鼓手》耗時19天拍攝。該片的配樂由查澤雷的搭檔賈斯汀·赫維玆負責。 《進擊的鼓手》於2014年1月16日在第30屆日舞影展上首映，並於同年10月10日起在美國有限上映，由索尼經典電影擔任發行商。（電影簡介取自維基百科）
"There are no two words in the English language more harmful than good job."
這個世界上沒有比『good job』這兩個字更具殺傷力的字眼了。
— 進擊的鼓手 (Whiplash)
《進擊的鼓手》這部冷門的獨立電影，在奧斯卡及英國電影學院獎（BAFTA）以超黑馬姿態，摘下3座獎項，分別是最佳混音、最佳剪接、最佳男配，並提名年度最佳電影。電影的音樂節奏很強，類型屬爵士樂團演奏，而音樂一向都是大眾最喜愛的生活要素之一。
電影中充滿張力的練習片段
https://youtu.be/xDAsABdkWSc
【進擊的鼓手】介紹
故事改編自《樂來樂愛你》（La La Land）天才編導達米恩‧查澤雷（Damien Chazelle, b.1985）親身經歷之啟發，片中J. K.西蒙斯飾演的爵士樂指導老師一角就是根據其在校時的樂團指導老師所發展成形，這部獨立精神經典樹立了音樂類型電影的全新里程…電影原聲帶更成為整部電影主題架構的靈魂…
就在《進擊的鼓手》兩年之後，達米恩‧查澤雷更上一層樓，一代經典佳作出現了：《樂來樂愛妳》❤️
達米恩·查澤雷（英語：Damien Chazelle，1985年1月19日－）是一位美國男編劇和電影導演。他導演的第二部作品《進擊的鼓手》獲得廣泛讚譽[1]，並獲得第87屆奧斯卡金像獎最佳影片提名和最佳改編劇本提名，以及第68屆英國電影學院獎最佳導演提名和最佳原創劇本提名。2016年執導的浪漫歌舞片《樂來越愛你》成為第73屆威尼斯影展開幕片[2]，獲得第74屆金球獎最佳音樂喜劇片、最佳導演等7個獎，第69屆美國導演工會獎最佳長片導演獎[3]，獲得第89屆奧斯卡金像獎最佳影片、最佳導演、最佳原創劇本等14項提名[4]，最終贏得最佳導演等6個獎項和第70屆英國電影學院獎最佳影片、最佳導演等5個獎。他也因此以時年32歲成為史上最年輕的奧斯卡最佳導演得主。
飾演老師的J. K.西蒙斯因本片同時榮獲奧斯卡，金球獎，英國電影電視藝術學院電影獎最佳男配角，本片則獲得奧斯卡最佳剪輯，聲音混音獎，且入圍最佳影片與改編劇本…
這部從榮獲2013年日舞影展短片評審團獎的18分鐘短片發展而成的長片，劇情描述沙佛音樂學院爵士樂老師泰倫斯佛萊奇發掘了安德魯尼曼(*「戀夏進行式」麥爾斯泰勒飾演)的打鼓才華，邀請尼曼加入爵士樂團，在上課時，佛萊奇因為尼曼沒掌握到節奏遭到老師辱罵，後來，尼曼為了爭取樂團的首席樂手位置，性格產生變化，某次的音樂比賽前夕，尼曼在開車前往租車公司拿鼓的途中發生車禍，尼曼忍痛衝回音樂廳參加演出，但因無法跟上節奏而遭到佛萊奇勒令停止，尼曼不滿，打傷佛萊奇，因此遭到學校開除，尼曼匿名指證佛萊奇的不當教學，導致佛萊奇被解雇，幾個月後，佛萊奇邀請尼曼為參加音樂節演出的樂團幫忙打鼓，佛萊奇在得知尼曼的指證後，在音樂節演出當天對尼曼進行報復，尼曼也趁勢進行反擊。
此張獲得葛萊美獎最佳視覺媒體音樂原聲帶提名的電影原聲帶輯錄了來自2009年與達米恩‧查澤雷共同擔任爵士音樂片「Guy And Madeline On A Park Bench」歌曲創作的賈斯汀‧赫維玆Justin Hurwitz所創作的原創音樂作品以及製作的爵士大樂團樂曲，還有由擔任電影與電視音樂的編配管弦樂曲，指揮與作曲長達25年，近期以「天外奇蹟」片尾曲編曲獲得葛萊美獎提名的芝加哥音樂大師Tim Simonec所譜寫的充滿活力動能的爵士大樂團樂曲。
導演達米恩‧查澤雷在電影開拍的一年前就與配樂者作曲家好友搭檔賈斯汀‧赫維玆Justin Hurwitz討論到如何在一部已經有著許多爵士樂的電影裡製作原創音樂的細節，儘管，Hurwitz採用了電子樂器製作電影音樂的技術，不過，他還是選用了許多傳統樂器來呼應電影中的角色所帶來的迷人特質，他表示：「我們的電影音樂錄製過程是很單調的，我每次只錄一個音符，這讓我可以用樂手所做不到的方式去堆積與操控音符，做出來的音樂結構會讓人聯想到電子樂器製作的電影音樂，唯一的不同就是每一個音符不是薩克斯風，小號，長號，鋼琴，電顫琴，就是豎立的貝斯，電影音樂裡頭大部分的音符都慢到了約1/3拍，創造出爵士大樂團樂聲的地獄版。」編織整部電影音樂結構的是J. K.西蒙斯所飾演的佛萊奇在爵士樂俱樂部彈奏的曲子"Fletcher's Song In The Club"，這首溫柔中帶著悲傷的曲子幾乎在所有的電影音樂裡頭現身，有時是很清楚地呈現，有時是顯得較為隱藏，有時出現在大調，小調，或是以其他方式出現，Hurwitz與導演都喜歡在旋律上相當精簡的電影音樂，建立在一兩段主題音樂上的電影音樂，在這部片子裡，兩人發現一段多方面適用的旋律就已足夠，於是就以與佛萊奇透過鋼琴表達自我的感覺產生聯結的音樂作為電影的主題旋律。
這段大家都熟悉的孟子曰文字，為《孟子》最著名的篇章之一，其思想基礎是一種崇高獻身、積極勵志的精神，後人常引以為座右銘。本文帶出近至個人，遠至國家都需要在在憂患和困境中奮起，才能有所長進，不然會容易在安樂中走向衰敗。
對於認真努力的人，永遠如同暮鼓晨鐘：
| 告子下: |
孟子曰：「舜發於畎畝之中，傅說舉於版築之閒，膠鬲舉於魚鹽之中，管夷吾舉於士，孫叔敖舉於海，百里奚舉於市。故天將降大任於斯人也，必先苦其心志，勞其筋骨，餓其體膚，空乏其身，行拂亂其所為，所以動心忍性，曾益其所不能。人恆過，然後能改；困於心，衡於慮，而後作；徵於色，發於聲，而後喻。入則無法家拂士，出則無敵國外患者，國恆亡。然後知生於憂患而死於安樂也。」 |
第一首名曲《Whiplash》
電影的主題樂曲"Whiplash"，是編曲家與薩克斯風樂手Hank Levy的作品。他在爵士樂界中以「Time Signature」（*樂譜中的拍號，樂曲中如果改變節奏就必須標出改變拍號）特殊拍號樂曲著稱的爵士樂作曲家。而"Whiplash"也是一首非典型非傳統拍號之樂曲，記譜則為7/4拍，演奏起來的感覺是是14/8拍，（*代表每8分音符為一拍，每一小節有14拍，相當高難度），選用這首樂曲也是因為導演達米恩·查澤雷學生時代在爵士樂團打爵士鼓的歲月裡，經常練習這首樂曲。
電影版"Whiplash"原聲帶
https://youtu.be/-jAtHf9RA4w
原作者Hank Levy的作品精選（注意拍號）
經典的2+2=5（1975）
https://youtu.be/9mwHXky6t14
原始版本的Whiplash
Towson State University Jazz Ensemble - 1979 - 06 - Whiplash (Hank Levy)
https://youtu.be/i-ruYYTvhLc
Whiplash的記譜（7/4拍）
很多人可能沒注意到，在爵士樂團中，鼓手通常都是扮演「幕後功臣」，由於屬於非旋律樂器，在樂團裡也屬於較為沈默、容易被粉絲忽略的角色～但打擊組卻是主宰歌曲節奏的靈魂人物，從來不可或缺。
另一"Whiplash"歷史名盤演出
Don Ellis - Whiplash
https://youtu.be/pCykgzrwIw0
第二首名曲《Caravan》
片中另一重要樂曲《Caravan》，更不容錯過。如果說《Whiplash》是涉世未深的學生時代安德魯，那麼《Caravan》則是歷經磨練後，漸趨成熟的安德魯，也因此電影團隊才將它安插在最後一幕，成為安德魯能與佛萊契最終對決的重要曲目。
原曲：Duke Ellington - Caravan
“Caravan”是一首美國經典爵士樂曲，由胡安·蒂佐爾 （Juan Tizol） 和艾靈頓公爵 (Duke Ellington) 共同創作，並於1936年由艾靈頓公爵首演。歐文·米爾斯 (Irving Mills) 作詞，但很少有人演唱。 “Caravan”的異域音階與音響效果讓無數音樂家們感興趣；Martin Denny、Arthur Lyman 和 Gordon Jenkins 都曾經改編演奏。熱愛爵士音樂的導演伍迪艾倫也曾在他的兩部電影《愛麗絲》（Alice）和《甜蜜》（Sweet and Lowdown）中使用了這首歌。 史蒂文·索德伯格 (Steven Soderbergh) 在他 2001 年的電影《瞞天過海》（Ocean's Eleven）中使用了萊曼之版本。 “Caravan”這首歌也在電影《進擊的鼓手》中作為影片重要的音樂元素。 根據統計，歷史上已灌錄有350多個版本“Caravan”。
Duke Ellington - Caravan（1936）
https://youtu.be/Ml2IruULhg0
真正最初的錄音（1936）
1st RECORDING OF: Caravan - Barney Bigard (1936)
這個版本，比Duke Ellington樂隊還早五個月錄音
Bigard (clarinet)
Ellington (piano)
Cootie Williams (trumpet)
Juan Tizol (trombone)
Harry Carney (baritone sax)
Billy Taylor (bass)
Sonny Greer (drums)
https://youtu.be/fshOi9QaE18
1953 HITS ARCHIVE: Caravan - Ralph Marterie
到了1953年，由Ralph Marterie大樂隊錄製的全新版本“Caravan”，更加暢銷，創下總銷售量破百萬張之超級佳績。
https://youtu.be/azJxT2e_2OE
電影中提到的傳奇鼓手巴迪瑞奇 1962年版本《Caravan》
"Caravan: by Buddy Rich
https://youtu.be/Eq1z0nOPSbs
Whiplash - Caravan - 爵士鼓譜（音樂為電影原聲帶版本）
https://youtu.be/YWhdrZTnk8c
而《進擊的鼓手》電影裡最迷人的一點，就是當我們跟著這兩首雋永的爵士樂名曲鼓點，搭配了戲劇效果非常強大的畫面與快速剪輯節奏，更與劇情相互輝映；讓影片本身的音樂性、娛樂與可看性大大增加，也同時讓觀賞者從電影一開始便同時入戲。
導演家極具創意與沈浸式的設計體驗都令所有人耳目一新，影片奪下第87屆奧斯卡最佳剪輯，實則當之無愧。（在第87屆奧斯卡金像獎頒獎典禮上，該片入圍五項大獎，拿下其中的最佳男配角（西蒙斯）、最佳影片剪輯（克洛斯）和最佳音響效果。）
該片在第30屆日舞影展上拿下劇情片類別的觀眾獎和評審團大獎[72]，接著在坎城影展[73]、多維爾美國電影節[74]、卡加利國際電影節[75]、磨坊谷電影節[76]、瓦拉多利德國際影展[77]、Camerimage電影攝影藝術國際影展[78]和塔林黑夜影展[79]都有所斬獲。時間進入頒獎季後，該片憑藉著西蒙斯的演出橫掃各個影評人協會獎的最佳男配角提名，編導查澤雷、主演泰勒和剪輯師克洛斯也入圍不少獎項。在第87屆奧斯卡金像獎，該片入圍最佳影片、最佳男配角（西蒙斯）、最佳改編劇本（查澤雷）、最佳影片剪輯（克洛斯）和最佳音響效果五項大獎，最後拿下最佳男配角、最佳影片剪輯和最佳音響效果[80]。
電影原聲帶（整理自網路與維基百科）
作曲家賈斯汀·赫爾維茨
賈斯汀·赫爾維茨（Justin Hurwitz，b.1985年）是一名美國作曲家和編劇，最主要的作品是2016年的歌舞片《樂來越愛你》。另外，他也跟達米恩·查澤雷合作了 Guy and Madeline on a Park Bench 和《進擊的鼓手》。賈斯汀·赫爾維茨憑藉《樂來越愛你》贏得了第74屆金球獎最佳原創配樂和最佳原創歌曲獎（星光之城）、英國電影學院獎最佳配樂，以及第89屆奧斯卡金像獎最佳原創配樂、最佳原創歌曲（星光之城）兩個獎。
*上述導演、配樂作曲家與各項資料，皆整理自網路與維基百科
★【樂來樂愛你La La Land】天才名導達米恩‧查澤雷Damien Chazelle首次震動全球之音樂電影驚世經典!! 作曲家好友搭檔賈斯汀‧赫維玆Justin Hurwitz配樂操刀…
★狂掃奧斯卡、金球獎、獨立精神獎影史鉅作，奧斯卡最佳音效、剪輯、男配角等3項大獎得主，J. K.西蒙斯榮獲奧斯卡&金球獎雙料男配角榮耀加身…
★葛萊美獎最佳視覺媒體音樂原聲帶提名，爵士靈魂主題樂曲"Whiplash"，片尾高潮之作艾靈頓公爵經典名曲"Caravan"…原聲帶晉升全美爵士樂專輯榜第3名，停留榜上更長達一年
電影序曲
https://youtu.be/KOqkycOfCPw
《進擊的鼓手》原聲帶超連結（→Spotify）
【完整曲目】 01.Snare Liftoff 02.Overture 03.Too Hip to Retire 04.Whiplash 05.Fletcher’s Song in Club 06.Caravan 07.What’s Your Name 08.Practicing 09.Invited (Includes Dialogue) 10.Call from Dad 11.Accident 12.Hug from Dad 13.Drum & Drone 14.Carnegie 15.Ryan / Breakup 16.Drum Battle 17.Dismissed 18.Good Job 19.Intoit 20.No Two Words 21.When I Wake 22.Casey’s Song 23.Upswingin’ 24.Medley: First Nassau Band Rehearsal / Second Nassau Band Rehearsal / Studio Band Eavesdrop / Studio Band Rehearsal After Breakup
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【BON音樂】大人的音樂欣賞協奏曲系列：音樂史之最抒情名曲─孟德爾頌e小調小提琴協奏曲
【BON音樂】大人的音樂欣賞協奏曲系列：音樂史之最抒情名曲─孟德爾頌e小調小提琴協奏曲
All about Mendelssohn's violin concerto
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第2堂：音樂史之最抒情名曲─孟德爾頌e小調小提琴協奏曲
主旋律一下去，保證您聽過，這～就是孟德爾頌e小調小提琴協奏曲的高知名度。抒情優美的主題讓此曲名列古往今來四大小提琴協奏曲之林，孟德爾頌無論在寫作手法上改由樂團伴奏之下旋即開始小提琴演奏以及二、三樂章連貫的一致性，都讓這首小提琴協奏曲除了優美動聽，更多了許多歷史上小提琴協奏曲演進的價值與意義。你可以從樂理的視角再次認識這首你不陌生的浪漫時期知名協奏曲。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
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德國有四首經典小提琴協奏曲：
最偉大的毫無疑問是貝多芬Ｄ大調小提琴協奏曲，那是王者之巔～
而布拉姆斯的協奏曲則亦步亦趨，緊緊追隨於其後。
而其中音樂最豐富、最迷人的當推是布魯赫；
但，最內斂的，則是孟德爾頌的作品～那是每位音樂家內心裡的一顆寶石💎
--- 姚阿幸
關於孟德爾頌小提琴協奏曲
孟德爾頌從1838年擔任萊比錫布商大廈管弦樂團音樂總監時開始構思這首協奏曲，一直到1844年才完成，前後創作歷時7年。
e小調小提琴協奏曲是孟德爾頌的第64號作品，也是最後一首重要的協奏曲作品，在全球廣為流行，同時也是最常被演奏的小提琴協奏曲之一。這首小提琴協奏與柴可夫斯基D大調小提琴協奏曲、貝多芬D大調小提琴協奏曲和布拉姆斯D大調小提琴協奏曲並稱為「世界四大小提琴協奏曲」。
1835年，孟德爾頌被任命為萊比錫布商大廈管弦樂團的指揮。他指定自己的兒時好友，小提琴手費迪南·大衛為樂團首席。這次合作促成了了本首協奏曲。在1838年7月30日寄給大衛的一封信中，孟德爾頌寫道「我希望在下一個冬天為你寫一首小提琴協奏曲。我的腦海中飄蕩著一段e小調的旋律，它的開頭使我無法平靜...」（整理於網路以及維基百科）
柏林愛樂亞巡期間的日本場彩排，由首席樫本大進擔任獨奏者。樂團趁他彩排時開了一個玩笑：原本曲目是普羅高菲夫小提琴協奏曲，突然間改為孟德爾頌小提琴協奏曲來捉弄樫本大進。沒想到樫本也迅速地感受到樂曲改變，馬上跟著拉出孟德爾頌主旋律～反應真是快速👍🏻。
https://youtu.be/YzplVQQ-WEI
全曲共分為三個樂章：
- 很熱情的快板（Allegro molto appassionato）e小調
- 行板（Andante）C大調
- 不太快的稍快板 – 很活潑的快板（Allegretto non troppo – Allegro molto vivace）E大調
以第一樂章開頭第一主題，鑑別歷史知名小提琴演奏家
https://www.youtube.com/watch?v=UZTtTCR-Smk
樂譜版本欣賞
https://youtu.be/tT1qhGP1qSs
第一樂章 樂譜＋演奏
https://youtu.be/vzbC39utkTw
Attacca - 第一樂章與第二樂章連續演奏
第二樂章 樂譜＋演奏
https://youtu.be/0SXsSx2yLyU
【BON話題】第二樂章考驗小提琴家的圓滑奏～從功力到想法
==MENDELSSOHN CONCERTO==
16:46 Ray Chen
17:29 Noah Bendix-Balgley
18:20 Yehudi Menuhin
19:20 Joshua Bell
19:53 David Oistrakh
21:07 Michael Rabin
https://www.youtube.com/watch?v=TNrm79ydB5E&t=1006s
貝多芬小提琴協奏曲，也非常值得一聽（比較）
==BEETHOVEN VIOLIN CONCERTO==
02:02 Arabella Steinbacher
02:57 Stefan Jackiw
05:11 Anne-Sophie Mutter
07:58 Christina Bouey
08:42 Hilary Hahn
09:58 Itzhak Perlman
Attacca - 第二樂章與第三樂章連續演奏
第三樂章 樂譜＋演奏
https://youtu.be/UMYQxNGw2rY
帕爾曼1958年初登場美國電視節目「蘇利文秀」
當年13歲的帕爾曼，從以色列前赴美國茱莉亞音樂院求學，師從狄蕾，傑出的演奏受到各方推薦，於是登上了「蘇利文秀」，一戰成名～
https://www.youtube.com/watch?v=9HYzHGzpamw
帕爾曼 Live'
Felix Mendelssohn (1809-1847) - Violin Concerto in E minor, Op. 64 (1844)
1. Allegro molto appassionato (00:00)
2. Andante (13:02)
3. Allegretto non troppo -- Allegro molto vivace (21:05)
Itzhak Perlman, violin
*Version 2011 (live) Michael Tilson Thomas, conductor San Francisco Symphony
*Version 1983 (live) David Zinman, conductor New York Philharmonic
https://youtu.be/PC6cPairOTA
凡格洛夫 Live'
https://www.youtube.com/watch?v=DvbndXvcJw0
哈德利希
https://www.youtube.com/watch?v=YTEEV-yEtIM
慕特 Live'
https://www.youtube.com/watch?v=2mMetSXJeJc
尤莉亞.費雪 Live'
https://youtu.be/XHC2w1zSSbA
María Dueñas
https://www.youtube.com/watch?v=IV4O9INEyZI
陳銳趣味品評
https://www.youtube.com/watch?v=52kfiV7m4KM
斯多葛主義（Stoicism）
陳銳 Live'
https://www.youtube.com/watch?v=I03Hs6dwj7E
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【BON音樂】普契尼歌劇 «托斯卡»（Tosca）介紹
【BON音樂】普契尼歌劇 «托斯卡»（Tosca）介紹
Puccini Opera "Tosca"
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞音樂與藝術之美 –
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先來一首《托斯卡》（Tosca）經典曲目，暖場一下：
瑪麗亞.卡拉絲 演唱 «為了藝術為了愛»
María Callas - "Vissi d´arte"
Puccini Tosca Act. II
María Callas at Covent Garden, 1964
https://www.youtube.com/watch?v=NLR3lSrqlww
«為了藝術為了愛» 義/英/中歌詞翻譯：
| Vissi d'arte, vissi d'amore,
non feci mai male ad anima viva! Con man furtiva quante miserie conobbi aiutai. Sempre con fè sincera la mia preghiera ai santi tabernacoli salì. Sempre con fè sincera diedi fiori agli altar. Nell'ora del dolore perché, perché, Signore, perché me ne rimuneri così? Diedi gioielli della Madonna al manto, e diedi il canto agli astri, al ciel, che ne ridean più belli. Nell'ora del dolore, perché, perché, Signore, ah, perché me ne rimuneri così? |
I lived for art, I lived for love, I never did harm to a living soul! With a secret hand I relieved as many misfortunes as I knew of. Ever in true faith My prayer Rose to the holy shrines. Ever in true faith I gave flowers to the altar. In the hour of grief Why, why, Lord, Why do you reward me thus? I gave jewels for the Madonna's mantle, And songs for the stars, in heaven, That shone forth with greater radiance. In the hour of grief Why, why, Lord, Ah, why do you reward me thus? |
我為了藝術而生，為愛而活
我從未傷害過任何生靈！ 我總是暗中 悄悄解救 許多不幸的生命。 我信仰虔誠， 祈禱聲能在聖殿中 上達天聽。 我信仰堅貞， 在教堂祭壇裡獻上鮮花。 可為何在這悲痛的時刻， 上主啊， 為何祢給我這般回報？ 我用珠寶妝點聖母的長袍， 也將我的歌聲 獻給在天空中 閃耀無比的星辰 在這悲痛的時刻， 為何 為何 上主啊， 為何祢給我這般的回報？ |
卡拉絲所演唱的版本，一直是筆者心中永遠的經典。
在這份1964年難得的柯芬園現場錄影中，請大家注意欣賞詠嘆調中的最後一句歌詞（→2:42開始）「ah, perché me ne rimuneri così?」（為何祢給我這般的回報？）。
當卡拉絲演唱到這邊時，大膽地使用胸腔呼吸，歌聲裡充滿悲情與無奈，甚至帶著淚水...她讓歌唱裡的情緒達到頂點，而不在只是侷限在「美聲唱法」的範疇。我認為卡拉絲的詮釋遠遠超越了聲樂技巧，而直達最深層的情感表現，所以她的 Tosca 能才這麼多年長據人心，甚至被譽為「永遠的Tosca」。
創作源起
《托斯卡》（Tosca）是普契尼的第五部歌劇作品，加上之前的「波西米亞人」、以及之後的「蝴蝶夫人」，這三部歌劇無疑是普契尼所有作品中最受到歡迎的。
普契尼歌劇創作年表：
- 1884年：《群妖圍舞》（Le Villi）
- 1889年：《埃德加》（Edgar）
- 1893年：《瑪儂·雷斯考特》（Manon Lescaut）
- 1896年：《波希米亞人》（La bohème）
- 1900年：《托斯卡》（Tosca）
- 1904年：《蝴蝶夫人》（Madama Butterfly）
- 1910年：《西部女郎》（La fanciulla del West）
- 1917年：《燕子》（La rondine）
- 1918年：《三合一歌劇》（Il trittico）
- 1926年：《杜蘭朵公主》（Turandot）
《托斯卡》將故事背景設於法國大革命期間，講述演員托斯卡和情人卡瓦拉多西之間為了愛情犧牲生命的故事。
1890年，當普契尼觀看了法國劇作家薩爾杜為有名的女演員薩拉·貝爾納德所作的悲劇《托斯卡》後深受感動，並立即產生了為之譜曲的願望。
當時普契尼手上仍在進行著另一部歌劇《波希米亞人》的音樂創作，因此《托斯卡》被暫時擱置。到了1895年差不多結束了《波希米亞人》的全部作曲後，普契尼才委託劇作家開始創作《托斯卡》的歌劇腳本。
《托斯卡》（Tosca）是普契尼的3幕歌劇，劇本由伊利卡（Luigi Illica）和契亞克薩（Giuseppe Giacosa）改編自法國劇作家薩爾杜（Victorien Sardou）的同名戲劇。於1900年1月14日在羅馬科斯坦茲劇院作首次演出。
【關於首演】
《托斯卡》（ Tosca）於1900年1月14日在羅馬科斯坦茲劇院作首次演出，指揮是托斯卡尼尼。
*以上資料整理於網路以及維基百科
【原著劇情】
看懂歌劇～先了解原著背景（原著劇情資料整理自音樂作家 夏爾克之部落格文章-【托斯卡(普契尼歌劇)／原著，劇情與動機】及維基百科「拿破崙戰爭」）
普契尼歌劇《托斯卡》的原著是義大利作家薩爾都（Victorien Sardou, 1831∼1908）的五幕悲劇，普契尼找上《蝴蝶夫人》和《波西米亞人》的編劇搭檔伊利卡（Luigi Illica）和契亞克薩（Giuseppe Giacosa），花了三年時間將五幕戲劇濃縮為三幕七景歌劇，背景設定為1800年6月17-18日的羅馬。當時歐洲社會因為拿破崙發動戰爭而處在動蕩不安之局勢。
關於「拿破崙戰爭」，主要有以下三種說法：
ㄧ、1799年11月9日--拿破崙自霧月政變奪得政權，成為第一執政官。
二、1803年5月13日--英法兩國結束了從1792年到1814年間短暫的和平，開啟了跨海戰事。
三、1804年12月2日--拿破崙稱帝，建立法蘭西第一帝國。
當時義大利因為戰爭因素，被分為許多小國意大利長期以來被分為若干小國：羅馬教皇統治了義大利的教皇國。
繼法國革命之後，拿破崙統治下的法國軍隊於1796年入侵意大利，於1798年2月11日進入羅馬，當時幾乎空城並共同建立共和國。
1799年9月，保護共和國的法國人退出了羅馬。
當法國人離開時，拿坡里王國（Kingdom of Naples）的軍隊佔領了這座城市。
而羅馬有一個安傑羅提家族，在義大利無人不知無人不曉，家族族長原也是封建的保守派，但投向拿破崙，就成為了新成立的羅馬共和國的領事。
安傑羅提家族族長在某個宴會場合看到英國公使夫人時，他嚇了一跳：眼前這位夫人這他之前曾在倫敦遇到的高級妓女：愛瑪。這位美麗的夫人愛瑪極有手腕，不僅釣到了英國公使老公，還成為了當時拿坡里王於羅馬社交圈紅人，得到拿坡里王妃的信賴。但她唯一害怕的是自己身為妓女的過往被揭穿... 現在她遇到了舊識安傑羅提，著實令她不安...
於是愛瑪想要派刺客去殺掉他，但因為安傑羅提畢竟是族長，身旁有隨扈而苦無機會。
1800年5月，當時法國軍事領導人拿破崙再一次帶著他的部隊攻擊義大利。 6月14日，這支軍隊在「馬倫哥會戰」（Bataille de Marengo，1800年6月14日））與奧地利軍隊對戰，他成功將奧地利軍隊逐出義大利。此役的勝利再次鞏固了拿破崙的軍事地位。 隨著戰事延燒，拿破崙軍隊延續「馬倫哥會戰」勝利並長驅直入征服了羅馬，此時羅馬市內共和主義者又再次活躍主政。
屬於封建保守派的拿坡里王妃非常擔心，她派出了自己的心腹斯卡皮爾男爵，當祕密警察總長，去羅馬逮捕共和主義者。
羅馬城內的那不勒斯人即將放棄羅馬，就而在羅馬即將再次崩潰時，心繫心頭之患未除的公使夫人愛瑪得到拿坡里王妃協助，發出格殺令懸賞重金要殺安傑羅提。
斯卡皮爾男爵此間抓了不少人，都送去了絞刑台，但就是抓不到躲在羅馬的安傑羅提。
安傑羅提家族也為了要救族長而積極謀略：弟弟想辦法買通獄卒放他出來，妹妹還要他逃獄後就逃到家族教堂：聖安德烈第拉瓦雷教堂。她會進一步支援讓哥哥換裝逃出去。
而這份逃亡計畫就在1800年6月17日進行。安傑羅提真的逃了出來並來到了聖殿。
進入聖殿中，有一個大壁畫還沒完成用布蓋著，還有一些作畫的器具，不一會，他遇見了於教堂內畫壁畫的畫家卡瓦拉多希～
就從這裡開始，原著銜接進入了歌劇《托斯卡》開始之劇情...
歌劇資訊（整理自維基百科《托斯卡》）
三幕七景歌劇 音樂：賈柯摩‧普契尼 劇本：Luigi Illica 與Giuseppe Giacosa 首演：1900年1月14日羅馬Costanzi劇院 演奏時間：第一幕45分、第二幕40分、第三幕30分 《劇中主要人物》 弗洛莉亞．托斯卡(Floria Tosca) ／..............女高音 卡瓦拉多西(Mario Cavaradossi) ／..............男高音 史卡畢亞(Barone Scarpia) ／...................男中音 安傑羅第(Cesare Angelotti)／..................男低音 教堂守衛／....................................男中音 史波雷塔(Spoletta) ／.........................男高音 夏羅內(Sciarrone)／..........................男低音 警衛／. .....................................男低音 牧童／....................................童聲女高音
【歌劇分幕劇情】
第一幕 1800年，羅馬 越獄逃脫的政治犯安吉羅提（Cesare Angelotti，男低音）衝進聖安德烈第拉瓦雷教堂（Church of Sant' Andrea della Valle）內的阿塔凡蒂侯爵家的禮拜堂，他剛剛躲好，一個老教堂執事蹣跚的走進來，祈禱的鐘聲響起。 不久，在教堂內畫壁畫的畫家卡瓦拉多希（Mario Cavaradossi，男高音）進來，他掀開畫布，繼續畫以安吉羅提的姐姐-侯爵夫人瑪格達萊娜為形象的瑪利亞（Mary Magdalene）。卡瓦拉多希從懷中拿出自己的情人女歌手托斯卡（Floria Tosca，女高音）的小肖像來跟畫像比較，一個是黑色的眼珠，一個則金髮碧眼，卻同樣的美麗（Recondita Armonia，奇妙的和諧。此旋律後來變成了侯爵夫人瑪格達萊娜的動機）。 一旁的教堂執事抱怨著離開。安吉羅提從禮拜堂中露出了臉，他很高興能夠和以前的同志卡瓦拉多希再次見面，卡瓦拉多希激動的拿食物給他，當聽到托斯卡的聲音，安吉羅提趕緊又藏起來。 托斯卡是一個忌妒心很強的女人，她總是疑心卡瓦拉多希背著她跟別的女人來往。看到畫中藍色眼睛的侯爵夫人她更有了懷疑的理由（Mario! Mario! Mario!），卡瓦拉多希微笑著向她解釋讓她平靜下來（Qual`occhio al Mondo），並說定晚上音樂會後在他郊外的小屋再見。 托斯卡走後卡瓦拉多希招呼安吉羅提出來，告訴他自己小屋的去路，並說如遇危險可以躲在花園的古井中。外面響起了通知有人越獄的砲聲，兩個人立刻離開教堂。 同時，教堂執事帶著唱詩班的孩子們進來，他們喧鬧著，因為有人說羅馬軍隊已把拿破崙（Napoleon）趕出了意大利。當前來搜尋安吉羅提的秘密警察局長斯卡皮亞男爵（Baron Scarpia，男中音）出現時，大家都安靜下來，他在侯爵家的禮拜堂裡發現了侯爵夫人的扇子以及吃完食物的空盒子（此時奇妙的和諧之旋律再度出現），而牆壁上的瑪利亞畫像則告訴了他畫這幅像的人就是卡瓦拉多希。 托斯卡由於不放心又回來找卡瓦拉多希，但卻遇到曾經垂涎於她的斯卡皮亞，她的臉上露出厭惡的表情，但心懷詭計的這位警察局長熱情迎上前向她問好。斯卡皮亞把自己剛剛找到的侯爵夫人的扇子拿給托斯卡看，並極力的添油加醋，認為卡瓦拉多希背叛自己的托斯卡流著眼淚發誓要報復。托絲卡離開，教堂裡漸漸人多起來，人們來做禱告。斯卡皮亞派人跟踪托斯卡，看著這個逐漸落入他圈套的女人，斯卡皮亞不禁冷笑起來，那聲音令人毛骨悚然（Va，Tosca!）。
第二幕 法內斯宮殿（Farnese Palace）
在法內斯宮殿（Farnese Palace）樓上的秘密警察局長的房間裡，斯卡皮亞一邊吃飯一邊幻想著能夠按照自己意願征服托斯卡時的那種病態的快感（Ha pi Forte Sapore）。這時跟踪托斯卡的人回來，他報告說沒有發現安吉羅提，但抓來了卡瓦拉多希。
樓下正在舉行皇家慶祝活動，傳來了托斯卡的歌聲，音樂會結束後，托斯卡上來，斯卡皮亞吩咐將卡瓦拉多希帶到隔壁的房間。
聽到驕傲的卡瓦拉多希受到酷刑所發出的呻吟聲，托斯卡再也受不了了，她說出了安吉羅提的藏身之處。
卡瓦拉多希被帶出來，意識到發生了什麼後他嚴厲的指責托斯卡。這是一個官員衝進來說拿破崙打贏了戰爭（Battle of Marengo），卡瓦拉多希情不自禁的歡呼勝利（Vittoria!）。 斯卡皮亞命令將他押入大牢。
看看托斯卡，斯卡皮亞邪惡的微笑著走向她，向她表示她可以用自己來換得卡瓦拉多希的生命，托斯卡推開他。「妳向我要一條命，我卻只要求妳片刻…，」，斯卡皮亞無恥的淫念讓這可憐的女人在心中向上帝訴求，為何她的命運如此悲慘（Vissi d`arte，為了藝術為了愛）。
此時一個秘密警察進來報告說在圍捕過程中安吉羅提自殺了。托斯卡低著頭臉色蒼白，內心下了決定，她對斯卡皮亞表示願意屈服，斯卡皮亞答應托斯卡只會以形式上的處決卡瓦拉多希，之後再暗地裡再將他們放走，托斯卡則要求他再寫一張通行證給他們。
當斯卡皮亞簽字並欲一親芳澤時，托絲卡便拿起桌上的一把餐刀刺進斯卡皮亞的身體：「這就是托斯卡的吻」。並從他漸漸堅硬的手中拿出通行證，在他的頭便點了一根蠟燭，放一個小十字架在他的胸口，托斯卡逃離房間。
首演之原作海報，描繪第二幕的劇情：
第三幕 教堂 處決日的清晨，教堂的鐘聲響起，卡瓦拉多希絕望的思念著托斯卡（E lucevan le stelle，今夜星光燦爛），便以他身上唯一值錢的戒指來賄賂了一個獄卒要他送張告別的紙條給托斯卡，不久托斯卡跑進來，她告訴卡瓦拉多希自己殺死斯卡皮亞的經過，兩個人描畫這美好的未來。 執行槍決的士兵來把卡瓦拉多希帶走，托斯卡要他假裝自己中彈了倒地，然後一起逃走。 以為士兵們所開的是空砲彈，托斯卡在執行官離開後跑到卡瓦拉多希的身邊催他快起來，卻發現情人一動不動，胸口不斷流出鮮紅的血，這時她才明白自己受了騙。 托斯卡悲痛吶喊，抱著愛人的屍體悲痛欲絕。而發現斯卡皮亞被謀殺的衛兵此時已趕過來逮捕托斯卡。對卡瓦拉多希遺體告別後，托斯卡從行刑台高塔邊翻身一躍而下自殺，追隨情人而去...（普契尼在此以（今夜星光燦爛）的主題來作為歌劇當終曲） （全劇終）
劇中第一幕的場景：聖安德肋聖殿（Church of St. Andrew of the Valley）。
此教堂位於→羅馬 Piazza Vidoni, 6 （←點按左側有Google Map連結...XD）。1590年破土興建，1600年竣工。1608年時重新啟動更華麗宏偉的改建計劃，至1650年完成聖堂的內部結構，真的由內至外都非常華麗，大家於下方圖片中欣賞：
教堂內部場景圖（點按）
關於《托斯卡》的冷知識
（一）中西時間點對比
在網路上，有許多網友們討論過關於《托斯卡》的歌劇各項劇情延伸與年代比較，引發奇想，筆者至中央研究院《兩千年中西曆轉換》網站，輸入推算出歌劇《托斯卡》劇情發生的時間點 - 西元1800年6月17日，是清仁宗嘉慶5年(歲次庚申)閏4月25日。
然後還知道了劇情發生那天，其實是星期二...XD
（二）滿月!?下弦月!? 星光燦爛!? 月光皎潔!?
第一幕在教堂中，托斯卡與卡瓦拉多希相約晚上見面，托斯卡還提到「今晚是滿月」、「讓我們共飲於夜間，花朵十分芬芳」...
但從「http://astropixels.com」網站上，可以查詢各年份之月亮，我們可以在網站上查到西元1800年6月份的滿月是6月7日。
所以當男主角卡瓦拉多希在17-18日即將行刑前唱著«E lucevan le stelle»（今夜星光燦爛）時，如果按照史實月相，那麼其實他所見到的，應該是只有部分月亮可見的「下弦月」...
月相可以追溯～至於「星光是否真的燦爛？」，真的無法考據了～
（三）紅白大對抗!? - 卡拉絲的托斯卡戲服
有別於1899年首演海報中的托斯卡穿著純白戲服，卡拉絲著名的托斯卡戲服，是酒紅色絨布穿綴著點點寶石，非常華麗的女高音裝扮：
卡拉絲的著名紅色托斯卡戲服：
卡拉絲於1964年柯芬園（Covent Garden in London 1964）、 1965年巴黎歌劇院（Opera National Paris 1965）與1965年大都會歌劇院（Metropolitan Opera House New York 1965）之製作，均穿著此戲服。
《托斯卡》當然要聽卡拉絲的版本😊
以下是筆者已經幫大家整理好之音軌檔案（真的好佛心♥）～大家只要點按音軌之時間軸，便會自動播放該段音樂喔～
https://www.youtube.com/watch?v=rkMx0CLWeRQ
普契尼三幕歌劇«托斯卡» 1953年經典錄音 卡拉絲, 史蒂方諾, 拉斯卡拉歌劇院 Giacomo Puccini (1858-1924) – Tosca Opéra in Three Acts Act 1 點按曲目後的時間軸，可以直接欣賞該曲目 1- « Ah! Finalmente! » (00:00) 2- « Dammi i colori... Recondita armonia » (5:24) - famous passage 3- « Gente là dentro! » (9:51) 4- « Mario..Mario..Mario » (11:02) - famous passage 5- « Ah, quegli occhi! ... Quale occhi al mondo può di paro » (17:58) 6- « E buona la mia Tosca » (23:05) 7- « Un tal baccano in chiesa! » (28:02) 8- « Tutto è chiaro ... Tosca? Che non mi veda ... Mario! Mario! » (31:24) 9- « Ed io venivo a lui tutta fogliosa » (34:28) 10- « Tre sbirri » (38:32) - famous passage Act 2 11- « Tosca è un buon falco » (42:36) 12- « Ha più forte » (45:39) 13- « Meno male! » (47:56) 14- « Dov'è dunque Angelotti? » (51:12) 15- « Ed or fra noi parliam da buoni amici » (53:12) 16- « Orsù, Tosca, parlate » (57:11) 17- « Basta,Roberti » (1:00:13) 18- « Nel pozzo... Del giardino » (1:01:37) 19- « Se la giurata » (1:05:29) 20- « Vissi d’arte » (1:09:04) - famous passage 21- « Vedi, ecco, vedi » (1:12:18) 22- « E qual via scegliete? » (1:15:57) - famous passage Act 3 23- « Lo de’ sospiri » (1:22:26) - famous passage 24- « Mario Cavaradossi? » (1:28:00) 25- « E lucevan le stelle » (1:31:05) - famous passage 26- « Ah! Franchigia a Floria Tosca » (1:34:49) 27- « O dolci mani » (1:37:22) 28- « E non giungono » (1:42:14) 29- « Com'è lunga l’attesa! » (1:44:40) 30- « Presto! su, Mario! Andiamo! Andiamo!, Su! » (1:46:54) Cast Floria Tosca : Maria Callas Mario Cavaradossi : Giuseppe Di Stefano Scarpia : Tito Gobbi Cesare Angelotti : Franco Calabrese Spoletta : Angelo Mercuriali Sagrestano : Melchiorre Luise Sciarrone/Carceriere : Dario Caselli Pastore : Alvaro Codova Maestro del coro : Vittore Veneziani Orchestra Del Teatro Alla Scala, Milano Direttore : Victor De Sabata Mono recording in 1953 Label : EMI (recording of the Century)
1964年9月02日 Maria Callas 與 Tito Gobbi 於英國柯芬園現場（完整第二幕）
https://youtu.be/xnFlg1z1hPc
卡拉絲最後一套《托斯卡》錄音（1965）
Floria Tosca: Maria Callas, soprano Mario Cavaradossi: Carlo Bergonzi, tenor Baron Scarpia: Tito Gobbi, baritone Cesare Angelotti: Leonardo Monreale, bass Spoletta: Renato Ercolani, tenor Il sagrestano: Giorgio Tadeo, bass Sciarrone: Ugo Trama, bass Un carceriere: Leonardo Monreale, bass Un pastore: David Sellar, tenor
https://youtu.be/BlmTRfJKx1o
完整版歌劇欣賞
https://youtu.be/DnO7FBS1akI
筆者推薦
《托斯卡》歌劇電影
https://www.youtube.com/watch?v=QyuBu-NfWRM
Puccini - "Vissi d'arte" & Finale from Tosca (Angela Gheorghiu, Ruggero Raimondi)
https://www.youtube.com/watch?v=wKx7rfDLS0o
Puccini - Tosca Act 3: "E lucevan le stelle" - "O dolci mani!" (Angela Gheorghiu, Roberto Alagna)
https://www.youtube.com/watch?v=jt4_MYW_NxM
Angela Gheorghiu - TOSCA final scene
https://www.youtube.com/watch?v=n6kTmWYIAcw
【附錄】Franco Corelli sings ToscaAct 3: "E lucevan le stelle"
https://www.youtube.com/watch?v=Zzb9uwfgD1w
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【BON音樂】孟德爾頌：第四號交響曲《義大利》簡介
【BON音樂】孟德爾頌：第四號交響曲《義大利》簡介
Felix Mendelssohn-symphony-no-4-op-90 "Italian symphony"
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如果我休息，就會生鏽．If I rest, I rust
作曲家孟德爾頌於1833年的素描（畫家 Eduard Bendemann 1833年繪製）
生前未能出版的傑作．義大利
孟德爾頌在1829-1831年間在歐洲各國旅行，他到義大利時感受到當地的民情和氛圍，非常欣喜於這些旅途中快樂的心情與經驗，並於1830-1831年間，以音樂創作紀錄至義大利旅遊寫下第四號交響曲《義大利》的主要樂思～此曲，就是孟德爾頌在停留義大利時所發想而創作。
《義大利》交響曲也緣起於作曲家孟德爾頌的的英國、蘇格蘭與赫布里底群島之旅，在這趟旅程中，孟德爾頌來抵達了義大利，在義大利時所感受到的色彩與氛圍，讓他獲得了大量的靈感，雖然不是在義大利完成全曲，但當時孟德爾頌寫給父親的信件，提到：「這就是義大利！......生活中的至高無上的快樂。我很喜歡義大利。今天太豐富了...所以我寫信給你們，感謝你們，親愛的父母，你們給了我這一切的幸福。」
1832年2月，他從羅馬寫信給他的姊姊芬妮，告知《義大利》交響曲之創作正邁向巨大進步。這將是我譜寫過最歡樂的曲子，尤其是最後一個樂章。我還沒有找到任何適合慢板樂章素材，我想我會把它留給那不勒斯。
1833 年3月13日，孟德爾頌應英國倫敦（現為皇家）愛樂樂團的邀請，在柏林完成了這部交響曲。 1833年5月13日，他在倫敦愛樂樂團音樂會上親自指揮了第一場演出，首演即受到聽眾們的熱烈歡迎。美國波士頓的日耳曼音樂協會（Germania Musical Society ）也安排此曲於1851年11月1日在美國首次演出，由卡爾·伯格曼（Carl Bergmann）指揮。
然而，在初次演出之後，孟德爾頌本人對這首交響曲仍然不滿意。到了1834年7月，他完成了對作品的修改，特別是最後三個樂章。但可惜的是，在他在生前從未出版過這部交響曲。
《義大利》交響曲於 1851 年出版，原始初版於1833年5月首演。 音樂學者約翰·邁克爾·庫珀（John Michael Cooper）更詳細研究了孟德爾頌修改交響曲的歷史。 另一位學者 Christopher Hogwood 則編輯了由德國熊版（Bärenreiter）所出版的交響曲樂譜，其中也包括原始標準版和 Mendelssohn 對後三樂章的修訂版。
目前交響樂團普遍演出的標準版本，即是1851年出版的校訂版本。（資料整理於網路與維基百科）
孟德爾頌親筆畫作的《義大利》
分享位於萊比錫的「孟德爾頌之家」博物館照片
林仁斌．攝於2023年5月．萊比錫
位於二樓的數個房間，除了已成為展覽室之外，保留了當初經常舉辦沙龍音樂會的大空間
孟德爾頌一家交遊廣闊，往來無伯丁，經常舉辦沙龍音樂會，這就是當初許多作品被首演的場合
另一間展覽室，存放孟德爾頌以瓷盤與繪畫寫遊記，記錄各個年份他在不同地方之繪畫作品
孟德爾頌1847年的繪畫作品
孟德爾頌1847年的繪畫作品
作曲家簡介
孟德爾頌一生交遊廣泛，作品豐富。
與大文豪歌德傑為忘年之交，並與當代眾多藝文音樂人士往來：舒曼夫婦、白遼士、凱魯畢尼、韋伯、麥亞白爾、羅西尼、蕭邦、李斯特、華格納、帕格尼尼等音樂家交往，互通藝術見解；這對他的創作生涯產生許多重要的影響。
孟德爾頌1809年2月3日出生於德國漢堡的一個富裕而有文化的猶太富商家庭。祖父摩西（Moses Mendelssohn, 1729-1786） 是德國名哲學家兼文學家；父親是德國漢堡的銀行家；母親則是位受過高等教育並精通音樂的人。不論出生環境、家庭生活或是事業成就，孟德爾頌都是一帆風順。
孟德爾頌從小是鋼琴神童：9歲時便以鋼琴家身份於柏林登台公開演奏，10歲時就為《詩篇19》譜曲，12歲自己主辦報紙，同年與 72歲德國文豪歌德（Johann Wolfgang von Goethe, 1749-1832）結為忘年之交。
在歌德的影響下，寫出一首鋼琴四重奏（op.1），14歲籌組自己的私人樂團，15歲創作了第一交響曲，與歌德的友誼，加深了孟德爾頌對古典文學的感受：16歲時完成的弦樂八重奏（op.20）亦受到歌德《浮士德》啟發。這部作品也被視為孟德爾頌第一首成熟的作品。
孟德爾頌：絃樂八重奏 op.20 欣賞
16歲作品
小提琴：林品任、Boris Borgolotto、陳雨婷、Nancy Zhou
中提琴：鄭恩麒、嚴子晴
大提琴：李孟坡、柯容軒
https://youtu.be/CPAio6KVOqY?t=1
17歲時，孟德爾頌受到莎士比亞戲劇作品感動，以一個月左右的創作時間，寫出了著名作品《仲夏夜之夢》（A Midsummer Night’s Dream）序曲。18歲時為了研究古典文學，進入柏林大學就讀， 接受正規的大學教育，研究文學作品。（柏林大學即為現代之柏林洪堡大學 Humboldt-Universität zu Berlin，成立於 1810 年，曾被譽為被譽為「現代大學之母」)
19歲時指揮演出巴哈（J.S. Bach）的《馬太受難曲》。這是巴哈死後79年第一次被公開演出，由於這次的演出，使得大家開始重新注意巴哈，而巴哈的音樂也逐漸在世界各地的音樂會中被演出。
20歲起孟德爾頌遊歷歐洲，他的遊歷心得不但豐富，更是傳世：1830-1831年間，至義大利旅遊寫下第四號交響曲《義大利》(Symphonie no.4 "Italienische")、至蘇格蘭旅遊寫下第三號交響曲《蘇格蘭》(Symphonie no.3 "Scottish")；《芬加爾洞窟》序曲作品靈感也來自孟德爾頌於英國赫布里底群島旅遊實記，完成於1830年作曲家21歲時。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/mendelssohn-symphony-no-3-op-56-scottish/
孟德爾頌的交響曲創作順序
一般來說作曲家之交響曲編號皆以「寫作順序」排列，偶爾會出現後來雜以「出版順序」於其中。例如海頓和貝多芬的交響曲是按寫作次序排列，而孟德爾頌交響曲編號，則是完全依照出版的次序排列。
孟德爾頌共寫五首交響曲：第一號C小調 op. 11完成於 1824年。1840年他為慶祝顧騰堡（Johannes Gutenberg, 1397 – 1468）發明印刷術四百週年，創作了第二號「讚美頌歌」（Lobgesang）降B大調 op.52。而他的第三號交響曲《蘇格蘭》a小調 op. 56 完成於 1842年。第四號交響曲《義大利》 A大調 op. 90創作於 1833年。第五號交響曲《宗教改革》 D大調 Op. 107 是於 1830年為「奧斯堡信仰告白」（Augsburg Confession）300週年而作。
依照現行編號，順序為：
第一號（1824）
第二號（1840）《讚美頌歌》
第三號（1842）《蘇格蘭》
第四號（1833）《義大利》
第五號（1830）《宗教改革》
例如孟德爾爾頌的最後兩首交響曲，則是因爲他生前一直想再修改第四號「義大利交響曲」，第四號其實是等到他去世之後，於 1851年才被出版商編為第四號交響曲出版。第五號則是因為孟德爾頌生前一直不太滿意「宗教改革交響曲」， 所以並未出版，因此等到第四號交響曲出版後 17年後才付梓 ，稱為第五號交響曲。
如按照作曲年份重新編號，會得到不同之全新結果：
第一號（1824）
第五號（1830）《宗教改革》
第四號（1833）《義大利》
第二號（1840）《讚美頌歌》
第三號（1842）《蘇格蘭》
《義大利》交響曲樂譜版本
| 00:00 1. Allegro vivace (A major)
10:10 2. Andante con moto (D minor) 16:58 3. Con moto moderato (A major) 24:30 4. Saltarello: Presto (A minor) |
https://youtu.be/xI8IzIKGslA
第一樂章
活潑的快板（Allegro Vivace）A大調，6/8拍子。奏鳴曲式。
第一樂章活潑的快板，以一陣快速的三連音節奏開場，～高音木管樂器與撥弦樂器開場之後，旋即躍升高八度，轉變為歡快的第一主題弦樂旋律。木管樂器在第一樂章中始終扮演著特別突出的角色，孟德爾頌給予木管樂器們極大的自由，這讓音樂聽起來更加透明、輕盈的質感～如同歌劇音樂般。
第一樂章呈示部第一主題譜例：
第一樂章第一主題給人躍動又明朗之感，符合孟德爾頌至義大利旅遊的歡樂心情，也能在音樂中感受到他在義大利時的歡樂心情，在音樂雀躍的快速三連音節奏裡清晰可見。
義大利藍天亦讓孟德爾頌留下了深刻的印象～他曾經將交響曲描述為「A大調的藍天」；在此我們可聽見他將所見所聞的美麗景緻，在音樂中轉換為充滿雲彩的彩色天空。
由單簧管與低音管同時演奏的第二主題，帶來了跳躍但舒適的情感發揮：
這個活潑輕快的樂章，也出現在日劇《交響情人夢》的第一集喔～
第一集：學校裡的所有學生都為千秋王子所著迷～在佈告欄得知有人要出國留學的訊息時。背景配樂即為孟德爾頌 第四號交響曲義大利第一樂章。
「維基百科連結」
樂譜版本音樂欣賞
https://youtu.be/xI8IzIKGslA
音樂會現場演奏欣賞
https://youtu.be/_HX_jF1_Tgc
第二樂章
稍快的行板（Andante con moto）D小調，4/4拍子。自由的三段體。 據研究指出，第一主題擷取自捷克的朝聖歌曲，充滿濃厚的宗教情懷，因此亦被稱為「朝聖者進行曲」，亦有研究孟德爾頌書信往來的學者認為，作曲者曾在創作期間遊歷遭火山岩漿淹沒之龐貝古城，因而觸發了人類文化遭淹沒的傷感。
國外亦有研究提到孟德爾頌曾提到回憶他在羅馬期間目睹的令人印象深刻的遊行。他使用色彩昏暗的旋律感配器（雙簧管、單簧管和中提琴）在緩慢的中低音線條上展開第二樂章主題。
第二樂章主題譜例：
轉為大調之後的單簧管回應主題
樂譜版本音樂欣賞
https://youtu.be/xI8IzIKGslA?t=1018
音樂會現場演奏欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=_HX_jF1_Tgc&t=670s
第三樂章
速度稍快的中板（Con moto moderato）A大調，3/4拍子。3段體。
孟德爾頌曾在1830年11月16日寫給姐姐的書信中表示，欲將歌德詩作《莉莉花園》（Lilis Park）轉化成為交響曲，而學者推測，本樂章可能就是作曲家閱讀詩作時觸發靈感所寫成。莉莉為歌德心儀之女孩，但同時被眾人追求，歌德便以此詩描寫自身的忌妒與煩惱。
樂譜版本音樂欣賞
https://youtu.be/xI8IzIKGslA?t=1018
音樂會現場演奏欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=_HX_jF1_Tgc&t=1016s
第四樂章
薩塔雷洛舞曲：急板（Saltarello; Presto）A小調，4/4拍子。自由的輪旋曲式。 薩塔雷洛舞曲自十五世紀起，便流行於羅馬與米蘭，男女舞者搭配急速的三拍子民俗舞曲，張開雙手，以舉腳、前進、後退、旋轉的舞步疾舞。但本曲則是採用四拍子，似是以音樂描繪出狂歡節狂舞的羅馬市民們。
Saltarello - hopping medieval dance.
https://youtu.be/RNewLIxtMis
Saltarello - hopping medieval dance.
https://youtu.be/PWMyb1UtlzE
Saltarello - hopping medieval dance.
https://youtu.be/LH2G2imXDBs
樂譜版本音樂欣賞
https://www.youtube.com/watch?v=xI8IzIKGslA&t=1470s
音樂會現場演奏欣賞
hr-Sinfonieorchester (Frankfurt Radio Symphony Orchestra)
Paavo Järvi, Dirigent
- I. Allegro vivace 0:34
- II. Andante con moto 11:10
- III. Con moto moderato 16:56
- IV. Saltarello. Presto 23:04
https://www.youtube.com/watch?v=_HX_jF1_Tgc&t=1384s
Leipzig Gewandhaus Orchestra
Kurt Masur - conductor
Felix Mendelssohn-Bartholdy - Italian Symphony No. 4 A major Op. 90 (MWV N 16)
- 0:00 Entrance
- 1:27 I. Allegro vivace
- 13:06 II. Andante con moto
- 19:32 III. Con moto moderato
- 25:26 IV. Saltarello. Presto
https://youtu.be/XMLyJNgd6LA
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【BON音樂】大人音樂電影欣賞系列（二）法國音樂與法式老派浪漫─談《今生情未了》
【BON音樂】大人音樂電影欣賞系列（二）法國音樂與法式老派浪漫─談《今生情未了》
The Movie "Un Coeur en Hiver"
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蹦藝術 | BONART
- 第2堂：法國音樂與法式老派浪漫─談《今生情未了》
《今生情未了》由法國影壇兩大巨星主演，艾曼紐琵雅飾演高冷的天才小提琴家，而法國金獎影帝丹尼爾奧圖則飾演沉穩琴師，兩人激發出濃烈又無法言喻的愛情火花…但這對相愛卻不得相戀的愛侶，最終在冬日裡，淡淡冷冷地讓愛情遠離，這樣的故事結局，可以說是老派的浪漫，更稱為影史上最刻骨的虐心羅曼史。電影以印象派音樂大師拉威爾的音樂作品為核心開展，每個和弦都有深刻情緒，有如情緒催化般的深厚底蘊，一點一點地征服觀眾的心，課程中將帶您細細品味這部法式經典電影及拉威爾的音樂作品。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
2021年最新課程資訊
| ※課程諮詢請於週一至週五09:30~17:30，電話報名請洽客服專線02-2662-0332，課程相關諮詢請洽02-25078627分機885 (巫小姐) |
週二班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-交響曲(11/23週二下午班，共5堂)：貝多芬X舒伯特X馬勒
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-協奏曲(12/28週二下午班，共5堂)：橫跨200年經典弦樂協奏曲
週四班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-音樂電影(12/23週四下午班，共5堂)：五大音樂電影，聽懂經典配樂
電影《今生情未了》
威尼斯影展銀獅獎等四項大獎、法國凱薩獎最佳導演、男配角，歐洲電影獎最佳男主角。由丹尼爾奧圖、艾曼紐琵雅、安狄度索里亞三位出色演員擔任演出。
一對志趣相投的好友合作開設小提琴工作室，少話沈穩的琴師史戴芬（丹尼爾奧圖）負責樂器修復，善於社交的瑪西姆（安狄度索里亞）則忙於銷售業務，兩人在樂音繚繞的美妙工作中合作無間，直到遇見閃耀動人的美女小提琴演奏家：卡蜜（艾曼紐琵雅），這段歡快的友誼奏鳴曲開始變調...
因女友卡蜜演奏專輯錄製在即，瑪西姆將調音、修整小提琴的重責大任交給摯友史戴芬負責，沒想到在工作過程中，才氣逼人甚至帶點傲氣的卡蜜竟默默地被沈默木訥、埋首工作的史戴芬吸引。她好奇這個可以摸透琴身琴弦的認真男人，是否也能看透自己內心的弦外之音。但無論卡蜜如何明示暗示，史戴芬的心彷彿被寒冰凍住，總是點到為止、不為情動搖，反而是瑪西姆漸漸察覺到女友的反常，三人的關係彷彿樂曲糾纏的音符，越演越烈卻也越來越難解……
*電影劇情文字簡介取自官方網站
而《今生情未了》除了刻劃三人關係的微妙與掙扎，電影中所用的音樂，全部取自拉威爾的室內樂作品，包括了：a小調鋼琴三重奏、為小提琴與大提琴的奏鳴曲、小提琴與鋼琴奏鳴曲等。
這裡還特別拍到樂譜上的作曲家名字（其實還為了畫面美觀，沒把樂譜打開來...XD）
雖然卡蜜勇敢的向史蒂芬示愛；但心中擔憂自己橫刀奪愛的史蒂芬面臨友情與愛情的抉擇卻臨陣退縮，封閉了自我，冰冷如冬的心始終無法融化...
麥沁為了幫卡蜜療傷，遂安排她巡迴演出，在離開前夕，卡蜜和史帝芬在咖啡店裡告別，卡蜜心裡想著，只要史帝芬一句話她就留下，但史帝芬史始終沉默龜毛，卡蜜傷心搭上麥沁的車離去，當車子緩緩移動時，卡蜜卻回眸凝望著咖啡店裡的史帝芬，眼神恍若無言的控訴...也讓電影最後結束在無盡的傷感之中...
Youtube找到的完整版電影分享❤️（英文字幕）
https://youtu.be/M3kpFQEhsPU
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/french-composer-maurice-ravel/
拉威爾：小提琴與大提琴奏鳴曲
拉威爾 包含弦樂之室內樂作品整理
| 作品名稱 | 樂章數 | 編制 | 創作年份 |
| 小提琴奏鳴曲 Sonate pour piano et violon |
1 | 小提琴、鋼琴 | 1897 年 |
| 弦樂四重奏曲 Quatuor |
4 | 小提琴2、中提琴、大提琴 | 1902-1903 年 |
| 序奏與快板 Introduction et Allegro |
1 | 豎琴、長笛、豎笛、 小提琴2、中提琴、大提琴 | 1905 年 |
| 鋼琴三重奏曲 Trio |
4 | 小提琴、大提琴、鋼琴 | 1914 年 |
| 小提琴與大提琴之奏鳴曲 Sonate pour violon et violoncelle |
4 | 小提琴、大提琴 | 1920-1922 年 |
| 依佛瑞之名的搖籃曲 Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré |
1 | 小提琴、鋼琴 | 1922 年 |
| 吉普賽人 Tzigane |
1 | 小提琴、鋼琴 | 1924 年 |
| 小提琴奏鳴曲 Sonate pour violon et piano |
3 | 小提琴、鋼琴 | 1923-1927 年 |
*從上方表格，同時能看出第二號《小提琴奏鳴曲》（1923-1927 年），亦是拉威爾所有含弦樂之器樂室內樂作品中，寫作時間花費最長之一首。
Ravel - Sonata for Violin and Cello, M. 73
https://youtu.be/-z_Ee3E3C0Q
拉威爾：a小調鋼琴三重奏
1914年至1918年第一次世界大戰爆發，拉威爾萌生想為國效勞之想法，因此報名參軍。
1915年他被錄用為救護車駕駛員，正式成為法國軍人。雖然只是駕駛貨車，他卻要在前綫冒着德國隆隆的炮火，運送軍備。
第一次世界大戰前，拉威爾貫注全副心力用5天完成了這首鋼琴三重奏。由於他當時不知道自己是否能夠生還，或許他原本可能以為這是他告別樂壇的音樂創作。
入伍後投入戰綫，拉威爾見證生離死別，創作也近乎完全停頓。
1917年因患痢疾，拉威爾只好退伍。退伍之後，他相信譜寫音樂就是他能為法國提供最好的貢獻，因而開始專心從事作曲。也在1917年他完成了鋼琴曲《庫普蘭之墓》（Le tombeau de Couperin, 1914-17），獻給為國捐軀的同袍，後來拉威爾也將此曲改編為管弦版本。
音樂欣賞：鋼琴曲《庫普蘭之墓》（Le tombeau de Couperin, 1914-17）
https://www.youtube.com/watch?v=I_m6hLSpsLc
從軍期間拍攝下記錄照片的拉威爾：
第一樂章
中板(Moderato)，8/8拍，自由的奏鳴曲式，西班牙巴斯克舞曲（Basque）風格。每小節的8拍使用巴斯克舞曲的韻律(3+2+3)。
https://youtu.be/3QzLA5se4co
第二樂章（9:52）
詼諧曲（Scherzo），很生動的（Assez vif），三段體A-B-A’。
https://www.youtube.com/watch?v=3QzLA5se4co&t=592s
第三樂章（14:23）
帕薩卡里亞（Passacaglia），3/4拍
https://www.youtube.com/watch?v=3QzLA5se4co&t=863s
第四樂章（21:30）
終曲，精神抖擻地(Anime)，自由的迴旋曲。
https://www.youtube.com/watch?v=3QzLA5se4co&t=1290s
美藝三重奏
https://youtu.be/RxNajMdQNNA
拉威爾的小提琴奏鳴曲（資料整理於網路與維基百科）
法國作曲家：拉威爾（Maurice Ravel, 1875–1937）共創作有二首《小提琴奏鳴曲》，第一號與第二號兩曲創作間隔長達30年。
第一號是拉威爾死後才出版的單樂章小提琴奏鳴曲，也被稱為《遺作小提琴奏鳴曲》（ Sonate Posthume pour Violon et Piano）。是他創作於約 1897年，仍在巴黎音樂院就讀之學生時期作品。此曲在拉威爾生前並未出版，是由美國音樂學者阿爾比‧奧瑞斯坦（Arbie Orenstein）於 1975年時重新發掘，其後由法國出版社Salabert出版，世人方知此曲。也是拉威爾創作作品中，最早以小提琴為主創作之器樂奏鳴曲。
第二號《小提琴奏鳴曲》則是創作於 1923- 1927年期間，因為帶有印象全音階 德布西的音樂色彩、爵士樂藍調音階素材以及法國前輩作曲家法朗克等抒情語法，也同時是拉威爾最後一首包含弦樂之器樂室內樂作品，音樂與創作技法成熟，因此非常值得一聽。
第二號《小提琴奏鳴曲》創作背景
由於第一號遺作是後來才被發掘出版，故創作時期之背景已不可考，故後續創作背景均以第二號奏鳴曲為主。
從本曲創作年份（1923-1927）來看，拉威爾於創作第二號奏鳴時期，於 1922年 至1928年間，經常出國於世界各地旅行及巡迴演出，因此他的音樂創作中增加不少了異國素材（例如爵士音樂的影響最為明顯）。同時期與《小提琴奏鳴曲》（Sonate poue Violon et Piano）接近之重要的作品另有：《小提琴與大提琴奏鳴曲》（Sonate pour Violon et Violoncelle）、 《吉普賽人》（Tzigane）、《兒童與魔咒》（L’Enfat et les sortleges）、《依佛瑞之名的搖籃曲》（Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré）、管弦樂曲《波麗露》（Boléro）等等。
而拉威爾本身擅長之樂器是鋼琴，但是由於他不斷積極研究例如：帕格尼尼（Niccolo Paganini, 1782~1840）之無伴奏小提琴神作《24首隨想曲》op.1（24 Caprices），加上周遭幾位好友都是演奏名家，所以拉威爾越來越能準確地捕捉弦樂演奏者精彩而準確的語法來進行創作。
在第二號創作前，可以再提到另外一首《吉普賽人》（Tzigane）：
拉威爾於 1922年倫敦音樂會上遇見了匈牙利女小提琴家 葉莉‧達拉妮（Jelly d’Arányi, 1893 -1966）。
葉莉‧達拉妮是匈牙利的小提琴大師 姚阿幸（Joseph Joachim, 1831~1907）之孫外甥女，傳承了 姚阿幸一派之高超演奏技巧，據說什麼曲目都難不倒她。所以 拉威爾為她創作了著名炫技樂曲《吉普賽人》（Tzigane），於 1922年開始創作， 1924年 4月 23日完稿。
這段精彩的創作故事與樂曲介紹，蹦藝術亦有專文整理喔～請見下方延伸閱讀文章↓。
延伸閱讀：
第二號奏鳴曲 首演花絮
拉威爾第二號《小提琴奏鳴曲》題獻給法國小提琴家好友 艾蓮娜.約丹-莫杭居 （Hélène Jourdan-Morhange, 1888-1961），但因為艾蓮娜因得風濕病最終無法擔任演出，後來由羅馬尼亞小提琴家 安奈斯可（George Enescu, 1881-1955）擔任首演小提琴演奏者，鋼琴是作曲家 拉威爾本人。首演於 1927年 5月 30日，法國巴黎艾拉爾音樂廳（Salle Érard）舉行。本曲首演獲得盛大之成功。
艾蓮娜於拉威爾過世之後，回憶奏鳴曲之創作過程：「他（拉威爾）對於所有能使用之演奏技巧皆充滿興趣，並且極力想知道小提琴之能力範圍可表現的最高境界。」（Everthing to do with technique interested him and he wanted to know the violin’s most extreme capabilities.）
「⋯我記得當時他正在寫作他的《小提琴奏鳴曲》，而我時常習慣前往幫助他抄寫聲部，並提供弓法與指法。」（...I remember the time when he was writing his Sonata for violin and piano and I often used to go and help him copy out parts and put in the bowings and fingerings.）
下方照片為拉威爾與朋友們的聚會，照片最左方女士為 艾蓮娜.約丹-莫杭居 （Hélène Jourdan-Morhange, 1888-1961）：
曼紐因對首演前的回憶
關於首演前之花絮，小提琴演奏家 曼紐因（Yehudi Menuhin, 1916~1999）也曾提供了一段非常有趣之回憶，那時他正在巴黎與 安奈斯可學琴，當時碰到的一段插曲：
「莫里斯‧拉威爾突然地闖進我們之間（曼紐因與老師 安奈斯可），他一併帶來之鋼琴與小提琴奏鳴曲樂譜，上面墨水仍未乾。看似是他的出版商-杜蘭，希望能馬上聽到此樂曲⋯。於是， 伴隨著 拉威爾本人之鋼琴伴奏，安奈斯可隨即視奏了此複雜作品，他們有時因需講解說明而暫停演奏。後來 拉威爾表示練習告一段落，但 安奈斯可建議他們再從頭至尾演奏一次，此次演奏時，安奈斯可將手抄譜放置一旁並且憑記憶拉奏全部樂曲。」
Yehudi Menuhin：「Maurice Ravel suddenly burst into our midst, the ink still drying on a piano-and-violin sonata which he had brought along. It seemed his publisher, Durand, wished to hear it immediately. . . . Then, with Ravel at the piano, sight-read the complex work, pausing now and again for elucidation. Ravel would have let matters rest there, but Enesco suggested they have one more run-through, whereupon he laid the manuscript to one side and played the entire work from memory.」
1927年開始，曼紐因赴巴黎追隨 安奈斯可學習。
爵士音樂之影響
由於造訪美國旅行演奏，拉威爾有機會與各界音樂人式碰面，包含了當時想拜師的 喬治.蓋希文。當時已經是著名爵士音樂作曲家的蓋西文，曾想向拉威爾拜師，但被拒絕了。拉威爾的理由是不想讓蓋西文失去原本的創作力， 但兩人成為好友。據說當蓋希文提出要學習作曲時，拉威爾問了蓋西文作曲的收入，還開玩笑地回覆「你賺的錢遠遠多多於我，應該是我向你學習才對…」
爵士音樂對拉威爾非常有吸引力，後來他所創作的「左手鋼琴協奏曲」以及「G大調鋼琴協奏曲」，均明顯反映出到爵士音階與樂風的影響。
照片：拉威爾與蓋希文
照片：拉威爾 與 爵士樂團指揮 保羅·懷特曼合照。 （保羅·懷特曼（Paul Whiteman, 1890-1967）就是 蓋希文著名《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）的首演指揮家。）
第一號《小提琴奏鳴曲》（1897）
單樂章 曲式簡表
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| 結構 | 段落 | 小節 |
| 呈 示 部 | 第一樂念 | 1-33 |
| 過門 | 34-39 | |
| 第二樂念 | 40-63 | |
| 結束樂段 | 64-73 | |
| 第一主題再現 | 74-80 | |
| 發 展 部 | 動機發展 I | 81-120 |
| 動機發展 II | 121-169 | |
| 動機發展 III | 170-200 | |
| 再 現 部 | 第一樂念 | 201-215 |
| 第二樂念 | 216-233 | |
| 結束樂段 | 234-243 | |
| 尾奏 | 244-251 |
https://www.youtube.com/watch?v=dewjQXrpffQ
第一號《小提琴奏鳴曲》（1897）
精彩演奏版本
Kavakos Leonidas & Yuja Wang
Live' at Carnegie Hall（2014）
https://www.youtube.com/watch?v=SVv0DfeBpTE
第二號《小提琴奏鳴曲》（1927）
拉威爾 包含弦樂之室內樂作品整理
| 作品名稱 | 樂章數 | 編制 | 創作年份 |
| 小提琴奏鳴曲 Sonate pour piano et violon |
1 | 小提琴、鋼琴 | 1897 年 |
| 弦樂四重奏曲 Quatuor |
4 | 小提琴2、中提琴、大提琴 | 1902-1903 年 |
| 序奏與快板 Introduction et Allegro |
1 | 豎琴、長笛、豎笛、 小提琴2、中提琴、大提琴 | 1905 年 |
| 鋼琴三重奏曲 Trio |
4 | 小提琴、大提琴、鋼琴 | 1914 年 |
| 小提琴與大提琴之奏鳴曲 Sonate pour violon et violoncelle |
4 | 小提琴、大提琴 | 1920-1922 年 |
| 依佛瑞之名的搖籃曲 Berceuse sur le nom de Gabriel Fauré |
1 | 小提琴、鋼琴 | 1922 年 |
| 吉普賽人 Tzigane |
1 | 小提琴、鋼琴 | 1924 年 |
| 小提琴奏鳴曲 Sonate pour violon et piano |
3 | 小提琴、鋼琴 | 1923-1927 年 |
*從上方表格，同時能看出第二號《小提琴奏鳴曲》（1923-1927 年），亦是拉威爾所有含弦樂之器樂室內樂作品中，寫作時間花費最長之一首。
https://www.youtube.com/watch?v=OFbffshku0k
第一樂章 曲式簡表
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| 結構 | 段落 | 小節 |
| 呈 示 部 | 第一主題 | 1-33 |
| 過門 | 34-47（第三拍止） | |
| 第二主題 | 47（第四拍起）- 86 | |
| 結束樂段 | 86（第四拍起）- 96 | |
| 發 展 部 | 動機發展 I | 97-107 |
| 動機發展 II | 108-132 | |
| 動機發展 III | 133-172 | |
| 再 現 部 | 第一主題 | 173-208 |
| 結束樂段 | 209-224 | |
| 尾奏 | 225-232 |
第二樂章 曲式簡表
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| 段落 | 樂段 | 小節 |
| 導奏 | 1-10 | |
| I | A | 11-36 |
| B | 37-53 | |
| A’ | 54-63 | |
| II | C | 64-77 |
| D | 78-94 | |
| III | E | 95-109 |
| E’ | 110-120 | |
| IV | D’ | 121-129 |
| D’’ | 130-137（第一拍止） | |
| 尾奏(A’) | 137（第二拍起）-145 |
第三樂章 曲式簡表
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| 結構 | 段落 | 小節 |
| 呈 示 部 | 導奏 | 1-14 |
| 第一主題 | 15-45 | |
| 過門 | 46-51 | |
| 第二主題 | 52-84 | |
| 結束句 | 85-88 | |
| 發 展 部 | 動機發展 I | 89-114 |
| 動機發展 II | 115-138 | |
| 再 現 部 | 第一主題 | 139-154 |
| 高潮樂段 | 155-176 | |
| 尾奏 | 177-194 |
第二號《小提琴奏鳴曲》（1927）
精彩演奏版本
Bomsori Kim & ChangYoung Shin
Ravel's Violin Sonata No. 2 on the composer's 143rd birthday.
才藝兼備的南韓小提琴家 Bomsori Kim 김봄소리，是 2016年 維尼奧斯夫基國際小提琴大賽第二名、2015年 伊莉莎白小提琴大賽桂冠 與 柴可夫斯基國際小提琴大賽第五名，以及 2013年第六十二屆ARD慕尼黑國際音樂大賽第二名得主。演奏細膩精湛，近年之錄音也獲得國際間一片好評。
https://www.youtube.com/watch?v=2v2mZ8PGqbU
Janine Jansen & Itamar Golan
來自荷蘭的美麗小提琴演奏家吉妮.楊森（Janine Jansen, b.1978），是 iTunes下載女王，唱片暢銷，音樂會場次豐富，蹦藝術也曾撰文介紹，詳細請見專文。
延伸閱讀：
https://www.youtube.com/watch?v=CFsfXRVKZ2k
延伸閱讀 蹦藝術 拉威爾相關文章：
【BON音樂】法國作曲家 拉威爾 兩首小提琴奏鳴曲 介紹
【BON音樂】法國作曲家 拉威爾 《吉普賽人》（Tzigane）作品介紹
【BON音樂】帕胡德談拉威爾《達夫尼與克羅伊》Daphnis et Chloé 第2號管弦組曲 長笛獨奏詮釋
下方筆者同步附上【拉威爾音樂作品總整理】之網頁資訊：
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【BON音樂】解構《藍色多瑙河》：維也納新年音樂會大會師
【BON音樂】解構《藍色多瑙河》：維也納新年音樂會大會師
from "An der schönen blauen Donau" to New Year concert
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART
《藍色多瑙河》簡介（資訊整理於網路）
《藍色多瑙河》（An der schönen blauen Donau），是奧地利作曲家小約翰·史特勞斯於1867年所創作的一首圓舞曲，作品編號第314號。這首歌與《維也納森林的故事》、《皇帝圓舞曲》並稱為史特勞斯的三大圓舞曲，而其中《藍色多瑙河》最負盛名，更成為了維也納華爾茲音樂的代名詞。
在1867年的巴黎世界博覽會上取得巨大成功，從此以後在世界各地演奏。目前已被視為奧地利的「第二國歌」。此曲是每年維也納新年音樂會的保留曲目之一，作為傳統在新年夜之午夜時分剛過的時候演奏。
現今，奧地利航空公司班機起飛前和落地後都播放《藍色多瑙河》；由於整首樂曲長度各好10分鐘，在香港，高級程度會考英語，運用的聆聽考試時以這首樂曲，作為最終答案整理背景音樂（剛好達到倒數計時的效果）...連最近的韓劇《魷魚遊戲》，都出現《藍色多瑙河》作為參與遊戲的人們晨起時的集合音樂，平靜祥和的樂音中竟然埋藏殺機，更是近年韓劇使用配樂的經典範例。
韓劇《魷魚遊戲》使用《藍色多瑙河》場景
https://youtu.be/3c27hYHxCaQ
各種創意
https://youtu.be/vqssHDGKF5g
https://youtu.be/QamUjO6ek9U
奧地利的舞會跳華爾茲舞的傳統行之有年，大多數奧地利青少年都需要學跳華爾茲，不侷限是否出身自上流社團。
跟著《藍色多瑙河》跳華爾茲，是最經典而重要的：整首曲子將近10分鐘，而且速度越來越快，不淡有著圓舞曲的優雅，也同樣有著欣賞歌劇般的戲劇氛圍與欣賞表演的感受～跳舞時更如同自己如同明星一般～這都是《藍色多瑙河》的出色魅力。
每年的跨年夜，奧地利電視、電台總會在午夜時分播出維也納聖史蒂芬大教堂的鐘聲，辭舊迎新。
然後，隨著《藍色多瑙河》樂聲，所有的人都會開始跳舞，慶賀新的一年到來。
維也納的各式各樣華爾茲舞會
圖片來源：「VIENNA OPERA BALL 2016」
創作背景（取自維基百科）
1866年奧地利帝國在普奧戰爭中慘敗，帝國首都維也納的民眾陷於沉悶的情緒之中。為了擺脫這種情緒，小約翰史特勞斯接受維也納男聲合唱協會指揮赫貝克的委託，創作一部「象徵維也納生命活力」的圓舞曲。此曲1867年2月9日作為合唱曲首演，觀眾反應平平。但在半年後，小約翰史特勞斯在巴黎世界博覽會上親自指揮該曲，作為不帶合唱的管弦樂演奏，反而獲得巨大成功，法國皇帝拿破崙三世親臨奧地利使館表示讚賞。8月，小約翰史特勞斯遠赴倫敦指揮演奏了該曲，同樣獲得巨大成功。自此世界各國紛紛印刷《藍色多瑙河》的曲譜、並不斷地演奏此曲，暢銷至今。
在首演七年之後的1874年，奧地利音樂評論家愛德華·漢斯力克評論稱，《藍色多瑙河》已同祝福皇帝和皇室國歌並列，被奧地利人視為歌頌國土和國民的一首國歌了。
小約翰.史特勞斯
作曲家親筆簽名寫下之《藍色多瑙河》樂曲主題
《藍色多瑙河》歌詞版本中文翻譯（男聲合唱團專用）：（取自維基百科）
| 德語原文 | 中文翻譯 |
|---|---|
| Donau so blau, so schön und blau,
durch Tal und Au wogst ruhig du hin, dich grüßt unser Wien, dein silbernes Band. knupft Land an Land und frohliche Herzen schlagen an deinem schonen Strand.Weit vom Schwarzwald her eilst du hin zum Meer, spendest Segen allerwegen, Ostwärts geht dein Lauf, nimmst viel Bruder auf: Bild der Einigkeit für alle Zeit! Alte Burgen Seh'n nieder von den Höh'n, grüssen gerne dich von ferne und der Berge Kranz, hell vom Morgen glanz, spiegelt sich in deiner Wellen Tanz.Die Nixen duf dem Grund, die geben's flusternd kund, was alles du erschaut, seit dem über dir der Himmel blaut. Drum schon in alter Zeit ward dir manch Lied geweiht; und mit dem hellsten Klang preist immer auf's Neu dich unser Sang.Halt'an deine Fluten bei Wien, es liebt dich ja so sehr! Du findest, wohin du magst zieh'n, ein zweites Wien nicht mehr! Hier quillt aus voller Brust der Zauber heit'rer Lust, und Treuer, deutscher Sinn streut aus seine Saat von hier weithin.Du kennst wohl gut deinen Bruder, den Rhein, an seinen Ufern wächst herrlicher Wein, dort auch steht bei Tag und bei Nacht die feste treue Wacht. Doch neid' ihm nicht jene himmlische Gab', bei dir auch strömt reicher Segen herab, und es schützt die tapfere Hand auch unser Heimatland!D'rum laßt uns einig sein, schliesst Brüder, fest den Reih'n, froh auch in trüber Zeit, Mut, wenn Gefahr uns dräut, Heimat am Donaustrand, bist uns'rer Herzen Band, dir sei für alle ZeitGut und Blut geweiht! Das Schifflein fährt auf den Wellen so sacht, still ist die Nacht, die Liebe nur wacht, der Schiffer flüstert der Liebsten ins Ohr, daß längst schon sein Herz sie erkor. O Himmel, sei gnädig dem liebenden Paar, schutz' vor Gefahr es immerdar! Nun fahren dahin sie in seliger Ruh', O Schifflein, far' immer nur zu!Junges Blut, frischer Muth, o wie glücklich macht, dem vereint ihr lacht! Lieb und Lust schwellt die Brust, hat das Größte in der Welt vollbracht.Nun singst ein fröhliches seliges Lied, das wie Jauchzen die Lüfte durchzieht, von den Herzen laut widerklingt und ein festes Band um uns schlingt.Frei und treu in Lied und Tat, bringt ein Hoch der Wienerstadt, die auf's Neu' erstand voller Pracht und die Herzen erobert mit Macht.Und zum Schluß bringt noch einen Gruß uns'rer lieben Donau dem herrlichen Fluß. Was der Tag uns auch bringen mag, Treu' und Einigkeit soll uns schützen zu jeglicher Zeit! |
多瑙河多麼藍、多麼亮，
溪谷、田野，你總是平靜地流過。 維也納要跟你打招呼。 你這銀色的溪流 無論到那裡總教人滿心欣喜— 你極美的河岸總教人滿心欣喜。黑森林的遠處， 你奔流入海， 把祝福帶給萬物。 你是向東的流水， 喜迎你兄弟的境況， 安祥和平，恆久不變！ 巍峨的古堡一邊俯瞰， 一邊在峭壁上笑著問候你， 陡峭的峻岭， 遙遠的山景， 都映照在你舞動的波濤上！居於河床的美人魚， 在你流過時喁喁低語。 美人魚的低語， 藍天之下的萬物俱能聽見。 你的涓涓流水， 是遠古的歌； 是你嘹亮的歌聲 讓你萬古長存。 多瑙河的波濤， 您非常了解您的兄弟萊茵河， 因此，讓我們團結起來， 船在海浪中如此柔和地行駛， 現在唱一首快樂而幸福的歌， 歌舞中的自由和忠實， 最後 |
合唱版本欣賞
https://youtu.be/-kfOs0N_LY4
布拉姆斯也瘋狂
在這張經典的布拉姆斯與小約翰史特勞斯的合照（1894年9月2日）下方，有著布拉姆斯親筆手繪的《藍色多瑙河》樂譜，上面布拉姆斯更親筆寫下：「不幸的，此曲非布拉姆斯所作！」（多希望我寫能創作這樣的音樂～）我想，這是作曲家之間最親密、最友善的交流方式了～
另一個後期的擁護者是理察·史特勞斯（雖然同姓，但並非維也納的史特勞斯家族），他在自己所作的《玫瑰騎士》一劇，有一句這樣的對白：「我怎麼可能會忘記那個維也納的天才呢？」
史特勞斯家族
下方照片由左至右：老約翰史特勞斯、約瑟夫史特勞斯、小約翰史特勞斯與愛德華史特勞斯。
| 【老約翰．史特勞斯生平簡介】
約翰‧史特勞斯為奧地利作曲家，1804年3月14日生於維也納。其父為維也納一家旅館和舞廳的老闆，早逝後母親改嫁，繼父讓他學習小提琴，雖然他很快就掌握技巧及旋律，家境不佳仍使他的音樂前途無以為繼，直到遇見當時著名的小提琴教師波里‧薛斯基收他為徒，才改變其一生。十五歲起，約翰就靠著琴藝自食其力，二十一歲開始寫作圓舞曲。他先加入蘭納旗下的樂團擔任小提琴手，後因蘭納剽竊他的作品憤而退出自組樂團。他不僅訓練出當時全歐最出色的樂團，更率團在歐洲各地旅行演奏，作品傳遍各地，也為他贏得「圓舞曲之父」美譽。 約翰與酒店老闆女兒安娜‧瑪莉亞‧舒特雷蒙結婚，生下約翰‧史特勞斯二世，也就是後來的「圓舞曲之王」小約翰．史特勞斯，次子約瑟夫，三子愛德華也都是知名的圓舞曲音樂家。1834年約翰三十歲時，他所領導的樂團已擁有兩百名以上團員。後來其子小約翰‧史特勞斯克紹箕裘，如明星般正式崛起，取代老約翰在歐洲的明星演奏家地位。 除了圓舞曲外，史特勞斯家族也以寫作進行曲和波卡舞曲聞名於世，老約翰一生共寫了18首進行曲，152首圓舞曲，以及13首波卡舞曲等，代表作即著名的「拉戴斯基進行曲」，作品由長子小約翰編為全集。約翰‧史特勞斯於1849年9月得了猩紅熱，以四十五歲壯年逝於家鄉維也納。史特勞斯家族的音樂可能是古典樂樂曲中最受歡迎的，自約翰．史特勞斯起，作品均能風行全歐，至今演出不絕。（取自維基百科） |
| 【小約翰．史特勞斯生平簡介】
奧地利作曲家小約翰‧史特勞斯於1825年10月25日生於維也納，父親約翰‧史特勞斯為奧國「圓舞曲之父」，老約翰與酒店少女安娜‧瑪麗亞‧舒特雷蒙結婚，兩人生了三男，老約翰把名字給了長子，也就是人稱「圓舞曲之王」的小約翰‧史特勞斯。 老約翰是著名的音樂家，卻很羨慕正常人的生活，並不希望兒子步上後塵，反而希望小約翰成為銀行家。但是小約翰從小耳濡目染，又目睹父親在音樂方面的成就，對音樂自是喜愛有加。他瞞著父親學習小提琴及作曲，一心希望能同父親一般，拉著小提琴，指揮自己的管絃樂隊，成為圓舞曲作家。 老約翰知道兒子私下學習小提琴，相當不高興，反將他送入商業學院，還請了一位家庭教師嚴格督導十五歲的小約翰，努力讓孩子成為銀行職員。 小約翰十八歲的時候，老約翰．史特勞斯與妻子的離婚訴訟失敗，老約翰失去了子女監護權，此時小約翰才放膽學習音樂。1844年10月15日，小約翰以十九歲的年紀舉行首次公演，轟動全維也納市，當晚精采的演出維也納的報紙隔日以頭條刊出，小約翰一舉成名。後來老約翰逝世，小約翰坐收父親的樂團，並與兩弟弟約瑟夫及愛德華合作經營，建立了龐大的圓舞曲王國，小約翰．史特勞斯也因此被譽為「圓舞曲之王」。也由於史特勞斯父子的努力與競爭，使得當時歐洲的圓舞曲受到空前歡迎。 小約翰當時歐洲社交界名人，卻在三十七歲時娶了比自己年長十歲，富有且相當有名望的亨麗特‧特列曼茲。此時，小約翰將指揮工作交給弟弟約瑟夫及愛德華，專心於作曲，創作出一首又一首的動人樂曲。1870年後小約翰全副精神放在喜歌劇的創作，一共創作了十八首喜歌劇，且使喜歌劇的發展達到高峰，其中最成功的兩部為「蝙蝠」與「吉普賽男爵」。約翰共完成五百首以上的圓舞曲，包括「藍色多瑙河」、「維也納森林的故事」、「藝術家的生涯」等，其中「藍色多瑙河」更為其代表作。 1899年，著名樂評人愛德華·漢斯立克（Eduard Hanslick）寫道：小約翰的離世將會是維也納最後快樂時光的終結。但就在同年，時年74歲的小約翰·史特勞斯因肺炎逝世，並被葬在維也納中央公墓（Zentralfriedhof）。 1899年5月22日小約翰在劇院指揮「蝙蝠」時，突然不支倒地，6月3日就因肺炎告別世人，遺骸葬在維也納的中央墓地。（取自維基百科） |
小約翰的家庭合照
總譜欣賞
| 0:00 Introduction
1:45 Nr1 2:55 Nr2 3:41 Nr3 4:25 Nr4 5:45 Nr5 7:00 Coda 2 |
https://youtu.be/eFqFazzYgmY
樂段與主題
https://youtu.be/YdmNpKN_h6U
維也納新年音樂會之歷史：（取自維基百科）
世界許多大的管弦樂團每逢新年，都舉辦新年音樂會，這些音樂會的曲子不乏約翰˙史特勞斯的圓舞曲，這個新年音樂會的慣例多半是從維也納愛樂管弦樂團的傳統而來的。維也納愛樂管弦樂團在每年的新年於維也納音樂協會大樓黃金音樂廳所舉辦的新年音樂會已經有五、六十年的歷史了，根據報導2002年的新年音樂會已經有65個國家進行轉播，將近12億的觀眾聆賞這場新年音樂會，每年越來越多的聽眾可以欣賞到這場音樂會的轉播。
原本小約翰˙史特勞斯的圓舞曲作品，只有他所擁有的六個樂團演奏，這算是獨家企業，他帶領他的樂團到各地巡迴演奏他的作品，為他賺來大把的鈔票。
1873年小約翰˙史特勞斯為了舉辦一場宮廷歌劇院舞會，邀集了維也納宮廷歌劇院管弦樂團的成員，這也包括了維也納愛樂的成員，一直到他去世，小約翰˙史特勞斯都與維也納愛樂維持這樣的關係。
1925年小約翰˙史特勞斯100年的冥誕，一場紀念音樂會，維也納愛樂管弦樂團決定全場以小約翰˙史特勞斯的作品來演奏，以表紀念這位維也納音樂家，這是第一次維也納愛樂全場演奏史特勞斯的作品。
1939年12月31日，著名的指揮家克勞斯(Clemens Krauss)第一次舉辦一場全為史特勞斯圓舞曲的『跨年音樂會』，之後，這個新年音樂會活動變成了慣例。樂團首席包斯考夫斯基(Willi Boskovsky)從1955年到1979年期間兼任指揮的工作，指揮每一年的新年音樂會，1980年包斯考夫斯基健康狀況不佳，改由馬歇爾接下指揮的工作，從1987年開始維也納愛樂決定每年邀請不同的指揮家來擔任新年音樂會的指揮工作，1987年由卡拉揚(Herbert von Karajan)擔任；1988年為阿巴多(Claudio Abbado)；1989年為小克萊伯(Carlos Kliber)；1990年為梅塔(Zubin Mehta)；1991年再度為阿巴多；1992年原定由伯恩斯坦(Leonard Bernstein)指揮，但因為他突然的逝世，使得這場音樂會臨時改由小克萊伯指揮；1993年為慕提(Riccardo Muti)；1994年為馬歇爾；1995年為梅塔；1996年為馬歇爾；1997年為慕提；1998年為梅塔；1999年為馬歇爾，2000年慕提﹔2001年由哈農庫特(Nikolaus Harnoncourt)﹔2002年由日本指揮家小澤征爾擔任﹔2003年將由哈農庫特再度指揮。(維也納愛樂管弦樂團在1933年停止設立常任指揮一職)
維也納愛樂管弦樂團簡介：（取自維基百科）
維也納愛樂管弦樂團（德文：Wiener Philharmoniker，簡稱：維也納愛樂）成立於1842年。其成員來自於維也納國家歌劇院（Wiener Staatsoper），音樂會演出時改稱為維也納愛樂，屬於私人組織。後來經眾多指揮名家的打造，成為世界上最頂尖的樂團。160多年來，沒有一支歐洲樂團能夠像維也納愛樂一樣，如此長久緊密地將歷史與歐洲音樂藝術傳統結合在一起。
第一場維也納的史特勞斯音樂會於1939年12月31日舉行，空前絕後的音樂會受到各界好評，也掀起整個奧地利對號稱華爾滋國王-史特勞斯家族的熱潮。1946年1月1日，「新年音樂會」掛起金字招牌，往後每年的這天成為全世界男女老少共同期待的新年盛會。這場音樂會曲目多為圓年曲、波卡舞曲、進行曲，充滿愉悅的氣氛，為新年音樂會帶來燦爛星光。
1939年著名指揮家克勞斯帶領全世界歷史最悠久的維也納愛樂管弦樂團，受到熱烈歡迎。每年的指揮人選，都由維也納愛樂交響樂團的團員進行投票決定。維也納新年音樂會1939年開始，每年1月1日都是在維也納的「金色大廳」舉行，其中曾因戰爭一度中斷，1959年又重新恢復，是維也納最古老也最現代的音樂廳。
金色大廳始建于1867年，1869年竣工。是義大利文藝復興式建築。外牆黃紅兩色相間，屋頂上豎立著許多音樂女神雕像，古雅別致。金碧輝煌的建築風格和華麗璀璨的音響效果使其無愧于金色的美稱。在每年的新年音樂會的電視轉播中，全世界的愛樂者都可以在聆聽音樂的同時一睹『金色大廳』的風采。自大廳落成那天起，維也納愛樂樂團之聲就在這裡與『金色大廳』相得益彰，『世界第一樂團』與『世界首席音樂廳』交相輝映。
在這裡，弦樂器與木管樂器、木管樂器與銅管樂器的平衡達到了巧妙無比的境界。也因此，每年一度的新年音樂會才帶給全世界音樂愛好者難以忘懷的視聽享受。
Erich Kleiber conducting Johann Strauss's Waltz An der schönen, blauen Donau (Berlin 1932)
https://youtu.be/YhcwQ-t9EoI
1975年新年音樂會
Neujahrskonzert 1975 , An der schönen blauen Donau, Wiener Männergesang-Verein (Donauwalzer)
https://youtu.be/g7XqLD8iIDA
1987年卡拉揚經典的新年音樂會
https://youtu.be/XtSfPZj8QCU?t=4873
1989年新年音樂會
An der schönen blauen Donau, Op. 314 《藍色多瑙河》 - Carlos Kleiber 維也納愛樂
https://youtu.be/x3FlK9LPUmc
2000年新年音樂會
Riccardo Muti - Johann Strauss "An der schönen blauen Donau" (walzer), op.314
https://youtu.be/gcmbdw1w6Fw
2010年新年音樂會
Neujahrskonzert 1.1.2010. An der schönen blauen Donau (Donau Waltzer) - Georges Pretre
https://youtu.be/JyZUgTQVPkY
2011年新年音樂會
https://youtu.be/oRA01Fg0WF0
2012年新年音樂會
https://youtu.be/p9vh-tSZCoI
2014年新年音樂會
https://youtu.be/iOD2tvNuzig
2020年新年音樂會
https://youtu.be/mTSjMSiJo78
2022年新年音樂會資訊
The 2022 Vienna Philharmonic New Year's Concert takes place on January 1, 2022, under the baton of Daniel Barenboim in the Golden Hall of the Musikverein in Vienna. Daniel Barenboim's close musical partnership with the Vienna Philharmonic started in 1965. After 2009 and 2014 the concert on January 1st marks the 3rd time, that Daniel Barenboim conducts this prestigious concert event.
The 2022 New Year's Concert will be broadcast in over 90 countries and followed by millions of television viewers around the world.
The Programme of the New Year's Concert 2022
知名猶太裔鋼琴家暨指揮家丹尼爾．巴倫波因（Daniel BARENBOIM）第三度擔任維也納新年音樂會指揮。目前身兼「柏林國立歌劇院」音樂總監及「柏林國立樂團」的終身首席指揮的巴倫波因，在2022年即將邁入80大壽，延續與維也納愛樂長期的合作，繼2009、2014年後，再次擔任2022維也納愛樂新年音樂會的指揮。
2022年演出曲目（取自衛武營新年音樂會網站）
- 約瑟夫．史特勞斯：《鳳凰》進行曲，作品105*
- 小約翰．史特勞斯：《鳳凰之翼》，圓舞曲，作品125
- 約瑟夫．史特勞斯：《女妖》，馬厝卡波卡舞曲，作品248*
- 小約瑟夫．黑爾梅斯伯格：《小報》，加洛普舞曲，作品4
- 小約翰．史特勞斯：《晨報》，圓舞曲，作品279
- 愛德華．史特勞斯：《編年簡史》，快速波卡舞曲，作品128*
-中場休息-
- 小約翰．史特勞斯：《蝙蝠》序曲
- 小約翰．史特勞斯：《香檳波卡舞曲》，《音樂玩笑》，作品211
- 卡爾．米夏埃爾．齊赫：《夜貓子》，圓舞曲，作品466*
- 小約翰．史特勞斯：《波斯》進行曲，作品289
- 小約翰．史特勞斯：《一千零一夜》，圓舞曲，作品346
- 愛德華．史特勞斯：《向布拉格致意》，法式波卡舞曲，作品144
- 小約瑟夫．黑爾梅斯伯格：《侏儒》，個性小品*
- 約瑟夫．史特勞斯：《寧芙波卡舞曲》，法式波卡舞曲，作品50*
- 約瑟夫．史特勞斯：《天體樂聲》，圓舞曲，作品235
*首次於維也納新年音樂會演出之曲目
台灣轉播資訊
2022維也納愛樂新年音樂會—全球衛星直播
維也納愛樂每年在維也納舉辦約40場音樂會，其中新年音樂會和仲夏夜露天音樂會（Summer Night Concert Schönbrunn）會在世界多個國家同步直播。樂團每年還會進駐薩爾茲堡音樂節，同時國際的巡演一年超過50場。所有這些活動都彰顯了維也納愛樂樂團作為全球最頂尖樂團的聲望。
2022年將是衛武營連續第14年舉辦維也納愛樂新年音樂會戶外直播，確認將由知名猶太裔鋼琴家暨指揮家丹尼爾．巴倫波因（Daniel BARENBOIM）第三度擔任指揮，目前身兼「柏林國立歌劇院」音樂總監及「柏林國立樂團」的終身首席指揮的巴倫波因，在2022年即將邁入80大壽，延續與維也納愛樂長期的合作，繼2009、2014年後，再次擔任2022維也納愛樂新年音樂會的指揮。
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【BON音樂】50+ 最偉大交響樂團之旅（四）- 洛杉磯愛樂樂團（Los Angeles Philharmonic）
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12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會 |
「洛杉磯愛樂」百年老店走向21世界迎向新風格
成立於1919年的洛杉磯愛樂，自成立起在歷任音樂總監的帶領下，持續進化蛻變，樂團堅實地從20世紀進化為21世紀具有華麗音色與音響效果的世界名團，風格大膽、自由並兼具創新。尤其2003年耗費3千5百萬美金鉅資興建的迪士尼音樂廳，除了是洛杉磯有史以來最昂貴的建築，更被譽為全球演奏音響效果最佳的音樂廳之一。本場講座將為您從百年前的樂團草創時期，仔細釐清樂團發展與獨特性，讓您充分理解為何洛杉磯愛樂能在21世紀站穩腳跟，成為備受肯定之樂團。
晉級百年老店 - 洛杉磯愛樂樂團
1919年創立至今的美國頂尖樂團之一洛杉磯愛樂，自成立起陸續由羅金斯基（Artur Rodzinski）、克倫貝勒（Otto Klemperer）等帶領，在這樣的基礎下，在 60 年代由祖賓‧梅塔（Zubin Mehta）的訓練下凝聚出獨特而華麗的音色，接下來朱里尼（Carlo Maria Giulini）則強化的了樂團的細緻度與表現能力，贏得廣泛的國際聲譽與樂迷的喜愛，後續兩位總監普列文與薩洛寧則讓樂團堅實地從20世紀進化為21世紀具有華麗音色與音響效果的名團，風格大膽、自由並兼具創新。
2009年上任的音樂總監古斯塔夫・杜達（Gustavo Adolfo Dudamel Ramírez, b. 1981.01.26.），替洛杉磯愛樂注入了年輕的活力，更在美國樂壇產生「杜達美瘋」（Dudamania）的情況。杜達美除了指揮風格讓人耳目一新外，更致力於讓古典音樂走入社區、學校，受到年輕人的喜愛，並且將迪士尼音樂廳周邊，變成了洛杉磯的音樂藝術特區。
LA Phil 100 預告片
https://youtu.be/WkjaZtB3ljU
https://youtu.be/Y61hF7HD8bo
百年紀念
兩位重量級音樂總監沙隆年與祖賓梅塔現身，與杜達美組成最強 LA Phil 三劍客
https://youtu.be/TZuop13Fk4E
歷任指揮（資料取自維基百科）
- 古斯塔沃·杜達梅爾（2009年迄今）
- 埃薩-佩卡·薩洛寧（1992年–2009年）
- 安德烈·普列文（1985年–1989年）
- 卡爾羅·馬里亞·朱里尼（1978年–1984年）
- 祖賓·梅塔（1962年–1978年）
- 愛德華·范·拜農（1956年–1959年）
- 阿爾弗雷德·華倫斯坦（1943年–1956年）
- 奧托·克倫佩勒（1933年–1939年）
- 阿圖爾·羅津斯基（1929年–1933年）
- 喬治·施內沃特（1927年–1929年）
- 沃爾特·亨利·羅斯威爾（1919年–1927年）
樂團簡史與發展
（文字資料取自華人百科，筆者略微潤飾修改）
在建立一個職業樂團的嘗試多次失敗之後，直到1898年洛杉磯才有了第一個樂團--洛杉磯交響樂團，同時也有了它的年度的音樂會演出計畫，哈利·漢密爾頓擔任了這個樂團的第一任指揮。到了1919年，這個組織變成了洛杉磯愛樂樂團。
1919年的洛杉磯愛樂樂團。
洛杉磯愛樂樂團的建立與一位名叫威廉·克拉克 Jr.（W.A. Clark Jr.）的醉心於音樂的愛好者有直接的關係。克拉克是個熱心的藝術贊助人、書籍收藏家和業餘音樂家，一向願意為了音樂而慷慨解囊，洛杉磯愛樂樂團在1919年的成立正是他倡議及幫助的結果。來自克拉克的經濟資助使樂團能夠成為一個永久的團體而生存下去，同時，克拉克還請來了聖保羅交響樂團的瓦爾特·亨利·羅斯維爾作為洛杉磯愛樂樂團的第一任指揮。經過11天短暫而緊張的排練，樂團於這一年的10月下旬舉行了盛大的建團音樂會，94名演奏家組成的樂團在2400名家鄉父老面前亮相，這也是這座城市有史以來最龐大的一支樂團。洛杉磯的市民們終於在多年的期盼之後迎來了它的真正意義上的職業樂團。
樂團成立的關鍵人物：威廉·克拉克 Jr.
在樂團建立初期的15年裏，克拉克向樂團捐獻的數額總共超過了300萬美元，這在當時是一個相當驚人的數位。直到1934年，樂團一直不斷地收到來自于克拉克的無償捐贈。
羅斯維爾在洛杉磯愛樂樂團的任職從第一場公開音樂會起，直到1927年逝世為止。在長期的合作中，為樂團打下了良好的合奏基礎，此後樂團的指揮中除了曾短期指揮喬治·施內福伊特之外，都是在國際舞台上享有盛譽的指揮家。
首任指揮亨利.羅斯維爾：
1920年代洛杉磯愛樂樂團於「好萊塢露天劇場」露天音樂會照片（可以看到當時都還沒屋頂，因為要等到1922年「好萊塢露天劇場」才會完工開幕）
阿圖爾·羅津斯基于1929年到1933年之間擔任過樂團的首席指揮，這位波蘭籍指揮家以歌劇、多變化的節目設計和對俄羅斯音樂的詮釋而廣受歡迎。 他於 1933 年 4 月前往克利夫蘭管弦樂團，以華格納作品和林姆斯基-高沙可夫的《天方夜譚》音樂會結束他在洛杉磯愛樂最後的任期。
「一塊錢救樂團」 - 艱難的樂團財政
愛樂樂團創始人威廉·克拉克 Jr. 於1928年宣布結束他每年向樂團捐款 200,000 美元的措施。克拉克表示，自樂團成立至今，覺得自己做得夠多了，這位慈善家的代表說：「他覺得現在是時候了……樂團必須靠自己的力量站穩腳跟。」 在此之前，克拉克一直是維持樂團運作經費的主要負責人。
當時克拉克繼續向樂團承諾捐款（但改為5萬美元/每年），直到 1934 年 4 月去世為止。
為了存續，樂團發起了團呼「一塊錢救樂團」，即使個體戶小額捐款一樣可以救助洛杉磯愛樂：
隨後繼任的是因逃避納粹的迫害而離開德國的克倫佩勒（Otto·Klemperer, 1885-1973）。
由於自身的猶太血統，克倫佩勒在納粹政權甚囂塵上的一片反猶恐怖中帶領全家逃到了瑞士，在這裏，他得到了來自於洛杉磯的邀請。他于1933年到達這座城市，開始了自己新的生活的同時，也給樂團的歷史寫下了新的一頁。盡管在這之後克倫佩勒也頻繁往返於美國各大城市，周旋於眾多樂團之間，指揮過諸如紐約愛樂樂團和費城管弦樂團等更為出色的樂團，並且組建了匹茲堡交響樂團，但是對於洛杉磯愛樂樂團他還是盡了自己的心力。
在洛杉磯，克倫佩勒與同樣流落異鄉的現代音樂作曲家荀伯格（Arnold Schoenberg）相識，並且指揮洛杉磯愛樂樂團演奏了這位作曲家根據布拉姆斯的鋼琴四重奏而改編的管弦樂曲。演出之後樂團的經理對他說：「我真不明白人們為什麽總說荀伯格的作品沒有旋律，他編寫的旋律簡直太豐富了。」
荀伯格與克倫佩勒有著著大時代動蕩但堅定的友誼，荀伯格為愛樂樂團編曲，之後克倫佩勒幫助勳伯格獲得了加州大學洛杉磯分校的教授職位。
1939年以後，克倫佩勒由於健康狀況極其惡劣，不得不進行腦部的手術，這使他出現了部分麻痹的現象，以致於從此無法使用指揮棒。盡管他還一直擔任著洛杉磯愛樂樂團的首席指揮，直至樂團至1943年任命了新的指揮，但是實際上他已經很少登上這裏的指揮台。這段群龍無首的時間給樂團造成了巨大的損失，演奏水準明顯下降。
克倫佩勒於1938年指揮洛杉磯愛樂錄製德布西《牧神午後前奏曲》錄音
Otto Klemperer: Debussy Prélude à l'après-midi d'un faune, Los Angeles Philharmonic Orchestra, 1938
https://youtu.be/z7sBkEvbRk0
與拉赫曼尼諾夫的音樂合作
俄羅斯作曲家和音樂會鋼琴家拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninoff) 是洛杉磯愛樂的常客，他首次與洛杉磯愛樂樂團合作演出是一起在 Pantages 劇院演奏了拉赫曼尼諾夫的第二鋼琴協奏曲。
在1940年代，拉赫曼尼諾夫已進入職業生涯末段時期，已宣布他打算退出舞台表演，但他之後一直繼續巡迴演出，直到 1943 年去世。
接下來的指揮：阿爾弗雷德·瓦倫斯坦（Alfred Wallenstein）重振了樂團的雄風，也是第一位樂團本土美國指揮。
在從1943年開始的12年中，他一直擔任著洛杉磯愛樂樂團的首席指揮，使這個樂團重返美國最高水準樂團的行列。瓦倫斯坦從幼年時就隨家人來到了洛杉磯，接受最早的音樂教育，1919年洛杉磯愛樂樂團成立時，他作為大提琴手而成為樂團中的一員。在赴歐洲求學之後，瓦倫斯坦回到美國，先後擔任過芝加哥交響樂團和紐約愛樂樂團的首席大提琴，分別在斯托克和托斯卡尼尼等指揮家手下工作。他作為指揮的第一次登台是在1931年，地點是洛杉磯的「好萊塢露天劇場」。瓦倫斯坦在洛杉礬愛樂樂團的任職第一次使人們看到了美國指揮的前景，在此之前，美國各主要樂團的首席指揮之職一直都是由來自于歐洲的指揮所壟斷，而他是進入這個行列的第一個生于美國並且受教于美國的指揮。瓦倫斯坦所帶來的準確無誤和熱情似火的風格在很長的一段時間內成為洛杉磯愛樂樂團最鮮明的特征，同時，他也給予與他同時代的美國作曲家以更多的機會，使他們的作品得以進入音樂會的節目，讓美國人能夠了解到自己的音樂發展趨向。
瓦倫斯坦指揮洛杉磯愛樂樂團與海飛茲錄音，是精彩無比的歷史金唱片：
https://youtu.be/9rvG74sAKQM
1954年與海飛茲錄製柴可夫斯基《憂傷小夜曲》
Tchaikovsky Serenade Melancolique,Op.26(Heifetz,Wallenstein 1954)
https://youtu.be/OMm5bQ-DiuE
瓦倫斯坦卸任後，愛德華·范·拜農成為下一任洛杉磯愛樂樂團的首席指揮（1956-1959），但是這段時期並不太長，疾病纏身和最終的過早謝世使他無法履約直至任期結束。在1954年率阿姆斯特丹音樂廳管弦樂團訪問美國時，拜農溫和中庸的音樂個性就受到許多人的註意，1956年接受來自洛杉磯的邀請後，他每年分出兩個月的時間與洛杉磯愛樂樂團合作。即使是在這種極其有限的時間裏，他仍然在很多方面給樂團施加了影響。洛杉磯愛樂樂團最為典型的優雅和浪漫的表現特點和色彩柔和的音響，很難說不是拜農的功績。
拜農在客席指揮洛杉磯愛樂兩週後謙虛地接受了音樂總監的角色。
他說： 「最好的指揮是觀眾忘記和看不到的」他接受《泰晤士報》訪問時留下這一段話。
鼎盛時期
1961年，喬治·蕭提成為洛杉磯愛樂樂團的首席指揮，但是這項任命未能得到進一步實施便胎死腹中，雙方不歡而散。蕭提的惱火是有原因的，在未向他這位首席指揮通報並取得諒解的情況下，樂團方面就決定聘請年輕的印度人祖賓·梅塔作為首席客座指揮，並且要求他盡可能更多地出現在洛杉磯的舞台上。此舉顯然表現出對蕭提的不恭，於是他憤然辭去了剛剛宣布的首席指揮之職，以示抗議。
於是，梅塔幾乎是奇跡般地順理成章當上了洛杉磯愛樂樂團的新一屆首席指揮，這一年，他才不過剛滿25歲。
不過，如果僅憑他的年齡就認為他水準不高就大錯特錯了，在這一年，他作為最年輕的指揮分別與維也納愛樂樂團和柏林愛樂樂團合作，也在蒙特利爾交響樂團臨時代替突然無法登台的奧曼迪演出，從而將這個樂團的首席指揮職務笑納；無獨有偶，也是在這一年，他首度與洛杉磯愛樂樂團合作，這次是臨時上陣頂替不能出場的萊納。梅塔能夠受到來自洛杉磯愛樂樂團的青睞並不是沒有道理。
在洛杉磯，梅塔果然有令人吃驚的表現。他為樂團創造出一種過去只有在維也納才能聽到的聲音：這是一種溫暖而華麗的弦樂音色，是極為典型的「維也納之聲」。梅塔在維也納求學多年的種子終於在洛杉磯開花結果了。為了達到這個目標，梅塔不僅煞費苦心，而且還努力說服樂團的管理者投資30萬美元購買新樂器，以改善樂團樂器不佳的狀況。
1964年洛杉磯愛樂搬至全新音樂表演廳
洛杉磯愛樂新的音樂中心的正式開幕被譽為南加州音樂新時代的誕生。
「這是20世紀最獨特的城市」祖賓·梅塔在指揮理查·史特勞斯的作品“慶典”（Fanfare）之後對觀眾說。 「我認為，在本世紀中葉，現在開始新的文化生活還為時不晚。 今晚，我們將迎來一個新時代。」
梅塔對於洛杉磯愛樂樂團顯然有著更多的偏愛。有一次，在一個非正式的晚會上，他不慎說出了「我的洛杉磯愛樂樂團比紐約愛樂樂團等等都好」這樣的詞句，誰知在座的紐約記者立即將訊息傳回，並在第二天的晨報上刊發，引起了軒然大波。一向有著高度的自豪感的紐約愛樂樂團馬上取消了梅塔在下一個演出季前來執棒的計畫。後來，梅塔在紐約愛樂樂團全體團員的面前宣布了他的失言，並且表示了歉意，才得到樂團的諒解。
梅塔在洛杉磯的任期到1978年結束，前後歷時16年。此後，他仍然與樂團保持了極為密切的關系，1994年美國世界杯足球賽決賽前夜，帕華洛帝蒂、多明哥和卡列拉斯這三大男高音在洛杉磯的道奇體育場舉行的盛大演唱會，擔任指揮的是梅塔，而樂團則是洛杉磯愛樂。
梅塔的上升趨勢終於在他1978年成為紐約愛樂樂團的首席指揮時達到了頂點，而他在洛杉磯愛樂樂團留下的空缺則由朱利尼接任。這是一個極端專注於音樂的人，在他與洛杉磯愛樂樂團的協定中規定，他將不參與任何有關的社會活動，並且對于樂團的管理事宜概不過問。大量的排練時間是其與樂團合作中最引人註目的特點，他從來不肯在樂團還沒有完全掌握的情況下就貿然地將一部作品拿到音樂會上去接受評判。在1975年他與洛杉磯愛樂樂團合作演出馬勒第九交響曲時，曾經要求有15個小時的排練時間，他說：「不可能以演奏勃拉姆斯的方式去演奏馬勒，也不可能以演奏第一交響曲的方式去演奏第九交響曲。最要緊的首先是搞清楚音符和指法，然後去理解其中的含義。馬勒要求的是特殊的聲音、特殊的心理概念和結構。樂團必須明白這一切，使其成為自然的流露，成為整體的一個部分。」
盡管他的前任梅塔曾經把洛杉磯愛樂樂團推到了美國最優秀的交響樂團的前列從而給後繼者留下了一個難題，但是朱利尼使樂團的演奏更具有深度。他加強了樂團在音樂表現上的能力，使其不再僅僅停留在華麗的音響上。如果說梅塔創造的是一個氣勢宏大的結構，朱利尼則是為這個外殼加入了實質的內涵，使它有血有肉。
近況
1984年，朱利尼的辭職幾乎給洛杉磯愛樂樂團以沉重的打擊，人們無不擔心，由朱利尼所創下的基業會不會從此付諸東流。幸好普列文的繼任使樂團重新獲得生機。但不幸的是，普列文因為與樂團管理階層不能相容，相互之間的重重矛盾令合作難以繼續。從1985年接任到1989年辭職，普列文在洛杉磯的任職只維持了4年便告結束。
此後，樂團度過了幾年沒有首席指揮而只靠客席指揮來維持局面的日子，可喜的是，雖然出現這樣的現象，樂團的觀眾人數並未減少。1992年，來自芬蘭的年輕新秀艾薩一佩卡·薩洛寧（也譯為：沙隆年）出任樂團的首席指揮。
薩洛寧出生於1958年，曾在赫爾辛基西貝柳斯音樂學院學習作曲、指揮和法國號，後來又赴義大利專修作曲。薩洛寧首先是以作曲家的身分而開始音樂生涯，盡管後來成為指揮台上的一顆明星，但是仍然不忘老本行，繼續有新作品問世。
27歲時，薩洛寧成為瑞典廣播交響樂團的指揮，同時還兼任了倫敦愛樂樂團的首席客座指揮。他于1990年在翡冷翠指揮德布西的歌劇《佩裏阿斯與梅麗桑德》成為他通向國際舞台最高點的敲門磚，同一年他還在英國廣播公司的逍遙音樂會的開場演出上指揮了斯特拉文斯基的《俄底普斯王人從1984年以後，他就成為洛杉磯的常客，作為客席指揮頻繁登場，1989年樂團方面終于向外界宣布，薩洛寧將在3年後成為洛杉磯愛樂樂團的首席指揮。
年輕的薩洛寧的上任使洛杉磯愛樂樂團在介紹和演出本世紀音樂作品、特別是近年來的新作方面都有了最大的可能，但是，熱心於當代音樂的薩洛寧並不是毫無保留地支持一切新鮮的思想，而是堅持自己理性的判斷。每當面對新作品時，他絕不是先去聽一聽別人的唱片，而薩洛寧從零開始，以達到藝術創作上的自由境界。他在演奏中總是以精確而優雅的方式去創造清晰的細節。
經歷17年的音樂總監任期，薩洛寧依依不捨地於最後一場指揮洛杉磯愛樂音樂會中與樂迷告別
與年僅26歲的年輕指揮杜達美交接，洛杉磯愛樂即將再次交棒給年輕世代
杜達美的時代．終於來臨
網路KUSO影片
早期他的指揮風格熱情洋溢，近年則專注於音樂內涵，收斂許多不必要的動作
https://youtu.be/dVcGAQylBow
與約翰.威廉斯合作之電影音樂音樂會
https://youtu.be/krp9rQCC9Xo
樂團主場館．華德迪士尼音樂廳
https://youtu.be/eZlPSnx_qK4
華特·迪士尼音樂廳（Walt Disney Concert Hall）位於美國加州洛杉磯，是洛杉磯音樂中心的第四座建物，由普利茲克建築獎得主法蘭克·蓋瑞設計，主廳可容納2265席，還有266個座位的羅伊迪士尼劇院以及百餘座位的小劇場。迪士尼音樂廳是洛杉磯愛樂樂團與合唱團的團本部。其獨特的外觀，使其成為洛杉磯市中心南方大道上的重要地標。 迪士尼音樂廳落成於2003年10月23日，造型具有解構主義建築的重要特徵，以及強烈的蓋瑞金屬片狀屋頂風格。落成後，如同畢爾包古根漢美術館般，引起不少是否破壞市容的紛議，且建築學界亦質疑其內部空間是否提供音樂廳良好的聲學效果與設計。但在幾場音樂演出之後，與洛杉磯音樂中心另一棟重要音樂廳，桃樂絲錢德勒大廳(en)相比，該音樂廳良好的音響效果是廣受讚譽的。 此音樂廳的提案來自於華特·迪士尼的遺孀莉莉安，她宣布捐出5千萬美金建造一座以華特·迪士尼為名的音樂廳，並要具有最佳的音響效果，以及一個莉莉安喜歡的花園。法蘭克蓋瑞在1991年完成了設計圖後，獲得莉莉安的青睞，建造工程於1992年展開。 然而工程前期，在興建音樂廳地下停車場部份就大幅超出預算，停車場在1996年建好時，已花費9千萬到1億1千萬美金，導致洛杉磯縣議會須賣掉政府債券來彌補不足，工程進度的調配與其預算用料的拿捏，都引起不少爭議，地上建物也遲遲無法開工，幸而前洛杉磯市長理察·雷登(en)與加州慈善家艾里·博洛特(en)展開募款活動，地上建物才能在1999年的12月開工建造。 2003年此音樂廳落成時，包括地下停車場，造價已累計到2億7千4百萬美金，其中由迪士尼家族捐款有8仟450萬美金，迪士尼公司捐款2仟5百萬美金。相較於洛杉磯音樂中心的其他三棟建物（於1960年代建造，造價約3千5百萬美金），迪士尼音樂廳可說是洛杉磯有史以來最昂貴的音樂廳建物。（資料取自維基百科）
華特·迪士尼音樂廳
https://youtu.be/tesyMHUgWBI
https://youtu.be/zwF7OFyi5Co
反光問題
迪士尼音樂廳落成後，由於片狀屋頂的反射光引起周邊居民困擾，還產生了一些修正的額外費用。這些凹凸的拋光不鏽鋼板，如同大面的鏡子般，在日照強烈時，會反射炙熱的陽光到周邊的公寓裡，以至這些居民的空調費用爆增，且被反射到的街上，行人經過也都受不了突如其來的高熱，經測量後，路邊溫度可達60℃的高溫。 該音樂廳的售票員也表示，曾多次看到對面街上有施工用警告三角椎，受不了高熱而融化，亦發現有垃圾桶產生自燃現象。諸多的抱怨使得音樂廳不得不再花一筆錢，透過電腦分析，將容易折射光線到人們活動區域的幾片屋頂，使用噴砂的方式將其亮度減低，以避免同樣的問題再次發生。（資料取自維基百科）
百年過去了，樂團過去的兩個音樂會主場館照片
對了，杜達美已經正式成為法國巴黎歌劇院下一任音樂總監，期待2021-2022樂季他更加精彩的表現
步上歐洲歐洲音樂之巔的委內瑞拉指揮大師
【主題三】最偉大交響樂團之旅
台灣每年幾乎都會有世界級的交響樂團前來演奏，票價不算便宜，但卻常常是一票難求～這些世界級的交響樂團各有各的特色及風格，本次古典音樂三部曲-「古典音樂第三堂課」，將一次帶領大家認識四個偉大的世界知名交響樂團。
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12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會12/10「柏林愛樂」古典天團與數位音樂廳的全球魔力12/17「紐約愛樂」美國最具歷史與獨特地之管弦樂團12/24「洛杉磯愛樂」百年老店走向21世界迎向新風格 |
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The Movie "Copying Beethoven"
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第1堂：電影《快樂頌》的貝多芬《合唱》交響曲首演故事
電影《快樂頌》是一部關於貝多芬的虛構傳記電影，而《合唱》交響曲是貫穿整部電影的主線。1824年5月7日，維也納皇室貴族及各界精英人士聚集在肯恩頓門大劇院，準備觀賞貝多芬第九號交響曲《合唱》的首演。已經12年沒有公開演出的貝多芬，背對著觀眾，伴隨著音樂用全身肢體語言洋溢激昂地指揮著這首前無古人的劃時代鉅作。已經全聾的他是如此投入，以至於到音樂結束時依然沒有停下來，是樂團團員走近他，協助貝多芬轉過身面對觀眾，隨即現場爆發出的雷鳴般的掌聲…林仁斌老師將帶領學員在本週了解《快樂頌》中幾幕堪稱經典的動人橋段與音樂。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
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電影資料（取自維基百科）
《快樂頌》（英語：Copying Beethoven），關於樂聖貝多芬的虛構傳記電影，描寫他晚年創作《第九交響曲》時的遭遇。本片由波蘭導演安格妮茲卡·賀蘭執導，兩位編劇兼任製片，2006年11月10日由米高梅公司發行上映，於2007年4月30日發行DVD。
| 基本資料 | |
|---|---|
| 導演 | 艾格妮茲卡·荷蘭 |
| 監製 | Sidney Kimmel Stephen J. Rivele Christopher Wilkinson |
| 編劇 | Stephen J. Rivele Christopher Wilkinson |
| 主演 | 艾德·哈里斯 黛安·克魯格 |
| 配樂 | 路德維希·凡·貝多芬 |
| 攝影 | Ashley Rowe |
| 剪輯 | Alex Mackie |
| 製片商 | 米高梅公司 西德尼·金莫娛樂[*] Myriad Pictures[*] |
| 片長 | 104分鐘 |
| 產地 | 美國 德國 |
| 語言 | 英語 |
| 上映及發行 | |
| 上映日期 | （美國）2006年11月10日 （香港）2007年1月25日 （台灣）2007年3月16日 |
| 發行商 | 米高梅公司 |
| 預算 | $1100萬美元 |
劇情概要（引用自維基百科貝多芬《快樂頌》）
1824年，樂聖貝多芬正在趕工完成新作。這些年來，他孤家寡人，飽受感情創傷，耳疾折磨，距離上次創作出受眾人激賞的作品已有年月[1]。在作品完成的最後階段，貝多芬的御用抄譜員不幸病入膏肓，缺少深通樂理的抄譜員，演奏時樂團勢將無譜可奏。安娜是音樂學院推薦的女抄譜員，胸懷大志，希望藉由這次機會讓貝多芬品評她的創作。脾性狂躁的貝多芬起初懷疑女子能否有才擔此大任，在隨後的相處中，他不只慢慢依賴安娜的幫助，還對安娜產生好感，到最後，安娜成為貝多芬生命中不可忽視的存在，開啟了他心底的那扇門窗。
角色介紹
- 路德維希·凡·貝多芬，由艾德·哈里斯飾演，性格狂躁，直言不諱，終生未婚，晚年將全副心思寄託在姪子卡爾身上，一心希望姪子能接替衣缽，後來卡爾背離伯伯棄琴從戎，對貝多芬造成了很大的打擊。
- 安娜·霍茲（Anna Holtz），由黛安·克魯格（Diane Kruger）飾演，音樂學院推薦給貝多芬的抄譜員，才華洋溢，有一位建築師情人，仰慕貝多芬的才華，希望藉由這次機會也能讓大師品評她的作品。
- 馬丁·鮑爾（Martin Bauer），由馬修·古德（Matthew Goode）飾演，青年建築師，安娜的情人，參與多瑙河橋梁設計，希望藉此受到重視，事業飛黃騰達。
- 卡爾·凡·貝多芬（Karl van Beethoven），由喬·安德森（Joe Anderson）飾演，貝多芬的姪子，父親死後由伯伯爭得監護權，貝多芬對他的音樂事業寄望甚高，但是他對音樂卻興趣缺缺，好賭成性，整天向伯父伸手要錢。
幕後花絮
角色塑造
劇中飾演貝多芬的演員艾德·哈里斯曾經四度提名奧斯卡金像獎，他事前做足準備工作，花了數個月的時間練習鋼琴和小提琴，學習樂團指揮，並且大量閱讀了跟貝多芬有關的書籍，哈里斯受訪時指出，這都是為了「試著從精神與智力層面瞭解貝多芬的音樂才能來自何處」。為了讓哈里斯看來更有大師風範，服裝設計潔妮特敏（Jany Temime）特別著重於「帶著不羈的瀟灑，我要他看起像一位老邁的流行樂手──品味優雅依舊，卻已超脫外界看法。」
在史實裡，抄譜員一共有兩位，並且清一色都是男性。抄譜員一旦錯抄曲譜，就會被貝多芬嚴詞責罵。編劇史蒂芬·瑞凡（Stephen J. Rivele）指出安娜一角是這兩位為貝多芬長期抄寫曲譜的奧地利音樂學生的綜合體。另一位編劇克里斯多福·維金森（Christopher Wilkinson）則從深受貝多芬影響的法國女作曲家蘿倫·菲瑞絲（Lorenc Ferenz）身上獲得靈感，有一件關於貝多芬的軼事也被他加入劇情：「我剛開始研究時，讀到一則讓我很驚訝的有名軼事，有位女性在貝多芬指揮《第九交響曲》的尾章時，提醒他轉身接受觀眾的如雷掌聲。」。這一點與貝多芬交好，並為他作傳的安東·辛德勒（Anton Schindler）也曾記載：「…表演結束後，觀眾爆出熱烈掌聲，而他仍背對著他們站著，後來是卡洛琳·恩格（Caroline Unger，次女高音）想到要把大師的身子轉過來面向觀眾。」
導演安格妮茲卡·賀蘭在取得必要的藝術授權（Artistic licence）後，試圖在劇本對白裡還原貝多芬自傳的內容，「劇本喚起悲慘與詼諧兼具的共鳴，就像他對歷史所產生的影響。同時也道出他如何改寫當時對天才的刻板印象，也改變了作曲家與社會的關係。」
樂團演出
劇中的重頭戲，莫過於長達10分鐘的《第九交響曲》首演片段。1824年5月7日《第九交響曲》配合《莊嚴彌撒》在維也納的康頓劇院（Kärtnerthor-Theater）演出，獲得空前成功。劇組在匈牙利的考托納劇院模擬這幕場景，樂團由當地的凱奇凱梅特交響樂團和合唱團支援演出，初學乍練的哈里斯和樂團表演時相當專心，「在拍攝終曲前的某個段落，導演已經喊卡，但是我們卻停不下來，我一直指揮，交響樂團也持續演奏，直到結束。整座劇院後來爆出如雷掌聲，當時真的很令我心滿意足。」，拍攝時劇院內部擺了600支蠟燭，需要8名「蠟燭管理員」在每個鏡頭間快速點燃或熄滅蠟燭。
拍攝現場樂團雖然實際演奏，但是電影裡的音樂其實是使用了1996年伯納德·海廷克指揮知名的阿姆斯特丹皇家大會堂管弦樂團（Royal Concertgebouw Orchestra）的福茂（Decca）錄音版本。
https://youtu.be/NlHuhiVw958
其它不合史實的地方
- 電影背景設定在1824年貝多芬創作《第九交響曲》期間，影片中貝多芬為耳疾所苦，但是只要說話大聲一點他就聽得見。實際上貝多芬早在1817年就完全失去聽力，創作《第九交響曲》時他已經全聾。
- 影片裡貝多芬曾提及《月光奏鳴曲》，實際上貝多芬的第十四號鋼琴奏鳴曲直到他過世多年以後才定名《月光奏鳴曲》。
- 在影片裡，貝多芬堅持親自上場指揮《第九交響曲》的首演。實際上當時貝多芬已經全聾，所以他只是現身指揮台，不實際指揮，皇家劇場經理約瑟夫·宋萊特納（Joseph Ferdinand von Sonnleithner）這麼形容：「貝多芬本人站在樂隊前面，但實際上樂隊全看烏姆勞夫（Michael Umlauf）指揮，烏姆勞夫打拍子，休帕契赫則為首席小提琴手。」[6]，貝多芬的最後一次實際演出是1811年的第五號鋼琴協奏曲《皇帝》。
延伸閱讀
貝多芬：雙耳失聰仍譜寫出不朽傑作的秘密
- 威廉·馬爾克斯（William Marquez）
- BBC國際部記者
1824年5月7日，維也納皇室貴族及文化精英聚集在維也納肯恩頓門大劇院，觀賞由維也納皇家宮廷歌劇院管弦樂團首演貝多芬的《第九交響曲》。
人們對這部交響曲的期待非常高，因為貝多芬已經很久沒有創作交響曲了，不僅如此，他也已經有12年沒在舞台露面了。
貝多芬終於出現了。而且，這也是第一次在演奏交響曲的過程中加入歌手演唱的新模式。
貝多芬背對著觀眾，伴隨著音樂用全身肢體語言激昂洋溢地指揮著。
他如此投入，以至於到音樂結束時他依然沒有停下來。直到一名獨奏手走近他，讓他轉過身面對觀眾爆發出的雷鳴般的掌聲。
貝多芬此刻已經耳聾，聽不見任何聲音。
難忘的首演之夜
那貝多芬是如何在台上指揮的呢？對此有不同的說法。
牛津大學音樂教授滕布里奇對BBC解釋說，一種說法是，雖然貝多芬站在指揮台上指揮，但實際上還有另外一位音樂指揮協助他。
滕布里奇說，那時人們已經知道貝多芬的聽力狀況，因此，不敢指望他指揮了。
《第九交響曲》很長很複雜，貝多芬又聽不見，可想而知很可能會出現一片混亂。
還有，當時樂團並沒有多少時間對新曲子進行排練，但這在當時很典型。
滕布里奇表示，綜合以上這一切，演出能如此成功已經非常不錯了。
音樂是藝術
這一刻既代表了貝多芬一生的榮譽，同時也象徵著他的悲劇。
貝多芬250年前出生於德國的波恩。但他出生的凖確日期似乎不太確定，有人認為是1770年12月16日，但據記錄記載他是在12月17日受洗的。
貝多芬是一位極具想象力，充滿激情和力量的作曲家。他的性格複雜並自相矛盾。
他成長於歐洲政治動蕩時期，其中包括拿破侖戰爭。
儘管出生於德國，但他被公認為是維也納最偉大的音樂家之一，能與同時代的莫扎特、海頓、舒伯特和維瓦爾第齊名非常不簡單。
滕布里奇說，貝多芬相信音樂絶不僅是一種娛樂形式，它的意義要比那深遠得多。貝多芬認為音樂可以表達思想與情感。
從這一意義上來說，滕布里奇認為貝多芬在把音樂升華為藝術形式中起到了重要作用。
貝多芬給人的印象是暴躁易怒、自私、自戀、吝嗇、不善交際、不修邊幅、愛情不得意、悶悶不樂、酗酒和有疑病性神經症（hypochondriasis，總懷疑自己有病）。
滕布里奇解釋說，這也是貝多芬浪漫之謎的一部分。因為人們更願意相信貝多芬是一位飽受情感煎熬以及病痛折磨的藝術大師。
人們把他描繪成視藝術高於一切的音樂大師，有著超出凡人想象力的創作能力，一位天外奇才。
疾病折磨
雖然貝多芬性格比較難相處，但實際上也很讓人同情，因為貝多芬一生飽受各種疾病折磨，包括不得不忍受一些極其可怕、甚至適得其反的醫學治療。
許多專家後來進行了大量的法醫調查，試圖確定他到底都有哪些病，這些病是否與他的耳聾有關係，以及如何影響他的性格和音樂創造力。
在BBC國際台製作的一部《解剖貝多芬》的紀錄片中，英國神經外科醫生馬什列舉了一份貝多芬疾病的詳細清單。
根據這份清單，貝多芬患有腸炎、大腸激躁症、劇烈腹瀉、惠氏病（又稱惠普爾病，Whipple's disease）、慢性抑鬱症、汞中毒以及疑病性神經症。
1827年3月27日，也就是貝多芬去世後的第二天，當時的名醫瓦格納對貝多芬屍體進行解剖發現，他的腹部腫脹，肝臟嚴重受損，已經萎縮到正常肝臟體積的四分之一，這是由酗酒引起的典型肝硬化。
貝多芬家人有酗酒家族史，他祖母和父親都曾酗酒。
但滕布里奇教授解釋說，貝多芬經常在社交場合喝葡萄酒，但這在當時很正常，因為飲用水不衛生。
美國加州另一位研究人員梅瑞迪斯在分析了貝多芬的頭髮標本後還發現，貝多芬還有可能有鉛中毒，而它與飲酒有關。
當時的釀酒商經常用含有鉛的酒桶發酵葡萄酒汁，這種做法在當時很普遍，因為這樣釀出來的葡萄酒粘稠甘甜。
然而，這種做法卻無意中傷害了顧客。鉛中毒可以導致神經損傷。雖然無法證明貝多芬是否有神經受損。
如何失聰？
根據瓦格納醫生的屍檢報告，貝多芬的聽力嚴重受損。
梅瑞迪斯對BBC表示，貝多芬的耳聾可能與他消化系統的疾病有關，因為發病日期正好吻合。
而且，貝多芬一直抱怨頭痛和發燒。
美國馬里蘭大學醫學院的馬考維阿克博士還提出了另一種理論，他認為貝多芬的耳聾有可能是先天性梅毒導致的副作用所引起的。
馬考維阿克博士認為，是它導致了貝多芬的腸胃疾病和耳聾。但前面提到的神經外科醫生馬什並不認同這一觀點。
馬什表示，在這方面並沒有什麼結論性的證據，只不過是傳聞而已。
耳聾的創傷
但有一點是肯定的，貝多芬的聽力問題在1797-1798年之間就開始了。1802年，貝多芬遵從醫囑離開維也納到附近小城海利根施塔特休養。
貝多芬在這裏給自己的兩位兄弟寫信，透露了自己想自殺和不想見人的念頭。這封信後來成為了「海利根施塔特遺囑」（Heiligenstadt Testament ）。
在信中，貝多芬講述了自己如何在6年前開始飽受耳聾的困擾和痛苦，醫生不僅無法醫治他，而且症狀越來越厲害。
貝多芬還解釋了為什麼他不願意接近人，因為不想讓人知道和注意到他的耳聾。這也解釋了他行為古怪的原因。
但貝多芬並沒有寄出這封信，它是在貝多芬死後在他的一些文件中被發現的。
貝多芬的聽力是逐漸喪失的，一開始他無法聽到某些頻率，直到最後喪失了大部分聽力。
到1818年，貝多芬已經很難聽懂別人所說的話，因此他就讓人把問題和評語寫下來。
但有些軼事顯示，在他去世前他仍能捕捉到某些聲音，比如一些尖叫聲音。
繼續音樂創作
但貝多芬並沒有因為耳聾而停止創作，而且還創作出了最富表達力、生動感人和試驗性的曲目（比如，第九交響曲加入合唱部分）。
滕布里奇教授表示，在海利根施塔特遺囑中，貝多芬相信生命依然有價值並決定繼續音樂創作。他還相信音樂能夠拯救自己。
貝多芬繼續用鋼琴來創作音樂，但他的大腦則是最強大的樂器。
滕布里奇解釋說，別忘了音樂家依賴自己豐富的想象力來創作，也就是說他們腦子裏可以聽到自己想創作的聲音，而且貝多芬從兒童時期就開始寫音樂了。
滕布里奇補充說，雖然貝多芬聽不到外部世界的聲音，但他仍可以聽到自己腦中的音樂，他的大腦音樂能力並沒有退化。
力量與激情
實際上，一些現代專家認為正是雙耳失聰反而在許多方面增強了貝多芬的音樂創作天賦。
英國失聰作曲家理查德對BBC表示，如果你聽力不行，你會更加借助音樂演奏人來表述你的作品。
理查德說，貝多芬失聰後所創作的音樂更加歡樂激昂，音樂線條也更加清晰和突出。
貝多芬可以通過演奏他曲目音樂家的身體語言和活力來判斷自己的音樂，這也是貝多芬對音樂演奏者所要求的。
貝多芬失聰後的音樂作品有了動人心魄的品質。這些音樂令人心碎、感人。
例如，他最後的作品《a小調第十五弦樂四重奏》（ Heiliger Dankgesang，string quartet No.15, Opus 132，也稱為海立根感恩頌）具有令人驚訝的振奮人心的效果。貝多芬想通過這部作品感恩上帝幫助他從疾病中恢復過來。
人道與希望
滕布里奇教授說，雖然有不少證據顯示貝多芬不愛交際和有各種疾病，但貝多芬還有另外一面：友善和風趣。滕布里奇表示，這些都展示了貝多芬的人道素質。
貝多芬還在他人生最困難的時刻創作了「歡樂頌」，這顯示他對未來抱有一線希望。而他後期的作品中也都有表達希望的主題。
還在孩童時期，貝多芬就渴望能為弗里德里希·席勒的詩歌「歡樂頌」譜曲。他最後終於在第九交響曲中實現了這一夙願（第九交響曲的第四樂章）。
滕布里奇解釋說，席勒「歡樂頌」中所表達的博愛和幸福也正是貝多芬在現實政治和社會中所希望看到的。
而且，直到生命最後貝多芬一直都沒有放棄希望。滕布里奇教授提醒說，這是人們所不能忽略和忘記的。
Youtube 《歡樂頌》電影參考版本
https://youtu.be/47qOpbf8MPY
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【BON音樂】認識最困難的五首小提琴曲目～從小提琴名家凡格洛夫的選擇談起
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Maxim Vengerov's most difficult violin pieces
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俄羅斯小提琴名家凡格洛夫，是海飛茲的神弓傳人，手持世上小提琴拍賣價格最高價的“克羅采”史特拉第瓦里小提琴，更是中壯世代最具權威的演奏家與教育家。
這堂特別課程，林仁斌老師將帶領學員融入大師觀點與演奏心法，分析解釋在凡格洛夫眼中，究竟怎樣的「音樂」，會是最困難的呢？
凡格洛夫介紹
（介紹整理自網路與維基百科）
馬克西姆·凡格洛夫（Maxim Alexandrovich Vengerov，1974年8月20日－），俄裔以色列籍小提琴家，中提琴家與指揮家。 早年 5歲時，凡格洛夫開始向加利娜·圖爾查尼諾娃（Galina Tourchaninova）學習小提琴，直至1981年止。1984年到1989年期間，他師從扎哈爾·布朗（Zakhar Bron）。 獨奏事業 1984年，凡格洛夫參加了國際卡洛爾·利皮·斯基和亨利克·維尼亞夫斯基青年小提琴手比賽（International Karol Lipiński and Henryk Wieniawski Young Violin Player Competition），並獲得第一名。1990年，他贏得了倫敦的弗萊什·卡羅伊國際小提琴比賽，演出與錄音的邀約接踵而至。 1997年，凡格洛夫接受了聯合國教科文組織的親善大使任命，是該職史上第一位古典音樂界人士，並以大使身分前往烏干達、泰國、科索沃等地，為兒童進行演出。迄今，凡格洛夫的足跡遍佈全球，主要則是在倫敦皇家音樂學院擔任訪問學者，餘外則致力於演奏、教學與評審活動。他曾陸續在多納泰拉·弗里克指揮大賽、曼紐因小提琴大賽、維尼亞夫斯基國際小提琴比賽等重要賽事擔任評審團成員。 凡格洛夫目前使用的是1727年的史特拉迪瓦里小提琴。（手持世上小提琴拍賣價格最高價的“克羅采”史特拉第瓦里小提琴） 指揮活動 除獨奏家身分外，凡格洛夫也嘗試指揮。他在2010年擔任曼紐因節慶樂團的首席指揮，並開始與莫斯科大劇院的首席指揮尤里·西蒙諾夫學習指揮。2013年，凡格洛夫在蒙特婁國際小提琴比賽的決賽輪擔任樂團指揮工作。2014年6月，凡格洛夫以「卓越文憑」的成績自伊波里托夫-伊凡諾夫音樂教育學院（Ippolitov-Ivanov State Musical Pedagogical Institute）畢業，之後則繼續了為期兩年的歌劇指揮課程。 獲獎與榮譽 凡格洛夫曾獲得的獎項包括格萊美獎、愛迪遜獎，以及回聲音樂古典獎的年度肯定。 家庭 凡格洛夫是家中獨子，父親亞歷山大（Aleksandr Vengerov）是新西伯利亞愛樂樂團的首席雙簧管。母親拉瑞莎（Larisa Borisovna Vengerova）是一所孤兒院的經營者，此外也擔任兒童合唱隊的指導老師。 2011年11月，凡格洛夫與藝術史學者歐爾加·葛林戈斯（Olga Gringolts）成婚，兩人育有二女。凡格洛夫一家現居摩納哥。 軼事 90年代，凡格洛夫與Teldec簽訂了兩張專輯的錄音合約，第一張專輯的曲目包括了帕格尼尼的第1號小提琴協奏曲，以及弗朗茨·沃克斯曼的《卡門幻想曲》，第二張專輯則是一系列的炫技曲目。年輕的凡格洛夫對第二張專輯的曲目卻有不同想法，他希望錄製布拉姆斯和貝多芬小提琴奏鳴曲等較為嚴肅的作品。雖然這樣的安排對於年輕演奏家而言相對罕見，凡格洛夫卻相當堅持。「如果我在二張專輯的曲目的決定上沒有發言權，那我兩張專輯都不錄了！」最後，凡格洛夫獲得了勝利，他對此表示：「我想成為一名優秀的音樂家，而不僅僅是一位琴匠。」
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廿一世紀的巨星已然出現！-凡格洛夫備受期待 Maxim Vengerov
我一直覺得我們這一代很幸運，
因為我們不僅抓住了那個充滿大師世代的尾巴，
更親眼目睹、甚至親身參與了新的天才世代的誕生，
還有誰會有如此的際遇呢？
四年前在飛碟唱片公司擔任企劃時，收到一張由梅塔指揮以色列愛樂、凡格洛夫演奏的帕格尼尼小提琴協奏曲第一號，心想又是一位新人，不知有何能耐。正疑惑時，又收到一張總公司來的傳眞，特別聲明這是最近他們簽下的一位百年難得一見的瑰寶，囑咐世界各地分公司要好好宣傳。半信半疑之間將CD放入機器中，當音樂聲響起時，我眞是被驚嚇到了，眞的有那麼一個厲害的角色出現了！ 尤其在那些大師級人物不是退休就是亡故的時候，他的出現更是引人注目。凡格洛夫一九七四年八月十七日生於蘇俄西伯利亞西部首府Novosibirsk，我的第一個念頭是「此人會不會是大衛歐依斯特拉夫的轉世？」(由於當時正迷前世輪迴之說，而大衛逝於一九七四年，所以會有此想法，但後來經查證大衛逝於十月廿四日，應該不是。) 但只憑一張錄音實在不能驟下定論，爲了更了解他，特別到市場上去搜購，結果發現兩張，一張是八六年一月他在莫斯科音樂院大廳演奏會的現場實況錄音；另一張是他進入西方世界後的首張錄音，也是此家唱片公司(Biddulph Recordings)的創業作。當年他與另兩位神童芮邦(Vadim Repin)、紀辛(Yevgeny Kissin)連袂赴德國演出，轟動全世界，其受重視的程度由這家英國的新公司敢以一個新人來打頭陣即可知。 海飛兹再世？！ 一九八六年一月的錄音應該是他的第一張錄音，從他排定的曲目來看(包括聖桑的《哈巴奈拉舞曲》、蕭士塔高維契的十首《前奏曲》、恩斯特的《夏日最後玫瑰變奏曲》、巴季尼的《妖精之舞》等)，幾乎是完全展現他超絕技巧，尤其是《妖精之舞》一曲，去年年底參加帕爾曼訪台小提琴獨奏會的觀眾必定對他最後這首安可曲記憶猶新，凡格洛夫當時雖年僅十一歲，但演奏此首超高難度的曲子時毫不含糊，將現場觀眾的情緒帶到沸騰最高點。 第二張是十五歲的凡格洛夫一九八九年在英國灌錄的錄音，値得一提的是這張重複灌錄了一九八六年那張唱片中的恩斯特《夏日最後玫瑰變奏曲》與德布西《牧神的午後前奏曲》，比較起來，凡格洛夫經過了三年多的歷練，對於曲子所需的技巧與感情控制得更好，尤其《夏日最後玫瑰》一曲，他將曲子中浪漫主義時代盛夏的激情以及夢幻般的抒情賦予了鮮活的生命力。 第三張就是前述與梅塔指揮的以色列愛樂合作灌錄的協奏曲集，梅塔對於這位年輕人讚賞有加，當年來台時還特別提到他們合作灌錄的這張CD，由於這是他「轉檯」加盟Teldec公司的第一張錄音，因此選錄的曲目也是以展技炫目、通俗受歡迎為主，包括帕格尼尼《第一號小提琴協奏曲》、聖桑的《序奏與輪迴隨想曲》、《哈瓦奈兹舞曲》，以及第二張曾收錄的瓦克士曼的《卡門幻想曲》。但他並不因只顧著展技而忽略了曲子的內涵，反而展現了大將之風，樂評家們因為這張錄音稱他為「海飛兹再世」(但我個人並不如此認為，因為他不像海飛兹那樣犀利，而且比海飛兹多了一些溫潤的感覺)。事實上，他所受到的讚譽還不只如此，他也被譽為「富有克萊斯勒迷人的音色、歐依斯特拉夫強韌的精神力，當然，再加上他自己特有的魅力，使他的演奏特別具說服力。」 寶劍配英雄，更加如虎添翼 第一砲打響之後，凡格洛夫再接再厲，推出在Teldec的第二張專輯，這回開始向具深厚內涵的曲目挑戰了，他排出的竟然是貝多芬的《「克羅采」奏鳴曲》以及布拉姆斯的《第二號小提琴奏鳴曲》！當然，以他年僅十八歲之齡要挑戰如此厚重的曲目真是要讓人不禁為之揑一把冷汗！但當音樂一放出來之後，所有疑慮一掃而空，他的《克羅采》雖不像葛羅米歐的溫潤圓融，也不如歐伊斯特拉夫的老練穩重，但他卻為本曲注入一股年輕的活力，使《克羅采》更具鮮活的生命力。 而在布拉姆斯《第二號小提琴奏鳴曲》中，他不像帕爾曼那樣將曲子處理得那麼詩情畫意，那麼豐富多彩，更不是以祖克曼/巴倫波英用溫暖手法處理，但是在這首曲子中他充分表現了大將之風，將布拉姆斯那種內心火樣熱情卻又無法宣洩出而只好寄託於恬靜優美音樂的複雜情懷，以小提琴娓娓道出，不禁令人感到驚異：十八歲的年輕人既未經過大風大浪，又無豐富的人生閱歷，如何能將這樣一首富深邃情感的奏鳴曲表現得那麼好？！ 在此之後，他的聲譽鵲起，Teldec馬上乘勝追擊，在兩年之內連續為他出版了三張專輯，速度不可謂不快，但難得的是，凡格洛夫並不會因少年得志而得意忘形，反而更加自我鞭策，不斷自我挑戰，並更有自信地重複灌錄前面錄音中的曲子(如巴季尼的《妖精之舞》)，將自己成長的過程完整地呈現在所有聽眾面前，事實也證明他每次重複灌錄的曲子都比前次所灌錄的更具內涵，技巧更為精煉。 特別値得一提的是在九三年灌錄的「孟德爾頌/布魯赫小提琴擀奏曲集」時不僅獲贈海飛兹生前所用的神弓，更獲得Louis Vuitton公司出借一七二七年史特拉底瓦利名琴「雷尼爾」(Reynier)，寶劍配英雄，更加如虎添翼。因此對於這兩首名盤如林的基本曲目，凡格洛夫演來絲絲入扣，當年的「留聲機雜誌」不僅稱它是有史以來的最佳版本，更在年終留聲機大獎頒獎典禮時將「年度最佳新人」這項大獎頒給了他。 最受期待的廿一世紀巨星 現年廿一歲的凡格洛夫，並不像一般年輕小提琴家先在世界三大賽中(柴可夫斯基、伊莉莎白女皇、隆—提博大賽)鍍金後才展開其演奏生涯。當然他不是沒得過獎(請見上期本刊第七十三頁報導)，但真正讓他得享大名的是在其錄音中所展現的實力，據稱他的錄音幾乎都是一次OK，根本不需要事後的剪接或處理，所以以他目前的實力可說是已不需要任何比賽的獎項來為他錦上添花了。但話又說回來，他的錄音還是受到大家的讚賞，「不得不」頒給他各種錄音大獎，如法國金音叉獎、德國愛迪生錄音大獎，以及最近以「蕭士塔高維契/普羅高菲夫小提琴協奏曲集」得到的留聲機雜誌「年度錄音」與「最佳協奏曲」等大獎。 他不因此而志得意滿(像某些年輕藝人就因耍大牌而遭其工作單位開除)，繼續推出與阿巴多/柏林愛樂合作灌錄的「柴可夫斯基/葛拉兹諾夫小提琴協奏曲集」，由此可以看出他不僅所選的曲目越來越具深度，從其演奏中更可聽出他仍不斷地在進步，因為就技巧而言，他已到達頂峰，現在所缺的只是人生歷練而已。而比較他所有錄音，可感受到他的涵養越來越深厚，這顯示他絲毫沒有大牌驕縱之氣，無怪乎普受當今大師如阿巴多、羅斯卓波維契、梅塔等人的讚揚。 我很慶幸收集到從他開始嶄露頭角到現在的所有錄音，感覺就好像在陪伴著一位巨星的成長一樣，所以我一直覺得我們這一代很幸運，因為我們不僅抓住了那個充滿大師世代的尾巴，更親眼目睹、甚至親身參與了新的天才世代的誕生，還有誰會有如此的際遇呢？
凡格洛夫談五首最困難的五首小提琴小品
Franz Schubert - Fantasy for Violin and Piano [With score]
https://youtu.be/4fskKDq9bgw
貝多芬小提琴協奏曲
https://youtu.be/DoVwXtJkycU
Maxim Vengerov plays Beethoven Violin Concerto in D major op. 61
https://youtu.be/gIdqiis3Mts
希拉蕊韓挑選之裝飾奏版本，則同樣是克萊斯勒之版本：
https://www.youtube.com/watch?v=Dot5dTgF9gU
Brahms: Violin Concerto in D major, op. 77
https://youtu.be/3YUsgfC0t5g
Maxim Vengerov - Brahms Violin Concerto in D Major, op. 77
https://youtu.be/gSsk2rruC5c
Maxim Vengerov - 精彩無比的現場協奏曲大師班
https://youtu.be/_irwR6nZG_c
Maxim Vengerov - Rachmaninov - Vocalise
https://youtu.be/9cv7ANSshEA
Rachmaninoff: Vocalise, Op.34, No.14
https://youtu.be/vTFngQBB3uQ
筆者非常喜愛的花腔女高音Natalie Dessay版本
https://youtu.be/0zrmCh8m3zY
"德國人有四首小提琴協奏曲。最偉大的毫無疑問是貝多芬。布拉姆斯的則認真地和它爭奪第一的位置。最豐富、最誘人的是布魯赫。但是最內斂的，是孟德爾頌的作品，那是內心的一顆寶石。" - 姚阿幸
Felix Mendelssohn: Violin Concerto in E minor, Op. 64 (Score)
https://youtu.be/tT1qhGP1qSs
Mendelssohn Violin Concerto E Minor OP.64 - 1st mov. - Hilary Hahn
https://youtu.be/vzbC39utkTw
Maxim Vengerov plays Mendelssohn violin concerto
https://youtu.be/pf2N4w2w0Qk
柏林愛樂巡迴演出中，日本站的排練
樫本大進原本是要拉普羅高菲夫小提琴協奏曲，但彩排時樂團與他開了個小玩笑，改成演孟德爾頌小提琴協奏曲的前奏
結果樫本瞬間就反應過來，跟著樂團拉出了孟德爾頌，大家笑在一起很開心
https://youtu.be/YzplVQQ-WEI
寫到這邊，一定要愛現一下這張照片：凡格羅夫 2018.12.04. 到台灣與台北市立交響樂團演出後，筆者與他的合照
那天凡格羅夫與TSO音樂會簽名會時，工作人員告知今天
收到“Come on”示意眼神後我馬上蹲下，超開心與這當代小提琴天王合照💖
經紀人眼神很酷，不過照片裡我的最愛，其實是警衛的眼神😆～
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【BON音樂】貝里尼：寫實美聲歌劇巔峰傑作《諾瑪》"Norma"
【BON音樂】貝里尼：寫實美聲歌劇巔峰傑作《諾瑪》"Norma"
Bellini: "Norma" Opera
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貝里尼生涯最高的歌劇傑作《諾瑪》，當年於法國巴黎叫好又叫座，更隨著一代女高音卡拉絲（Maria Callas）生平登台演唱80餘次之演唱，詠嘆調〈聖潔的女神〉在各大舞台與音樂會中一再被演唱～《諾瑪》已然成為義大利美聲歌劇最廣為流傳，歌劇院中永遠的保留的劇碼。
這位設定在西元前一世紀羅馬時代、高盧地區的德魯伊特教女祭司，敢愛敢恨的形象深植人心，最終放下情感糾結、寬恕一切投奔烈火一幕，更感動無數觀眾落下熱淚。
貝利尼
文森佐·貝利尼（Vincenzo Bellini，1801年11月3日－1835年9月23日），義大利浪漫時期知名美聲歌劇作曲家。
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
生於義大利的西西里島，3歲開始學習音樂，18歲時入那不勒斯音樂學院。貝利尼並沒有像其同時代人那樣熱心於喜歌劇的創作，唯一一部帶有喜劇色彩的歌劇是他的第一部舞台作品阿代爾森與薩爾維納（1825年），其中包含著一個用那不勒斯方言演唱的喜劇男低音。總的來講，在貝利尼的作品中所顯露出來的是一種浪漫主義式的憂鬱。他的早期歌劇作品被認為在管弦樂的配器方面有所不足，《諾瑪》後這一缺點得以克服。貝利尼的作品有兩大特點：其一是美妙的旋律；其二是高難度的美聲唱段，這兩者的完美融合便是他歌劇的魅力所在。他歌劇中的許多詠嘆調，至今仍被奉為「美聲唱法」的經典範本。
代表作品一覽
諾瑪――創作背景
文．劉詩嶸
就像中文學史上有王勃、楊炯、盧照和駱賓王「初唐四傑」一樣，在義大利歌劇史上也有十九世紀初的「三傑」，他們就是羅西尼、董尼才第與貝里尼。這前後二項比喻，都是文藝史上從舊時代過渡到新時代的代表人物，他們不僅自身有很高的藝術成就，而且還為後一代偉大的人物作前驅：因此在四傑之後出現了李白、杜甫；在羅西尼等之後義大利則不僅出現了威爾第，鄰近的德國還出現了華格納，歷史的驚人相似說明了文藝發展的共同規律。 文森佐·貝利尼（Vincenzo Bellini, 1801-1835）誕生西西里的卡塔尼亞市，他家庭的音樂環境不僅優於董尼才第，就連「梨園世家」的羅西尼也是比不上的；他的祖父和父親都是專業的音樂家，擔任當地教堂的管風琴師、音樂教師和作曲家，他的父親還是當地的教堂樂長。貝利尼從五歲起就學習鋼琴，七歲起就從祖父學習作曲，自幼就有很好的音樂聽力和音樂記憶力。 由於貝利尼的音樂天份出眾，卡塔尼亞市便在他18歲的時候保送他去當時義大利最優秀的音樂學府一那不勒斯音樂院去學習，並在21歲時成為該院院長、著名的作曲家津加雷利的得意門生。 貝利尼在音樂事業的發展上也遠比另二傑幸運，當他學生時期的歌劇習作《阿代爾松與薩爾維娜》（Adelson e Salvin）引起了注意之後，歌劇演出界的風雲人物巴爾巴亞（Barbaja）便邀約他為當地的聖卡羅劇院寫了《比安卡與杰爾南多》（Bianca e Gernand）於1826年5月上演獲得了成功。緊接著，巴爾巴亞使與貝利尼簽約讓他為米蘭拉史卡拉劇院寫了《海盜》（Il Pirata），這齣歌劇於1827年甫經上演便立刻引起轟動，名聲不脛而走，更在幾年裡演遍了維也納、德勒斯登、倫教和馬德里，甚至在南、北美洲演出，取得了羅西尼、董尼才第在歌劇界奮鬥了十幾年、寫出了一、二十部如今也許已没沒無聞了的歌劇之後方才取得的成功。 這裡除了巴爾巴亞眼識人和貝利尼精雕細琢的創作習慣之外，也得力於劇作家羅馬尼精彩的腳本。 之後，貝利尼繼續與羅馬尼合作，寫出了《扎伊拉》（Zara）、《陌生人》（Lastraniera）、《凱普萊特與蒙泰古》（I Capuletiei Montecchi），此即《羅密歐與茱麗葉》（Romeo andJuliet）、《夢遊女》（La Sonnambula）《諾瑪》和《滕達的貝亞特里切》（Beatrice di Tenda）。 從1827~33年貝利尼主要是在米蘭度過的，他不像當時的許多作曲家那樣在音樂院任教職或在歌劇院擔任藝術指導使自己疲於奔命，而是除了創作歌劇以外便出入當時上流社會的沙龍，以他優雅的談吐和俊秀的儀表贏得了許多社會名流、貴族的尊重。 在此期間，他的歌劇新作有時由於藝術手法的創新或是藝術敵人的有意破壞而暫時受到冷落之外，無一不是受到了米蘭以義大利其他地方，例如威尼斯、羅馬甚至國外許多地方的觀眾的熱烈歡迎。 1833年，貝利尼應邀去倫敦上演他的幾部歌劇，首先在國王陛下劇院上演了《海盜》、《諾瑪》和《凱普萊特與蒙泰古》，由於作品的質量上乘和女主角扮演者帕斯塔的精彩演唱而大獲成功，然後又在劇院上演了《夢游女》，也同樣的轟動。同年8月，貝利尼赴巴黎這個全歐洲的音樂家都心鄉往之的音樂和歌劇的聖地，儘管為巴黎歌劇院創作新歌劇的談判拖拖拉拉，但是在義大利劇院卻演出了他的舊作《海盗》和《凱普萊特與蒙泰古》，得到了巴黎觀眾的承認和愛戴。 當時巴黎的歌劇演出十分活躍，四所國家劇院中的三所：巴黎歌劇院、巴黎喜歌劇院和義大利劇院都是上演歌劇和芭蕾的，巴黎歌劇院上演著以邁亞白爾的歌劇作品為代表的法國大歌劇，而一度由羅西尼擔任藝術總監的義大利劇院則主要上演義大利的歌劇作品。貝利尼到了巴黎之後便得到羅西尼這位長輩同胞的熱情關照，他的最後傑作《清教徒》（I Puritani）便是於1835年1月在義大利劇院首演的。貝利尼在巴黎儘管未能如原來所期望的那樣與巴黎歌劇院或喜歌劇院簽訂寫作新歌劇的合約，但是也取得了在義大利劇院上演部歌劇舊作的盛大成功，而且很快就成了巴黎社交界的聞人，在移居法國的義大利親王具吉奧約索的沙龍裡結識了許多文藝界的名人如海涅、蕭邦等等。 他在巴黎還經常入劇院、音樂廳，當他聽了貝多芬第六交響曲的演出之後，對在一起聽音樂的德國作曲家費迪南·希勒（Ferdinand Hiller）嘆道道：「多麼美好的大自然啊！」巴黎濃郁的藝術氣氛使貝利尼樂不思蜀，他決定在裡住下去，繼續與巴黎歌劇院和喜歌劇院談判寫作新戲的合約。然而就在這一年的8月，貝利尼病倒了，9月23日於異鄉巴黎去世。 羅西尼、凱魯比尼（Cherubini）、帕埃爾（Paer）和卡拉法（Carafa）等住在巴黎的義大利作曲家都為他送葬。當他的遺體運回卡塔尼亞之後，他的遺物埋葬在拉雪斯神父墓地。貝利尼的早逝，更使人想到舒伯特墓碑上的一句話：「這裡埋葬著富的音樂財富和更美好的希望。」 貝利尼的音樂恰如其人，一方面是風度翩融溫文爾雅，而有時也會迸發出如火的激情，就像蕭邦優美、典雅的夜曲並不能代表其音樂作的全部， 還有激昂慷慨的波蘭舞曲和「革命」練習曲等等。貝利尼被稱為「歌劇界的蕭邦」，無論從其性格還是創作的風格是很恰當的。 貝利尼的音樂風格最鲜明的特點，便是他那美麗、悠長，似乎無窮無盡的旋律，這是他繼承了津加雷利學派的以簡潔明瞭的旋律為中心的理論，同時還吸收了羅西尼的花俏唱腔優點並且予以發揚。他還盡可能地取消宣叙調與詠嘆調之間的界線，用管弦樂伴奏和抑揚頓挫的聲樂線條使二者之間的過渡比較順暢，從而成為威爾第、華格納的先驅。 有意思的是：貝利尼的典型旋律大都是從一個短小、不超過兩小節的基本動機發展而成的，並且大多短音程，用上、下行的滑音來表現激盪的感情，像諾瑪在第一幕裡面唱的最著名的詠嘆調⟨聖潔女神⟩，便是最富於代表性的一首。連威爾第都稱讀貝利尼的旋律才能是「前無古人」！ 但是，美麗悠長甚至有時多愁善感的旋律並不是貝利尼歌劇音樂的全部，尤其是從《海盜》開始，他的音樂隨著劇情的要求，也加強了戲劇性，這種戲劇性有時是通過了旋律，但更多的時候是通過了重唱、合唱以及管弦樂部分來形成的。 例如在《諾瑪》第二幕中，諾瑪發現阿達吉莎的情人，竟是和自己生了兩個孩子如今又移情別戀的波利奥内，由此引出了一段驚心動魄的三重唱，便是很突出的。 貝利尼取得成功的另一個經驗，便比與其同時的其他作曲家們更注意音樂與劇詞的結合，這也是他為何對於像羅馬尼這樣的優秀劇本作家依賴這樣深的原因。 就連十分重視音樂與文學的關係的華格納，對貝利尼這一點也非常佩服，華格納說：「貝利尼的音樂發自內心，並且與劇詞緊密相連。」當時義大利的歌劇創作有這樣的陋習：時常有一曲多詞或是一詞多曲的情況，盡管詞、曲的大致情緒是相符的，但是在性格化上有很大的不足，例如一首愛情的詠嘆調可以具有這種詠嘆調的共性，但是缺乏個性，不論是何種角色，只要是唱出愛情就必然是美麗動聽的，哪怕是個壞蛋也一樣是這樣地表達愛情。從貝利尼這一代起情況有了改進，他在創作時首先讓整個戲劇場景融解於心，然後以自己對於全部戲劇的深刻理解而讓音樂從心靈中湧現出來，使之完全吻合角色的性格、身分和戲劇的情緒與内涵。 在這一點上，貝利尼和董尼才第都優於羅西尼，而到了威爾第的創作中期，義大利歌劇音樂中的性格化才日漸完美。 此外，貝利尼的戲劇結構也十分嚴謹，像他的人那樣俐落、清晰，很少拖查、臃腫。他的歌劇在十九世紀上半葉曾經風靡全歐以至南、北美洲各個重要的城市，但是，後來當以威爾第、比才（Bizet）、穆索斯基（Mussorgsky）等為代表的戲劇矛盾更激烈、音樂色彩更濃郁、整體結構更厚重的歌劇興起之後，十九世紀初這三位作曲家的作品一度受到了冷落，但儒管如此，貝利尼的《諾瑪》、《夢遊女》和《清教徒》仍舊在歌劇院的保留劇目中佔有一席之地。 而到了二十世紀50年代，歐洲由於如卡拉絲（Maria Callas）、蘇沙蘭（Sutherland）和卡芭葉（Caballe）等優秀歌唱家的相繼崛起與舞台表演，又出現了一個恢復上演十九世紀初期的歌劇傑作的新高潮，貝利尼的作品又重新被新一代的觀眾所認識、所愛好！ 貝利尼的《諾瑪》產生的十九世紀三O年代，義大利歌劇正是繁花似錦的時候，僅在米蘭史卡拉歌劇院的1831~32年的演出季就有羅西尼的《奥泰羅》（Otello）、董尼才第的《安娜·博萊娜》（Anna Bolena）和《巴黎公爵烏戈》（Ugo conte di Parigi）等當時的名家名作上演，而貝利尼要簽約為該劇院的這一演出季寫一齣新戲，這對於在歌劇界資望較淺的他來說無疑是一個挑戰。於是他選定了法國劇作家亞歷山大·蘇梅（Alexandre Soume）不前上演深受歡迎的戲劇作品《諾瑪》進行改編。於羅馬尼的精彩劇本和初次在史卡拉登台歌劇演員帕斯塔的絕妙演唱，尤其是她充滿了激情的表演，使這齣歌劇除了首場演出時由於觀眾對作曲家的創新不理解和藝敵的搗亂而失敗之外，以後便一帆風順地大獲成功，僅在這一季內就演39場！在此後的五年之内，更有十三個國家（包括墨西和古巴）上演了《諾瑪》。 諾瑪是典型的十九世纪浪漫主義歌劇裡面的女主角，她的内心充滿了個人感情與社會（民族、國家）責任的矛盾，從而構成了悲劇。 這樣的角色在這一時期的歌劇中還有許多，例如：聖女貞德、露琪亞、茱麗葉、阿依達，甚至《茶花女》（La traviata）中的薇奧萊塔等等。這齣歌劇的故事和人物雖然是虛構，但是它的歷史背景却是真實的，只不過距我們比較遙遠而已。（西元前50年） 《諾瑪》的劇情發生在西元前50年，羅馬征服高盧人的過程之中，高盧（Gaul）人是當時居住在今日法國、比利時、德意志西部義大利北部的克爾特（Celt）人的總稱，而克爾特人是歐洲大陸上阿爾卑斯山以北最早興起的史前民族，羅馬人稱他們為高盧人。 高盧人從未形成過統一的大帝國，而是分為使用不同方言的部落，但有較發達的經濟與文化，與其南面的古希臘頗多文化和經上的交流。西元前二世紀外族人開始侵略他們並在被羅馬征服以後開始被同化，但是他們的文化傳統在北方的不列顛和愛爾蘭保留了下來。 克爾特人體格高大皮膚白皙，強壯、尚武、愛好冒險。歌劇中諾瑪所屬的德魯伊特教，卻是古代克爾特人中間的一個階層，他們是一批有學問的人，多擔任祭司或教師，負責執掌公私祭禮，教育青年和審理公私爭執，因罪量刑。德魯伊特教由受一位長老所領導，如歌劇裡面的奧羅韋索大祭司便是。 德魯伊特教亦有獻人祭的風俗，將活人裝入人形的柳條籠子裡焚燒獻祭。因此，這齣歌劇的歷史感是很強烈很準確的。相信這些歷史背景的簡單介紹，有助於我們欣賞這一部美麗的歌劇。
| 《諾瑪》人物表
諾瑪（德魯伊特教的祭司長）- 女高音 奧羅韋索（大祭司，諾瑪的父親）- 男低音 波利奧內（羅馬總督，諾瑪的秘密情人）- 男高音 弗拉維奧（波利奧的朋友）- 男高音 阿達莎（女祭司）- 女高音 克洛蒂德（諾瑪的密友）- 次女高音 |
敘述《諾瑪》的劇情時，筆者引用了俄國文學家托爾斯泰《安娜·卡列尼娜》中的經典名句與之輝映：
《安娜·卡列尼娜》（俄語：Анна Каренина，羅馬化：Anna Karenina）是俄羅斯作家列夫·托爾斯泰於1874年-1877年間創作的小說，被廣泛認為是寫實主義小說的經典代表。
《安娜·卡列尼娜》自1875年1月開始連載於〈俄羅斯公報〉，完稿於1877年。小說從一發表就引發了熱烈的討論。托爾斯泰的堂姑媽亞歷山德拉·安德烈耶芙娜·托爾斯泰婭曾寫道：「《安娜·卡列尼娜》的每個篇章都轟動了整個社會，引起了熱烈的爭論，毀譽參半，褒貶不一。似乎議論的即是他們的切身問題一樣。」
作品共分八章，開場白「幸福家庭的故事，家家相似；不幸家庭的故事，各個不同」，更是托爾斯泰對婚姻和家庭的感悟之言。
“幸福家庭的故事，家家相似；不幸家庭，各個不同”
- 列夫·托爾斯泰《安娜·卡列尼娜》
歌劇分場說明
時間：約西元前50年
地點：羅馬統治下的高盧
高盧人信奉德魯伊特教，是古代居住在歐洲西部（包括現在的英、義、西等國）的克爾特人的一支。氏族社會瓦解後，分化出費族、祭司、工匠和農民。從本劇中可以看出，而祭司長一職是能向族人轉達信仰大神伊爾敏索神諭指示的重要人物。
第一幕
第一場
德魯伊特教徒聚集在他們的神聖街林裡，等待女祭司長諾瑪來主持剪取懈寄生的儀式，希望藉此得到大神的昭示，可以撕毀同羅馬人定下的停戰協議，向羅馬宣戰。羅馬總督波利奧内是諾瑪的秘密情人，而且同諾瑪偷偷生下了兩個兒子，但後來他又愛上了新任祭司的阿達吉莎。他和他的朋友弗拉維奧躲在德魯伊特徒的樹林裡。諾瑪來了。她不接受父親奧羅韋索關於向羅馬人開戰的主張，說大神認為時機未到。但其實她心是不想殺死波利奥内。等參加儀式的人散去後，波利奥内動阿達吉莎叛教並且和他一起逃到羅馬去。阿達吉莎終於被愛情說服答應了，於是他們約定次日見面。
"「水滿則溢，說盈則虧」，這個世界從來只有更美，而沒有最美。而最靠近完美的一刻，就是最容易走向相反的時刻。“
-列夫·托爾斯泰《安娜·卡列尼娜》
第二場
諾瑪和她的兩個兒子在樹林中的房子裡。她知道羅馬要把波奥内召回去。當阿達吉莎到她那兒商量的時候，她讓密友克洛蒂德把兒子藏起來。阿達吉莎此時向諾瑪承認了她的戀情和叛教的決定。諾瑪由於有過這樣的經歷，就答應了她。但接著知道阿達吉莎的戀人是波利奥内時，她才勃大怒。波利奥内也來了。阿達吉莎知到了波利奥内與諾瑪的關係，斥責他，並且表示要離開他。
“人都是為希望而活，因為有了希望，人才有了生活的勇氣”
- 列夫·托爾斯泰《安娜·卡列尼娜》
第二幕
第一場
諾瑪本想殺死她的兒子，免得他們被帶去羅馬受苦，但下不了手。她想把他們託付給阿達吉莎，或者由她帶給波奥内。但阿達吉莎已不想跟隨波利奥內去羅馬。她勸諾瑪把兒子留下。兩人恢復了友誼。
”我們都在等待，等待著別的人來拯救我們自己。“
- 列夫·托爾斯泰《安娜·卡列尼娜》
第二場
奥羅韋索在林裡訴高盧族戰士，波利奧内被召回羅馬，但有更兇殘的人接替他。由於不知道諾瑪的想法，他勸戰士們先忍耐一下，把復仇之心暫時隱藏。
"風中之燭在風中搖曳，微弱的亮光照亮四周，最終在黑暗之中黯然消逝。"
- 列夫·托爾斯泰《安娜·卡列尼娜》
第三場
諾瑪在神廟裡，原本以為波利内回心轉意。但克洛蒂德告訴她，阿達吉莎未能說服波利奧內，相反，他一定要帶走她。失望的諾瑪敲響伊爾敏索之盾（鑼），號召高盧人去戰鬥，殺死羅馬人。這時，波利奥内在女修道院中被抓住，並被帶到神廟裡。諾瑪和他單獨對話時，要他離開阿達吉莎，這樣就可以放走他。波利奥内卻拒絕了。
諾瑪召集眾人，宣布有一名女祭司叛教，並要按教規燒死她。最後說出這人就是她自己，還說出她已生有孩子。她父親終於饒恕了她。她仍然要按教規，當著眾教徒在火堆中燒死。波利奥内由於能同她在一個火堆中死去而感到寬慰。（劇終）
"愛情如同燎原之火，熊熊燃燒起來，情感完全控制了理智。"
- 列夫·托爾斯泰《安娜·卡列尼娜》
卡拉絲《諾瑪》歌劇全曲錄音欣賞（1954年錄音修復版）
《諾瑪》是貝里尼歌劇中的頂峰。不但是義大利歌劇中最艱難的一齣，挑戰她似乎成了每個演唱義大利美聲歌劇女高音的最終夢想，而卡拉絲正是詮釋諾瑪最受推崇的代表人物，卡拉絲演唱的諾瑪，不僅唱活了角色本身高高在上的威嚴氣勢，也詮釋出諾瑪身為女性的感性、溫柔一面，比例拿捏十分精準，卡拉絲自1948年於佛羅倫斯第一次演唱諾瑪，到1965年最後一次在巴黎歌劇院演出，一生共演了84次，是她唱過最多次也最有自信的角色。本專輯是1954年米蘭錄音室版，由李格擔任製作人，雖然卡拉絲另留下錄音品質較好的1960年立體聲版，但這份1954年版由於保留卡拉絲正值巔峰時期的嗓音，更是每一個樂迷都要擁有的重要錄音。
Vincenzo Bellini (1801-1835) - Norma : Opera in Two Acts.
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- Introduction with the Famous "Casta Diva" (00:00)
- Overture (07:22)
- Act 1 Ite Sul Colle (13:16)
- Svanir Le Voci (23:18)
- Norma Viene (31:42)
- Sediziose Voci (36:27)
- Casta Diva (40:48)
- Fine Al Rito E Il Sacre Bosco (48:07)
- Sgombra È La Sacra Selva (53:13)
- Eccolo ! Va (59:16)
- Va, Crudele (1:00:53)
- Vanne, E Li Cela Entrambi (1:09:30)
- Oh, Rimembranza (1:17:37)
- Ma Di’ L’Amato Giovane (1:26:07)
- Oh Non Tremare (1:27:35)
- Oh Di Qual Sei Tu Vittima (1:29:09)
- Act 2 Dormono Entrambe.. Mi Chiami, O Norma! (1:37:22)
- Deh! Con Te (1:49:14)
- Mira, O Norma.. Cedi, Deh Cedi (1:53:28)
- Non Partì (2:00:42)
- Guerrieri, A Voi Venite.. Ah Del Tebro Al Gioggo Indegno (2:06:15)
- Ei Tornerà. Si.. Norma, Che Fu (2:11:09)
- Guerra! Guerra! (2:17:11)
- Nè Compi Il Rito.. Sacrilego Nemico (2:19:23)
- In Mia Man (2:23:37)
- Damni Quel Ferro (2:31:49)
- Qual Cor Tradisi (2:35:16)
- Norma, Deh! Norma Scolpati! (2:40:02)
- Norma : Maria Callas
Pollione : Mario Filippeschi
Adalgisa : Ebe Stignani
Oroveso : Nicola Rossi-Lemeni
Flavio : Paolo Caroli
Clotilde : Rina Cavallari
Coro del Teatro alla Scala, Milano
Maestro del coro : Vittore Veneziani
Orchestra del Teatro alla Scala, Milano
Direttore : Tullio Serafin
Recorded in 1954
https://youtu.be/80iFQqBCCyM
Papano 現場Live' 版本
https://youtu.be/lIeQoeH_bro
Vincenzo Bellini, Norma (2011)
Director: Mario Pontiggia
Conductor Fabrizio Maria Carminati
Cast: Dimitra Theodossiu, Fabio Sartori, Ruxandra Donose, Carlo Colombara
https://youtu.be/kO3xQWhrePE
"Casta diva" Norma, V. Bellini - Maria Callas
https://youtu.be/tju3cnPQ-ew
《諾瑪》⟨聖潔的女神⟩ 大PK
https://www.youtube.com/playlist?list=PLMeOYP-ZXc_1-j4zCKPL4Al6Q5L0ov1W3
女高音們「高音大PK」
https://youtu.be/xYazCmeQxJw
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【BON音樂】50+ 最偉大交響樂團之旅（三） - 紐約愛樂（New York Philharmonic）
【BON音樂】50+ 最偉大交響樂團之旅（三） - 紐約愛樂（New York Philharmonic）
All about New York Philharmonic-2
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課程概要
什麼是古典音樂？
古典音樂的魅力到底在哪裡？
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線上直播課：最偉大交響樂團之旅
| 課程主題：最偉大交響樂團之旅
12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會 |
紐約愛樂（New York Philharmonic）不僅是美國最老與最知名的交響樂團，同時也是世界歷史最悠久的交響樂團之一。
紐約愛樂早在1842年便成立，當初的名稱是紐約愛樂協會（The Philharmonic Society of New York），在首任指揮希爾（Ureli Corelli Hill，美國人）的帶領下，於該年12月7日舉行第一場音樂會。不過，紐約愛樂的名稱卻直到1928年，紐約愛樂協會與紐約華爾特達姆洛希(Walter Damrosch)交響協會兩者整合後，才正式沿用至今。而在美國兩百多年的歷史中，該團將近一百六十年的時間，幾乎佔三分之二，因此對美國古典音樂的發展，有著絕對舉足輕重的份量。
紐愛小小資料庫
（取自維基百科）
BOX1：歷任音樂總監、首席指揮 Ureli Corelli Hill (1842-1847) Theodore Eisfeld (1848-1865) Carl Bergmann (1855-1876) Leopold Damrosch (1876-1877) Theodore Thomas (1877-1891) Anton Seidl (1891-1898) Emil Paur (1898-1902) Walter Damrosch (1902-1903) Wassily Safonoff (1906-1909) Gustav Mahler (1909-1911) Josef Stransky (1911-1923) Willem Mengelberg (1922-1930) Arturo Toscanini (1928-1936) John Barbirolli (1936-1941) Artur Rodzinski (1943-1947) Bruno Walter (1947-1949) Leopold Stokowski (1949-1950) Dimitri Mitropoulos (1949-1958) Leonard Bernstein (1958-1969) George Szell (1969-1970) Pierre Boulez (1971-1977) Zubin Mehta (1978-1991) Kurt Masur (1991-2001) Lorin Maazel (2001-) BOX2：紐愛首演紀錄 1947馬勒「第六號交響曲」/美國首演 1946史特拉汶斯基「三樂章交響曲」/世界首演 1925蓋西文「F調鋼琴協奏曲」/世界首演 1909拉赫曼尼諾夫「第三號鋼琴協奏曲」/世界首演 1908馬勒「第二號交響曲」/美國首演 1904馬勒「第四號交響曲」/美國首演 1893德弗札克「新世界交響曲」/世界首演 1892理察史特勞斯「死與淨化」/美國首演 1889柴可夫斯基「D大調小提琴協奏曲」/美國首演 1886布拉姆斯「第四號交響曲」/美國首演 1881柴可夫斯基「第二號鋼琴協奏曲」/世界首演 1876華格納「女武神」第一幕/美國首演 1876柴可夫斯基「羅密歐與茱麗葉」序曲/美國首演 1866白遼士「幻想交響曲」/美國首演 1846貝多芬「第九號交響曲」/美國首演 1844貝多芬「第八號交響曲」/美國首演
2018年起新任音樂總監 梵志登（Jaap van Zweden）
美國最老牌的知名樂團紐約愛樂自2018年秋季起，將由現年55歲的荷蘭指揮梵志登(Jaap van Zweden) ，繼馬勒、托斯卡尼尼、伯恩斯坦等名家之後，成為他們的二十六任音樂總監。
紐愛現任音樂總監Alan Gilbert於2015年2月宣布不再續任，紐愛確定繼任人選之後，美國幾個主要樂團未來數年內的大位也隨之終告底定：近幾年來，波士頓交響樂團、大都會歌劇院、費城管弦樂團都聘任了新的音樂總監或首席指揮，因此梵志登與紐愛的五年合約出爐，也宣告各團間的「獵人頭大戰」暫時告一段落。
梵志登為小提琴家出身，19歲就成為大會堂管弦樂團史上最年輕的樂團首席，他在任上遇到伯恩斯坦，後者鼓勵他拿起指揮棒，梵志登曾回憶道：「伯恩斯坦當時指揮大會堂管弦樂團在柏林演出，而他十分想要在音樂廳中聽一聽樂團的音色，所以要我來指揮，但我根本沒指揮過啊？他說：『你必須指揮、必須這麼做。』他把我推到樂團前，我就這樣經歷了指揮初體驗，過後他說：『這次表現真是糟，但我從中看到了一些什麼，認真去做吧。』是他鼓勵我，讓我真的成了一位指揮。」（取自維基百科）
目前紐約愛樂一年約兩百場的演出，大部份在林肯中心的「大衛·格芬廳」（David Geffen Hall）（原為：「艾弗利‧費雪廳」，Avery Fisher Hall）舉行。全團的年度資金來源，主要有：售票、各式演出佔48%、年度募款活動佔31%，而聯邦、州、市等各級政府的補助只佔1%，另外有19%的業外投資收入，可以說是一個經營得當的法人音樂團體。（取自維基百科）
小故事： 「大衛·格芬廳」（David Geffen Hall）位於美國紐約市，是林肯表演藝術中心的一部分。它是紐約愛樂的主場地，有2,738個觀眾席。這座美麗的音樂廳建於1962年，音樂廳的建築由馬克斯·阿布拉莫維茨（Max Abramovitz）設計。最初名為愛樂廳，後來因為愛樂協會董事會成員之一的艾弗里·費雪（Avery Fisher）於1973年捐贈了1050萬美元給了紐約愛樂，因此音樂廳也改以他的名字命名。至2014年11月13日，林肯中心正式宣布將「艾弗里·費雪廳」更名為「大衛·格芬廳」。
「大衛·格芬廳」2022年秋季重新開幕
重新翻修．即將於2022年重新開放的「大衛·格芬廳」 - New David Geffen Hall
樂團珍貴資料一一帶大家看
（整理自紐約愛樂官網）
紐約愛樂的歷史意義、重要資訊非常非常多，這邊蹦藝術以紐愛資料庫裡的十大重要資料，一一帶各位蹦友們深入了解：
1. 瑪麗安·安德森早期照片
一張罕見的年輕瑪麗安安德森的照片 - 1925 年紐約愛樂樂團夏季戶外音樂會試鏡選秀比賽的獲勝者。
瑪麗安·安德森（Marian Anderson, 1897-1993）是二十世紀最著名的美國聲樂家女低音歌手。最初即因為這場表演的成功，開啟了她輝煌的偉大女低音的職業生涯。
2. 馬勒任職期間，留下許多珍貴手稿
儘管馬勒生前從未指揮過德弗札克的《新世界》交響曲，但最近在樂團資料庫《新世界》交響曲的樂譜中發現了馬勒在總譜上的註記（他劃下的記號是藍色的）。為什麼呢？馬勒其實準備將德弗札克《新世界》交響曲（1893年首演）作為1911年時，馬勒音樂總監的第二個樂季後半任期的表演曲目。
雖然馬勒沒能於在世時演出這首交響曲，但他在去世前的春天，其實已經研究過了《新世界》交響曲。
3. 差點遺失的珍貴資料 - 全體團員簽名給托斯卡尼尼的道謝函
在一位前紐約愛樂團員音樂家的女兒的家裡，發現了一份紐約音樂家給托斯卡尼尼 (Arturo Toscanini) 的簽名文件副本：感謝他在 1936 年挺身而出，以音樂對抗德國納粹政權，全體音樂家集體留下簽名，聲明非常榮幸於他的指揮棒下演奏音樂。
4. 拉赫曼尼諾夫與樂團團員討論，尋求意見的珍貴通信
1940 年，作曲家拉赫曼尼諾夫 (Sergei Rachmaninoff) 將這封信寄給了紐約愛樂樂團小號首席哈里·格蘭茨 (Harry Glantz)，當時拉赫曼尼諾夫正在為《交響舞曲》做最後校稿，因此尋求小號首席哈里·格蘭茨的建議。這封信一直收藏在在格蘭茨女兒的家中，後來她將其捐贈給了紐約愛樂。
5. 作曲家們的「先祖」
第一次世界大戰和「西班牙流感」的大流行使得 1918 年春天成為美國前所未有的危機時期。除了全國巨大的經濟壓力外，紐約愛樂樂團還面臨著一場針對所有德國事物的文化戰爭：包括音樂。音樂雜誌《The Etude》裡的這篇文章，試圖追溯西方音樂作曲家的種族起源，盡可能不要是德國人。（XD）
因此：貝多芬被發現是比利時人；舒伯特，奧地利西里西亞；海頓，奧地利克羅地亞人...。
P.S.
「西班牙流感」（英語：Spanish flu），也稱為1918年流感大流行（英語：1918 flu pandemic），是於1918年1月至1920年12月間爆發的異常致命的流感大流行，造成當時世界人口約四分之一的5億人感染，大約造成了全球2000萬至5000萬人死亡（各方估計值在1741萬至1億人之間），是人類歷史上致死人數最多的流行病之一、僅次於黑死病。
6. 菲利帕·斯凱勒 (Philippa Schuyler)
神童鋼琴家兼作曲家菲利帕·斯凱勒 (Philippa Schuyler) 的知名作品《機器之歌》(Song of the Machine) 出現在她的青年時期音樂會節目單裡。《機器之歌》寫於 9 歲，是她在二戰期間參觀機槍工廠的回應。這本音樂剪貼簿記錄了 Schuyler 非凡職業生涯的開始。1946 年和 1955 年，她繼續與紐約愛樂樂團合作演出，然後在 1960 年代轉向新聞業，直到 1967 年她在報導越南戰爭時在直升機墜毀中喪生。
7. 伯恩斯坦的美國音樂願景
1958 年，伯恩斯坦 (Leonard Bernstein) 準備接任紐約愛樂音樂總監，在這份企劃願景書裡概述了他擔任音樂總監的第一個樂季的曲目以及願景，並將其提交給愛樂樂團的音樂政策委員會進行審查。可以看到：「美國音樂」是他的中心主題，也最適合愛樂樂團第一位美國出生的音樂總監。
8. 音樂家的趣味樂譜標記
這首新創曲目《And God Created Greta Whales》，作曲家發明了全新音樂記號（持續迅速地演奏，團員不需整齊，可以自由而無節奏地演奏，並奏出誇張的漸強與漸弱）。我們可以看到在練團之餘，音樂家除了指法、呼吸標記、臨時記號和動態標記之外，也在譜上畫下了他們對於管弦樂樂曲的想法（霍瓦內斯和上帝創造大鯨魚的插圖是由@MusicologyDuck 於 2020 年發現）。
9. 《波麗露》的美國首演
2018 年，在準備拉威爾《波麗露》的音樂評論論文時，法國音樂學家確定由指揮家阿圖羅·托斯卡尼尼和紐約愛樂樂團於 1929 年 11 月 14 日進行的音樂會版本《波麗露》演出，是本樂曲美國首演。（筆者補充：拉威爾於英國指揮《波麗露》於1928年11月22日於巴黎歌劇院進行了芭蕾版本首演、拉威爾亦曾於英國指揮本曲）
10. 珍貴的樂團圖書館資料
拉威爾的《La Valse》的分譜，可以看到樂團圖書館裡找到團員：亨利·博維格 (Henry Boewig) ，1927 年將低音單簧管分譜從德國記譜法（German notation）轉換為法國記譜法（French notation）之樂譜，這份樂譜至今仍然使用著。（Boewig 擔任紐約愛樂的年份是從 1888 年到 1930 年，他也在樂團的成員，Boewig 是愛樂樂團的成員，他也謄寫了1893年德弗札克《新世界交響曲》全球首演時使用的手稿部分。
堅強無比的歷任音樂總監
（整理自維基百科）
擁有悠久的歷史，自然脫離不了豐沛的人脈關係。紐愛最引以為傲的，便是陣容堅強的→「歷任音樂總監」。
首任指揮希爾之後，1865年的伯格曼（Carl Bergmann）則是第一位常任指揮。之後的重要指揮還包括：雷奧坡達姆洛希（Leopold Damrosch）、提歐多瑞湯瑪斯（Theodore Thomas）、安東西德（Anton Seidl）、華爾特達姆洛希（Walter Damrosch）、馬勒（Gustav Mahler）、約瑟夫史川斯基（Joseph Stransky）等人。
1921年紐約愛樂與國家交響管絃樂團合併，孟根堡（Willem Mengelberg）續任指揮直到1930年，1925年福特萬格勒（Wilhelm Furtwangler）從客席變成常任，托斯卡尼尼（Arturo Toscanini）在1927-36年間接任他的位置。托斯卡尼尼之後的繼任者有：巴畢羅里（John Barbirolli）、羅辛斯基（Artur Rodzinsky）、史托考夫斯基（Leopold Stokowski）、米卓波羅斯（Dmitri Mitropoulos），再到1958年的伯恩斯坦（Leonard Bernstein，紐愛贈予「桂冠詩人」頭銜）、1971年的布列茲（Pierre Boulez）、1978-91年的祖賓梅塔（Zubin Mehta，也是二十世紀在位最久的總監）、1991年的寇特.馬殊（Kurt Masur），每一位都是二十世紀如雷貫耳的指揮大師。
福特萬格勒的歷史錄音，正在一一修復，重新發行中
https://youtu.be/_SdWLE9NHZY
巴畢羅里指揮紐約愛樂：西貝流士交響曲1&2
https://youtu.be/a7oMYsmyhRY
巴畢羅里指揮紐約愛樂：經典的馬勒第五號交響曲
https://youtu.be/BXtnkgELVTM
羅辛斯基Artur Rodziński Live (1892-1958): Tchaikovsky: Symphony no.4 & 5 (New York 1945-’46)
https://youtu.be/pzUUwdL4ZjE
史托考夫斯基指揮紐約愛樂於電影《卡內基音樂廳》中留下Live' 演奏
Leopold Stokowski conducts the New York Philharmonic Symphony Orchestra in part of the slow movement from Tchaikovsky's 5th Symphony in the 1947 movie "Carnegie Hall".
https://youtu.be/mohRnauSkdY
米卓波羅斯指揮紐約愛樂之音樂會彩排實況
https://youtu.be/Kl-dSoNHx8Y
伯恩斯坦指揮《贛第德》輕歌劇序曲 Live'
https://youtu.be/zn5bhJ5YX6U
布列茲指揮紐約愛樂：德布西《海》交響素描
https://youtu.be/hIBu70g1YPc
此外，許多作曲家、獨奏家也與這個樂團合作過，像是安東.魯賓斯坦、柴可夫斯基、德弗札克、理察史特勞斯、馬勒、拉赫曼尼諾夫、史特拉汶斯基等等。一代代偉大的歌唱家與紐約愛樂同台的更是不計其數。
霍洛維茲與紐約愛樂合作拉赫曼尼諾夫第三號鋼琴協奏曲（祖賓梅塔指揮）
https://youtu.be/NuumAi-ZDe4
其中的主因，是紐約愛樂特別擁護當代傑出作曲家的新作，像是德弗乍克第九號交響曲「新世界」、拉赫曼尼諾夫「第三號鋼琴協奏曲」都由該團世界首演。而貝多芬「第八、九號交響曲」、布拉姆斯「第四號交響曲」、馬勒「第一、四、六號交響曲」的美國首演，也都由紐約愛樂寫下歷史。這個安排當代作曲家作品的優良傳統，一直到現在都依然保持著。
跨領域演出
1882年，在達姆洛希的率領下，紐約愛樂完成了第一次的美國國內巡迴演出。1920年第一次歐洲巡迴演出成功之後，全球五大洲裡頭，有52個國家共352個城市曾經留下他們動人的音樂。
1922年該團也是第一個進行廣播的大型交響樂團，懂得在在巡迴之外，找到推廣音樂更有效的傳播媒體。下為紐約愛樂歷史照片：1930年10月5日，CBS首次現場轉播紐約愛樂於卡內基音樂廳演出。
馬勒．最知名的前音樂總監
https://youtu.be/LuHApnW1BqY
馬勒紀念音樂會規劃
https://youtu.be/S_Qfymn5ITw
紐約愛樂團員探訪馬勒之墓
https://youtu.be/99v-mmkC3OU
伯恩斯坦的耕耘與創新
自1950年起，紐約愛樂更打進電視圈，在伯恩斯坦的帶領下，該團於CBS電視台進行一系列的青少年管絃樂入門的錄影演出，這項創舉甚至持續轉播二十幾年，對於古典音樂的推廣厥功甚偉。下為紐約愛樂歷史照片：1958年伯恩斯坦帶領紐約愛樂準備進行電視轉播實況演出。
伯恩斯坦琴藝出眾，偶爾與紐約愛樂邊彈邊指揮，令人佩服
George Gershwin - Rhapsody in Blue - Leonard Bernstein, New York Philharmonic (1976)
https://youtu.be/cH2PH0auTUU
拉威爾鋼琴協奏曲第二樂章
https://youtu.be/ud6nbX5XKVk
1962年紐約愛樂搬到愛樂廳，也就是現在的林肯表演藝術中心的「大衛·格芬廳」。1965年開始，該團在紐約市的公園內舉行免費音樂會，超過一千兩百萬的聽眾曾參與此盛會。1986年7月5日於紐約中央公園的音樂會，更吸引了約80萬聽眾，創下古典音樂史上的新記錄。
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2018年6月15日，紐約愛樂於中央公園演奏「伯恩斯坦紀念音樂會」現場盛況
1976年起，「林肯中心音樂會」的現場實況，也經常出現全美教育電視節目中。從1980年之後，紐約愛樂已經完成十六趟國際巡迴演出，足跡遍及歐洲、墨西哥、南美洲、亞洲、以色列、拉丁美洲、蘇聯等，其中包括四次美國本土巡迴表演，可以說活動力驚人。
進入網路時代，紐約愛樂也不落人後，在1996年11月14日，成為第一支運用數位重製技術的樂團，重新出版伯恩斯坦於1943年首次登台之歷史錄音，透過網際網路播放到全球。1999年2月18日，該團進行他們的第13,000場演出，2004年12月18日進行至第14,000場演出，寫下其他樂團難以超越的里程紀錄。
紐約愛樂曾經四度來台，最近的一次是由於2018年3月17、18日在台北國家音樂廳，由新任音樂總監梵志登(Jaap van Zweden)率領樂團進行亞洲巡迴，並與中國美麗鋼琴家王羽佳合作，於台北國家音樂廳舉行了兩場演出。
這是樂團拍攝之紀錄影片：（影片裡有兩廳院的空拍景與國家音樂廳彩排實況喔～）
https://www.youtube.com/watch?v=DKUy2FBU81I&feature=youtu.be
唱片錄音
從1917年的第一張唱片錄音開始，紐約愛樂已經灌錄將近二千張的專輯，其中大約有五百張目前市場上可以買到。其中值得收藏的包括企鵝三星帶花：伯恩斯坦指揮柯普蘭「阿帕拉契之春」、「比利小子」(CBS)，伯恩斯坦指揮自己的作品「讚美詩交響曲」(CBS)。
另有唱片藝術首獎：華爾特指揮舒伯特「第五、八號交響曲」(CBS)，華爾特指揮莫札特「安魂曲」(CBS)，華爾特指揮馬勒「大地之歌」(CBS，Miller、Haefliger演唱)，伯恩斯坦指揮馬勒「第二號交響曲」(DG，韓翠克絲、露德維希演唱)，辛諾波里指揮華格納「管絃樂曲選」(DG)，布列茲指揮史特拉汶斯基「火鳥」(CBS)等等。
而在馬殊指揮下的紐約愛樂錄音由Teldec發行，其中也有兩張贏得「音響評論」雜誌的「年度唱片」獎。1997年該樂團發行一套10張的珍藏專輯「重溫歷史」，收錄1923-1987年的電台廣播演出錄音，是紐約愛樂重要的錄音文獻。
繼續引領風騷
儘管樂壇總是有著不利於紐約愛樂的傳言，例如該團團員自視甚高、難以駕馭，或者是紐約一地樂評苛刻不利指揮。近年來，甚至有樂評表示紐約愛樂的地位，已經落在美國五大交響樂團之外。但是不管怎麼說，這個有著難以取代歷史地位的樂團，依舊是許多指揮夢寐以求的合作夥伴。
2121-22 樂季前瞻
2121-22 樂季預告影片
https://youtu.be/3yhaql1RbnY
紐約愛樂Youtube頻道
【主題三】最偉大交響樂團之旅
台灣每年幾乎都會有世界級的交響樂團前來演奏，票價不算便宜，但卻常常是一票難求～這些世界級的交響樂團各有各的特色及風格，本次古典音樂三部曲-「古典音樂第三堂課」，將一次帶領大家認識四個偉大的世界知名交響樂團。
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12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會12/10「柏林愛樂」古典天團與數位音樂廳的全球魔力12/17「紐約愛樂」美國最具歷史與獨特地之管弦樂團12/24「洛杉磯愛樂」百年老店走向21世界迎向新風格 |
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【BON音樂】純樸田園風光的交響曲～布拉姆斯第二號交響曲
【BON音樂】純樸田園風光的交響曲～布拉姆斯第二號交響曲
Johannes Brahms: Symphony No.2
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關於布拉姆斯第二號交響曲
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms/
布式田園風格
布拉姆斯於1877年夏季造訪奧地利南部克恩頓邦的韋爾特湖畔的珀查赫（Pörtschach am Wörthersee）小鎮渡假時，同時開始著手第2號交響曲的寫作。
現代不同角度欣賞珀查赫小鎮環湖海風光，實在愜意極了
旋律在飛舞的夢幻聖地
布拉姆斯從珀查赫寫信給音評家愛德華·漢斯力克（Eduard Hanslick）説：「在韋爾特湖畔地上，有許多旋律在飛舞。你一定會説，不要踏壞那些旋律。」他以驚人的速度完成第二號交響曲，創作歷程從1878年6月到10月即完成，不超過五個月。
其實在不久之前，布拉姆斯才剛於1876年完成第一號交響曲，並於同年11月4日進行首演，因此雖然一邊準備著第二號交響曲的創作，但布拉姆斯同時仍忙於第1號交響曲的鋼琴四手聯彈改編。我們從由克拉拉·舒曼的信裡可得知，第二號交響曲之第一樂章已於1877年9月24號完成。也就在10月3日，布拉姆斯在鋼琴上為其演奏第一樂章，克拉拉亦在日記中記道：「比起第一號交響曲的第一樂章，這個樂章更加具有原創性。他亦演奏了部分的第4樂章，同樣令我感到滿意。這首溫暖、巧筆的作品，將會比第一號交響曲得到更大的成功。」
果然，這首D大調第二號交響曲（Symphonie Nr. 2, D-Dur）op.73，或許因為布拉姆斯終於擺脫了第一號困難的產出過程與精神壓力，加上在韋爾特湖畔珀查赫，美景如畫的渡假悠閒心情，因而樂曲充滿了舒適、悠然與快活的氣氛：尤其第一樂章充滿田園風格與牧歌自然歌唱之感，因此許多人將之比為貝多芬的「田園」，故D大調第二號交響曲亦經常被稱為布拉姆斯的「田園」交響曲。
此後兩年，布拉姆斯都連續在珀查赫渡過夏天，並在此地創作了小提琴協奏曲op.77（1878年）、第一號小提琴奏鳴曲op.78（1878年）等傑出作品。
布拉姆斯年代的珀查赫韋爾特湖畔
今日的珀查赫小鎮，仍然貼著布拉姆斯於此創作出風光明媚的第二號交響曲之巨幅海報，深深以此為榮：
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-symphony-no-1/
樂曲首演
（資訊整理於網路）
1877年12月30日，由漢斯·里希特指揮維也納愛樂樂團完成了此曲的首演。
首演《第一號交響曲》的指揮奧圖.德索夫（Otto Dessoff），原本企圖說服布拉姆斯也讓《第二號交響曲》首演於喀斯魯（Karlsruhe），但最後，他卻選擇了維也納。
出乎意料的，原本預計於1877年12月9日的首演，卻因分譜來不及製作，以致樂團無法充分練習而延期。1877年12月30日，由李希特指揮維也納愛樂管弦樂團（Vienna Philharmonic）的首演，是愛樂協會第四次音樂會的節目之一。在這次的演出中，觀眾不僅報以熱烈掌聲，特別是第三樂章，還被要求加演一次。
初演大獲成功後，立即展開了一連串在德國與荷蘭的表演。從1877年年底分別在來比錫、布萊梅、阿姆斯特丹、海牙的巡迴音樂會，觀眾的反應幾近如痴如醉，極為成功。布拉姆斯回到維也納之後，《第二號交響曲》仍在沒有他的指揮之下繼續被巡迴演出，並紅遍整個歐洲。
樂團編制
兩管編制。
長笛2、雙簧管2、A調單簧管2、低音管2。
法國號4、小號2（in D & B）、長號3、低音號1。
定音鼓
弦樂五部
出版
本曲的總譜與鋼琴四手聯彈改編譜皆由布拉姆斯親自校訂，出版商西姆羅克印行，分別於於1878年6月（總譜）及7月（鋼琴四手聯彈樂譜）出版。
樂曲架構
總長大約40到50分鐘，共四樂章：
-
- 勿太過的快板（Allegro non troppo）
- 適中的慢板－保持速度且優雅（Adagio non troppo－L'istesso tempo, ma grazioso）
- 優雅的稍快板，接近小行板速度－不過促的急板（Allegretto grazioso, quasi andantino－Presto ma non assai）
- 富精神的快板（Allegro con spirito）
全曲樂譜欣賞
Johannes Brahms: Symphony No. 2 in D major, Op. 73 (with Score)
Composed: 1877
Conductor: Simon Rattle
Orchestra: Berlin Philharmonic Orchestra
00:00 1. Allegro non troppo (D major)
15:26 2. Adagio non troppo (B major)
25:05 3. Allegretto grazioso (quasi andantino) (G major)
30:33 4. Allegro con spirito (D major)
https://youtu.be/QtXkWh7yjVY
第一樂章 Allgro non troppo，3/4 拍，D 大調。
樂曲結構：奏鳴曲式
| 呈示部 | 發展部 | ||||||||
| 插句A | 插句B | 插句C | 插句D | ||||||
|
A 1-43 |
B 44-65 |
C 66-81 |
D 82-117 |
E 118-126 |
127-155 |
F 156-182 |
2「 ---- 183-203 |
204-223 |
G 224-301 |
| 再現部 | 尾聲 | |||||
| 第一主題 | 第二主題 | 插句C | 插句D | 結束句 | 第一部份 | 第二部份 |
|
I 302-349 |
K 350-385 |
386-394 |
395-423 |
424-446 |
447-476 |
477-496 |
第二樂章 Adagio non troppo，4/4 拍，B 大調。
樂曲結構：奏鳴曲式
古典樂派的交響曲之第二樂章通常為「如歌式的慢板」或「行板」樂章，也經常使用三段式歌謠體。
因歌謠體樂章之各大段落主題，通常都是風格迥異或對比的樂段相互穿插而成，並不符合此樂章運用「發展變奏」的特性；因此這個樂章的曲式結構，此處以奏鳴曲式分析之。
| 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 | ||||
| 尾聲 | |||||||
|
1~32 |
B 33~44 |
45~48 |
C 49~56 |
D 57~67 |
E 68~91 |
F 92~96 |
97~104 |
第三樂章 Allegro grazioso(Quasi Adantino)，3/4 拍，G 大調。
樂曲結構：輪旋曲式
古典時期的第三樂章通常為小步舞曲（Minuet），而貝多芬自第二號交響曲起，逐漸以詼諧曲（Scherzo）取代小步舞曲，亦開創了兩段相同中段（Trio）的型態。
本樂章雖具有詼諧曲的基本架構，在曲式上同時也符合迴旋曲。而布拉姆斯高超地運用「發展變奏」的手法，更是他音樂匠心獨具的原因，也是多年來能屢獲愛樂者之心的重要魅力。
這個樂章充滿著平易親切的溫暖旋律，更洋溢溫暖的田園風情，也是布拉姆斯所有交響曲作品裡，最受歡迎的樂章之一。
| A段 | B段 | A'段 | C段 | A''段 | 尾奏 |
| 1-32 |
33~106 |
107~125 |
126~193 Tempo Primo |
E 194~224 |
225~240 |
第四樂章 Allegro con spirito，2/2 拍，D 大調。
樂曲結構：奏鳴曲式
| 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 | ||||||
| 尾聲 | |||||||||
|
1-43 |
44-77 |
C 78-121 |
E 122-154 |
G 155~205 |
I 206~243 |
244-280 in Tempo |
M 281-324 |
N 325-352 |
O 353-429 |
補充資料
https://youtu.be/iE0yWx1CC0E
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爵士音樂的演進與歷史
爵士音樂的歷史 年代圖解
爵士風格之演進
爵士樂的起源 - 路易斯安那州
State of Louisiana
路易斯安那 (Louisiana) 位於灣岸 (Gulf Coast) 區，深受法國文化的影響，展現著獨特區域風貌。若說到路易斯安那的運動比賽，那讓人熱血的慓悍絕對是純正的美國風。
紐奧良
New Orleans
紐奧良擁有南方爵士樂、悠然自得的當地居民、精心保存的建築和獨特的法式及西班牙風情，其能量和社區精神散發著魅力。
文化融合．全新音樂形成
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爵士音樂歷史
黑奴販賣．音樂出口
https://youtu.be/yKJjfZgzdHc
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文化融合奠定根基
https://youtu.be/Ta7aWOKP7aw
樂理篇．藍調音階
樂理篇（一）什麼是藍調音階？
https://youtu.be/CjJwxtahGtw?t=13
樂理篇（二）什麼是大小調藍調音階？
https://youtu.be/WWEchKvZwdE?t=42
1959，改變爵士音樂的一年
https://youtu.be/PKYa3wwc1SU
新浪潮．Bossa Nova降臨
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10位爵士音樂史上最具影響力的人物
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BBC製作之Bossa Nova 紀錄片
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樂手：Miles Davis (tpt); Frank Rehak (tb); Wayne Shorter (ts); Paul Chambers (b); Jimmy Cobb (d); Willie Bobo (bgo); Bob Dorough (p, voc)
https://youtu.be/E3fHABn6SEE
🎄Elvis Presley performing "White Christmas"
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【BON音樂】大人音樂欣賞偉大交響曲系列（四）我的時代終將來臨：馬勒第一號交響曲《巨人》
【BON音樂】大人音樂欣賞偉大交響曲系列（四）我的時代終將來臨：馬勒第一號交響曲《巨人》
Mahler Symphony No.1 "Titan"
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第4堂：我的時代終將來臨─馬勒第一號交響曲《巨人》
馬勒第一號交響曲，除了是進階馬勒交響作品世界的入門磚，更被廣泛地認為是認識馬勒的最佳曲目。創作時間在1884年至1888年間，34歲的馬勒正在指揮之路一路向上爬，也逐漸思考作曲之路「我所構思的交響曲將是聞所未聞的作品，這是我一生最偉大的事業，不論形式或內涵的原創性，都是難以形容的。」樂曲完成之後於1889年11月20日由馬勒親自指揮在布達佩斯首演。這堂課將帶你跟隨巨人的腳步，輕扣交響之門。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
2021年最新課程資訊
| ※課程諮詢請於週一至週五09:30~17:30，電話報名請洽客服專線02-2662-0332，課程相關諮詢請洽02-25078627分機885 (巫小姐) |
週二班
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週四班
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【BON音樂】我的時代終將來臨：馬勒第一號交響曲《巨人》
Mahler Symphony No.1 "Titan"
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2021年是作曲家馬勒逝世110周年，因而也被稱為「馬勒年」，全球許多樂團與音樂家都用音樂紀念這位交響樂「巨人」。
延伸閱讀（維基百科）
作曲家馬勒生平
為何聽馬勒？
https://youtu.be/jL1kL4EARAM
馬勒曾經自述：「交響曲必須包含整個世界，必須包含萬事萬物的聲音。」在他的交響曲中，世界自成一格，並且包含宇宙之聲。
綜觀馬勒一生的創作生涯，他不斷地在交響樂的各種創作領域與作曲手法中，將音樂推展至極致。對於這位已在在21世紀當代備受喜愛的作曲家，他的音樂是這天地之間全新的創作彷彿黎明之前的破曉，但在他所生活的20世紀初期，他的音樂仍處在毀譽參半的狀態。
馬勒曾說過：「我的時代終將來臨！」，讓我們跟隨蹦藝術節目主持人林仁斌的導引與介紹，慢慢帶您知曉為何在21世紀的現在，馬勒的時代，已然到來！
蹦藝術 Podcast 精選
S2 EP8｜談馬勒與他的交響人生（上）
S2 EP8｜談馬勒與他的交響人生（下）
推薦閱讀
「鄉民馬勒指南」馬勒 D大調第一號交響曲
作曲年份
1884年-1888年
世界首演
五樂章版本，兩大部分50分鐘
1889年11月20日由馬勒指揮布達佩斯愛樂交響樂團
樂譜出版
維也納Weinberger版（1899年2月）
維也納Universal版（1906年5月）
維也納Universal決定版（1967年）
樂團編制
《巨人》交響曲所需樂團編制較大，，各聲部均四管編制（視段落變化為家族樂器）為基本需求，法國號更達到7部，小號也使用到F調富魯格號。
| 木管樂器 | 銅管樂器 | 弦樂器 | 打擊樂器 |
|
|
|
|
每個樂章需要演奏聲部稍有不同，並不需要持續最大量聲部，在此以第四樂章開頭與終段「勝利主題」為例，列出最大樂團編制如下：
第四樂章開頭譜例：
第四樂章終段「勝利主題譜例
第一號交響曲《巨人》馬勒手稿
首演之後的演出記錄
|
第一號交響曲《巨人》樂曲樂章
目前全球經常演出有兩大版本：五樂章與四樂章兩種版本。
1889年11月20日晚間，藝文界重要人士紛紛趕赴布達佩斯威嘉朵音樂廳（Vigadó Concert Hall）：作曲家兼指揮馬勒步上指揮台，首先以凱魯畢尼(Luigi Cherubini)的序曲作為音樂會開場，緊接著在一陣神秘深邃的聲音中，開啟了一首五個樂章的「交響詩」～這是他正式公開自己的交響曲作品，期待甚深。縱使上半部幾個樂章之後，觀眾都給予鼓掌肯定，但是從「送葬進行曲」樂章開始，大家紛紛傳出不自在或者驚恐的反應。最後，樂曲結束於熱情激昂的澎派尾聲，但台下的觀眾卻早已按捺不住情緒，眾人稀疏的掌聲之間甚至交雜著噓聲。
首演的演出失利，帶給馬勒非常巨大的打擊。在後來的十年間，他不斷地改寫樂曲的結構與配置，不僅將兩部份五樂章交響詩的型式調整為四個樂章的交響曲，並且還加上了《巨人》(Titan)的標題，這～也就是我們現在所熟知的D大調第一號交響曲《巨人》之由來。
關於五樂章版本：
| 簡說：
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索） 在最初的三場演出中，第一和第二樂章之間還有一個稱為「百花」（Blumine）的樂章。「百花」樂章原先是馬勒為約瑟夫·舍菲爾的1884年話劇《賽金根的號手》（德語：Der Trompeter von Säckingen）所作的配樂中的一曲。馬勒在1894年魏瑪的演出之後捨棄了這個樂章。自此該樂章一直失傳，直到1966年作家唐納德·米切爾發現了這份樂譜。1967年，英國指揮家和作曲家班傑明·布列頓首次在馬勒去世後演出了這個樂章。如今《第一交響曲》的演出基本是不包括該「百花」樂章，只是有時候會被單獨演奏。 1970年尤金.奧曼第指揮費城交響樂團首次錄製了帶有「百花」版本的馬勒第一交響曲。目前全球亦有數十版本馬一以五樂章規格錄製。 |
五樂章共分為兩大部分，大約60分鐘： 第一部：「青春歲月，年輕、成熟與苦惱」 (一)無盡之春，黎明之初，山河大地復甦(序奏描寫清晨大自然的甦醒) (二)百花樂章(這是附有小號獨奏、牧歌風優美的樂章，但在出版時馬勒卻把它刪除了) (三)一帆風順 第二部：「人間喜劇」 (四)觸礁(葬禮進行曲) (五)從地獄到天國
百花樂章 樂譜版本
https://youtu.be/e4H1QiulzyQ
完整五樂章版本欣賞（有百花樂章）
https://youtu.be/eFj9D-Mx31U
四樂章版，也是現在全球最通用版本，全長約50分鐘。
總譜版本欣賞
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
馬勒：第一號交響曲樂曲分析↵
第一樂章 曲式表↵
D大調，4/4拍，奏鳴曲式
| 序奏 | 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 | ||||||
| ：第一主題 | 反覆A段 | 反覆B段 | 結束段落 ： | A | B | C | 第一主題 | 結束段落 | ||
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
Introduction:
The tempo of the introduction section alternates between:
- Langsam. Schleppend (Slowly. Dragging) - Depicts nature's slumber.
- Più mosso (more movement). - Awakening calls of fanfares on clarinet and trumpet.
The strings hold the note A, spread over a range of seven octaves, the violins using harmonics for the highest registers. A two-note motif is gradually developed in the woodwinds establishing the following repeated pattern of descending fourths, reminiscent of the first movement of Beethoven’s 9th Symphony in d minor:
This ‘nature’ theme is interrupted by a fanfare ‘awakening call’ played by the clarinets, and later by muted offstage trumpets, indicated in the score: "In sehr weiter Entfernung aufgestellt" ("At a very far distance"):
A slow and mellow melody is later introduced in the horns with directions to be "sung very softly":
After more interruptions by the trumpets playing the fanfare theme, a rising chromatic motif is played by the double bass’ and cellos, with the nature theme layered on top by the trumpets.
The ending of the introduction leads seamlessly into the exposition through the gradual build up of the descending two-note cuckoo motif which transforms itself into the main theme of the first movement, marking the beginning of the exposition.
| Bar: 1-9 |
Langsam. Schleppend (Slowly. Dragging) Wie ein Naturlaut |
Theme of fourths (Nature Theme) |
| 9-15 | Più mosso | Clarinet fanfare (Awakening call) |
| 16-21 | Tempo I | Theme of fourths |
| 22-27 | Più mosso | Trumpet fanfare (Awakening call) |
| 28-29 | Tempo I | Theme of fourths |
| 30-31 | Più mosso | Cuckoo calls |
| 32-35 | Tempo I | Slow mellow horn melody |
| 36-39 | Più mosso | Trumpet fanfare |
| 40-43 | Tempo I | Slow Mellow horn melody |
| 44-46 | Più mosso | Trumpet fanfare and cuckoo calls |
| 47-58 | Tempo I | Chromatic bass motif and theme of fourths |
Exposition:
The exposition breaks free from the tense atmosphere established in the introduction section, becoming carefree and light. The main theme takes its melody from the second song from Mahler’s Lieder eines fahrendon Gesellen, titled: "Ging heut' Morgen übers Feld". The songs lyrics: "Isn't it becoming a fine world?; Chirp! Chirp! Fair and sharp!; How the world delights me!" translate beautifully both musically and semantically.
This melody first appears in the cellos and gradually builds in dynamic as it makes its way through the different sections of the orchestra, eventually being played by the entire brass section. A new bird call is introduced towards the end of the exposition: the Tirilli motif. It begins in the woodwinds and is later shared with the strings:
| 62-74 | Song theme |
| 75-108 | Music from third verse of 2nd song from: Lieder eines fahrendon Gesellen |
| 109-135 | Music from first verse of 2nd song from: Lieder eines fahrendon Gesellen |
| 136-162 | Final group (taken from Tirili motif) |
Development:
The development section begins as a new form of the introduction, keeping the drone A and cuckoo calls, the clarinet and trumpet fanfare motif is however, suppressed until later in the section. The opening also incorporates the newly introduced Tirilli motif. A cantabile cello theme is introduced which functions as a secondary theme:
| 163-206 | Part I: New form of introduction (now with gradual retard) without use of clarinet and trumpet fanfares, with the inclusion of the Tirili motif; preparation of cello theme |
| 207-304 | Part II: |
| 209-220 | Fanfare theme of the horns |
| 221-229 | Cantabile cello theme (functioning as a secondary theme) |
| 225-304 | Renewed statement and development of the song motif in changing colors, including the cantabile cello theme |
| 305-357 | Part III: A foreshadowing of the inferno in anticipation of a section from the Finale (bars 574-628) |
| 352-357 | "Breakthrough": Trumpet fanfares and woodwind and horn signals |
Recapitulation:
| 358-442 | Recapitulation |
| 443-450 | Coda |
關於藝術歌曲之使用（一）
馬勒於第一號交響曲中使用了自己最初寫作的聯篇歌曲《流浪青年旅人之歌》（旅人之歌）中的歌曲《清晨當我穿過草原》（Lieder eines fahrenden Gesellen）音樂旋律。
《清晨當我穿過草原》演唱版本
https://youtu.be/yrGMh3LQWeY
《清晨當我穿過草原》
藝術歌曲中的第二首曲目《清晨當我穿過草原》（Ging heut Morgen übers Feld），是整套作品當中最愉快的旋律。這是一首喜樂之歌。
流浪者面對大自然的美景，例如簡單卻婉轉動聽的鳥鳴聲，草原上的露珠等都十分歡喜和驚奇，鳥兒還歌唱提醒著他說：「這不是一個可愛的世界嗎？」然而，流浪者在最後被提醒，儘管這一切皆美，但他的喜樂因愛人的離開而不再回來。
管弦樂的配器也非常細緻而優雅，運用了長笛和弦樂的高音音域富有歌唱性，三角鐵在這樂章亦發揮重要的襯托作用。這首歌曲的大部份旋律，均在馬勒第一交響曲第一樂章的第一主題裡，再次被引用且發展微精彩動聽的完整段落。
清晨我走過田野
A-A‘-B 三段體 + Coda
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Ging heut morgen übers Feld, A‘ Auch die Glockenblum'am Feld B Und da fing im Sonnenschein "Guten tag, Coda Nun fängt auch mein Glück wohl an?! |
A
今早我走過田野； A’ 還有，田野裡的風鈴草精神抖擻 B 然後，在陽光下 「你好， Coda 現在，我的快樂日子也將來臨嗎？！ |
對照第一號交響曲第一主題
https://youtu.be/4XbHLFkg_Mw?t=276
第二樂章 曲式表↵
A大調，3/4拍，三段體
| A段 | B段 | A段 |
尾聲 |
|||
| ： A ： | B | A | C | D | A | |
https://youtu.be/ypClfhEwwCw?t=987
| Bar Number: | Section: | Mahler’s Tempo Markings |
| 1-174 | Opening main section | minim (half-note) = 66 |
| 175-358 | Trio | minim (half-note) = 54 |
The movement opens with with the following motif played by the bass:
The Ländler’s main theme is then introduced in the woodwinds over the top of the bass motif:
蘭德勒舞曲與舞蹈
https://youtu.be/zkDr5rnhMag
民俗舞跳的蘭德勒舞曲
https://youtu.be/4rZPKc8CK24
電影《真善美》裡使用的蘭德勒舞曲
https://youtu.be/BgUwg28cSiU
第三樂章 曲式表↵
d小調，4/4拍，三段體
|
A段 |
B段 |
A段 |
尾聲 |
|||
| A | B | A | B | A+B | ||
https://youtu.be/ypClfhEwwCw?t=1530
The movement begins with the timpani softly beating a two note ostinato in isolation:
《雅克弟兄》（兩隻老虎）（法文：Frère Jacques）譜例：
A Capella 演場版本
https://youtu.be/Pa2_oWshsRM
Mahler gives directions in the score: "Solemn and measured without dragging". After two bars, the main melodic theme forming the basis of the movement is introduced on a solo Contrabass, an innovative role for the instrument.
Mahler reproduced this melody note for note from the popular round "Bruder Martin" (Brother Martin), also known as ‘Frère Jacques’ described by August Beer as "a humorous round sung in Germany by male choirs and young men in pubs in a jocular, chanting manner." The canon section (bars 1-38) slowly builds momentum as the round is picked up by different instruments in a highly unusual order, jumping from different sections of the orchestra resulting in timbre combinations that are characteristically Mahler:
| Bar: 3 | Double-bass solo |
| 11 | Muted cellos |
| 15 | Bass tuba |
| 17 | First bassoon & first clarinet |
| 19 | Muted violas |
| 21 | First horn |
| 23 | Four flutes |
| 25 | English horn, two clarinets, & bass clarinet |
| 27 | Violas & cellos one octave apart |
| 29 | Four muted horns & harp |
In a conversation with Natalie Bauer-Lechner, Mahler stated: "in the round, the new entrance always is distinct, in a surprising timbre, drawing attention to itself."
The oboe introduces the following counter melody in bar 19, which is heard again in bar 29 with the addition of the E-flat clarinet (The first appearance of the instrument in the symphony):
Mahler then introduces a new section lasting from bar 39-44. The oboe is given a swaying melody in thirds and sixths (See Pic below) with the trumpets providing a counter melody underneath. This counter melody continues into the parody section acting as a bridge between the contrasting ‘Bruder Martin’ opening and Parody section which follows.
關於藝術歌曲之使用（二）
馬勒於第一號交響曲中使用了自己最初寫作的聯篇歌曲《流浪青年旅人之歌》（旅人之歌）中的歌曲《那雙藍藍的明眸》（Die zwei blauen Augen）音樂旋律。
《那雙藍藍的明眸》演唱版本
https://youtu.be/9qBUiqWdixM
歌詞翻譯
這首歌曲標題為《那雙藍藍的明眸》（Die zwei blauen Augen von meinem Schatz），在歌詞裡，我們可以感受到這不是一雙代表快樂的眼睛，因為「是雙藍藍的明眸，是我愛人的眼睛」，但「我不得不告別這至愛之地」、「現在我要面對永恆的哀愁」，這幾句與藍色眼睛對比的失落與離愁，更讓我們感受到流浪者的心痛。
是什麼原因讓他心碎？無法處理如此多的傷痛？使他無法以渾身傷痛而身處目前的環境裡？
馬勒並未給出答案，就如同舒伯特的聯篇藝術歌曲集《冬之旅》，在歌詞中，流浪者因心神疲憊躺臥於一棵菩提樹下，讓花在他身上落下，作著美夢無數。
我們不知道旅人是否想要回到他之前的生活，抑或已然下定決心要追尋新的目標，甚至可能預示著即將離開這個世界？
可以肯定的是，他是懷抱著深深的愛，做出讓自己沉痛的決定，面對每項事物，無論是愛和悲傷，整個世界與美夢...
提示：藍眼睛、流浪、菩提樹、夜間旅行、悲傷地離開...
愛人的那雙藍眼睛
A-A'-B 三段體
（中文翻譯引用自維基百科，筆者根據德文歌詞再微調）
| 德文歌詞 | 中文翻譯 |
| A
Die zwei blauen Augen A' O Augen blau, Ich bin ausgegangen in stiller Nacht B Auf der Straße steht ein Lindenbaum, |
A
那雙藍藍的明眸 A' 藍藍的眼睛啊， 我走出去，步入寧靜的夜， B 路上佇立著一棵菩提樹， |
樂譜版本欣賞
Thomas Hampson, 男中低音
Mariss Jansons, 指揮
https://youtu.be/e9lwdn5lmRU
第四樂章 曲式表↵
f小調，2/2拍，奏鳴曲式
| 序奏 | 呈示部 | 發展部 | 再現部 | 尾聲 | ||||||||||
| 第一主題 | 發展段落 | 過渡段落 | 第二主題 | 結束段落 | A | 勝利主題 | B | 勝利主題 | 結束段落 | 第二主題 | 第一主題 | 勝利主題 | ||
https://youtu.be/ypClfhEwwCw?t=2155
第四樂章使用動機與音樂↵
Fourth Movement: Dall' Inferno al Paradiso
("From the Inferno to Paradise")
Although Mahler does not use the traditional sonata-allegro form for the final movement of the symphony, it is possible to analyse the movement as such, being dividing it into three sections: exposition, development and recapitulation. Material from previous movements are revisited, with additional motifs inspired by Liszt and Wagner included. The programmatic title for the movement ‘From the Inferno to Paradise’ is clearly depicted in the music. Mahler uses the key of F minor to symbolise the inferno, contrasted against the distant key of D major representing Paradise:
Introduction Breakdown (bars 1-54):
| 1-5 | Dissonance, interpreted by Mahler as Aufschrei eines im Tiefsten verwundeten Herzens (Outcry of a deeply wounded heart) |
| 6-8 | The Cross symbol in the minor version |
| 8-18 | Inferno triplets |
| 19-21 | Anticipation of a motif from the main theme |
| 21-24 | Inferno triplets |
| 25-32 | Wail (cf. Das klagende Lied, No. 81) |
| 32-39 | Inferno triplets |
| 39-54 | Fourfold Cross motif in the minor version |
The final movement continues directly on from the previous movement without interruption. An abrupt cymbal crash opens the movement, which is immediately followed by a strikingly dissonant chord produced by the woodwinds, string and brass sections, reinforced by a bass drum hit. This ferocious opening alludes to the inferno, creating a tremendous contrast to the faint, distant ending of the previous movement. Mahler described this opening as "The sudden outburst... of despair of a deeply wounded and broken heart." (From a letter Mahler wrote to Bernhard Schuster in 1901)
Some of the key motifs representing the inferno were borrowed from Liszt’s Dante Symphony (1856), a work Mahler would have assumed familiar with his audience.
For example the Cross motif which appears in bars 6-8 was taken from Liszt’s symphony:
The final movement continues directly on from the previous movement without interruption. An abrupt cymbal crash opens the movement, which is immediately followed by a strikingly dissonant chord produced by the woodwinds, string and brass sections, reinforced by a bass drum hit. This ferocious opening alludes to the inferno, creating a tremendous contrast to the faint, distant ending of the previous movement. Mahler described this opening as "The sudden outburst... of despair of a deeply wounded and broken heart." (From a letter Mahler wrote to Bernhard Schuster in 1901)
Some of the key motifs representing the inferno were borrowed from Liszt’s Dante Symphony (1856), a work Mahler would have assumed familiar with his audience.
For example the Cross motif which appears in bars 6-8 was taken from Liszt’s symphony:
This aural symbol of the Cross, originating from old Gregorian music, is found in two forms in the movement. The Cross symbol is used by Mahler as a device to break-through from the world of the inferno to the realm of the paradiso. The symbol of the Cross only ever appears in the minor version when the music is in the world of inferno:
1) minor version - intervals of a minor second and major third
2) major version - intervals of a major second and major third
The chromatically descending triplet motif first heard in bars 8-18 (Inferno Triplets) was another motif also taken from Liszt’s symphony:
|
After the introduction section, the following theme in F minor is presented boldly in the brass and woodwinds (bar 55). Pic
This theme is expanded and developed gaining momentum, until it transforms into the swelling brass section (bar 143), followed by a brief mellow transition section which leads into the beautifully lyrical secondary section in D flat major:
The expositions concluding section (bars 238-253) recalls the slow introduction from the main section beginning in bar 55, along with the inferno triplet motif.
| 254-289 | First part in G minor (As at the beginning) |
| 290-316 | First statement of the "victorious" motif in C major, pianissimo |
| 317-369 | Second part in C minor |
| 370-427 | Second entrance of the "victorious" motif (Pesante) (Modulation from C major to D major) and Chorale theme in D major (Paradiso) |
| 428-457 | Recall of motif of the main section (very slow); Mahler, "wundervoller Anklang an die Jugend des Helden" ["wonderful allusion to the hero's youth"] |
The development section begins with another inferno motif taken from Liszt’s Dante Symphony (bar 254) played by the horns, clarinets and oboe in G minor:
The The ‘victorious’ motif in C major begins in bar 290 with the Cross motif making its first appearance in its major form played pianissimo by the first trumpet in bar 296.
This section includes a secondary motif forming the following theme:
The above theme is a rhythmic variation of the Grail theme from Richard Wagner’s Parsifal opera crafted in a manner which enables Liszt’s Cross symbol to be combined with the Dresden amen sequence used in Wagner’s Parsifal.
The second section of the development in C minor begins in bar 317. The ‘victorious’ theme makes its second appearance in bars 370-375, however, this time the dynamic markings are pesante and fortissimo (previously pianissimo), victory is seemingly in reach of the hero. The section begins in C major, modulating to D major - the realm of the paradiso.
Mahler elaborated on this victorious section to Bauer-LechnerIn during 1893:
"Maybe this was even more obvious in my First Symphony, at a transition that gave me so much trouble. There the concern was to gain a triumphant, lasting victory, after the music, having expressed short rays of hope, would always fall back into deepest despair. After a long search, it became obvious to me that I had to modulate from one key to the next higher one from C major to D major, the tonic of the piece. One could have accomplished this easily by using the half-step in between, moving up from C to C-sharp and then to D, but everyone would have known it to be the next step. Instead, my D chord, had to sound as if it had fallen from heaven, as if it had come from another world. Thus I found the transition by way of a very free and bold modulation that for the longest time I did not want to use. And if there is anything great about the whole symphony, then it is this passage which, I am convinced, has no equal."
The Chorale theme in D major contains a modified version of the nature theme from the first movement.
Nature theme, First movement, bars 18-21:
Chorale theme, Final movement, bars 388-391:
A slow section concludes the development section in bars 428-457. Many motifs and themes from the first movement return as the hero remembers his carefree youth: the nature theme, the fanfare awakenings, bird calls (quail call, cuckoo call and Tirili motif), the chromatic bass-step motif. These previous musical ideas are intertwined with newly introduced material such as the inferno triplets (bar 433-434).
Recapitulation (Bars 458-695)
| 458-532 | Secondary section with transition in F major |
| 533-573 | Main theme in F minor (Tempo I): the Inferno image now has been moved to the distance (ppp) |
| 574-622 | Intensification of material from the main section |
| 623-695 | Höchste Kraft (Utmost strength): breakthrough, third occurrence of the "victorious" motif and Chorale theme in D major (Paradiso)０ |
Coda:
| 696-731 | Coda |
全曲最後一段音樂：開首奮鬥般的音型又再出現，但更為激烈，爆發出無比的能量，這就是馬勒眼中的大自然：既強大但又溫柔，充滿生機但同時又可以操控死亡。銅管再次奏出主題，更加宏偉、更加激昂，小號與法國號樂手都站起來吹奏，結束在光輝燦爛的D大調。
https://youtu.be/4XbHLFkg_Mw?t=3254
完整演奏
四樂章版本完整演奏
阿巴多於琉森音樂節
https://youtu.be/4XbHLFkg_Mw
四樂章版本完整演奏
Fabio Luisi 指揮德勒斯登愛樂
https://youtu.be/cjTayqXDdrI
延伸閱讀
https://youtu.be/v5DfYcT5icY
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【BON音樂】2021年新竹長笛聯誼會Ｘ節慶長笛樂團 專題演講《跟著大師吹長笛》
【BON音樂】2021年新竹長笛聯誼會Ｘ節慶長笛樂團 專題演講《跟著大師吹長笛》
Flute Lecture: from Embouchure technique to music interpretations
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2021年新竹長笛聯誼會Ｘ節慶長笛樂團 專題演講《跟著大師吹長笛》
演奏技法、吹奏心法、實務討論
主講人：林仁斌老師
讓我們從基本動作開始
長笛的音色與共鳴
長笛的嘴型
帕胡德的嘴唇位置
如何尋找好的音色與音準
呼吸的位置
保持小聲與共鳴的方法
帕華洛第談橫隔膜呼吸
https://bonart.com.tw/learning-from-luciano-pavarotti-2/
聲樂家的呼吸（吸管呼吸技巧）
運舌思維
運舌技巧
實務討論篇
替代指法篇
談練習方法、教材與每日練習內容
https://youtu.be/WvyKB4fFIK0
保持演奏時「全程集中精神」
https://youtu.be/yUxY7tagf0g
如何解決演奏問題
https://youtu.be/_21jqCDiPFE
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延伸閱讀
柏林愛樂長笛首席帕胡德專訪系列
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【BON音樂】50+ 最偉大交響樂團之旅（二）柏林愛樂（Berliner Philharmoniker）
【BON音樂】50+ 最偉大交響樂團之旅（二）柏林愛樂（Berliner Philharmoniker）
All about Berliner Philharmoniker-2
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蹦藝術 | BONART
課程概要
什麼是古典音樂？
古典音樂的魅力到底在哪裡？
想了解古典音樂，但又擔心聽不懂？
50+學院邀請到蹦藝術執行長-林仁斌老師，以最輕鬆的方式帶大家進入古典音樂的世界，每周2小時的音樂慢旅，讓您一點一點延伸欣賞古典音樂之美，最終讓您登上藝術殿堂，成為古典音樂欣賞達人。古典音樂三部曲-「古典音樂第一堂課」，將深入淺出的帶領大家進入古典音樂的美妙的旅途中。
線上直播課：最偉大交響樂團之旅
| 課程主題：最偉大交響樂團之旅
12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會 |
「柏林愛樂」古典天團與數位音樂廳的全球魔力
成立於1882年的柏林愛樂，以其優異的演奏與獨特的樂團發展史，成為獨一無二的話題之王。柏林愛樂可說是世界最知名的交響樂團，因為他們不僅「高規格」，還能持續不斷「創造規格」。不但音樂家們已進入柏林愛樂為榮，指揮家們更以能指揮柏林愛樂為傲。想瞭解柏林愛樂，一定要認識他們的樂團生態和百年傳統。課程中林仁斌老師將為您一一解析柏林愛樂139年以來的重要大事與音樂總監，欣賞美妙音樂並陶醉於其中。
柏林愛樂樂團（Berliner Philharmoniker，簡稱柏林愛樂，舊團名Berliner Philharmonisches Orchester），成立於1882年，迄今已滿140年（2022年1月更新）。樂團擁有非常高之演奏水準，普遍被認為是全世界頂級的管弦樂團。
筆者介紹
柏林愛樂可說是世界最知名的交響樂團，因為他們不僅「高規格」，還能持續不斷「創造規格」。不但音樂家們已進入柏林愛樂為榮，指揮家們更以能指揮柏林愛樂為傲。想瞭解柏林愛樂，一定要認識他們的樂團生態和百年傳統～成立於1882年的柏林愛樂，其實距今也才139年歷史（2021年現在），但是樂團數不完的故事與「為數甚少的音樂總監」，反而構成他最特別的傳統與獨特的地位。在這本篇文章中，蹦藝術將介紹有關《柏林愛樂》的歷史，歷任音樂總監與精彩的演奏曲目，喜愛音樂的您絕對不容錯過～
數位音樂廳
數位音樂廳已成立十餘年，由30位正職、20至25外聘人員的大編制專業影音團隊所組成；以「虛擬的方式重現真實的柏林愛樂聲響」為工作目標，在離柏林愛樂廳400公尺的兩層樓空間裡，以業界最高規格影音設備，記錄製播所有關於柏林愛樂演出/訪談與紀錄片，最終於網站呈現，加入付費會員（年費149歐）後，就能在電腦、手機與平板APP裡完整欣賞所有精彩影音節目。
數位音樂廳網址：
https://www.digitalconcerthall.com/en
https://youtu.be/phRZqK_VkBI
2021年柏林愛樂再獲《留聲機》（Gramophone）雜誌票選全球十大管弦樂團之一。
全球公認最佳古典音樂交響樂團之一 ~ 柏林愛樂 1882 年由 50 位音樂家共同創立，柏林愛樂以如絲綢般精緻的音色與滴水不漏的樂團演奏著稱於世，與維也納愛樂並稱全球兩大樂團巨擘。
柏林愛樂團員所演奏的音樂，是指揮家口中「夢寐以求的奇蹟」，樂團獨特等級舉世無雙， 演奏能力、卓越的個人素質、高度團員默契等等，是一個讓指揮備感壓力的黃金樂團，當今世上 的指揮，若獲得與柏林愛樂合作的機會，都會認為是一份無上的榮耀。 1882 年由 50 位音樂家共同創立。這一百多年的歷史中，「柏林」能從其他歐洲知名樂團中 脫穎而出，列名「世界之冠」，歷任偉大指揮的帶領，是鑄造當今地位的最大原因。從畢羅、尼 基許、福特萬格勒到卡拉揚，這些偉大的指揮家，以他們的過人的藝術內涵，奠定了柏林愛樂的 傳奇聲譽。 早期兩大指揮為漢斯.馮.畢羅及亞瑟.尼基什，客座指揮有包括布拉姆斯、葛利格、馬勒 和理查.史特勞斯......等，這些大名鼎鼎的作曲家，於二十世紀則有福特萬格勒、傑利比達克、卡拉揚及阿巴多與樂團共創黃金年代。 尼基什特色是忠實原譜、動作精密嚴格，在任內擴寬了樂團的演出曲目，是奠定「柏林」達到世界一流地位的指揮。 而對柏林愛樂影響最深的指揮為福特萬格勒與卡拉楊；福特萬格勒的音樂詮釋超然直觀，卡拉揚的手法獨特完美，樂團如今的演奏風格就在兩人的雕琢下蔚然成型。 至這兩位指揮之後，柏林愛樂以如絲綢般精緻的音色與滴水不漏的演奏著稱於世，與維也納愛樂並稱全球兩大樂團巨頭。卡拉揚在柏林的晚期與團員產生摩擦，樂團的藝術水準逐漸產生負面效應。 1990 年起阿巴多正式擔任柏林愛樂第五任藝術總監，他精準洗鍊的特質以及熱情洋溢的義大利風格，迷人的音樂詮釋風格與長期於世界大樂團音樂經歷與指揮實力，無論音色的細膩度、細節之處理與技巧的洗鍊， 又再次帶領柏林登上音樂藝術的另一座峰頂。 讓他在接掌柏林之後，跳脫卡拉揚時代的德奧主軸，開拓更寬廣的演奏錄音曲目，並以特定主題如希臘悲劇、莎翁作品等作為演出中心，並將現代音樂納入樂團曲目，為柏林的音樂注入更強的活力，他的音樂詮釋與藝術成就開創新的「阿巴多的柏林之聲」。後因阿巴多罹患胃癌，並曾在舞台上暈眩昏倒過，暫停執掌柏林愛樂的指揮。 而自 2002 年起，繼任音樂總監持續帶領樂團邁向巔峰，並在全球各大職業樂團間持續維持翹楚地位。 現任音樂總監為基里爾·佩特連科（2019年8月19日起到任），同時兼任德國巴伐利亞國家歌劇院音樂總監。曾於2014年獲德國雜誌《歌劇世界》（Opernwelt）評選為「年度最佳指揮」
柏林愛樂大事記（整理自維基百科） 1895年，尼基什擔任樂團的首席指揮。在他的手中，柏林愛樂成為世界頂級樂團，演出曲目大大拓寬。 1923年，尼基什逝世，樂團的首席指揮由36歲的福特萬格勒擔任。福特萬格勒帶領樂團做了不少巡迴演出，使得樂團的霸主地位進一步穩固。 1944年，在二戰的硝煙中柏林愛樂大廳被炮火摧毀，樂團在教堂的場合繼續演出。 1945年4月15日，柏林被攻陷前的最後一場音樂會。 1945年5月26日，指揮里奧·波查德就在廢墟中指揮樂隊舉行了戰爭結束後的首場音樂會。 1945年，羅馬尼亞指揮切利比達奇成為樂團首席指揮。 1947年，福特萬格勒重返柏林愛樂。 1952年，福特萬格勒再次就任音樂總監。 1954年，福特萬格勒逝世。（據說臨終前時的福特萬格勒並不願意讓卡拉揚接任。） 1955年，卡拉揚成為柏林愛樂首席指揮。樂團人數達120人，成為一個可演奏所有規模作品的演出團體。 1956年，卡拉揚成為樂團終身首席指揮。這是音樂史上最成功的樂隊指揮組合。通過巡迴演出，音樂節演出和灌錄唱片，樂團的國際聲譽達到最高峰。兩者合作的34年間，錄製唱片無數。 1959年，在卡拉揚帶領下，樂團為德國唱片公司錄音（理查·史特勞斯的《英雄生涯》）。搭成了鐵三角關係。 1963年10月15日，柏林愛樂大廳重新開幕。同年，卡拉揚指揮樂團灌錄貝多芬交響曲全集。 1967年－1970年，樂團在卡拉揚的指揮下錄製華格納尼伯龍根的指環全劇。 80年代，卡拉揚和樂團矛盾爆發，兩者合作減少。 1989年，卡拉揚去世，由義大利指揮家阿巴多出任樂團首席指揮。 從2002年至今，經由樂團成員選舉，決定由英國指揮家賽門·拉圖爵士接掌樂團。拉圖爵士致力於發展年輕的樂手。在他的手下，柏林愛樂的平均年齡最小。他還嘗試在柏林愛樂和維也納愛樂管弦樂團（維也納愛樂）之間建立一種合作關係。為此他還舉行過一場特別的音樂會，音樂會上他指揮柏林愛樂和維也納愛樂合奏。 2005年11月，拉圖率領樂團訪問中國大陸及台灣。在北京、上海、台北和香港四地演出。 2011年11月，拉圖再次率領樂團亞巡。並在數位音樂廳對全世界訂戶同步播映，規模極其盛大。 2015年6月22日，基里爾·佩特連科經選舉獲得大多數團員投票支持，成為柏林愛樂樂團首席指揮與柏林愛樂基金會藝術總監，賽蒙·拉圖則於2018年8月卸任離開樂團，之後擔任倫敦交響樂團首席指揮，即將於2023年出任BRSO首席指揮。
音樂欣賞
尼基什指揮柏林愛樂演奏貝多芬第五號交響曲錄音：
https://www.youtube.com/watch?v=SFY1s6y6r5M
福特萬格勒指揮柏林愛樂 一
爭議的二戰納粹年代
https://www.youtube.com/watch?v=hyBFm-vBvTQ
卡拉揚一手打造出的34年柏林愛樂黃金年代（1955-1989）
https://www.youtube.com/watch?v=r2mu9kBI9ZY
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古典樂界帝王 - 天之驕子卡拉揚精采介紹 (本文章取自『最受歡迎的大指揮家』)
卡拉揚1908年4月5日出生於薩爾滋堡，父母都熱愛音樂，卡拉揚在充滿藝術氣 息的家庭成長，三歲學鋼琴，四歲開獨奏會，接著活躍於薩爾滋堡各教堂的兒童合唱 團，是個音樂天才，鄉親們稱他「小莫札特」。 有「歐洲音樂總監」外號的卡拉揚，祖先由馬其頓遷到奧地利，父親是醫生。他執掌柏林愛樂三十四載，氣勢之盛，無人可比。 卡拉揚雖然名滿天下，但謗亦隨之，找他麻煩、開他玩笑的新聞，從不間斷。
--------------- 卡拉揚需要一隻導盲犬--------------- 性格獨特的卡拉揚，行事自我，所以不時有他的軼事趣聞。 ◎有一次卡拉揚跳上計程車，司機問‥「到那裡?」卡拉揚回答:「到那裡都可以，『那裡』都要我!」 五十年代至六十年代中期，卡拉揚先後擔任英國的愛樂管弦樂團、維也納交響樂團、 柏林愛樂管弦樂團、維也納國立歌劇院、薩爾滋堡音樂節的音樂總監，以及米蘭史卡 拉歌劇院的客席指揮，掌控著重要地位，因此卡拉揚不免顧盼自雄，擺出君臨歐洲的 態勢!有人看不順眼，所以開他這個小玩笑。 其實，那時後的卡拉揚出入有名車接送，還有保鏢車隊隨行，再不然就自己駕著他那 部紅色保時捷狂馳一番，計程車可能已經很少坐了。 ◎卡拉揚指揮的時候多半閉著眼睛，當他雙眼一閉，即表示已進入情況，準備開始指 揮了。然後他就這樣一路眼簾低垂，直到樂曲結束，才張眼轉身謝幕。 他說:「眼睛閉著，我的耳朵會『看』得更清楚!」因此有人戲稱，卡拉揚最需要的 是一隻導盲犬。
面對閉眼指揮的老闆，柏林愛樂的團員卻更聚精會神，目不轉睛「盯」著他。有人認 為，也許卡拉揚就是利用這種目光不對焦所造成的不安全感，逼使團員更加注意他細 微的動作變化，徹底達成他的音樂指令。 ◎薩爾滋堡音樂節的導遊指著到處懸掛張貼的卡拉揚玉照對遊客說:「卡拉揚是薩爾 茲堡人，是薩爾茲堡的榮耀......對了!莫札特剛好也生在這裡。」 一九五四年以前，卡拉揚原本沒什麼機會出席薩爾茲堡音樂節，在福特萬格勒( Wilhelm Furtwangler ) 刻意的打壓下，他只有旁觀的份。等福特萬格勒一過世，卡拉揚立刻冒出頭，音樂節總監的頭銜終於落到他手中。他一改前任的傳統作風，施行新 派經營法;卡拉揚結合音樂與觀光，擴大音樂節舊有的規範，以多采多姿的節目吸引 全球的樂迷。他以自己為中心，音樂節的主題就是「卡拉揚」，所有的話題繞著他轉， 原本「莫札特音樂節」的訴求反而變得模糊，隱約變成「卡拉揚的莫札特」。
----------------『大納粹』備受爭議-----------------
卡拉揚曾經是納粹黨員，這個陰影跟他一輩子，終其一生，以色列和猶太音樂家始終 無法接受他。卡拉揚曾辯稱，他在一九三五年加入奧地利納粹黨，是為了取得亞琛 (Aachen)歌劇院的總監的職位，這種作法在當時本來不足為奇，問題是有好事者查出 卡拉揚的黨齡比他所說的要早個好幾年，那些人以為只要證實卡拉揚說謊，就可以拉他下台。 二次大戰結束，卡拉揚被禁足兩年。恢復演出權後，他到過美國幾次，每次帶領柏林愛樂巡迴時都會碰上示威群眾『歡迎』他，這批號稱反納粹得人群高舉牌子在音樂廳 門口叫罵，觸他霉頭。一九八九年二月，八十一高齡的卡拉揚最後一次赴美演出，在 紐約的卡內基音樂廳登台指揮維也納愛樂，這時的卡拉揚已經不良於行，需旁人攙扶 才能走上指揮台，觀眾目睹步履蹣跚的老大師過人的意志力，都發自內心地起立鼓掌，狀極感人! 雖然如此，場外還是有一小撮人找麻煩，毫不留情地告到美國司法部，檢舉他納粹身份。 樂評家對卡拉揚有兩極化的評價。有人只要看到卡拉揚的大名就不加分辨的說好，譬 如日本、英國的某些專家;另外一派屬於先入為主的『反卡派』，非常情緒化，只要一提到卡拉揚，就嗤之以鼻，甚至拒稱其名，而以『大納粹』(Great Nazis)代之。 卡拉揚指揮的唱片銷售量與產量都是世界第一，有一定的水準，聽過他的作品的人， 一般反應都很好。 卡拉揚深諳大眾傳播的威力。他常說，透過電視，兩、三千萬人可同時欣賞他指揮的 『蝴蝶夫人』，要是他只在歌劇院演出，要等到何年何日才可達到這些人次? 他又說，有上億的人聽過他的貝多芬交響曲唱片，如果他天天在音樂廳指揮同樣曲目，一輩子也沒法追上這個數量 其實最重要的一點卡拉揚沒說:光是他第二套貝多芬交響曲全集(六十年代 DG 發行) 的版稅收入，就夠他添購一架私人飛機。
--------------說『不』是最難啟齒的事------
有人問過卡拉揚，聽不聽別人的唱片，卡拉揚回答說，當然聽:『不過我不能透露聽 誰的唱片，說了甲不提乙，乙會生氣。』他只說他比較常聽聲樂的唱片，因為他喜歡 人聲，想找尋最美的『新聲』，供歌劇演出之用。 卡拉揚雖然極力提拔新人，但也『用』壞許多歌手，毀了一些好聲，譬如女高音黛妮 希、克蕾絲邦等。大家都知道，只要被卡拉揚看上，就等於是魚躍龍門，誰也沒有勇 氣拒絕卡拉揚的邀請。 跟卡拉揚說『不』是世上最難啟齒的事，特別是初入樂壇的年輕生手，大家想，管他的，唱了再說，往往忽略其中隱藏的危機----卡拉揚喜歡用鮮嫩的輕聲唱大部頭的作品。以如此超透支的歌唱，不要說長期發展，兩、三年就得用掉一批『聲音』，不過卡拉揚不怕，新人們前仆後繼，排隊等著被『發掘』，卡拉揚永遠有年輕之聲可用。 七十年代柏林愛樂管弦樂團的紐約之行，卡拉揚除了指揮三場轟動的音樂會外，還特別抽空到茱麗亞音樂院所開辦的大師班，指導年輕的指揮。旁聽席中不乏傑出的音樂家，包括小澤征爾及鋼琴家兼指揮愛森巴哈。小澤是卡拉揚最有名的學生，深得真傳，卡拉揚也已有這麼一位學生為榮。其他受卡拉揚提拔的晚輩有阿巴多、梅塔、慕提、 夏伊、楊頌斯、畢契柯夫等人。 卡拉揚說他希望能幫助年輕人少走冤枉路，儘可能提供他們寶貴的經驗，在他們最需要幫助時適時伸出援手。卡拉揚積極地培植後進，樂壇盟主的寶座越坐越穩。
--------------從馬術中領悟指揮精神---------------
卡拉揚是運動高手，興趣多廣，樣樣在行。音樂會前，他喜歡利用時間駕飛機兜風遨 翔，享受騰雲駕霧的樂趣。他說開飛機跟指揮樂團道理相通，兩者都需要精神集中， 百分之百做好事前準備工作，不能有一絲一毫的失誤，否則會全盤皆輸。 卡拉揚百說不厭的故事之一是他學騎馬的經驗。他說當他學到騎馬跨欄的進度之前， 連續失眠了好幾天，他想「馬兒的身軀如此龐大，如何帶牠過欄呢?」後來他才知道， 原來不是你帶馬過欄，而是牠帶你過欄去，只要你把姿勢擺正，雙腿一夾，馬兒應聲 而起，一越過欄，完全不需你耗費力氣。 他把這個道理應用到指揮上頭，當音樂要達到高潮前，指揮只需點出必要的拍點，樂團自己會造成聲勢，千萬不要有多餘動作，那只會干擾樂團，造成反效果。每次他在 教學時看到年輕指揮搖頭擺身故作激動狀，他就會舉這個例子提醒對方。 卡拉揚是名氣最響的指揮家，全球各大出版商當然搶著出版他的自傳。但是卡拉揚經常推託:「要我談談自己可以，寫自傳絕不可能;就算要寫，也只能寫與音樂相關的 事。」當時卡拉揚已經分身乏術，音樂或自傳都是由別人捉刀。 一九八八年，奧地利出版卡拉揚的『生平自述』，由法蘭滋安德勒執筆，卡拉揚在序裡再度強調他的「只能說不能寫」論調，他說他讀完與作者對話錄音的文稿後，赫然發現口述與文字是性質相異的兩回事，文字寫出的跟嘴巴說的居然不一樣! 他說:「由旁人來描述你不就等於指揮在詮釋作曲家的作品，各家說法各有不同，沒有哪一個解釋可以說是『定論』，這本自傳是執筆者在『詮釋我』，我只是旁觀的第三者，提供資料而已。」
---------------這個人有鋼鐵般的意志------------
一九二九年，卡拉揚從維也納學成還鄉，父親出資請來薩爾滋堡音樂院的管弦樂團讓 卡拉揚指揮生平第一場正式音樂會。成功的音樂會立刻替他帶來好運，受聘在德國烏 姆(Ulm) 小城工作七年，卡拉揚的指揮生涯於是踏出第一步。他下一個任所是阿亨歌 劇院，這時卡拉揚開始受到注目，一九三八年，柏林國立歌劇院請他指揮貝多芬的「 費黛里奧」，震撼柏林樂壇，媒體稱他「奇才卡拉揚」，那年卡拉揚指揮他的錄音處女 作--莫札特的歌劇「魔笛」序曲，從此揭開長達半個世紀的唱片事業序幕。 同年卡拉揚首次指揮柏林愛樂管弦樂團，引來樂團首席指揮福特萬格勒的嫉妒猜疑， 視他為勁敵。一九四二年，卡拉揚不顧納粹警告，娶了有四分之一猶太血統的安妮塔 古特曼，因此被打入冷宮。第二次世界大戰結束前，德軍節節敗退，卡拉揚和妻子逃 往義大利鄉間藏匿，生活條件極差，但是卡拉揚仍不改其志，照常研究音樂，勤習義 大利文，隨時準備東山再起。 EMI 王牌的唱片製作人華特李格(Walter Lagge)說:「再惡劣的環境也擊不倒卡拉揚， 這個人有鋼鐵般的意志與紀律!」 李格回憶戰後卡拉揚被禁止演出，困居在維也納的一間破舊小公寓，物質極端缺乏， 李格攜美酒去看他，卡拉揚如獲至寶，但卻沒有一下子牛飲而盡，而是冷靜地將美酒 平均分成數十份，每天一小口，表現出高度的理智與節制。 李格見到卡拉揚龍困淺灘，手腳難伸，於是提出優渥的錄音合約，請卡拉揚擔任他所 創辦的愛樂管弦樂團指揮。但是卡拉揚並沒有馬上答應，他很有耐心地和李格討論合 同的每一細節，直到完全清楚滿意後才簽約。他的談判技巧與冷靜又讓李格開了一次眼界。 李格說卡拉揚是他生平所見最有自信的人，完全知道自己要做什麼，該得到什麼。這 種穩扎穩打的性格，使卡拉揚一步一步走上指揮帝王的寶座。 一九五四年十一月福特萬格勒過世，次年卡拉揚以歌劇的特長及八面玲瓏的人際手 腕，擊敗勁敵祡力比達克，接任柏林愛樂管弦樂團。 卡拉揚以謝絕其他樂團聘約為交換條件，要求「終身指揮」的頭銜，他再也不甘被人 呼之則來，揮之則去，他要一頭栽進指揮柏林愛樂的工作，不願有後顧之憂。合約中 記載，卡拉揚六十五歲以後自己可以決定去留，除非他想離開，否則沒有任何人可以 逼他走路。有了這層保障，卡拉揚終於能全心致力提昇柏林愛樂的演奏水準，將柏林 愛樂塑造成舉世合奏技術第一的交響樂團。他也承認，整整花了十年工夫，他才改掉福特萬格勒留下的音樂舊習，使柏林愛樂真正蓋上「卡拉揚正字標記」。
---------------與福特萬格勒的瑜亮情節-----------
柏林愛樂創立於一八八二年，歷經畢羅、尼基許、福特萬格勒等大師掌舵，地位崇高， 與維也納愛樂、阿姆斯特丹音樂會堂管弦樂團並稱歐洲三大樂團。卡拉揚與愛樂前任 指揮福特萬格勒是完全不同的典型，儘管卡拉揚非常景仰福特萬格勒的指揮藝術。 卡拉揚曾說，他希望能融合托斯卡尼尼與福特萬格勒兩家的特長，客觀派與主觀派並重。年輕時的卡拉揚比較接近托斯卡尼尼的風格，隨著年齡增長，福特萬格勒的影響 才越來越明顯。卡拉揚說，假如有一天他寫有關音樂的書，一定會把博大精深的福特 萬格勒寫進去。 雖然卡拉揚表現出對福特萬格勒的仰慕，但福氏仍然視他為眼中釘。這是人性之常， 大師們也不能免。 卡拉揚接任柏林愛樂指揮後，努力將樂團的合奏技術推像完美的境界，然而世人肯定之餘，還是不免將他與福特萬格勒相比，經常有人批評:「福特萬格勒的精神境界比 較高。」這類看法深深擊中要害，是卡拉揚心中永遠的結! 一八八六年在柏林出生的福特萬格勒，父親阿道爾夫是德國著名的考古學家，交往的 朋友都是當時文化界俊彥，他延聘各個學門的頂尖人物來家當教席，厚實福特萬格勒 的人文素養。反觀卡拉揚赴維也納求學前，他的父親叮囑他，最好同時選擇實際一點 的科目，兩者之間成長的背景確實有所不同。不過這也有好處，有工科背景的卡拉揚 因此常保追求最新影音科技的興趣，造就他輝煌無比的音樂傳播事業。 卡拉揚與福特萬格勒之間還有一個最大的差異，福氏來往的盡是文史、哲學、藝術大師，卡拉揚卻經常被經紀人、唱片公司製作人、名流顯貴所包圍，大家前呼後擁，繞著他團團轉，卡拉揚身不由己，要脫身也難。兩人除了個性差異外，時代背景的不同也是重要因素，當中無所謂誰比誰高明的問題。 卡拉揚最大的貢獻在於他讓更多的人接觸音樂，古典音樂音他而更普及，光是這一 點，就足以讓他名留青史了。
---------------------生前死後都不甘寂寞------------------
卡拉揚最怕死後世人忘了他。據說他曾將貝多芬交響樂曲埋在地底深處，以銅牆鐵壁保護著。 六十年代起，卡拉揚開始拍影片，希望後人能觀其影，思其人。他費了很多工夫，自己選景，鏡頭大多集中在他身上，看起來雖然有些做作，不過，這是六十年代流行的 拍攝手法，難以苛求。 晚年的卡拉揚自組影音公司和 Sony 合作拍攝音樂影片，聲光效果非常好。這些影片 都是他的傳世之作，全部由他親自剪輯。很難想像八十高齡的卡拉揚每天花費五個小 時埋首影片堆中，難怪他不寫傳記，這就是他的音樂傳記。 卡拉揚曾經想拍普契尼以紫禁城為背景的「杜蘭朵公主」，他透過了香港的德國領事 館找上導演胡金銓(卡拉揚可能看過「俠女」)，將胡導演大老遠地請到他的豪華遊艇 談拍攝計畫，可惜後來不了了之，沒有下文。 卡拉揚和 Sony 總裁盛田昭夫是多年老友，交情至深。一九八九年的薩爾滋堡復活音 樂節，卡拉揚和 Sony 老闆、菲利普及寶麗金集團共同宣佈 CD 雷射唱片的誕生。一九 八七年，Sony 在卡拉揚居住的薩爾滋堡近郊小鎮安妮夫(Anif)設廠，就近拍攝製作卡拉揚的音樂影片。 卡拉揚對家鄉子弟因為他的緣故而能增加許多就業機會，頗為得意。這是他繼振興薩 爾滋堡觀光事業後，又一次對鄉里的回饋。一九八九年七月十六日卡拉揚病逝安妮夫家中，就是倒在 Sony 老闆的懷裡。 卡拉揚過世後，Sony 宣佈以發行卡拉揚的藝術為已任，不計盈虧陸續發行這些音樂影 片。 一九八二年十月，筆者在紐約的卡內基音樂廳聽了四場卡拉揚和柏林愛樂管弦樂團的 音樂會。曲目包括布拉姆斯全部四首交響曲以及馬勒第九交響曲。卡拉揚指揮下的柏 林愛樂奏出前所未聞的精緻、集中、勻稱與華麗，純就樂團合奏的完美性來說，卡拉 揚的確是當代第一，找不到對手。觀眾給予最熱烈的喝采，激情的程度，只有少數兩、 三位首席女高音(Prima donna )可與之相比。 最後一晚的馬勒交響曲一向是卡拉揚的拿手曲目，據說白天排練時太過完美，卡拉揚 心想:「糟糕!晚上一定沒法再現。」果然，當晚的演出，美則美矣，但仍未達到卡拉揚演奏此曲目的最高標準。
------------------ 帝王統治引爆冷戰 ----------------------
柏林愛樂是著名的純男性樂團，這一趟美國行，引起爭議的單簧管演奏家莎賓.梅耶女 士(Sabine Meyer) 赫然在座!她的表現非常精彩，聽眾很容易被她美麗的音色吸引住，坐在清一色男士的團員中，莎賓.梅耶特別搶眼。 回德後，卡拉揚為了莎賓.梅耶，不惜與柏林愛樂展開長達數年的明爭暗鬥；卡拉揚堅持聘用她，團員委員會執意不肯，他們藉口莎賓.梅耶雖然不錯，但她的音色與木管組 的各部領奏者無法相容，有違柏林愛樂悠久美好的傳統。雙方毫無轉寰餘地，冷戰於 是開始。 其實莎賓.梅耶事件只是近因，遠因是長期以來卡拉揚的威權統治心態終於引起團員反 彈，他們全體動員，發動一波波的攻勢，第一個動作是先拿卡拉揚的左右手開刀--罷 黜樂團經理。卡拉揚也不該示弱，宣佈取消和柏林愛樂的錄音活動並停止每年暑假柏 林愛樂在薩爾滋堡音樂節的演出。 卡拉揚心想，「我是你們的衣食父母，斷了大家的外快財源，還怕你們不乖乖就範?」 不過事情沒這麼簡單，團員們看準卡拉揚年事漸長，老態已露，才伺機反攻；他們有備而來，不會輕罷干休，於是到處挖卡拉揚的瘡疤，鬥臭，連卡拉揚向台北國家音樂廳獅子大開口的秘密都被挖出來批鬥。卡拉揚接下來的動作更有如火上加油，他與維也納愛樂管弦樂團重修舊好，邀請他們取代柏林愛樂，在薩爾滋堡合作演出。這下子犯了樂團大忌，形同公開羞辱，事情更是鬧得不可收拾。 莎賓.梅耶不忍心老長輩四面受敵，自動辭去工作，給雙方台階下。紛爭逐暫告落幕， 但彼此心結已深，一直到卡拉揚過世都沒有化解。 一位資深的唱片製作說:「沒有樂團會喜歡他們的音樂總監，如果有的話，那一定不 是好樂團!」從卡拉揚和柏林愛樂的例子看來，這話說的不無道理。白天雙方鬥的你死我活，晚上在柏林愛樂廳卻行如膠漆，依然保現出音樂和諧美。卡拉揚&柏林愛樂 仍舊是票房保證;他們知道:合則兩利，分則互損，因此只好貌合神離同床異夢地維 持表面關係。不過他們都具備將音樂擺第一的氣度，就算彼此看不順眼，也不影響藝術水平，這是他們可愛的地方。
------------------ 大師和藹可親的一面 -----------------
卡拉揚在學生時代，看到富家子弟出入皆是美人香車，羨慕之餘，暗中發誓:「有為者亦若是!我暫且努力用功，等有朝一日功成名就，還怕要什麼沒什麼!」 卡拉揚後來以多年不孕為理由，休掉在戰爭期間與他互相扶持的安妮塔，另取美麗的法國時裝模特兒艾莉特(Eliette von Karajan, 1939 - )。晚年的卡拉揚非常倚賴艾莉特， 他鼓勵愛妻發展繪畫興趣，七十年代還特別選用艾莉特畫的水彩當他二十五張 LD 的 封面，可惜後來 CD 版並沒有繼續採用。艾莉特對卡拉揚的呵護照顧，幾乎到了無微 不至的地步，她是卡拉揚晚年的心靈支柱。 一九八七年元旦的維也納新年音樂會，請到卡拉揚指揮。史特勞斯家族的圓舞曲是卡 拉揚最熟悉的曲目，他指揮起來十分得心應手，音樂如行雲流水，生動自然。七十九 歲高齡的卡拉揚像個和藹可親的爺爺，一反過去的形象;傳統安可曲「藍色多瑙河」 前的新年祝詞，卡拉揚還不忘為世界和平祈福，說出世人的心聲。 同年的薩爾滋堡音樂節，卡拉揚與女高音諾曼(Jessye Norman)合作華格納的歌劇「崔斯坦與伊索德」中的「愛之死」。第一次排練，卡拉揚請諾曼女士坐在樂隊前面，看他如何與維也納愛樂工作，一個音都不必唱，靜靜地聆聽，讓她先融入華格納的音樂。
----------------- 即將消失的人間美聲 -------------------
演出時，卡拉揚有預感，這可能是他在薩爾滋堡音樂節最後一次指揮「愛之死」，他將華格納的情慾世界染上落霞餘暉，雲彩隨著音樂的進行一直轉換顏色;從來沒有人 將「愛之死」奏得這麼纖細頹美，這麼令人屏息!諾曼不愧是偉大歌手，她幫卡拉揚 完成他的「天鵝之歌」，美好的音樂化成過眼雲煙，卡拉揚下得台來，口中不停唸著: 「完了!結束了......」落寞孤寂的身影，令人疼惜，更讓人激動的無言;艾莉特急忙 哄著他:「不會的!不會的!」激情的「愛之死」之後是一片空幻，在愛妻的攙扶下， 大師垂老的背影逐漸遠去了。 一九八九年二月，卡拉揚最後一次赴美，隨行的是維也納愛樂管弦樂團。著名的樂評家提姆派吉帶領茱莉亞音樂院的學生到卡內基音樂廳聆聽，行前特別叮嚀:「你們將聽到最完美的演奏，但是它即將從這世上消失!」 回到柏林，卡拉揚鋼鐵一般的毅力不堪歲月催磨，同年四月，他提出辭呈。往後的日子，卡拉揚的心情更是鬱悶化不開，「終身任期」合約未滿，但他的鬥志已逐漸消沈， 身體也就衰退得更厲害，三個月後，這位偉大的指揮帝王，與世長辭了! 有人在卡拉揚的晚年問他:「您老大限之後，指揮的水準會不會往下掉?」卡拉揚笑答:「這是你們必須擔心的問題，與我何干?我除了從雲端上方俯身下望，看看大家 搞些什麼鬼，又能怎麼樣?對不起，愛莫能助!」 這個問題問的好，答得更妙。不過卡拉揚相信輪迴，他認同歌德的看法:像他們這種超凡的天才，上帝會在給他們一次機會，繼續未完的志業，說還沒說完的話。 (完) |
鏡頭前正在指揮的卡拉揚
卡拉揚以超著的熱情與堅持，奠定近代古典音樂錄影的基準～您不一定喜歡這樣的制式化畫面，但絕無法否認他在音樂影像與錄音上卓越的貢獻：
https://www.youtube.com/watch?v=DmAEPhc7eWI
自由民主的年代 - 阿巴多帶來多元自由的音樂詮釋
阿巴多縱橫當世兩大樂團柏林愛樂、維也納愛樂，超人的音樂才華，使他成為二次大戰後最 優秀的指揮大師之一。他於 1933 年 6 月 26 日生於米蘭，被譽為最能繼承指揮奇才托斯卡尼尼的 義大利指揮家。
頭戴德奧樂壇皇冠，手持義大利歌劇權杖
38 歲的阿巴多與維也納愛樂訂立終身指揮合約，帶領樂團展開了一系列的世界性巡迴演出。維也 納愛樂自 1933 年起不設音樂總監，樂團成員自主性非常強，在樂壇甚至有「一群國王」的謔稱， 抗衡指揮的花絮時有所聞，這次，阿巴多終身指揮的工作，幾乎是打破維也納愛樂不設音樂總監 的神話，也是對阿巴多指揮藝術的加冕。
阿巴多對音樂的推廣與貢獻不勝枚舉，不斷獲得來自各國頒贈的榮耀:義大利政府頒發給他最高 國家獎章、維也納愛樂樂團贈予他尼柯萊金獎、國際馬勒協會授予他金獎、德意志聯邦勳章......。
許多人稱譽卡拉揚為樂壇指揮帝王。阿巴多，戴著德奧樂壇皇冠，持秉義大利歌劇權杖，百忙中 不忘提攜音樂後輩，不汲於名利，全心發揚藝術與音樂真諦，這位真正兼具藝術、人格、才能的 偉大指揮家，已在樂史上寫下另一頁輝煌燦爛。
締造柏林新傳奇-「阿巴多的柏林之聲」 柏林愛樂團員所演奏的音樂，是指揮家口中「夢寐以求的奇蹟」，樂團等級舉世無雙，樂團能力 更是讓指揮備感壓力。1989 年卡拉揚逝世後第 86 天，柏林愛樂橢圓形排練大廳裏，120 位團員舉 行一場歷史性的秘密票選，將 56 歲的阿巴多迎向帝王寶座，擔任這「帝國樂團」一百多年歷史中 的第 5 任首席指揮。 柏林愛樂歷史中，從畢羅、尼基許、福特萬格勒到卡拉揚，他們的大師聲望及過人的藝術能力， 奠定了柏林愛樂的傳奇聲譽，但是卡拉揚在柏林的晚期與團員產生摩擦，開始產生負面效應，阿 巴多如何帶領柏林，成了舉世關注的焦點。上任之後，他寬和、謙虛的修養以及人本的思考定位， 願意放下身段與團員溝通的態度，獲得大力支持。 阿巴多精準洗鍊的特質以及熱情洋溢的義大利風格，完整的音樂經歷與指揮實力，讓他在接掌柏林之後，跳脫卡拉揚時代的德奧主軸，開拓更寬的演奏錄音曲目，為柏林的音樂注入更強的活力。 無論音色的細膩度、細節之處理與技巧的洗鍊，帶領柏林愛樂登上音樂藝術的另一座峰頂，他的 音樂詮釋與藝術成就開創出「阿巴多的柏林之聲」。
大師伯恩斯坦說:「他的眼睛裡有音樂」 阿巴多是一個非常注重研究原譜精神的指揮家，他認為研究越清晰深入，就能更貼近作曲家的中 心意圖。尊重音樂家，是阿巴多的另一個特質，他認為「理解他人並尊重個性」是與演奏家或聲 樂家合作的重點，畢竟，每個人對於任何一部作品，都會有自己的見解，「理解、溝通」是指揮 應盡的責任。
曾經合作過的音樂家們說過「在阿巴多的指揮之下，總是能輕易達到超水準的演出，因為他的手和眼睛，清楚傳遞音樂的中心思想」。在告別柏林愛樂的幾場演出中，阿巴多以驚人的意志力支撐罹患癌症的病痛，用一生對音樂的熱烈情感，爆發最動人的表演紀錄，即使身軀孱弱，「阿巴多眼睛裡的音樂」仍然燦爛地散發光芒，如同他 16 歲之時，指揮大師伯恩斯坦在他身上所感受到的。
https://www.youtube.com/watch?v=4YcmIohczpQ
幾乎全團都是獨奏家 - 迷人的管弦色彩，正是柏林愛樂獨門絕活
https://www.youtube.com/watch?v=fCwDudQeGRU
網路串流時代來臨 -
柏林愛樂數位音樂廳 介紹
11/12-13 台灣國家音樂廳再次登上柏林愛樂數位音樂廳官網封面❤️
精彩節目全年不斷 - 數位音樂廳全球欣賞無距離
https://www.youtube.com/watch?v=phRZqK_VkBI
音樂欣賞
賽門．拉圖 指揮柏林愛樂
電影《法櫃奇兵》主題
https://www.youtube.com/watch?v=_U519RdznMA
電影《星際大戰》主題
https://www.youtube.com/watch?v=-3qqHdiewSE
熱情、活力奔放的撼動風格
新世代音樂總監 - 佩特連科
基里爾・佩特連科（Kirill Petrenko，1972 – ）生於俄羅斯奧姆斯克，父母皆為音樂教師。少年時期隨家人移居奧地利，進入維也納音樂與表演藝術大學主修指揮。1995年以《費加洛婚禮》登上指揮台，展現精確的戲劇感與敏銳的結構掌握。1999年至2002年間擔任梅克倫堡國家劇院音樂總監，隨後出任柏林喜歌劇院首席指揮，以莫札特、理查・史特勞斯與華格納作品嶄露頭角。
2007年起接掌慕尼黑國家歌劇院，透過《諸神的黃昏》、《莎樂美》與《沒有影子的女人》（Die Frau ohne Schatten）建立國際聲望。他的指揮音樂語言嚴謹而內斂，音響乾淨透明，節奏與和聲層次分明，被歐洲樂評譽為「思考的詩人」。極少公開發言的他，以排練的深度與對樂團聲響的絕對掌控，形成一種近乎靜默的權威。
2015年當選柏林愛樂第七任首席指揮，2020年正式接任。他延續德奧傳統的純粹精神，不追求表面華麗，而以清晰、凝聚的音響與深思的詮釋，重新定義當代樂團領袖的典範。
https://www.youtube.com/watch?v=myJvXFFU2Zs
精彩節目全年不斷 - 數位音樂廳全球欣賞無距離
https://www.youtube.com/watch?v=JJ25kOkpCdc
補充資料
歷年柏林愛樂聖城音樂會
延伸閱讀
柏林愛樂長笛首席帕胡德專訪系列
https://bonart.com.tw/at-top-of-the-world-emmanuel-pahud/
https://bonart.com.tw/interview-of-emmanuel-pahud-2010/
https://bonart.com.tw/interview-of-emmanuel-pahud-and-langlamet-2013/
https://bonart.com.tw/emmanuel-pahud-2019-interview-in-taiwan/
【主題三】最偉大交響樂團之旅
台灣每年幾乎都會有世界級的交響樂團前來演奏，票價不算便宜，但卻常常是一票難求～這些世界級的交響樂團各有各的特色及風格，本次古典音樂三部曲-「古典音樂第三堂課」，將一次帶領大家認識四個偉大的世界知名交響樂團。
★課程更多介紹：https://50plus.pse.is/3mc46r
12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會12/10「柏林愛樂」古典天團與數位音樂廳的全球魔力12/17「紐約愛樂」美國最具歷史與獨特地之管弦樂團12/24「洛杉磯愛樂」百年老店走向21世界迎向新風格 |
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【BON音樂】大人音樂欣賞偉大交響曲系列（三）舒伯特第八號交響曲《未完成》
【BON音樂】大人音樂欣賞偉大交響曲系列（三）舒伯特第八號交響曲《未完成》
Schubert Symphony No.8 "Unfinished" D.759
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第3堂：純粹而不朽的旋律─舒伯特交響曲《未完成》
每當《未完成》主題響起，總有人會問：「這旋律好美，是什麼曲子？」這是舒伯特身為「歌曲之王」，總能創作出動人旋律的無比魅力所在。這首作品被譽為是踏入浪漫時期的第一首交響曲，樂曲以奏鳴曲式架構寫作，且仍遵行古典時期的主旋律主導的架構，但在和聲與配器上，已經可窺見浪漫時代的來臨～真的「未完成」？還是其實是一首完整的二樂章交響曲？你是否也深陷《未完成》這首交響曲的魅力裡？跟著林仁斌老師從一路從交響曲的發展，進入舒伯特寫作交響曲的軌跡，深入《未完成》交響曲的賞析。
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
2021年最新課程資訊
| ※課程諮詢請於週一至週五09:30~17:30，電話報名請洽客服專線02-2662-0332，課程相關諮詢請洽02-25078627分機885 (巫小姐) |
週二班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-交響曲(11/23週二下午班，共5堂)：貝多芬X舒伯特X馬勒
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-協奏曲(12/28週二下午班，共5堂)：橫跨200年經典弦樂協奏曲
週四班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-音樂電影(12/23週四下午班，共5堂)：五大音樂電影，聽懂經典配樂
現代電腦3D立體技術重建的舒伯特
https://hadikarimi.com/portfolio/franz-schubert
法蘭茲·舒伯特（Franz Schubert, 1797-1828）身處於18世紀與19世紀交會之時，也是西方音樂史裡古典時期晚期與浪漫時期風格萌芽之初。在這時代更迭的緩慢歷史進展中，舒伯特在其短短31年的生命裡，除了創作六百多首藝術歌曲、多樣且傑出的室内樂（重奏、鋼琴五重奏、弦樂四重奏、小琴奏鳴曲、古大提琴奏鳴曲等）、鋼琴作品集（幻想曲、奏鳴曲、即興曲、四手聯彈）等等。
舒伯特《未完成》（整理自網路與維基百科）
b小調第8號交響曲，作品D. 759，是奧地利作曲家舒伯特的一首交響曲作品。由於本曲在作曲家去世時，最終也沒有完成，因此被後人稱為《未完成》（德語：Unvollendete），縱然往後有一些交響曲是因為作曲家去世而無法完成，但《未完成》通常都泛指為本曲。 與舒伯特及後所完成的第9號交響曲的情況一樣，習慣上，本曲都冠以「第8號交響曲」為名，因過往不少音樂學者都應定在本曲和第6號交響曲之間，還有一首已遺失的交響曲、即俗稱「《格蒙登—加施泰因》交響曲」（Gmunden-Gastein Symphony），後來編輯舒伯特全集並重新編號的音樂學家奧圖·艾力克·德意許將本曲定為「第7號交響曲」[1]，因此，現時以德語為主要語言的地區，大都跟隨使用「第7號交響曲」。至於位於萊比錫的布賴特科普夫與黑特爾音樂出版社雖然仍稱本曲為「第8號交響曲」[2]；不過，他們是按照自己的定義去排列，並把原來的第9號交響曲稱為「第7號交響曲」。至於其他世界各地，現時仍以採用「第8號交響曲」為眾。為免混淆，通常都會同時列出德意許目錄編號，並且加上並非由作曲家所擬定的標題作加註。 舒伯特一生總共有14次寫作交響曲的記錄，但其中具備完整四個樂章的交響曲創作有7首，換句話說，斷簡殘篇的、只有草稿的，或是不足四樂章的交響曲創作記錄就有7次，舒伯特常常在樂曲寫了一半時無故停止，或是隨手亂扔手稿，然後忘了有這回事。由於《未完成》交響曲的第三樂章寫了9個小節，許多人因此斷定是首尚未寫完的作品，《未完成》的標題也因此而來。
手稿
好文推薦：舒伯特的交響曲
江文中/ 譯（原載於「音樂與音響」雜誌第 159 期 (1986 年 9 月), p. 113; 2006 年 3 月修訂）
蹦藝術2021.12.修訂
當法蘭茲‧舒伯特 (Franz Schubert, 1797-1828) 於1828年11月19日以三十一歲英年早逝時，他的全部交響曲創作均未曾出版，甚至從來沒有被公開演出過。他最偉大的鋼琴奏鳴曲與大部分室內樂作品同樣不曾出版；而除了四手聯彈的鋼琴曲外，即令舒伯特的朋友對他的器樂創作亦所知有限。舒伯特的名聲幾乎完全建立在歌曲上。反觀在舒伯特前一年過世的貝多芬，則是藉由交響曲成就作曲家之名。在本世紀之前，人們一直相信舒伯特是一位「自然的」、「直覺的」作曲家，天才洋溢卻不夠嚴謹；不曾受過正規的音樂訓練，因此缺乏熟練的技巧來完成大型的創作。 而造成這種刻板印象的主要原因，其實就在於舒伯特的交響曲一直未公諸於世。 這種情形在過去大約五十年間完全改觀。舒伯特目前已名正言順晉身第一流作曲家之列。當提到舒伯特時，我們可能會很快聯想到他的「未完成」交響曲以及C大調「偉大」交響曲，就如同我們熟知其歌曲一般。他的早期六首交響曲已成為音樂會的基本曲目。舒伯特的交響曲長期以來被評論家及學者認為是「衍生」的產物，它們並不艱深，但都是令人愉悅的精緻作品，充滿希望與期待，這樣的特質除卻舒伯特之外，別人是無法模仿的。 以往，舒伯特已知的交響曲共有八首。但現在有一套優異的新錄音，由指揮大師馬利納 (Neville Marriner) 指揮聖馬丁學院室內樂團 (Academy of St. Martin-in-the-Fields) 演奏，它的標題非常吸引人:「舒伯特十大交響曲」(LP: Philips 412 176-1; CD: Philips 412 176-4)，這到底是怎麼一回事呢？ 就在舒伯特死後不久，一群深信他不應只是優秀歌曲作曲家的人們開始搜尋他未公開的手稿。1839年元旦，舒曼 (Robert Schumann) 在舒伯特兄弟斐迪南 (Ferdinand) 寓所的鐵櫃裡找到了C大調《偉大》交響曲，並於同年3月21日，由舒曼的好友孟德爾頌 (Felix Mendelssohn) 指揮，在著名的萊比錫布商大廈音樂廳 (Leipzig Gewandhaus) 舉行首演。我們目前所知另一首規模較小的C大調第六號交響曲，是舒伯特死後一個月，在維也納的紀念音樂會中首演。而第五號和第四號交響曲，也分別於1841年和1849年舉行首演。但是它們並不曾在音樂世界引起太大的迴響。 舒伯特在交響曲 (或全能作曲家) 方面的聲譽進展十分緩慢。直到1865年，下一個重大發現 ─《未完成》交響曲的兩個樂章才在舒伯特朋友赫登布倫納 (Anselm Hüttenbrenner) 的書桌內被找到，並於維也納與一直不曾耳聞的第三號交響曲終曲樂章一起舉行首演。 第一至第三號則要等到1870年代末期至1880年代初期才在倫敦的水晶宮 (Crystal Palace) 實現首演。C大調《偉大》交響曲於1840年 (管弦樂部分) 及1849年 (樂譜) 正式出版，《未完成》於1867年;而早期的六首交響曲一直要到1884、1885年「舒伯特全集」 第一、二集出版時才正式付梓。 這些充滿戲劇性的奇蹟 ─ 不論是由鐵櫃或書桌抽屜中找到珍貴的遺稿 ─ 很自然地令熱衷於舒伯特的愛樂人士們燃起強烈的欲望，想進一步尋找舒伯特是否有其他未被發掘的交響曲。推溯到C大調《偉大》交響曲被發現之前，當標題為「偉大二重奏」(Grand Duo) 的C大調四手聯彈鋼琴奏鳴曲在1838年出版時，舒曼就曾樂觀地推測舒伯特原意是打算創作一首交響曲，而非奏鳴曲。他並指出這首作品明顯受到貝多芬的影響，但結果可能是舒伯特未能及時完成管弦樂編譜，或總譜業已遺失。 1855年，著名的小提琴家約瑟夫‧姚阿幸 (Joseph Joachim) 根據舒曼的推測，將這首作品改編成管弦樂曲，並將它題獻給舒曼夫人克拉拉 (Clara)。這份樂譜於1873年出版，1935年甚至在當時的權威托維 (D. F. Tovey) 所著、頗具影響力的「音樂分析隨筆」(Essays in Musical Analysis) 第一冊中受到推崇。很遺憾，這闕動人的改編作品已不在管弦樂演出的標準曲目上，而目前也沒有任何唱片錄音。(托斯卡尼尼 (Arturo Toscanini) 1941年的廣播錄音曾一度出現於歷史名演系列 (Historical Recording Enterprises, HRE 285-1)；這張唱片雖然音效欠佳，卻非常值得收藏。) 十九世紀英國最熱衷於舒伯特的人物，莫過於編纂「葛羅夫音樂與音樂家辭典」(Grove’s Dictionary of Music and Musicians) 的喬治‧葛羅夫 (George Grove)。 1867年喬治與另一位舒伯特迷亞瑟‧蘇利文 (Arthur Sullivan) 同訪維也納，稍後並與吉伯特 (W. S. Gilbert) 聯手進行研究。他們從維也納帶回一些舒伯特手稿的副本，包括隨後假水晶宮首演的三首交響曲。1868年，葛羅夫由孟德爾頌兄弟處得到舒伯特於1821年8月所作的E大調交響曲之草稿。和以往舒伯特創作方式不同的是，他開始以管弦樂總譜的方式直接寫就。在寫到該作品全部一千三百五十小節的第一百一十小節時，舒伯特顯然感到這種方式減緩了他的創作速度，因此之後他只先寫下主旋律。1881年，葛羅夫的朋友約翰‧法蘭西斯‧巴耐特 (John Francis Barnett) 為1883年的水晶宮演奏準備了一份管弦樂譜。可惜巴耐特的版本目前已經佚失，不過由名指揮家維恩加特納 (Felix Weingartner) 於1934年所編的版本目前仍可聽到，它擁有一套優秀的錄音，是由海因斯‧羅格納 (Heinz Rögner) 指揮柏林廣播電台交響樂團所演出 (Spectrum SR-116)。 葛羅夫同時指出，由文件上的證據顯示舒伯特除了八首交響曲之外，另有一首交響曲存在。在舒伯特往來以及一些相關的信件中，加上舒伯特的朋 友在他身後的描述裡，都指出舒伯特曾在1825年夏季埋首創作一首交響曲。這首交響曲曾一度被 認為可能就是C大調《偉大》交響曲，但因為在C大調《偉大》交響曲的遺稿裡，舒伯特所題的日期是1828年3月，再加上葛羅夫認為舒伯特是一位而靈感豐富、創作迅速的作曲家，所以認定1825年的交響曲必定是另一首創作。由於舒伯特那一年夏天大部分的時間是停留在他常去的奧地利度假小鎮葛慕頓 (Gmunden) 和蓋斯登 (Gastein)，因此後來這首由葛羅夫所判定的交響曲就稱之為《格蒙登—加施泰因》交響曲。 許多人主張《偉大二重奏》(Grand Duo) 就是《蓋斯登交響曲》，特別是法國近代作曲家兼指揮家蘭內‧萊布維茲 (René Leibowitz) ─ 雖然《偉大二重奏》手稿上所標示的日期是1824年6月。德國音樂學家哈利‧葛許密特 (Harry Goldschmidt) 則進一步認為另一首E大調交響曲才是《蓋斯登交響曲》，這首交響曲的管弦樂部分才剛於1971年在柏林被發現。但是由出版商熊版巴倫萊特 (Bärenreiter) 所發行的「新舒伯特全集」(Neue Schubert-Ausgabe) 之編輯們卻反對葛許密特的主張，並拒絕採錄此第二首E大調交響曲。然而這首交響曲的管 弦樂譜終究由葛多尼 (Goldoni) 於1982年出版 ─ 然而它到目前為止一直沒有唱片錄音。在此同時，音樂學者對C大調《偉大》交響曲之原稿展開空前徹底的研究，由紙張、筆跡的分析及曲式的判斷，他們歸納出一項結論，證實葛羅夫之前的觀點才是正確的。很明顯的，《偉大》原稿上所標示的日期雖然為1828年3月 ─ 現在卻受到懷疑 ─ 《偉大》交響曲的創作日期可能是1825年到1826年之間，所以幾乎可以肯定就是人們所懷疑的交響曲。值得注意的是奧圖‧艾利希‧德意許 (Otto Erich Deutsch) 在所編，原來在1951年發行，後來在1978年修訂再版，成為「新舒伯特全集」一部分的「舒伯特主題目錄」(Thematic Catalogue) 中大膽指出編號D.849的作品也有可能是《格蒙登—加施泰因》。 最後，一份原本被忽視的重要手稿，在1928年維也納所舉行的舒伯特百年紀念展中展露光芒。恩尼斯‧拉夫 (Ernst Laaff) 雖曾在他所著的「舒伯特交響曲」(Franz Schuberts Sinfonien, 1933) 小冊中詳細描述了這闕作品，但並未獲得學術界廣泛的重視。直到1950年4月莫利斯‧布朗 (Maurice J. E. Brown) 的論文「舒伯特之D大調未完成交響曲」在「音樂與通訊」(Music and Letters) 中發表，情形才有了轉機。布朗認為標示1818年5月、包含了七個樂章的草稿 實際上是為同一首D大調交響曲所作。從1900年起一直收藏這份草稿的維也 納市立圖書館音樂部主任恩尼斯‧希馬 (Ernst Hilmar) 在1978年對草稿做了更縝密的檢驗，他從紙張的材質與手跡分析中獲得一項結論：這份草稿一共有九個樂章，分屬於三首不同的D大調交響曲；其中只有第一首標示了1818年5月，其餘二首的創作年代可能由1821年夏季，到1828年夏季甚至秋季 ─ 直到舒伯特辭世前不久。在零碎的九個樂章中，兩個樂章屬於1818年所作之交響曲、四個樂章屬於1821年所作的交響曲，其餘三個樂章則歸為1828年所作的交響曲。按照德意許1951年在「舒伯特主題目錄」裡的說法，全部手稿的編號均為D.615。但是在1978年修訂再版時，卻將D.615的號碼保留給1818年之交響曲，而1821與1828年所作的交響曲則分別定為D.708A與D.936。整份草稿，一如舒伯特的慣例，是以雙譜表寫成，於1978年由巴倫萊特出版。 Philips的系列唱片讓我們能夠一聞這些爭論已久的全部研究成果。除了舒伯特廣為流傳的八首交響曲之外 ─ 早期的六首、《未完成》、C大調《偉大》─ 還包括了英國音樂學家布雷恩‧紐保 (Brain Newbould) 所編輯、作於1821年的E大調交響曲以及維也納手稿的九個樂章段落。紐保曾補綴舒伯特將近完稿的《未完成》交響曲之第三樂章，並且由「羅莎蒙」(Rosamunde) 戲劇音樂中擷取一段B小調間奏做為終曲。全部的演奏都相當優秀：這些演奏提供我們前所未有的機會，讓我們對舒伯特在交響曲創作上的蛻變有更透徹的認識。 舒伯特在1813年10月完成第一首交響曲，當時他不過才16歲；而他的第六首交響曲則完成於1818年2月。在這平均一年一首交響曲的階段之後四年半，也就是到了1822年10月，舒伯特才完成《未完成》交響曲的兩個樂章。在這段過度時期，他在交響曲的創作上究竟做了些什麼？他是如何由早期六首交響曲的簡單結構進展到《未完成》所呈現的精熟？ 在維也納的那份手稿中，編號D.615的兩個D大調樂章，其創作時間只比第六號交響曲晚了大約三個月；其中第一首顯然是做為起始樂章，剛開始的時候是一段令人難忘、懾人的緩慢序奏，這種情緒上的發展是前六首交響曲裡不曾出現的。但是接下來由中途插入的快板，卻表現出舒伯特早期作品中一慣的迷人特質。終曲的第二樂章，本質上優雅而流暢，但是卻不合於常規。1821年所作， 編號為D.708A的四段樂曲，其中的詼諧曲 (Scherzo) 樂章已近乎完整，紐保加以補全並完成管弦樂編曲。D.708A的第一樂章沒有任何序奏，而是一個強烈、突發的樂章，比前期的任何一首作品更明顯呈現貝多芬的影響。舒伯特同時大膽地將此樂章的再現部由原來的D大調導入無直接關連的降A大調。慢板樂章，複雜的對位中浮現沉思的意象，同樣令人心動。接下來的詼諧曲樂章，在節奏上與C大調《偉大》交響曲十分相似，呈現活潑、燦爛的風貌。強而有力的終曲樂章，在結束之前同樣轉成一個無直接關連的調性。由葛羅夫所發掘的E大調交響曲 (D.729) 則是一首愉悅的作品，而在眾多版本之中紐保版較維恩加特納版更廣為採用：維恩加特納的版本聽起來像布拉姆斯，而不像舒伯特。E大調交響曲的創作時間雖一致認為比D.708A稍晚，但在形式上卻比較接近早期的交響曲:迷人而似戲劇音樂，尤其是憂鬱的慢板樂章。 舒伯特在交響曲創作上的進展是依循什麼樣的途徑？D.936A的三個樂章是Philips唱片中最有價值的一部分，它提供我們有趣的線索。這三個樂章可能是舒伯特去世前不久所作，它們的結構完整，使紐保得以補全並完成管弦樂編曲。第一樂章開始時非常堂皇，但接下來音樂巧妙地和緩下來，進入抒情的第二主題。展開部則令人大為驚奇，原來舒伯特將速度降為行板，調性則由原先的D大調轉為降B小調，並由伸縮號莊嚴地唱出主旋律，營造出神奇的效果。慢板樂章則表現出如後世馬勒般的蕭瑟與寂寥，但是隱含的甜美卻是舒伯特獨有，令人心醉不已。顯然，這是舒伯特最深沉而感人的音樂創作。最後一個樂章舒伯特雖然題為「詼諧曲」，但實際上卻是2/4拍子 (具有6/8拍子的輪廓與味道)，所以很顯然是做為終曲樂章。它同樣是一首高水準、揉合了高度對位手法與心靈層次的古典雋品。
舒伯特．所有交響曲之曲式架構與標題
| 作品編號 | 第一樂章 | 第二樂章 | 第三樂章 | 第四樂章 |
|
D大調 第一號 |
有導奏之奏鳴曲式
Adagio— Allegro vivace |
A（Siciliano） B
A—三段體 Andance |
A
B（Trio）（Ländler） A Minuetto三段體（Minuetto） Allegretto |
奏鳴曲式 Allegro vivace |
| 降B大調 第二號 | 有導奏之奏鳴曲式
Largo— Allegro vivace |
主題＋
五段變奏— 變奏曲式 Andance |
A—B（Trio）—A Minuetto三段體（Minuetto）
Allegro vivace |
奏鳴曲式
Presto vivace |
|
D大調 第三號 |
有導奏之奏鳴曲式
Adagio maestoso —Allegro con brio |
A—B—A
三段體 Allegretto |
A（Scherzo） B（Trio）（Ländler）
A Minuetto三段體（Minuetto） Vivace |
奏鳴曲式
（Tarantella） Presto vivace |
|
c小調 第四號 |
有導奏之奏鳴曲式
Adagio molto— Allegro vivace |
ABABA
輪旋三段體 Andance |
A（Scherzo） B（Trio）
A Minuetto三段體（Minuetto） Allegro vivace |
奏鳴曲式
Allegro |
| 降B大調 第五號 | 奏鳴曲式
Allegro |
ABABA
輪旋三段體 Andante con moto |
A—B（Trio）—A
Scherzo三段體（Minuetto） Allegro molto |
奏鳴曲式
Allegro vivace |
| C大調 第六號 | 有導奏之奏鳴曲式
Adagio— Allegro |
A—B
二段體 Andante |
A—B（Trio）—A
Scherzo三段體（Scherzo） Presto—piu Lento—presto |
AB二段體
Allegro moderato |
| b小調 第八號
《未完成》 |
奏鳴曲式
Allegro moderato |
AB—AB
反覆二段體 Andante con moto |
無 | 無 |
| C大調 第九號
《偉大》 |
有導奏之奏鳴曲式
Andante— Allegro ma non troppo |
ABABA
輪旋三段體 Andante con moto |
A—B（Trio）—A
Scherzo三段體（Scherzo） Allegro vivace |
奏鳴曲式
Allegro vivace |
《未完成》交響曲樂曲段落分析
（下方表格引述自國立臺灣藝術大學李秀鳳《舒伯特 b 小調交響曲《未完成》之研究》碩士論文，民國99年12月）
第一樂章為中庸的快板（Allegro moderato）
b 小調，3/4 拍子。曲式：奏鳴曲式
呈示部（mm.1-110）— 發展部（mm.110-117）— 再現部（mm.218-327）— 尾奏 （mm.328-368）
- Opening melody (celli and basses)
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- First theme (oboe and clarinet)
-
- Second theme (celli)
-
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| 第二部分 | mm.146-169 | 8+8+8 | c # →d→e |
| 第三部分 | mm.170-201 | 6+8（4+4）+18（4+4+10） | e→b |
| 第四部分（導回） | mm.202-217 | 8（4+4）8（4+4） | D→b |
| 再現部 mm.218-368 | |||
| 伴奏音型 | mm.218-221 | 4 | b |
| 主題 1（S1） | mm.222-239 | 9+9 | b→e→A |
| S1 擴張 | mm.240-251 | 5+7 | A→ f # |
| 過渡樂句 | mm.252-255 | 4 | f # →D 三度關係 |
| 主題 2（S2） | mm.256-279 | 2, 9（4+5）+13（4+9） | D |
| 推移 | mm.280-290 | 1, 10（4+6） | b |
| S2 擴張 | mm.291-310 | 4+4+4+4+4 | f # →E→c # →B 和聲模進 |
| 結束樂句
（包括小尾聲） |
mm.311-327 | 1, 5+5+6（2+4） | |
| 尾奏 | mm.328-368 | 8+8+4+4+（4+4+4）+5（3+2） | b 以動機 a 為主 |
第二樂章的速度為稍快的行板（Andante con moto）
E 大調，3/8 拍子。曲式：變化反覆的AB兩段體式
A 段（mm. 1-65）— B 段（mm. 66-141）— A'段（mm. 142-206）— B'段（mm. 207-268）— 尾奏（mm. 268-312）
A 段（mm. 1-65）
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B
段 |
b1 | mm.66-83 | 18（8+10） | c#→（D, d）→C# | 主題旋律大量運用 |
| 三度為此交響曲的 | |||||
| 核心音程。 | |||||
| b2 | mm.84-95 | 12（8+4） | Db | 利用 C#與 Db 同音異 | |
| 名之關係轉至遠系 | |||||
| 調，mm.92-95 為句 | |||||
| 尾擴充。 | |||||
| Forte齊奏 | mm.96-111 | 16（7+9） | 1. c#→D | mm.103-108 為 | |
| 2. c#：Ⅴ7/N = | mm.96-102 之變化反 | ||||
| D：Ⅴ7-Ⅰ | 覆，由之前的 ppp 驟 | ||||
| 然轉為 ff，旋律由單 | |||||
| 聲部改由 tutti 演奏 | |||||
| 和絃式，豐滿且厚 | |||||
| 重，小提琴兩部的對 | |||||
| 旋律弱拍掛留至強 | |||||
| 拍，來回大跳的音程 | |||||
| 行進有種堅毅不屈 | |||||
| 的精神。 | |||||
| b3 | mm.111-120 | 19（10+9） | D→G→C | mm.113-121 由 D 大 | |
| （五度循環） | 調轉至 G 大調， | ||||
| D：Ⅴ7/Ⅳ=G：Ⅴ7 | |||||
| 過渡樂段 | mm.121-129 | mm.121-129 由 G 大 | |||
| 調轉至 C 大調， | |||||
| G：Ⅴ7/Ⅳ=C：Ⅴ7 | |||||
| mm.130-133 | 12（4+8） | C→E | |||
| mm.134-141 | （三度關係） |
B'段（mm. 207-268）
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尾奏（mm. 268-312）
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指揮角度
簡說舒伯特《未完成》
https://youtu.be/I8tOIVAxDH0
精彩演奏欣賞
Seiji Ozawa 與維也納愛樂（2018）
00:00 Allegro moderato
12:35 Andante con moto
https://youtu.be/Ip4cBnYJ1Hw
Claudio Abbado 與柏林愛樂（1989）
00:00 Allegro moderato
15:40 Andante con moto
18:00 Solo clarinet Karl Leister
https://youtu.be/AiwhbZf3oZM
為何未完成？
《未完成交響曲》是舒伯特25歲（1822年10月30日）為感謝格拉茲市音樂協會聘他為名譽會員後，致贈給音樂協會之作。當時，他還給協會理事長寫了一封信，內容是：「為表示我由衷感謝，謹將我所作之交響曲，不揣冒昧地獻與貴會，敬表敬意。」但當時協會並為安排演奏。
直到43年後，這部作品才被在理事長家裡發現（此時舒伯特已過世37年），於是在1865年12月17日（貝多芬生日）首次公演了這部只有兩個樂章的交響曲。首演後的當時引起了轟動，反響強烈，影響深遠。更因為僅有兩個樂章，從此以《未完成交響曲》的曲名傳遍全球。
舒伯特的《未完成交響曲》，從架構可以看出是四樂章結構的交響曲，但是是未完成的作品。前兩個樂章已然譜寫完成，旋律、和聲均非常美麗動人，因此列入交響曲總數，被賦予第8號的編號。
而關於舒伯特的《未完成交響曲》為何沒能完成，更是音樂史上最大的謎之一。
關於這個無解之謎，整理起來或可歸類於下列4種說法： （引述自「古典音樂漫談」部落格） 1. 只是寫不下去，或失去興緻。事先沒有規劃，興之所至連寫兩個3拍子樂章，再要寫第3樂章詼諧曲又是3拍子，就寫不下去了。或者失去了興趣也有可能。東晉王子猷不是也有「乘興而去，興盡而返」之事嗎？也許舒伯特也興盡而不寫了。 貝多芬作曲時，總會仔細構築全曲的計畫才著手作曲，舒伯特並不這樣。他總是頭腦裡想到什麼，就從第1樂章依序寫下去。尤其遇到他最擅長的緩慢如歌的第2樂章，興致一來就源源不絕的寫下美麗的樂句，以至第3樂章以後就比較簡略。不限於交響曲，在舒伯特的鋼琴奏鳴曲與室內樂曲當中，有不少作品的第2樂章特別出色，而第3樂章以下就簡略的例子。 2. 只是忘記了。舒伯特靈感一來就隨手譜寫樂曲，常有同時寫不同樂曲的習慣，因此有時還會忘記自己所寫的作品。有一次，他在朋友家聽到有人唱美麗的歌曲，就問朋友「這曲子很美，是誰寫的？」沒想到那是以前他自己寫的曲子。他寫過上千首作品(有許多只寫一半)，忘掉一些作品是有可能。也許「未完成交響曲」寫到第2樂章就忘了。 不過寫交響曲不是寫歌曲，需要時間與勞力，忘掉已完成兩個樂章的音樂，比較不可想像，更何況他對寫交響曲很有興緻。 3. 舒伯特站在藝術觀點判斷，覺得只第1、2兩樂章藝術價值就夠高，因此不再續寫第3、4樂章。或自己覺得前兩樂章就把樂思曲趣表達完整了，因此不再寫下去。的確，聽到第2樂章那美麗消失的結尾，會令人覺得這已是天籟，哪需要繼續有樂章，再加樂章就沒什麼意義了。 不過，如果第2樂章以b小調或B大調結束，那這種想法也很有可能。莫札特與貝多芬，也有很多只有兩個樂章的作品。但是這類作品的第2樂章，都以與第1樂章相同的調性或同名調結束。舒伯特是浪漫主義音樂的先驅，也許不會墨守成規，但再怎麼樣，大概也不會把一首以b小調開始的樂曲結束在E大調，然後說是完整了吧。 4. 有不得不中斷的外在理由。如有一部電影『Leise flehen meine Lieder(在台灣好像沒有上映過，一般以「未完成交響曲」為中文片名)』(1933)，就說因失戀而中斷作曲。這電影的情節是杜撰的，因此這個理由不需考慮吧。在電影情節裡，舒伯特的情人被逼他嫁，他在情人結婚典禮上演奏鋼琴，並在樂譜上寫「正如我愛情未有終了日，此曲也未有終了時。(Wie meine Liebe nie zu Ende gehen wird, so soll auch diese Musik nie zu Ende gehen)」。很浪漫，但是杜撰的。 當然，現在已找不到什麼資料可以確定不繼續的真正理由，因此這個謎，永遠是音樂史上無法解的謎了。
也曾有人風趣地評論說：「讓我們還是感謝舒伯特沒有完成它吧～米洛的斷臂維納斯，也許比有臂的更有價值...」
米洛的維納斯以其遺失的神祕雙臂而知名。雕塑整體由兩塊大理石拼接而成，兩塊大理石連接處非常巧妙，在身軀裸露部分與裹巾的相鄰處。這座維納斯雕像是舉世公認的女性人體美的典範，這是因為她完全符合黃金分割的人體美比例關係。
黃金分割的比例關係是1:1.618，把它用在人體上，就是將人體分為上下兩個部分，其分界點正位於肚臍。勻稱的人體上下兩部分的比例正好是1:1.618。由於這個比例接近於8:5或5:3，而人體的總長為8頭身，所以這個總長度可以分割成頭、頸下至肚臍、肚臍至腳三段。這三段以頭部為基準，分割為1:2:5的整數比，成為人體美的標準規則。維納斯的造型魅力在於：無論從哪個角度去看，她都符合人體的黃金分割率，因此她能超越時代，成為女性永恆美的象徵。
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【BON音樂】50+ 最偉大交響樂團之旅（一）維也納愛樂（Wiener Philharmoniker）
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課程概要
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12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會 |
「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會
成立於1842年的維也納愛樂樂團，是全球知名度最高的樂團，其歷史與歐洲古典音樂的發展史、傳統幾乎是一致同步且密切相關：在這海頓、莫札特、貝多芬與舒伯特都曾生活於此的音樂之都裡，維也納由於擁有眾多才華橫溢的作曲家和演奏家，一直被公認為古典音樂歷史中不可或缺的一部分。無論是華格納、布拉姆斯、布魯克納與馬勒、理查.史特勞斯等偉大音樂家，無一不對其高度讚譽。這次課程中，林仁斌老師將為大家詳細介紹樂團歷史與獨一無二的音樂演奏魅力，讓您從此更加愛上維也納之音。
維也納愛樂樂團（德語：Wiener Philharmoniker），簡稱維也納愛樂，是位於奧地利維也納的管弦樂團，成立於1842年。
維也納愛樂樂團歷史與歐洲古典音樂的發展歷史、傳統幾乎是一致同步且密切相關。 在這海頓、莫札特、貝多芬與舒伯特都曾生活於此的音樂之都裡，維也納由於擁有眾多才華橫溢的作曲家和演奏家，一直被公認為古典音樂歷史中不可或缺的一部分。
華格納 (Richard Wagner) 形容該樂團是世界上最傑出的樂團之一。 布魯克納稱其為「最優秀的音樂協會」； 布拉姆斯將自己視為「維也納之友」和「仰慕者」； 馬勒與樂團合作時稱之為「音樂藝術的至高結合」...等等珍貴歷史，是樂團獨一無二之處。
巧妙的共生關係：維也納國家歌劇院與維也納愛樂樂團
維也納愛樂的成員來自於維也納國家歌劇院（Wiener Staatsoper）[1]，音樂會演出時改稱為維也納愛樂，屬於私人組織。
根據維也納愛樂章程，只有維也納國家歌劇院管弦樂團的成員才能成為維也納愛樂樂團的成員。
因此，在加入維也納愛樂之前，必須首先成功成為國家歌劇院管弦樂團團員，通過三年試用期留任之後，始具備資格申請成為維也納愛樂樂團的成員。樂團音樂家們透過歌劇演出享受的獨立性。因此這樣的共生關係極為特別：沒有維也納國家歌劇院，就沒有我們所熟知的維也納愛樂樂團；在維也納，眾所周知，這樣的共生對兩個機構都有利，並且極大地豐富了這座城市的音樂生活。
1864年維也納愛樂紀念團照
直到 1842 年3月28日第一場維也納愛樂音樂會之前，維也納市尚未有職業管弦樂團存在，儘管這是海頓、莫札特與貝多芬都待過的城市。因此，終於在1842年，維也納愛樂成立了～終於有專門演奏交響音樂的職業合奏團隊。
草創歷史
追溯樂團的草創初期，奧托·尼可萊（Otto Nicolai, 1810-1849） 於1841年被任命為克恩頓劇院（Kärntertortheater）的指揮。在當時維也納音樂界有影響力的人物的鼓舞下，他於1842年3月28日在 Großer Redoutensaal 舉辦了一場以皇家霍夫歌劇院（ imperial "Hof-Operntheater". ）管弦樂團成員為主體之盛大音樂會。這個最初的演出就是現在「愛樂學院」（Philharmonic Academy）的樂團起源；直到今日，「愛樂理念」（Philharmonic Idea）仍是樂團中心理念，因此這也被視為維也納愛樂的演出起源。（根據官網資料）
首任指揮：奧托·尼可萊（Otto Nicolai, 1810-1849）
樂團早期節目單
- 藝術與管理
自1842年奧托·尼可萊指揮了樂團第一場音樂會並成立愛樂協會以來，維也納愛樂就以其獨特魅力吸引著世界的作曲家，指揮家和聽眾。一方面，這得益於樂團代代相傳的優秀藝術底蘊，另一方面，樂團獨特的組織機構和歷史也是成功的因素：為了在這座音樂之都保證莫札特和貝多芬的作品能被最優秀的詮釋出來，1842年歌劇院成員決定，除了在歌劇院的演出之外，還要組織「維也納愛樂」音樂會，並自理其藝術和經營職責。要實現這一切，只可能有一種組織形式：民主。
- 民主自治
樂團在藝術上、組織上和財務上都是自主的，所有決定都是在全體成員大會的民主基礎上達成決議。而樂團營運管理由民主選舉產生的行政委員會負責。這種自治與民主在一個半世紀以來經歷各種討論，但未曾動搖。協會的最高權力機構是全體股東大會。每樂季除了舉行一次例行的全體股東大會外，還會有5到6次全體特別會議。理論上在這個委員會上，成員可以解決所有問題作出任何決議，但實際上有些許修改，就是一個12人管理委員會負責處理大部分事務。這一直進行到下一次選舉。這就要看該委員會是否願意繼續騰出時間處理事務和是否繼續得到其他成員的信任。除了修改章程需要獲得4/5多數方能通過外，其他在委員會上的投票都是遵循簡單的少數服從多數原則，而其實行則是12人委員會的責任。1997年後，樂團開始有女性樂團團員。
維也納國家歌劇院/維也納愛樂管弦樂團的共生關係
漢斯·卡納匹茲布希形容樂團是「無與倫比」的，這句話可謂一石二鳥，維也納國家歌劇院樂團和維也納愛樂協會的關係確實是世界上獨一無二的。按當時維也納愛樂協會的入會準則，進入這個私人性質的協會之前，必須通過一次試奏，先進入維也納國家歌劇院樂團才能進行後續的申請程序。隨著越來越多的樂手成功跨過這道門檻，規則被修改成：必須在申請會員資格前在樂團服務三年。
在國家歌劇院的工作使得樂團的財政得以穩定。因為樂團的私人性質很難確保自身收入，而其獨立性也難保。反過來，有穩定工作的樂團成員又會保證了歌劇院的演出質量，在音樂會上的經驗與練就的技巧反過來又會用到歌劇演奏方面。沒有維也納國家歌劇院就沒有今天的維也納愛樂管弦樂團。在維也納，有一個共識，維也納國家歌劇院/維也納愛樂的共生關係是雙贏的，為這音樂之都帶來極大的藝術享受。
獨特的客席指揮制度
維也納愛樂無常任首席指揮制度。
1847年，奧托·尼古拉 (Otto Nicolai) 被任命為宮廷和大教堂合唱團指揮和皇家歌劇院指揮而離開維也納時，這個剛成立不久的樂團，因為失去了藝術領袖與最有魄力的行政領導者，導致幾乎十二年的停滯。幸好在1860年有了全新的局面：1月15日，在當時的歌劇院總監卡爾·埃克特（Carl Eckert, 1820-1879）的指揮下，樂團於克恩頓劇院（Theater am Kärntnertor）成功舉行四場音樂會：從那時起，「維也納愛樂」終於復活，至今不間斷地持續規劃演出。
但唯一的重大變化，就是樂團從此不再設常任指揮，而是樂季中由樂團選擇多位不同的客席指揮合作的全球職業樂團裡的獨特系統。（或許...是歷史創傷XD）
持續成長期
在1860年起擔任維也納宮廷歌劇院的職位奧托.德索夫（Otto Dessoff, 1835-1892）傑出的指揮的領導，樂團曲目不斷擴大，樂團章程與重要組織原則（音樂演出資料檔案、樂團議事規則）也被引入。 1870/71 樂季開始時，樂團也開始移入維也納音樂協會大樓全新落成的「金色大廳」（Musikverein）演出，其優異的聲學效果，逐漸讓樂團有了自己的聲音與風格。
維也納愛樂的總部此時期開始設於維也納金色大廳（Musikverein）
指揮家布魯諾·華爾特曾說：「一百年過去了，當時建團的樂手都已離去。現在的團員已是全新的一批音樂家。但維也納愛樂仍是維也納愛樂。全因這份傳統一代一代保留了下來。」
有趣花絮
在德索夫與維也納愛樂樂團合作期間，每個星期天的音樂會結束後，他都會邀請布拉姆斯到家中共進晚餐～因為德索夫的妻子—弗雷德里克夫人，是一位好廚師～難怪布拉姆斯提到維也納愛樂時，都是滿口好話😆。
其實德索夫也是當代優秀的作曲家，因此喜歡與布拉姆斯多多親近是很自然的事情（德索夫位於照片右下）
樂團進入黃金時期
在維也納愛樂樂團的早期歷史上，沒有其他指揮家像漢斯·里希特（Hans Richter, 1843 - 1916）這樣與維也納愛樂維持如此長久的合作關係。里希特除了是華格納《指環》四部曲在拜魯特首演的傳奇指揮家，其指揮風格更是廣受各界擁戴。
維也納愛樂與漢斯·里希特的時代，被稱為「黃金時代」：里希特與維也納愛樂多年間至少合作了243場音樂會，他們之間的擁有極其強大而深厚藝術深度：在里希特 (Hans Richter) 的指揮領導下，樂團正式建立了無與倫比傳統的世界級管弦樂團的地位。
樂團除了曾與華格納、威爾第、布魯克納、布拉姆斯、李斯特等偉大音樂家一起合作，「維也納愛樂＋漢斯·里希特」也分為於1877年與1883年指揮布拉姆斯第二號與第三號交響曲之世界首演；1881年指揮柴可夫斯基小提琴協奏曲世界首演與布魯克納的第四和第八交響曲首演等等，皆為樂團活躍之「黃金時代」代表作。
漢斯·里希特與維也納愛樂合作至1897-1911年前往倫敦交響樂團擔任指揮為止。
照片為漢斯·里希特與維也納愛樂於1885年留下之珍貴合照
邁入二十世紀
維也納愛樂於 1900 年在馬勒（Gustav Mahler,1860-1911）的指揮下，於巴黎萬國博覽會上首次至國外演出。（好想知道當年的德布西有沒有聽過這個黃金組合啊～扭）樂團更於1908年被奧地利政府正式承認協會組織，但直到1922年才開始規劃定期巡演。
馬勒之後的下一任維也納國家歌劇院總監：費利克斯·馮·溫加特納（Felix von Weingartner, 1863-1942）則帶領樂團遠至南美洲巡演。
令人眼睛為之一亮的，還有維也納愛樂與理查.史特勞斯的密切合作，更加具有歷史意義，並且代表了樂團豐富歷史中的亮點之一。
1906年至1944年間，維也納愛樂在理查·史特勞斯 (1864-1949) 的指揮下，一共有85場音樂會和無數歌劇表演。這樣密切的關係絕對是樂團歷史上的一大亮點，史特勞斯在1942年維也納愛樂樂團100週年慶典音樂會上這樣描述樂團：「讚美愛樂樂團的最佳言詞，就像小提琴出現維也納一般，是如此自然的事情。 [...] 今天我想表達兩個想法：「只有指揮過維也納愛樂的人才能充分欣賞它，但這仍然是我們的秘密！」「 你們應能明白我的意思—因為我就在這裡，就在音樂會舞台上！」（“Praising the Philharmonic is like taking violins to Vienna. […] I would like to pay tribute today with two thoughts: 'Only one who has conducted the Vienna Philharmonic can appreciate it fully, but that remains our secret!' You understand what I mean – here, as on the concert stage!"）
樂團與托斯卡尼尼（Arturo Toscanini. 1867-1957）更於1930年至1937年間維持緊密合作關係，
下為1937年托斯卡尼尼指揮維也納愛樂之現場錄音：
https://youtu.be/99GI29eOpIw
樂團與福特萬格勒（Wilhelm Furtwängler, 1886-1954年）的藝術合作也非常長久：儘管並非正式音樂總監與樂團之關係，但福特萬格勒實際上是1933年至1945年間維也納愛樂的主要指揮，以及戰後從1947年到1954年再次合作。
福特萬格勒於1954年薩爾茲堡音樂節指揮維也納愛樂錄影畫面
Furtwängler conducting Mozart's Don Giovanni Overture Salzburg 1954
https://youtu.be/4s1OFwAlMMw
福特萬格勒指揮維也納愛樂錄音-華格納《女武神的飛行》
https://youtu.be/6kfJqQXAeOc
社會主義時期
1938年，政治以最殘酷的方式侵占了維也納愛樂。國家社會主義者讓納粹主義者擔任主席，逕行解雇了維也納國家歌劇院的所有猶太籍藝術家，並進一步欲解散維也納愛樂。此時因為福特萬格勒和其他有力人士之介入干預，才使樂團免於解散的命運。並且拯救了多位「半猶太籍」與「猶太姻親」等樂團相關人士免於被維也納國家歌劇院管弦樂團解僱。
然而，在這段二戰風雨欲來的時期，樂團十餘位猶太籍團員被驅逐開除，至少五名團員於集中營中喪生，另外兩名團員被驅逐和迫害而在維也納死亡。
十餘位猶太籍團員被驅逐開除名單：
五名團員於集中營中喪生：
兩名團員被驅逐和迫害而在維也納死亡
福特萬格勒一肩承擔起樂團保護音樂家的責任，雖然在戰爭結束時仍須面臨被軍事法庭審判，但最終許多音樂家出面作證他於戰爭期間的許多義行，最終獲判無罪。
1942年的維也納愛樂
二十世紀的維也納愛樂
二戰後，樂團延續了1933年開始的政策，與每一位著名指揮家客席合作。
在1945年後樂團的歷史上，特別重要的是與兩位名譽指揮卡爾·貝姆和赫伯特·馮·卡拉揚，以及名譽成員伯恩斯坦的藝術合作。
維也納愛樂與時俱進，在當代維持一貫豐富的音樂會、電影配樂、唱片錄音、世界巡演以及在重要國際音樂節上的定期演出，不局限於傳統，更強化現代多媒體音樂方向，同時仍維持一貫獨特的音色與表現力個性。名聞遐邇的一年一度的新年音樂會，每年夏天在薩爾茲堡音樂節的演出，都是樂團的年度重要事項。
下方照片左起：卡拉揚、Dimitri Mitropoulos（紐約愛樂音樂總監）與伯恩斯坦
卡拉揚與維也納愛樂
柴可夫斯基《悲愴》交響曲 | 卡拉揚指揮維也納愛樂
https://youtu.be/KvGC8hZC29U
德弗札克《新世界》交響曲 | 卡拉揚指揮維也納愛樂
https://youtu.be/TiIZ1hqPzy0
1987年卡拉揚最後一次指揮維也納愛樂新年音樂會，也是經典名演：
https://youtu.be/XtSfPZj8QCU
伯恩斯坦與維也納愛樂
莫札特第25號交響曲 | 伯恩斯坦指揮維也納愛樂
https://youtu.be/ApvqOhbsriA
貝多芬《皇帝》鋼琴協奏曲（齊瑪曼） | 伯恩斯坦指揮維也納愛樂
https://youtu.be/uj8w0Sm7l-M
布拉姆斯第一號交響曲 | 伯恩斯坦指揮維也納愛樂
https://youtu.be/FXGQ0Y45yQk
世界的維也納愛樂
在維也納至世界各地的音樂會上，維也納愛樂樂團不僅僅代表著奧地利的頂級文化藝術水準。愛樂音樂家們在他們的演出中，表達了和平、人性和共榮的理想，這些人類至高理想與音樂藝術緊密地交織在一起。
名家如雲
（基本資料整理於網路與維基百科，並附上超連結方便檢索）
指揮過維也納愛樂的名家有：漢斯·馮·彪羅，漢斯·里希特，馬勒，布拉姆斯，尼基什，魏恩加特納，瓦爾特，福特萬格勒，奧托·克倫佩勒，理查·史特勞斯，卡納匹茲布希，肯普，卡拉揚，卡爾·貝姆，蕭提，伯恩斯坦，卡洛斯·克萊伯，普列文，馬澤爾，梅塔，阿巴多，喬治·塞爾，馬里斯·楊頌斯，里卡多·慕提，拉圖和基士揚·蒂勒曼等等。同時，維也納愛樂參與很多演出錄音活動。樂團錄下的名唱多不勝數，有：蕭提的尼伯龍根的指環，卡拉揚的維也納新年音樂會，布魯諾.華爾特的馬勒第九交響曲與大地之歌等等。
維也納愛樂與蒂勒曼經常合作
2020年新年音樂會精華
https://youtu.be/PWAIZIm0j08
2021年新年音樂會（因疫情音樂廳空無一人）
2021年維也納新年音樂會，由指揮家慕提六度指揮。慕提也在指揮維也納愛樂150周年紀念音樂會之後，獲得樂團贈予象徵情誼的金戒指，意義非凡。也是唯一六度指揮維也納愛樂新年音樂會者。
●史上首度現場無觀眾的新年音樂會。
●慕提六度指揮，名列廿一世紀第一人。
●九十餘國同步轉播，超過五千萬名樂迷同賀。
| 1:54 Franz von Suppè - Fatinitza-Marsch
5:28 Johann Strauß II. - Schallwellen. Walzer, op. 148 17:38 Johann Strauß II. - Niko-Polka, op. 228 21:09 Josef Strauß - Ohne Sorgen. Polka schnell, op. 271 23:12 Carl Zeller - Grubenlichter, Walzer 31:15 Carl Millöcker - In Saus und Braus. Galopp 35:12 -- Intermission -- 1:03:10 Franz von Suppè - Ouvertüre zu "Dichter und Bauer" 1:14:46 Karl Komzák - Bad'ner Mad'ln. Walzer, op. 257 1:24:22 Josef Strauß - Margherita-Polka, op. 244 1:28:19 Johann Strauß I. - Venetianer-Galopp, op. 74 1:30:36 Johann Strauß II. - Frühlingsstimmen. Walzer, op. 410 1:39:06 Johann Strauß II. - Im Krapfenwaldl. Polka française, op. 336 1:43:52 Johann Strauß II. - Neue Melodien-Quadrille. op. 254 1:48:19 Johann Strauß II. - Kaiser-Walzer, op. 437 2:01:57 Johann Strauß II. - Stürmisch in Lieb' und Tanz. Polka schnell, op. 393 2:06:30 Johann Strauß II. - Furioso-Polka, op. 260 2:13:00 Johann Strauß II. - An der schönen blauen Donau, Walzer (On the Beautiful Blue Danube), op. 314 2:24:20 Johann Strauß I. - Radetzky-Marsch op. 228 |
https://youtu.be/3nCLQ1IuD8c
慕提指揮維也納愛樂
影音欣賞
有史以來最年輕的維也納愛樂新年音樂會指揮：杜達美
雷哈爾：《內許利地》進行曲
Franz Lehár: Nechledil March* from Wiener Frauen
https://youtu.be/7YDJCgWWqMk
https://youtu.be/AxIwLQlI6WY
小約翰．史特勞斯：《梅菲斯特的地獄召喚》圓舞曲
Gustavo Dudamel, Wiener Philharmoniker - Tausend und eine Nacht, Walzer, Op. 346
https://youtu.be/x_JjVFXndWQ
杜達美指揮維也納愛樂於義大利斯卡拉歌劇院（2019）
https://youtu.be/ZuhfWIDuZzk
2020維也納新年音樂會《輕騎兵序曲》
https://youtu.be/YBYsDEwVvkE
今日，全世界的觀眾、合作的獨奏家與指揮們，皆認為維也愛樂團獨特傑出的「維也納之聲」，在眾多樂團中獨樹一幟。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/interview-of-karl-heinz-schutz-solo-flute-of-wiener-philharmoniker/
https://bonart.com.tw/interview-of-walter-auer-principal-flutist-of-the-vienna-philharmonic-orchestra/
https://bonart.com.tw/walter-auer-principal-flutist-of-the-vienna-philharmonic-orchestra/
【主題三】最偉大交響樂團之旅
台灣每年幾乎都會有世界級的交響樂團前來演奏，票價不算便宜，但卻常常是一票難求～這些世界級的交響樂團各有各的特色及風格，本次古典音樂三部曲-「古典音樂第三堂課」，將一次帶領大家認識四個偉大的世界知名交響樂團。
★課程更多介紹：https://50plus.pse.is/3mc46r
12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會12/10「柏林愛樂」古典天團與數位音樂廳的全球魔力12/17「紐約愛樂」美國最具歷史與獨特地之管弦樂團12/24「洛杉磯愛樂」百年老店走向21世界迎向新風格 |
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【BON音樂】一首會笑的音樂～布拉姆斯大學慶典序曲
【BON音樂】一首會笑的音樂～布拉姆斯大學慶典序曲
Johannes Brahms: Academic Festival Overture Op.80
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布拉姆斯四大創作階段
布拉姆斯（Johannes Brahms, 1833-1897）是浪漫時期德國作曲家裡的中流砥柱，更被譽為「浪漫時期中的古典主義」，一般而言，他的創作時期可分為四大階段，年份分類方式依研究者而略有差異，在本篇文章中，抓取整數年份：
創作早期：1840-1860年（27歲之前）
此時的作品主要以歌曲及鋼琴曲為主，他的C大調第1號鋼琴奏鳴曲，op.1 創作於1852-1853年，題獻給好友姚阿幸。而d小調第1號鋼琴協奏曲則創作於1858年。
成熟時期：1860-1870（37歲）
此階段重要的作品有《德意志安魂曲》op.45、《帕格尼尼主題變奏曲》op.35、《海頓主題變奏曲》op.56等等
巔峰時期：1870-1890年（47歲）
這段時期是布拉姆斯創造力最旺盛的巔峰階段，重要作品有：四首交響曲、D大調小提琴協奏曲、《大學慶典序曲》op.80與《悲劇序曲》op.81等等
晚期：自1890年起自1897年逝世
晚年的沈寂與內化，布拉姆斯的寫作作品規模趨於短小精緻，有多首鋼琴作品《幻想曲》、《間奏曲》等，以及以單簧管為主的室內樂作品。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms-late-piano-works/
布拉姆斯作品分類：（取自維基百科）
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延伸閱讀
https://bonart.com.tw/johannes-brahms/
走路有風．一首會笑的序曲
《大學慶典序曲》
德國作曲家布拉姆斯（Johannes Brahms,1833－1897）於1880年共作有兩首序曲：《悲劇序曲》和《大學慶典序曲》，布拉姆斯曾說：《悲劇序曲》是會哭的音樂，而《大學慶典序曲》，是會笑的。
所謂「序曲」，一般通常是指歌劇演出前的開場管弦樂序曲（Ouverture），但也有不少序曲是單獨寫作的管弦樂「音樂會序曲」，例如孟德爾頌的《仲夏夜之夢》序曲、《芬加爾洞窟》序曲與柴可夫斯基的《羅密歐與茱麗葉幻想序曲》、《哈姆雷特幻想序曲》等等，就是「音樂會序曲」的最佳實例。
《新葛夫音樂辭典》對「音樂會序曲」之詞條的解釋：
序曲中發展出來的一種特殊樂種，其規模類似歌劇或戲劇序曲，為單樂章的管絃樂作品，並常常附帶著標題，暗示著文學或其他描述性的內容。
因此，音樂會序曲與一般普通序曲最大的不同之處，就在於「獨立的存在」。並且依據標題與文字的不同，我們可以充滿感受到作曲家所賦予本作品的文學性、藝術性之獨特意義，從中感受此作品之獨一無二。
而李斯特更把「音樂會序曲」進化發展為「交響詩」，成為了完全獨立的單曲交響作品。
兩次獲頒榮譽博士
1872至1875年，他擔任維也納音樂之友協會的音樂總監。1868年布拉姆斯的大型合唱作品《德意志安魂曲》的首演鞏固了作曲家在歐洲音樂界的地位。許多人認為他超越了貝多芬。1876年布拉姆斯更完成了第一號交響曲，四十年磨出最為鋒利一劍，更被譽為「貝多芬第十號」。
第一次是在1877年，英國劍橋大學要頒發榮譽博士學位給布拉姆斯，但因為程序複雜且要求布拉姆斯要親自要英國領取學位，布拉姆斯因為無法赴英國親自領取榮譽博士學位而拒絕了劍橋大學的名譽音樂博士學位。
第二次是在1879年3月，位於波蘭境內，波蘭德語區的布列斯勞大學（University of Breslau）因布拉姆斯的音樂傑出成就，要頒發榮譽博士學位給他，並在頒授要點中不附帶任何條件，並稱布拉姆斯為「當時德國嚴肅音樂創作上的第一名家」。
原本布拉姆斯要回寫一張明信片表達謝意，但布雷斯勞大學其實期望布拉姆斯能相贈一首新曲，在友人建議之下，布拉姆斯也正面回應大學的期望，寫了這首長約十分鐘的《大學慶典序曲》，布拉姆斯在 1880 年夏天開始動筆， 並在 1881 年 1 月 4 日於布雷斯勞大學首演。
這～就是《大學慶典序曲》的創作背景。（嘿嘿嘿..當初.劍橋大學還規定布拉姆斯一定要親自到校領取榮譽博士學位才要授與他學位，如果知道因此錯失了這首名曲，應該很扼腕吧～XD）
布雷斯勞大學頒授學位原因所稱的 「嚴肅音樂」，所強調的正是布氏那種源自傳統的嚴謹、保守的作風。然而在寫作這首序曲時，為了使其具有一種富於青春氣息的校園氣氛，布拉姆斯暫時放棄了他那一向嚴謹深沉的曲風，而採用「混合自由曲式」（pot-pourri）這種較為自由的曲式（ABCDE...等），布拉姆斯將當時一般大學生都耳熟能詳的四首「校園歌曲」串連在一起。
《大學慶典序曲》完成後， 一向喜歡「在薄暮森林深處幻想著法國號低鳴」的布拉姆斯，或許始終覺得此曲顯得有些輕浮，於是趕寫了另一首比較暗晦，結構更為緊密的《悲劇序曲》 作為補償，後來他自稱：「這兩首序曲，一首在歡笑，另一首在啜泣。」
儘管布拉姆斯自認為《大學慶典序曲》具有歡樂、輕快的性質，然而他還是具備作者所特有的一種迷濛深遠的北德風格；全曲雖具有「混合曲式」的外在，但亦可視為是一首主題安排較自由的奏鳴曲或輪旋曲式，並包含有四首學生時常合唱的歌曲：
（一）「耶拿大學」（Friedrich-Schiller-Universität Jena）的學生會歌：
「我們建造了巍峨的殿堂」(Wir hatten gebauet ein stattliche Haus)（We have built a stately house）
https://youtu.be/Xhuc5k470kE
知名中文歌曲《遊子吟》
https://youtu.be/ePzlfteL0AY
（二）《大地之父的莊嚴頌歌》（Der Landesvater）（The Land Father）
https://youtu.be/NukoFq9L30w
（三）《是什麼來自天國（高處）》（Was kommt dort von der Hoh'）
https://youtu.be/bhNRzZaV0sE
（四）《所以讓我們歡笑吧》(Gaudeamus igitur)
也是《大學慶典序曲》最後結束全曲的宏偉歡騰的大合奏旋律來源
https://youtu.be/aLUKfU2AOBY
布拉姆斯的《大學慶典序曲》採用當時學生們愛唱的四首歌曲，以自由的曲式將其貫穿成 一首幻想式的序曲。此曲的結構頗為緊湊，洋溢著快樂、明朗和幽默的曲趣，誠如布拉姆斯自稱，這是一首『歡笑的序曲』。愉快多彩的《大學慶典序曲》因而誕生。
四首歌曲，四種心情，就像每個畢業生，心頭酸甜苦辣的滋味。 如今，在國外大學的畢業典禮中， 也經常聽得到《大學慶典序曲》喔～
這是一部莊嚴但是充滿著喜悅之情的作品，樂團的編制可說是布拉姆斯的交響作品中非常大型而完整的（例如使用了三把小號，非常少見），並成為布拉姆斯最受到愛樂者喜愛的作品。
樂曲從小提琴輕快的節奏開始，不久法國號和低音管就高歌出讚美歌風的學生歌曲《我們建蓋了巍峨的學堂》，經過銅管反覆後，速度減緩，出現小提琴優美的旋律。
曲式：
「混合自由曲式」（pot-pourri），或可歸類為「迴旋曲式」（ A-B-C-D-(A’-B’-C’-D’)-E-Coda）
| A：a-b-a
a：進行曲風，像是一隊英姿勃發的學生隊伍在大街上由遠行近。打擊樂自一開始的加入，讓第一段落顯得更加有趣 b：由弦樂帶出的平順旋律。 a：進行曲風，像是學生隊伍漸漸行遠。切分音略現厚重風格。 B：歌曲《我們建造了巍峨的殿堂》工整對稱的四句。1-2-3-4-3-4 插入抒情化的a，和Ｂ之片段。 C：歌曲《大地之父的莊嚴頌歌》聳動的短旋律 先由弦樂再由木管再三反復，之後進入莊嚴的八度弦樂。 D：歌曲《是什麼來自天國（高處）》由低音管獨奏，中提琴在後半拍伴奏，詼諧可愛的旋律。 弱音小號過渡後進入發展。 A’：a B’：慶典 (Fanfare) 般的銅管。 C’：莊嚴的和聳動的樂段交替出現。 D’：以弦樂將原本的詼諧低音管旋律抒情化，再以銅管強奏出康康舞般的旋律。 E：歌曲《所以讓我們歡笑吧》c-c-d-e，結束全曲的宏偉歡騰的大合奏段落。 Coda：教會 I-IV 阿門終止。 |
總譜版本
https://youtu.be/5AkQrnLPvC4
Gerard Schwarz的樂曲介紹
https://youtu.be/VIV-yJfIrlI
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【BON音樂】大人音樂欣賞 - 蓋希文：《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）介紹
【BON音樂】大人音樂欣賞 - 蓋希文：《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）介紹
George Gershwin: "Rhapsody in Blue"
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課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
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今天要介紹的名曲，是由美國爵士樂著名作曲家蓋希文所創作的《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）～
為什麼要叫做「藍色」狂想曲？而不是紅色或綠色呢？
相信許多人知道，爵士音樂就是以藍調音階為基礎，不斷變化所發展而成。所以這首樂曲的標題「藍色」（Blue），自然就是指這是一種充滿爵士風味、以藍調音階所寫成的樂曲，當然...或許也帶著一點憂鬱與抒情（笑）
讓我們一起繼續認識這首樂曲：
曲名由來
據說此曲在創作階段，蓋希文稱之為《美國幻想曲》(American Rhapsody)。《藍色狂想曲》之名其實是由作曲家的哥哥艾拉蓋西文（Ira Gershwin, 1896-1983）在參觀完畫家惠斯勒（James McNeill Whistler, 1834-1903）的畫展之後所提出的想法。
喬治.蓋希文（左）與哥哥-艾拉.蓋希文（右）
知名的樂曲前奏 | 單簧管獨奏
《藍色狂想曲》樂曲開頭非常知名，維基百科上說其經典地位已經可以與貝多芬「命運」交響曲之動機比美。
這段由樂團中的單簧管演奏者，在演奏低音顫音後，以吹嘴控制角度與氣壓，搭配手指滑音演奏出毫無縫隙的高難度滑音技巧，讓樂曲開頭充滿了浪漫美麗的爵士氣氛。讓我們一起來欣賞這段前奏：
https://www.youtube.com/watch?v=Ya4y4xJ6OxA
Youtube上可愛的小女生學會了單簧管滑音技巧，運用在《藍色狂想曲》裡，她也熱心地拍攝影片分享如何練習這項滑音技巧：
https://www.youtube.com/watch?v=1MAiXL_0COk
創作背景
《藍色狂想曲》完成於 1924 年，是當時有「爵士樂之王」(King of Jazz)之稱的美國爵士樂樂團資深領班 保羅‧懷特曼（Paul Whiteman, 1890-1967）委託蓋希文為他的樂團所創作。
下方照片裡 左為蓋希文，右為保羅‧懷特曼：
滿滿創意與旋律，天才洋溢的蓋希文，其實不闇古典音樂的管弦樂法語配器，因此他尋求創作作曲家葛羅菲（Ferde Grofé, 1892-1972）的協助，才順利完成全曲的配器與最終完美結果。
下方照片四位大人物，由左至右為：葛羅菲、作曲家 蓋希文（彈琴者）、音樂經理人Samuel “Roxy” Rothafel, 與爵士樂團領班保羅‧懷特曼。
保羅.懷特曼年紀大蓋西文 8歲，在爵士樂界名聲響叮噹，他熱愛爵士音樂，一直想向世人介紹爵士樂的偉大之處。因此他籌備了一場名為「什麼是美國音樂？」的大型音樂會，因此他委託蓋希文為此音樂會創作鋼琴與樂團之大型作品。
蓋希文在當時因為忙於舞台劇《可愛的小鬼》（Sweet Little Devil）首演，經常需要搭火車旅行往返於波士頓和紐約之間（兩城市之距離大約 350公里）。雖然時間緊迫且演出壓力大，但蓋希文仍然利用時間，在交通往返的時間裡靈光乍現，譜出了這首足以代表待時美國爵士文化興盛的代作之作：《藍色狂想曲》。
在手稿的首頁中，我們可以看到蓋西文的親筆簽名，並在《藍色狂想曲》主標題下，寫下「For Jazz Band and Piano」的樂曲編制，這也是原本為保羅.懷特曼樂團（23人大編制爵士樂團）所寫的原始樂曲編制。
後來此曲改為交響樂團的版本，則是在 1946年由葛羅菲（Ferde Grofé）再行改編，成為了歷來代表美國爵士音樂裡，最受歡迎也最為經典的曲目之一，蓋希文也因為此曲而名聲永留爵士樂最重要的作曲家之一。
關於首演
《藍色狂想曲》於 1924 年 2 月 12 日，紐約市艾奧利安音樂廳（Aeolian Hall），由保羅.懷特曼指揮他的擴大 23人編制「皇家宮廷管弦樂團」（Palais Royal Orchestra） 首演。
當天音樂會中有許多當代音樂界知名人士出席，有：拉赫曼尼諾夫（Sergey Vasilyevich Rakhmaninov, 1873-1943）、史特拉汶斯基、郭多夫斯基（Leopold Godowsky, 1870-1938）、史托柯夫斯基（Leopold Stokowski, 1882-1977）、小提琴名家 海菲茲（Jascha Heifetz, 1901-1987）與師兄 艾爾曼（Mischa Elman,1891-1967）、克萊斯勒（Fritz Kreisler, 1875-1962）與「進行曲之王」約翰.菲利浦.蘇沙（John Philip Sousa, 1854-1932）等，可說是冠蓋雲集，熱鬧非常。
《藍色狂想曲》當時演出大獲成功，獲得全場觀眾們的熱烈掌聲。
1924年經典歷史錄音
此份錄音為1924年6月10日，蓋希文本人擔任鋼琴獨奏，保羅.懷特曼指揮爵士樂團所錄製的78轉唱片。
最特別的是樂團豎笛手Ross Gorman將前奏以玩笑似的方式演奏，但蓋希文聽過之後非常喜歡，於是就將這樣的技法記錄下來，更成為今日的經典開頭樂句。
https://youtu.be/Ng8QDwkKZsU
演出後成功的報紙樂評
演出後，5月 5日的「國家報」（The Nation），刊登有關《藍色狂想曲》首演之成功報導。
1925年的蓋希文照片，帥氣英挺，才華洋溢，日進斗金，是人人稱羨的爵士樂手與作曲家。
樂理篇（一）什麼是藍調音階？
https://youtu.be/CjJwxtahGtw?t=13
樂理篇（二）什麼是大小調藍調音階？
https://youtu.be/WWEchKvZwdE?t=42
樂曲主題與和聲分析
https://www.youtube.com/watch?v=PSr2vnXecCM
《藍色狂想曲》各段落主題
曲式：「混合自由曲式」（法語：pot-pourri）
完整樂譜版本
葛羅菲管弦配樂版（F. Grofé)
Composer: George Gershwin (26 September 1898 -- 11 July 1937) -
Orchestra: Boston Pops Orchestra
Conductor: Arthur Fiedler
Soloist: Earl Wild (piano)
Year of recording: 1959
https://youtu.be/17Mv_qh9UB4
指揮家 Gerard Schwarz 解說《藍色狂想曲》
https://www.youtube.com/watch?v=ul5obQhoOUk
原始爵士大樂團配器版本
Lola Astanova 與 All-Star Orchestra，由Gerard Schwarz指揮版本（ 2016年 艾美獎獲獎）
https://www.youtube.com/watch?v=Fpsku1TwQ7E
精彩交響版演出版本欣賞
伯恩斯坦 1976年 與 紐約愛樂 Live'版
https://www.youtube.com/watch?v=cH2PH0auTUU
王羽佳 2016年 薩爾茲堡音樂節 Live' 版
https://www.youtube.com/watch?v=9CTp2Nk9OxI
郎朗 2016年與德勒斯登愛樂 Live'版本
https://www.youtube.com/watch?v=ss2GFGMu198
2000年的迪士尼【幻想曲2000】非劇情古典音樂動畫，也是迪士尼第38部經典動畫，也以蓋西《藍色狂想曲》（Rhapsody in Blue）作為發想，運用了這首帶有爵士樂風，將動畫背景設定在1930年代的紐約大都會：動畫結合音樂，以簡單的線條起始，描繪出都會生活中的各種光怪陸離，創意運用與對音樂的多重發想。
非常值得一看：
https://www.youtube.com/watch?v=ie-TS-BitnQ&feature=youtu.be&fbclid=IwAR2SRQvSr_rg8vVt7TtEPy_0lGrpKkxx9ABIuFp-ZNZYx09SFWzsSBLZQ4c
爵士名家赫比.漢考克與杜達美之現場版
https://youtu.be/lFXXa6DOUm8
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【BON音樂】威爾第：刻畫深刻人性之《奧泰羅》（Otello）歌劇介紹
【BON音樂】威爾第：刻畫深刻人性之《奧泰羅》（Otello）歌劇介紹
Verdi: Introduce of opera “Otello”
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為方便記憶，筆者將莎士比亞四大悲劇重新排為「李奧哈馬」：《李爾王》、《奧泰羅》、《哈姆雷特》與《馬克白》。（嘿嘿～雖不是李奧納多，但這樣是不是很好記呀？）本篇文章介紹威爾第歌劇奧泰羅之創作背景、分幕故事與精彩音樂，歡迎點閱。
種族、愛情、嫉妒、背叛
悲中之悲《奧泰羅》
19世紀浪漫主義畫家柯林（COLIN, ALEXANDRE MARIE）於1829年繪製之《奧泰羅》場景
威爾第很早就開始傾心於莎士比亞的戲劇作品，1865年時，威爾第曾將《馬克白》改編成歌劇《馬克白》，但當時的首演並不成功，於是他的「莎士比亞情結」就一直保留在心裡。結束了場景與音樂都超級華麗的《阿依達》（1871），威爾第開始思考他的下一步，要如何打破他在《阿依達》中創造的高度，這時他想到了莎士比亞的《奧賽羅》，毫無疑問劇中極度悲痛、赤裸裸的對於人心的描寫將是下一個艱巨的挑戰。
莎士比亞之四大悲劇：「李奧哈馬」...XD
（劇情敘述整理自網路）
《李爾王》（自戀）
不列顛的國王李爾已經八十多歲了，每天仍為國事操勞，身體也因此逐漸衰弱，李爾王想在過世之前將國事交給孩子去治理，他決定將三個女兒叫來，從她們嘴裡聽出誰最愛他，然後再依她們愛他的程度，分配國土與財富的大小。故事就在國王與女兒間的對話中拉開了序幕，虛偽諂媚的大女兒與二女兒，以花言巧語訴說著對父親的愛，老國王信以為真，衝動之餘，各分給兩個女兒三分之一的國土，然後他轉向問他最寵愛的小女兒，小女兒十分厭惡姐姐的阿諛奉承，於是她向老國王說：「我照著作女兒的本份愛著您，我對您的愛不多也不少。」國王一氣之下，竟將原本留給她的土地收回來，平分給兩個姐姐。
年老昏庸的國王李爾，將餘生寄託在兩位虛情假意的女兒身上，卻將真心孝順的小女兒趕離身邊，原本打算就此頤養天年，萬沒想到悲慘的命運即將來臨，最後李爾王才發現原來最愛自己是小女兒。 <<李爾王>>是莎士比亞的悲劇之一，這部作品中將人性的孝道，以及兒女的貪婪完全表現，是一部充滿諷刺的悲劇經典。
李爾王的故事告訴我們，子女要對父母盡孝，而為人父母者，則要明辯是非，不可太過固執。
《奧泰羅》（嫉妒）
生性直爽﹑品格高尚的奧泰羅將軍，與威尼斯小姐苔絲夢娜結婚後，卻因為旗下大膽、狡詐、全無道德觀的旗手軍官伊亞戈（Iago），對奧泰羅的煽動教唆，而使原本幸福的婚姻，蒙上了嫉妒的陰影；奧瑟羅的猜忌與嫉妒之心使婚姻走上了毀滅之途，更甚而親手掐死了無辜的妻子德絲德莫娜，當他終於得知真相後，悔恨之餘拔劍自刎，倒在了苔絲狄夢娜身邊，留下了令人悲憤的結局。
《奧泰羅》是莎士比亞在1604年所寫的四大悲劇之一，莎士比亞在《奧泰羅》中創造出奧泰羅與伊亞戈全然不同的兩種人物典型，全劇並圍繞在「家庭」﹑「嫉妒」兩大主題中發展，也許莎翁早就洞悉，嫉妒便是人心最大的弱點吧！奧泰羅是莎士比亞描寫人性「忌妒」可怕的一個戲碼，常常被引述來說明人性的弱點。
奧泰羅的故事更告訴我們，近君子而遠小人的重要性。
《哈姆雷特》（猶疑）
丹麥王子哈姆雷特聽見父親過世的消息，發現國王的弟弟、哈姆雷特的叔叔繼承了王位，還娶了國王遺孀，也就是哈姆雷特的親媽媽。宮中居然出現國王的鬼魂，要哈姆雷特替他報仇，哈姆雷特王子心中與大家一樣，充滿各種懷疑，叔叔登基為新國王，實在與父王有著天壤之別，不但在人品與性格上截然不同，還有著卑鄙下流的性情，於是大家開始懷疑國王是為了爭奪王位，而謀害了自己的親生哥哥。內心一直猶豫不決，不知道怎麼做才好。他為了調查事情真相而裝瘋賣傻，還在宮中上演一齣新戲，以劇情測試新國王。看到叔叔如坐針氈的模樣才確定他殺了自己的爸爸。最後哈姆雷特雖然如願復仇，但他的母親也死了，他自己也被毒劍所傷而死。
劇中哈姆雷特從一開始就陷入掙扎，他擔心自己疑神疑鬼，殺錯了人。每個人都曾有進退兩難的局面，矛盾與掙扎是人性最複雜的一面。
哈姆雷特是莎翁筆下四大悲劇中的一齣講述天倫相殘的故事，也是莎翁知名度僅次於《羅密歐與茱麗葉》的名著。
《馬克白》（野心）
蘇格蘭軍中的兩名大將馬克白與班戈，剛剛打完一場激烈的勝仗，正在歸國的途中，遇上了三個女巫，女巫們預馬克白將會成為未來的國王，而班戈雖然做不成國王，但他的子子孫孫都會成為蘇格蘭國王。
這個預言在馬克白心中留下深刻的印象，燃起了爭奪王位的慾望。當他回到家中，把女巫的預言一一告訴他那野心勃勃的妻子之後，夫婦兩人就聯手展開謀殺國王的行動。
馬克白並不因登上王位而滿足，他為了不讓班戈的子孫繼承王位，不顧朋友間的道義，再度展開謀殺班戈父子的計謀，他一方面進行著暴力與血腥的爭奪，一方面卻又受到良心的譴責，使他不時地產生幻覺而終致瘋狂，馬克白一心想改變命運的安排，不擇手段登上王位，為王之後卻飽受罪惡感折磨，成為殺人無數的暴君，更斷送了自己的生命，最後卻不得不臣服在命運的腳下。
《馬克白》是莎士比亞所寫下的四大悲劇之一，這故事告訴我們：別當一位不知足的人，當我們被慾望熏心，災禍亦將隨之而來。
《奧泰羅》戲劇海報
1884年美國，托馬斯·基恩(Thomas. W. Keene)主演
《奧泰羅》 動畫故事簡介
https://youtu.be/iYWrAAD-GoA
歌劇創作
- 威爾第 生平 ←
創作成功的歌劇《阿伊達》後的 16 年間，或許因同時代之友人一一辭世，加上年事漸高，影響威爾第創作意願～威爾第再也沒有寫作新的歌劇。
在下一齣歌劇《奧泰羅》（1887）問世前，唯一值得一提的創作就是於 1873 年為義大利19世紀最偉大的文學家曼佐尼（Alessandro Manzoni, 1785 -1873）所寫的《安魂彌撒曲》(Requiem)，完成後威爾第也自費出資出版；《安魂彌撒曲》後於1873年 5月曼佐尼逝世周年，在米蘭聖馬可教堂首演。
威爾第 歌劇作品整理（表格取自維基百科並加入超連結方便檢索） 奧貝爾托（1839） |
《奧泰羅》原著故事
在莎士比亞寫作本故事前，本故事原著朔源應為義大利小說家與詩人 吉拉爾迪‧欽齊奧（Giovanni Battista Giraldi, 1504－1573）之短篇小說《摩爾人隊長》，列於其「百篇故事第3篇第7則」。1586年，莎士比亞根據短篇小說，重新撰寫為戲劇作品《奧泰羅》，副題為《威尼斯的摩爾人》，後於於1604年左右舉行首演。
故事設定於15世紀的塞普勒斯島。新任威尼斯總督將軍為摩爾人奧泰羅，外表為黑人的他，出身普通因此為其部下依阿戈不滿，認為自己懷才不遇，因此對其由妒生恨。
於是心懷不軌的依阿戈開始計謀，一連串栽贓與精心設計之橋段，嫁禍給副官卡西歐，更甚者，欲陷害奧泰羅最疼愛的妻子德絲德莫娜～耿直卻識人不明的奧泰羅果然中計，不但不信妻子為自己貞節之辯白，也在猜疑與嫉妒心的驅使下，於床畔勒殺其妻。
後因依阿戈的計謀敗露，懊悔不已，卻已無力回天的奧泰羅，再吻妻子後，也舉刀自殺，留下的是讓人嘆息的又一齣悲劇。
與劇作家玻益多之合作
終於在1880年，威爾第終於找到了他一直以來渴望的最佳合作者 --- 19世紀著名的詩人玻益多（Arrigo Boito, 1842-1918），由於玻益多除了文學外，也創作歌劇，兩人或可也算為「同行相忌」。不過當時，李可第出版社（Ricordi）的老闆鳩里歐‧李可第（Giulio Ricordi）非常希望封筆已久的威爾第能有新作品發表，尤其希望把莎士比亞的悲劇《奧賽羅》譜寫為歌劇。
李可第非常了解威爾第慎重又頑固的脾氣，加上他年事漸高又已經封筆多年，因此採取了「請君入甕」的刺激法：他故意不直接向威爾第提議譜寫新作品，反而直接在 1879年3月前，委託玻益多先創作寫歌劇劇本。為了怕洩漏消息，李可第還依據劇中主角奧泰羅的北非摩爾人膚色，給了秘密計畫代號「巧克力」。
直到 1879年7月初，李可第與義大利指揮家 Franco Faccio、威爾第夫婦等一同晚餐時，指揮家 Franco Faccio 告知威爾第：玻益多更以莎士比亞《奧泰羅》為藍本寫作歌劇劇本。威爾第一聽，果然感興趣，幾天之後就劇作家玻益多約見，此時玻益多更是已經備妥劇本大綱，兩人相談甚歡，奠定合作之基礎。（雖然有點陰謀論，但足見李可第運籌帷幄，果然讓停筆多年的威爾第願意再次亮出寶刀，真可謂功德無量啊～）
1879年底，玻益多依約將劇本第1稿交給威爾第。看完劇本後，威爾第果然興起了再次創作的意念，雖然仍擔憂自己年事漸高創作能力大不如前，但在諸多靈感湧現後，與玻益多密切合作討論，以長達七年的創作時間完成這部曠世巨作。
這部威爾第人生中的倒數第二部歌劇作品《奧泰羅》終於完成，已是前作《阿伊達》問世的 16年之後了...
若不是玻益多卓越的文學才華以及曾經親身創作歌劇的經驗，所創作出的精彩劇本，威爾第可能難以再次邁向創作生涯末段的最高峰。甚至，若沒有出版商李柯第的撮合，威爾第晚年的「奧泰羅」與「法斯塔夫」這兩部經典之作，或許無法順利創作...
人生之緣份，不可謂不重要啊～
威爾第與玻益多
歌劇人物角色奧賽羅 (Othello) -摩爾人（黑人） 威尼斯將軍。 |
歌劇海報
『奧泰羅』（Otello）1887年2月5日於米蘭史卡拉歌劇院首演。《奧泰羅》於米蘭的首演轟動了全城，民眾聚集在一起久久不肯離開，他們口中高呼著：「威爾第萬歲」。
威爾第以這部歌劇史上最偉大的悲劇作品《奧泰羅》，打破了他自《阿依達》之後長打16年的創作沉默。
《奧泰羅》四幕劇情解說
影片搭配 多明哥1986年版
PLACIDO DOMINGO - OTELLO 1986
第一幕
幕啓～舞台背景是烏雲密佈，雷電交加的天與海，時刻是黃昏。
前總督蒙泰諾、士紳 、洛特利哥、副官凱西奧、旗手伊阿戈（Iago）與一群島上居民翹首眺望洶湧的海面， 等待奧泰羅的歸來。
這段合唱夾雜在猛烈的管弦樂怒吼之中，氣勢更顯驚人！「......閃電！轟隆！漩渦！咆哮！...震動的宇宙，澎湃的冰河，有如妖魅的北風，及巨大的集合號令，在空中聽來格外誇張...」。其實這段開場海浪風暴場景在莎士比亞原劇中並不存在，是劇作家玻益多為加強開場戲劇效果，並突顯奧泰羅戰勝之凱旋風采，而寫出之精彩場景～也展現了他炫目的文采。
在海邊等待眾人期盼下，奧泰羅出現，平安抵達，站在海堤上，他驕傲地唱出：「歡欣吧！ 回教徒的驕傲已被埋葬於深淵之地...」。
筆者補充：在威爾第歌劇作品中，擔任男主角，又是英雄人物之男高音，居然一出場只唱個幾句歌詞就下場，可能還真的是絕無僅有的...（連《阿依達》的拉達梅斯也是一出場就有完整的詠嘆調 ⟨聖潔的阿依達⟩ 啊～～～）。
但此處雖只有兩句唱詞，但威爾第已刻劃出奧泰羅剛強的氣概，在歌劇開場就給予觀眾強烈的英雄人物印象。
https://youtu.be/Ur3uTKbrqIQ
「奧泰羅萬歲！... 勝利！滅亡！驅散，毀減，把敵人丟進死蔭山谷...」緊接其後的是充滿激烈氣氛的合唱凱歌。
在歌劇開場的暴風雨場景，威爾第以炫目大膽的管弦樂法，創造出全新的音響效果 ；他使用全體管弦樂團齊奏，加上豐富的擊樂：銅鈸、鼓等，製造出如風馳電雷般的效果，銅管的威力更是驚人。弦樂低音部的猛烈騷亂，同樣轉為讓人目不轉睛的效果，在整段暴風雨的肆虐中，管風琴自始而終以最低的半音和絃長鳴著，襯底於樂團下方，助長了風暴的威勢。
暴風雨逐漸減弱眾人全部散去後，留下旗官伊阿戈與羅德利果兩人，洛特利哥暗戀著奧泰羅之妻苔絲狄蒙娜。伊阿戈因未能成為副官，心懷忿忿，道出對奧泰羅及凱西奧的恨意，毒計已然成型於心中。伊阿戈狡詐地說，若我是那個摩爾人（指奧泰羅），我必不讓那伊阿戈接近身旁作怪（此處反諷著暗喻著奧泰羅之識人不明）——此時伊阿戈邪惡的獰笑令人不寒而慄。
大家在醇酒與歌舞的勝利慶祝中，伊阿戈唱著飲酒歌，並把副官凱西奧灌醉，教唆洛特利哥挑釁他，前任總督蒙泰諾出來勸架，凱西奧不慎傷了蒙湯諾。伊阿戈即刻教羅德利果去報告奧泰羅，奥泰羅出來斥止爭鬥，懲處凱西奧，免除其副官的職位，伊阿戈竊喜其第一個詭計得逞（叮～）。
苔絲狄蒙娜原就與丈夫奧泰羅一起出場，等爭吵過去，眾人離開，夫婦倆情意綿綿，唱起愛的回憶（著名的二重唱『夜幕已深』。）
「我因你經歷的危險而愛上你」「你因我的憐憫之心而愛我」，是第一幕裡最動人的愛情歌曲～
隨著濃密的夜幕下垂，兩人也跟著愛的二重唱旋律，緩緩走回城堡。
https://youtu.be/lyu3QUjAFtw
https://youtu.be/CxkpSGI8L8o
第二幕
城內的大廳內．舞台上是伊阿戈和愁眉苦臉的凱西奧。
凱西奧為一時衝動丟去官職苦惱不已，伊阿戈建議他求助於苔絲狄蒙娜，請她代向奧泰羅求情，事情或有轉機。凱西奧非常感激，但他離開走入花園後，伊阿戈則奸惡地說出：「這是我的第二個計謀。」亦即要挑起奥泰羅對妻子與凱西奧之間關係的猜忌，伊阿戈再接著唱出對殘酷惡神的《信經》(Credo)，「我信仰一個邪惡之神」。
接著，命運的劇本就如同伊阿戈心中所構思般繼續下去...，（歌劇此後的發展幾乎與莎士比亞原劇一致）伊阿戈開始蠱惑奧泰羅暗示夫人與凱西奧有曖昧關係，經常故意言詞閃爍，吞吞吐吐，讓奧泰羅充滿猜忌，也開始對伊阿戈信賴慢慢增加。（叮叮～）
https://youtu.be/Mvu47rYJ1Y4
在莎士比亞的劇本中有段話恰以說明這段的精髓：「我想你是忠心於我的，並且，我知道你忠厚老實，....你今天的吞吞吐吐，格外的使我驚嚇了。言詞閃爍原是虛偽小人的一種慣技，但是在一個正直的 人，這卻是內心情感所不能制止的一種內心憤怒的表示。」
https://youtu.be/8-ECgs93q1A
於是就這樣，奧泰羅一步步的墜入伊阿戈的詭計之中。
遠處傳來水手之歌、婦女與小孩也向苔絲狄蒙娜唱著歌，奥泰羅的心情卻早已動搖浮躁。接著，妻子苔絲狄蒙娜居然真的來向他替凱西奧求情，奥泰羅一聽更顯得心浮氣躁，妻子以為他身體不適便掏出手帕為他前額擦汗，不料卻被丈夫粗魯地揮開，手帕掉落地上。苔絲狄蒙娜的女侍愛米利婭 （伊亞戈之妻）隨侍在旁，看似順手拾起那手帕，其實是伊阿戈強迫自己的妻子愛米利婭想方設法也要偷取這條手帕（這條手帕正是奧泰羅送給自己妻子的第一個愛情信物，因此更成為劇情轉折重要的物品）交給他，愛米利婭心頭隱隱浮現不安的預感。
苔絲狄蒙娜離開之後，奧泰羅心事重重，思量著從此他的心再無安寧之日了。於是不死心的他，強迫伊阿戈提出自己妻子不忠的證據，伊阿戈此時故意吞呑吐吐地說，自己與凱西奧在營房中，聽見他說夢話，說著愛慕苔絲狄蒙娜等等話語。
https://youtu.be/Keejr4iFv5A
接著他試探性地詢問奧泰羅是否看見妻子的手帕，奥泰羅說明那是他贈給妻子的第一個禮物。伊阿戈則淡淡說著，他見到手帕已為凱西奧所擁有。（實際上手帕正在伊阿戈口袋裡）奥泰羅聽後十分憤怒，嫉妒填滿了他的胸口，誓言報仇，伊阿戈馬上表示效忠，兩人同唱【復仇之歌】。
https://youtu.be/zDRmwZxOJ4o
照片
第二幕珍貴手稿
照片為威爾第撰寫《奧泰羅》第2幕中詠嘆調之三小節，樂譜上寫著歌詞“ Ora e per semper addio sante memorie”，以大譜表記譜鋼琴和男高音，作曲家以棕色墨水簽名/題詞（“Otello ... Febbr [aio] 10-1892“）
第三幕
大城堡的大廳，傳令官宣達威尼斯使者即將到來。
伊阿戈告訴奧泰羅，他會將把凱西奧帶來，要奧泰羅躲在旁邊觀看以親眼見證。苔絲狄蒙娜此時來到，伊阿戈離開。
苔絲狄蒙娜仍擔心凱西奧，再度為他求情。奧泰羅刻意試探妻子，一問之下果然發現手帕不在妻子身上，便憤怒地責問並恐嚇苔絲狄蒙娜。管弦樂的強奏表示出奧泰羅心中的慘痛，然後逐漸下降成為一種絕望。接下來所唱的與傳統的詠歎調形式相去甚遠，奧泰羅在最深沈的悲哀中，片斷地一字一字吐出：「神啊....我的不幸......你所予我的....」，樂團演奏出旋律，人聲在此段落如呻吟般痛苦。
在情緒升到最高點時，伊阿戈再次出現，要奧泰羅冷靜，因為凱西奧已經來了。於是奧泰羅就在旁躲了起來。
凱西奧其實另有愛人比恩卡，但伊阿古刻意將凱西奧引進大廳並跟他聊了女人的話題，在伊阿古的刻意的引誘話題之下，凱西奧果然談起自己的愛人比恩卡並笑得開心。
此處正如「奧泰羅」原劇本中所寫：「他一定要笑，奧泰羅一定要氣得發瘋：他笨拙的猜忌一定會完全誤會了可憐的凱西奧之微笑，神情，以及輕薄的舉動....」
果然，奧泰羅以為凱西奧輕薄的言語是針對他不忠的妻子。
當卡希歐真的掏出手帕時，奧泰羅慘叫道：「就是這條手帕！果然在他手中」，強抑怒氣：「這混蛋敢在背後如此嘲弄我，他的輕蔑對我是致命的折磨，啊上帝，助我忍住這可怕的侮辱。」
遠方響起宣告使節到達的信號曲，凱西奧退下。奧泰羅激動地問伊阿戈如何置這兩人於死地？奧泰羅要求伊阿古去取得毒藥，今晚就要！
伊阿戈接著建議：夫人之罪起於床褥，就由您在床上將她捏死，至於凱西奧就交給我...
特使到來，奧泰羅閲完公文，竟是要自己調回威尼斯，且要凱西奧受命接任塞浦路斯總督的職位之派令。
這時每人各表現出自己内心的感觸：奥泰羅看到妻子的哭泣，卻以為她是捨不得離開凱西奧，他當眾咒罵她，自己亦崩潰倒地。
眾人驚愕離去，伊阿戈看見昏厥的奧泰羅，知其已然中計，於是冷嘲言道：「這頭英雄獅子正倒在我的腳下！」（叮叮叮～）
第四幕
幕啟... 英國管獨奏出【楊柳之歌】的旋律，隨後木管群以此旋律稍作發展。
苔絲狄蒙娜在臥室中絕望地向愛米利婭告別，心中似乎已預知不能逃避的結局。
苔絲狄蒙娜唱出一首英國民謠般的優美曲子【楊柳之歌】，述說一個不幸的女孩芭芭拉的愛情悲劇。這首威爾第於第四幕創作的女高音獨唱，成功表現出苔絲狄蒙娜高貴雍容之氣度，亦為最終幕場景帶來悲戚預兆。
在這之前這女主角獨唱得不多，因為劇情重心都在奧泰羅與伊阿戈身上；直到第四幕，苔絲狄蒙娜的高貴性情，才在【楊柳之歌】與【聖母頌】這兩首詠歎調才完整的表現。
女侍愛米利婭退下之後，苔絲狄蒙娜繼續以祈禱的語氣開始唱出義大利文的【聖母頌】，這首淒美的曲子更是展現了苔絲狄蒙娜的純潔無瑕，但卻面對遭誣告的受苦與無辜。
https://youtu.be/JPtEnl6MpHU
唱完後苔絲狄蒙娜安然沈睡。
接著，低音大提琴奏出奧泰羅沈緩的腳步聲，開始這部歌劇中最有名的低音大提琴間奏。
在無限的絕望中，奧泰羅望著妻子如白玉般雕像的睡姿，心中柔情忽動，此時弦樂輕輕奏著著第一幕二重唱的優美旋律，奧泰羅輕吻了苔絲狄蒙娜三次。
苔絲狄蒙娜醒來後，恢復冷酷的奧泰羅問她禱告過了沒有，預備要妻子為她的罪付出生命。
苔絲狄蒙娜驚恐地說；「天啊！死亡！」，此時單簧管以一顆最低音道出她那最原始的恐懼。
https://youtu.be/LS6oxPMMdas
在無用的掙扎中，奧泰羅將妻子扼死與床上 ，說：「……像墳墓般死寂。」
https://youtu.be/6UwcLeAV31Q
愛米利婭有預感地急急回來敲門目睹這恐怖的場景，只見女主人正嚥下最後一口氣。
急忙說苔絲狄蒙娜是清白的，自己知道這正是丈夫伊阿戈的計謀。
愛米利婭驚喚眾人進來，奥泰羅指稱妻子不貞，更以手帕為證。
終於，愛米利婭說出原委真相，而凱西奧也出現（被派遣來暗殺他的羅德利果反被他所殺），這時伊阿戈只好倉慌逃跑。
此時奧泰羅悔恨交加，再多的呼喚也已經無法讓斷氣的妻子死而復生。他請大家別懼怕他，雖然他手中有武器，並要眾人日後轉述這段悲劇時，務必據實以告。在眾人不注意下，奧泰羅拿起短劍自裁倒地。之後他勉力爬到苔絲狄蒙娜床邊，
「在殺死妳之前，我吻妳」
「現在我即將死去，請妳吻我」
在音樂三次的「吻的動機」聲中，奧泰羅倒在妻子的身邊氣絕而亡。
https://youtu.be/gLB9F9QftwM
而在旁親眼目睹這一幕的眾人唏噓不已。（幕落劇終）
歌劇與原著幾個不同之處
- 省略原著中第一幕劇情，直接以第二幕開始整部歌劇。尤其歌劇開場之暴風雨歸來場景，狂亂不規則的音樂，也描繪出奧泰羅身為軍人暴烈不羈的個性。
- 歌劇開場波瀾壯闊的暴風雨場面是原本戲劇所沒有的，突顯出奧泰羅將軍出征歸來的氣勢。威爾第加入合唱與重唱，盛大場面的鋪排，亦在歌劇開場交代了主要人物之不同的人物性格，例如苔絲狄蒙娜為丈夫的擔心與期盼、副官伊阿戈等人之幸災樂禍與心生怨恨之緣由。
- 更深刻深化部屬伊阿戈的人物特性。在歌劇中，將他為惡使奸的原因，由原本不服奧泰羅跋扈的個人因素，提升為一種惡的哲學觀：人性本惡，人生來便帶著邪惡與自私自利，因此他挑撥離間，造謠欺上，不僅是為了報復，更是為了實踐人性之惡，並從中得到樂趣。
- 原著中，奧賽羅自刎殉情後。洛特利哥宣布葛萊西安諾（勃拉班修的弟弟）為奧賽羅的繼任總督，洛特利哥並將凱西奧和伊阿古帶回威尼斯，為二人定罪。
經典第四幕 低音大提琴獨奏段落
Verdi, Giuseppe FINE AUTOGRAPH MANUSCRIPT AND ACCOMPANYING LETTER SIGNED ("GVERDI") ABOUT OTELLO, SENT TO THE CELEBRATED DOUBLE-BASS PLAYER GIOVANNI BOTTESINI comprising Verdi's autograph transcript of the part for the double basses in Act IV, marking Otello's entrance into Desdemona's bed-chamber, together with an autograph letter to Bottesini, seeking his guidance and advice on how this passage should best be played by the double-bass section 1) the autograph manuscript written on five staves, comprising twenty-five bars in all, with the metronome marking, dynamics and articulation, marked by the composer "etc" at the end, 1 page, oblong 8vo (c.13 x 20cm), 10 stave paper by Lard-Esnault of Paris, trimmed from a larger leaf, folded by the composer 2) the unpublished autograph letter accompanying the manuscript, in which Verdi explains that maintaining the intonation in this passage for muted double basses is problematic, because of the inconsistent approach of the players to the choice of hand-position; he asks Bottesini to mark on the enclosed transcript which position offers the best and most secure solution, averring that his authority in this field is so great that his will be the definitive judgement, asking Bottesini about his health and informing him that Giuseppina has also recently undergone an operation, 3 pages, 8vo (c.17.5 x 11.5cm), De La Rue paper, autograph envelope ("a Bottesini/ Londra"), Genoa, 2 May 1887, splitting along folds, ...E' un po' difficile per se stesso questo solo: difficile per le distanze in orchestra: difficile per l'intonazione perchè non tutti e non sempre suonano colle stesse posizioni. Io vorrei pregarti di segnarmi sul pezzo di carta di musica che qui unisco le posizioni che crederai piu sicure e più facili... Verdi's letter is unpublished: not in Hans Busch, Verdi's Otello and Simon Boccanegra (revised version) in Letters and Documents, 2 volumes (Oxford: 1988). After Desdemona's anguished cry at the end of her "Ave Maria", the music subsides and Otello comes into her bedroom, intent on murder. His stealthy entrance is accompanied by one of the most extraordinary passages in the opera, played by the double-bass section alone. Verdi was dissatisfied with early performances and sought the guidance of the leading double-bass player, Giovanni Bottesini. The present letter is evidently the one that Verdi asked Ricordi to forward to Bottesini in London, which is hitherto unknown (See Busch, p.309 and note). Later, in a letter of 22 May 1887, Verdi asked his publisher Ricordi to insert Bottesini's suggestions into the score, evidently without success, for these fingerings do not survive. Bottesini was also a composer and conductor who directed the premiere of Aida in Cairo in 1871. Intonation in the double basses in this passage remains a problem even today.
威爾第於 1887年寫給低音大提琴演奏家BOTTESINI之《奧泰羅》第四幕 獨奏段落手稿
G. VERDI, AUTOGRAPH MANUSCRIPT OF PART OF "OTELLO", WITH A LETTER TO BOTTESINI, 1887
Double Bass: Verdi: Othello, Act IV (Reh. U until 7m after Reh X)
交響樂片段演奏示範
https://youtu.be/y_fubWfi29I
歌劇第四幕 女主角黛絲德蒙娜死亡場景前 象徵奧泰羅腳步聲之低音大提琴獨奏片段
https://youtu.be/G_M2CY3k7hw
第四幕
⟨聖母頌⟩（Ave Maria）
https://youtu.be/FH0MfNfOEJo
第四幕 ⟨楊柳之歌⟩
威爾第之歌詞親筆手稿
⟨楊柳之歌⟩與⟨聖母頌⟩ 唱段
Verdi - Otello - Act 4 Desdemona's Willow Song & Ave Maria
Maria Callas, Soprano
Orchestre de la Societe des Concerts du Conservatoire
Nicola Rescingno, Conductor
https://youtu.be/MMDa0Ua_KrI
Verdi - Otello - Act 4
Desdemona's Willow Song & Ave Maria
Renee Fleming, Soprano Maria Diadkova, Mezzo-Soprano
London Symphony Orchestra
Sir Georg Solti, Conductor
https://youtu.be/ad0Cmz1ewkU
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【BON音樂】大人音樂欣賞偉大交響曲系列（二）貝多芬第五號交響曲《命運》
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All about Beethoven Symphony No.5
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第2堂：我要扼住命運的咽喉─貝多芬第五號交響曲《命運》
「命運動機」（三短一長）聞名全球，據說是貝多芬的秘書辛德勒詢問背後的意義為何時？貝多芬指著這段開頭動機，回答了：「看，這是命運在敲門！」不僅如此，全長四個樂章從c小調的黑暗緊張情緒中出發，最終大調戲劇性之回歸而迎向勝利光輝的設定，更被視為人類不屈不撓地迎向命運，最終戰勝命運的強烈意志。
德國浪漫主義作家E•T•A•霍夫曼在首演後不久便同樣戲劇性的筆觸，將該《命運》比喻為「強光射穿深沉的夜幕」，並稱「只有通過它，我們才能調動一切激情，迸發出全身心的吶喊，我們才能堅定地活下去，成為靈魂的守望者。」更將這首曲目稱作「當代最重要的作品之一」。透過林仁斌老師對於《命運》的解析，細細體會貝多芬從音樂中想要表現出的堅韌與勇氣，一起來認識這首全世界最知名的交響作品！
課程主講：林仁斌
延伸閱讀 林仁斌老師專訪：
2021年最新課程資訊
| ※課程諮詢請於週一至週五09:30~17:30，電話報名請洽客服專線02-2662-0332，課程相關諮詢請洽02-25078627分機885 (巫小姐) |
週二班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-交響曲(11/23週二下午班，共5堂)：貝多芬X舒伯特X馬勒
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-協奏曲(12/28週二下午班，共5堂)：橫跨200年經典弦樂協奏曲
週四班
大人的音樂欣賞線上直播課(第三期)-音樂電影(12/23週四下午班，共5堂)：五大音樂電影，聽懂經典配樂
樂聖 - 貝多芬
（介紹取自維基百科，並附超連結方便檢閱）
貝多芬（Ludwig van Beethoven；1770年12月16日－1827年3月26日），德意志作曲家、鋼琴演奏家。貝多芬上承古典樂派傳統，下啟浪漫樂派之風格與精神，因而在音樂史上占有非常重要的地位，他是歷史上最具影響力和最受歡迎的古典音樂作曲家之一。貝多芬一生飽受耳聾的折磨，1802年曾寫下海利根施塔特遺書，但最終選擇扼住命運的喉嚨，繼續完成其音樂上的未竟事業。自1814年開始他的聽力急劇下降，於是逐漸放棄了鋼琴演奏和指揮，但卻仍然堅持創作。貝多芬一生共創作了9部交響曲、36首鋼琴奏鳴曲（其中32首帶有編號，1首未完成）、10部小提琴奏鳴曲、16首弦樂四重奏、1部歌劇及2部彌撒曲等等。這些作品無論是在曲式、和聲、以及織體上都有重大創新，對音樂發展有著深遠影響，漢字文化圈因此尊稱貝多芬為「樂聖」。
貝多芬的雙親，左側為父親約翰·范·貝多芬（1740年至1792年），右側為母親瑪麗亞·馬達琳娜·凱維利希（1746年至1787年）
1808年12月22日，維也納河畔劇院裡的聽眾經歷了一場意義非常的音樂會，音樂會長達4小時，曲目全部是貝多芬的作品：
開場先是F大調第六號交響曲《田園》（作品68），再是C大調彌撒裡面的詠嘆調，然後是G大調第四號鋼琴協奏曲（作品58），緊接著是C小調第五號交響曲（作品67），還有《合唱幻想曲》（作品80）。且不論當晚演出的質量，這裡的幾首曲目都是貝多芬曲譜裡有十足分量的作品。好幾部作品在同一晚上首演，其實是貝多芬多管齊下的創作習慣所造成的。當晚，評論家並沒做太多的評論。一年半之後，當時最有影響力的音樂雜誌—萊比錫《音樂廣訊報》裡，作家兼樂評人霍夫曼在第五號交響曲再次上演之後，用浪漫的筆法給了如下的評價：
"強光射穿這個地區的夜幕，同時我們感到了一個徘徊著的巨大暗影，降臨到我們頭上並摧毀了我們內心的一切，除了無盡渴望所帶來的痛——在這種渴望中，本來在歡騰呼聲中燃起的那份喜悅倒下逝去。"
命運交響曲的「命運」動機
在此，c小調再一次在貝多芬筆下表現了強烈的情感掙扎，其強大的張力，綿密不透風的緊張節奏，讓人想起1807年的科里奧蘭序曲（作品62）。整部第五號交響曲出現了前所未有的統一，凝練簡湊而又嚴峻凌厲，頗有概括貝多芬本人性格經歷的含義。前三個樂章壓抑，到了第四樂章方見光明。第一樂章的前四個音符是如此引人注目。據說貝多芬曾說過，那是「命運的敲門聲」，「命運」之名便是由此而來，自此之後更幾乎成了貝多芬的代名詞。不過，與「月光」、「春天」等相同，「命運」亦非正式標題；與在日本和中國出品的不同，歐、美地區的第五號交響曲唱片，都不會標明「命運」這一標題。
1808年，貝多芬進一步失聰，而貝多芬早在1801年寫給一位醫生的信內便表示：
"我要向我的命運挑戰。"
由此觀之，第五號交響曲無異於貝多芬不服輸的精神展現，非常清晰、明確地使聽眾能夠置身處地的去感受作曲者的心境。這種互動，是此前海頓、莫札特都未曾做到的。1830年，歌德在聽過孟德爾頌以鋼琴演奏過此曲之後，說道音樂太「狂野」。白遼士則對這首在法國被上演得最多的交響曲說道：
"在交響曲中他敘述了自己的個人感受，他自己隱蔽的痛苦、鬱積的憤怒，充滿傷心絕望的夢想、夜色底下的景像，還有激情的爆發。"
貝多芬不同時期的樣貌
收集貝多芬畫像
從黑暗迎向光明
貝多芬的創作．走在時代的前端
浪漫主義與啟蒙思想融合為一的創作特色
在貝多芬身處的時代，歐洲已經歷啟蒙運動的理性思維，人民逐漸接受理性思想結果，並積極擁抱浪漫主義所帶來的美好。而貝多芬在創作上亦不斷屢創新局，不以過去各項曲式沿襲下來之規格為滿足，無論是對於各項曲種，他都有著積極革新的態度。並且在創作思想上，可以知道他破除既有之標準與規律之創作，更為音樂創作確立了更多可能性。
雖然耳聾，但貝多芬的內心始終渴望與人交流，因此他傾注內心豐富的感情與作品之中，相信聽過他的作品之後，都會對他能結合理性的曲式與感性的音樂內容，進而引領人們進入他充滿智慧與時代特色之美的各種創作。
另一點具有特色的，是他對大自然的喜愛，更是超脫了啟蒙運動時代對於大自然的認知：因為啟蒙時代認為大自然是沒有生命的機器，如同由許多零件所構成的單調作品，但貝多芬喜愛散步於大自然之中，感受細微的變化，從中領略後內哈為自己的音樂靈感來源。
我要扼住命運的咽喉
貝多芬第五號交響曲的封面。可以看到題獻給洛布科維茨親王以及拉祖莫夫斯基伯爵：
首演
第5號交響曲於1808年12月22日在維也納河畔劇院首演。這場極爲龐大的音樂會所安排的曲目，都是貝多芬新作品的首演，並且由作曲家親自擔當指揮。整場演出時長超過四個小時。
值得一提的一點，是現在習慣的第六號《田園》交響曲，在當天音樂會於上半場首演，而第五號《命運》，當天於下半場首演。因此如果用「首演順序」判斷，其實第五號與第六號之順序應該是對調的。
當天演出節目包括：
（中場休息）
- 「第6號交響曲」（即今日的《命運》）
- C大調彌撒「聖哉經」（Sanctus）、「奉主名而來」（Benedictus）樂章
- 《合唱幻想曲》
首演狀況多多
首演音樂會時的環境與條件並不理想。當時，樂隊沒有演奏好，他們在演奏會前只排演了一次。而《合唱幻想曲》一曲又有演奏者出了差錯，迫使貝多芬停下重新開始。此外，當時演奏廳極冷，觀眾因為節目太長而疲勞。在這樣的背景下，音樂會沒有引起大的反響。不過一年半之後，另一場音樂會卻引起了熱烈的回應和讚美。很快這首交響曲成為了演奏會的重點曲目。
首演場地．十九世紀初的維也納河畔劇院
現代的維也納河畔劇院館內風貌
有趣的音樂會預告
我們絕對有好好準備～
https://youtu.be/TWWSyoTtdMo
四樂章曲式：
第一樂章 First Movement:呈示部 Exposition: |
第二樂章 Second Movement:主題A Theme A — 0:00–0:26 |
第三樂章 Third Movement:詼諧曲 Scherzo — 0:00–1:41 |
第四樂章 Fourth Movement:呈示部 Exposition: |
樂譜影片欣賞
第一樂章
第一樂章 First Movement:呈示部 Exposition: |
https://www.youtube.com/watch?v=yKl4T5BnhOA&list=RDyKl4T5BnhOA&start_radio=1&t=1292s
第二樂章
第二樂章 Second Movement:主題A Theme A — 0:00–0:26 |
https://youtu.be/yKl4T5BnhOA?list=RDyKl4T5BnhOA&t=427
第三樂章
第三樂章 Third Movement:詼諧曲 Scherzo — 0:00–1:41 |
https://youtu.be/yKl4T5BnhOA?list=RDyKl4T5BnhOA&t=997
第四樂章
第四樂章 Fourth Movement:呈示部 Exposition: |
https://youtu.be/yKl4T5BnhOA?list=RDyKl4T5BnhOA&t=1272
指揮 Gerard Schwarz 談貝多芬第五號交響曲
https://youtu.be/c4hZY5h84Wc
貝多芬的助聽器
快樂時間（？）．版本比較
42+1種貝五開頭樂句，地獄式大評比XD
https://youtu.be/ltzWeNyLWn8
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講座內容簡介：
這是個說故事的年代。 電影，是許多人放鬆生活的方式，更是一項高度專業的產業。藉由編導的眼光，配樂家的想像力，還有一段又一段我們所不知道的故事，帶領大眾進入幻想的國度，解放生活壓力，也學習新知... 讓我們跟隨著Sony音樂課程，一起深入探索璀璨的音樂世界～ 許多精彩的電影不但精彩，連配樂之音樂十分講究。 本場次由超人氣音樂欣賞名家林仁斌將為您整理電影中的古典音樂：從電影配樂使用手法到實際範例，第一次聽就上手，從器樂、歌曲到管弦樂樂曲～讓您化身古典音樂達人，盡享音樂世界多重樂趣，輕鬆徜徉古典音樂與電影影像結合之美。
講師簡介
電影《電影配樂傳奇》（Score）海報
在我們的心中 一切都有配樂！
回想我們每日的生活點滴，快樂時你唱些什麼旋律？憂傷時你想奢什麼音樂？面對每一種情緒，幾乎我們心中都有著屬於自己的配樂，只是需要時間與自己相處，慢慢衝新發覺這些美好的內心聲音～
快樂泉源 來自腦部
音樂的面向極其廣闊，也間接影響我們腦部活動很大。（26'44"）
不同的音樂刺激腦部不同的地方：例如旋律類型的音樂，或是節奏速度相關類型的音樂，又會由不同的中樞系統接收；我們的身體則會對這些音樂做出反應（例如雞皮疙瘩等等身體自然反應）。而最有趣的是我們腦袋中名為「腹側紋狀體」以及「伏隔核」的地方，以功能上來說是人體的「獎賞中樞」。平常我們做出讓身體愉悅的事情（例如吃巧克力，或是性方面的愉悅）時，大腦的「獎賞中樞」會產生反應，分泌出「多巴胺」，給予人們愉快的感受。而相同的大腦反應，也會在我們聽音樂時出現～奇妙吧！
不一定每個人欣賞電影的過程中，都會百分百留意每一段音樂的出現與配樂者的處理；但不約而同地，我們幾乎都會對電影中的震撼場景、最感人之處留下深刻印象，其實...這往往是音樂在我們大腦裡所埋下的種子。（27'55"）
你的眼球動得快嗎？
我們看一部90分鐘的電影，（30'52"），眼睛大約會動兩萬一千次，或甚至更多。
儘管我們以為自己可以控制要看什麼地方，但根據許多眼睛研究專家的研究顯示，其實我們觀賞影片時，眼睛經常看著螢幕上相同固定的地方。眼睛則需要被引導，才會開始看向畫面不同的地方，而這些「正確的引導」，音樂更是與影像相互合作，發揮了極大的作用。
舉例：上升的畫面，搭配上行音階之音樂；下降的畫面，搭配下行音階音樂。
談電影音樂三大類型：
ㄧ、原創音樂（Original Music）
電影《天外奇蹟》（UP）
當聽覺藝術與視覺藝術完美結合時，就是電影那一刻永遠停留的心跳聲。（30'52"）
https://youtu.be/KrtoqIpQXkY
二、非原創音樂（Non Original Music）
在電影《第六感生死戀》中，引用了「正義兄弟合唱團」（The Righteous Brothers）1965年全美排行第4名的抒情經典歌曲《奔放的旋律》（Unchained Melody），詮釋男女主角跨越人鬼的戀情，當時讓者首老歌重新造成轟動。
https://youtu.be/soP0r6N7_2g
張學友演唱《李香蘭》歌曲 ⟨秋意濃⟩，由松井五郎 作詞，玉置浩二 作曲。原曲為《不要走》（行かないで），是日本 富士電視台播出30年紀念電視劇《再見李香蘭》主題歌曲，收錄在歌手玉置浩二第五張個人專輯。
張學友現場演唱版：
https://youtu.be/lo4F-RRyD94?t=65
https://youtu.be/lz8zjlWqgH0
日語原創 - 玉置浩二原唱版
https://youtu.be/gJoALEVeLNY
玉置浩二 香港 Live'
https://youtu.be/Sq9kzilICos
三、來源音樂（Source Music）
「來源音樂」（Source Music）用在劇情中出現真正聲音來源，必須取信於觀眾時。因此主要為寫實，聲音均出自電影演員或現場。
電影《海上鋼琴師》（1900）中的錄音片段，既是「原創音樂」，也是「來源音樂」，因此份外動人：
https://youtu.be/MUIgReYNMac
電影《海上鋼琴師》（1900）經典的海上鬥琴片段：
https://youtu.be/7BIpuOUz0GE
電影《第五元素》
藍色橡皮外星人登場，看似突兀，但一開口就是美聲：歌曲前半段詠嘆調，改編自由義大利美聲歌劇作家董尼采第（Gaetano Donizetti）原創的美聲歌劇《拉美默的露琪亞》（Lucia di Lammermoor）第 3 幕第 2 場 之「瘋狂場景」：《艾德卡爾多！那柔和的聲音》（Oh, giusto cielo!…Il dolce suono），後半段則以誇張不可思議之音域，重現人類不可能達到之「夢幻花腔」，堪稱影史經典：
https://youtu.be/a7Dh5QoXv2c
電影《英倫情人》（The English Patient）
茱麗葉畢諾許發現了一架廢墟裡的斷腳鋼琴，但她開心地彈起巴赫《郭德堡變奏曲》中的音樂，讓我們對於電影中的實境有了鮮明的感受，更加融入劇中的人物情境與劇情：
https://youtu.be/JP2qaeja6bM
電影中的古典音樂
知名的古典音樂歷史短片
7分鐘護一生，不是啦～是7分鐘通曉古典音樂史😘
https://youtu.be/zzM1-wWXCoY
好的～就讓我們開始今天的內容吧：
《阿瑪迪斯》莫札特
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《阿瑪迪斯》（英語：Amadeus，中國大陸、香港譯《莫扎特傳》）是美國導演米洛斯·福曼於1984年所執導的電影，編劇是英國劇作家彼得·謝弗爵士，改編自謝弗於1979年的舞台劇《Amadeus》。描述音樂神童沃爾夫岡·阿瑪迪斯·莫札特傳奇的一生。
《阿瑪迪斯》於1985年獲得奧斯卡獎八項大獎，包括最佳影片獎、最佳導演獎和最佳男主角獎。1998年，美國電影學會將本片列為AFI百年百大電影中的第53位。
《土耳其進行曲》＋電影選粹
https://youtu.be/Cy10pGVmc20
趣味演繹 莫札特《魔笛》夜后詠嘆調： ‹復仇的怒火在我心中燃燒› 由來
https://youtu.be/fQdn8IoDgXs
《阿瑪迪斯》薩里耶里說著與莫札特的心結
https://youtu.be/j9NG_NPLktA
《阿瑪迪斯》莫札特病重之際，與薩里耶里合作譜寫遺作《安魂曲》場景
https://youtu.be/USe-wZ0AOQQ
電影：蜜蜂與遠雷
延伸閱讀：【BON音樂】日本獲獎無數小說改編音樂電影《蜜蜂與遠雷》介紹
動人的《月光主題》四手聯彈
電影《蜜蜂與遠雷》透過四位主角：亞夜、馬薩爾、風間塵、明石四位角色在日本國際鋼琴大賽中的互相競爭與合作，探討音樂的真正本質與其對人的代表意義
明石的溫暖，也體現在賽後主動協助亞夜找到練琴的鋼琴工廠，間接讓尾隨而來的風間塵，能與亞夜來了一段即興鋼琴四手聯彈。
就在這一幕，明石間接帶動了亞夜與風間塵兩人想立即彈琴的心情，在鋼琴工廠裡這段以「月光主題」的四手聯彈。
從德布西《月光》出發，再進入 Nat King Cole 《It’s Only a Paper Moon》，再帶到貝多芬《月光》，連續三首都與月亮相關～更是讓人感受到音樂編曲的用心，拍攝更是以Low key極弱光線照亮兩位主角，我覺得這段攝影美極了，尤其是導演對於光線的運用。
如同電影《蜜蜂與遠雷》小說裡提到的蜜蜂振翅聲音，我們能否能通過樂音聽見來自世間萬物的鳴響？
電影《羅馬浴場》
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
古羅馬人建造了無數大大小小的公共浴場，各具規模，每個浴場有熱水廳、溫水廳和冷水廳三部分，大型的公共浴場甚至可供一、兩千人同時入浴，還附有休息、娛樂和運動的空間。可見羅馬浴場不僅僅是用來洗澡而已，更是社交與休閒娛樂的重要場所，同時也展現了古羅馬人的建築智慧與藝術美感。
古羅馬人愛泡澡，一天之中除了工作之外，剩下的時間用來吃飯、睡覺和泡澡：泡澡之於羅馬人，幾乎是生活不可或缺的事。
因此這部電影，便是同名漫畫《羅馬浴場》做為基礎，真人化再加上大量特效與古典音樂，成為了超級賣座片～
https://youtu.be/e8TjF_GCvZ8
從漫畫談起
《羅馬浴場》（日語：テルマエ・ロマエ）是日本漫畫家山崎麻里的日本漫畫作品。原在《Comic Beam》（Enterbrain）上進行不定期連載，自2010年4月開始改為定期連載。
本作《羅馬浴場》於2010年獲第三屆的漫畫大獎。同年，又以《羅馬浴場》獲第14屆手塚治虫文化獎短篇獎。2010年度「漫畫大獎」[6]、2011年度「《這本漫畫真厲害！》少年漫畫第2名」以及2011年度「全國書店店員推薦漫畫第3名」等榮譽。
從希臘文化到羅馬文化
https://youtu.be/-9_tcJw7iiM
電影版
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
2012年公布《羅馬浴場》改編為電影的消息，主演阿部寬、上戶彩。
《羅馬浴場》由擅長改編漫畫作品的武內英樹執導，武內導演不但完美重現漫畫中輕鬆搞笑的風格，更將大膽誇張的手法自然融入劇情中，並且與電影《電車男》編劇武藤將吾再度合作，精準觸及觀眾的笑點。《羅馬浴場》找來身高189公分，輪廓深邃的阿部寬飾演古代羅馬人，原著漫畫的一大笑點即是古羅馬人認真的對現代日本的一切事物感到驚奇和不解，光看預告中阿部寬嚴肅的瞪大眼睛陷入沉思的搞笑畫面，就能確定電影版完全能忠實的把漫畫中最獨特、最精髓的笑點表現出來，透過阿部寬的演出甚至還增添了更多的樂趣。
登場人物
| 演員 | 粵語配音 | 角色 | 備註 |
| 阿部寬 | 陳欣 | 路西斯·昆特斯·慕德斯特（Lucius Quintus Modestus） | 古羅馬的澡堂建築家。 |
| 上戶彩 | 曾佩儀 | 山越真實 | 個性迷糊的漫畫家。 |
| 北村一輝 | 潘文柏 | 魯奇烏斯·凱歐尼烏斯·康茂德 | 哈德良養子。皇帝候選人。 |
| 市村正親 | 朱子聰 | 普布里烏斯·埃里烏斯·哈德良安努斯 | 古羅馬第14代皇帝。 |
| 宍戶開 | 陳卓智 | 安敦尼奧·派阿斯 | 哈德良後即位之羅馬皇帝。 |
| 笹野高史 | 招世亮 | 山越修造 | 真實的父親。 |
| 木村綠子 | 雷碧娜 | 山越由美 | 真實的母親。 |
| 竹內力 | 葉振聲 | 館 野 | 山越旅館的常客。 |
故事
在古羅馬時代，去澡堂放鬆心情是最流行的文化，也是當時最重要的社交場所。對工作充滿熱誠的澡堂建築師路西斯（阿部寬 飾），時常感嘆羅馬的澡堂缺乏新意，但自己卻苦無靈感，在某次意外後，在工作上遇到挫折的浴場設計師路西斯因為不明的原因穿越到現代的日本，與家中經營溫泉的日本女性山越真實（上戶彩 飾）相遇，路西斯對日本的溫泉文化和現代的衛浴設施大為訝異，便將這樣的設計運用在古羅馬時代。他竟然能穿梭於古代羅馬和現代日本的澡堂之間，一切嶄新的現代澡堂技術都超乎路西斯的想像，擁有高度澡堂文明的「扁臉族」（日本人）更是震撼路西斯的心靈，在時代的衝擊和文化的差異下，路西斯從日本澡堂中獲得許多靈感，回到古羅馬時代，將所見所聞應用在浴場的設計上，例如在浴場裝飾維蘇威火山大型壁畫，泡澡時的清涼飲品、溫泉蛋，家庭用的簡單浴室、抽水馬桶……等。路西斯透過一次又一次往來於現代與未來間，建造出許多新潮又風格獨具的浴場，不但成為全國知名的建築師，更成為皇帝身邊的紅人。
故事中最有趣的部分，還有路西斯來到現代日本，一次又一次地感受到文明的巨大衝擊。
因為穿越場所僅限於浴池，所以路西斯總是光溜溜地出現在日本人面前，有時在澡堂，有時在浴缸，還有出現在戶外溫泉。
第一次穿越，見到溫泉中洗浴的老人們時～路西斯以為這些「扁臉族」都是奴隸，身為優越的羅馬帝國子民，一方面瞧不起他們，一方面又驚訝於竟有如此厲害的技術與巧思。
路西斯那驚嚇、享受又掙扎的表情，生動極了！還有他內心不斷冒出的OS：「我身為羅馬人的驕傲又動搖了」，一臉正經，卻讓人莫名發笑。
當他首次「體驗」到現代科技帶來的便利時，流下了男兒感動之淚
《羅馬浴場》的衛浴賣場片段
https://youtu.be/8hHu0A6Hueo?t=1921
進入主題：與古典音樂的美妙連結
（整理劇情與音樂之連結，並附超連結方便蹦友們欣賞喔😘）
| 電影場景 | 音樂使用 |
| 路西斯首次在羅馬澡堂穿越時空，抵達現代日本大眾澡堂的穿越配樂 | 威爾第：歌劇《阿依達》第三幕，<叛徒>（Traditor） |
| 路西斯首次穿越時空，從日本回到羅馬，成功地建造出嶄新創意的大浴場 | 威爾第：歌劇《弄臣》第三幕，<善變的女人>（La Donna e mobile ） |
| 路西斯首次從羅馬澡堂穿越時空，抵達日本總編家的個人浴室，幫總編父親洗澡 | 威爾第：歌劇《阿依達》第三幕，<叛徒>（Traditor） |
| 路西斯第三次穿越時空到女主角工作的衛浴賣場，坐在馬桶上，馬桶自動播放音樂，路西斯使用自動噴水功能，感動落淚 | 舒伯特：《聖母頌》（Ave Maria） |
| 羅馬皇帝哈德良因男寵愛人安蒂諾斯於過世埃及尼羅河畔意外身亡，皇帝思念愛人無暇公務 | 佛瑞：合唱曲《拉希內贊歌》（Cantique de Jean Racine） |
| 路西斯第四次穿越時空，誤闖了日本東北地區陽具崇拜信仰「金精神」祭典，被誤以為是「金精神」本尊，信眾撲倒他，導致再次穿越時空，來到女主角山越真實正在相親約會的動物園鱷魚池中，兩人再次相遇 | 普契尼：歌劇《托斯卡》（Tosca）第三幕，<快點，快起來，馬力歐、馬力歐>（Presto! Su, Mario! Mario!） |
| 路西斯拿著香蕉與女主角山越真實在溫泉街中散步，猴子卻突然出現，將路西斯手中的香蕉搶走 | 威爾第：《安魂曲》（Requiem），<神怒之日>（Dies Irea） |
| 路西斯追著野猴來到河邊，卻間接發現露天溫泉，並了解的露天泉的設計方式。看到在河中出現的香蕉皮浮出，跳入河中企圖揀取香蕉皮。 | 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<請憐憫我的痛苦>（Pieta Ti Prenda del Mio Dolor） |
| 心中愛慕的路西斯的女主角山越真實，倒在路西斯懷中，與他一同穿越到古羅馬場景 | 普契尼：歌劇《蝴蝶夫人》（Madame Butterfly）第二幕，<美好的一日>（Un del di） |
| 路西斯拒絕皇帝哈德良提出為養子凱奧尼斯建造浴場的要求，讓哈德良震怒 | 威爾第：《安魂曲》（Requiem），<威嚴赫赫的君王>（Rex tremendae） |
| 路西斯無意間得知凱奧尼斯不願意神格化哈德良，被凱奧尼斯指出自己的設計與創意皆來自抄襲，獨自一人在街頭鬱鬱寡歡，女主角山越真實找到他並安慰。 | 普契尼：歌劇《托斯卡》（Tosca）第二幕，<今夜星光燦爛>（E lucevan le stelle） |
| 在女主角山越真實家中的溫泉旅館，五位老人也穿越了時空，巧合地與山越真實與路西斯重逢。一行人認真地討論要如何在戰地建造暖坑為士兵們療傷，並延伸為建造戰地溫泉等一系列場景。（共使用四段音樂） | 1. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<兒童黑奴之舞>（Danza di Piccoli Schiavi）
2. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<就讓花朵與桂冠>（Pieta Ti Prenda del Mio Dolor） 3. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<祖國乃神聖之地>（Gloria All'Egitto, Ad Iside） 4. 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<榮耀祖國>（Gloria All'Egitto） |
| 羅馬這邊戰爭終於結束，日出的燦爛陽光照耀著戰場與傷亡者，也照耀著在溫泉療養所中所有慶賀戰爭勝利的羅馬人 | 普契尼：歌劇《西部少女》（La fanciulla del West）第三幕，<就讓她以為我已經自由遠走>（Ch'ella mi creda） |
| 山越真實與路西斯在夜晚的營火前互訴心事，確認了彼此的心意 | 普契尼：歌劇《蝴蝶夫人》（Madame Butterfly）第二幕，<美好的一日>（Un del di） |
| 山越真實平安回到現代日本，看著天空，場景逐漸轉換到古代羅馬慶典，慶祝戰爭勝利。皇帝哈德良表彰路西斯於戰爭期間之傑出貢獻。 | 普契尼：歌劇《杜蘭朵公主》（Turandot）第三幕，<今夜無人能眠>（Nessum dorma） |
| 劇終前以字幕呈現主要角色哈德良、凱奧尼斯與路西斯之後續。 | 威爾第：歌劇《唐卡羅》第三幕，<歡喜之日突然到來>（Spuntato ecco il di d'esultanza） |
| 電影劇終。片尾字幕。 | 威爾第：歌劇《阿依達》第二幕，<榮耀祖國>（Gloria All'Egitto） |
電影版在日本創下的輝煌紀錄
《絕代艷姬》：Farinelli、Handel
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
法里內利（義大利語：Farinelli）（1705年1月24日－1782年9月16日），原名卡洛爾·瑪利亞·布羅斯基（Carlo Maria Broschi），為十八世紀義大利著名閹伶。
生長於那不勒斯，唱假女高音，號稱「女神的顫音」。 先從尼古拉·波爾波拉學唱，後拜Bernachi為師。 1733年在倫敦演唱，被譽為「一個上帝、一個法里內利」（One God, One Farnelli），其生平事跡被拍成電影《絕代艷姬》（Farinelli ），電影原聲裡的法里內利，聲音其實是透過電腦科技，融合了一位假聲男高音與女中音的音色，重新混音模擬出這種現代人難以唱出的獨特音質。
1712年，法里內利的哥哥里卡多·布羅斯基進入聖雷多聖母堂音樂學院（那不勒斯音樂學院前身之一）學習作曲。作為童聲就天賦難掩的法里內利被引薦給那不勒斯最著名的聲樂老師,巴洛克作曲家尼古拉·波爾波拉。波爾波拉的弟子包括眾多著名閹伶（Felice Salimbeni, Gaetano Majorano）和女歌唱家(Regina Mingotti, Vittoria Tesi)。
1717年，法里內利的父親年僅36歲突然離世。也許是因為失去了家庭經濟來源的保障，法里內利被閹割，以保存完美的嗓音。此決定通常被認為是由他的哥哥所作（通俗演義中甚至被描繪為他的哥哥親手執行）。即使在當時，手術也需要一個掩人耳目的理由——在電影中則歸咎為一次墜馬事故。
電影預告片
https://youtu.be/nbX2diR9b4U
韓德爾歌劇《Rinaldo》裡知名詠嘆調
Handel «Rinaldo» – “Lascia ch’io pianga”（讓我哭泣）
https://youtu.be/645ayYMgTcE
這是一首哀傷 悲嘆的歌曲 選自韓德爾 "Rinaldo" 的詠嘆調 是許多聲樂家喜歡演唱的歌曲之一，歌詞內容描寫被魔女阿米達軟禁在魔法園中純真無邪的阿米瑞娜對異國國王哥弗里多演唱的詠嘆調。 Lascia ch'io pianga 讓我哭泣吧 Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, 讓我為自己悲慘的命運哭泣， E che sospiri la libertà！而我渴望自由！ E che sospiri, 我渴望， e che sospiri la libertà！我渴望自由！ Lascia ch'io pianga mia cruda sorte, 讓我為我悲慘的命運哭泣， E che sospiri la libertà！而我渴望自由！ Il duolo infranga queste ritorte de miei martiri sol per pietà, 這場爭鬥模糊了我所遭逢的許多痛苦， de miei martiri sol per pietà. 我祈求我的痛苦能獲得仁慈的解脫。 E che sospiri la libertà！而我渴望自由！
次女高音 Joyce Didonado 演唱版本
Handel «Rinaldo» – “Lascia ch’io pianga”（讓我哭泣）
https://youtu.be/PrJTmpt43hg
Joyce Didonado 現場 Live'
https://youtu.be/oJJnhp2CYnk
真實歷史上「閹人歌手」
亞歷山德羅·莫雷斯基（Alessandro Moreschi (1858-1922)）為19世紀末的義大利閹伶歌手，他也是歷史上唯一一位留下錄音的的閹伶歌手。
錄音：The Last Castrato: "Crucifixus"
https://youtu.be/2xirGtxdVEE
《遠離非洲》
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《遠離非洲》（英語：Out of Africa）是1985年出品的美國電影，導演是薛尼·波勒，主演勞勃·瑞福、梅莉·史翠普和Klaus Maria Brandauer。
該片先後獲得過28個電影獎，其中包括奧斯卡金像獎的七項獎。
《遠離非洲》電影根據丹麥女作家凱倫畢斯的小說改編，故事的時空背景是1920年代的東非，故事的重心在於她在非洲的愛情遭遇與生活。曾經於非洲居住短暫的歲月中，有兩個男人對她影響很大，一個是她丈夫波爾，一個是她的情人丹尼斯。
波爾給了她承諾卻根本不想遵守，她從丈夫身上獲得的只是一紙婚姻證書、男爵夫人的名號以及差點要她命的梅毒；丹尼斯從不給她任何承諾，但是卻給了真愛、自由以及如何以更寬廣的眼光來看這個世界。
遠離非洲－Out of Africa
內容描寫文字非常動人，取自張晚Youtube影片
丹麥優渥家庭出身的凱倫， 操煩即將晉升為大齡剩女， 決意完成一場財富與名銜的交易婚姻， 下嫁予同溫層友朋瑞典布列克森男爵。 兩人連袂遠赴非洲 開拓新事業與新生活。 不過，她顯然缺乏管理長才， 她的丈夫則更樂於追逐其他異性或是動物， 經營婚姻與經營咖啡園 都注定將付之一炬以失敗告終。 唯一留下記憶的只有那塊 廣袤、無垠的沉睡大陸 以及在土地上奔疾馳聘的一個身影。 他叫丹尼斯，熱愛打獵和莫札特， 他曾允諾：總有一天要帶她比翼飛行。 那個允諾，很快便實現⋯⋯ 而關於這一段翱翔的往事， 將由我用贅筆再謄寫一遍。 雙翼飛機像隻炫耀的大黃蜂， 嗡嗡嘈嘈地降落。 彷彿孩子發現隱匿的禮物， 她忍不住興奮地打聽： 『你在哪買下了它？』 『蒙巴沙！』 他扶她登機， 她又質疑地轉身詢問： 『你幾時學會了飛行？』 『昨天！』 簡單的答案， 讓她來不及回神地吃驚。 唯在起飛的瞬間， 她因涉險而害怕的表情， 迅即為好奇的快樂取代。 大黃蜂鬧哄哄地冉冉上昇， 由單簧管鄭重而神秘的低音 為他們的巡禮揭開序曲。 溯流前往，兩岸蔥蘢羅列的 是向大自然致敬的植被隊伍。 塔納河猶如巨蠎蜿蜒， 緩緩蠕動的碧鱗在烈日下光燦閃耀。 他們穿越山顛，遙見瀑布水從天來。 那是太白『飛流直下三千尺， 疑是銀河落九天。』的寫照。 他們滑入荒野，俯瞰草原一望無際。 那是謫仙『山隨平野盡， 江入大荒流。』的境界。 他們不懂，只能在背景裡 用聖樂般的和弦讚美造物。 他們在東非大地塹的懸崖邊緣翻騰嬉戲， 在阿伯德爾草原上， 依循動物遷徙的路線， 他們與萬蹄撼動的羚羊長跑。 繞過背蔭的幽谷。 在納古魯湖心， 探訪水鳥生養的棲所， 他們與千羽幻化的火鶴共舞。 終於，早已蓄勢待發的眾聲齊鳴， 雍容、優雅的主旋律響徹晴空。 他們面迎驕陽， 他們直上凌霄。 在天地悠悠之間， 澎湃、洶湧的心情讓她泫然欲泣。 她把手揚起，託付給他， 她要他緊緊地握住， 在死生契闊之間。 穿透亂雲堆雪的層層迷障， 此際，樂曲停歇，大音希聲。 唯獨恍若天籟的風吹相送。 他們正無念無悔地飛向 自己的天堂。 在電影中， 他迷上她 天馬行空的奇幻故事， 也害怕講述故事的她之需索羈絆； 她戀上他， 豹隱淡泊的直覺本能， 也恐懼如許本能的他之自由來去。 結局是：答應替凱倫送行的丹尼斯 用飛機失事做了永別。 這樣地安排 其實蠻好！ 酷嗜狩獵的他， 埋骨高坡，獅子一般俯視著他的莽莽草原； 愛說故事的她， 賦歸原鄉，青鳥似地詠嘆著她的文學篇章。
https://youtu.be/qHByIVrrkDo
莫札特《豎笛協奏曲》
https://youtu.be/8muh5tvnCC0
隨著莫札特的音樂起飛．空瞰非洲之壯麗
片中最浪漫感人的一幕是丹尼斯駕著飛機載著凱倫在非洲大草原上翱翔，這場戲不僅是《遠離非洲》電影最浪漫之橋段，亦讓觀眾帶著浪漫愉悅的心情欣賞非洲草原遼闊的自然美景。
https://youtu.be/sPIAtkd3Wpk
而約翰貝瑞的配樂裡，除了自己的創作之外，中協調地引用了莫札特的《單簧管協奏曲》的慢板部分，古今結合，深情悠遠，烘托出影片再現女主角陳年往事的懷舊氣氛。《遠離非洲》的配樂音樂2005年被列入《AFI百年百大電影配樂》，被譽為美國電影音樂作品的經典。
https://youtu.be/zTzZiqv4vw0
《永遠的愛人》：貝多芬
貝多芬終身未婚，但藉由死後於抽屜裡發現的三封未發出信件，上面僅署名致我「永遠的愛人」（Immortal Beloved）。導演藉由這三封信，以倒敘手法引導觀眾去尋找貝多芬的「秘密情人」。到底是：
一、富商之女茱麗亞
二、是匈牙利女公爵安娜
還是影片以偵探手法一步步「證明」的「永遠的愛人」：喬安娜—貝多芬的弟媳婦～一位被認爲聲名狼籍的女人呢？電影只是電影，但貝多芬卻是音樂史上永遠的樂聖。
影片預告
https://youtu.be/e2ql5wODeMY
《月光》鋼琴奏鳴曲場景
Immortal Beloved Moonlight Sonata Scene
電影中，貝多芬在茱麗亞家中，打開新琴的琴蓋，耳朶貼近鋼琴未掀的面板，閉上眼睛全心感受聲波的振動，手指間漸漸流洩出來的，正是《月光》奏鳴曲的第一樂章。
https://youtu.be/524VlYD0PVw
《皇帝》鋼琴協奏曲 場景
https://www.youtube.com/watch?v=BF1Sd_blb8U
《快樂頌》：貝多芬
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《快樂頌》（英語：Copying Beethoven），關於樂聖貝多芬的虛構傳記電影，描寫他晚年創作《第九交響曲》時的遭遇。本片由波蘭導演安格妮茲卡·賀蘭執導，兩位編劇兼任製片，2006年11月10日由米高梅公司發行上映，於2007年4月30日發行DVD。
1824年，樂聖貝多芬正在趕工完成新作。這些年來，他孤家寡人，飽受感情創傷，耳疾折磨，距離上次創作出受眾人激賞的作品已有年月[1]。在作品完成的最後階段，貝多芬的御用抄譜員不幸病入膏肓，缺少深通樂理的抄譜員，演奏時樂團勢將無譜可奏。安娜是音樂學院推薦的女抄譜員，胸懷大志，希望藉由這次機會讓貝多芬品評她的創作。脾性狂躁的貝多芬起初懷疑女子能否有才擔此大任，在隨後的相處中，他不只慢慢依賴安娜的幫助，還對安娜產生好感，到最後，安娜成為貝多芬生命中不可忽視的存在，開啟了他心底的那扇門窗。
電影預告
https://youtu.be/Zj7_LoZm_MQ
最終場景：第九號交響曲之首演
https://youtu.be/Xkj0TeZeZuo
《戰地琴人》
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《戰地琴人》（英語：The Pianist），羅曼·波蘭斯基導演的以納粹德國侵略波蘭並進攻華沙為背景，主要反映波蘭猶太人遭遇的故事片。電影取材來自波蘭猶太作曲家和鋼琴家華迪史洛·史匹曼的回憶錄。
2002年，《戰地琴人》獲得法國坎城影展最高榮譽金棕櫚獎。2003年，《戰地琴人》又奪得三項奧斯卡大獎，包括最佳導演、最佳男主角和最佳改編劇本獎。
史匹曼的鋼琴生涯始於華沙音樂學院，1931年受邀到德國柏林藝術學院學習[1]。1933年希特勒掌權後，史匹曼回到華沙，很快成為一位著名的鋼琴家和作曲家。
1935年4月1日，史匹曼加入波蘭電台，表演古典音樂和爵士音樂，直到1939年9月德國入侵波蘭華沙。納粹政府在華沙在內的很多波蘭城市成立了猶太人居住區，史匹曼和家人的公寓也在其中[2]。為了勉強支持一家六口的生計（父母、兩個姐姐、一個弟弟和他本人），史匹曼在猶太區的一間餐廳繼續彈奏鋼琴。1942年，史匹曼的其餘家人被送至特雷布林卡集中營，在毒氣室被殺害，史匹曼則艱苦的四處躲藏努力求生，期間亦接受過對猶太人深感同情的德軍軍官威爾姆·歐森菲德的援助。而二戰結束時，史匹曼全家只有史匹曼一人奇蹟似的存活下來。
蕭邦夜曲/敘事曲
https://youtu.be/jTkKMRHQAKA
蕭邦：第一號敘事曲 場景
https://youtu.be/aS4YDuTfJ7Y
影片男主角 Wladyslaw Szpilman 真實演奏
https://youtu.be/mWOL_58-qF4
《鋼琴師》（Shine）
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《鋼琴師》（Shine）是一部1996年澳洲傳記劇情片，根據患上躁鬱症精神疾病的澳洲鋼琴家大衛·赫夫考的生平改編而成。史考特·希克斯執導，Jan Sardi編劇。扮演成年赫夫考的傑弗瑞·拉什憑藉其精彩演出獲得金球獎、英國學院獎和奧斯卡最佳男主角獎。
大衛從小就在父親皮特的嚴厲教導下練習鋼琴並取得優異的成績。還被當地的鋼琴家羅斯發掘才能並親自輔導。年少的大衛想去美國留學，然而其父卻拒絕其子離家出國。到了青年時期，大衛受到澳洲女性小說家Katharine Susannah Prichard的親密對待和資助，大衛終於獲得來自倫敦的皇家音樂學院的獎學金，在凱薩琳女士的鼓勵下，大衛不顧父親的阻撓執意出國留學，生氣的父親發誓要與其斷絕一切關係。
到了皇家學院，大衛受到專業教師的指導，並在一次鋼琴比賽中演奏其父從小就想讓他演奏的異常難演的拉赫瑪尼諾夫創作的第3鋼琴協奏曲，雖然他的演出獲得聽眾的熱烈喝彩，其精神狀態卻在長時間的演奏中變得越來越焦躁，並在表演結束時頭部著地受傷導致其患上精神疾病。此後他在精神病醫院並接受過電痙攣療法治療。
回到澳洲後，其父還是拒絕接納他。大衛病情發作繼續受到心理治療，幾年後他遇到一個女性義工吉莉安的治療，吉莉安發現他比一般病人需要更多耐心細心的治療。大衛儘管受到疾病的困擾，內心仍然渴望演奏鋼琴，終於在一家餐廳里盡力為大家演奏，並收穫聽眾的喝彩。最終大衛與吉莉安相愛並結婚，在對方的幫助下，大衛也逐漸重新走入公眾視野，在演奏大廳為聽眾表演。最後兩人來到大衛父親的墓地看望之，並期待著美好的明天。
酒館裡《大黃蜂的飛行》場景
https://youtu.be/8_p6-cAMr_g
拉赫曼尼諾夫《第三號鋼琴協奏曲》場景
https://www.youtube.com/watch?v=N29WamXg4pY
《琴戀克拉拉》：舒曼、布拉姆斯
（電影解說整理自網路）
本片是素有「德國新電影教母」美譽的賀瑪桑德斯布拉姆斯的最新代表作，電影敘述音樂史上最著名的一段三角戀，也就是德國三大音樂家布拉姆斯、舒曼以及舒曼的妻子克拉拉，三人纏戀了一生的愛情。這不但是這段當年最轟動的「八卦」，首度被搬上大銀幕，而拍攝此片的導演桑德斯布拉姆斯更是布拉姆斯家族的後人，她會如何講述自己先人的這段緋聞，也使這部電影令人矚目。
1854年，就在舒曼投河後不久，布拉姆斯寫了一封信給姚阿幸，信中提到：「我想我已經愛上她了，我克制著不要把手放在她的肩上……然而她卻對這個自然的舉動絲毫不介意。我想我是不可能再愛上其他年輕女子了，至少我腦海裡想的都不是她們。或許她們能許諾我一個天堂，但克拉拉，她早已將天堂展現在我面前。」
在舒曼過世後不久，克拉拉曾寫信告訴子女，如此描寫布拉姆斯：「他就像是一位真摯的朋友，他分攤了我所有的憂傷，挺住了我瀕臨破碎的心，振奮了我的精神，也照亮了我的靈魂」。
電影預告
https://youtu.be/HOri3L9KUDY
《似曾相識》
（電影解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
《似曾相識》（Somewhere In Time），是1980年吉諾特·茲瓦克執導的浪漫奇幻電影。改編自理察·麥瑟森1975年小說《重返的時刻》（Bid Time Return）。獲第53屆奧斯卡最佳服裝設計獎提名及第38屆金球獎最佳原創音樂獎提名。
電影在發行之初並不賣座，就連導演吉諾特·茲瓦克後來也不得不承認，儘管他與全體製作人員都對這部片有莫大期望，《似曾相識》的票房以及獎項都曾令他感到難過。當時影片試映時，並沒有受到觀眾的愛戴，所以也就沒辦法在戲院播放。
事隔多年，這部影片無意間被一個電視台高層工作者發現了，他給這段動人的愛情故事深深打動，於是將之在有線頻道播放，結果觀眾反應熱烈。《似曾相識》這部差點被埋沒的好片子就這樣重見天日，成為經典電影。
拉赫曼尼諾夫《帕格尼尼主題狂想曲》
https://youtu.be/h4N1mxN5JbU
電影主題：⟨Somewhere in Time⟩
https://youtu.be/bhahbyEjFPw
《紅色小提琴》
（電影解說整理自網路）
十七世紀的義大利小提琴製造大師尼可洛布索提（卡羅榭奇 飾），趕製他這一生中最得意的作品，作為兒子誕生時的見面禮，沒想到妻兒都難產而死，他為了追念亡妻，努力製作一把絕無僅有的小提琴，於是傳說中的紅色小提琴誕生。
這把小提琴被奧地利的一家修道院買去，輾轉傳到孤兒卡斯柏威斯手中，法國音樂大師喬治普桑（尚盧比度）決定調教他，卡斯柏威斯苦練多時，卻在演奏時身亡，小提琴因而成為陪葬品，沒想到又被盜墓者偷出，重現見日。
1893年黑髮吉普賽美麗女子，在家人面前演奏古老樂曲，優揚的樂聲引來了鬼才作曲家兼小提琴樂師的腓特烈波普（傑生富萊明 飾），用交換條件得到這把小提琴。後來因為女友死亡，腓特烈也自殺了。他的男僕帶著紅色小提琴回到上海，並當了小提琴，小提琴在當鋪躺了幾十年，直到一位婦人將它買下送給她的女兒項蓓。1965年，項蓓捲入中國文化大革命的旋渦中，她推動的文化革命運動獲得黨中央的讚賞，但黨卻禁止使用小提琴，項蓓因而忍痛與小提琴分離。
文化大革命後，中共當局對這位音樂老師的貢獻給予正面評價，並將紅色小提琴送到蒙特婁拍賣，小提琴鑑定師查爾斯摩里茲（山繆傑克森 飾）一眼就看中了不起眼的紅色小提琴，並查出這把小提琴就是十七世紀布索提的畢生傑作，而小提琴的色漆正是來自布索提的亡妻。
這個消息迅速為人所知後，蒙特婁的拍賣會場擠得水泄不通，奧地利修道院的代表、中國的商人、英國波普家族都來搶購這把紅色小提琴，究竟這把紅色小提琴最後花落誰家，未來的命運會如何，三百年前便依附在這把紅色小提琴上的預言又是否會到此為止呢？
電影預告
https://youtu.be/3feDUcDRNAg
Kaspar 場景
https://youtu.be/hbh9X2pt1IM
Frederick Pope 炫技獨奏音樂會場景
https://youtu.be/lvD6coI0DEw
約書亞貝爾現場演繹
https://youtu.be/oto-PQ9iKE0
《魂斷威尼斯》
（電影解說整理自網路）
《魂斷威尼斯》（義大利語：Morte a Venezia，英語：Death in Venice）是一套1971年首映的義大利電影，由盧奇諾·維斯孔蒂執導，狄·保加第（Dirk Bogarde）及伯恩·安德森等主演。此片亦是是維斯孔蒂「德國三部曲」中的第二部。
故事改編自托馬斯·曼的同名小說《威尼斯之死》，描述一位中年作曲家在威尼斯度假時的經歷。
延伸閱讀：
https://news.readmoo.com/2015/10/21/der-tod-in-venedig/
馬勒第五號交響曲 慢板
電影預告
https://www.youtube.com/watch?v=-pxn49yWVJk&t=26s
電影最終場景
https://youtu.be/36QBU474nqM
阿巴多指揮琉森節慶管弦樂團 Live'
https://youtu.be/vOvXhyldUko?t=2718
《不可能的任務 V》
談起歌劇《杜蘭朵公主》，大家都知道是義大利作曲家普契尼的三幕歌劇作品，然而他在尚未寫完全歌劇時便去世，由弟子繼續將遺作完成。
《不可能的任務 V》劇情內容出現了一個勇猛又聰明美麗的女主角伊爾莎佛斯特，彷彿她就是杜蘭朵公主的化身一般，整集的故事情節圍繞在帥氣的伊森韓特與伊爾莎佛斯特身上。
杜蘭朵公主的背景發生在中國，由於對於祖母之死感到怨恨，因此下令想娶她為妻的王子們必須答對她所出的三道謎語，這三道謎語分別為「希望」、「鮮血」和「杜蘭朵」，若沒有答對這三道謎語則要被處以死刑，由於公主擁有傾國傾城的美，有許多王子慕名而來但最後被斬首，而卡拉富則是最後成功打動她的王子。
電影裡的一個場景發生在維也納歌劇院，邪惡組織「辛迪加」想暗殺正在歌劇院觀賞杜蘭朵公主的奧地利總理，女主角伊爾莎佛斯特則是負責暗殺的人，在一席金黃色禮服下帥氣當起女槍手，此時的電影配樂響起知名的歌劇音樂。隨著劇情進展，不但追捕過程緊張刺激，打鬥也富饒幽默與趣味，隨之融合於劇情的，更是歌劇《杜蘭朵公主》絕美的一段段音樂與～詠嘆調《公主徹夜未眠》。
阿湯哥巧妙地運用普契尼歌劇《杜蘭朵公主》精彩電影片段
https://youtu.be/jU2TU--E6OE
《公主徹夜未眠》（Nessun Dorma）男高音樂譜：
重點高音：
音樂．不分國界
《哈利波特》電影主題
威翰威廉斯指揮維也納愛樂 | 慕特小提琴獨奏
https://www.youtube.com/watch?v=qsCZP3wdF4w
永恆經典．星戰主題
https://www.youtube.com/watch?v=-3qqHdiewSE
冒險英雄．印第安納瓊斯
https://www.youtube.com/watch?v=_U519RdznMA
哈里遜福特致詞讚美約翰威廉斯
https://www.youtube.com/watch?v=nVt-QAWjPcY
大導演史帝芬史匹伯（Steven Allan Spielberg, b. 1946）曾經說過：「音樂是電影的一半。」，這句話完全深深打動我。
電影《辛德勒的名單》最後片段
眾人為了感念辛德勒為拯救猶太人所做的一切，用僅存的資源（連假牙的黃金都挖出來了）打造了一枚戒指感謝他。而自知戰後可能背負戰亂罪行的辛德勒，不得不離開，與眾人依依不捨前地離別。臨行前，已經從事太多善舉的他，仍然想著自己做得不夠，讓許多人紅了眼眶...
各位想想，如果再回頭讓大家看沒有聲音的畫面，您會有多少感動呢？
https://youtu.be/fhA5GIx51Kg
史蒂芬史匹伯讚美約翰威廉斯（E.T 配樂創作珍貴紀錄）
https://www.youtube.com/watch?v=tJY5l6I253c
《辛德勒的名單》動人主題
https://www.youtube.com/watch?v=cLgJQ8Zj3AA
《藝伎回憶錄》的柔美與動感
https://youtu.be/FoYFEO2ZU6k
約翰威廉斯與馬友友
https://youtu.be/sY5nw37xYIw
約翰威廉斯如何創作電影配樂之「動機」
How John Williams Composes His Motifs
https://youtu.be/mK5zThj7uFI
作曲家介紹
https://youtu.be/skh9N2UH1Fo
有關配樂創作過程．人人想法不同
Hans Zimmer 漢斯季默 Hns Zimmer說，他永遠學不會拒絕有興趣的配樂邀約。總是一開頭就跟導演說沒問題，隨即想到毫無想法，過了幾周甚至想請導演不妨去找配樂大師 John Williams...XD。 不過這麼多年來他體認到這些都是必經的過程，就算自己作曲經驗豐富，每次仍然如臨大敵。 Howard Shore 霍華.蕭 Howard Shore 談到幫《魔戒三部曲》配樂，過程需要好幾年，所以每天訂出工作進度很重要，才能循序漸進完成系列電影的配樂。 他會先閱讀小說和研究作者，了解帶給後世的影響，然後把所有資料放在一旁，散個步，打個盹，思考帶給自己的意義，再針對最有印象的畫面作曲。 Rachel Portman 瑞秋.波特曼 Rachel Portman 很留意作曲時不聽其他任何的音樂。因為她怕自己跟海綿一樣照單全收，受到不必要的影響。另外，她也經常會把作好的曲子放在一旁，隔天起床看是不是還覺得不錯，如果不行就從頭再來。 Steve Jablonsky 史蒂夫.賈布隆斯基 「隔日測試法」也是 Steve Jablonsky 很常採用的手法。 Steve Jablonsky 每天都作曲到晚上11到12點，長時間投入那麼多時間之後，難免失去客觀的創造力，在主觀的情感上自我感覺良好。因此他會刻意等到隔天或幾天之後，假如對旋律的感覺沒變，才拿去給導演試聽，不然就繼續修改、直接放棄或暫時保留，也許能用在其他地方。
火紅韓劇《魷魚遊戲》配樂
起床音樂：海頓降E大調小號協奏曲第三樂章
https://youtu.be/aT_ZPsoSRXc
集合音樂：小約翰.史特勞斯：《藍色多瑙河》
https://youtu.be/3c27hYHxCaQ
起床集合音樂：柴可夫斯基《弦樂小夜曲》第二樂章 Wlatz
https://youtu.be/Aqe8r6b_C90
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【BON音樂】50+古典音樂慢旅二部曲（四）來自委內瑞拉「全球指揮風雲兒」-杜達美
【BON音樂】50+古典音樂慢旅二部曲（四）來自委內瑞拉「全球指揮風雲兒」-杜達美
All about Gustavo Dudamel
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蹦藝術 | BONART
課程概要
什麼是古典音樂？
古典音樂的魅力到底在哪裡？
想了解古典音樂，但又擔心聽不懂？
50+學院邀請到蹦藝術執行長-林仁斌老師，以最輕鬆的方式帶大家進入古典音樂的世界，每周2小時的音樂慢旅，讓您一點一點延伸欣賞古典音樂之美，最終讓您登上藝術殿堂，成為古典音樂欣賞達人。古典音樂三部曲-「古典音樂第一堂課」，將深入淺出的帶領大家進入古典音樂的美妙的旅途中。
系列課程主題【主題二】：最偉大的指揮家之旅
| 一個樂團的演奏，最受人注目的應該就是站在樂團正中間的指揮家了，對於指揮家您認識了多少呢？ 一位偉大的指揮家需具備什麼樣子的功力才能帶領整個樂團？本課程將一次帶領大家認識古典音樂樂團中，四位偉大的指揮家：
11/05 美國首席指揮「20世紀第一人」- 伯恩斯坦 |
來自委內瑞拉「全球指揮風雲兒」-杜達美
2004年，默默無名且不屬於任何知名音樂院出身的杜達美，居然奪得了國際馬勒指揮大賽的首獎，「一夕成名天下知」他的學歷與出身瞬間成為了各界新聞頭條：出身自委內瑞拉獨一無二的「El Sistema」制度，17歲已成為委內瑞拉國立青少年管弦樂團系統音樂總監的他，從此成為全球風雲兒。2007年起，以26歲執掌洛杉磯愛樂音樂總監至今，如今更成為350年歷史的法國巴黎歌劇院音樂總監。本場講座由林仁斌老師為您詳述這位話題指揮的點點滴滴。
2021年5月，杜達美接受訪問，暢談接任巴黎歌劇院音樂總監的責任與展望
https://youtu.be/QAut6hAHc4w
文/MUZIK 擁有超過350年歷史的巴黎歌劇院，即將迎來新的音樂總監，當紅的指揮明星杜達美（Gustavo Dudamel）將於2021年8月起正式上任。 這項任命於上週正式公告，劇院總監Alexander Neef表示，杜達美一直就是他們在尋找這個職位時的唯一人選，而這個任命的任期將長達六年。杜達美也隨後發表聲明，表示自己將會致力於延續巴黎歌劇院悠久的名聲與傳統，同時也放眼未來，尋求更多與當代藝術創作者們合作的契機。而他也立刻公布了上任後的第一個委託創作，將和英國作曲家Thomas Adès合作一齣全新的芭蕾舞劇。 除了這個即將上任的職位外，這位被時代雜誌評選為最能影響世界的一百位人物的指揮家，還同時身兼瑞典哥德堡交響樂團的名譽指揮、故鄉委內瑞拉西蒙·玻利瓦交響樂團音樂總監，以及才剛續約至2025-2026年樂季的洛杉磯交響樂團音樂總監。 杜達美在巴黎歌劇院的前任者為瑞典指揮家Philippe Jordan。
年紀輕輕的杜達美，已步上世界樂壇頂峰
兩分鐘初步認識杜達美
https://youtu.be/jhHe2L8ddMc
現在．從頭說起
認識委內瑞拉
貧窮問題
2021年新聞：
委內瑞拉惡性通膨太嚴重！超慘現況曝光：調漲工資近3倍，薪水仍不夠買一公斤肉
委內瑞拉通膨太嚴重！薪水調漲3倍竟只有台幣70元
調整後最低月薪為700萬玻利瓦（bolivares），相當於2.5美元（新台幣70元），在委內瑞拉購買一公斤肉品約要3.75美元。
一度為產油富國的委內瑞拉，目前處於惡性通膨的第4年，經濟衰退第8年。
1998-2009年間的數據展現
軍政國家的危機與現況
委內瑞拉危機：七張圖告訴你危急程度
委內瑞拉換新貨幣盼解決通膨 100元新鈔等於當前一億
https://youtu.be/l1wxUy5S42Y
委內瑞拉國立青少年管弦樂團系統
El Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela
委內瑞拉國立青少年管弦樂團系統 (西班牙語：El Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela，通常當地人簡稱為｢El Sistema」或「La Orquesta」)是一個在委內瑞拉全國推廣音樂教育的公營計畫，原名為｢音樂社會運動」(Social Action for Music)。由同名的基金會(西班牙語：Fundación del Estado para el Sistema Nacional de las Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela，縮寫為｢Fesnojiv」)，整個系統下轄位於委內瑞拉全國各地的125個青少年樂團，和它們附屬的樂器培訓計畫。 整個系統同時管理著委國30個交響樂團，但整個計畫的最大成就便是令全國各地25萬學童接受音樂教育，而近九成來自地下階層家庭。 1975年，委內瑞拉經濟學家兼音樂家何塞·安東尼奧·艾伯魯(José Antonio Abreu)倡議並創辦了｢音樂社會運動」，並擔任首任總監，並在此後35年繼續致力推動這個計畫。[2]1977年，在｢音樂社會運動」樂團在蘇格蘭鴨巴甸的一場國際音樂大賽大放異彩過後，委內瑞拉政府便全力資助這個計畫，並交由社會福利部門負責，大大提高了計劃的存活機會。而此後委國十多屆不同政府，包括1980年代的保守派內閣和近年左翼的烏戈·查維茲政權，都全力支持這個計畫，而查維斯政府更是批准了計畫的所有營運開支預算和投資計畫。2007年9月，查維斯總統更在電視上聯同艾伯魯博士宣布，將會進一步通過推動「音樂使命(Misión Música)」計畫 ,令更多的委國學童接受音樂教育和樂器訓練。 而整個系統其後由委國的家庭健康體育部管理，逐漸發展到擁有102隊青年樂團和55隊少年樂團的公營計畫，共計約10萬名學生在其中學習音樂。[5][6]以音樂教育防治罪行也是整個系統的一大目標。而計畫亦因為幫助了不少來自窮苦家庭的青年人，防止他們墮入濫用毒品和犯罪的深淵而聞名國際。 部分計畫的參與者更進一步得以在全球發展他們的音樂事業，如古斯塔夫·杜達美、愛迪生·魯伊茲 (Edicson Ruiz)
2019年，艾柏魯博士於TED的演講，暢談他的「El Sistema」
José Antonio Abreu: The El Sistema music revolution | TED
https://youtu.be/Uintr2QX-TU
委內瑞拉的學子們，在「El Sistema」制度下安心學習，快樂玩音樂，受惠甚深
杜達美： 樂團的目標是要遠離個人主義，完成一些有意義的事。荷西・安東尼奧・艾伯魯是我見過最具抱負的人，而這個志向就是集體進步，教導青少年善用時間。他使青年與兒童有機會學習具價值和情感的東西，並引領他們追求美麗。藝術是我們教育中最重要的部分，它給予我們時空去創造美麗。時間是我們最大的資產，我們必須以此來調節先天的悟性，使自己不斷進步。
Q: 你可以與我們分享國立青少年管弦樂團的基本原則嗎？
杜達美：
最重要的是小組練習。個人練習也非常重要，但團隊精神才是關鍵所在。這樣的樂團經驗讓我們學會聆聽別人的意見，對我們來說是非常重要的。我們身處同一樂團，在豐富的音樂訓練支持下，共同練習令我們充滿志氣，奮力向成功進發。我在委內瑞拉巴基西梅托（Barquisimeto）的修業，為我奠定全面的基礎，例如和諧感、美學、歷史，還有共同表演的樂趣。正因如此，我很快便能與樂團產生連結。
El Sistema 紀錄片
https://youtu.be/VLBnIhwLzHM
國際指揮巨星誕生
杜達美與艾柏魯的TED連線演講
https://youtu.be/amSqQ5XNaGE
El Sistema 40週年 - 向艾柏魯致敬音樂會
https://youtu.be/qvijSk9-Nt4
2021年最新新聞
12000人合奏 委內瑞拉將刷新「世界最大管弦樂團」紀錄
杜達美指揮西蒙波利瓦管弦樂團
伯恩斯坦：曼波舞曲
https://youtu.be/NYvEvP2cmdk
馬勒第二號交響曲
https://youtu.be/AbovYqWT-LM?t=5701
杜達美逐年的帶領樂團內化、音樂內容不斷提升
貝多芬第九號交響曲 第三樂章
https://youtu.be/CO_QNfIPH2A
貝多芬第九號交響曲 第四樂章
https://youtu.be/tZ9NRL5Hmbo
應邀成為柏林愛樂與維也納愛樂最愛的巡迴指揮
台北國家音樂廳彩排
https://youtu.be/08JsLvS7q7A
與柏林愛樂 - 柏林氣息
https://youtu.be/peIEFBlJAy4
與維也納愛樂
https://youtu.be/arACxgu8sRo
星條旗進行曲
https://youtu.be/bN17HdYTRUc
杜達美訪問（點入閱讀全文）
古斯塔夫・杜達美：我不再是年輕的指揮家
你由前途無限的音樂天才，搖身一變成為成就非凡的指揮家。現在的你正在實現夢想，感覺如何？我不再視自己為年輕的指揮家。年僅18歲的赫蘇斯・帕拉（Jesús Parra）剛於西蒙・拉圖（Simon Rattle）的指揮下首度在薩爾斯堡（Salzburg）亮相，還有與我來自同一計劃的迪亞高・馬瑟斯（Diego Matheuz）和基斯頓・巴斯克（Christian Vásquez），他們均非常年輕。新指揮家亦將會不斷湧現。古往今來，一眾偉人的音樂歷程都是從年輕開始，隨著時代的轉變，投身音樂的人越趨年輕，這大概是因為現今更易進入樂壇。我知道我還有很長的路要走，亦明白到自己非常幸運，能夠憑藉一己之長，繼續與合作的樂團一同發展。過往的經驗與工作歷程，讓我如今變得更成熟。而最有意思的是，這令我不斷提升對自己的期望。 |
我比從前更加好奇。
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【主題二】最偉大的指揮家之旅
一個樂團的演奏，最受人注目的應該就是站在樂團正中間的指揮家了，對於指揮家您認識了多少呢？ 一位偉大的指揮家需具備什麼樣子的功力才能帶領整個樂團？本課程將一次帶領大家認識古典音樂樂團中，四位偉大的指揮家。
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11/05 美國首席指揮「20世紀第一人」- 伯恩斯坦11/12 全世界都要我「歐洲音樂總監」- 卡拉揚11/19 音樂詮釋教科書「鋼鐵人指揮」- 楊頌斯11/26 來自委內瑞拉「全球指揮風雲兒」- 杜達美 |
【主題三】最偉大交響樂團之旅
台灣每年幾乎都會有世界級的交響樂團前來演奏，票價不算便宜，但卻常常是一票難求～這些世界級的交響樂團各有各的特色及風格，本次古典音樂三部曲-「古典音樂第三堂課」，將一次帶領大家認識四個偉大的世界知名交響樂團。
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12/3「維也納愛樂」樂團歷史與風靡全球新年音樂會12/10「柏林愛樂」古典天團與數位音樂廳的全球魔力12/17「紐約愛樂」美國最具歷史與獨特地之管弦樂團12/24「洛杉磯愛樂」百年老店走向21世界迎向新風格 |
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【BON音樂】淺談拉威爾《夜之加斯巴》（加斯巴之夜）
【BON音樂】淺談拉威爾《夜之加斯巴》（加斯巴之夜）
Ravel: Gaspard de la nuit
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拉威爾：《夜之加斯巴》Gaspard de la nuit (Ondine）
延伸閱讀
【BON音樂】法國作曲家 拉威爾 Maurice Ravel 生平簡介
1908 年，拉威爾根據法國詩人貝爾特宏（Louis Jacques Napoléon Bertrand）同名遺作詩集《夜之加斯巴》中的三篇散文詩為靈感，創作出了這套曲集。全曲共有3 首樂曲， 分別是〈水妖〉（Ondine）、〈絞刑台〉（Le Gibet） 與〈史卡玻〉（Scarbo）。
貝爾特宏簡介： 19世紀法國詩人貝爾特宏（Louis Jacques Napoléon Bertrand, 1807-1841）是一位具有才華的詩人，但在35歲時英年早逝於巴黎。他於1835年完成了一套具有51首詩道奇異幻想散文詩集，是為《朗布及卡洛式的加斯巴之夜幻想集》(Les Fantaisies Gaspard de la Nuit a la maniere de Rembrandt et de Callot)。在詩中當中描述了許多中世紀歐洲生活的奇幻小故事。貝爾特宏在19世紀中期享有盛名，他擅於寄情散文韻詩，大部分所創的詩皆為新形式散文詩，作品極受為法國詩人波特萊爾（Charles Pierre Baudelaire, 1821-1867）與阿杜爾·韓波（Arthur Rimbaud,1854-1891）欣賞喜愛。
貝爾特宏詩集《序言》 「有一天他坐在中世紀一個城裡的長椅子上，突然他的夢被一個路人的咳嗽聲所驚醒。那路人是一個衣衫飽經風霜的魔鬼。後來兩人都坐在長椅上，老人用瘦骨嶙峋的手指拿出一份原稿，詩人如獲至寶，便開始和他討論藝術。時鐘敲六下時，老人站起來說:『這份原稿將會告訴你，我已試過多少樂器來找出純粹而有表情的音色，好好讀它；你明天就要還我。』之後老人就消失了，留下詩人手中著原稿，稿上寫著『加斯巴之夜』(Gaspard de la Nuit)，“以卡羅特及雷姆布蘭特的方式幻想“(Fantasies in the manner of Rembrandt and Callot)第二天晚上，詩人回到約定的地點，找了很久仍不到加斯巴的怪物，也沒有人知道他，一個鄰人建議：『他可能在地獄裡，是魔鬼的化身。』詩人說：『如果魔鬼在地獄裡，就讓他在那裡繼續受烘烤，我定要印製此書。』」
--- 以下解說文字整理自陳漢金老師撰寫之音樂會曲解與網路
在組曲《鏡》完成之後的三年裡，拉威爾不再創作鋼琴曲，直到1908年才再完成另一套不同凡響、令人驚訝的鋼琴組曲《夜之加斯巴》。創作此曲之際，拉威爾在寫給他學生德拉吉（Maurice Delage)的信中提到：「我正在創作幾頁非常炫技的鋼琴樂曲，它們甚至比巴拉基雷夫的《伊斯拉美（Islamey)》還難演奏」。然而《夜之加斯巴》不只是難而已，它同時傳承李斯特與巴拉基雷夫的「超絶炫技（virtuosité transcendante)」的訣竅，曉得使用各種技巧的豐富變化，以增進音樂的表達能力，甚至藉超難的技巧來渲染非凡詩意。
《夜之加斯巴 Gaspard de la nuit》這個詭異而令人好奇的標題，將渲染出什麼樣的獨特詩意呢？那是十九世紀前半，法國作家貝爾特隆（Aloysius Bertrand,1807-1841)一本散文詩集的名稱，它因為相當怪誕、詭異，於作者死後的1842年出版後，乏人問津而被忘記了，直到後來被波特萊爾發現、推薦，才重新在世紀末受到矚目。拉威爾從詩集中挑了三首，譜成鋼琴曲：〈水之精靈〉（Ondine), 〈絞架〉（Le Gibet), 〈史卡玻〉（Scarbo).
〈水之精靈〉
〈水之精靈〉敍述，化身成在月光下閃爍著的水滴，沿著窗戶緩緩滑落的水之精靈，對著詩人求愛，詩人卻礙於凡俗的道德規範，不敢接受。「生氣且傷心，水精流下幾珠眼淚，一陣狂笑之後，化身成一陣驟雨，消逝不見了」。全曲以ABA三段體來經營這個魅惑而詭異的意象。李斯特〈鬼火〉、〈艾斯特別莊噴泉〉，以及拉威爾自己先前作品〈噴泉〉𥚃，種種閃爍發光、水波流淌的效果，全都被拿來發揮的更充分，而在七個升記號的升C大調中，散發著神秘的光輝。
〈水之精靈〉（Ondine）原詩
〈水之精靈〉題獻給鋼琴家波埃（Harold Bauer, 1873-1951）在杜蘭版本的開頭即可見其名被標記於右上方此曲在描述一位住在水底宫殿中的水精靈，戀上凡間男子但遭到拒絕而悲痛的故事，以下為引述於樂曲前的詩句：
「⋯⋯朦朧的睡夢裡,我彷彿聽見一陣美妙而和諧的聲音;
在我的身畔，散播著呢喃低語，
猶如憂鬱而柔和的歌聲，忽斷忽績。
布里諾：兩個精靈
聽！聽啊！是我，是水精靈，
把水珠潑在陰沈的月光照耀著的窗上，嘩喇喇作響。
這兒，穿著閃亮亮的長袍，城堡女主人站在陽台上，
靜靜的望著星光閃爍的星空，和美麗的沈睡的湖泊。
每個連漪，是水精靈在潮流中泅泳，
每個潮流是一條小徑，蜿蜒的引向我的宮殿。
我的宮殿在湖底深處，
在火，土和氣交會的地方。
聽！聽啊！我的父親用綠色的柳枝，
拍打著咕嚕咕嚕作響的湖水！
我的姊妹以波浪的手臂，輕撫著綠草如茵，
睡蓮和劍蘭盛開的島嶼。
島上衰老而鬚髮睹罐的楊柳，
自我嘲弄著，似在垂釣。
她喃喃的低唱，哀求我接受她的指環，
成為水精靈的丈夫，一起去拜訪她的宮殿，
做眾湖之王。
我回答她，我愛著一位凡間的女子。
她又氣惱又嫉恨，哭一陣，狂笑一陣，
然後，在驟雨中消失。
水珠沿著藍色的玻璃窗，淙淙而流·⋯·
貝爾特宏：加斯巴之夜」
〈水之精靈〉英文版朗讀
https://youtu.be/yODFDT3AFl8
〈水之精靈〉緩板
Ondine - Lent
| I. Ondine [0:00]
II. Le Gibet [7:36] III. Scarbo [14:28] |
https://www.youtube.com/watch?v=hKgcHjq1xKQ
〈絞刑台〉
〈絞邢台〉：「喪鐘在城鎮的牆間廻蕩，地平線之下，吊死者的遺骸，被夕陽照得火紅」。降E小調，很慢的。降B音一直在左手不停的反覆出現，那是喪鐘；連串陰沈的和弦渲染著不祥的氣氛，中、低音域飄著鬼魅般的哀歌。
〈絞刑台〉（Le Gibet）原詩
〈絞刑台》題獻給音樂評論家馬諾德（JeanMarold,1859 -1935）雖然以技巧而言不及其他兩首來得困難，但是音色轉換的細腻度卻是三首當中最難表現的。全曲被持續不斷的鐘聲音型貫穿喚起可怕的景象，营造出令人毛骨悚然的氣氛：「從地平線下的城牆邊傳來陣陣緩慢敲打的鐘聲，還有掛在刑台上被夕陽染紅的屍首。」短短的四頁樂譜裡，拉威爾發揮充滿詩意的創作技法，营造出驚悚詭異的氣氛，不禁令人想起十九世紀美國詩人愛倫坡那些令人神經緊繃又驚駭的文學作品。
「絞首台的四周，是什麼在晃動？
浮士德
啊！這耳邊的聲音，是夜晚北風的呼嘯，
還是吊死者在絞首台上的吁嘆？
是依攀著絞首台的青苔和枯瘠的藤裡，
躲藏著一隻蟋蟀在哀吟嗎？
是追逐的蒼蠅，在聽不見獵人呼唤的耳畔，
吹奏著號角嗎？
是飛旋的金龜子，光秃的頭顱，
撞上一根血淋淋的髮嗎？
還是蜘蛛在編織半尺長的細紗，
要為那窒息的頸項作領帶？
地平線下的城裡，鐘影在牆頭搖晃，
落日餘暉，染紅了吊死者的骸骨。
貝爾特宏：加斯巴之夜」
絞刑台：很慢的慢板
Le Gibet: Tres lent
〈絞刑台〉樂譜版本
https://youtu.be/hKgcHjq1xKQ?t=456
〈史卡波〉（Scarbo）
〈史卡玻〉：有如侏儒般的地底精靈史卡玻，成了詩人揮之不去的夢魘。「多少次了，我聽見了從睡房陰暗處傳來的竊竊笑聲，還有在床幔上刮指甲的響聲！多少次了，我看見它從天花板降下，如陀螺般的單足旋轉，並在四處快速滾動，有如從女巫破舊衣服上掉下來的紡錘」。拉威爾所形容的難彈樂曲就是這一段。全曲有如狂想曲般，由三段主題自由組織構而成，又如瘋狂的詼諧曲般，充滿了狂烈、快速的同音重複、猛烈的大跳音程、不協和的双音摩擦丶震耳的敲擊、生硬的不協和音響丶橫掃過整個音域的琶音…
〈史卡波〉（Scarbo）原詩
〈史卡波〉题獻給鋼琴家甘茲（Rudolph Ganz, 1877-1972），是拉威爾的鋼琴作品中技巧極困難、表情難以詮釋的一首，並使人聯想到史特拉汶斯基的芭蕾舞劇《彼得洛希卡》，例如樂曲開頭的持續顫音(D#音)，據說是拉威爾想營造出如打鼓般的聲音，而持續顫音的手法在《彼得洛希卡》中也常見。
「他看看床下，壁爐裡，衣櫃裡：沒有人。
不知道他從何處來，又從何處去。
霍夫曼：夜譚
哦！我常在午夜裡聽見史卡波，看見史卡波。
那時明月當空，有如撒滿金色蜜蜂的藍旗子上的一面銀盾！
我常聽見他竊竊的笑語，在我的床邊迫響，
他在我床上的絲帳，搔弄他的指甲！
我常看到他從天而降，單腳立地旋轉，
滿地亂滾,好像女巫失手掉落的紡鐘。
眼見他消失，我能相信自己的眼睛嗎？
這侏儒在我與月亮之間，越升越高，
有如哥德式大教堂的鐘樓，
有如帽尖上搖顫的金色小鈴！
然後，他的身體轉藍，像燭火的臘一般透明，
他的臉孔變白，像即將燃盡的蠟燭，
--- 轉瞬之間他熄滅了！
貝爾特宏：加斯巴之夜」
史卡波：中速
Scarbo：Modere
https://youtu.be/hKgcHjq1xKQ?t=868
樂譜版本：
| I. Ondine [0:00]
II. Le Gibet [7:36] III. Scarbo [14:28] |
https://www.youtube.com/watch?v=hKgcHjq1xKQ
演奏版本欣賞
| I. Ondine 00:00
II. Le Gibet (Az akasztófa) 06:30 III. Scarbo 14:23 |
https://youtu.be/f39a8rhk8mI
| 0:27 I Ondine
7:06 II Le Gibet 14:05 III Scarbo |
https://youtu.be/u5GuFz9DDOI
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【BON音樂】大人音樂欣賞文學與音樂系列四：《冬之旅》│ 舒伯特 V.S. 繆勒
【BON音樂】大人音樂欣賞文學與音樂系列四：《冬之旅》│ 舒伯特 V.S. 繆勒
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第4堂：《冬之旅》│舒伯特 V.S. 繆勒
《冬之旅》（Winterreise）D 911創作於1827年，這是舒伯特去世前一年。同樣取自詩人繆勒的同名詩作，全部共24首歌曲，分為兩部份。
相對於1823年所完成的《美麗的磨坊少女》描述年輕磨坊工人的旅行、戀愛、失戀與離去，《冬之旅》中所描述的年輕人從一開始就處在失戀狀態，雖沒詳細說明，但知道他離開城市並踏上流浪的旅途。全曲充滿「疏失感」、「絕望與悲傷」以及「對已失而絕不可復得之愛情之憧憬」， 對他來說，「死亡」是最後的安慰。
舒伯特創作《冬之旅》的背景眾說紛紜，有一說是因為舒伯特在此時已經病入膏肓，所以《冬之旅》帶有明顯的憂鬱色彩，也用許多不同的鋼琴旋律，如分音、顫音、重音等等，表現出詩中的意象。和《美麗的磨坊少女》同為聲樂套曲體裁的先河之作。
課程主講：林仁斌
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週二班
經典歌劇(10/19週二下午班，共5堂)：認識歌劇X經典愛情X大師巨作
交響曲(11/23週二下午班，共5堂)：貝多芬X舒伯特X馬勒
協奏曲(12/28週二下午班，共5堂)：橫跨200年經典弦樂協奏曲
週四班
文學音樂(11/4週四下午班，共5堂)：輕鬆聽懂文學名著x音樂大師
詩人繆勒
（資訊整理於維基百科，並附超連結方便檢索）
浪漫德國詩人約翰·路德維希·威廉·繆勒（Johann Ludwig Wilhelm Müller, 1794-1827）出生於德國屬安哈特-德紹公國的德紹。舒伯特兩部著名聯篇歌曲《美麗的磨坊女》及《冬之旅》之歌詞都是出自其詩集。
繆勒的的父親是一名裁縫。早年繆勒求學於當地的文理中學，後考入柏林大學，學習哲學及歷史。1813年至1814年，他自願加入普魯士陸軍，並參與了拿破崙戰爭，先後經歷了呂岑會戰、包岑會戰、庫爾姆會戰以及哈瑙會戰。1814年，他回到柏林繼續學業。1817年，他先後訪問了南德意志及義大利，並於1820年出版了遊記《羅馬，羅馬人及羅馬婦女》（德語：Rom, Römer und Römerinnen）。他於1819年成為德紹當地一所學校的西洋古典學教師，後於1820年成為公國圖書館的一名圖書館員，並在那裡度過餘生。
舒伯特 生平簡述
（資訊整理於網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
舒伯特（Franz Schubert，1797~1828），1797 年 1 月 31 日出生於奧地利維也納附近郊區的李希塔爾，舒伯特的家人都非常喜歡音樂，於是便請教堂合唱指揮家霍爾采來指導舒伯特。
11 歲時舒伯特進入了康維特音樂學院就讀，開始嘗試作曲，他所寫的曲子也非常受到校長薩里 耶利的欣賞，甚至親自來指導舒伯特。
1813 年，舒伯特離開了康維特學院，他白天教書晚上寫曲。1814 年舒伯特為李登德大教堂百週年紀念日寫了他生平第一首完整的彌撒曲，結果演出非常成功，名聲漸漸的被眾人所知。1815 年是 舒伯特創作最豐富的一年，藝術歌曲就寫了一百四十多首，如「野玫瑰」、「魔王」等。另外，舒伯 特也在這一年完成了他的第三、四首交響曲，兩首彌撒曲以及其他器樂曲。而舒伯特所寫的藝術歌曲 中，常以哥德和席勒等名詩人的詩作為歌詞。
由於舒伯特與他日常的一些好友史伯恩、蕭伯、赫特布瑞以及詩人梅諾弗、歌唱家弗格爾等人時 常聚會，和他們形成了小團體自稱「舒伯特小集」（Schubertiade），於是好友們決定幫舒伯特自行出版歌曲，經過一番 努力，舒伯特的第一部歌曲終於在 1821 年出版，另外一些歌曲也陸續發行。
1823 年格拉茲市音樂協會頒贈舒伯特榮譽會員的頭銜，舒伯特將他所寫的第八號交響曲送給了 協會。這首作品只完成了兩個樂章，到了第三樂章僅寫了幾個小節就沒有了，這便是著名的「未完成」 交響曲。舒伯特在最後幾年的生命中，寫下了不少傳世不朽的曲子，如第九號交響曲、「死與少女」 絃樂四重奏、「樂興之時」鋼琴曲、三大聯篇歌曲集《美麗的磨坊少女》、《冬之旅》、《天鵝之歌》。
1828 年三月二十六日維也納音樂協會舉辦了一場音樂會，裡面全部演奏舒伯特的作品，這場音樂會也是舒伯特生平唯一的一場作品發表音樂會。
舒伯特非常崇拜貝多芬，1827 年他終於見到了貝多芬，但是當時貝多芬已病的很重。
在貝多芬去世當年（1827），舒伯特前往探視：
隔年，舒伯特也一病不起。
舒伯特在1823年1月被感染斑疹傷寒症，這在當時是不治之症。當年秋天舒伯特入院治療，病況有所好轉，但次年年初他精神也受到重創，在一封信中他寫到：「我感到自己是世界上最不幸，最可憐的人」。
自從1822年起，舒伯特就在和梅毒作鬥爭。儘管有人提出其他的病因，最終的病症很可能是傷寒症；他晚期的病狀與汞中毒的病狀相似，而汞恰巧是19世紀早期用來治療梅毒的藥物；無論如何，沒有足夠的證據來作出確定的診斷。
他於1828年11月19日死於維也納，哥哥費迪南德的公寓裡，卒年31歲。根據他的要求，死後安葬在其崇拜了一生的偶像貝多芬的墓邊。1872年，舒伯特的紀念碑在維也納的中央公園被建立起來。1888年，舒伯特以及貝多芬的墳墓也遷到了維也納中央公墓，與小約翰·史特勞斯以及布拉姆斯的墓為鄰。
【轉載】何謂德國藝術歌曲？（文. 席慕德）
德國藝術歌曲的專有名詞是「Lieder」，這個字在德文裡就是「歌曲」的意思，任何一首歌都可以稱作「ein Lied」或「das Lieder」。但「Lieder」對學聲樂的人或音樂的愛好者而言，指的是一個特殊的聲樂領域、一個特殊的時代、一些特殊作曲家的作品。這就是從莫札特開始，經過貝多芬到舒伯特發揚光大，用德文詩作為歌詞，以鋼琴為伴奏的獨唱曲；這些歌曲跟以前專注重聲樂線條的美聲唱法（Bel Canto）和以數字低音做伴奏的歌曲都不同，跟一般的民謠也不一様，所以稱它為「藝術歌曲」。
在舒伯特之後，有很多德奥作曲家，像舒曼、布拉姆斯、沃爾夫、理查·史特勞斯、馬勒等人在德國藝術歌曲的創作方面，作品數量多、品質高，且風格各有不同。
因此在十八世紀末、十九世紀這一段在音樂史上稱為浪漫時期的時代，德國藝術歌曲的發展自成一格、成為一個可以和歌劇神劇分庭抗禮的歌唱藝術。
在各國的音樂院、音樂系裡，「德國藝術歌曲」是一門課，在音樂界或聲樂界演唱德國藝術歌曲，也是普遍受到國際肯定的曲目。
在浪漫時期後期或浪漫時期之後，德奥作曲家或非德奥的作曲家還有很多仍同樣的理念、語言，繼續延伸德國藝術歌曲的傳統，但到目前為止，在音樂廳所聽到的曲目主要還是浪漫時期作曲家的作品。
德國藝術歌曲的特色
1. 詩與音樂完美的結合
詩中的意境、語氣、節奏、韻味由音樂凸顯出來，成為一個不可分的整體，原詩中直接、間接的含義或是詩的抑揚頓，字的明暗，都由音家做了安排，而且這首歌必須是作曲家對詩非常獨特、主觀的詮釋。
2.結構精簡
不論內容如何：是一個故事、是一齣戲，是悲劇抑或是喜劇，是描寫大自然，或只是一種氣氛、一種情緒，基本上，歌曲的形式都是短小精簡的，是一種濃縮的形式。由於它的形式是濃縮、精簡的，所以在欣賞、演唱德國藝術歌曲時要非常注重細節，每一個音、每一個字都要有特殊的安排。
舉一個例子，當我們欣賞雕塑作品時，一個大型作品會給我們一種宏偉的氣勢與感受，而我們不會去注意到「那裡好像有點歪、這裡有個小洞」之類的細節問題：但當我在欣賞一個小的藝術作品、小的雕刻時，就會注意到每一個細節：比如我們看到一個雕刻有十幾層的象牙球時，甚至會用放大鏡來看，看它的最後一層是否也同樣精細。這也就說明了欣賞一個大曲式或小曲式時的不同：德國藝術歌曲就是講究注重細節的聲樂歌曲。
3.鋼琴伴奏
在德國藝術歌曲中，鋼琴伴奏的地位和聲樂的旋律是一樣的，它寫景、寫情、把歌所沒有表達出來的內容加以補充；也由於鋼琴伴奏地位的重要，擔任伴奏者到鋼琴家責任也就加重了。（筆者註：所以現在普遍稱為「鋼琴合作」或直接寫「鋼琴」，而不使用「伴奏」。）
4.內容豐富
多數德國藝術歌曲的歌詞都是著名詩人的作品，這些人博學、敏感，對事情的觀察力透徹，所以他們寫出來的内容會跟一般人不同，能彌補一般人的不足：我們可以在德國藝術歌曲裡找浪漫情懷、民間傳說、宗教哲學思想、友誼、理想或大自然的風景，也可以找到幽默、諷刺以及各種不同層次的愛情。
所以，如果我們懂得德文詩，或透過翻譯，就能在德國藝術歌曲中找到一個多彩多姿的世界，得到非常大的滿足感。
德國藝術歌曲興起的時代背景
德國藝術歌曲在十八世紀末到十九世紀突然蓬勃發展有很多因素：
1.德國文豪歌德（1749~1832）的出現使德國文學擺脱了英國、法國的影響，有了自己的文學風格和體裁，不但引起其他國家的重視，也讓德人引以為傲。當文學從嚴謹、注重詩律和客觀詮釋的古典時期，進入浪漫時期之後，德國文學界更是詩人輩出，中產階級的知識份子也以寫詩為樂。
2.從貝多芬開始，作曲家想用音樂更主觀的表達自己內心的感受，因此有了把詩與音樂結合在一起的慾望。
3.鍵盤樂器的改良，鋼琴被普遍應用，同時音色、音量都比以前豐富，成為作曲家發揮作曲技巧的主要樂器之一。
4.社會的轉變也增加了歌曲的創作，中產階級增多，在這些中產階級的家庭中，婦女不需出外工作，她們把時間用來學鋼琴、學唱歌、繪畫、讀書、讀詩上面。因為她們經常需要很多歌曲和小品器樂曲，出版商站在商業立場也就不斷出版發行新歌，作曲家也因為社會的需要不斷創作適合一般大眾的歌曲，而不是只有歌劇明星才能唱的歌曲。
舒伯特歌曲的内涵
在舒伯特之前，歌曲一直被認為是一種無關緊要，不能和交響曲、歌劇、奏鳴曲相提並論的小品。由於舒伯特歌曲的多樣性，充滿想像力、感情以及美麗的旋律，使歌曲一變而為藝術作品，曲式雖然還是小巧，歌曲内涵卻是無限，有了它個別的美學標準。
1.詩詞的選擇
詩詞的選擇方面，有人曾批評舒伯特是漫不經心、不作特殊選擇的，但我們可以做這樣的解釋：他喜歡的詩人，像歌德、海涅、席勒，他都有很深的了解，但他也為很多名不見經傳的詩人的詩譜曲。些人的出現是因在他朋友群裡,，有很多年的詩人朋友對舒伯特非常地愛護，對他的音樂也非常地推崇並盡量地推廣。舒伯特對這些朋友也以友情和尊敬相報，所以當朋友們為他寫詩，請他譜曲時，他便欣然接受。我們會在舒伯特的歌曲中發現一些不很出色的詩，但不論什麼詩，舒伯特都會加以適當的處理，來掩飾詩本身的缺點。
2.歌曲形式
以叔伯特僅僅三十一年的生命，十七年的創作時間，卻已把德國藝術歌曲的形式發揮到今天尚無人能夠超越的地位。從早期的反覆歌到後期似朗誦、似詠嘆的特殊形式，在一些歌曲裡有莫札特、貝多芬的影子，有的歌預示著舒曼，甚至沃爾夫的來臨。因此學者們，由於各人出發點不一樣，或是面對的聽眾和讀者不同，而有深淺層次不同的分析。
有些專家簡單地把它成三大類：反覆歌、變化反覆歌和不反覆歌（也就是貫穿式）。
但也有人分成五種或七種。
在這裡我針對《美麗的磨坊少女》、《冬之旅》和《天鵝之歌》三大聯篇歌曲，把舒伯特的歌曲形式分為六種：
(1)多段反覆式（Strophic）：每段詩的旋律都一樣，很多段不斷反覆。舉例來說：一首詩有四節，用同樣的旋律演唱，在鋼琴伴奏、調性、和聲上都不做任何變化：「a a a a」。
(2)變化多段式（Varied Strophic）：四節的旋律大致相似，有時只有最後一段在旋律、伴奏、和聲上稍作變化，有時則每段都有些變化：「a a1 a2 a3」。
(3)三段式（Ternary）:「a b a」或「a b a1」。
(4)貫穿式（ThroughComposed）：各段落完全不作任何重覆，以不同的旋律和音樂動機處理全詩各節：「a b c d」。
(5)其他形式：由於舒伯特歌曲形式變化多端，他對詩節的處理非常自由，常做各種試驗，有時他會把兩段詩節當做一段處理，有時一段詩分為a、b兩部份，有時他會重覆三節詩的最後一節，或任何一節而成為四節詩。因此有些歌的形式會重疊，有些形式並不屬於上面四種形式，些形式在本書中都歸入「其他形式」，再以英文字母標明詩節與音樂的關係，例如：「復古的巴爾式」（Bar Form：a a b）；「弓式」（Arch Form：a b c b a）；「二段式」（Binary Form a a b b），「清唱劇式」（Cantata Form）和「貫穿式」相似，但段落分明；「迴旋式」（Rondo Form：a b c a）；「奏鳴曲形式」（Sonata Form：a b c b）。
在這麼多的曲式中，舒伯特的歌曲自然變得多彩多姿，趣味無窮了：他會根據詩的涵意、節奏、詩節的多寡，把形式隨意應用，自由變化。每一種形式在作曲和詮釋上都有它的困難之處；我們就以最簡單的多段反覆式來做例子：歌詞内容不可能每一段都一樣，因此作曲家首先就要找到一個旋律來配合所有的段落而不覺唐突，對詮釋者而言也是一個很大的挑戰，歌者必須將各段，根據歌詞内容，字的輕重，音的明暗來加以不同變化的處理。
3.音域
大致來說，舒伯特的歌曲音域都不廣，大都在八度到十二度之間，以《美麗的磨坊少女》為例，最寛的音域是十二度（< 焦急 >和< 獵人 >）。
《冬之旅》中的第七首< 在河上 >音域最寬廣（升a 一a2）十五度半，另外有兩首：< 洪水 >和< 鬼火> 則是十三度（b-g），但< 幻日 > 只有六度（a1 - f）。
《天鵝之歌》的一般音域較高，g2、a2 和 b2 出現在很多歌中，例：< 告別 >、 < 阿特拉斯 >、< 化身 > 等。
聽舒伯特的歌，我們發覺一首好聽的歌不一定要音域很廣，或一定要以高音結束，常常一首音域並不宽廣的小歌，卻因舒伯特的旋律和和聲而讓人回味無窮。因此在詮釋德國藝術歌曲時，不是誰能唱得最高誰就是最好，而是要看誰唱得最為精緻、細膩。
4.和聲的變化
舒伯特常用大小調交替的出現來表示情緒的變化：來表達兩個極端，如快樂和憂傷、希望和失望、光明和陰暗、生命和死亡，也常以調性的變化來達到不同的效果。
5.鋼琴伴奏
舒伯特用鋼琴伴奏和前奏等寫景、寫情，這是他最大的特色，在當時是一種創新。舒伯特的伴奏和後來的作曲家（例如沃爾夫和理查·史特勞斯）相比，不能說是很艱深，但是彈奏時仍需很好的技巧才能給聽眾一種自然輕鬆的感覺。伴奏者必須對音色敏感，節奏控制得當，同時也應懂得如何發揮想像力，水聲彈起來要像水聲，風聲也要像風聲。
何謂聯篇歌曲？
英文稱聯篇歌曲為「Song Cycle」，德文是「Lieder Zyjlus」，是一組有關聯的歌曲，通常歌詞來自同一詩人，内容有故事、有人物，有時也可能是一組描寫景色或心情的歌曲，音樂的調性和結構都有合理的安排。
除了本書談到的三組聯篇歌曲之外，著名的德文聯篇歌曲還有貝多芬的《致方的愛人》（Am die ferne Geliebte, Op.98），舒曼的《女人的愛與生活》（Frauenliebe und-leben, Op.42），《詩人之戀》（Dichterliebe, Op.48）布拉姆斯的《美麗的瑪格儂妮》（Die Schöne Magelone, op.33），近期的有亨德米特的《聖母的一生》（Das Marienle-ben）等。
嚴格的說，舒伯特的《天鵝之歌》，並不能算是真正的聯篇歌曲，他只能算是歌曲集。是在舒伯特死後，由出版商結集出版的，它缺乏聯篇歌曲應有的條件，但長久以來大家也接受它為舒伯特的聯篇歌曲之一。
真正的聯篇歌曲該是在調性、音樂結構、歌曲秩序名都有嚴謹的連貫性，如《致方的愛人》和《女人的愛與活》；或是故事有合理的發展、音樂有統一的色彩，如《美麗的磨坊少女》和《冬之旅》。
聯篇歌曲是一個人的經歷、一個人的悲哀和快樂，高潮與低潮有其一定的發展過程。因此詮釋聯篇歌曲就是創造一個人物，歌者必須研究這個人物的心理，瞭解他的遭遇和心情，然後透過一首首的歌，把這個人物活生生地展現在聽眾的面前，歌與歌之間沒有真正的休息，也不應有掌聲破壞氣氛。這不是每一個人都能做到的。因此，多年來大家也接受歌者把某些歌曲從聯篇歌曲中抽出來演唱。我認為如果要這樣做，也應該加以仔細挑選，做合邏輯的組合，而不應隨便只挑自己愛唱的歌，或是忽視歌曲的順序。某些較短的聯篇歌曲更應該盡量做完整的演出，因為我們把某首歌挑出來演唱時，它就失去了原本的義意。
演唱聯篇歌曲對歌者的集中力和體力都是極大的挑戰，所以在今日的舞台上，能聽到完整的聯篇歌曲的演出，也是一件盛事。（林仁斌潤飾）
聯篇歌曲《冬之旅》簡說
奥地利作曲家舒伯特的三大聯篇歌曲分別是《美麗的磨坊少女》、第二篇是《冬之旅》，最後一篇則是《天鵝之歌》。
法蘭茲·舒伯特（Franz Schubert, 1797 - 1828），神聖羅馬帝國奧地利作曲家，他是早期浪漫主義音樂的代表人物，也被認為是古典主義音樂的最後一位巨匠。他一生短暫，只活了31年，但卻創作了超過600首德奧藝術歌曲歌曲，以及19部歌劇、歌唱劇和配劇音樂、9部交響曲、19首弦樂四重奏、22首鋼琴奏鳴曲、4首小提琴奏鳴曲等。
舒伯特以抒情的旋律聞名，而且總是能夠自然流露、渾然天成。他在世時，大眾對他的認識和欣賞只是一般，但在逝世前已經有一百首著作出版。他早年擔任父親學校裏的教師，辭去職位後一直沒有固定的工作，經常靠朋友的接濟。死後，被安葬在他生前一直相當崇拜、卻只見過幾次面的貝多芬墳墓旁。
舒伯特是繼莫札特與貝多芬之後，將藝術歌曲推至頂峰，至今無人能出其右的人物，雖然他只活了31年，但他將歌唱樂曲發揚光大，文學詩和音樂融為一體的完整感，更令「藝術歌曲」成為永恆不朽的藝術。
人物和内容（文. 席慕德）
在《美麗的磨坊少女》後，舒伯於去世前一年，1827年十月時，完成了第二組聯篇歌曲集：《冬之旅》，一共收錄24首歌曲。
如同《美麗的磨坊少女》般，《冬之旅》來自詩人繆勒（Johann Ludwig Wilhelm Müller, 1794-1827）的詩集，也同樣描寫流浪心情，歌曲與歌詞的部分意境雷同，更使得專家學者們喜愛將這兩套作品作各種不同角度的比較。
《冬之旅》，顧名思義就是在冬天所做的旅行。而當旅行者是一位失意人時，沿途景色的哀戚、感傷與荒凉，就可想而知了。這裡沒有鳥語花香，潺潺小溪，也没有甜蜜的戀情，有的只有風雪、枯木、冰凍的河川，以及...幻滅的希望：所有一切美好的事物，都只在回憶中出現，有時甚至僅是主人翁的幻覺。
講起《冬之旅》的主角究竟是誰，我們對他並不清楚；不像《美麗的磨坊少女》中的磨坊少年，在歌詞中，我們確知他是一個還未出師的學徒，雖然敏感，但天真好奇，也相當樂觀，最起碼在故事開始時是這樣的。
而《冬之旅》的主角，我們全然不知他的職業、出身、年齡：一切都是模糊的。唯一的線索是第一首歌晚安中的句話：「我陌生的來到，又陌生的離開...」「少女說的都是愛，母親還提親事...」。
第二首⟨風信旗⟩中：「誰會關心我的痛苦，他們的孩子已是有錢的新娘。」所以我們知道他也是個異鄉人，在這城市裡差點找到幸福，結果愛人卻變心嫁了别人。當他再次踏上旅程時，在樂曲裡的心境和那磨坊少年出發時多麼不一樣。
另一方面來講，磨坊少年是一個簡單的勞工，一個民謠中的浪漫人物，而《冬之旅》的主角卻是一個在思想上敏感成熟的人，是一個和當時流行的「成長小說」（Entwicklungsrom-ane），例如歌德的《維廉·麥斯特》（Wilhem Meister），《少年維特的煩惱》（Die Leiden des jungen Werthers）等主角相似的人物，是詩人、音樂家，和讀者都能認同的角色。詩篇中沒有任何虛偽的修飾或是對事物理想化的描寫，而是未赤裸裸地把一個失意人的心路歷程表達出來，不論多麼奇特也給人真實創作背景感。
創作背景
1827年三月多芬逝世，送葬行列裡，有三十幾位執紼的人，舒伯特是其中之一。
其實當時舒伯特的健康，也已時好時壞，經濟也沒有改善，雖然這一年他賣出二十一件作品,所得卻有限。從舒伯特朋友們的信中，我們知道他已不再定時出席朋友們的聚會和他作品的演出（Schubertiade）根據他的朋友之一，馮.史巴恩的描述：「有好一段時間，舒伯特看來憔悴而情緒低落。有一天他叫我們到蕭伯家去，說要唱一些可怕的歌給我們聽，他說這些歌讓他用盡心血。他用充滿感情的聲音唱了整個《冬之旅》。這些歌曲的沉悶氣氛讓我們困惑，蕭伯說他只喜歡<菩提樹>那一首。舒伯特卻說這些歌是他所有歌曲中最讓他感動的，而且說有一天我們也會喜歡。」
我們現在都知道舒伯特當時唱給朋友們聽的只是《冬之旅》前半部的十二首歌，這年舒特三十歲，距離《美麗的磨坊少女》的創作已有四年，心境和技術都一定比前更成熟。我們可以想像，當一個人在十七、八歲時能寫出像《紡車旁的葛麗卿》(Gretchen am Spinnrade)、《魔王》(Erkonig)、《嘉尼美德》（Ganymed）等這樣詞相得益彰的歌曲，到了三十歲，會以怎樣的手法來處理《冬之旅》這樣的詩篇。
繆勒的詩可說來得正是時候。
雖然建康和心情都不好，1827年仍是舒伯特創作豐收的一年：合唱曲、鋼琴三重奏（第二號降E大調，Op.100, D899），還有一些今日觀眾們都非常喜愛的鋼琴即興曲。
歌詞來源
繆勒的《冬之旅》詩篇首先散見不同的文學報章，1823年繆勒將《冬之旅》前十二首表於文學年刊《Urania》。同年再寫了十首發表於一份在布萊斯勞（Breslau）出版的文學雜誌上。最後勒加寫了兩首<郵車>和<幻覺>，並且將詩篇的秩序加以重新排列，收集在1824年版《一個旅行的吹號者遺留的七十七篇詩稿》第二集。
舒伯特先發現《Urania》雜誌上的十二首，以為這是一個完整的詩篇，而於1827年二月完成作曲，並且在手稿上寫下「完結」。
後來，舒伯特才看見1824年的版本而於1827年十月完成《冬之旅》續集。因此舒伯特的《冬之旅》和原著在先後順序上有些出入：
| 舒伯特《冬之旅》順序 | 繆勒《冬之旅》順序 |
| 1.晚安
2.風信旗 3.凍結的淚珠 4.僵硬（心死） 5.菩提樹 6.洪水 7.在河上 8.回顧 9.鬼火 10.歇足 11.春之夢 12.孤寂 13.郵車 14.白首 15.烏鴉 16.最後的希望 17.在村裡 18.暴風雨的早上 19.幻覺 20.路標 21.客棧 22.勇氣 23.幻日 24.搖琴的人 |
1.晚安
2.風信旗 3.凍結的淚珠 4.僵硬（心死） 5.菩提樹 6.郵車 7.洪水 8.在河上 9.回顧 10.白首 11.烏鴉 12.最後的希望 13.在村裡 14.暴風雨的早上 15.幻覺 16.路標 17.客棧 18.鬼火 19.歇足 20.幻日 21.春之夢 22.孤寂 23.勇氣 24.搖琴的人 |
爲什麼舒伯特後來沒有再把歌曲照繆勒的秩序重新排列呢？
對此，舒伯特專家們各有說法：有人說因為前12首舒伯特已經做了完整的安排，很難再拆散。有人認為舒伯特在完成《冬之旅》之後，立即投入其他作品的創作，無暇再回顧；還有人認為前12首歌，舒伯特因為急需醫藥費和生活費，而已每首歌一塊金幣賣給了出版商哈斯林格（Haslinger）。也有人認為因為舒伯特並不是同時看到整個詩篇，而是分批創作的。因此他也可能因為自己的感覺而故意改變繆勒的秩序。
總之,今日的《冬之旅》詩篇已和舒伯特的音樂不可分，我們必須接受舒伯特排，而繆勒的秩序只供參考了。
在歌詞方面的改變上也是一樣。
舒伯特在十五首原詩中，做了一到三個字的改變，一共27處。有些是因為筆誤，有些是因為字音和音樂的關係。根據當代最有名的舒伯特詮釋者，男中音費雪-狄斯考（D. Fischer-Dieskau），這些改變已成傳統，不能再回頭，除了第四首第五段第一行仍應唱：「Mein Herz ist wie erfroren」，而不舒伯特的筆誤「erstorben」；第九首第二段第三行，應唱「Unsre Freuden, unsre Wehen」，而不用舒伯特的「Leiden」；第廿首第三段第一行，應唱原詩的「Weiser stehen Strassen」，而不用舒伯特的「Wegen」。
和《美麗的磨坊少女》時期相比，詩人繆勒表現了另一種文風，他把荒涼的冬景和悲悽的氣氛作了各種層次的變化，他用暗示性內象徵，例如<風信旗、<鬼火>、<路標>、<搖琴的人>強烈地刻劃出歌者的心境變化。文字的應用生動自然，陰森可怕的感覺強烈又真實，雖然他不是一位重要的詩人，但我們也不能太小看了他的詩作。無論如何，繆勒的詩篇激起了舒伯特創作的靈感。
詩人於1827年去世，正是舒伯特創作《冬之旅》的那一年，一年之後舒伯特辭世，死前在病床上最後所做的事，就是校訂付印前的《冬之旅》續集。
《冬之旅》第一集十二首歌由哈斯林格於1828年一月出版，續集則在舒伯特死後1828年十二月出版。
音樂處理
《冬之旅》雖然沒有故事，景色單調，但感情強烈深沉：舒伯特細膩精確地捕捉到原詩的特殊氣氛，用音色的明暗，字句的處理賦予原詩更強烈的生命。
在歌曲形式上，他不再用嚴格的多段覆式而多用自由多段式，貫穿式或是三段式並在重覆A段時加以變化，例如在<河上>、<白首>和<烏鴉>。
有時也用（aab <鬼火>）、（abb〈孤寂〉）、（aabb <勇氣>）、（abcabc <春之夢>）。
在調性和節奏方面：不論是高歌或低吟，舒伯特用的都是比較悲切的語調，因此在24首歌中有16首小調，大調只在回憶、幻覺、夢境時出現。我們可以把這些歌分成三部份來看：旅
人的步伐，不論是堅定、疲憊或迷失，舒伯特常用2/4拍和小調來描寫，像：<晚安>、<歇足>、<孤寂>、<烏鴉>和<勇氣>，有些學者叫這些歌為「行走的歌」（Geh-Lieder），因為在這些歌中，主角一直在雪中行走。
另一些代表幻覺、失落、回億的歌，例如：<春之夢>、<幻覺>、<幻日>、<搖琴老人>，則用 3/4、6/8拍和A大調或a小為調性中心。
還有一组靜態，沉思的歌，如：<菩提樹>、<洪水>、<在河上>、<最後的希望>等，則以大調和e小調為中心
是這種調性和節奏給了《冬之旅》整體的感覺，雖然它沒有連貫的故事，雖然景與景之間沒有關連。但從另一種角度來看，這些歌曲在出版以前，舒伯特曾數度把一些歌曲的調性加以改變，有時是因為原調太高，不易演唱，所以我們也不能說這組歌曲的調性有什麼特別的邏輯順序。
伴奏形式：在《美麗的磨坊少女》，我們常在伴奏部份聽到小溪的流水，水車的轉動，獵人的號角，它們有時甚至重覆出現。在《冬之旅》中，伴奏不再明顯地寫景，除了<菩提樹>中的風聲，<郵車中>的號角聲，<在村裡>的狗錬作響聲之外，我們聽到的多是行走的節奏，快、慢、零亂。舒伯特用簡單的和弦營造冰冷孤獨的感覺，用錯綜的前奏描寫心情的慌亂。
前面說過，《美麗的磨坊少女》和《冬之旅》之間有著密切的關係，更有著相輔相成的作用。如果我們把它們分開來評論時，可能會看輕了前者，認為那些都為了適合當時風尚的輕巧可愛的歌曲，另一方面也可能過度強調《冬之旅》中的灰暗色彩，而忽略了主角最終並沒有自殺而是和無望的生命繼續糾纏。
從另一種角度來看，《冬之旅》的主角比磨坊少年更具悲劇性，因為少年還確信他死後，五月會再來，春花會再開；而《冬之旅》的主角連從死亡中尋找安慰的勇氣都沒有（《客栈》）。因此這兩組歌各有其不同的哲學觀。它們代表著舒伯特本人心理和作曲技術的進展，更重要的是它們是藝術歌曲史上最重要的傑作。
演唱和詮釋
這也是一組純屬男性的歌曲，除了<菩提樹>和<春之夢>由於旋律為人熟知而常被抽出來由男女歌者演唱外，其他歌曲或是整組聯篇，女性歌者很少輕易嘗試，除了極少的例外。
即使對男性歌者來講，這也不是一組容易演唱的歌，太多樂句，詞意需要細膩的處理，感情要豐富，卻絕不能煽情；如何將那些嘆息、哭泣唱得恰到好處，不能只憑美好的聲音。詩詞裡有太多的内心戲，而舒伯特每次所作的重覆都有他的理由，我們的主角不是純真簡單的磨坊少年，而是一位固執驕傲的社會邊緣人物。
《冬之旅》中有很多歌曲，不是靠美麗的旋律，而是靠和聲、音色的變化來吸引人，因此歌者和伴奏者都必須仔細研究和聲和節奏變化和歌詞之間的關係，才能達到應有的效果；更不要忘了，音符與音符之間的休止符～因為它們可能正暗示著某些重要的心理變化程。歌者聲音和表情的戲劇性、強弱的對比彈性速度的運用，都是使這些看似單調的歌曲生動起來的必要條件。（林仁斌潤飾）
1.晚安（Gute Nacht）
歌詞大意：「來時我孤獨一人，去時亦孑然一身。」在鮮花盛開的時節，他與一個女孩兒墜入愛河，並希望與她結成百年之好。但現在世界漫是苦悶，他不得不離開。冷寂的冬夜裡，他在杳無人煙的雪地上尋找著去路。「愛情喜愛四處遊蕩，造物者如是安排，自這個人到那個他。」他在愛人的門上寫上「晚安」，述說著對於她殘存的情意。
| Fremd bin ich eingezogen,
Fremd zieh’ ich wieder aus. Der Mai war mir gewogen Mit manchem Blumenstrauß. Das Mädchen sprach von Liebe, Die Mutter gar von Eh’, – Nun ist die Welt so trübe, Der Weg gehüllt in Schnee. Ich kann zu meiner Reisen Nicht wählen mit der Zeit, Muß selbst den Weg mir weisen In dieser Dunkelheit. Es zieht ein Mondenschatten Als mein Gefährte mit, Und auf den weißen Matten Such’ ich des Wildes Tritt. Was soll ich länger weilen, Daß man mich trieb hinaus? Laß irre Hunde heulen Vor ihres Herren Haus; Die Liebe liebt das Wandern – Gott hat sie so gemacht – Von einem zu dem andern. Fein Liebchen, gute Nacht! Will dich im Traum nicht stören, Wär schad’ um deine Ruh’, Sollst meinen Tritt nicht hören – Sacht, sacht die Türe zu! Ich schreibe nur im Gehen An’s Tor noch gute Nacht, Damit du mögest sehen, An dich hab’ ich gedacht. |
我來時是孤單一個人,
我走時，還是孑然一身。 五月有遍地的風景， 是對我的垂憐。 女孩談著戀愛， 母親還離別了婚姻---- 現在陰冷籠罩了世界， 路上的雪，是厚厚的一層。 起身的時刻， 不該我來決定； 黑夜中的道路， 唯有自己找尋。 陪伴我的歷程的， 只有月光下的沙灘。 白茫茫的大地上， 我找尋著鳥獸的足印。 為什麼要徘徊，等待？ 總有一天會要我離開。 讓離群的狗叫它吧， 既然主人把它關在門外； 愛就喜歡流浪- 這是上帝的安排 - 她來了，然後又離開了。 晚安，我的愛！ 我不想打攪你的安息， 不會把你從夢中槌醒。 你聽不到一點腳步聲 ---- 神秘的，神秘的掩上門！ 我走出門時， 會寫上: 晚安, 你就知道了， 我那掛念著你的心。 |
2.風信旗（Die Wetterfahne）
歌詞大意：她房子上的風向標在風中嘎吱嘎吱作響。在他聽來就像是嘲笑著他這位逃亡者。他嘆息著愛人的離去。「他們又可會在乎我的痛苦？他們的孩子已是富人之婦。」
| Der Wind spielt mit der Wetterfahne
auf meines schönen Liebchens Haus. Da dacht ich schon in meinem Wahne, sie pfiff den armen Flüchtling aus. Er hätt’ es ehr bemerken sollen, des Hauses aufgestecktes Schild, so hätt’ er nimmer suchen wollen im Haus ein treues Frauenbild. Der Wind spielt drinnen mit den Herzen wie auf dem Dach, nur nicht so laut. Was fragen sie nach meinen Schmerzen? Ihr Kind ist eine reiche Braut. |
我心愛女郎的屋頂上，有一個風信旗，
風兒恣意擺弄它的方向。 我的眼裡它卻是， 命運擺弄的無常。 要是他肯抬起眼睛， 把目光投在屋頂上。 他就會懂得，這女郎的忠誠 永遠也不用指望。 風兒在屋頂恣意擺弄著心， 就像在屋子裡一樣，卻沒人知道。 我為什麼要痛苦？很快她就是個 有錢的新娘。 |
3.凍結的眼淚（Gefror'ne Tränen）
歌詞大意：在發現從臉頰上落下冰晶時，他注意到自己在哭泣。他嘆息著他的眼淚竟也會結冰，因為它們來自他那顆足以消釋寒冰的火熱的心。
| Gefror’ne Tränen fallen
von meinen Wangen ab: Ob es mir denn entgangen, daß ich geweinet hab’? Ei Tränen, meine Tränen, und seid ihr gar so lau, daß ihr erstarrt zu Eise wie kühler Morgentau? Und dringt doch aus der Quelle der Brust so glühend heiß, als wolltet ihr zerschmelzen des ganzen Winters Eis! |
臉頰上落下了，
凍結的淚珠。 我幾乎沒發覺， 我已經在痛哭。 淚水啊我的淚， 你真的那麼冷酷， 才結成了冰？ 就像冰涼的朝露。 你卻是源自， 我胸膛的熾熱， 彷彿要融化， 這一冬的冰雪！ |
4.僵硬（心死）（Erstarrung）
歌詞大意：他在雪下枉然地尋找著她留下的足跡。在那裡，他與她曾在如茵的草地上相依而過。他想要俯伏在地面，用眼淚去消釋冰雪，可那裡的鮮花綠草早已凋零。在他已如死灰的心中凍結著她的音容笑貌。如果他心上的寒冰消融的話，那她的印跡也會隨之而去。
| Ich such’ im Schnee vergebens
nach ihrer Tritte Spur, wo sie an meinem Arme durchstrich die grüne Flur. Ich will den Boden küssen, durchdringen Eis und Schnee mit meinen heißen Tränen, bis ich die Erde seh’. Wo find’ ich eine Blüte, wo find’ ich grünes Gras? Die Blumen sind erstorben der Rasen sieht so blaß. Soll denn kein Angedenken ich nehmen mit von hier? Wenn meine Schmerzen schweigen, wer sagt mir dann von ihr? Mein Herz ist wie erfroren, kalt starrt ihr Bild darin: Schmilzt je das Herz mir wieder fließt auch das Bild dahin. |
雪原上我徒勞的尋找,
你的足跡和踪影。 這裡曾是蔥綠的田野， 我擁著你翩翩而行。 我想親吻大地， 用我的熱淚 融化冰雪， 露出泥土。 我那裡去找鮮花？ 我那裡去找綠地？ 花兒都死了， 泥土多麼荒寂。 還有什麼信物， 可以喚起我的回憶？ 可以重現她的芳容？ 我的痛，還在繼續。 我的心如死灰， 她也面若冰霜， 要是有一天，我的心會復活， 她的美貌也會重現榮光！ |
5.菩提樹（Der Lindenbaum）
歌詞大意：他看見那棵刻記著他的愛情的樹。它似乎召喚著他在其庇蔭下休息片刻。但並沒有折返，而是繼續在冬風中前行。在前行數小時後，他仍聽見它在召喚：「你在這裡可以尋回平靜。」
| Brunnen vor dem Tore,
da steht ein Lindenbaum: Ich träumt in seinem Schatten so manchen süßen Traum. Ich schnitt in seine Rinde so manches liebe Wort; es zog in Freud’ und Leide zu ihm mich immer fort. Ich mußt’ auch heute wandern vorbei in tiefer Nacht, da hab’ ich noch im Dunkel die Augen zugemacht. Und seine Zweige rauschten, als riefen sie mir zu: Komm her zu mir, Geselle, hier find’st du deine Ruh’! Die kalten Winde bliesen mir grad ins Angesicht; der Hut flog mir vom Kopfe, ich wendete mich nicht. Nun bin ich manche Stunde entfernt von jenem Ort, und immer hör’ ich’s rauschen: Du fändest Ruhe dort! |
山腳下，籬笆前，
有一棵菩提樹； 多少甜蜜的夢境 我在樹蔭下歡度。 樹幹上刻下了， 多少深情的詩句； 有多少共度的日子， 不管是歡樂還是痛苦。 這個死寂的夜晚， 我又走到它身邊， 濃濃的黑暗中 我也要閉上雙眼。 風中的枝葉颯颯作響， 彷彿是把我召喚： 來找尋安寧，我的朋友， 回到我的身邊！ 寒風呼嘯著， 刮過我的臉頰， 還吹跑了帽子， 我也不去管它。 過去了多少歲月， 我還聽得見，颯颯的聲音： 回到我身邊，朋友， 你就會找到安寧！ |
6.洪水（Wasserflut）
歌詞大意：他的熱淚落下，融於冰雪之中。當春風吹來，冰雪消釋，它們會隨著小河流到她所在的小鎮。
| Manche Trän’ aus meinen Augen
ist gefallen in den Schnee; seine kalten Flocken saugen durstig ein das heiße Weh. Wenn die Gräser sprossen wollen weht daher ein lauer Wind, und das Eis zerspringt in Schollen und der weiche Schnee zerrinnt. Schnee, du weißt von meinem Sehnen, Sag’ mir, wohin doch geht dein Lauf? Folge nach nur meinen Tränen, nimmt dich bald das Bächlein auf. Wirst mit ihm die Stadt durchziehen, munt’re Straßen ein und aus; Fühlst du meine Tränen glühen, da ist meiner Liebsten Haus. |
我眼中的淚水，
滴滴灑在雪地上； 冰雪卻吮飲著， 我燃燒的悲傷。 大地返青的時候， 會吹來溫暖的和風， 會融化深深的積雪， 會打破堅硬的冰封。 雪花啊，你懂得我的渴望， 告訴我你要奔去的方向！ 還是隨著我的淚水， 順著小溪流淌。 它會帶你經過村莊， 穿過喧鬧的街道。 要是覺得淚水發燙， 就是到了她的屋旁。 |
7.在河上（Auf dem Flusse）
歌詞大意：嚴冰下的小河並沒有為他送別。他在冰上留下了對於那份愛的紀念。那條河是他那顆外表已滿是嚴冰，內里仍洶湧流動的內心的寫照。
| Der du so lustig rauschtest,
du heller, wilder Fluß, wie still bist du geworden, gibst keinen Scheidegruß. Mit harter, starrer Rinde hast du dich überdeckt, liegst kalt und unbeweglich im Sande ausgestreckt. In deine Decke grab’ ich mit einem spitzen Stein den Namen meiner Liebsten und Stund und Tag hinein: Den Tag des ersten Grußes, den Tag, an dem ich ging; um Nam’ und Zahlen windet Sich ein zerbrochner Ring. Mein Herz, in diesem Bache erkennst du nun dein Bild? Ob’s unter seiner Rinde Wohl auch so reißend schwillt? |
你流淌得多歡快，
清澈的歡騰的小溪， 可你總是沉默， 不願留下告別的言語。 你用堅硬的面具 隔絕了自己。 沙灘中躺著的， 是你冷硬的身體。 我用銳利的石塊， 在你身上刻下 我心上人的名字, 還有那些日子： 我們初次約會的日子， 我離去的日子： 殘破的指環纏繞著 多少名字與數字。 我的心啊，你是否認出 小溪里有你的幻影？ 你的冰層下面， 是否也有激流在奔騰？ |
8.回顧（Rückblick）
歌詞大意：他從小鎮中倉皇逃出，回想起春天時到達「這滿是世態炎涼的小鎮」的光景，以及那雙俘獲了他的眼。每當想到這些時，他都想要回去，靜靜地站在她家房前。
| Es brennt mir unter beiden Sohlen,
Tret’ ich auch schon auf Eis und Schnee, Ich möcht’ nicht wieder Atem holen, Bis ich nicht mehr die Türme seh’. Hab’ mich an jeden Stein gestoßen, so eilt’ ich zu der Stadt hinaus; die Krähen warfen Bäll’ und Schloßen auf meinen Hut von jedem Haus. Wie anders hast du mich empfangen, du Stadt der Unbeständigkeit! An deinen blanken Fenstern sangen die Lerch’ und Nachtigall im Streit. Die runden Lindenbäume blühten, die klaren Rinnen rauschten hell, und ach, zwei Mädchenaugen glühten. – Da war’s gescheh’n um dich, Gesell’! Kömmt mir der Tag in die Gedanken, möcht’ ich noch einmal rückwärts seh’n, möcht’ ich zurücke wieder wanken, vor ihrem Hause stille steh’n. |
我踏著燃燒的火焰，
雖然腳下被冰雪蓋滿； 我不會停下來，哪怕喘一口氣， 直到那塔樓再也看不見。 每塊石頭都絆倒了我， 我離開得多麼倉皇； 每個房頂都有聒噪的烏鴉， 把雪球和冰雹扔到我頭上。 你迎接我時可不一樣， 你這背信的村莊！ 夜鶯在明亮的窗前， 與百靈競相歌唱。 酸橙樹開花了， 小溪在下面流淌， 還有啊，女郎的眼睛在閃光—— 朋友呀，你還能怎麼樣。 當我回想起那一天， 我多想往後看一眼， 我多想絆倒以後，就能回去 默默的站在她門前。 |
9.鬼火（Irrlicht）
歌詞大意：山中的鬼火總是引他誤入歧途，但他已習以為常，因為他終能找到目的地。我們的喜樂與憂愁也正如那鬼火一樣。像那終將入海的河流，憂愁也都會走入墳墓。
| In die tiefsten Felsengründe
lockte mich ein Irrlicht hin: Wie ich einen Ausgang finde, liegt nicht schwer mir in dem Sinn. Bin gewohnt das Irregehen, ‘s führt ja jeder Weg zum Ziel: Unsre Freuden, unsre Wehen, alles eines Irrlichts Spiel! Durch des Bergstroms trock’ne Rinnen wind’ ich ruhig mich hinab, jeder Strom wird’s Meer gewinnen, jedes Leiden auch ein Grab. |
我在深谷的深處,
見到誘人的鬼火; 就不用再擔心, 在路途上的迷惑. 我無所謂走入歧途; 是路就會有目的, 我們的歡樂,我們的悲傷, 都是些鬼火的遊戲! 沿著山腳下的河床, 我默默的走我的路. 所有河流都奔向大海, 所有悲哀都奔向墳墓. |
10.歇足（Rast）
歌詞大意：在他歇腳時，他才意識到自己已疲憊不堪。但在找到庇身之所後，他卻並未得到安適。而那條毒蟲也在不停齧咬著他的那顆心。
| Nun merk’ ich erst, wie müd’ ich bin,
da ich zur Ruh’ mich lege: das Wandern hielt mich munter hin auf unwirtbarem Wege. Die Füße frugen nicht nach Rast, es war zu kalt zum Stehen; der Rücken fühlte keine Last, der Sturm half fort mich wehen. In eines Köhlers engem Haus hab’ Obdach ich gefunden; doch meine Glieder ruh’n nicht aus: So brennen ihre Wunden. Auch du, mein Herz, in Kampf und Sturm so wild und so verwegen, fühlst in der Still’ erst deinen Wurm mit heißem Stich sich regen! |
我第一次發覺,我已多麼疲倦
於是我躺下歇息; 我總是不斷的流浪 在那荒無人煙的路上. 我的腳並不想休息, 站著時風太冷太急. 我的雙肩也感不到負擔, 風暴把我吹著往前. 在燒炭工的棚屋裡, 我找到了庇護. 我的翅膀還沒有停下, 我的傷口多麼痛楚. 在暴風裡掙扎的時候, 我的心也那麼瘋狂,那麼堅強 在平靜中才知道,心裡的那根針 將伴隨我的一生. |
11.春之夢（Frühlingstraum）
歌詞大意：夢中，他見到花草繽紛的五月，以及與愛人的種種過往。醒時，眼前耳邊的卻是寒冷晦暗，烏鴉聒噪。他看到有人在窗上的霜上作畫。他想那人或許會嗤笑他這位妄想者。他閉上眼默想著：「那樹何時能回春？我又何時能將愛人重擁入懷？」
| Ich träumte von bunten Blumen,
So wie sie wohl blühen im Mai; Ich träumte von grünen Wiesen, Von lustigem Vogelgeschrei. Und als die Hähne krähten, Da ward mein Auge wach; Da war es kalt und finster, Es schrieen die Raben vom Dach. Doch an den Fensterscheiben, Wer malte die Blätter da? Ihr lacht wohl über den Träumer, Der Blumen im Winter sah? Ich träumte von Lieb’ um Liebe, Von einer schönen Maid, Von Herzen und von Küssen, Von Wonn’ und Seligkeit. Und als die Hähne kräten, Da ward mein Herze wach; Nun sitz ich hier alleine Und denke dem Traume nach. Die Augen schließ’ ich wieder, Noch schlägt das Herz so warm. Wann grünt ihr Blätter am Fenster? Wann halt’ ich mein Liebchen im Arm? |
我夢見繽紛的鮮花,
那是五月的花朵; 我夢見翠綠的草地, 到處有鳥兒在歡歌. 雄雞初啼的時候, 我的眼睛已經醒來; 外面又冷又黑, 寒鴉在屋頂上徘徊. 又是誰在窗戶上, 畫上這些綠葉? 莫非在嘲弄這個冬天裡 看見鮮花的做夢者? 我夢見永恆的愛情, 夢見美麗的女郎, 夢見了心和熱吻, 夢見歡樂和幸運. 雄雞初啼的時候, 已經把我的心叫醒. 我孤零零的坐著, 回想著我的夢境. 我又閉上了眼睛, 我的心跳裡還有熱情. 窗外的樹葉何時才能變綠? 我何時才見得到我的愛人? |
12.孤寂（Einsamkeit）
歌詞大意：他漫行著，像是那天邊的孤雲，走過那曾經光鮮的生活。「當暴雪襲來，我也許就不會如是淒涼。」
| Wie eine trübe Wolke
durch heit’re Lüfte geht, wenn in der Tanne Wipfel ein mattes Lüftchen weht: So zieh ich meine Straße dahin mit trägem Fuß, durch helles, frohes Leben, einsam und ohne Gruß. Ach, daß die Luft so ruhig! Ach, daß die Welt so licht! Als noch die Stürme tobten, war ich so elend nicht. |
一片烏雲
飄過了晴空, 樹梢上吹過, 一絲輕風. 我上了路, 步履蹣跚, 生活歡樂光明, 我畸零而孤單. 啊,空氣多麼清澄, 啊,世界多麼光明! 暴風來的時候, 我不會太傷心. |
13.郵車（Die Post）
歌詞大意：他聽見遠處響起的郵號。「我的心啊，你為何如此悸動？又沒有寫給你的信！」郵差是從她所在的小鎮而來。他想要去從那裡打探些消息。
| Von der Straße her ein Posthorn klingt.
Was hat es, daß es so hoch aufspringt, mein Herz? Die Post bringt keinen Brief für dich. Was drängst du denn so wunderlich, mein Herz? Nun ja, die Post kömmt aus der Stadt, wo ich ein liebes Liebchen hatt’, mein Herz! Willst wohl einmal hinüberseh’n und fragen, wie es dort mag geh’n, mein Herz? |
街道上響起了郵號,
你為什麼要狂跳, 我的心? 沒有你的信,沒有一封, 你為什麼要激動, 我的心? 郵差就來自那個小鎮, 那兒有我從前的愛人, 我的心! 你是否想探出窗外, 問一聲,那裡成了什麼樣子, 我的心? |
14.白首（Der greise Kopf）
歌詞大意：他的頭上已積了一層厚厚的雪，讓他像一個白髮蒼蒼的老翁。但他卻感到十分快樂。但當積雪消融，青絲重回，他卻又為自己的年輕感到恐懼：「就木之路何其長矣。」
| Der Reif hatt’ einen weißen Schein
mir übers Haar gestreuet; da glaubt’ ich schon ein Greis zu sein Und hab’ mich sehr gefreuet. Doch bald ist er hinweggetaut, hab’ wieder schwarze Haare, daß mir’s vor meiner Jugend graut – wie weit noch bis zur Bahre! Vom Abendrot zum Morgenlicht ward mancher Kopf zum Greise. Wer glaubt’s? und meiner ward es nicht auf dieser ganzen Reise! |
嚴霜給我的頭髮,
穿上了一件白衣; 彷彿我已白髮蒼蒼, 我倒有點歡喜. 可它一會兒就化了, 我又是滿頭青絲. 我為我的年輕悲哀, 還有多久才能躺進棺材? 從黃昏到黎明, 多少人就白髮蒼蒼. 誰相信呢?我的頭髮 卻根本不是像他們那樣! |
15.烏鴉（Die Krähe）
歌詞大意：一隻烏鴉一直在他頭上盤旋，或許是想要蠶食他的屍體。「那已不在遙遠。烏鴉，在我闔上這雙眼前，就讓我看看你的忠誠！」
| Eine Krähe war mit mir
Aus der Stadt gezogen, Ist bis heute für und für Um mein Haupt geflogen. Krähe, wunderliches Tier, Willst mich nicht verlassen? Meinst wohl, bald als Beute hier Meinen Leib zu fassen? Nun, es wird nicht weit mehr geh’n An dem Wanderstabe. Krähe, laß mich endlich seh’n, Treue bis zum Grabe! |
有隻烏鴉緊隨著我
一直飛出了村莊, 到了現在這個時候 還盤旋在我頭上. 烏鴉啊,你這個怪物, 幹嗎要緊追不捨? 是不是想要,馬上 把我的屍體吞噬? 不過,很快我就不會扶著拐杖 繼續在大地上流浪. 烏鴉啊,你倒是真的 忠誠的伴著我到了墳上! |
16.最後的希望（Letzte Hoffnung）
歌詞大意：他將他最後的希望寄寓於樹上的一片樹葉。那樹葉正在風中瑟瑟作抖。如果它也隨風飄落的話，他的希望也會隨之而去。而他也會俯伏地面，在埋葬希望之地哭泣。
| Hie und da ist an den Bäumen
manches bunte Blatt zu seh’n, und ich bleibe vor den Bäumen oftmals in Gedanken steh’n. Schaue nach dem einen Blatte, hänge meine Hoffnung dran; spielt der Wind mit meinem Blatte, zittr’ ich, was ich zittern kann. Ach, und fällt das Blatt zu Boden, fällt mit ihm die Hoffnung ab; fall’ ich selber mit zu Boden, wein’ auf meiner Hoffnung Grab. |
五彩的葉子,
掛滿了樹枝, 我常常站在樹下 恍然若失. 我要找一片葉子, 放上我最後的希望; 要是風吹落了它, 就一切都完了. 啊!要是葉子落到了地上, 我的希望就隨之落下; 我也會墜到地上, 哀泣我的希望被埋葬 |
17.在村裡（Im Dorfe）
歌詞大意：村中的狗在肆意吠叫。人們在床上安眠，夢著那些虛妄之物。儘管那些東西在他們醒時就會隨之而去，但他們還是樂於在枕上尋得安樂鄉。「我的夢想早已破滅。我卻又為何在這沉睡的人間遊走？」
| Es bellen die Hunde, es rascheln die Ketten;
es schlafen die Menschen in ihren Betten, träumen sich manches, was sie nicht haben, tun sich im Guten und Argen erlaben: Und morgen früh ist alles zerflossen. Je nun, sie haben ihr Teil genossen und hoffen, was sie noch übrig ließen, doch wieder zu finden auf ihren Kissen. Bellt mich nur fort, ihr wachen Hunde, laßt mich nicht ruh’n in der Schlummerstunde! Ich bin zu Ende mit allen Träumen— was will ich unter den Schläfern säumen? |
獵犬們在狂吠，他們的鐵鍊嚓嚓作響；
人們在床上安睡， 他們夢見從不曾擁有的東西， 他們從夢中的悲喜裡得到安慰。 第二天早晨一切化為烏有。 可是他們樂此不疲， 指望在枕頭上找回， 留給他們的痕跡。 轟我走吧，你這不眠的獵狗！ 叫我在睡眠裡再也找不到安息！ 我做完了這所有的夢 為什麼還要在安睡者中間游移呢？ |
18.暴風雨的早上（Der stürmische Morgen）
歌詞大意：風暴自天邊襲來，映射著他那顆漫是狂風的心。
| Wie hat der Sturm zerrissen
des Himmels graues Kleid! Die Wolkenfetzen flattern umher im matten Streit. Und rote Feuerflammen zieh’n zwischen ihnen hin; Das nenn’ ich einen Morgen so recht nach meinem Sinn! Mein Herz sieht an dem Himmel gemalt sein eig’nes Bild – es ist nichts als der Winter, der Winter, kalt und wild! |
看吧，天空灰白色的外衣
給狂風撕得粉碎！ 雲彩的殘片在飄飛， 他們左沖右突，多麼疲憊。 有一束火熱的光芒， 突然破雲而出： 這樣的一個早晨， 偏偏最讓我欣慰！ 我的心看到的天空 就像它自己一樣---- 這只是一個寒冬， 顫栗的殘忍的寒冬！ |
19.幻覺（Täuschung）
歌詞大意：跳動的光點引他四處打轉。他卻一直欣喜地跟著它們。他看到在那冰冷可怖的黑夜裡，有一處明亮溫暖的宅邸。只有在幻象里，他才能找到片刻溫存。
| Ein Licht tanzt freundlich vor mir her,
ich folg’ ihm nach die Kreuz und Quer; ich folg’ ihm gern und seh’s ihm an, daß es verlockt den Wandersmann. Ach! wer wie ich so elend ist, gibt gern sich hin der bunten List, die hinter Eis und Nacht und Graus ihm weist ein helles, warmes Haus. und eine liebe Seele drin – nur Täuschung ist für mich Gewinn! |
有一束火光，在我面前親切的搖擺，
我隨著它四處漫遊； 我跟緊了它，看它到處徘徊 引誘著流浪者繼續向前。 唉！我多可憐 滿心歡喜的前去受騙， 我彷彿看見了冰雪和可怖的夜晚， 還有溫暖明亮的屋子， 親愛的人兒就在裡面---- 唉，我得到的只是虛幻！ |
20.路標（Der Wegweiser）
歌詞大意：「我不曾犯過不可告人之錯，為何要去行走於無人的淒涼之地？」他不曾停歇地漫行著，卻並未找到片刻安寧。在他的眼前豎著一個路標。「我要去走那無人能歸之路。」
| Was vermeid’ ich denn die Wege,
wo die ander’n Wand’rer gehn, suche mir versteckte Stege durch verschneite Felsenhöh’n? Habe ja doch nichts begangen, daß ich Menschen sollte scheu’n, – welch ein törichtes Verlangen treibt mich in die Wüstenei’n? Weiser stehen auf den Strassen, weisen auf die Städte zu, und ich wand’re sonder Maßen ohne Ruh’ und suche Ruh’. Einen Weiser seh’ ich stehen unverrückt vor meinem Blick; eine Straße muß ich gehen, die noch keiner ging zurück. |
為何我要避開光明的大道，
上面的人群熙熙攘攘， 卻要尋找幽暗的路徑， 在懸崖邊踽踽獨行？ 可我做的沒有錯 我要避開人群。 把我驅進荒原的， 是怎樣愚蠢的熱情？ 大道邊有一隻路標， 路標就指向村莊； 我精疲力竭地向前走去， 想找個地方躺一躺。 路標就在我前面， 在我的眼前堅如磐石。 我要走上的道路， 從來沒有人能夠歸還。 |
21.客棧（Das Wirtshaus）
歌詞大意：他走到了一處墓園。但這「客棧」的「客房」卻全都滿了。他不得不帶著那一路跟著他的手杖繼續前行。
| Auf einen Totenacker
hat mich mein Weg gebracht; Allhier will ich einkehren, hab’ ich bei mir gedacht. Ihr grünen Totenkränze könnt wohl die Zeichen sein, die müde Wand’rer laden ins kühle Wirtshaus ein. Sind denn in diesem Hause die Kammern all’ besetzt? Bin matt zum Niedersinken, bin tödlich schwer verletzt. O unbarmherz’ge Schenke, doch weisest du mich ab? Nun weiter denn, nur weiter, mein treuer Wanderstab! |
我腳下的路通向墓地.
這可是藉宿的好地方， 我告訴自己. 綠色的花圈就當作招牌, 疲憊的漫遊者們,到這冰冷的旅店裡來. 可是,難道房間早已住滿? 我遍體鱗傷,奄奄一息. 冷血的主人,你真的要把我驅趕? 那就走吧,我忠誠的手杖啊, 繼續向前. |
22.勇氣（Mut）
歌詞大意：他撣去了臉上的雪，高聲唱著歌，忘卻心底的自責。他面對著風雪暢快地前行「如果已無救世主，那我們自己就是神吧！」
| Fliegt der Schnee mir ins Gesicht,
schüttl’ ich ihn herunter. Wenn mein Herz im Busen spricht, sing’ ich hell und munter. Höre nicht, was es mir sagt, habe keine Ohren; fühle nicht, was es mir klagt, Klagen ist für Toren. Lustig in die Welt hinein gegen Wind und Wetter! Will kein Gott auf Erden sein, sind wir selber Götter! |
雪花沾上了雙頰，
我把它抖落在地上。 我的心在胸中痛哭， 我卻在歡天喜地的歌唱。 它說的話我聽不見， 我沒長耳朵； 我不懂它幹嗎要悲嘆， 傻子才會悲嘆。 我大步流星地走進世界， 管它什麼疾風和暴雨！ 要是人世間沒有上帝， 上帝就是我們自己！ |
23.幻日（Die Nebensonnen）
歌詞大意：他盯著天空中的三個太陽。「你們並不是我的太陽！曾經我確實有三個，但我喜愛的那兩個早已西斜。如果第三個也落下的話，在黑暗裡我會更快樂。」
| Drei Sonnen sah ich am Himmel steh’n,
hab’ lang und fest sie angeseh’n; und sie auch standen da so stier, als könnten sie nicht weg von mir. Ach, meine Sonnen seid ihr nicht! Schaut Andren doch ins Angesicht! Ja, neulich hatt’ ich auch wohl drei; nun sind hinab die besten zwei. Ging nur die dritt’ erst hinterdrein! Im Dunkeln wird mir wohler sein. |
我看見,天上有三個太陽,
我死死地盯住它們不放; 它們也盯著我, 好像不願意離開一樣. 可是呀,你們都不是我的太陽! 去盯著別人吧! 從前,我也有過三個太陽; 最愛的兩個已經不知去向. 剩下的那個,你也走吧! 我還是在黑暗中更自在. |
24.搖琴的人（Der Leiermann）
歌詞大意：在村外站著一位演奏者手搖風琴的人，用他已凍僵的手指搖著風琴的搖杆。他的演奏無人問津，只有狗在他身邊吠叫。他任它們隨意吠叫，一刻不停地演奏著。「這位老人，我能與你同行麼？你能伴著我的歌演奏風琴麼？」
| Drüben hinterm Dorfe
steht ein Leiermann und mit starren Fingern dreht er, was er kann.Barfuß auf dem Eise wankt er hin und her und sein kleiner Teller bleibt ihm immer leer.Keiner mag ihn hören, keiner sieht ihn an, und die Hunde knurren um den alten Mann.Und er läßt es gehen alles, wie es will, dreht und seine Leier steht ihm nimmer still. Wunderlicher Alter, soll ich mit dir geh’n? Willst zu meinen Liedern deine Leier dreh’n? |
有一位風琴師,他站在村口,
努力地在琴鍵上,擺弄著凍僵的指頭. 他沒穿鞋,深一腳淺一腳地踩著冰雪, 他跟前的盤子還是空空如也. 沒有人聽他的,也沒有人看他一眼, 狼狗們還向他咆哮. 可是他全不在乎,任之泰然, 他奏著琴,不會有停下的一天. 陌生的老人,我能否隨你而去? 在你的風琴上唱出我的歌曲? |
搖琴的人（Der Leiermann）
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【BON音樂】大人音樂欣賞偉大交響曲系列：總論課程─綜談歷史上的交響曲與發展
【BON音樂】大人音樂欣賞偉大交響曲系列：總論課程─綜談歷史上的交響曲與發展
All about Symphony History
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蹦藝術 | BONART
第1堂：交響曲總論課程─綜談歷史上的交響曲與發展
「交響曲」（Symphony）一詞來自希臘語的「συμφωνία」（Symphonia），意指「和諧或一致的聲音」，而由管弦樂演奏之交響曲，更是古往今來所有音樂家們的至高至聖音樂殿堂，交響曲在數百年間，更從器樂作品，一路演化至代表人類崇高心靈之聲，甚至被形容為宇宙運行的聲音。理解與認識交響曲，是每一位古典音樂愛好者必然步上的道路；林仁斌老師將帶領大人逐步認識交響的歷史、分解曲式脈絡，賞析重要樂曲精髓，讓您輕鬆徜徉於交響音樂美妙世界中。
講師介紹 林仁斌老師
知名的旅法長笛家：演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家；近年他創辦《蹦藝術|BONART》網站，更是眾多單位邀約之知名音樂導聆人。透過精彩系列課程規劃與《蹦藝術|BONART》豐富音樂影音資料庫，讓更多人能輕鬆無壓力地參與音樂欣賞這項全民運動。
2021年最新課程資訊
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週二班
經典歌劇(10/19週二下午班，共5堂)：認識歌劇X經典愛情X大師巨作
交響曲(11/23週二下午班，共5堂)：貝多芬X舒伯特X馬勒
協奏曲(12/28週二下午班，共5堂)：橫跨200年經典弦樂協奏曲
週四班
文學音樂(11/4週四下午班，共5堂)：輕鬆聽懂文學名著x音樂大師
Sinfonia 字義
在文藝復時期，「Sinfonia」這個詞，其實也被用来作為器樂曲的代名詞。當時交響曲並不具有特定的形式，「Sinfonia」僅表示首曲子不是聲樂曲而已。
鍵盤音樂的「Sinfonia」
https://youtu.be/HdMPK2nHF_0
交響音樂的「Sinfonia」
https://youtu.be/v4XNuZtk0Eo
文藝復興時期的樂器介紹 - 1
https://youtu.be/r9tSe0MAd6o
文藝復興時期的樂器介紹 - 2
https://youtu.be/kqgUB0EyjVA
文藝復興時期的最常用的20項樂器
https://youtu.be/Jibux9rsXHw
法式序曲與義大利序曲
（資訊整理於網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
十七、十八世紀時，交響樂與歌劇經常使用之序曲，有著「開場」的功能與效果，而序曲的形式分為兩大類：「法式序曲」與「義大利序曲」。
「法式序曲」主要由「慢、快、慢」三個段落組成，中段經常為賦格形式，末段再現篇幅較短。 「義大利序曲」主要由「快、慢、快」三個段落組成，後式的交響曲即由此曲式逐漸演變而成。
進入十九世紀之後，作曲家逐漸將交響曲發展為「巴洛克時期的序曲附屬於歌劇，作為開演前的準備音樂。分成二派：義大利序曲及法國序曲，有著不同的風格。」之三樂章作品，結構大多為奏鳴曲快板曲式（呈示-發展-再現），有時附帶有標題。歌劇序曲自作曲家葛路克以後，常有暗示劇情的作用。
法式序曲
《皇家煙火》以法式序曲形式的第一樂章開頭，後續則包括了布雷舞曲和小步舞曲等舞曲組曲，與名為《和平》與《歡慶》等，共五個樂章組成。
《皇家煙火》（Music for the Royal Fireworks）HWV 351是韓德爾受英王喬治二世委託、創作於1749年的組曲，也是韓德爾最富盛名的作品之一。
話說1748年10月，英、法終於結束長達八年的奧地利王位爭奪戰，英國為了慶祝簽訂和約成功，與境內終歸和平，遂預備於隔年春天在倫敦綠色公園（Green Park）舉行煙火大會。
樂長韓德爾接受喬治二世任命為音樂總指揮，為百人組成的軍樂隊譜寫適合在戶外演出的管弦樂曲。
為了配合露天演出並襯托出煙火秀的華美壯麗，勢必需要龐大的樂隊編制，才能製造豐滿的音響效果；據聞在彩排時樂團編制樂器總數破百，現場觀眾超過一萬人，嚴重的交通阻塞還在史上留下一筆紀錄。
這描繪皇家煙火於1749年5月15日在英國倫敦泰晤士河上施放情景的插畫：
《皇家煙火》全曲共分以下段落：
- *第一樂章《序曲》（Ouverture）：慢板、快板、慢板、快板
- 第二樂章《布雷舞曲》（Bourrée）
- 第三樂章《和平》（La Paix）：西西里舞曲
- *第四樂章《歡慶》（La Réjouissance）：快板
- 第五樂章《小步舞曲1與2》（Menuets I and II）：第2部份有時被獨立劃分，成為第六樂章。
古樂演奏版本（時代樂器）：
古樂專家 – 約迪·沙瓦爾 (Jordi Savall) 指揮版本
1.Ouverture: Adagio, Allegro, Lentement, Allegro 0:00
2.Bourrée 7:44
3.La Paix: Largo alla siciliana 9:43
4.La Réjouissance: Allegro 13:02
5.Menuets I and II 17:16
韓德爾：《彌賽亞》序曲
https://youtu.be/-5feattSotM
巴赫：第二號管弦樂組曲 BWV1067
https://youtu.be/K9ytFf2Vwbo
義大利序曲
主要以「快-慢-快」三段體為主。而這種結構更成為後來交響曲的基礎。
「義大利序曲」- 史卡拉第
Alessandro Scarlatti - Sinfonia avanti l'Opera Griselda
https://youtu.be/8YYS-sqYg5s
Domenico Scarlatti. Tolomeo e Alessandro (1711)
https://youtu.be/Exgy6-fliX0
葛路克：歌劇《Paride ed Elena》序曲
https://youtu.be/VFfuU3zWTgc
到了18世紀後半葉以後的古典序曲，則大多改採「奏鳴曲式」之結構。
海頓早期交響曲
第六號《清晨》
https://youtu.be/6_RoS-MrgSg
第七號交響曲《中午》
https://youtu.be/4e73L1m0hfI
第八號交響曲《晚間》
https://youtu.be/aDNNeinbDbc
音樂上的洛可可
「洛可可風格」也泛指18世紀初，開始於繪畫、音樂、室內設計、文學等等不同藝術領域的風格總稱，也被稱之為「Style galant」（法文）。在「巴洛克時期」（1600-1750）將盡，「古典時期」（1700-1800）萌芽之初，「洛可可風格」音樂風格成為了中間的過渡期，在音樂史上顯得非常特別而短暫。有些學者認為「洛可可風格」可歸類為「前古典主義」。
大約在 1720 - 1775年，十八世紀前半期的法國，「洛可可風格」與其他的音樂風格同時流行。此時的音樂特色是輕鬆愉快、旋律經過作曲家刻意設計、呈現出較為裝飾華麗的清晰旋律；若相對於之前巴洛克時期重視「複音音樂風格」之多重線條的對位風格，「洛可可風格」音樂裡，多以工整的四小節或八小節旋律架構為主，具有清晰旋律與明確的音樂強弱對比，更容易被喜愛音樂之貴族與沙龍音樂人士接受，因而廣受歡迎。
洛可可時期 介紹影片
https://www.youtube.com/watch?v=HLE7WKiJjxM
於是從 1730年代法國國王「太陽王」路易十四的年代，「洛可可風格」音樂在法國高度發展，貴族到平民，蔚為時尚。其興盛年份大致於 1720 - 1770年左右，從音樂、戲劇到歌劇皆可欣賞這樣的風格～與「古典時期」音樂風格其實是並行發展的，這樣的風格在法國及其他地區盛行許久，後來「洛可可風格」則逐漸消退，由更加廣義的「古典主義」所取代。
音樂風格中帶有洛可可風格的作曲家有：
庫普蘭（François Couperin, 1668-1733）
拉默（Jean-Philippe Rameau, 1683-1764）
泰雷曼（Georg Philipp Telemann, 1681-1767）
多明尼克.史卡拉第（Domenico Scarlatti, 1685-1757）
約翰·史塔密茲（Johann Stamitz, 1717-1757）
雷奧波德·莫札特（Leopold Mozart, 1719-1787）
沃夫岡.阿瑪迪斯.莫札特（Wlogang Amadeus Mozart, 1719-1787）
等等作曲家。
「洛可可風格」音樂欣賞
以下播放列表為「洛可可風格」，共有 7段音樂。
按下↓「左上方」，可以換軌欣賞音樂：
https://www.youtube.com/watch?v=Qmsu1XaJbuQ&t=3s&list=PLRLnnyogzVDQf78zb61syxAZinf4y3Dhp&index=2
路易.史博：第六號交響曲《歷史》op.116（1839）
這首交響曲非常有意思，史博可易於四個樂章的架構中，模仿自1720年巴洛克風格起、經過1780古典時期與1810的浪漫萌芽時期，最後是他創作本交響曲的1840年，以四樂章的不同風格演變帶我們走過百餘年的交響曲演變，非常值得一聽
| 0:00 Movement One: Bach-Handel'sche Periode, 1720. Largo grave-Allegro moderato-Pastorale-Tempo I
6:16 Movement Two: Haydn-Mozart'sche Periode, 1780. Larghetto 13:15 Movement Three: Beethoven'sche Periode, 1810. Scherzo & Trio 19:32 Movement Four: Allerneueste Periode, 1840. Finale. Allegro vivace |
https://youtu.be/Wd8w3sj-iUY
前期古典主義風格 淺說
常見的「前古典主義」，如果依據不同國家之音樂特色，亦可再細分為法國和義大利的「嘉蘭特風格」（Gallant style），德國北方的「感傷風格」（Empfindsamer Stil）以及「感傷風格」的廣義音樂風格：「狂飆風格」（Sturm und Drang）。
「嘉蘭特風格」（Gallant style）
「嘉蘭特風格」音樂較為輕快、高貴、優雅，有時還帶點詼諧趣味。以調性來說並不複雜，多為主調音樂。「嘉蘭特風格」之音樂特色為短樂句，在幾個小節內呈現單純旋律，和聲並不複雜，以輕鬆悅耳為感受。到了 1735年，也開始使用「古典時期」經常使用之「分解和弦」，又稱「阿爾貝堤低音」（Alberti bass）。
以下是「嘉蘭特風格」各種語言版本：
Gallant style（英文）
Galanter Stil（德文）
Style gallant（法文）
Stile galante（義大利文）
由於「Galant」 一詞，原義為法文中「尋樂」、「追求享受」之意，之後則被引申為「優雅嫻熟」的形容詞，也被學者們指出具有「法國宮廷趣味」之意。
「嘉蘭特風格」音樂欣賞
以下播放列表為「嘉蘭特風格」，共有 24段音樂。
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https://www.youtube.com/playlist?list=PLpGWnF9wnoNzTL_Wq8zJx1a2anHUMCL2C
「感傷風格」（Empfindsamer Stil）
「感傷風格」（Empfindsamer Stil）則是指一部音樂作品中，作曲家須在表現手法和感情上有連續性的變化，同時在音樂之力度強度與樂句前後呼應也須有連貫之情感。旋律設計部分並未包含過多之裝飾音，以乾淨、簡潔但明確的弦律線條著稱。給予聽者的情緒感受，反而因為音樂本質單純化，更能感受到和聲之美與音樂性與感受性。
「感傷風格」音樂欣賞
以下播放列表為「感傷風格」，共有 7段音樂。
按下↓「左上方」，可以換軌欣賞音樂：
https://www.youtube.com/watch?v=eOdyCjMlJLM&list=PLyRWx8x43ZJrgqyvg85tzzYBmORM5tgRa
「狂飆風格」音樂欣賞（Sturm und Drang）
「狂飆風格」則指是 1760年至 1785年左右，發生在德國文學界的一場運動，並在1770年代達到高峰。當時其藝術目的以反理智且主觀的風格，表現情緒的恐慌、驚愕、暈眩以及戲劇般的壓倒性，令人感到驚恐。所有「狂飆風格」的追隨者都強烈信仰個人自由，特別是從傳統以來受到束縛的藝術創作傳統中，達到解放，近雃創造出真正自由之音樂風格。除了音樂之外，戲劇是最能代表「狂飆風格」的藝術形式。
以音樂來說，海頓寫作於 1770年之間之小調交響作品，如No.26, No.44, No. 49, No.52 與 No.59，均可視為具有「狂飆風格」之風格。
此三種風格在前古典主義在巴洛克風格中孕育成形，並 與羅可可風格其同生共存，但就某些方面來說，或多或少是對巴洛克風格的反動 思潮。
「狂飆風格」音樂欣賞
海頓交響曲 No.26, 44, 52, 59
https://www.youtube.com/watch?v=5xMjStDLh-g
而莫札特著名的第 25號 g小調交響曲第一樂章，因為強烈戲劇性，也是屬於「狂飆風格」。
https://youtu.be/ApvqOhbsriA
透過上述的解說，相信大家對於長期以來的「洛可可風格」有了更加明確的了解吧～
如果您再仔細聆聽過「嘉蘭特風格」、「感傷風格」與「狂飆風格」，確實理解這幾種古典樂派前期的音樂風格，那麼未來欣賞古典時期音樂時，將猶如武俠小說中所說的～「內力精純深厚」喔！
貝多芬第一號交響曲
https://youtu.be/xcaUGsL2EpI
布拉姆斯第一號交響曲
https://youtu.be/r8LhN7GN3q0
馬勒：第一號交響曲
https://youtu.be/ypClfhEwwCw
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【BON音樂】蔚藍人文堂第100場Ｘ樂賞基金會 - 與魔鬼交換靈魂的小提琴之神 - 談帕格尼尼．精彩的人生與音樂
【BON音樂】蔚藍人文堂第100場Ｘ樂賞基金會 - 與魔鬼交換靈魂的小提琴之神 - 談帕格尼尼．精彩的人生與音樂
All about Niccolò Paganini for online course
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蹦藝術 | BONART
主講：林仁斌（旅法音樂家．蹦藝術執行長） 美西時間：週六11/20晚上六點 台灣時間：11/21週日上午十點
帕格尼尼．誕生與逝世
（生平資料整理於網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
1782 意大利小提琴家、作曲家帕格尼尼（Niccolò Paganini, 1782-1840）出生於義大利的熱那亞。
帕格尼尼晚貝多芬12年出生，也晚貝多芬13年過世，與舒伯特、舒曼、孟德爾頌、李斯特等音樂家同時期活躍於歐洲，據說只要聽過他的演奏的人，都為其過於超群的神技般的技巧而驚嘆。
帕格尼尼的屬於晚期古典樂派與早期浪漫樂派音樂家，是歷史上最著名的小提琴大師之一，尤其對小提琴演奏技術進行許多創新，更將小提琴的音色和色彩、演奏技法擴展到了前所未有的程度；他同時也是一位傑出的吉他演奏家，除了小提琴也為吉他創作了超過200首作品。
生平簡述
帕格尼尼在五歲的時候，他父親開始敎他曼陀鈴，七歲時便開始學習小提琴，更在十歲時就開始作曲了，十三歲時，完成了他的第一次公開演出。從十餘歲起，帕格尼尼跟著許多不同的老師學習，包括了Giovanni Servetto和Alessandro Rolla，但是對於這早來的成功，他沒有辦法妥善的處理；在他十六歲時，開始賭博和酗酒，就在這個時候，一位不知名的女性救了他，把他帶到她的家去，在那裡他又開始學習小提琴，共學了三年；在這三年之中，他也接觸了吉他，成為彈奏高手。
年輕時期的帕格尼尼
帕格尼尼的生涯以及音樂活動，由於多采多姿、 迷離幻化，因而產生了許多離奇的傳說。在他去世之後的許多年間，不斷有人傳述與撰寫其與冥界關係的故事，其中有些源自帕格尼尼本身：從卑鄙的罪行如謀殺，到與魔鬼的精神友誼關係。
「與惡魔交換靈魂的提琴手」之說始終盛行
據說帕格尼尼早在12歲時就舉行公開演奏會，不僅演奏柯瑞里和塔替尼 (Tartini) 的作品 ， 還演奏了自己的作品 《卡馬尼奧拉》 (Carmangole Variations)，是用一個流行曲調為主題的變奏曲。到15歲左右，便以天才小提琴家的身份開始到各地進行巡迴演出，並為他賺進大筆的財富。年輕就致富的也帶來不良影響，大約從這時候他開始放蕩，因揮霍無度而負債，也因酗酒和風流，損害了天生虛弱的身體。雖然如此，每當他窮困潦倒之時，他都能幸運地碰上有錢的女性或支持者，幫助他重新站起來繼續從事演奏。
https://youtu.be/Jg5ShQZxmnI
魔鬼般的演奏技巧
在他23歲的時候，他又重新出現在樂壇，當他不再旅遊時，他成為了PRINCESS LUCCA的宮廷樂隊總監，被認命為「LUCCA第一小提琴演奏家」。他在米蘭（1813年）、維也納（1828年）、倫敦和巴黎（1831年）首演以後，他高超的小提琴技巧在人們之間廣為流傳，帕格尼尼是世界上第一個不須別人資助而可以到世界各地巡迴表演的音樂家，而且他還非常聰明。
他成為一個超級巨星，並用那魔鬼般的技巧演奏。
G弦之音
有關帕格尼尼的軼聞當中，有許多形形色色的傳說：例如當著聽眾的面，將小提琴的四條琴弦弄斷三根，剩下一根G弦來演奏
帕格尼尼：《摩西幻想曲》
PAGANINI: Moses Fantasy
帕格尼尼有一首只需要用G弦演奏的曲子，那就是《摩西幻想曲》(Moses Fantasy)。這首變奏曲形式的音樂的主題，來自於羅西尼的歌劇《摩西在埃及》(Mose in Egitto) 當中的詠嘆調《你那光輝的王座》(Dal tuo stellato soglio)，後來被稱為「摩西」幻想曲。 注意看影片～擔任演奏的匈牙利小提琴家 Antal Zalai，在這段影片的演奏裡當中，他刻意把另外三條弦拆掉，只留下G弦。彷彿在告訴大家，「我就是只用一條弦拉完全曲😉」～一條G弦就可以演奏出這麼精采豐富的音樂，無懼高把位以及創意滿點，帕格尼尼真不愧是小提琴鬼才：
https://youtu.be/cJnh6RTm0HI
謎之手
巴黎音樂院留有帕格尼尼右手的模型，他的右拇指長67毫米，食指長101毫米，以一個190公分的男人，這種長度其實僅符合平均值。
但帕格尼尼的右手不及左手神秘，大家都知道左手才是指法的訣竅所在。
有關「帕格尼尼的左手」應該能寫成好幾篇學術論文，他的醫師弗朗西斯科·班奈提曾有第一手的觀察記錄，後來又加入多方醫師的各種修正。
但結果同樣要讓人大失所望，帕格尼尼有一雙普通比例的左手，就像右手一樣尋常。雖然外觀沒有驚人之處，但伸展開來竟能擴大一倍寬，足可跨過3個八度音，而且有異乎常人的移動速度。
最令人詫異的，就是姆指往後翻可以觸到小指，彷佛沒有肌肉也沒有關節。
所以有人目睹帕格尼尼演出時，說小提琴有如一片葉子，那樣飄飄欲墜沒有重力。那應該不是讚美小提琴的柔軟，而是操之手掌肌肉與關節的柔軟。
是天使．不是魔鬼
1828 年，帕格尼尼來到維也納，他的演奏魔力已席捲維也納：據說當時在維也納的舒伯特也曾親自欣賞帕格尼尼那傑出的神妙演奏，而留下了一句最美麗的證言：「帕格尼尼的慢板，讓我聽到天使的歌唱。」，舒伯特又跟友人說到：「像這樣傑出的小提琴演奏家，世界上不會再出現的。」
世界最難小提琴獨奏曲？
帕格尼尼根據羅西尼歌劇《唐克雷迪》裡的詠嘆調〈我心悸動〉（Nel cor più non mi sento）寫成的序奏與變奏曲，被譽為無敵困難...只有小提琴家們才能體會這困難有多高～
Paganini: "Nel cor più non mi sento" for violin Solo
https://youtu.be/OpxwHm_a_Po
羅⻄尼比帕格尼尼年輕十歲，1813 年，隨著兩部歌劇大作《唐克雷迪》（Tancredi）與《義大利少女在阿爾及利亞》（L’Italiana in Algeri），羅⻄尼開始以歌劇大師身份走紅歐洲；帕格尼尼此時則以義大利為中心展開華麗的巡迴演奏活動。同一時間點兩位義大利人都成為知名音樂家而活躍著，後來兩人於1818年相識於波隆那(Bologna)。羅⻄尼美妙而渾然天成的音樂的旋律，受到所有人的歡迎與喜愛，也包括了帕格尼尼。
華格納寫到:「羅⻄尼無視於前人所留下的浩帙繁卷，反而轉身諦聽百姓口中沒有樂譜的天然歌聲。他穿越浮濫的表面技巧，讓我們聽到天籟為世人所罕聞：坦蕩、悅耳，而且是絕對旋律性的旋律， 也就是說讓旋律保持純然的旋律，絕不參雜其他成分。」
幽默的羅⻄尼，曾說他這一輩子只哭過三次：「第一次是1816年歌劇塞爾維亞的理髮師首演失敗；第二次則是他有次端著一盤剛烤好的大肥鵝，不小心在野餐的時候掉入河裡，他難過的當場哭了出來；第三次是則是聽見小提琴之神帕格尼尼出神入化的演奏而落淚。」
希臘小提琴家及指揮家卡瓦科斯（Leonidas Kavakos, b.1967）之精彩演奏：
https://youtu.be/3VT3FYKrRH8
精彩的小提琴協奏曲
第一號小提琴協奏曲
https://youtu.be/IrM1oukGxyo
第四號小提琴協奏曲
https://youtu.be/xWKBpPc3fzA
速度．無與倫比
有人算過帕格尼尼的那首〈無窮動〉，一共有1008個音。當今的演奏大約4到5分鐘，帕格尼尼只花3分鐘，平均每秒可以拉5個半的音。據說他在巴黎曾拉出每秒12個音，行家說每秒要讀12個音幾乎不可能，何況是演奏出來。德國小提琴界泰斗路易斯·史博讚嘆的是，即使是這麼快的速度，帕格尼尼還是能照顧表情細節與和諧：雙音、泛音、顫音、斷音、撥弦種種技法，有如義大利歌劇界的美聲唱腔一樣，清清楚楚。
小提琴家曼紐因的精彩演奏
Yehudi Menuhin - Moto Perpetuo by Paganini
https://youtu.be/0tb2584gDiM
另一首精彩的無窮動樂章：
https://youtu.be/wUrfqzSUaKA
隨想曲．技巧聖經
帕格尼尼則為演奏家和作曲家們引入了更先進的技巧。通過他的貢獻，小提琴作品的創作極大地豐富了。他的音樂具有非常豐富和高難度的指法和弓法以取悅聽眾，並對他當時的同行們構成挑戰。他的音樂會作品中有連頓弓、和聲、撥弦（雙手），和豐富的音程（最多達到大十度）。
帕爾曼的經典錄音：
https://youtu.be/x8j1x3pTOyo
小提琴家Nikolay Madoyan挑戰全場無休息，完整演奏帕格尼尼24首隨想曲，創下紀錄：
Paganini 24 caprices played live in one concert (without interval) - Nikolay Madoyan.
https://youtu.be/wSyvG5-mv44
第24首隨想曲演奏＋譜例
https://youtu.be/UcL0IsklM3M
帕格尼尼的"瓜奈里加農砲"小提琴
帕格尼尼的「瓜奈里加農砲」（Il Cannone Guarnerius），也是一樁傳奇。據說嗜賭的帕格尼尼，有一回以一把阿瑪蒂小提琴換籌碼當賭本，沒想到輸得精光。眼看就要上台卻無琴可拉，一位慷慨的法國蒐藏家皮耶‧里柏隆，借出珍藏的瓜奈里給他應急。里柏隆受邀到場聆聽，非常感動帕格尼尼的琴藝，發現他的琴出現從未有過的管風琴音色，音樂會結束後大方贈送給他。
帕格尼尼的琴盒
義大利熱內亞的多利亞-圖爾西宮（Palaazzo Doria-Tursi)
帕格尼尼廳
「瓜奈里加農砲」（Il Cannone Guarnerius）
感謝蔚藍人文堂巴黎主講人雲中君為我們補充： 小提琴之神帕格尼尼最喜愛的小提琴 Il Cannone Guarnerius，珍藏在義大利熱內亞的多利亞-圖爾西宮（Palaazzo Doria-Tursi)。我曾到熱內亞看過他的小提琴。該宮屬於世界文化遺產。 熱內亞義大利文為 Genova（源自拉丁文 genu，意即「膝蓋」之意），法文稱Gênes 、英文 Genoa。懂法文的人就會很快就記住了，因為膝蓋法文為genou，與genova、gênes相去不遠，但與英文的knee（膝蓋）就差多矣！ 語文愈多學，愈能觸類旁通，道理即在此也！ 熱內亞（Genoa）位於義大利長統靴地理形狀的上方，正好在膝蓋的部分， 所以 Genova, Gênes, Genova 皆膝蓋之意。
超凡技巧的背後原因
帕格尼尼可以在一個把位上用四根弦演奏出三個八度，這在今天看來簡直是難以想像的。他的靈活性也許是由於馬凡氏綜合症或Ehlers-Danlos症候群。
有片．馬凡氏綜合症介紹
https://youtu.be/IBzDSh3R0cc
帕格尼尼的指法，比如雙音技巧，換指八度、單手十度和左手撥弦，在當時都被認為是幾乎不可能的技巧，但卻是現在的年輕小提琴家們的常規訓練項目與必備技巧。半個世紀後才由姚阿幸、易沙意等作曲家延續了可與帕格尼尼相提並論的小提琴技巧跳躍式發展。
賺很大．用很兇
帕格尼尼可以算是音樂史上第一位跨國演奏巨星。帕格尼尼46歲才第一次出國開演奏會，這時他的拉琴技巧已經臻於化境，掌控舞台氣氛駕輕就熟。最重要的是他在意大利的種種神秘傳說，被譽為全世界最棒的小提琴演奏家、與魔鬼交換靈魂等等傳聞...由於歐洲各國引頸企盼過久，更是格外有引爆效果。他在第一站維也納就萬人爭睹，音樂界無人敢輕忽他的震撼力～
現代法國小說之父巴爾扎克曾寫道：「我現在仍驚嘆於帕格尼尼所創造的驚人奇蹟，不只是他的弓弦、指法、小提琴拉出的美妙旋律，這個人的神祕之處，毫無疑問更是吸引人。他的每一場音樂會我都會去，歌劇院擠得水洩不通，收銀員一個晚上能賺兩萬法郎。」
帕格尼尼的琴盒與滿滿錢袋
帕格尼尼的收入計帳
帕格尼尼一出手就在維也納颳起3個月的大旋風，然後才轉移陣地到慕尼黑，進行下一波如法炮製的宣傳攻勢。據說維也納一位馬車夫拿帕格尼尼搭過他的馬車為號召，招引許多人以搭他的馬車為樂事，不久就掙夠錢改行開餐廳。帕格尼尼的演奏會變成社會事件而不只是藝術事件，沒看過他的演出就落伍了。人們形容一旦帕格尼尼拔營離去，整個大都會宛如一座死城。他精湛的演奏能安慰霍亂流行的城市，讓人一時遺忘遍地死亡的恐怖與悲傷。
帕格尼尼44歲老來得子，取名阿基里斯，與他終身相伴。而生前對自己演奏樂譜保密到家的他，死前詳細地將每一首樂曲謄寫下來，交給兒子，因此許多流傳後世的音樂，樂譜都是在死後，由他的兒子慢慢出版才廣為人知。
據說有些樂譜至今仍尚未完全發表（？）
阿基利斯.帕格尼尼
慷慨贊助白遼士
白遼士（Hector Berlioz, 1803–1869）應帕格尼尼之邀，為他量身訂做中提琴與樂團獨奏曲《哈洛德在意大利》（Harold in Itaty），帕格尼尼卻以為不夠炫技而不列為常備曲目。（筆者補充：當時帕格尼尼獲得一把史特拉第瓦里製作的頂級中提琴，卻發現「沒有適合的中提琴曲目可以拉」，在聽過白遼士的《幻想交響曲》(Symphonie fantastique) 以後，帕格尼尼對他的作曲才華大為讚賞，便邀請白遼士為自己創作一首「中提琴協奏曲」。 沒想到帕格尼尼在看過樂曲的手稿以後卻感到失望，他認為中提琴炫技的程度不夠高，表現的機會也不夠多，超過三分之一的時間獨奏家只能站在台上聽著管絃樂團演奏...這，果然太不『帕格尼尼』啦XD）
但晚年的帕格尼尼欣賞過白遼士《哈洛德在意大利》現場音樂會後，大受感動。他告訴白遼士，這是他這輩子聽過最感動的音樂，並大大恭維白遼士是貝多芬以後最偉大的作曲家，會後更親吻了白遼士之手，讓作曲家備感榮幸。
作曲家的回憶
根據白遼士的回憶，故事是這樣的：「帕格尼尼得到一把頂級中提琴，於是煽動我寫了《哈洛德在意大利》。雖然之前已經演出過好幾次，不過他都沒有來，所以其實他對這首作品還不是很熟悉，那天音樂會是第一次聽到。
音樂會剛結束，我大汗淋漓、筋疲力盡到渾身發抖，這時帕格尼尼帶著他的兒子阿基利斯來到樂隊邊門探望我，一邊誇張地比畫著。由於他最終死於喉部感染，這時他幾乎完全失聲了，只有周圍環境極度安靜時，他的兒子才能聽到他的隻字片語，然後猜測他要說什麼。他對孩子做了個手勢，孩子爬上一張椅子把耳朵湊近他的嘴，仔細地聽著。
然後阿基利斯下來，轉身對著我說：“先生，我爸爸想讓我告訴您，他生從來沒聽過令他如此感動的音樂會。您的音樂完全征服了他，他簡直想跪在地上感謝您。”聽到這些奇怪的話，我感到很尷尬，但帕格尼尼抓住我的手臂，掙扎地發出聲音：“是的，是的！”他把我拖上了舞台，那兒還有許多樂手，他當場跪下，吻了我的手。我無須描述當時我是多麼驚惶失措，只要敘述事實就夠了。」
幾天後，經濟狀況不佳的白遼士收到來自帕格尼尼的大額捐款兩萬法郎，更是讓他訝異地無法置信，感激在心。晚年的帕格尼尼也許感受到白遼士音樂內涵，在作曲的領域遠超過自己的才華，相信就是這種惜才之心，讓他如此喜愛白遼士。
《哈洛德在意大利》（Harold in Itaty）現場演出（殷巴爾指揮）
Berlioz: Harold en Italie ∙ hr-Sinfonieorchester ∙ Antoine Tamestit ∙ Eliahu Inbal
https://youtu.be/Q4NC4E5RXik
1840年，58歲的帕格尼尼健康日益惡化，一身都是疾病；另一原因是由於長期使用水銀混合物而導致水銀中毒，這個病促使他無法再繼續演奏小提琴，於是只能在1834年退休，並於1840年5月27日喉部病變病逝於義大利的尼斯（現屬法國）
晚年帕格尼尼窮困、疾病纏身，死後甚至不被教會允許下葬，也無人願意去弔喪。經歷36年遺體才得已於1876年安葬，1893年終獲重新安葬受人景仰。
對音樂家的啟發
帕格尼尼的作品對其他大師的啟發
帕格尼尼的精彩炫技作品啟發了許多其他偉大的音樂家，例如：李斯特被帕格尼尼的精湛技藝所感動，後來創作了《六首大練習曲～帕格尼尼之後》，在鋼琴演奏技法中，延續了帕格尼尼的創新精神，為鋼琴演奏技巧創造了全新的可能性；舒曼則將帕格尼尼的隨想曲改編成鋼琴版；布拉姆斯則為鋼琴創作了帕格尼尼第24首隨想曲之變奏曲；近代最有名的，則是俄羅斯作曲家拉赫曼尼諾夫譜寫之《帕格尼尼主題狂想曲與變奏曲》。
音樂欣賞
《六首大練習曲～帕格尼尼之後》
Liszt "Six great Etudes after Paganini
https://youtu.be/49e47fVGhxo
最知名的《鐘》練習曲
https://youtu.be/0FbQZCsYXVg
小提琴版本《鐘》新編曲
https://youtu.be/tyiN8f5W59U
克萊斯勒小提琴＋鋼琴改編版
https://youtu.be/42O0EZkeQ_c
布拉姆斯：《帕格尼尼主題變奏曲》
https://youtu.be/mUe_aR5ZIE4
拉赫曼尼諾夫：《帕格尼尼主題狂想曲與變奏曲》
https://youtu.be/HvKTPDg0IW0
最經典之第18段變奏
https://youtu.be/ThTU04p3drM
電影《似曾相識》．配樂家約翰.貝瑞之經典引用
https://youtu.be/DsCowtIGK_4
變奏手法揭秘
第18段變奏拉赫曼尼諾夫使用的作曲手法，您猜出來了嗎？
筆者貼一下在音樂講座時分析給學員的白板筆記：
沒錯～就是「倒影」！
利用「倒影」創造新旋律之後，作為新主題，然後接著發展，才能創造出如此美妙的旋律，真是佩服拉赫曼尼諾夫，原來看電影這麼多年，也聽了很多年倒影變奏，厲害吧～大家只能「獻上膝蓋」了吧😉～
電影．永遠吸睛
帕格尼尼神秘、如戲劇般曲折的生平，被改編成電影《魔鬼琴聲帕格尼尼》（The Devil's Violinist），由「古典樂界貝克漢」大衛蓋瑞（David Garrett）擔當主角，親自詮釋傳奇音樂家神韻，演奏多首帕格尼尼高難度樂曲，電影提名奧地利電影獎最佳服裝設計、最佳藝術指導多項大獎。
大衛蓋瑞於酒館內精湛演奏《威尼斯狂歡節》變奏，並展示弄斷琴弦之後的G弦功力
https://youtu.be/O1_Ffdlk0Uc
音樂會上，帕格尼尼總是令觀眾等待（史實），最終現身的他，演奏狂熱，技巧高超，現場氣氛熱絡，迷哥迷姐齊聲尖叫（史實）
https://youtu.be/YCsVEsQlm7o
英國國歌：《天佑吾皇》
British Anthem, God Save the King
https://youtu.be/_m85M46wYk0
列賓與柏林愛樂精彩現場《威尼斯狂歡節》
Vadim Repin with Berliner Philharmoniker（Conductor Mariss Jansons）
列賓是全球小提琴中壯生代中流砥柱，1971年出生於西伯利亞，5歲習琴，11歲獲得維尼奧斯基大賽首獎，1987（16歲）年成為歷史上年紀最輕的比利時伊莉莎白女王大賽的首獎得主。
https://youtu.be/mG3vbwBz4UI
晚年爭議韻事．夏洛特華森
https://youtu.be/Vy6N077xXZs
與經紀人之女，當年16歲的夏洛特.華森同台演出，後來更爆發疑似誘拐事件，成為爭議事件：
電影《魔鬼琴聲帕格尼尼》（The Devil's Violinist）主題曲，由大衛蓋瑞（David Garrett）根據帕格尼尼第四號小提琴協奏曲第二樂章改編，相當好聽：
https://youtu.be/YoycNjZ2MwE
帕格尼尼第四號小提琴協奏曲第二樂章：
https://youtu.be/PvDIHHxMJNA
https://youtu.be/-xkPKOfOeHA
【帕格尼尼紀錄片】
https://youtu.be/GRnA2IT1V8w
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【BON音樂】淺談德布西《牧神午後前奏曲》（Prélude à l'après-midi d'un faune）
【BON音樂】淺談德布西《牧神午後前奏曲》
Prélude à l'après-midi d'un faune
– 資訊整理共享於網路，一起欣賞音樂與藝術之美 –
蹦藝術 | BONART
不知道大家是否已經注意到，最初撰寫得布西專文的2018年是法國作曲家德布西（Claude Debussy, 1862-1918）逝世100週年，而幾年前的2012年則是德布西誕生150週年。
法國音樂界的英雄人物：德布西
今天要與大家分享的，是德布西以獨特的「全音階」（Whole Tone Scale）運用作為為主要素材，並結合多變的節奏與全新管弦樂色彩，於1894年所完成的重要管弦樂作品：《牧神午後前奏曲》（Prélude à l'après-midi d'un faune）。
這首曲目除了是法國印象樂派的第一部劃時代作品，也被譽為開創二十世紀現代音樂之聲的先驅之作。
延伸閱讀
https://bonart.com.tw/claude-debussy-life-to-music/
《牧神午後前奏曲》（Prélude à l'après-midi d'un faune）
象徵派詩人馬拉梅與牧神午後
→馬拉梅簡介
詩人：馬拉梅（Stéphane Mallarmé, 1842-1898）
早在德布西創作此曲的18年前的1876年，法國象徵派重要詩人 - 馬拉梅（Stéphane Mallarmé, 1842-1898）已發表了名為牧神午後》（L'après-midi d'un faune）的116行詩，詩裡以牧神午後場景朦朧的意境，訴說象徵派詩人對於希臘神話世界的幻想。馬拉梅以牧神第一人稱的感傷、意欲、失落與悵然的心情，帶領人們進入遠離現實的似夢場景。
《牧神午後》詩集封面
【BON知識】 「牧神」（Faune）在上方封面裡之所以以（Favne）呈現，是因為古羅馬字沒有「U」，故古時「U」常以古典拉丁字母拼寫「V」呈現，所以詩集亦保留這樣的拼寫方式。現代另一個常見例子是時尚珠寶品牌「寶格麗」（BVLGARI），其商標也是採用古典拉丁字母拼寫方式，如果拼成（BULGARI）亦為正確拼法。
《牧神午後》此首116行詩，最初版本於1865年（馬拉美在1865年6月寫信給亨利·卡扎利（Henri Cazalis）時首次提到此詩）至1867年期間寫成，終稿於1876年出版。
詩裡描述了古羅馬神話中牧神（Faune）剛從午睡中甦醒過來的感官經驗，他以夢一樣的囈語詳述晨間與幾名仙女（Nymph）相遇的經過，整段獨白儼如夢囈。
馬拉梅的原詩大意如下: 「半人半羊的牧神，在復活節的午後從睡眠中甦醒，覺得似乎曾在半夢半醒之間見到一群仙女，飄然從眼前掠過，就在思緒恍惚盤旋之際，他伸手折了一段蘆葦做成笛管，忽然看見潔白的肌膚閃現在水邊的草叢間，牧神反覆推究自己的感覺與情緒... 夢耶？非耶？ 慢慢地，思緒在他心中形成一個微妙的忖測：隨著笛聲悠揚起舞的難道是天鵝？ 不！那是因水仙女神逃入湖中而使波光瀲灩。 牧神的思想逐漸狂放，他幻想黃昏時將女神維納斯擁在懷中的激情，然而這時他卻又開始昏昏入睡，揮手告別清醒的現實、少女及無盡的情慾，牧神再度走向那隱晦無邊的夢境之中…」。
| 法文原詩 | 英文翻譯 |
| L’Après-Midi d’un Faune
le Favne Ô bords siciliens d’un calme marécage Autre que ce doux rien par leur lèvre ébruité, Tâche donc, instrument des fuites, ô maligne Ô Nymphes, regonflons des souvenir divers. Je t’adore, courroux des vierges, ô délice Tant pis ! vers le bonheur d’autres m’entraîneront Je tiens la reine ! |
L’Apres-midi d’un Faune
The Faun O Sicilian shores of a marshy calm Other than this sweet nothing shown by their lip, the kiss Try then, instrument of flights, O malign O nymphs, let’s rise again with many memories. I adore you, wrath of virgins, O shy No matter! Others will lead me towards happiness I hold the queen! |
《牧神午後》對繪畫的啟發
畫家馬奈（Édouard Manet, 1832-1883）於1876年因馬拉梅詩作產生靈感生而繪製之《牧神》
Édouard Manet "Illustration" inspired by the poem "L'après-midi d'un faune" by Stéphane Mallarmé, 1876.
馬奈（Édouard Manet, 1832-1883）所畫的仙女們，畫風筆觸簡單但卻讓人產生無限遐想
牧羊神 Pan 視角～帶有異色風格插畫的英文版詩集
詩人．藝術家的週六聚會
逐漸與詩人、藝術家為友的德布西，也加入了象徵主義詩人與音樂家們的聚會，開始受到詩人們描繪藝術與當代其他音樂家的各種風格影響，同時持續醞釀著音樂上的創作。
牧神午後前奏曲
1894年，他根據詩人馬拉梅（Stéphane Mallarmé, 1842-1898）的詩所譜寫的《牧神的午後前奏曲》（Preludé á L’apres-midi d’un faune, 1892-1894）完成，大受各界好評與歡迎，德布西終於從「一位普通的青年作曲家」，轉型成為「具有才氣、光明未來的年輕音樂家」，他終於找到了自己未來的方性，也因為他確立了未來音樂風格的走向，更為法國接下來的20世紀音樂，開創出一條全新的道路。
德布西本人《牧神午後前奏曲》珍貴樂曲手稿
德布西 字跡秀麗的親筆簽名
左上 為1883-1884年期間的簽名 - 左下 為1897年簽名
右上 為1886-1889年期間的簽名 - 右下 為1892年簽名
訝異嗎？德布西細膩的一面不僅僅在簽名，也展現在音樂創作的細節裡：無論曲式、和聲、記譜皆然～
關於創作與首演
德布西《牧神午後前奏曲》在1892年到1894年之間創作，他以當時傑出全新的管弦樂法譜寫此曲，並於1894年12月22日在巴黎首演而獲得極大成功，奠定作曲家德布西的名聲，更被譽為開創現代音樂之聲，也是音樂史上少數在首演當天即被觀眾喜愛，現場「安可」（Encore）演奏全曲的曲目。（所以首演當天一共完整演奏兩次）
全曲管弦樂器編制如下：
| 長笛三部 雙簧管兩部 單簧管兩部（使用A調與bB調樂器） 英國管 低音管兩部 法國號四部（適時加入弱音器） 豎琴兩部 古鈸（Crotales - Antique Cymbals） 弦樂五部 |
長笛獨奏之第一主題樂句，也是貫穿全曲之主要旋律：
這段由無伴奏長笛開場獨奏的第一主題旋律，充滿幻想風格，代表著牧神午後的囈夢。也因為描寫牧神的樂器「Syrinx」，故由長笛擔任此重要的角色，以象徵牧神。
更特別的是，這句描寫牧神的主題，以長笛音孔全開的中音升C音起始，進而帶出含著半音階結構的全音階旋律。乍聽之下沒什麼問題，但中音升C其實是長笛這項樂器音色與音準最難克服的音，不曉得德布西本人知不知曉這件事，而故意給長笛獨奏著們留下了這樣的一個難題？（笑）
總之還是一句話，這個音就交給獨奏者傷腦筋就好，觀眾只需要好好欣賞音樂即可～
我個人非常佩服德布西卻利用長笛的這個中音升C音，乍看似乎充滿樂器之缺點，但卻能成功地一向亮麗的長笛，製造出音色模糊的豐富曲趣。
此曲配器與音樂特色如下：
- 長笛獨奏為樂曲旋律中心，但不再高音模仿鳥鳴，反而集中在中、低音域，創造朦朧的氛圍。
- 法國號雖有四部，加入弱音器，創造全新的音色。
- 單簧管演奏者需同時使用A調與bB調樂器，創造音色變化層次
- 雙簧管演奏歌唱抒情旋律，柔化旋律線條
- 英國管加入，豐富雙簧樂器的中低音域
- 全音階的大膽使用，使全曲呈現出朦朧似夢似幻的神話午後場景。
- 「古鈸」是全曲唯一使用的打擊樂器，不用則已，一用驚人。輕巧空靈的音色具備非常有畫龍點睛的效果。
「古鈸」（Crotales - Antique Cymbals）的音色
https://www.youtube.com/watch?v=L3_1OP3UQvU&list=TLGG08nsxNZZZ4UzMDA1MjAyMg&t=15s
德布西本人觀點
對於本曲，德布西自己更是這樣解說的：
「這首前奏曲是以極自由的方式詮釋 斯特凡‧馬拉梅美麗的詩。我絕不說這是此詩的總結語，不如說這是一連串場景。半獸神的欲求夢，就在這些背景之前，午後熱氣中蠢蠢欲動。然後，追逐受驚的水的精靈、女神。最後半獸神疲於奔逐，陶然入睡。他在夢中很滿意的實現普遍自然的所有事物，統統歸他所有。」
馬拉梅的感動
據說原本對於詩作被譜成樂曲，感到不以為然，甚至反感的馬拉梅，在現場聆聽過樂曲首演之後，留下了這樣的話語給作曲家德布西：（實際聆聽過後，馬拉梅從原先的不認同，轉為對德布西極度讚賞：）
「"I have just come out of the concert, deeply moved. The marvel! Your illustration of the Afternoon of a Faun, which presents a dissonance with my text only by going much further, really, into nostalgia and into light, with finesse, with sensuality, with richness. I press your hand admiringly, Debussy. Yours, Mallarmé」
「我剛從音樂會出來，深深地感動。這是奇蹟！你對於牧神午後的描寫，展現了與我詩作的截然不同表現：更深入、而真實地進入懷舊、且充滿光明，非常靈巧、感性，而且豐富。
我羨慕地深深握住你的手～你的馬拉梅」。
以馬拉梅為形象的牧神繪圖
收錄於1887年法國文學雜誌封面當代人物（Les hommes d'aujourd'hui, 1887），由畫家Manuel Luque繪製。
牧神午後對現代芭蕾的影響
在此曲已經大獲成功的多年後，1912年，俄國現代芭蕾舞先驅舞者 尼金斯基（Vatslav Nijinsky, 1890-1950）亦將此音樂編入他的舞碼。在演出時曲末最後大膽地以仙女的絲巾做出近似猥褻的動作，令當時的演出一片譁然～更加增添此曲的話題性。
尼金斯基版《牧神午後前奏曲》之舞台場景為雷翁.巴克斯特（Léon Bakst, 1866-1924）設計
雷翁.巴克斯特（Léon Bakst, 1866-1924）亦為《牧神午後前奏曲》繪製1912年5月29日於巴黎夏特雷劇院（Théâtre du Châtelet, Paris）的演出海報：
尼金斯基的牧神造型：
尼金斯基與仙女的絲巾
尼金斯基版本芭蕾舞作欣賞
尼金斯基珍貴「原影重現」
https://www.youtube.com/watch?v=Vxs8MrPZUIg
2014年巴黎歌劇院製作的復刻版
Nicholas le Riche / 牧神
https://www.youtube.com/watch?v=pU2juDnSTTg
現代俄羅斯巴蕾舞團重新演譯版
https://www.youtube.com/watch?v=V_LrFJsgmJc
管弦樂團版本彩排片段與演奏欣賞
最後是法國偉大的指揮家 Georges Prêtre (1924 - 2017)指揮德國斯圖加特廣播交響樂團（Radio-Sinfonieorchester Stuttgart）之經典紀錄片，樂團長笛獨奏為 嘉碧．麗特（Gaby Pas-Van Riet）。影片供分為三段，第一段為指揮與長笛首席之練習討論（0'16" 開始），第二段為指揮與樂團練習過程（8'29" 開始），最後一段為正式演出記錄（44'00" 開始）。
在這個珍貴的影片中，我們可以看見指揮家 Georges Prêtre所展現的非凡溝通能力與身為樂團指揮，對於音樂思想與手勢動作所展現的絕佳平衡，一代大師當如是～
https://youtu.be/52sGTrO7neg
追憶法國美好年代
https://www.youtube.com/watch?v=CSCsYSZk5YE
當代芭蕾獨舞版本
Thierry Malandain / 牧神
https://www.youtube.com/watch?v=UPsS4iypECI
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【BON音樂】花腔女高音的華彩世界與歌劇女高音知名詠嘆
【BON音樂】花腔女高音的華彩世界與歌劇女高音知名詠嘆
Beautiful World of Coloratura Soprano
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好的花腔女高音．帶你上天堂
在古典音樂的演唱領域中，花腔女高音（Coloratura Soprano）是指具有花腔華彩能力的女高音，尤其是在高音域更是需要具備一種特殊的敏捷性與音色的柔軟度～當然更重要的，音域與音準更是需要維持極高水準。
莫札特《魔笛》夜后詠嘆調： ‹復仇的怒火在我心中燃燒›
歌劇版本欣賞
https://youtu.be/YuBeBjqKSGQ
慈愛的夜后
https://youtu.be/WGdFavkAzds
復仇的夜后
https://youtu.be/hqBwe9BCj4A?t=105
大家最愛的壞壞篇 - 《夜后》版本比較篇
歷史上的真人真事 - 爆笑女高音
https://youtu.be/Ifu1Q-vGOwQ
電影版《走音天后》精彩片段
https://youtu.be/giI2uxwFRJg
關於美聲唱法
什麼是「The Florentine camerata」(佛羅倫斯小慶集)？ 一般談起歌劇的緣起時,「The Florentine cameraa」(佛羅倫斯小廳集)被視為是最初的開端。在16世紀末，義大利佛羅倫斯著名的梅帝奇（Medici）貴族家族中，聚集有許多的歌手與一些詩人,音樂家和貴族與藝文愛好者，經常在「巴爾第伯爵」（Count Giovannide'Bardi,1534-161）的家裡共同聚會，一起探討如何模仿和復興古希臘戲劇，特別是希臘悲劇。這群藝術知識份子自稱為「佛羅倫斯小廳集」（Florentine Cmerata）。而卡契尼（Giulio Romolo Caccini, 1551-1618）、伽利略（Galilei）、巴爾第伯爵（Bardi）、Girolamo Mei 等人均為此集的重要核心人物。 他們嘗試以一種新的戲劇+歌唱+舞台表演的方式，希望重現古希臘劇場經驗，所以此義大利佛羅倫斯的「The Florentine camerata」(佛羅倫斯小廳集)一般來說被視為是歌劇的緣起。 由於他們著重希臘戲劇、劇本與文字、音節咬字等等，因此當时盛行文藝復興時期的「複音音樂」（Polyphony）因為聲部交錯，無法真正聽出歌詞，所以最終結論是「單音旋律」（Monody）是最適合歌劇演唱的音樂型式。
延伸欣賞：
卡契尼也是美聲唱法（Bel Canto）重要的開啟者，對義大利歌劇發展有巨大的影響。
Sumi JO 演唱 Caccini的《聖母頌》
https://youtu.be/0noUQoQtYPs
花腔起源
隨著美聲唱法的普及與廣受歡迎，花腔的演唱技術，更跟隨著「閹人歌手」（CASTRATI）在 17 世紀歌劇中的出現而逐漸被欣賞。例如，歷史上知名的 Farinelli 和 Senesino，均為閹割者，他們具有男性體力以及女性音色，能克服極端困難之演唱技巧，並在舞台上以他們的音量，唱出長長的花腔音符樂句。
法里內利
（解說整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
法里內利（義大利語：Farinelli）（1705年1月24日－1782年9月16日），原名卡洛爾·瑪利亞·布羅斯基（Carlo Maria Broschi），為十八世紀義大利著名閹伶。
生長於那不勒斯，唱假女高音，號稱「女神的顫音」。 先從尼古拉·波爾波拉學唱，後拜Bernachi為師。 1733年在倫敦演唱，被譽為「一個上帝、一個法里內利」（One God, One Farnelli），其生平事跡被拍成電影《絕代艷姬》（Farinelli ），電影原聲裡的法里內利，聲音其實是透過電腦科技，融合了一位假聲男高音與女中音的音色，重新混音模擬出這種現代人難以唱出的獨特音質。
韓德爾歌劇作品
〈讓我哭泣吧〉（Lascia ch'io pianga），選自歌劇《里納爾多》（Rinaldo）
韓德爾時期流行男唱女聲的閹伶(Castrato)，他所創作的許多歌劇主角也都是寫給閹伶。
〈讓我哭泣吧〉（義大利語：Lascia ch'io pianga）是韓德爾歌劇《里納爾多》中的女高音詠嘆調。原詞是「遠離荊棘，摘下玫瑰」（義大利語：Lascia la spina, cogli la rosa），是著名的歌劇選段。歌劇《里納爾多》是韓德爾為閹人歌手（Farinelli 法瑞奈利）所寫，描寫十字軍東征英雄騎士里納多與大馬士革的異教徒魔女阿米蕾娜（Almirena）的故事。《讓我哭泣》是第二幕中 Almirena（阿米蕾娜）所唱的哀嘆、悲痛的詠嘆調。
https://youtu.be/TqdFoRjL1Bk
〈讓我哭泣吧〉（Lascia ch'io pianga）中文歌詞版本
https://youtu.be/pE0FiPzOGAc
《絕代艷姬》製作特輯
https://youtu.be/lymXWwL7In8
曾經風光一時的「閹人歌手」
Alessandro Moreschi - The Last Castrato
Alessandro Moreschi 的唱片錄音
https://youtu.be/t6U8VZ6riNk
延伸閱讀：關於假聲男高音
【BON音樂】世界知名假聲男高音 修爾（Andreas Scholl）介紹
Nacqui all affano … non piu mesta – Bartoli
CECILIA BARTOLI - VIVALDI. AGITATA DA DUE VENTI
韋瓦第歌劇《葛莉賽達》詠嘆調 ⟨風雨飄搖⟩（Agitata da due venti）
https://youtu.be/i7NAT0b20kI?t=39
Nacqui all affano … non piu mesta – DiDonato
Joyce DiDonato has made a name for herself with this role. The American is doing great masterclasses. Watch one she has done with that aria (see further below).
Masterclass – DiDonato
生平簡歷
狄杜娜朵的歌唱道路，算是坎坷艱辛，她屬於大器晚成，人生經歷頗為傳奇...
27歲那年，喬伊絲．狄杜娜朵（Joyce DiDonato）進入美國休斯頓歌劇院進修時，上第一堂聲樂課，聲樂教授史密斯（S. Smith）就告訴她：「妳的唱法有問題。」
然而三年之後，這位「唱法有問題」的次女高音，儘管在29歲時仍然是全班唯一未獲得任何歌唱聘約與經紀人的學生；當年她考入休士頓歌劇院時，院方評價表也聲稱她「沒什麼天賦」...。她卻靠著努力、熱情、忠於自己與分享藝術的信念，不斷前進，成為了當今最受歡迎的多項唱片與音樂大獎之得獎者～“歌戲女王”、“完美的二十一世紀歌劇天后”，則是現代大眾與媒體加諸在她身上的榮譽桂冠。
「雖然我的職業生涯相對來得很慢，但這卻讓我有信心知道自己可以做得到。」- 喬伊斯‧狄杜娜朵
狄杜娜朵至今已經拿到回聲大獎年度女歌唱家殊榮，2010年拿到留聲機雜誌「年度藝術家」，2012年拿下葛萊美最佳古典聲樂獨奏獎，2017年英國留聲機大獎與德國回聲大獎，2018年奧立佛最佳歌劇成就獎，深獲樂界肯定；她最讓樂迷津津樂道的還有2009年在柯芬園英國皇家歌劇院舞台上演出羅西尼《塞爾維亞理髮師》時摔斷了腿，但她意志力堅強，撐著拐杖，坐上輪椅繼續演唱完成表演，轟動歌劇圈。
美國頭號女伶 - Yankee Diva
狄杜娜朵的聲音充滿變化，可塑性強，幾乎唱什麼風格都難不倒她：從巴洛克時期作品到二十世紀歌劇，從神劇到好萊塢音樂劇等；男、女不同角色（因為次女高音音色關係）、不同風格的作品，都能進入她的演唱曲目之中。
以她2011年的專輯「女伶，男伶」（"Diva, Divo"）來說，狄杜娜朵在專輯中做了非常特別的探索：她的次女高音音域剛好能夠演唱男高音，所以她能夠同時「男聲女聲變變變」，夠厲害吧～她自己打趣地說：我有一半是「穿褲子角色」（"trouser" roles） ，一半是「穿裙子詠嘆調」（"skirt" arias），真是有創意的挑戰。這張專輯更讓她拿到2012年葛萊美獎最佳聲樂演唱專輯（2012 GRAMMY AWARD WINNER: BEST CLASSICAL VOCAL SOLO）
特別是她的歌聲屬於「歌劇抒情花腔次女高音」（Operatic lyric-coloratura mezzo-soprano），演唱起羅西尼歌劇中的花腔最富於彈性，而且音色靈敏度奇佳堪稱一絕，是當代不可多得的首席次女高音。
「女伶，男伶」（"Diva, Divo"）專輯錄音實況與介紹：
https://www.youtube.com/watch?v=sqKvOus-CjU
版本比較 - Bartoli
https://youtu.be/X-kRgs3H7so
在美國，人們親切稱她為 «Yankee Diva»（美國頭號女伶）。
筆者非常喜愛之理查.史特勞斯藝術歌曲： «明天» （Morgen）
Richard Strauss: «Morgen» op.27 No.4
https://www.youtube.com/watch?v=Zvsz1wNuZe0
«Morgen» 中德歌詞對照：
| Richard Strauss, Morgen, op.27 No.4 | 理察．史特勞斯：明天 |
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Und morgen wird die Sonne wieder scheinen, Und auf dem Wege, den ich gehen werde, Wird uns, die Glücklichen, sie wieder einen, Inmitten dieser sonnenatmenden Erde…
Und zu dem Strand, dem weiten, wogenblauen, Werden wir still und langsam niedersteigen, Stumm werden wir uns in die Augen schauen, Und auf uns sinkt des Glückes stummes Schweigen… |
而明天，太陽將再度閃耀， 那條我將踏上的道路， 對喜悅的我們來說，將再度 融入這呼吸著陽光的大地…
我們將緩緩地，靜默地走向海， 那遼遠的，波動著藍光的海， 我們將彼此凝望，不發一語， 朝我們沉落的，是喜悅的靜謐… |
最鼓舞人心的．往往是真實故事
筆者個人最感動的一段視頻，是喬伊斯‧狄杜娜朵為2014年茱莉亞音樂院畢業生所做的演講致詞影片（影片與字幕來源→ OOPS「名校畢業演講」）。在演講中她唱作俱佳，真摯地分享她人生中的最低潮、失意與挫敗；但是堅強的信念與傑出的能力，硬是讓她一路聲勢看好，逐步成為世人眼中的「勝利者」。
她對畢業生說：「沒人知道人生道路會將他們帶往何方...」「但你們的人生道路將你們帶到這裡。」，我想這樣一位努力傑出的音樂家，她的人生經歷一定能夠給予每個人最大的啟發。
https://www.youtube.com/watch?v=B1CCmqxCGHk&feature=youtu.be
【中文字幕】（以下字幕取自OOPS「名校畢業演講」，洪曉慧翻譯） 茱莉亞音樂學院畢業典禮主席-Dr.Kovner：喬伊絲．狄杜娜朵為2014年茱莉亞學院畢業生演講很榮幸邀請我們的畢業演講嘉賓－喬伊絲．狄杜娜朵博士。 喬伊絲．狄杜娜朵：這是我第一次聽見這個稱呼，我很喜歡。 謝謝Kovner主席、Polisi校長、最優秀的榮譽學位得主、犧牲良多的家人、朋友，以及每一位才華洋溢、雄心勃勃、勇敢、大膽的茱莉亞學院2014年畢業生。喔－嗬！不騙你們，我十分緊張，演唱時我從不曾這麼緊張，如果演講能用唱的就好了。因此我打算－時間不夠，我只能想像你們都是裸體的，感覺好多了。別在意我的心不在焉。今天早上我站在你們面前－我真的十分緊張，今天早上我站在你們面前，懷著謙卑與敬畏的心情，在這個令人難忘且期待已久的畢業典禮上目睹你們獲得這份卓越且得之不易的成就。看看你們！你們穿著禮袍禮帽，你們已準備好面對這個世界。經過最初令人頭痛的入學考試之後，所有的不眠之夜、為了獨奏會煞費苦心地準備、無數小時的練習與背誦、所有的汗水與淚水，現在你們在一生的友誼伴隨下並肩前行。你們即將成為著名的茱莉亞學院校友，我邀請你們好好體會一下這份感受。 你們正處於美夢成真的喜悅中，我希望我有先見之明，要求校方提供你們我在你們這個年齡時的自傳，因為除了Polisi博士精彩的介紹，這是個很棒的對比例子，因為它告訴你們我的第一次演出是擔任《Il Tabarro》的幕後演唱，只有一句台詞，而且是幕後演唱。它也提到我是休士頓班上唯一一位29高齡仍未找到經紀人的新生代藝術家，儘管我考入休士頓歌劇院時的評價表聲稱我「沒什麼天賦」，儘管我吃過許多閉門羹，輕易被打發且不受肯定。儘管如此，不知何故，今天我奇蹟似地站在你們面前，穿著－並非設計師打造的禮袍，但我可以忍受。我應該與你們分享所謂的「智慧箴言」，這是事實，我在你們這個年紀時不可能擁有你們目前的成就，我尚未做好準備。這是事實，沒人知道人生道路會將他們帶往何方，但你們的人生道路將你們帶到這裡。 我有四項從職業生涯中領悟到的真理想與你們分享，事實上不止四項，但我將它們歸納成四項，它們來自我身為歌唱家的個人經歷。 乍看之下，它們或許像壞消息的預示，但我請你們稍微改變、甚至從根本上改變想法。身為藝術家的你們有足夠的智慧跳脫框架思考，我提供你們這些經驗或許有助於你在人生道路上前進，使你有能力守護自己的本心。當這個藝術生命的挑戰衝擊你的本心時，這種情況會一再發生，你將擁有一些反擊工具，協助你再次尋回本心，使你的聲音、你的藝術、你的靈魂不會偏離軌道，還會找到使你能聽見、看見、感覺本心的力量，然後你們將擁有改變自己、改變他人的力量。不騙你們－還有改變世界的力量。 我的第一個經驗：你永遠無法抵達終點。 這或許並非你們今早想聽見的話，聽起來像是壞消息，但我請你們將它視為美妙的好消息，因為我不相信「終點」真的存在，我不認為對藝術家來說存在「終點」。此時此刻，你能給自己最好的禮物，這個你一生中唯一的、獨一無二的、具紀念意義的時刻，就是毫不遲疑地做出決定，堅持在藝術的道路上前進，而非追求結果。結果幾乎總是無法達到你的期望，如果你一味追求難以捉摸、虛無縹緲的結果，你的藝術生涯很可能充滿艱辛。我不希望如此，我希望你們擁有美好的過程，因為總會有個能更自由發揮的音符，一句能更真誠表達的台詞，一個能稍微延長的第三式阿拉貝斯克舞姿，一曲能更引人入勝的慢板。總會有更多可自由發揮的空間，總會有更多可發掘的真相。身為藝術家，你永遠無法抵達最後的終點，這正是你不斷磨練技藝、展開好奇與想像之旅的榮耀與回報，當你孜孜不倦地追求某些超越自我的東西。 第二個真理：這項工作－抱歉，我不得不提醒你們，這項工作將永無止盡。 這聽起來或許令人畏懼，尤其在今天，你們終於要離開這裡的時候。但我發現當情況變得無法掌控，同樣地，這種情況會一再發生，無論是意料之外、快速的成功，還是令人心碎、毀滅性的失敗，找回自我的最佳方法就是工作，通常這會成為對你來說唯一有意義的事，你會在其中找到慰籍與真理。在琴鍵上、在把桿上（barre，音同bar：酒吧），我是指練芭蕾的把桿。這很重要，藉由你手中的琴弓、藉由你演奏的琶音、總是回歸你的本心，相信你將藉由音樂、節奏、話語、旋律再次找到你的方向。要有耐心，明白它一直伴隨著你。即使在某些時刻，你缺乏堅定不移的意志，它只要求你展現、完全展現你的初衷，如同你年輕時第一次發現藝術世界的神奇時那樣，將你對藝術的童真與好奇融入作品中，竭盡全力、再次尋找藝術的真諦，它將持續教導你如何表達、如何生活、如何放手。你不僅能在其中找到藝術的自由，也能找到個人的自由。 好，這或許是我最喜愛的一項真理：今天的成就並非只與你有關。 我是指－今天確實是你們的日子，珍惜這一刻，這是個美好的日子，但並非只與你有關。這是相當艱難的課程，也是我在人生每個階段都必須學習的課程，但這個真理能釋放你、讓你獲得力量。你或許尚未意識到，你還沒資格獲得榮耀和讚美，儘管榮耀與讚美可能到來。我衷心希望在座每一位都能以正確的方式獲得榮耀與讚美，但這並非你的目標，因為榮耀一向是短暫的，它的消逝與它的出現一樣迅速而隨機。事實上你已選擇奉獻的人生，藉由藝術奉獻的人生，這個奉獻他人、使生命獲得改變的選擇絕不會像名聲一樣稍縱即逝。你們為了台詞、導演、旋律、編劇、曲調、編舞者而奉獻，但最重要的是藉由每一次呼吸、每一次敲擊琴鍵、每一個舞步，你們為人類而奉獻。 身為茱莉亞學院第109屆校友的你們現在是奉獻者，撫慰需要寧靜的耳朵、撫慰需要美的眼睛、撫慰迫切需要休息或探索的頭腦、撫慰需要展翅翱翔或無聲理解的心靈、撫慰需要安歇或大膽啟迪的靈魂。你們是傷痛者的侍從，他們藉由你們廢寢忘食所譜寫的美妙而平和的交響樂治癒傷痛；你們是迷惘者的侍從，他們藉由來自你們想像或奮鬥的經驗、具鼓勵性和啟發性的文字獲得救贖；你們是自我封閉者的侍從，他們需要能釋放他們，使他們感受到活力、刺激、喜悅的生命脈動，當他們目睹你在舞台上用疲憊的雙腿和出血的腳趾踮腳旋轉；你們是憤怒與困惑者的容器，他們需要能釋放憤怒的安全地點，當他們注視你重溫過往傷痛時螢幕上充滿痛苦、默默流淚的眼睛；你們是對未來充滿渴望，天真、樂觀之人的侍者，他們追隨你的腳步，瞪大的雙眼盈滿狂野的夢想，讓你想起以前的自己，當你教導、塑造他們的時候。儘管你可能因此陷入自我懷疑，如同你的老師教導你時可能有的經歷，你將向他們伸出雙手，慷慨地邀請他們展翅翱翔、成長茁壯，因為分享這個叫「藝術」的東西是我們的使命。你們也是另一個人的侍從：你自己。你奉獻於心中那股堅韌而充滿熱情的狂熱力量，它們渴望成長、傳播、感受、聯繫和創造，使你渴望一種表達真摯喜悅與熱情的方式，展現發自內心的幸福與喜悅。 還有－拜託，我懇求你們，永遠不要忘了這一點：享受其中的樂趣。 樂趣，千萬別放棄藝術之旅中這種令人陶醉、引領你前進的感覺。如果找到這種感覺，你就擁有一切，這就是為何最終「創作」變得微不足道。感受它、體會它、為它奉獻，這才是喜悅的來源。我想分享一則上週收到的電子郵件，寄信者是一位藝術界先鋒，來自鹽湖城的小學老師奧黛麗．希爾女士。她打了漂亮的一仗，她帶她的五年級學生參加最近的高清電視節目《灰姑娘》。我在其中飾演灰姑娘，她最終並未懲罰家人過著貧困的生活，而是選擇原諒他們。相當精彩的故事，但她寄給我的信內容如下：「我的一位五年級男學生在今早繳交的心得中寫道，除了義大利麵大戰那一幕，他最喜愛的就是最後你演唱關於報復的部分，他非常喜愛你的報復是寬恕他們，這個男孩是今年入學的新生，擁有一副美麗的歌喉，但經常被欺負。我發現他的怒氣隨著學期邁向尾聲而逐漸增加，今天這些怒氣似乎煙消雲散，這是非常觸動人心的體驗。」這就是我們改變世界的方式，我們多麼幸運能做到這一點。啊，太美妙了！ 好，我撒謊了，還有一個我最喜愛的真理，這是最後一個，我想這確實是我最喜愛的真理： 這個世界需要你們每一個人。 在座每一位都不是無關緊要之人，我們需要你。 這個世界或許並未完全意識到這一點，但它確實需要你。這個世界嚮往著、渴望著、迫切需要你藉由藝術提供的療癒服務，我們需要你們幫助我們瞭解什麼是比我們本身更重要的事，使我們不再感到如此渺小、如此孤立、如此無助，不再因此停止奉獻我們獨有的特質，這個世界迫切需要的、獨特的、珍貴的個人特質。我們需要你們提醒我們這種無拘無束、未經修飾、充滿天真與活力的感受，我們因此能毫無顧忌地歡笑、嬉戲、飛翔，不再以太過嚴肅的目光看待一切。我們需要你們提醒我們何謂同理心，藉由深入瞭解與我們不同之人的內心，這樣我們不僅能再次擁有彼此和平相處的希望，也能以充滿驚奇與喜悅的方式共同成長茁壯。我們需要你們使我們分享共同存在的感受，藉由通俗、通用、包容的音樂語言、舞蹈語言、詩歌語言和藝術，使我們永遠不會忽視這個事實：我們共同生存於世，我們都值得擁有一個充滿無限可能性、無比美麗、崇尚真理的生活。十分榮幸與你們共享這個日子，細細品味每一刻，甚至這場冗長的演講，然後帶著你獲得的知識展翅高飛，你肯定能改變世界。邁出腳步，讓我們歡笑、哭泣、感受、融為一體，相信人類不可思議的力量能克服一切。 恭喜各位，你們值得擁有這份榮耀，謝謝。
2018年巴黎音樂會，在艾非爾鐵塔前盛大舉辦
JOYCE DIDONATO 與 AIDA GARIFULLINA 合唱 歌劇«霍夫曼的故事»裡的 "船歌"
BARCAROLLE .. Les Contes d' Hoffman .. Jacques Offenbach AIDA GARIFULLINA et JOYCE DIDONATO
https://youtu.be/D4Wo6BdC2r4
阿伊達.嘉里芙琳娜
https://bonart.com.tw/russian-soprano-aida-garifullina/
抒情女高音
輕抒情女高音角色Source:
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普契尼：⟨當我走在大街上⟩～選自 歌劇《波西米亞人》
https://youtu.be/Sg1nct9Ow4U
普契尼：⟨當我走在大街上⟩～選自 歌劇《波西米亞人》
https://youtu.be/IDvE8uKWznc
"Quando m'en vo'" La Boheme, G. Puccini - Anna Moffo, Maria Callas (OMG!) and Rolando Panerai
https://youtu.be/izVotmVDGe0
卡拉絲 錄音版本
https://youtu.be/g1EkG-azUno
古諾：⟨我要活在美夢裡⟩～選自 歌劇《羅密歐與茱麗葉》
https://youtu.be/dIBFtNKCceU
Sumi jo 版本
https://youtu.be/BwEMQArAL1k
Natalie Dessay 版本
https://youtu.be/VRSuDdD-fS0
戲劇女高音
Dramatic rolesThe following dramatic roles are for dramatic sopranos:
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Wagnerian soprano rolesThe following Wagnerian soprano roles are for dramatic sopranos:[2]
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華格納：⟨愛之死⟩～選自 歌劇《崔斯坦與伊索德》
傑西諾曼與卡拉揚
https://youtu.be/FVprS--bLks
訪談紀錄片 - 歌劇《崔斯坦與伊索德》
https://youtu.be/dWLp7lBomW8
版本比較
Richard Wagner: Tristan and Isolde – Prelude and Liebestod | with Daniel Barenboim & Waltraud Meier
https://youtu.be/n4bqRlNSQQE
威爾第歌劇《弄臣》
吉爾達詠嘆調：《可愛的名字》（Caro nome）
葛貝洛娃版
https://www.youtube.com/watch?v=WuJSC8Qtirw
瑪莉亞.卡拉絲版
https://www.youtube.com/watch?v=qvWZvriW3CU
Nadine Sierra 演唱吉爾達
https://www.youtube.com/watch?v=T7M4_xZyZH8
Diana Damrau 現場版
https://www.youtube.com/watch?v=hT1bLf_0Ilc
威爾第歌劇《茶花女》
《永遠自由》（Sempre libera degg’io）
Maria Callas 樂譜版本
https://youtu.be/ZGjmWYzVxkk
《永遠自由》（Sempre libera degg’io）安娜涅翠貝可版本
https://youtu.be/e64o1h1aBmc
《永遠自由》（Sempre libera degg’io）葛貝洛娃版本
https://youtu.be/4G_J_sPfQHM
普契尼：《托斯卡》為了藝術為了愛
卡拉絲版本
https://youtu.be/NLR3lSrqlww
卡芭葉版本
https://youtu.be/M7wbRzPp6dQ
弗蕾明版本
https://youtu.be/5_5h0fY8r2w
蓋兒.姬兒版本
https://youtu.be/CEx2LpSp_ao
隱藏版PK賽
女高音飆高音篇
https://youtu.be/xYazCmeQxJw
花腔女高音 High F
羅西尼《賽維亞理髮師》⟨Una Voce Poco Fa⟩
https://youtu.be/0L3bR8_zVdc
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【BON音樂】凱音雅樂直播課程 - 不容錯過的爵士唱片（下）：咆哮、波沙諾瓦與融合爵士
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All about bebop and Bossa Nova Jazz CDs
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蹦藝術 | BONART
主講人：林仁斌簡介
國內知名演奏、指揮、撰文、演講與音樂攝影之全方位音樂家
旅法知名音樂家林仁斌自2001年自巴黎師範音樂院 École Normale Supérieure de paris 學成返國後，以長、短笛演奏、室內樂及樂團指揮活躍於國際音樂節與國內外音樂廳；演奏專輯出版有《夜間咖啡館》、《妳的我的》、《華麗聚焦-雙長笛與鋼琴的歌劇院之夜》、《華麗聚焦II-卡門》（林仁斌＆周欣穎）《動物狂歡節》….等。 現為音樂藝文網站「蹦藝術｜BONART」執行長與Podcast古典音樂節目《蹦藝術》主持人。多年來撰文拍攝訪問音樂家，更以文字與攝影見長，每年演講場次超過百場；為國家交響樂團、長榮交響樂團與國家兩廳院、苗北藝文中心等各單位邀約之導聆與撰稿人，更是公認的超人氣音樂欣賞名家。
爵士音樂的演進與歷史
爵士音樂的歷史 年代圖解
爵士風格之演進
什麼是咆哮？ 文｜林華勁 資料提供｜Phyllia、Legacy 咆勃爵士樂是爵士樂由通俗音樂邁向藝術形式的重要里程碑，更是當代爵士樂的根基。「咆勃」二字是對應於英文原文「 Bebop 」音譯而來。但 Bebop 一詞本身，亦是狀聲詞，所狀之聲乃是黑人歌手用擬聲唱法（scat）以無意義的語詞所吟唱的旋律。這種新型態音樂剛在 40 年代興起時，據聞一名記者在聽到咆勃小號名家 Dizzy Gillespie 以擬聲唱技哼唱旋律，即將他們演奏的音樂以狀聲形式取名為 Bebop ，咆勃之號就此定下。 簡單來說，咆勃音樂是對於大樂團搖擺（Big Band Swing）風格的反動。大樂團人數眾多，仰賴編曲分配每個團員的責任，卻對樂團中的個人表現造成限制。年輕一輩的音樂家因而思考以小編制、減少編曲的方式來除去枷鎖，盡情展現個人樂思。他們的靈感來源主要是在大樂團時期曾致力於實驗嶄新即興手法的先鋒，諸如鋼琴家 Art Tatum 、薩克斯風手 Coleman Hawkins 、 Lester Young 等。於是在紐約市 52 街的爵士俱樂部 Minton’s Playhouse 裡，幾位年輕的「爵士研究生」如薩克斯風手 Charlie Parker 、小號手 Dizzy Gillespie 、鋼琴手 Thelonious Monk 、 Bud Powell 、鼓手 Kenny Clarke 等經常互相揪團練習，鑽研新演奏技巧，繼而催生出咆勃音樂。 雖然許多人對咆勃音樂的印象是刺激飛快的樂曲速度，但是咆勃音樂真正的精神不在「快」，而在即興思考邏輯的不同。大樂團世代的音樂家以水平音階式想法為主，較少綿長的樂句，節奏的使用較為簡單。相對的，咆勃音樂家傾向以垂直和弦式的方向出發，偏好用旋律將樂曲的和弦行進交代清楚，並運用大量半音繞行造成綿延不絕的八分音符。而將和弦與和弦行進複雜化，大量強調延伸音（tension）的手法則增添旋律的諸多可能性。節奏上，咆勃音樂有更多不規則的樂句長度和重音放置，讓初次接觸的聽眾常有猶如「在快跌倒時又重新站直」般的拉扯刺激感。整體樂團的演奏也受惠於編制縮小空間變大，而在主奏者和伴奏者間有更多互動。這樣的趨勢，也使爵士樂逐漸悖離伴舞的娛樂性質，轉變為音樂家揮灑創意的藝術層次。 可惜的是，咆勃音樂的發展正好是當時音樂家們發起罷工的「錄音禁令時期」，其演變歷程成謎。但無疑地，咆勃音樂演奏方式的建立成為爵士樂的必修基礎科學倒是不爭的事實。有心人應當聽聽經典錄音如 Dizzy 《Jazz at Massey Hall》、 Parker 的《Bird: The Complete Charlie Parker on Verve》等，感受一下咆勃的魅力。
歷史源流
（基本資料整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
咆勃爵士樂的先鋒包括薩克斯風手查理·帕克(Charlie "Bird" Parker)、小號手迪吉·葛列茲比(Dizzy Gillespie)、鋼琴手巴德·包威爾(Bud Powell)、鼓手麥克斯·羅契(Max Roach)、肯尼·克拉克(Kenny Clarke)與吉他手查理·克理斯欽(Charlie Christian)。承襲傳統而來的這些年輕音樂家在40年代的中期，為爵士樂帶來新的即興演奏想法與觀念，雖在當時亦遇到不少樂評或是老一輩的音樂家批評，但時間證明咆勃爵士樂在日後成為現代爵士樂最重要的基礎。
在第二次世界大戰爆發的同時，大樂團的搖擺樂演奏形式已無法滿足一群位於紐約的年輕音樂家，他們認為：
- 在大樂團中，編寫好的部分較多，而留給獨奏者即興發揮的空間較少；
- 早期爵士音樂和聲上較缺乏刺激性；
- 即興內容上，早期的音樂家們多以調性內的琶音手法演奏，旋律以較多四分音符而非大量的八分音符為主，節奏亦未有較刺激的感受.
咆哮爵士代表作
| 00:00:00 Charlie Parker Blue Bird (1947)
00:02:50 Dizzy Gillespie Anthropology (1948) 00:05:26 Miles Davis All-Stars Milestones (1949) 00:08:01 Tadd Dameron The Squirrel (1948) 00:10:58 Charlie Parker Ah-Leu-Cha (1948) 00:13:54 Bud Powell Celia (1950) 00:16:56 Dizzy Gillespie Salt Peanuts (1945) 00:20:11 Charlie Parker Billie's Bounce (1945) 00:23:19 Red Norvo Bop! (1945) 00:26:23 Miles Davis And His Orchestra Venus De Milo (1950) 00:29:32 Tadd Dameron Symphonette (1949) 00:32:38 Wardell Gray Twisted (1949) 00:36:05 Dizzy Gillespie A Night In Tunisia (1946) 00:39:07 Charlie Parker Bird's Nest (1947) 00:41:52 Sarah Vaughan What A Diff'rence A Day Made (1948) 00:44:38 Django Reinhardt - Babik (Bi-Bop) (1947) 00:47:23 Dizzy Gillespie Oop Bop Sh'bam (1947) 00:50:22 Thelonious Monk 'Round About Midnight (1948) 00:53:30 Charlie Parker Donna Lee (1947) 00:56:05 Dizzy Gillespie 52nd Street Theme (1947) 00:59:07 Charlie Parker Sextet Air Conditioning (1950) 01:02:06 Miles Davis Budo (1949) 01:04:41 Charlie Parker Scrapple From The Apple (1948) 01:07:35 Fats Navarro Goin To Minton's (1947) 01:10:28 Dizzy Gillespie Groovin' High (1947) 01:13:03 Charlie Parker Constellation (1948) 01:15:30 Bud Powell Tempus Fugue It (1950) |
https://youtu.be/3XEBkwtbRV8
什麼是波沙諾瓦（巴薩諾瓦）？
巴薩諾瓦（Bossa Nova）是一種融合巴西森巴舞曲和美國酷派爵士的一種「新派爵士樂」，承襲choro和samba-canção的部分特色而又自成一格，乍聽簡潔輕快。巴薩諾瓦結構複雜；樂器的音階或和絃轉換的行進方式變幻莫測，往往乍聽下以為可以掌握旋律的起落和節奏，和絃一轉換後即捕捉不及。它的旋律可以是行板或中板 。
語源
巴薩諾瓦（Bossa Nova）是葡萄牙文，「Bossa」原意是演奏森巴時的自然風格與氣質，「Nova」則是新的意思。結合起來，巴薩諾瓦就是一種融合了傳統巴西森巴（samba）節奏與啼樂（choro）的一種「新派音樂」。正統的巴薩諾瓦的起源是南美洲巴西土生土長的音樂，之後流傳到北美洲之後廣為爵士樂壇所喜愛，由美國爵士樂手大力推廣。也因此「巴薩諾瓦是拉丁爵士的一種」的這個印象，已經是後來的事情了。
風格
巴薩諾瓦的字面意思是「新節奏」，原來是一種拉丁音樂，聽起來輕鬆柔和、慵懶甜美、浪漫性感。與傳統南美及拉丁音樂不同的是，巴薩諾瓦不像森巴或倫巴（Rumba）那樣節奏強烈，拋棄了巴西音樂傳統密集的鼓點而採用旋律以表現，故除擁有南美音樂的熱情外，還帶有一份慵懶和輕鬆的感覺。
歷史
巴薩諾瓦在1950年代末期的巴西興起。1959年，由法國導演馬歇爾·卡慕執導的巴西電影《黑人奧菲爾》勇奪康城電影節、奧斯卡、金球獎三項最佳外語片獎；帶有巴薩諾瓦風格的電影主題曲〈A Felicidade〉和〈Desafinado〉風行一時，人們開始對巴薩諾瓦產生興趣。1960年代美國更掀起一陣巴薩諾瓦風潮，延燒到世界各地，影響了往後1970、80年代的電影及流行音樂。
（基本資料整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
https://youtu.be/NkxGkL7o9xk
Manhã De Carnaval
” Manha de Carnaval”是更根源、更純正地表現出拉丁旋律至美的Bossa Nova歌曲，而原唱者Elizete Cardoso則把Bossa Nova的傷感情緒帶動出來。作品由 Luiz Bonfa寫曲，Antonio Maria填詞。最初出現在由法國導演Marcel Camus執導的電影《Black Orpheus》中，成為電影的其中一個主題音樂。這齣電影由Luiz Bonfa和” The Girl from Ipanema”的原作者Antonio Carlos Jobim合作配樂。《Black Orpheus》的電影配樂，可說是把Bossa Nova催生出來，透過電影，把巴西的Samba和Bossa Nova 很真切地以強烈的影象色彩呈現在銀幕上，這齣奪得了1959年康城電影節棕櫚大獎，讓電影中的音樂傳播出世界。
起源介紹
https://youtu.be/FCExhhi2BbQ
波沙諾瓦紀錄片
https://youtu.be/UCGHjn8cqJg
波沙諾瓦音樂欣賞
https://youtu.be/pWu7GLp0Pnk
波沙諾瓦音樂欣賞
https://youtu.be/UuRaCcVZA6c
12月預告
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【BON音樂】當蹦藝術遇上蕭邦❤️ （下）：蕭邦鋼琴大賽歷史、特色到歷屆得主的演奏風格
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BONART X Chopin 2021 -2
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蹦藝術Ｘ國立中正紀念堂管理處
當蹦藝術遇上蕭邦❤️
主講人：林仁斌（資深古典音樂導聆人）
活動內容介紹
邀請資深古典音樂導聆人林仁斌為您詳盡解說，兩場演講將從「鋼琴詩人」波蘭偉大音樂家蕭邦的生命故事、音樂創作，到全球知名的「蕭邦鋼琴大賽」歷史、特色到歷屆得主的演奏風格。
主題：當蹦藝術遇上蕭邦(上)
時間：110/11/13(六) 14:00-16:30
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時間 |
內容 |
細部規劃 |
| 14:00-15:00 | 「鋼琴詩人」蕭邦介紹 | 生平、其人其事、美妙的音樂與創作 |
| 15:00-15:15 | 中場休息 | |
| 15:15-16:15 | 蕭邦鋼琴大賽第一、二輪曲種介紹 | 夜曲 練習曲 波蘭舞曲 敘事曲 詼諧曲 船歌 精選介紹 |
| 16:15-16:30 | Q&A 時間 | |
主題：當蹦藝術遇上蕭邦(下)
時間：110/11/21(日) 14:00-16:30
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時間 |
講座大綱 |
演講內容 |
| 14:00-15:00 | 蕭邦鋼琴大賽 | 歷史、故事與名家現象 |
| 15:00-15:15 | 中場休息 | |
| 15:15-16:15 | 蕭邦鋼琴大賽第三、四輪曲種介紹 | 圓舞曲 前奏曲 奏鳴曲 馬祖卡舞曲 華麗大波蘭舞曲 協奏曲 |
| 16:15-16:30 | Q&A時間 | |
＊參加本講座之公務人員將核予終身學習時數2小時。
報名資訊
主題：當蹦藝術遇上蕭邦(上) 時間：110/11/13(六) 14:00-16:30 對象：一般民眾 費用：免費 人數：80人 地點：中正紀念堂1展廳視聽室
報名須知
1.主辦單位保留活動異動的權利。
2.活動當日請提前5~10分鐘至1展廳視聽室報到，不另行通知。
3.如線上報名後因故無法出席，請線上取消報名或電洽活動承辦人協助取消，讓更多有興趣的民眾能參與本次活動。
4.本處於活動中所拍攝照片，供本處簡介、教學、活動課程行銷宣傳等目的之使用。
5.本活動需蒐集報名者個人資料以便聯繫及通知，本單位將遵守「個人資料保護法」規定，善盡隱私權保護責任與義務，承諾以合理之技術及程序盡力保護報名人員之個人資料及隱私。並僅限於本活動相關之個人身份識別、統計及學習認證資料登錄目的之用。
6.因防疫需要，入堂時將依照防疫規定量測額溫及實名制，超過攝氏37.5度不接受入場，並請出席者在活動場內全程配戴口罩。
風靡全球的音樂家．鋼琴詩人蕭邦
「鋼琴詩人」蕭邦（Frédéric François Chopin, 1810-1849）一生創作之作品，多以鋼琴曲為主，並且在鋼琴技巧演進史上佔有極重要的地位，故得名「鋼琴詩人」。
照片為1849年，蕭邦於人世間最後一張照片：
蕭邦在鋼琴樂曲中有著多樣性的創作能力，並對於許多曲式的創作，有著劃時代的創新突破與重要地位。
「鋼琴詩人」蕭邦畢生創作幾乎以鋼琴曲為主，雖然他不少作品技巧艱深，但音樂卻從不以炫技為最終目的，樂曲中特有的詩意和細膩的情感、浪漫的和弦與精緻的音符，為他博得「鋼琴詩人」的雅稱，也是最為後世喜愛的作曲家之一。每隔五年於蕭邦故鄉舉辦之波蘭國際蕭邦鋼琴大賽，更是純粹以蕭邦音樂由初賽演奏至最後一輪的國際大賽。
五年一次的蕭邦鋼琴大賽，以往一定要親臨波蘭才能參與，而現今疫情改變了賽事規則，這次轉以線上直播的形式公開轉播賽程，讓更多喜愛音樂的人有機會同步參與這場國際盛事。
每項大賽，都有其獨特的歷史沿革和比賽規則。林仁斌老師將用深入淺出、搭配過往比賽精彩影音撥放的方式，讓學員更了解蕭邦鋼琴大賽的歷史沿革和比賽規則。跟著專業導聆一起共享經典，了解更多樂曲內涵。您會更清楚評審團的評分標準，也會認識歷屆知名的大賽得主和他們的演出。
蕭邦國際鋼琴大賽（Międzynarodowy Konkurs Pianistyczny im. Fryderyka Chopina）是五年一度的國際鋼琴比賽，1927年由波蘭鋼琴家茹拉夫萊夫創辦，於音樂家蕭邦的故鄉——波蘭首都華沙的國家愛樂廳舉行，波蘭政府為每屆大賽提供五百萬茲羅提（約100萬美元）的資助。（基本資料整理自網路與維基百科，並附超連結方便檢索）
蕭邦鋼琴大賽規章
大賽規則與評審制度
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有年紀限制。（本屆年紀限制為1990年至2004年間出生）
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共有四輪競賽。第一輪（夜曲、練習曲、詼諧曲）、第二輪（敘事曲、前奏曲、圓舞曲及波蘭舞曲）、第三輪（即興曲、奏鳴曲及整組馬祖卡舞曲）至最後決賽（蕭邦的第一號或第二號鋼琴協奏曲擇一完整演奏），選手都需要在每一階段、每種曲目呈現最高水準，才有可能晉級。
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複合評選制度。十多位評審會以「Yes/No制」、「25分制」、「55分制」等方式打出分數，並誠實標示出自己的學生「S」，避免藝術評分可能因此產生之不公平。
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僅六位入選總決賽。須為前三個輪「累積分數」最好的前六位。他們將與華沙愛樂管弦樂團合作，演奏蕭邦的第一號或第二號鋼琴協奏曲。
本屆評審全家福合照
蕭邦鋼琴大賽起源
→波蘭建國與歷史
波蘭是位於東歐平原西斯拉夫人國家，根據考古發掘資料，波蘭最晚在舊石器時代中期已經有人類捿息。公元前700年新石器時代晚期，斯拉夫人在波蘭定居。10世紀，波蘭人開始建立國家。其後的11～15世紀，波蘭國勢都非常的強盛，波蘭-立陶宛聯合王國成為抵禦金帳汗國入侵的歐洲之盾、並且成為歐洲面積最大的國家。16世紀是波蘭的黃金時代，波蘭身兼歐洲大國和世界貿易大國的雙重身份、文化也得到長足的發展。但從17世紀中期開始，因為俄羅斯和普魯士的崛起使波蘭走向衰弱、大國地位明顯被削去。 18世紀時，古老的貴族民主制面對新興的專制君主制已經無以為繼，至19世紀期間，波蘭最終被鄰國蠶食和瓜分，在歐洲地圖上消失123年。（被蠶食與瓜分的悲慘19世紀～這就是蕭邦的年代） 第一次世界大戰結束後、波蘭才得以復國，第二次世界大戰中，在蘇聯和納粹德國兩個強大鄰國夾縫中生存的波蘭很快就再次亡國。戰後，波蘭的共產黨建立人民共和國、開始共產主義建設。1989年，波蘭的團結工會獲得政權，結束共產黨統治後開始民主化，轉向西方的資本主義制度，劇烈的轉型帶來陣痛和經濟衰退，加劇城鄉差距。1999年和2004年，波蘭分別加入北約和歐盟。
一次世界大戰結束後，波蘭重新建國。
當時社會風氣普遍較為重視物質生活，而非藝術、音樂等品味生活的元素。波蘭人雖有自己的國家，但有一批藝術家卻認為波蘭該復興自己的音樂藝術文化，這位最值得年輕人一聽的波蘭作曲家，就是蕭邦。
當時許多波蘭年情人不知道蕭邦是誰？也有波蘭人說聽了蕭邦的音樂，覺得是糜靡之音。
波蘭鋼琴家與華沙音樂院教授如拉夫列夫（Jerzy Żurawlew, 1886-1980），師承著名的蕭邦詮釋專家：亞歷山大·米查沃夫斯基 (Alexander Michałowski) ，而亞歷山大·米查沃夫斯基師承蕭邦教導過最傑出的學生之一：卡爾·米庫利 (Carl Mikuli)，一脈相傳的道地蕭邦原汁原味波蘭風格。
如拉夫列夫畢生投注極大的熱情於教學與蕭邦音樂的傳承，並一生以此為致力目標。 除了培養出好幾位鋼琴家外，他積極參與社區和文化藝術活動。有鑒於越來越多年輕人不知蕭邦是誰？他歷經不懈努力與奔走，終於在1927年，成功於波蘭華沙創辦以蕭邦為名的國際鋼琴大賽。
時至今日，這項以單一作曲家與作曲家人生所有作品為比賽內容的國際音樂大賽，不但成為比賽最大特色，更成為所有國際音樂賽事中歷史最悠久的大賽之一，也讓今日的波蘭人對於擁有蕭邦，深深引以為傲。
五年一度的蕭邦鋼琴大賽，重要性更被譽為為「音樂界的奧運」。
波蘭鋼琴家與華沙音樂院教授如拉夫列夫（Jerzy Żurawlew, 1886-1980）
為何五年舉辦一次？
蕭邦鋼琴大賽從1927年開始，設定每五年舉辦一次（中間1942-1949年間因華沙在二戰中被摧毀而中斷），可說是波蘭藝文界殿堂級的最重要事件，每次舉辦皆獲得全球矚目。相較多數國際音樂大賽多為 3-4 年就舉辦一屆，蕭邦鋼琴大賽設定 5 年才一屆，比4 年一屆的奧運還久。
據說主辦單位也曾想要縮短年限，但後來認為藝術與傑出演奏者培養，需仰賴的時間沉澱與長期準備：每 5 年如果能有一位頂尖鋼琴家的誕生，已實屬不易，因此作罷。
要準備蕭邦鋼琴大賽並不容易，需要精通的曲種與曲目非常多；雖然是單一作曲家之作品，但每種樂曲曲式均要掌握演奏風格與技巧，更是難上加難；加上比賽評審均為國際一流蕭邦專精演奏家與教授，要通過這些專家們的一致認可，才有機會脫穎而出。
蕭邦大賽歷史 紀錄片
https://youtu.be/OGZx3YYeSMs
→歷屆首獎得主與得獎者
有片：
歷屆得獎者影片
https://youtu.be/K7OHCb2m73o
大賽歷史與重要事件整理
蹦藝術整理．引用自 MUZIK 雜誌 2015-10 Vol. 102 /
第一屆蕭邦鋼琴大賽於1927年1月23至30日比賽，有八個國家26位參賽者。評審委員有12名，但清一色為波蘭音樂家，當時認為只有波蘭人能把蕭邦音樂的民族性做正確的評價。結果第一名為蘇聯的列夫.歐柏林（Lev Oborin），蘇聯作曲家蕭斯塔科維契也參加比賽，但沒有得名。 2.Stanislaw Szpinalska（波蘭） 3.Roza Etkin-Moszkowska（波蘭） 4.Grigori Ginzburg（蘇聯） 1932年3月舉行第二屆，參加人數增加到十八國89位參賽者，評審委員增加到14位。有五名外國音樂家參與評審，法國名鋼琴家瑪格麗特．隆（Marguerite Long，1874∼1966）及拉威爾（Maurice Ravel，1875∼1837）也參加評審。前六名名單如下： 1.Alexaindre Uninsky（原為俄國基輔音樂畢業，但報名時沒有填國籍） 2.Imre Ungar（匈牙利） 3.Boleslaw Kon（波蘭） 4.Abramlur（蘇聯） 5.Lejos（Louis） Kenter（匈牙利） 6.Leon Borunski（波蘭） 一九三七年第三屆參賽者來自二十一國，79名。評審委員破天荒地請了30名，18名為外國人，德國的巴克豪斯（Wilhelm Backhaus， 1884∼1969）、蘇聯的涅高茲（Heinrich Gustavovich Neuhaus，1888∼1969）也列名評審名單內，可見這個比賽的客觀性與重要性已大為增加。 第三屆的前六名為： 1.Jakov Zak（蘇聯） 2.Roza Tamarkina（蘇聯） 3.Witold Malcuzynski（波蘭） 4.Lance Dossor Great（英國） 5.Agi Jambor（匈牙利） 6.Edith Axend（德國） 第四屆應該在1942年舉行，但因第二次世界大戰而停辦，延至1949年波蘭淪為共產後舉行。評審委員維持28位，外國評審18名。但參賽者戰後，減為十四國54名。第一名為波蘭的史黛芳絲卡（Halina Czerny-Stefanska）和蘇聯的貝拉．達薇朵維契（Bella Davidovich）兩位。二、三、五、六、八、十一、十二名為波蘭人，四、七、九、十名為蘇聯人。換句話說，雖有14國代表參賽，前12名卻只有由地主國與蘇聯瓜分，音樂比賽政治化之說由之而起。 第五屆於1955年2月22日至3月21日舉行。參加者增加為二十五國75名。評審委員也是30名，但外國評審佔了22名。從這次開始，地主國波蘭的評審人數以不超過評審的三分之一為原則，波蘭的評審勢力稍微減弱，也增加了比賽的公正性，尤其經過這一屆的比賽，雖然第一名仍然由波蘭集合華沙音樂院教授群全力訓練的參賽者哈拉賽維契（Adam Harasiewicz）獲得，而有些微的不公聲浪外，第二名的阿胥肯納吉（Vladimir Ashkenazy），第三名傅聰，第四名則由法國的伯納德．林金森（Bernard Ringeissen）獲得，五、六名又是蘇聯，但是，很顯然政治因素已經減輕不少，這項比賽的權威性已被國際樂壇所重視，也是年輕鋼琴家們夢寐所追求的最高榮譽。 自1955年以後，蕭邦國際大賽固定每五年舉辦一次，且往後的各屆比賽第一名不再侷限於波蘭與蘇聯： 1960年第六屆由義大利的波里尼（Maurizio Pollini）獲得，中國大陸的李名強進入第四名，他在1995年也獲聘為第十三屆評審。1965年則由阿根廷的阿格麗希（Martha Argerich），1970年由美國的歐爾頌（Garrick Ohlsson），日本的內田光子（Hiroko Nakamura）在這一屆擠入第二名。 1975年第九屆評審團無異議的回到波蘭年僅17歲的齊瑪曼（Krystian Zimerman）獲得第一名，但二、三、四名全部是蘇聯人。 1980年的第十屆是最轟動的一年，音樂怪人波哥雷里奇（Ivo Pogorelich 1958∼）的特異音樂詮釋，使得評審肯特納（Louis Kentner，第二屆第五名）在第一回因為波哥雷里奇能進入第二回賽而退出評審行列，其後評審之一阿格麗希，則因為波哥雷里奇不能進入最後六名決賽，憤而退出比賽評審。創了同一次比賽有評審因其入圍而退出，又有因不能進入決賽而退出的記錄。 更絕的是比賽結果由越南的鄧泰山（Dang Thai Son，莫斯科音樂院學生）獲得第一名，第二、三名也是蘇聯人，第四名從缺而第五名兩位──評審團認為第五名兩位的水準與第三名還有差距而不夠第四名的資格。這又是大賽的新紀錄（通常只會第一或第二名從缺）。 1985年的第十一屆，評審委員也是一面倒的通過蘇聯的布寧第一名。隨後蘇聯解體，音樂人才培育也受到衝擊，導致1990、1995連著兩屆第一名從缺。 2000年的第十四屆則由中國的李雲迪獲得，陳薩第四名。 2005年由波蘭的布雷謝茲（Rafał Blechacz, b.1985）獲得，第二名從缺，第三名兩位韓國人、第四名兩位日本人，第五名從缺，又是一項紀錄。 2010年第十五屆第一名為俄國的尤利安娜．阿芙蒂耶娃（Yulianna Andrejewna Avdeeva），同屆第三名的丹尼爾·特里福諾夫雖只獲得第三，但於隔年開始大放異彩：同時獲得2011年亞瑟·魯賓斯坦國際鋼琴大賽首獎與2011年柴可夫斯基國際音樂比賽鋼琴組金牌及賽事最高獎（Grand Prix），如今國際演奏聲勢一路看漲，頻頻成為話題。 統計數據與現象 從比賽得獎者的統計中可以得知，十五屆蕭邦鋼琴大賽的第一名除了1960、1965、1970連著三屆由西方自由國家奪得外，其他全是共產國家獲得，綜觀歷屆前三名受到蘇聯音樂體系訓練者佔大多數。 蘇聯解體，人民爭得自由後，音樂教育也走下坡。由此可見音樂的訓練必須苦練才能豐收。 再看看亞洲的音樂人才，大陸在文化大革命之前有傅聰擠入第五屆第三名，李名強第六屆第四名，隨後因文化大革命而中斷。 日本雖然不曾獲得第一名，最好成績是1970年第八屆第二名。不過從1965年起每一屆都有人能進入第三輪的前十五名，甚至擠入前六名。其中1965年中村紘子（Hiroko Nakamura）第四名，1970年內田光子（Mitsuko Uchida）第二名，1980年海老彰子（Akiko Ebi）第五名，1985年小山實雅惠（Michie Koyama）第四名。1990年則有第三名及第五名，1995年第五名，2000年第六名，2005年兩位第四名。從這看來，日本從1965年起，除了1975年外，每一屆都能擠入前六名，1985年前十五名中日本還佔了四位，可見日本的音樂確實已有一定水準。 筆者補充：2021年第18屆蕭邦鋼琴大賽入圍者，經統計後各國人數如下： 中國入選22位 波蘭入選16位 日本入選14位 韓國入選7位 義大利入選6位 台灣入選3位 依照世界音樂史的輪迴，二十一世紀應該是亞洲人的世紀，從蕭邦鋼琴大賽也可看出端倪： 2000年第一名李雲迪、第四名陳薩為中國，第六名佐藤美香（Mika Sato）日本所得，開了第一槍。2005年第二名從缺，第三名兩位為韓國人，第四名兩位為日本人，第六名為香港人，換言之，除了第一名，其他全是亞洲人。可惜2010年81名中有23名亞洲人進入第一輪比賽，卻沒有擠進前六名。2015年158名預賽者中，有25名中國、25名日本、20名韓國、臺灣3名，總共73名，目前進入Qualified的84名中有三36名，如果加上美加兩國亞裔小將共有43名，可見亞洲鋼琴小將們在華沙鋼琴大賽所佔份量。 或許2015年又會重演1990年第一名從缺。由於柴科夫斯基與蕭邦世界兩大鋼琴比賽同一年比賽，參賽者很多是重疊的，要準備兩種不同的比賽曲目，的確非常困難，人才也因之分流，柴科夫斯基2015第十五屆比賽已於七月結束，第一名由莫斯科音樂院畢業的馬斯列夫（Dmitry Masleev）獲得，看得出他是專心準備柴科夫斯基比賽曲目。第二名兩位，有一位同樣莫斯科音樂院畢業的魯卡斯（Lukas Geniušas）及美籍華裔的黎卓宇（George Li）。有趣的是2010年蕭邦鋼琴賽第三名的特利佛諾夫（Daniil Trifonov）於2011年參加柴科夫斯基第十四屆比賽獲得第一名，而2010年蕭邦鋼琴賽第二名的魯卡斯今年參加柴科夫斯基比賽還是第二名。而美籍華裔小將黎卓宇剛於4月13日參加蕭邦鋼琴大賽預賽，獲得晉級第一輪。以他在預賽彈奏的蕭邦，應該是無法獲得比第二名更好的名次，而他日前也宣布放棄了十月的比賽。看了可進入於九月底蕭邦第一輪60名選手的預賽實況，似乎沒有顯眼、突出者，寄望於24名獲得直接進入第一輪有傑出的選手，否則可能重演1990年第一名從缺。 蕭邦國際鋼琴大賽的特點 目前世界上稱為國際鋼琴比賽者少說也上百個，每五年一賽的蕭邦鋼琴賽，是目前水準最高的，所產生的優勝──尤其第一名，幾乎沒有庸才，即使第一名從缺，能進入前六名者，大都能屹立於國際樂壇或成為名師。蕭邦鋼琴大賽能獲得今日之聲譽，是由於下列幾項特點，才得以致之： 蕭邦鋼琴大賽是用國家的威信做賭注的一種國家賽事 早期這一比賽是由蕭邦協會和波蘭文化部合辦的（目前官方角色逐漸減少）。然而，蕭邦協會在第十一屆以前，雖稱之為協會，但並不像我們的純民間組織，根據第十、十一屆評審主任委員艾基爾（Jan Ekier）坦白的說：「它是由國家性的機關共同主辦。」所以說，是以國家的威信做賭注，無論他們的國家經濟多麼蕭條、不景氣，只要碰上比賽年，都全力以赴，全國人民對五年一度的大賽都寄予很大的關心，這是其他國際鋼琴比賽所無法比擬的。他們所以要由兩個單位共同舉辦，也是他們高明之處。蕭邦協會是由音樂家組成，負責章程、比賽曲目的擬定，聘請評審委員及比賽內容等技術方面的事情。藝術文化部則負責參賽者、評審委員等住宿、逗留期間的開銷及比賽售票等雜務之經營。如此，蕭邦協會可以全心專注於如何提升比賽水準而努力，而不必煩心於藝術工作者最大弱點──辦理雜務、瑣事。 比賽時間相隔最長 通常國際鋼琴大賽，以間隔三或四年舉辦一次已經算是間隔很長，而蕭邦國際鋼琴大賽是每隔五年一賽，是所有國際比賽中間隔最長的。每屆比賽年齡限制約有不同，但大概都在17∼28歲之間（本屆為16∼30歲）。因此，蕭邦大賽對一個鋼琴家來說，能參加的機會一生只有一次，最多最多也是兩次。 蕭邦協會也曾考慮過四年一賽，經過協會的研討，認為「蕭邦的音樂非常困難，比賽指定曲目也非常多，需要一段長時間的學習和準備。為了維持比賽的水準，還是以間隔五年為宜，何況衡諸世界鋼琴家的出生，每五年能夠產生一位真正好的鋼琴家已經不簡單。」看看世界頂尖的鋼琴家也真是如此，有時相鄰兩三年出現幾位，隔了幾年才又出現新高峰。例如：1882∼1886年接連出現巴克豪斯（Wilhelm Backhaus， 1882∼1951）、施納貝爾（Artur Schnabel，1884∼1969）、魯賓斯坦（ArturRubinstein， 1886∼1982），1895年的紀瑟金（Walter Gieseking）、肯普夫（Wilhelm Kempff，1895∼1991），接下來是1903∼1904年的阿勞（Claudio Arrau，1903∼1991）、瑟金（Rudolf Serkin，1903∼1991）、霍洛維茲（Vladimir Horowitz，1904∼1989），然後就要跳到1915∼1917年的李希特（Sviatoslav Richter，1915∼1998）、吉雷爾斯（Emil Gilels，1916∼1985）、李帕悌（Dinu Lipatti，1917∼1951）。蕭邦協會的考量還真有些道理呢！ 由於比賽章程訂定的年齡限制，所以，年輕的鋼琴家們，如想要鯉魚躍龍門，就要在五年內全力一拼。而且年齡愈輕而有才氣的愈有希望。超過26歲雖然可以參加，但得第一名的機會不大，他們為了維持水準寧可第一名從缺，例如1990、1995接連兩屆從缺就是這種情形。或許評審委員有共同體認：26歲以上，音樂成熟是應該的。 評審委員是所有比賽中最多 比賽是否成功，評審的公平最重要。 而藝術是完全主觀的，它不能像田徑場上用碼表或尺來測量，即使只要快了0.001秒或多了0.1公分，就可以判定勝負。 藝術的評審完全靠主觀，尤其是音樂比賽，評審得聚精會神地從一閃而過、看不到、摸不著、留不住的音樂聲中判出高下。每一個人的涵養不同，所看的角度不同，而能夠參加大型國際賽大都有一兩把刷子，尤其到最後關頭上得了台的，除非有一個非常突出，幾乎很難分辨高下。事實上，天才與亂來只是一線之隔，就看從哪個角度衡量而已。因此，在評審成績統計表上，同一參賽者被判定第一名與最後一名的情況經常出現。若只有兩、三位評審，很難做到客觀、公平──除非有明顯的差異。通常國際比賽的評審委員7∼9位最多，柴可夫斯基大賽則11∼13位算是多的。由於國際大賽的評審者必須有國際水準與聲望，要求這些音樂家撥出將近一個月的時間，每天聽這累人的評審工作，真的很困難，然而蕭邦鋼琴大賽參賽者從1980年起大都超過130人，評審委員20至30位。（第四屆只有54位參賽者，居然請來28位評審。）從2005年起先於比賽當年四月舉行Preliminary Stage，以2015年為例，於2015年4月13日至24日舉行，每個參賽者上台彈奏30分鐘內之指定選曲，由13名評審，每天8小時，並經由YouTube現場線上直播。正式比賽有17名評審，他們聘請評審的原則，首先必須是要名實俱在的卓越的鋼琴家，其次必須是卓越的鋼琴教育者或音樂評論者而且必須對蕭邦藝術有深切體認者。因此，從1960年以後，蕭邦鋼琴大賽的公平性不容置疑，參賽者不用擔心政治或其他方面所產生的不公平性。 計分方法最特別 早期蕭邦賽的計分方法採初賽、複賽、準決賽、總決賽四個階段計分，每一階段評審只能評最高25分，以降低每一位評審所能操控的分數，且各階段累積計分淘汰。 因此，即使最後總決賽的分數最高，如果前面幾回成績加起來太低，到手的名次也只可能拱手讓人。 從2000年起，由於評審不習慣打二十五分制（其目的是讓評審不能有太大的分數操控空間），改採100分制。不管採幾分制，蕭邦賽的每一個階段賽都重要，因為每一個階段演奏蕭邦不同類型的樂曲，所以必須完整的表現蕭邦的各個層面。不像其他的國際賽，最後總決賽決定名次，前面幾回賽只要擠進入圍就行。（筆者補充：從2015年評審結果看來，第一～三輪評審團仍維持「25分制」，決賽則採取「55分制」，下方將提出近一步說明與解釋） 只辦鋼琴比賽，比賽曲目只有蕭邦的作品 純粹只辦國際鋼琴比賽的不是沒有，但知名度高的，只有華沙蕭邦鋼琴比賽。其他如比利時的伊麗莎白、莫斯科的柴科夫斯基比賽包括小提琴、大提琴、聲樂等。比賽曲目包含的各個不同樂派、不同作曲家的作品。蕭邦賽的指定曲則清一色為蕭邦的鋼琴作品，歷屆比賽的指定曲目，除了馬厝卡舞曲外，都大同小異，他們也不擔心比賽曲目會被先練習。因 除了馬厝卡舞曲外，都大同小異，他為蕭邦的音樂並不是彈得久、練得多就會贏，而是各種不同類型的樂曲需要有不同的領悟。例如，每一屆的馬厝卡和波蘭舞曲特別獎，不一定是第一名的人獲得呢！如傅聰只得第三名，卻得到馬厝卡舞曲特別獎。而且，如果不是那塊料，即使練了一百年，把蕭邦的所有作品背得滾瓜爛熟，也不見得會得到第一名。 蕭邦鋼琴大賽曲目及其音樂 蕭邦鋼琴大賽從每一階段的曲目要求參賽者做出不同要求，第一輪通常是一首夜曲──看音色的控制、音樂的細膩性，兩首練習曲──看手指的靈活、技巧。一首詼諧曲──看困難的技巧如何與音樂結合。第二輪的曲目中要從敘事曲、船歌、或幻想曲看抒情性質的音樂與技巧的結合。連續六首的前奏曲看曲目連續的組織概念，圓舞曲看才氣。波蘭舞曲通常規定自較有莊重、魄力的Op.22，Op.44，Op.53，Op.61四首中選一首。 第三輪即興曲一首、一整組馬厝卡舞曲以及一首奏鳴曲。通常到了這個階段結束後，在評審委員的心目中優勝劣敗已經有數，就等最後一回的協奏曲，看看參賽者是否有能力在和樂團、指揮排練一次就上台作好演出，來判斷是未來是否有成為獨當一面真正鋼琴家之可能。如果不行，第一名就會從缺。 第四輪為總決賽，近三屆參賽者除了蕭邦的兩首協奏曲任選一首外，還加上一首鋼琴與管弦樂的小品。2015年第十七屆又回復蕭邦兩首協奏曲中擇一。 從上述的指定曲目範圍中，參賽者必須長時間做準備，才能充分詮釋各種不同類型的演奏曲目。 我們從蕭邦協會所推薦的兩套蕭邦全集錄音，聽出佔了每次比賽三分之一的評審委員們所演奏的音樂，他們所注重的是蕭邦的「詩意」。「詩」是文學中最簡潔、最高意境的表達，蕭邦之所以被稱為「鋼琴詩人」，就是因為即使在最簡單的音符中，都有深刻的意境，比賽就是考驗參賽者是否有此意境。音樂的「詩意」實在很難用文詞表達，唯有通過音樂解釋音樂，才是正途。 以往要想聽蕭邦鋼琴大賽的比賽實況，大概僅能靠錄音；1980年有CD後，比賽完第二天大概可以在比賽現場買到前一天的比賽現場CD。也有波蘭muza唱片公司，從波蘭蕭邦協會保存的歷屆比賽實況錄音中，整理出八張精選，把歷屆第一名精彩部份集合成四張CD，另外還有歷屆獲得波蘭舞曲、馬厝卡舞曲特別獎的現場各集成一張CD，共六張CD。另美國洛杉磯的LASERLIGHT唱片公司也於1992年發行一套五張的Great Chopin Performers，內容也是各屆第一名的精彩錄音。另外Technics 也於1995年發行六張1995年第十三屆蕭邦鋼琴大賽得獎者的現場部份錄音，若拿來與過去幾屆第一名做一比較，這些年輕參賽者的演奏，的確不如前幾屆的才氣煥發的演奏，例如曾獲得范．克萊本鋼琴大賽第一名的俄國蘇塔諾夫（Alexe Sultanov）的演奏，實在過份地誇張而帶著傲性，不符合評審們「耳」中的蕭邦風格。如果與前幾屆第一名來對比印證，第一名從缺，確實有其道理。這些都是最好的研究蕭邦音樂共通特質的資料，如果配合蕭邦協會的兩套錄音，多聽幾次後，蕭邦音樂的一般要求共通特質，就會自然浮現在腦海中，無論是欣賞、學習或教學都能對於蕭邦的音樂有一清晰的輪廓。 俄國鋼琴家蘇塔諾夫（Alexe Sultanov）的決賽演奏
https://youtu.be/GQWgPyvXVdg?list=PLFn0Mh0jSllpT5mr_RLdnrrsFGm968ayc&t=2875
1995年蕭邦鋼琴大賽公布名次之後，銀牌獎得主蘇塔諾夫（范克萊本鋼琴大賽金牌獎得主）因為首獎從缺只得到二獎，與法國鋼琴家Philippe Giusiano共享銀牌。蘇塔諾夫因此拒絕領獎且拒彈得獎者音樂會，後來他同意彈奏得獎者音樂會，卻在音樂會以瘋狂而粗糙的演奏，似乎是不甘示弱地向評審抗議...更是大賽沸騰話題。可惜這位天才型演奏者，之後嚴重中風，於2005年6月30日，逝世於德州Fort Worth，結束了短暫的35年生命。 蘇塔諾夫中風後，在妻子Dace Abele Sultanov 陪伴下彈奏鋼琴
筆者補充影音
史黛芳絲卡的波蘭舞曲錄音
https://youtu.be/9wHiamaEen4
史黛芳絲卡的馬厝卡舞曲錄音
https://youtu.be/bBzyDKMk_Rc
https://youtu.be/Qfkkq7UAPrc
精彩歷史與演奏
閒磕牙．話題十足🌟
讓我們以上一屆2015年蕭邦鋼琴大賽評分表，一起看許多制度與現象：
| 17位評審團成員與縮寫：
Dmitri Alexeev（DA） |
2015年第一輪評審給分表：
從上方表格我們可得知，第一～三輪給分方式評審團以「兩種系統」對第一、第二和第三輪的比賽參與者進行評分：
「25分制」＋「Yes/No制」。
在這兩個系統中，陪審員都不會對自己「學生」的表現進行評分，而只是在評分卡上參與者姓名旁邊的符號「S」。
「25分制」評分系統可以從 1分 到 25分（1 為最低，25 為最高）的整數給/評分；而在「Yes/No制」系統中，每位評審可表達他/她對每一位參賽者進入下一輪的意見。
2015年第四輪決賽 評審給分表：
評審規則「55分制」
- 在決賽的演出結束後，評審可從從「 1」 到「 10」 的範圍內對參與者進行整數評分（1 為最低，10 為最高）。
- 與前幾輪一樣，評審不可對自己的“學生”進行評分。
- 每位評審只能給一個人最高分。
- 給分總分不能超過55分。
筆者解說：55分是怎麼來的？
這是個以數學評比出順序的簡單方法：從「1」加到「10」，得到的數字結果即為「55」。
除了可以抑制評審連續給予多位選手最高分，也能使評審在給分時，理性思考計算自己所給予的總分，如果恰巧打出「1-10分」的順序，就能間接先初步選出心中的名次～可以說是理性感性兼備的完美設計👍🏻
入選決賽的十位選手分數表
因為有了「55分制度」，可以算出所有選手的平均分數：
（筆者：而且此計分制度不容易陷入同燈同分的尷尬狀況...XD）
| 1) Cho 143 / 17 = 8.41
2) Hamelin 138 / 17 = 8.12 3) Kate Liu 120 / 16 = 7.50 4) Eric Lu 103 / 16 = 6.44 5) Yang 73 / 16 = 4.56 6) Shishkin 75 / 17 = 4.41 7) Kobayashi 74 / 17 = 4.35 8) Osokins 61 / 17 = 3.59 9) Nehring 58 / 17 = 3.41 10) Jurinic 50 / 17 = 2.94 |
八卦時間
國外網站的八卦時間XD
問題來了...萬一遇到這種奇特狀況怎麼辦
天才也會遇到反對黨...
2015年首獎得主趙成珍，總決賽同時拿到評審群的最高分與最低分。
你以為只有你人生中會遇見不公平的事情...，其實不然，「不公平」真的可能發生在任何人身上。
但...有能力的人，能夠讓大多數的人對他公平。
韓國人對這樣的分數氣死了，但是他們並未進行鄉民式的抗議，而是紮紮實實在韓國國家研究院的支持之下，由學者們做了一篇學術論文，以精密的數學算式，計算出優秀選手有無可能在蕭邦鋼琴大賽總決賽「55分制」之下，被某位評審的「個人好惡」給做掉呢？
節錄部分論文頁面如下：
實在話，筆者是「文科男」，看到這些算式與圖表之後，我的表情是這樣的「😵😵🤯🤯」，我只能看懂結論而已，在此把這些算式內容留給更厲害的高手吧～😁
本屆得獎者總名單
開打半個多月的波蘭蕭邦鋼琴大賽，已正式公告最終結果
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首獎：劉曉禹 Bruce (Xiaoyu) Liu, Canada
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二獎：兩位並列
Alexander Gadjiev (Italy/Slovenia)
反田恭平 Kyohei Sorita (Japan) -
三獎：Martin Garcia Garcia, Spain
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四獎：兩位並列
小林愛実 Aimi Kobayashi, Japan
Jakub Kuszlik, Poland -
五獎：Leonora Armellini, Italy
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六獎：白君立 J J Jun Li Bui, Canada
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最佳馬祖卡舞曲獎：Jakub Kuszlik
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最佳協奏曲獎：Mr Martin Garcia Garcia
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最佳奏鳴曲獎：Alexander Gadjiev
我愛蕭邦！所有得獎選手感謝觀賞直播的觀眾朋友們❤️
https://youtu.be/yhC00kTFc48
決賽裡每一位選手精彩的協奏曲影片
六獎：白君立 J J Jun Li Bui, Canada
https://youtu.be/GCnLuJd8l1c
五獎：Leonora Armellini, Italy
https://youtu.be/RLZ7zYh9oQg
四獎：兩位並列
小林愛実 Aimi Kobayashi, Japan
https://youtu.be/XcXEL-D-M5Q
Jakub Kuszlik, Poland
https://youtu.be/l-TdSuc0mUc
三獎：Martin Garcia Garcia, Spain
https://youtu.be/KAo0AVuXTbU
二獎：兩位並列
Alexander Gadjiev (Italy/Slovenia)
https://youtu.be/UEfKWSVewWQ
反田恭平 Kyohei Sorita (Japan)
https://youtu.be/3bMF5wS7Mr4
首獎：劉曉禹 Bruce (Xiaoyu) Liu, Canada
https://youtu.be/UcOjKXIR8Iw
延伸閱讀
蕭邦國際鋼琴大賽 華裔鋼琴家劉曉禹獲首獎
其餘決賽精彩選手演奏
饒灝 HAO RAO – final round (18th Chopin Competition, Warsaw)
https://youtu.be/MyTQpbxNIcA
EVA GEVORGYAN – final round (18th Chopin Competition, Warsaw)
https://youtu.be/LHlodYsovHs
最近幾屆首獎得主
Yulianna Avdeeva – Concerto in E minor, Op. 11 (final stage, 2010)
https://youtu.be/CHJ_dl-ouTo
Seong-Jin Cho – Piano Concerto in E minor, Op. 11 (final stage of the Chopin Competition 2015)
https://youtu.be/614oSsDS734
一人超優表現獨走奪得首獎類型
1985年 Stanislav Bunin
https://youtu.be/FOPQn17s5hs
2005年 Rafał Blechacz
https://youtu.be/HYkuBl08xhw
本屆大贏家 - 老爺子鄧泰山
蕭邦導師神力再現～首獎就這麼直接傳承下來啦🌟
同門的凱閔加油～～～之後期待你越來越棒🌹😉
https://youtu.be/TAjK3e0N_tU
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